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FBI – Stagione 8 si apre con una morte importante

La stagione 8 di FBI si apre con una grave perdita per la squadra di Jubal, ma c’è un lato positivo. Nell’ambito del palinsesto televisivo 2025-2026 della CBS, l’unico programma di Dick Wolf trasmesso dalla rete ha gradualmente aumentato il numero di spettatori nel corso degli anni. In qualche modo, FBI ha superato tutti i programmi delle serie Law & Order e One Chicago in termini di ascolti. Detto questo, è logico che sia una delle prime visioni più attese del ciclo.

Ora che la CBS ha deciso di lanciare NCIS’ Super Tuesday, FBI si sposta al lunedì sera e attualmente è l’unico programma del suo genere. La sorprendente cancellazione di FBI: International e FBI: Most Wanted apre la strada all’arrivo di un terzo spin-off, CIA.

Lo show, tuttavia, è stato rinviato alla metà della stagione, consentendo di concentrarsi completamente sul programma di punta.

L’episodio 1 dell’ottava stagione di FBI riprende pochi giorni dopo il finale della settima stagione. Il destino di Isobel rimane incerto, anche se non è chiaro cosa gli riserverà il futuro. Mentre Maggie e OA si ritrovano intrappolate su un’isola e risolvono con successo il caso, la squadra subisce una grave perdita.

Dani Rhodes muore nella stagione 8, episodio 1 di FBI

Mentre Scola e Dani corrono in aiuto di Maggie e OA, circondate dai cittadini male informati, devono ingegnarsi per trovare un modo creativo per entrare nell’isola. In precedenza, l’unico ponte che la collegava alla terraferma era stato fatto saltare in aria, costringendo la SWAT dell’FBI a entrare via mare.

Vengono attaccati mentre attraccano e Dani viene colpita da un proiettile. Lei sostiene che il giubbotto antiproiettile abbia fermato il proiettile, ma non è così. Non rendendosi conto di essere stata colpita all’addome, Dani crolla proprio mentre la situazione si sta calmando.

All’inizio non sembra grave, ma l’episodio 1 della stagione 8 di FBI presenta un doppio colpo di scena: Isobel si è svegliata in ospedale mentre Dani muore sull’isola. Alla fine, la sua morte conclude l’uscita con una nota cupa, soprattutto quando Scola, Maggie e OA accettano la perdita mentre il suo corpo giace a terra.

La morte di Dani è un’uscita migliore dall’FBI per Emily Alabi

Ovviamente, qualsiasi morte, specialmente quella di un personaggio importante, non è una cosa positiva. Dani è entrata a far parte dell’FBI alla fine della stagione 7, dopo una serie di partner falliti per Scola sulla scia dell’uscita di Tiffany dalla serie. La CBS ha provato diversi personaggi da affiancare all’agente di John Boyd, ma c’era sempre qualcosa che non funzionava nella dinamica.

Dani era senza dubbio la migliore partner che Scola avesse avuto dopo Tiffany. Lavoravano bene insieme e avevano un’incredibile intesa. Anche come personaggio individuale era interessante. Non è chiaro perché sia stata eliminata da FBI, ma una morte eroica è un’uscita di scena molto migliore che dare una scusa poco convincente per sbarazzarsi di un personaggio, cosa che è già stata fatta in passato.

Andando avanti, FBI sta introducendo un personaggio completamente nuovo che potrebbe diventare il partner permanente di Scola, interpretato da

Juliana Aidén Martinez. Non si sa molto del personaggio, ma ha un ruolo difficile da ricoprire. Oltre ad essere una degna successora di Tiffany, sostituisce anche Dani, che è morta eroicamente.

A Knight Of The Seven Kingdoms: la spiegazione dell’albero genealogico dei Targaryen

A Knight Of The Seven Kingdoms della HBO punta i riflettori su un altro periodo dell’albero genealogico della Casa Targaryen, con relazioni molto più complicate e nomi ricorrenti presenti dopo Game of Thrones e House of the Dragon. Sebbene A Knight of the Seven Kingdoms sia incentrato principalmente sulla storia di Ser Duncan l’Alto e del suo scudiero “Egg”, i Targaryen continuano a svolgere un ruolo fondamentale come famiglia reale in carica che cerca di ripristinare la propria feroce reputazione.

A Knight of the Seven Kingdoms si colloca temporalmente a metà della precedente serie della HBO, circa 80 anni dopo House of the Dragon e circa 90 anni prima degli eventi di Game of Thrones. Di conseguenza, i membri della famiglia Targaryen si trovano in una posizione difficile, con l’ultimo dei loro draghi recentemente estinto dopo la Danza dei Draghi e la perdita del Trono di Spade all’orizzonte.

Tuttavia, molti Targaryen sono ancora in vita durante A Knight of the Seven Kingdoms, e uno di loro è persino un personaggio chiave in Game of Thrones. Poiché il complesso albero genealogico dei Targaryen può creare un po’ di confusione, ora è disponibile una panoramica di tutti i loro nomi, titoli e relazioni reciproche durante A Knight of the Seven Kingdoms, tutto in un unico posto.

Re Daeron II Targaryen

Padre di Maekar, Baelor, Aerys e Rhaegel

Il sovrano in carica sul Trono di Spade durante Un cavaliere dei sette regni è re Daeron II Targaryen. Daeron “il Buono” Targaryen è il dodicesimo re Targaryen del Westeros, il cui regno è ricordato soprattutto per aver portato pacificamente Dorne nei Sette Regni.

Daeron è il figlio del defunto re Aegon IV Targaryen e di sua sorella-moglie Naera Targaryen, con la sorella di sangue Daenerys e i fratellastri Brynden Rivers, Daemon Blackfyre e Aegor Rivers. Re Daeron II ha quattro figli, Baelor, Aerys, Rhaegel e Maekar, oltre a diversi nipoti, tra cui i sei figli di Maekar, i due figli di Baelor e i tre figli di Rhaegel.

Baelor “Breakspear” Targaryen

Figlio maggiore di re Daeron II, fratello maggiore di Maekar e padre di Baelor

Durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, il principe di Roccia del Drago, Primo Cavaliere del Re ed erede al Trono di Spade è il figlio maggiore di Daeron, Baelor “Breakspear” Targaryen. Nei libri di George R.R. Martin, Baelor ha i capelli scuri di sua madre Myriah Martell invece dei caratteristici capelli argentati dei Targaryen, ed è noto per la sua rispettabilità, le sue abilità di guerriero e il suo onore.

Baelor è il fratello maggiore di Maekar, Aerys e Rhaegel, e zio di Aerion, Daeron, Aemon e Aegon di A Knight of the Seven Kingdoms. Interpretato dall’attore Bertie Carvel nel prequel di Game of Thrones, Baelor è sposato con Lady Jena Dondarrian ed è padre dei loro due figli, Valarr e Matarys Targaryen.

Aerys Targaryen

Secondo figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor e fratello maggiore di Maekar

Il secondo figlio del re Daeron è Aerys Targaryen, fratello minore di Baelor e fratello maggiore di Maekar e Rhaegel. Ha un notevole interesse per le profezie, la magia e il potenziale ritorno dei draghi Targaryen. Sebbene Aerys sia sposato con Aelinor Penrose, la coppia non ha mai avuto figli.

Rhaegel Targaryen

Terzo figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor e Aerys, fratello maggiore di Maekar

Il terzo figlio del re Daeron II Targaryen è il principe Rhaegel Targaryen. Rhaegel è il più misterioso dei figli di Daeron, con molte accuse di essere “pazzo” e malato. Oltre ad essere il fratello minore di Baelor e Aerys e il fratello maggiore di Maekar, Rhaegel è sposato con Lady Ays Arryn ed è padre dei gemelli Aelor e Aelora e di Daenora Targaryen.

Maekar Targaryen

Quarto figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor, padre di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Il quarto e più giovane figlio del re Daeron II Targaryen e Myriah Martell è il principe Maekar Targaryen, interpretato in A Knight of the Seven Kingdoms da Sam Spruell. Noto per la sua durezza, impazienza e forza come guerriero, governa come principe di Summerhall. Maekar è il padre di Daeron, Aerion, Aemon, Aegon, Daella e Rhae Targaryen, nonché fratello minore di Baelor, Aerys e Rhaegel.

Daeron “L’Ubriaco” Targaryen

Figlio maggiore del principe Maekar, fratello maggiore di Aerion, Aemon e Aegon

Il figlio maggiore del principe Maekar Targaryen e di Dyanna Dayne è il principe Daeron “l’Ubriaco” Targaryen, interpretato dall’attore Henry Ashton in My Lady Jane in A Knight of the Seven Kingdoms. Daeron spicca nella storia di Westeros per essere uno dei rari “sognatori di draghi” Game of Thrones, un Targaryen con sogni profetici.

Daeron è spesso consumato dalla sua capacità di sognare i draghi e non ama il combattimento con la spada come i suoi fratelli. È il fratello maggiore di Aerion, Aemon, Aegon, Daella e Rhae, nonché cugino di Valarr e Matarys.

Aerion “Brightflame” Targaryen

Aerion "Brightflame" Targaryen

Secondo figlio del principe Maekar Targaryen

Aerion “Brightflame” Targaryen è il secondogenito e figlio del principe Maekar Targaryen, fratello minore di Daeron e fratello maggiore di Aemon e Aegon. Interpretato dall’attore Finn Bennett della quarta stagione di True Detective, Aerion è ricordato per la sua crudeltà, arroganza e ferocia come combattente. In seguito, Aerion diventa anche un esempio significativo della maledizione della follia che affligge la Casa Targaryen.

Aemon Targaryen

Aemon Targaryen

Terzo figlio del principe Maekar, fratello di Daeron, Aerion e Aegon

Uno dei personaggi più amati di Game of Thrones ritorna in un’epoca diversa come uomo molto più giovane. Conosciuto alla fine come Maester Aemon Targaryen in Game of Thrones, è il giovane principe Aemon Targaryen in A Knight of the Seven Kingdoms, terzo figlio del principe Maekar, fratello minore di Daeron e Aerion e fratello maggiore di Aegon.

Tuttavia, in A Knight of the Seven Kingdoms, il ventenne Aemon ha già trascorso circa un decennio alla Cittadella preparandosi a diventare un maestro. È lì che si trova ancora durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, mentre i suoi fratelli partecipano tutti al torneo di Ashford.

Aegon “Egg” Targaryen

Egg bambino A knight of the seven kingdom's

Figlio minore del principe Maekar, nipote del re Daeron II, fratello minore di Daerion, Aerion e Aemon

Il quarto e più giovane figlio del principe Maekar Targaryen, nipote del re Daeron II Targaryen, nipote di Baelor e fratello minore di Daeron, Aerion e Aemon è il principe Aegon “Egg” Targaryen (Dexter Sol Ansell). Durante A Knight of the Seven Kingdoms, Aegon è un ragazzino portato al torneo di Ashford, dove viene rasato a zero dal fratello maggiore Daeron, prima di fuggire segretamente e incontrare Ser Duncan il Lungo, di cui “Egg” diventa scudiero.

Brynden Rivers

Brynden Rivers

Fratellastro del re Daeron II Targaryen, zio dei principi Baelor e Maekar

Un altro membro significativo della Casa Targaryen in questo momento della timeline dell’universo di Game of Thrones è Brynden “Bloodraven” Rivers. È il figlio bastardo del defunto re Aegon IV Targaryen, fratellastro del re Daeron II Targaryen e zio dei principi Baelor, Aerys, Rhaegel e Maekar.

Poiché Brynden rimane fedele al re Daeron II piuttosto che al suo fratellastro bastardo durante la prima ribellione di Blackfyre, Bloodraven gode di un comando e di un potere più sostanziali nel Westeros. Tuttavia, Bloodraven finisce per diventare più noto nella tradizione della saga come la vera identità del Corvo con Tre Occhi, apparendo anche sia in Game of Thrones che in House of the Dragon.

Daella Targaryen

Figlia maggiore del principe Maekar, sorella di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Sebbene si sappia poco della storia di Daella Targaryen, è un membro della famiglia Targaryen durante A Knight of the Seven Kingdoms in quanto quarta figlia del principe Maekar. Daella è la sorella minore di Daeron, Aerion e Aemon e la sorella maggiore di Aegon e Rhae.

Rhae Targaryen

Figlia minore del principe Maekar, sorella minore di Daeron, Aerion, Aemon, Aegon e Daella

La figlia minore del principe Maekar Targaryen è la principessa Rhae Targaryen. È l’unica figlia di Maekar più giovane di Aegon, quindi è molto giovane durante la linea temporale di A Knight of the Seven Kingdoms. Come per Daella, molto poco è stato rivelato sulla vita della sorella di Egg, Rhae.

Valarr Targaryen

Valarr Targaryen

Figlio maggiore del principe Baelor, nipote del re Daeron II, cugino di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Un altro membro chiave della Casa Targaryen durante A Knight of the Seven Kingdoms è il principe Valarr, figlio maggiore del principe Baelor, nipote del re Daeron II e secondo in linea di successione al Trono di Spade. Come suo padre, Valarr è un Targaryen dai capelli scuri e un abile combattente, anche se il suo status gli impedisce di affrontare avversari pericolosi durante il torneo di Ashford.

Valarr è il fratello maggiore di Matarys e cugino di Daeron, Aerion, Aemon ed Egg, ed è sposato con Kiera di Tyrosh.

Matarys Targaryen

Matarys Targaryen

Figlio minore del principe Baelor e fratello di Valarr

Il secondo figlio del principe Baelor e di Jena Dondarrion è il principe Matarys Targaryen, terzo nella linea di successione al Trono di Spade durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms. Matarys è il fratello minore di Valarr e cugino di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon.

Monster – Stagione 4: conferma, cast e tutto quello che sappiamo

La serie antologica Monster di Netflix, creata da Ryan Murphy, ha già pubblicato tre stagioni e una quarta è in arrivo. Il produttore Ryan Murphy ha perfezionato il formato antologico con le serie American Horror Story e American Crime Story. Tuttavia, la serie Monster è diventata rapidamente una delle più popolari e controverse.

La terza stagione ha seguito lo schema delle due precedenti, con le recensioni di Monster: The Ed Gein Story fortemente divise. I critici condannano gli episodi come inutilmente grotteschi e sensazionalistici. Nonostante la risposta negativa alle prime due stagioni, Netflix ha rinnovato la serie per la quarta stagione prima ancora che la terza fosse stata pubblicata.

La prossima stagione andrà ancora più indietro nel tempo rispetto a tutte le stagioni precedenti, seguendo la famigerata presunta assassina Lizzie Borden, che in realtà è stata assolta. Ecco tutti i dettagli che conosciamo sulla quarta stagione di Monster.

Ultime notizie sulla quarta stagione di Monster

What’s On Netflix ha fornito un’anteprima esclusiva del dietro le quinte della quarta stagione di Monster. Dato il successo della terza stagione di Monster, la notizia più entusiasmante è che sono state fornite delle foto di Charlie Hunnam, che ha interpretato Ed Gein nella terza stagione e interpreterà Andrew Borden nella quarta, con una lunga tunica marrone e capelli ricci lunghi.

Inoltre, Ella Beatty, che interpreta Lizzie Borden, è ritratta con un lungo abito rosa e bianco e una corona di fiori. Vicky Krieps, che interpreta Ilse Koch nella terza stagione e la domestica Bridget Sullivan nella quarta, è ritratta in una foto mentre cammina con Beatty.

La quarta stagione di Monster è confermata

Nonostante le continue polemiche che hanno accompagnato ogni stagione, Monster è una delle serie più popolari di Ryan Murphy, quindi non sorprende che Netflix abbia rinnovato la serie poliziesca per la quarta stagione prima ancora che la terza fosse stata pubblicata. Lo scandalo continua a far guadagnare loro soldi.

Al momento del rinnovo, hanno anche rivelato che il soggetto sarebbe stato Lizzie Borden, assolto per l’omicidio del padre e del patrigno nel 1893, nonostante l’opinione prevalente fosse che fosse stata lei a commetterli. Questa è la prima donna “Monster” ad entrare a far parte della serie.

Poiché gli omicidi sono avvenuti il 4 agosto 1892, questa stagione di Monster è quella che meno rischia di suscitare polemiche. Tutte le persone coinvolte nel crimine o direttamente colpite sono decedute. Detto questo, ci sono pochissime informazioni concrete sulla motivazione o sui crimini effettivi, lasciando spazio a inutili libertà creative.

Stato di produzione della quarta stagione di Monster

Giovedì 9 ottobre 2025, secondo Deadline, sono iniziate le riprese della quarta stagione di Monster a Los Angeles. Sulla base del programma delle riprese delle stagioni passate, queste si protrarranno probabilmente fino all’inizio del 2026. Se le riprese termineranno nella primavera del 2026, la quarta stagione della serie di successo dovrebbe uscire nell’autunno del 2026.

Il cast della quarta stagione di Monster

I ruoli principali della quarta stagione di Monster sono già stati assegnati. Ella Beatty, un’attrice emergente con pochi ruoli alle spalle, interpreterà Lizzie Borden. Billie Lourd interpreterà la sorella di Bordon, Emma. Rebecca Hall interpreterà Abby Borden, la matrigna che viene assassinata.

Jessica Barden interpreterà Nance O’Neill, un’attrice realmente esistita che fu una breve conoscenza di Borden. Le due furono presto oggetto di voci su una relazione lesbica (tramite University of Michigan Press), e non era la prima volta che Lizzie Borden era oggetto di voci su una relazione lesbica.

Inoltre, Monster romperà una tradizione della serie concentrandosi su una donna e riportando in scena attori precedenti. Mentre è comune per American Horror Story e American Crime Story di Ryan Murphy riutilizzare attori in ruoli diversi, Monster non ha adottato questo approccio fino alla quarta stagione. Almeno due membri del cast della terza stagione di Monster torneranno nella quarta puntata.

Charlie Hunnam interpreterà il padre del presunto assassino, ucciso brutalmente con un’ascia. Inoltre, Vicky Krieps interpreterà la domestica dei Borden, Bridget Sullivan. A seconda della teoria sul movente che useranno per gli omicidi, Bridget potrebbe avere un ruolo importante nella stagione.

Dettagli della trama della quarta stagione di Monster

Anche chi non conosce il caso di Lizzie Borden potrebbe aver sentito il suo nome, poiché è stata mitizzata da una filastrocca infantile utilizzata nei giochi con le mani e con la corda per saltare. La macabra filastrocca scolastica recita così:

“Lizzie Borden prese un’ascia

E diede a sua madre 40 colpi

Quando vide ciò che aveva fatto

Ne diede 41 a suo padre”.

Nella vita reale, Lizzie Borden è una donna che potrebbe aver ucciso o meno suo padre e la sua matrigna con un’ascia. Secondo Britannica, i due sono stati trovati assassinati, con Abby, la matrigna di Lizzie, colpita 18 volte, e Andrew, il padre di Lizzie, colpito 11 volte. Lizzie era la principale sospettata.

La maggior parte delle prove fu ritenuta inammissibile, fornendo ai giurati un quadro incompleto. Le prove utilizzate nel processo erano quasi esclusivamente circostanziali, il che contribuì alla sua assoluzione. Dopo essere stata dichiarata non colpevole, fu osteggiata per il resto della sua vita.

Sebbene gli storici concordino generalmente sul fatto che Borden abbia probabilmente commesso gli omicidi, tutte le ragioni fornite sono semplici speculazioni. Pertanto, la quarta stagione di Monster avrà ampio margine di manovra nel modo in cui sceglierà di rappresentare il crimine.

Vision Quest: Paul Bettany anticipa il capitolo finale della trilogia di WandaVision

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Il New York Comic Con ha rivelato che la prossima serie, Vision Quest, completerà la trilogia WandaVision di Disney+ (le puntate precedenti sono WandaVision e Agatha All Along). Il protagonista dell’ultima puntata, Paul Bettany, ha rivelato cosa possono aspettarsi gli spettatori nel finale epico.

Vision Quest si svolge dopo gli eventi di WandaVision. Seguirà White Vision mentre cerca di recuperare i suoi ricordi e riscoprire se stesso dopo essere stato ricostruito.

In un’intervista con ScreenRant al New York Comic-Con, Bettany spiega come Vision Quest si distingua dai suoi predecessori e il complicato rapporto che il suo personaggio, White Vision, ha con suo figlio, Tommy Maximoff, e loda lo showrunner, Terry Matalas.

L’attore ha rivelato che è a Matalas che va il merito delle incredibili storie che stanno per svolgersi. “Penso che Terry Matalas, il nostro intrepido leader, showrunner e visionario, abbia ideato una storia fantastica, ed è questo che mi spinge a tornare. Le storie sono avvincenti, almeno per me. Credo che potrebbero essere avvincenti anche per qualcun altro.

Alla domanda su come la serie renderà omaggio alle altre due serie, Bettany ha risposto che, pur onorando le serie gemelle, è anche in grado di reggersi da sola. Ha spiegato: “Penso che sia così, è sicuramente evocativa e parte di quella trilogia, ma è anche molto altro. Ha un suo DNA”.

Uno degli elementi più attesi della serie è suo figlio Tommy, gemello di Billy Maximoff (Wiccan), apparso in Agatha All Along. Sebbene Bettany sia rimasto molto vago sul suo ruolo nella serie, ha rivelato qualche piccola informazione sulla loro relazione. “[È] complicato ed è tutto quello che posso dire al riguardo.” Anche se al momento si sa molto poco di Tommy, è lecito supporre che il pubblico assisterà a una riunione tra lui e Billy. Agatha All Along si conclude con quest’ultimo alla ricerca del fratello.

Vision Quest debutterà su Disney+ nel corso del 2026.

FOTO DI COPERTINA: Paul Bettany al photocall per “Solo: A Star Wars Story” al 71° Festival di Cannes. Foto di Featureflash via DepositPhotos.com

Stranger Things – Stagione 5: svelata la durata dei primi quattro episodi

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Le voci sulla durata degli episodi di Stranger Things – Stagione 5 sono state ampiamente esagerate.

Ross Duffer, co-creatore del colosso Netflix con il fratello Matt Duffer, ha rivelato la durata dei primi quattro episodi dell’ultima stagione della serie sul suo account Instagram. La première della quinta stagione, “The Crawl”, durerà un’ora e 8 minuti; l’episodio 2 (il cui titolo non è ancora stato rivelato) durerà 54 minuti; l’episodio 3, “The Turnbow Trap”, durerà un’ora e 6 minuti; e l’episodio 4, “Sorcerer”, durerà un’ora e 23 minuti.

Il post smentisce i post diventati virali sui social media che sostenevano che ogni episodio della quinta stagione sarebbe durato almeno 90 minuti, così come un articolo di Puck News del 6 ottobre secondo cui gli episodi “dureranno da 90 minuti a due ore“.

Dopo essere andata in onda quasi interamente per un’ora o meno a episodio dalla prima puntata della serie nel 2016, la quarta stagione di Stranger Things si è ampliata notevolmente: tutti gli episodi tranne uno sono durati più di 70 minuti, e gli ultimi tre episodi sono stati tutti lungometraggi, con il finale che ha raggiunto le due ore e 22 minuti.

Netflix sta suddividendo la quinta stagione della serie in tre uscite distinte: i primi quattro episodi debutteranno il 26 novembre, durante le vacanze del Ringraziamento, con “Sorcerer” che fungerà da finale di metà stagione. I successivi tre episodi debutteranno a Natale e il finale, “The Rightside Up”, debutterà a Capodanno. Insieme ai fratelli Duffer, gli episodi sono stati diretti dal produttore esecutivo Shawn Levy e dal regista Frank Darabont (“Le ali della libertà”).

Stranger Things Stagione 5, i dettagli

Il cast della quinta stagione vedrà il ritorno di tutti i volti principali. Millie Bobby Brown sarà ancora Undici, pronta a usare i suoi poteri in una battaglia decisiva. Fanno poi parte del cast Finn Wolfhard (Mike), Noah Schnapp (Will), Gaten Matarazzo (Dustin), Caleb McLaughlin (Lucas), Sadie Sink (Max) e Natalia Dyer (Nancy), Joe Keery (Steve), Charlie Heaton (Jonathan), Maya Hawke (Robin), Winona Ryder (Joyce) e David Harbour (Hopper). Grande attesa anche per il ritorno di Jamie Campbell Bower nel ruolo di Vecna/Henry, ancora più potente e vendicativo.

Ritorno al Futuro – Parte III: la spiegazione del finale del film

Il finale di Ritorno al futuro – Parte III mostra il dottor Emmett Brown (Christopher Lloyd) che vola su un treno che viaggia nel tempo e sorprende un triste Marty McFly (Michael J. Fox), che era triste perché pensava che forse non avrebbe mai più rivisto Doc. Il terzo capitolo della trilogia, ambientato nel 1885, è un film di fantascienza western che segue Marty nel selvaggio West, dove si reca per aiutare Doc a tornare al presente. Questo 1885 è una delle tante linee temporali alternative di Ritorno al futuro che i personaggi creano inavvertitamente durante il loro caotico viaggio che abbraccia una trilogia di film.

Ritorno al futuro – Parte II terminava con la rivelazione che Doc è stato mandato nel 1885, preparando il viaggio di Marty nel sequel. Questo è il motivo per cui le date di uscita dei due film erano vicine, poiché sono stati girati insieme, il che spiegherebbe il senso di continuità. Tuttavia, alla fine di Ritorno al futuro – Parte III, le loro avventure sembrano essere finite per sempre. Marty è triste perché non rivedrà mai più Doc, ma una sorpresa attende lui e gli spettatori. Questo terzo film rompe inoltre la maledizione della trilogia essendo un fantastico terzo e ultimo capitolo.

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Cosa succede a Doc nel finale

Doc e Marty escogitano un modo per far sì che il treno locale spinga la loro macchina del tempo per aiutarli a tornare al 1985 nel terzo atto di Ritorno al futuro – Parte III. Tuttavia, Doc si rende conto di voler vivere il resto dei suoi giorni con Clara Clayton (Mary Steenburgen), l’amore della sua vita, nel 1885, e dice addio a Marty, dandogli istruzioni per distruggere la macchina del tempo. Dopo essere stato rimandato al 1985, Marty è triste perché non rivedrà più Doc, ma Doc arriva su un treno che viaggia nel tempo, in una delle scene più iconiche della trilogia di Ritorno al futuro.

Probabilmente Doc ha usato la tecnologia dell’auto che lo ha mandato originariamente nel 1885. Dato che aveva già capito come far viaggiare i treni alla velocità richiesta di 88 miglia all’ora, questo deve avergli permesso di viaggiare nel tempo in treno. La scena presenta anche ai telespettatori i suoi due figli, Jules e Verne, chiamati così in onore di Carla e del suo autore preferito, Jules Verne. Aveva già viaggiato in vari luoghi storici con la sua famiglia e aveva fatto una sosta nel 1985 per rassicurare Marty che si sarebbero rivisti.

Marty e la sua ragazza Jennifer Parker (Elisabeth Shue) stavano camminando lungo gli stessi binari su cui il treno del 1885 aveva spinto Marty, lamentandosi del fatto che, senza una macchina del tempo, non avrebbe mai più potuto rivedere Doc. Quindi, l’arrivo di Doc è una sorpresa sia per lui che per il pubblico. Hanno una breve interazione durante la quale Doc dice che non ha più paura delle conseguenze negative del viaggio nel tempo, poiché sono causate dalle persone cattive e la tecnologia in sé è utile. Marty è felice di vedere lui e la sua famiglia, e lui e Jennifer li salutano mentre partono per un’altra avventura.

Ritorno al futuro - Parte III

Perché Doc non poteva tornare al 1985 con Marty

Il piano originale che Marty e Doc avevano elaborato prevedeva di spingere la loro DeLorean, in grado di viaggiare nel tempo, a 88 miglia all’ora con un treno, in modo da riportarli al 1985. Per farlo, dovevano fermare il treno locale e usare i tronchi speciali creati da Doc, che fornivano al treno l’energia in eccesso necessaria per raggiungere una velocità così assurdamente alta per l’epoca. Mentre riescono a farlo in tempo, Doc deve rimanere nella cabina del treno per mettere i tronchi nel fuoco, mentre Marty siede in macchina e informa Doc sulla velocità e il tempo rimanente.

Proprio quando Doc tenta di spostarsi dalla cabina del treno alla DeLorean, dopo aver gettato l’ultimo ceppo nel fuoco, Clara appare dietro al treno per cercare di raggiungere Doc. La sua vita è in pericolo a causa della velocità del treno, che minaccia di farla cadere. Fortunatamente, Marty ha ancora il suo hoverboard del 2015 e lo manda indietro a Doc, che lo usa per mantenere l’equilibrio e tenere Clara. Tuttavia, queste manovre richiedono troppo tempo e la DeLorean non può ospitare tre persone, quindi Doc deve rimanere nel 1885 mentre Marty va nel 1985.

Perché Marty non poteva tornare indietro nel tempo

Doc Brown, che ha uno dei migliori cameo a sorpresa nella storia del cinema in A Million Ways To Die in the West, riprendendo il suo personaggio del 1885, era convinto in Ritorno al futuro – Parte III che la macchina del tempo dovesse essere distrutta. Tutti e tre i film di Ritorno al futuro esplorano gli effetti negativi dell’interferenza con la linea temporale, e Ritorno al futuro – Parte II in particolare esplora come tale tecnologia possa essere utilizzata in modo improprio da malfattori egoisti, portando a catastrofi cosmiche.

Quindi, quando Marty lascia il 1885 da solo, una delle cose che Doc gli dice è che deve distruggere la DeLorean in modo che nessuno possa più abusare della sua invenzione. Indipendentemente dalle intenzioni di Marty, però, dato che l’auto appare su un binario ferroviario funzionante nel 1985 e non ha carburante a causa della mancanza di benzina nel 1885, Marty non ha altra scelta che lasciarla distruggere da un treno in corsa. Sfugge per un pelo alla morte e guarda con orrore l’invenzione di Doc ridotta in mille pezzi, e si rende conto che il viaggio nel tempo è ufficialmente impossibile di nuovo.

Sebbene non sia confermato, si può supporre, in base al linguaggio del corpo di Marty, che avrebbe preferito che ciò accadesse più tardi e in modo diverso. Potrebbe anche aver pianificato di tornare indietro nel tempo per andare a prendere Doc e Clara. Tuttavia, sembra piuttosto felice che Doc abbia trovato la sua compagna di vita ed è possibile che sia semplicemente triste per non aver potuto salutare adeguatamente Doc o la DeLorean. Entrambi gli addii sono piuttosto affrettati e Marty è costretto a rassegnarsi in fretta all’idea di non rivedere mai più Doc e di non tornare mai più indietro nel tempo.

Christopher Lloyd in Ritorno al futuro - Parte III

Perché Doc non vuole più distruggere la macchina del tempo

Dato che Doc costruisce un treno che viaggia nel tempo, ciò implica che ha cambiato idea e ha rivalutato la sua posizione sui viaggi nel tempo. Naturalmente, Clara deve aver avuto un effetto su di lui. Quando rivela la sua vera identità di proveniente dal futuro, Clara inizialmente lo liquida come un imbroglione, ma poi si rende conto che non stava mentendo. Questo non solo cambia il futuro di Doc, ma anche quello di Clara. La storia dice che Clara sarebbe dovuta morire, e Doc è colui che l’ha salvata, quindi cambiare il passato è il modo in cui ha incontrato l’amore della sua vita.

Gli effetti positivi del cambiamento del passato devono averlo convinto che non è poi così male. Anche prima dell’inizio di Ritorno al futuro – Parte III, Doc era sicuro che non sarebbe tornato al 1985, come aveva scritto nella sua lettera a Marty in cui gli diceva di non venire a cercarlo. Ma, dopo il loro disaccordo, ha cambiato idea, solo per decidere di nuovo il contrario. A un certo punto, deve aver capito che siamo noi a creare il nostro destino, come dice nel suo ultimo incontro con Marty dopo aver portato il treno nel 1985, ed è per questo che non è più contrario ai viaggi nel tempo.

Doc deve aver riscoperto il suo amore per i viaggi nel tempo che lo aveva originariamente motivato a costruire la macchina. Sia Clara che Doc sono grandi fan di Jules Verne e dell’esplorazione scientifica, quindi è chiaro come Clara lo abbia aiutato a capire perché i viaggi nel tempo non sono intrinsecamente negativi. Inoltre, la maggior parte degli impatti sul futuro nel corso di Ritorno al futuro – Parte III, come Marty che salva la vita a Doc e il bullo della città Buford che viene umiliato, devono averlo convinto che a volte non è una cattiva idea interferire con la linea temporale.

Una scena di Ritorno al futuro - Parte III

Come funziona il treno che viaggia nel tempo di Doc

Nel corso della trilogia di Ritorno al futuro, intravediamo il genio del dottor Emmett Brown. Sebbene la sua introduzione sia praticamente legata all’invenzione del viaggio nel tempo, i film ci mostrano momenti di genialità quotidiana per descrivere quanto sia intelligente. Quindi, è logico che, nonostante i mezzi limitati a sua disposizione nel 1885, sia riuscito a trovare un modo per far funzionare il viaggio nel tempo. In primo luogo, aveva ancora la sua auto di Ritorno al futuro – Parte II che lo aveva portato nel 1885 e, in secondo luogo, aveva trovato un modo per far viaggiare un treno a 88 miglia all’ora.

Questi due dettagli, entrambi menzionati in Ritorno al futuro – Parte III, possono spiegare come Doc possa aver viaggiato in un luogo nel futuro. Una volta lì, non sarebbe stato difficile per lui equipaggiare il treno con un dispositivo di volo e magari sostituire i tronchi pericolosamente esplosivi con carburante organico, come aveva fatto con la DeLorean in Ritorno al futuro – Parte II. Il flusso canalizzatore, che permette di viaggiare nel tempo, avrebbe potuto semplicemente essere preso in prestito dalla DeLorean che già possedeva e, una volta ottenuto, il resto sarebbe stato intuitivo per uno scienziato brillante come lui.

Il vero significato del finale di Ritorno al futuro – Parte III

Doc Brown tiene un appassionato discorso sul destino e sul futuro nella scena finale di Ritorno al futuro – Parte III. Spiega che il futuro di nessuno è scolpito nella pietra e che siamo noi a creare il nostro destino. Si tratta di una chiara deviazione dalla sua filosofia espressa in tutta la trilogia, in cui è convinto che il futuro sia predeterminato e che i viaggi nel tempo lo alterino. Sebbene pronunci queste parole ai personaggi del film, è chiaro che il messaggio di Doc è rivolto anche agli spettatori.

Il punto centrale della trilogia è descrivere come plasmiamo il nostro futuro prendendo delle decisioni. L’esempio più recente è quello di Marty che sceglie di andarsene dopo essere stato preso in giro, il che gli evita l’incidente e gli garantisce una carriera redditizia come rock star in futuro. In Ritorno al futuro, il padre di Marty tiene testa al suo bullo, cambiando per sempre la loro dinamica. Doc supera la sua paura di cambiare la linea temporale e salva anche la sua vita. Il messaggio principale della serie è che se prendiamo le decisioni giuste, possiamo creare un futuro migliore per noi stessi.

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I mercenari 4: la spiegazione del finale del film

Il finale di I mercenari 4 include un ribaltamento di morte, la rivelazione di un cattivo a sorpresa e molto altro ancora, preparando il terreno per il futuro del franchise. Il quarto capitolo della serie sposta completamente il focus narrativo su Lee Christmas, interpretato da Jason Statham, mentre Barney Ross, interpretato da Sylvester Stallone, ha un ruolo inaspettato rispetto ai film precedenti. La trama ruota attorno agli Expendables che tentano di sconfiggere Rahmat (Iko Uwais) e impedire l’esplosione di una bomba nucleare che darebbe inizio alla terza guerra mondiale. Sono motivati a farlo dopo che Rahmat uccide Barney Ross nella scena iniziale del film, il che porta Christmas ad essere espulso dalla squadra.

L’intera scena che precede un potenziale finale di I mercenari 4 si svolge a bordo di una portaerei che ospita una bomba nucleare. Gina (Megan Fox) guida gli Expendables a bordo della nave, ma finiscono per diventare prigionieri in attesa che Christmas li salvi e li aiuti a scoprire la vera identità di Ocelot, un misterioso cattivo che Barney ha cercato di smascherare 25 anni prima. Il finale permette al film di portare a termine tutte le trame principali rivelando la verità sulla morte di Barney, chi è Ocelot, il piano del cattivo e altro ancora. Significa anche lasciare la porta aperta per il proseguimento della serie.

Barney Ross è vivo e come ha finto la sua morte

Il momento clou alla fine di I mercenari 4 è la conferma che la morte di Barney Ross è stata inscenata. Il pubblico sarà sicuramente sospettoso di questo destino mortale per il personaggio di Sylvester Stallone, considerando quanto presto accade nel film, ma le prove della sua scomparsa sono abbondanti. L’aereo della squadra di Expendables precipita senza alcun segno di fuga di Barney, e il film decide di mostrare un corpo carbonizzato che indossa il suo caratteristico anello ancora nella cabina di pilotaggio. Tuttavia, Barney ritorna per salvare la situazione, poiché è responsabile dell’uccisione di Ocelot e del salvataggio di Christmas dalla morte.

Le domande su come Barney Ross abbia finto la sua morte trovano una risposta diretta nei momenti finali di I mercenari 4. Egli rivela a Christmas che il corpo che ha sostituito Barney non era altro che quello di Jumbo Shrimp, l’uomo che ha vinto l’anello di Barney in una gara di lotta con i pollici che Christmas ha combattuto al bar all’inizio del film. Barney rivela di averlo rapito in seguito e di averlo nascosto a bordo dell’aereo. Jumbo Shrimp indossa il tipico abbigliamento del gruppo e l’anello di Barney quando si sveglia con l’aereo in procinto di schiantarsi. Barney si lancia con il paracadute dall’aereo prima dello schianto e scompare per rendere credibile la sua morte.

Megan Fox in I mercenari 4
Megan Fox in I mercenari 4

L’identità di Ocelot, il piano del cattivo e la storia con Barney spiegati

L’altro grande mistero di I mercenari 4 che viene finalmente svelato alla fine è chi sia realmente Ocelot e cosa voglia. La rivelazione porta alla luce la verità che Marsh (Andy Garcia), l’agente della CIA che ha lavorato con Barney anni prima e ha portato il gruppo ad abbattere Rahmat, è il cattivo. Marsh e Barney hanno lavorato alla missione originale 25 anni fa, che aveva lo scopo di svelare l’identità di Ocelot e che ha portato alla morte di tutti i membri della squadra di Barney. Ha assunto la squadra e li ha accompagnati nella missione finale per sconfiggere Rahmat, con l’intento di incolparli dell’inizio della terza guerra mondiale.

Le motivazioni di Marsh in I mercenari 4 nei panni di Ocelot sono piuttosto semplici. Crede che la terza guerra mondiale sia inevitabile e sa che qualcuno trarrà profitto dal suo inizio. Per questo è ansioso di far esplodere la bomba nucleare in Russia e incastrare l’America per l’incidente. Marsh riappare come Ocelot dopo la morte di Barney perché questo rende pubblico un file sull’identità dell’unico uomo che conosceva la vera identità di Ocelot. Marsh finge di essere un ostaggio di Rahmat per far uscire il prigioniero dalla custodia della CIA e lo uccide nella speranza di mantenere segreta per sempre la sua identità di cattivo. Questo avrebbe funzionato se Barney non avesse finto la sua morte.

Perché Lee Christmas non è sceso dalla portaerei

Prima del ritorno di Barney e della morte di Ocelot, Lee Christmas prende una decisione piuttosto sorprendente: rimanere sulla nave dopo che il resto della squadra è riuscita a scappare sana e salva. Doveva essere l’ultimo a scendere in salvo sulla barca di Decha (Tony Jaa), ma taglia la corda in un atto di sacrificio. Il personaggio di Jason Statham decide di rimanere sulla portaerei per poterla far tornare indietro prima che raggiunga la Russia ed esploda. Vuole compiere il sacrificio estremo proprio come pensa abbia fatto Barney all’inizio del film. Christmas sarebbe morto sulla nave se Barney non fosse venuto in suo soccorso.

Che fine ha fatto Rahmat? È morto?

Una domanda che rimane senza risposta è che fine abbia fatto Rahmat. Il cattivo interpretato da Iko Uwais è stato gravemente ferito in uno scontro con Lee Christmas verso la fine del film. Tuttavia, Rahmat è riuscito a fuggire inaspettatamente quando Christmas ha distolto la sua attenzione dal cattivo apparentemente moribondo per occuparsi di Gina. I mercenari 4 non spiega come Rahmat sia sfuggito alle grinfie di Christmas, ma il suo destino è probabilmente segnato in ogni caso. La barca di Decha era l’unico modo per lasciare la portaerei prima che Barney la affondasse e la bomba nucleare esplodesse. Ciò dovrebbe significare che Rahmat è morto, a meno di un sorprendente retcon nella trama di I mercenari 5.

Sylvester Stallone, Jason Statham e 50 Cent in I mercenari 4
Sylvester Stallone, Jason Statham e 50 Cent in I mercenari 4

Qualcun altro era a conoscenza del piano di Barney per fingere la propria morte?

L’intera trama di The Expendables 4 è piena di mistero e colpi di scena, il che rende un po’ confuso il piano finale in atto per quanto riguarda chi fosse a conoscenza della verità su ciò che stava accadendo. Mentre Gina sapeva del localizzatore nel coltello di Christmas e aveva pianificato il suo arrivo, non è chiaro se qualcun altro fosse a conoscenza del piano di Barney di fingere la propria morte. È chiaro che Lee Christmas e Marsh non ne erano a conoscenza, così come Toll Road (Randy Couture), Gunner (Dolph Lundgren) e altri. Se qualcun altro era a conoscenza del piano di Barney, potrebbe essere stata Gina, considerando che ha lavorato a stretto contatto con lui prima dell’evento.

Come I mercenari 4 prepara I mercenari 5: chi è ancora nella squadra

Non c’è un collegamento diretto tra I mercenari 5 e il finale di I mercenari 4, ma la porta è indubbiamente lasciata aperta. Il film si conclude con la squadra di ritorno al bar che festeggia il fatto che Barney sia vivo e che la relazione tra Gina e Christmas sia stata riaffermata. Questo semplice fatto significa che un sequel è possibile. Finché i personaggi di Stallone e/o Statham saranno ancora presenti, potranno esserci altri film a seconda del successo al botteghino di I mercenari 4. Megan Fox è persino pronta a tornare nei panni di Gina per un potenziale spin-off femminile, se ciò dovesse interessare.

Se I mercenari 5 dovesse essere realizzato, la squadra sembra essere già in gran parte definita. Barney potrebbe assumere un ruolo di leadership ancora più importante ora che è tornato, mentre Christmas può prendere il suo posto legittimo come leader della squadra in sua assenza. Toll Road e Gunner sono ancora presenti e in grado di dare il loro contributo, così come i nuovi membri Easy Day (50 Cent), Galan (Jacob Scipio) e Lash (Levy Tran). C’è anche una porta aperta per Dacha, che potrebbe rimanere ancora una volta un membro del gruppo. Naturalmente, il finale di I mercenari 4 non impedisce né l’ingresso di nuovi personaggi né il ritorno dei veterani del franchise per completare il roster.

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Quicksand: la spiegazione del finale del film

Quicksand è un thriller mistery colombiano diretto da Andres Beltran, che ha come protagonisti principali Carolina Gaitán e Allan Hawco. La sceneggiatura, scritta da Matt Pitts, segue una coppia sposata sull’orlo del divorzio. Mentre i due viaggiano in Colombia per una conferenza di lavoro, finiscono intrappolati nelle sabbie mobili durante un’escursione nella foresta pluviale. Il film segue principalmente la lotta della coppia per uscire da queste sabbie mobili reali, soffermandosi al tempo stesso sulle loro paure, sul risentimento reciproco e sui pensieri repressi e mai espressi che entrambi custodiscono nella mente.

La trama di Quicksand

Quicksand inizia con la scena di un uomo armato che attraversa una fitta foresta, terrorizzato a morte. All’improvviso qualcuno gli tocca la spalla: è Diego (Andrés Castañeda), che gli dice che dovrebbero stare insieme. L’uomo, però, è spaventato dal luogo in cui sono entrati e vuole scappare. Non gli importa del bracconaggio di pelle di serpente a cui Diego sembra interessato. Mentre fugge da lui, scivola nel fango e cade accanto a un cadavere. Si passa poi alla storia di una coppia che arriva in un hotel colombiano.

Josh (Allan Hawco) chiede a Sofia (Carolina Gaitán) delle sue esperienze passate in quel luogo. Lei rifiuta di entrare nei dettagli e invece gli chiede di ricaricarle il telefono per poter parlare con i loro figli rimasti a casa. La distanza emotiva tra loro diventa evidente già nei primi momenti del loro dialogo. Alla fine, in hotel, Marcos (Sebastian Eslava) li accoglie e sottolinea quanto ci sia bisogno di operatori sanitari in Colombia, ringraziando Sofia per aver deciso di venire. Marcos aveva organizzato un modo affinché la coppia passasse un po’ di tempo insieme prima della conferenza di Sofia.

Ciò che non sapeva è che i due avevano già deciso di divorziare. Restano distanti anche quando raggiungono la loro stanza. Più tardi, quella sera, cenano insieme a Marcos. Sofia fa notare di aver smesso di mangiare carne dopo la nascita del loro bambino. Marcos continua comunque a mangiare, cosa che la infastidisce. Poco dopo, Marcos chiede a Josh di fare un’escursione insieme. Sofia dice che piacerebbe anche a lei unirsi, cosa che Josh trova un po’ strana. Appena Sofia si allontana dal tavolo, Josh rivela che stanno per separarsi.

Sembra particolarmente ferito dalla fine della loro relazione, ma la considera inevitabile. Il giorno seguente, Sofia decide di andare a fare un’escursione da sola. Josh mostra preoccupazione per la sua sicurezza, quindi lei accetta di farsi accompagnare. Parlano con il concierge per capire il percorso. L’uomo li avverte di non entrare in una zona particolarmente pericolosa chiamata Las Arenas, a causa del rischio di terreni instabili e serpenti. Sofia è d’accordo nel dire che dovrebbero evitare quel sentiero, anche se potrebbe fargli risparmiare tempo.

Quando la coppia parte, il concierge guarda verso Diego, che subito dopo si allontana. Nel frattempo, Josh accompagna Sofia a La Chorrera. Scendono dall’auto e iniziano a camminare tra la vegetazione. A malapena si scambiano qualche parola per tutto il tragitto. Col tempo, Josh comincia a sentirsi a disagio per l’altitudine. Nota che il cielo si sta coprendo e propone di tornare indietro. Secondo lui sarebbe troppo rischioso continuare, considerando la possibilità di pioggia.

Tornano alla macchina e trovano un uomo lì vicino: è Diego. Josh dice a Sofia di nascondersi finché non avrà parlato con lui. Nota che Diego è armato e cerca di calmare la situazione. Diego chiede dei soldi, e Josh rifiuta. Mente anche dicendo che Sofia non lo ha accompagnato nell’escursione. Ma quando Diego si mostra sempre più agitato, Sofia viene fuori. Visto che la situazione sfugge al controllo, i due gli lanciano lo zaino in faccia per distrarlo e scappare.

Sofia nota un cartello che indica la direzione per Las Arenas. Suggerisce di andare lì perché Marcos non si avventurerebbe in un’area così rischiosa. Josh inizialmente si oppone, ma poi accetta di nascondersi lì per il momento. Lei si arrabbia con lui perché, a suo dire, vuole sempre fare l’eroe. Sentendo degli spari, Sofia corre verso Las Arenas. All’improvviso avverte una forte vertigine e confusione. Perde i sensi e li riprende dopo un po’. Cammina ancora un po’ e si ritrova intrappolata nelle sabbie mobili.

Carolina Gaitán e Allan Hawco in Quicksand
Carolina Gaitán e Allan Hawco in Quicksand

La spiegazione del finale di Quicksand

Josh corre alla ricerca di Sofia. All’improvviso la vede bloccata nel fango e si precipita verso di lei. Decide di aiutarla con un bastone, ma questo si spezza a metà, e lei continua a sprofondare sempre di più. Alla fine, le sabbie mobili la inghiottono quasi del tutto. A quel punto, Josh decide di saltare dentro anche lui. Così, rimangono entrambi intrappolati. Josh cerca di ragionare per capire come uscire da quella situazione. Nel frattempo, Sofia sente qualcosa sotto di lei. Lo tira fuori e scopre che è un cadavere.

Josh prende da sotto il corpo una pistola e una borsa. Spingono via il cadavere e aprono lo zaino. Josh si chiede cosa stesse cercando quell’uomo in quel posto. Poi cerca di capire un modo per uscire. Per farlo, chiede a Sofia di creare un laccio tagliando la borsa, così da poterlo lanciare verso una roccia e tirarsi fuori. Mentre i due sono ancora bloccati lì, Marcos si preoccupa sempre di più per la loro scomparsa. Nota Diego nella hall dell’hotel con lo zaino di Josh e lo affronta. La sicurezza cerca di dividerli, ma finisce per metterli entrambi in custodia.

Marcos interroga Diego e scopre che la coppia si trova a Las Arenas. Capisce che sono in estremo pericolo e chiede al direttore dell’hotel di farlo uscire. Nel frattempo, Sofia lancia il laccio, ma si rende conto che è troppo corto. Josh propone di aggiungere la sua giacca per allungarlo. Cerca di restare ottimista, dicendo che qualcuno li starà cercando anche se lei non ci crede più. Poco dopo, sentono un elicottero passare sopra di loro. Urlano per attirare l’attenzione, ma inutilmente. Allora Sofia decide di accendere un fuoco per farsi notare.

Josh però è contrario, perché quello è l’unico oggetto che possono usare per salvarsi. Vedendo Sofia perdere la speranza, Josh cerca di tirarla su di morale. All’improvviso, delle formiche cominciano a morderla. Lui versa della vodka sulle punture per alleviare il bruciore. Le confessa di avere quella bottiglia nonostante le avesse detto di essere sobrio. Dice di aver ceduto a causa dello stress del lavoro e della loro relazione. Lei suggerisce allora che avrebbero dovuto usare la pistola per attirare l’attenzione dell’elicottero.

Così, gli chiede di passarle l’arma. Mentre la carica, Sofia vede un serpente arrampicarsi sulla schiena di Josh. Nota anche un uovo e capisce che la madre lo sta proteggendo. Josh la sprona a sparare al serpente. Nonostante la paura, Sofia riesce a farlo. Ma nel frattempo il serpente morde Josh e lo avvelena. Josh va nel panico, e Sofia cerca di calmarlo. Gli fa rallentare la respirazione per guadagnare tempo in attesa di cure.

In quel momento i due hanno modo di riflettere sulle scelte del loro passato recente. Riconoscono entrambi i propri errori e si chiedono scusa. Dato che il veleno si sta diffondendo nel corpo di Josh, lei decide di incidere la ferita per evitare che peggiori. Nonostante lui protesti, lei lo fa. Dopo l’incisione entrambi si sentono storditi e intorpiditi, ma la manovra contribuisce a migliorare la situazione di Josh.

Carolina Gaitán in Quicksand
Carolina Gaitán in Quicksand

Sofia e Josh riescono a salvarsi dalle sabbie mobili?

Dopo circa un’ora in cui Sofia si prende cura di lui, Josh si riprende. La ringrazia per non aver perso la speranza. Tornano a parlare delle loro vite e delle difficoltà emotive che li hanno allontanati. Lei racconta di aver accettato quella conferenza per ritrovare fiducia in sé stessa. Lui si pente di non aver apprezzato i sacrifici che lei ha fatto per il loro matrimonio. Mentre sperano ancora che il laccio li salvi, Sofia vede un altro serpente avvicinarsi. Le si avvolge intorno al collo e quasi la strangola.

Josh, che era svenuto, riesce a pugnalarlo e a salvarla. Lei usa il corpo del serpente per allungare il laccio e uscire dal fango. Dopo uno sforzo enorme e un dolore atroce, riesce a liberarsi. Cerca poi di tirare fuori anche lui, ma Josh le dice di andare via, di salvarsi e lasciarlo lì. Sofia allora prova a trovare una via d’uscita sicura senza finire in altre sabbie mobili. Più tardi, quella notte, Marcos e le autorità riescono a raggiungerla e a portarla in salvo.

Sofia continua ad avere visioni di sé mentre tiene la conferenza di fronte al pubblico. Forse è proprio questo a impedirle di perdere la speranza. Mentre i medici la soccorrono, gli altri tirano fuori il corpo di Josh dalla giungla. Lei sorride felice nel vederlo ancora vivo. La coppia si bacia e si lascia finalmente alle spalle quel tormento. In sostanza, è la storia di una coppia sposata che cerca di sfuggire al caos della propria relazione in frantumi mentre lotta per sopravvivere nelle sabbie mobili.

Cosa ci lascia il film Quicksand 

Quicksand ci lascia così un messaggio potente sul confronto con le proprie paure, i conflitti interiori e le relazioni fragili. Attraverso la metafora della sabbia mobile, il film esplora come le tensioni emotive, i risentimenti repressi e la mancanza di comunicazione possano intrappolare le persone tanto quanto i pericoli fisici. La lotta di Josh e Sofia per sopravvivere diventa un percorso di introspezione e riconciliazione, mostrando che la fiducia, la collaborazione e il coraggio sono fondamentali per superare le difficoltà. Alla fine, il film sottolinea l’importanza della resilienza, della comprensione reciproca e della capacità di affrontare le sfide insieme.

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The Last Frontier: recensione della serie Apple Tv+ con Jason Clarke

Nel catalogo delle serie targate Apple TV+ mancava in qualche modo il thriller d’azione con colpi di scena a ripetizione e una trama prettamente di genere. A colmare questa lacuna arriva The Last Frontier, creata da quel Jon Bokenkamp che aveva un amore successo di pubblico grazie a The Blacklist con protagonista James Spader.

Trama e personaggi di The Last Frontier

La trama dello show in dieci puntate è tanto semplice quanto intrigante. Nelle foreste innevate dell’Alaska un aereo precipita. Si tratta di un volo speciale, in quanto contiene detenuti alquanto pericolosi. Allo US Marshall Frank Remnick (Jason Clarke) il compito di catturare e restituire alla legge i criminali sopravvissuti e adesso spersi tra le nevi della regione. Tra questi troviamo anche una spia dal nome in codice Havlock (Dominic Cooper), uomo ultra-addestrato che conosce segreti in grado di mettere in ginocchio la CIA. Sulle sue tracce si lancia anche l’agente speciale Sidney Scofield (Haley Bennett), la quale nasconde un passato misterioso con la sua preda…

Ricordate un cult-movie anni ‘90 qual è l’adrenalinico e tutto sommato ben orchestrato Con Air con protagonista Nicolas Cage? Ecco, The Last Frontier potrebbe essere il sequel ideale di quel lungometraggio, non soltanto per la trama ma anche per l’idea alla base del progetto. Come nel film diretto da Simon West, anche nel caso della serie ci troviamo infatti di fronte a un prodotto che punta al puro intrattenimento ma senza dimenticare la consistenza di trama e personaggi. Fin dall’episodio pilota infatti The Last Frontier promette azione, momenti spettacolari che si coniugano con situazioni emotivamente efficaci e soprattutto personaggi che il pubblico può abbracciare a livello psicologico. In particolar modo il Remnick interpretato da Clarke è il classico, sempre efficace uomo di legge diviso tra l’amore per la propria famiglia e un senso del dovere che lo spinge verso il pericolo, anche il più estremo.

Jason Clarke in “The Last Frontier,” now streaming on Apple TV+.

L’attore in passato molto apprezzato in film come Zero Dark Thirty (meritava in quale caso almeno la candidatura all’Oscar come non protagonista) e Nemico pubblico offre anche in The Last Frontier una prova tanto carismatica quanto capace di mettere in rilievo i tratti più comuni di un uomo che possiede i suoi punti deboli. Se lo show mantiene un buon livello di tensione emotiva, lo si deve soprattutto alla sua capacità di restituire al pubblico in ogni momento l’umanità del protagonista. Meno efficaci risultano purtroppo Haley Bennett e Dominic Cooper, ma va scritto che a loro sono toccati i due personaggi che servono principalmente per sviluppare la dimensione action/thriller, quindi devono in fin dei conti risultare più funzionali alla trama che diretti all’empatia con il pubblico.

Azione, intrattenimento e ambientazione

Senza assolutamente gridare al capolavoro, la serie Apple TV+ di Jon Bokenkamp garantisce quel tipo di intrattenimento mainstream che mancava alla piattaforma streaming. The Last Frontier infatti contiene scene spettacolari – la conclusione del terzo episodio su tutte – alternate con un discreto lavoro di definizione dei personaggi “ordinari”. Altro punto a favore dello show è l’utilizzo sapiente dell’ambientazione: l’Alaska coperta di neve, i paesaggi incontaminati e selvaggi, la bellezza della natura al suo stato maggiormente impervio immergono la trama e i protagonisti in un setting elegante quanto potente. In questo scenario che pone l’essere umano di fronte ai propri limiti sia fisici che psicologici, possiamo godere come spettatori comodamente seduti al caldo dei nostri divani azione discretamente articolata, dramma umano, un pizzico di romanticismo, il tutto mescolato in una show che offre esattamente quel che promette.

Se siete alla ricerca di un prodotto che vi stimoli alla riflessione, probabilmente The Last Frontier non è quello che state cercando. Se invece volete intrattenimento leggero e dal ritmo sincopato, allora questo show vale molto più di tantissimi prodotti dello stesso genere realizzati da altre piattaforme.

Mayor of Kingstown 4: il trailer della nuova stagione con Jeremy Renner

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Paramount+ ha diffuso il trailer ufficiale della quarta stagione di Mayor of Kingstown, la serie creata da Taylor Sheridan e Hugh Dillon con protagonista Jeremy Renner. I nuovi episodi arriveranno prossimamente in streaming, promettendo di riportare lo spettatore nel cuore corrotto della città di Kingstown, dove il potere è sempre in bilico tra le mura del carcere e quelle del municipio.

Nuove forze si contendono il potere a Kingstown

Nel trailer, la città di Kingstown è di nuovo sull’orlo del caos. Dopo il vuoto lasciato dai russi, nuove forze convergono per colmare il vuoto di potere, costringendo Mike McLusky (Jeremy Renner) a lottare per proteggere se stesso e il fragile equilibrio che ha costruito. Intrighi, violenza e corruzione tornano protagonisti in una stagione che promette di alzare ulteriormente la posta in gioco.

Jeremy Renner torna sullo schermo dopo l’incidente

La quarta stagione segna anche il ritorno di Jeremy Renner sul set dopo il grave incidente che lo aveva costretto a una lunga riabilitazione. L’attore riprende con intensità il ruolo del sindaco di Kingstown, in un racconto che esplora ancora una volta i limiti morali del potere e della giustizia in una comunità segnata dal crimine.

Cast e produzione

Nel cast tornano Dianne Wiest, Taylor Handley, Tobi Bamtefa e Emma Laird, insieme a nuovi ingressi che porteranno ulteriore tensione e imprevedibilità. La serie è prodotta da Taylor Sheridan, Hugh Dillon, Jeremy Renner e Antoine Fuqua per Paramount Television Studios.

Quando esce Mayor of Kingstown 4

Mayor of Kingstown – Stagione 4 debutterà il 26 ottobre su Paramount+, con nuovi episodi carichi di tensione e conflitti. Il trailer lascia intendere che Mike McLusky dovrà affrontare il suo nemico più grande: un sistema che non smette mai di rigenerare la violenza.

The Walking Dead: Daryl Dixon – Stagione 3, Episode 7, Trailer: Daryl e Carol salveranno tutti?

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The Walking Dead: Daryl Dixon – stagione 3, episodio 7: il trailer ha rivelato le audaci missioni di salvataggio di Daryl e Carol mentre i conflitti in Spagna raggiungono il culmine. Daryl Dixon – stagione 3, episodio 6 ha gettato le basi per l’ultimo disperato tentativo di Daryl di salvare Justina da El Alcázar, dopo aver fallito nel salvare lei e le altre ragazze nelle mani del gruppo.

Per quanto riguarda Carol, lei si è avvicinata sempre più ad Antonio, e i due si sono scambiati un bacio verso la fine dell’episodio 6. Tuttavia, il conflitto tra Antonio e Fede si è intensificato, con il leader di Solaz del Mar che ha cercato di avvelenare suo figlio Roberto dopo aver scoperto che aveva tentato di salvare Justina. Carol sembra voler lasciare la città, ma i guai in cui sta per cacciarsi Antonio fanno capire che non starà via a lungo.

Ciò è confermato dal trailer della stagione 3, episodio 7 di Daryl Dixon, pubblicato da AMC. Si vede Daryl infiltrarsi in un evento organizzato da El Alcázar, combattendo sia gli umani che i Walker nel suo disperato tentativo di salvataggio. Nel frattempo, Carol e Roberto cercano di salvare Antonio da Fede, ma si ritrovano incatenati insieme nel centro della città:

I personaggi principali di Daryl Dixon sono ormai profondamente coinvolti nel conflitto di El Alcázar, con i loro tentativi di salvare sia Justina che Antonio destinati ad avere un impatto importante sulla trama generale. La svolta malvagia di Fede comporta anche delle complicazioni: senza un territorio su cui regnare, Solaz del Mar non avrà modi garantiti per difendersi.

Tuttavia, la situazione è complicata a causa di quanto lui fosse disposto a fare per impedire che la verità su La Ofrenda venisse rivelata, arrivando persino a sacrificare sua nipote per salvare la faccia. Anche se Daryl potrebbe riuscire a salvarla, le conseguenze dell’attacco a El Alcázar potrebbero ricadere su Fede, dato che il loro leader, Guillermo, non sa che lui sta agendo da solo.

Per quanto riguarda Carol, il suo tentativo di salvare Antonio li metterà sotto il fuoco di Solaz del Mar. Anche se non è chiaro se tutti e tre sopravviveranno, questo segnala che il duo padre-figlio non può rimanere. A seconda di ciò che accadrà e di come si svolgerà la stagione 4 di Daryl Dixon, potrebbero unirsi alla coppia principale nel prossimo capitolo del loro viaggio.

Con il finale di stagione che promette azione impressionante sia dalle missioni di salvataggio che dai grandi momenti, la terza stagione di Daryl Dixon è pronta a concludersi in modo emozionante. Il finale dello show getterà le basi per la direzione che prenderà la sua stagione finale e per quanto emozionante sarà la seconda metà dell’avventura di Daryl e Carol in Spagna.

 

Die Alone, spiegazione del finale: Ethan è vivo o morto?

Per gran parte della sua durata, Die Alone mantiene nascosto il suo grande colpo di scena. Diretto da Lowell Dean, il film mescola elementi di horror zombie e dramma psicologico, costruendo una narrazione volutamente confusa, così che lo spettatore si trovi nella stessa situazione del protagonista, incapace di distinguere realtà e allucinazione. Tuttavia, tutto diventa chiaro nel finale, quando i vari elementi vengono finalmente messi insieme.

La pellicola segue un approccio non lineare, ma per comprendere appieno la storia è necessario ricostruirla in ordine cronologico. Die Alone non è solo un film di sopravvivenza in un mondo invaso dai non morti, ma anche una tragica riflessione sull’amore, la perdita e l’ossessione di mantenere in vita ciò che è già morto — letteralmente e metaforicamente.

Cosa succede nel film

La storia si apre con Ethan, un giovane uomo disperato che punta una pistola alla propria testa. È in preda all’angoscia, e dopo pochi istanti preme il grilletto. Da qui il film torna indietro nel tempo per raccontare come si sia arrivati a quel momento.

Ethan e la sua fidanzata Emma stanno cercando rifugio nella loro baita isolata, mentre il mondo è devastato da un virus di origine vegetale che trasforma gli esseri umani in zombie. La coppia spera che, lontani dalla civiltà, possa sopravvivere al caos. Tuttavia, un incidente d’auto cambia tutto: Ethan perde la memoria e, al risveglio, Emma è scomparsa. Sul polso sinistro ha un cerotto con disegnato un cuore e il nome di Emma.

Smarrito e confuso, Ethan viene accolto da Mae, una donna anziana che vive in una fattoria isolata. Lei gli offre cibo, un letto e promette di aiutarlo a ritrovare la fidanzata. Tuttavia, ogni volta che Ethan nomina Emma, Mae cambia argomento o lo distrae. Quando il ragazzo prova a lasciare la casa, lei lo ferma con la forza o con l’inganno.

Una notte, Ethan riesce a scappare, ruba il camion di Mae e raggiunge la baita. Qui trova una donna e suo figlio, che sembrano conoscere Emma ma non sanno dove sia. Improvvisamente, un attacco di zombie sconvolge la scena. Ethan combatte per difendere i due, ma cade in una nuova crisi di amnesia. Al risveglio, scopre i loro corpi mutilati: sono stati divorati dai non morti. Poco dopo, Mae lo ritrova e lo riporta alla sua fattoria, come se tutto dovesse ricominciare da capo.

L’arrivo di Tom e la verità nascosta

La tranquillità apparente viene interrotta dall’arrivo di Tom, un uomo che si presenta come un sopravvissuto in cerca di rifugio. Tuttavia, ben presto si scopre che non è solo: con lui arrivano altri uomini armati e ostili. Il gruppo lega Mae a una sedia e inizia a interrogarla, accusandola di aver ucciso la moglie di Tom e altre persone.

Nel frattempo, Ethan è in preda a un’altra crisi di memoria. Quando si riprende, trova la situazione degenerata. Tom sostiene che Mae sia una psicopatica omicida e che abbia ucciso anche Emma. Ethan, confuso, non sa a chi credere. Mentre perquisisce la casa, trova un ciondolo con la foto sua e di Emma, mentre Tom rinviene un oggetto appartenente alla moglie scomparsa. Le prove sembrano condannare Mae.

A questo punto, la donna fa una rivelazione inquietante: Ethan è morto da tempo. Poco dopo, Ethan perde il controllo e si scaglia contro Tom, divorandolo come un vero zombie. È il momento in cui la verità viene finalmente svelata.

Cosa è realmente accaduto a Ethan

Da questo punto in avanti, il film svela il retroscena e il colpo di scena centrale. In passato, Ethan era stato morso da uno zombie e non era sopravvissuto. Invece di abbandonarlo, Emma aveva deciso di prendersi cura di lui anche dopo la trasformazione. In questo universo narrativo, gli zombie non possono essere distrutti: un colpo alla testa può solo renderli temporaneamente incoscienti. Tuttavia, se vengono nutriti regolarmente con carne umana, mantengono un aspetto quasi normale, pur soffrendo di amnesia cronica — la condizione che affligge Ethan per tutto il film.

La coppia si era stabilita proprio nella fattoria dove ora vive Mae. All’epoca, lì abitava una famiglia: padre, madre e figlia. Dopo averli accolti con prudenza, il padre non sospetta che Ethan sia già morto e infetto. Quando la verità emerge, è troppo tardi: Emma è costretta a uccidere il padre, mentre Ethan, ormai privo di coscienza, divora la madre e la bambina. È una sequenza brutale, che mostra come la linea tra amore e mostruosità si sia completamente dissolta.

Con il tempo, Emma assume una nuova identità: diventa Mae, una versione più anziana di se stessa, che continua a vivere isolata, nutrendo e proteggendo Ethan come un bambino smarrito. Il suo amore è diventato ossessione: pur di non perderlo, accetta di vivere tra la morte e la follia, alimentando il suo compagno con carne umana per mantenerlo “vivo”.

Ethan vive o muore davvero?

Il climax arriva quando Ethan scopre che Mae ed Emma sono la stessa persona. Di fronte alla verità, il suo mondo crolla. Capisce di essere un mostro che si è nutrito di innocenti per anni, sopravvivendo solo grazie all’amore — o alla follia — della donna che amava. Emma, interpretata da un’attrice più giovane nei flashback e da una più matura nel presente, rivela di non poter più continuare.

Sconvolto, Ethan tenta di suicidarsi sparandosi alla testa — la stessa scena con cui il film si apre — ma non può morire, perché è già morto. È intrappolato in un limbo eterno, condannato a esistere senza pace. Emma, ormai esausta e disperata, gli chiede di ucciderla, sapendo che lui presto dimenticherà tutto e tornerà allo stato di zombie inconsapevole.

Il film si chiude con un atto di pietà e orrore insieme: Ethan uccide Emma, ponendo fine alla sua sofferenza. Poi resta solo, destinato a vagare senza memoria e senza scopo, finché qualcuno — o qualcosa — non porrà fine alla sua esistenza.

È un finale estremamente tragico, che chiude il cerchio narrativo: l’uomo che cercava di ritrovare la donna amata scopre di averla già perduta da tempo. E il titolo Die Alone (“Morire da soli”) acquista il suo pieno significato. Nonostante Emma abbia passato anni a vivere per lui, Ethan finisce inevitabilmente solo, condannato a un’eternità di vuoto e colpa.

Un horror sulla perdita, l’amore e la condanna dell’immortalità

Pur presentandosi come un film di zombie apocalittico, Die Alone è in realtà una meditazione sulla perdita e sull’amore ossessivo. Il virus e i mostri fungono da metafora della negazione del lutto e dell’incapacità di lasciar andare chi si ama. Emma rifiuta la morte di Ethan e lo mantiene in vita, ma in questo modo distrugge sé stessa e la propria umanità.

Lowell Dean costruisce una storia cupa, fatta di ricordi confusi, violenza e redenzione impossibile. La fotografia grigia e i paesaggi desolati accentuano la sensazione di isolamento e follia. La rivelazione finale non è solo un colpo di scena, ma una riflessione sulla natura dell’amore: fino a che punto può spingersi una persona pur di non restare sola?

In definitiva, Die Alone è un film horror che unisce brutalità e poesia, in cui l’orrore non risiede nei mostri, ma nella disperata umanità dei protagonisti. Emma e Ethan non sono vittime del virus, ma dell’amore stesso, che li trasforma in prigionieri di un eterno inferno sentimentale.

F1 – Il film: dal 12 dicembre sarà disponibile in streaming!

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Apple Original Films ha annunciato oggi che F1 – Il film (qui la recensione), il film a tema sportivo con il maggior incasso di tutti i tempi, interpretato da Brad Pitt e diretto da Joseph Kosinski, farà il suo debutto in streaming su Apple TV il 12 dicembre.

Dalla sua uscita nelle sale lo scorso 27 giugno, F1 – Il film ha battuto ogni record, debuttando al primo posto e superando i 629 milioni di dollari di incasso nei botteghini di tutto il mondo. Oltre ad essere il film sportivo con il maggior incasso nella storia, è stato anche la più grande apertura per un film live action originale negli Stati Uniti negli ultimi cinque anni, nonché il titolo di maggior successo nella carriera di Brad Pitt. Il film ha ottenuto un punteggio A su CinemaScore, un impressionante 97% di gradimento da parte del pubblico su Rotten Tomatoes e continua a ricevere elogi come il film di corse automobilistiche più autentico mai realizzato.

«È stato emozionante vedere il pubblico di tutto il mondo accogliere con entusiasmo F1 – Il film nelle sale», ha dichiarato il produttore Jerry Bruckheimer. «Ora siamo entusiasti di portare questa emozionante avventura cinematografica ai fan di tutto il mondo attraverso l’ineguagliabile portata globale di Apple TV. La collaborazione con Apple e la Formula 1 è stata un’esperienza incredibile e siamo orgogliosi che un numero ancora maggiore di spettatori, provenienti da ogni angolo del mondo, potrà vivere l’azione mozzafiato e la passione che caratterizzano F1 – Il film».

Conosciuto come “la più grande promessa mai realizzata”, Sonny Hayes (Brad Pitt) è stato il talento più cristallino della FORMULA 1 negli anni ’90, fino a quando un incidente in pista non ha rischiato di porre fine alla sua carriera. Trent’anni dopo, Sonny si mantiene come pilota mercenario quando viene avvicinato dal suo ex compagno di squadra Ruben Cervantes (Javier Bardem), proprietario di una squadra di FORMULA 1 in difficoltà e sul punto di fallire. Ruben riesce a convincere Sonny a tornare in FORMULA 1 come ultima speranza per salvare la squadra e affermarsi come miglior pilota al mondo. Sonny correrà al fianco di Joshua Pearce (Damson Idris), giovane talento esordiente determinato a dettare le sue regole all’interno del team. Ma mentre i motori ruggiscono, il passato riaffiora e Sonny si rende conto che in FORMULA 1 il tuo compagno di squadra rappresenta la tua concorrenza più spietata – e la strada verso la redenzione è qualcosa che non puoi percorrere da solo.

Fanno parte del cast di F1 – Il film anche Damson Idris, Kerry Condon, Tobias Menzies, Kim Bodnia e Javier Bardem. Il film è stato girato durante i reali weekend dei Grand Prix e la squadra di Pitt e Idris si trova a fronteggiare i veri titani dello sport.

Il film è prodotto da Jerry Bruckheimer, Kosinski, il sette volte campione del mondo di FORMULA 1® Lewis Hamilton, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner e Chad Oman.

Kosinski dirige da una sceneggiatura di Ehren Kruger, su un soggetto di Kosinski & Kruger. Daniel Lupi è il produttore esecutivo. Nel team di filmmaker dietro la macchina da presa troviamo, il direttore della fotografia Claudio Miranda, gli scenografi Mark Tildesley e Ben Munro, il montatore Stephen Mirrione. I costumi sono di Julian Day, la direttrice del casting è Lucy Bevan e le musiche di Hans Zimmer.

Oltre al successo al botteghino, “F1: Il film” ha dato vita a un fenomeno musicale con F1 The Album, la colonna sonora ad alto tasso di adrenalina che ha superato le 650.000 copie vendute nel mondo ed è vicina a raggiungere il miliardo di stream. Attualmente domina la classifica Top Movie Songs di Billboard con sette delle prime dieci tracce, trainata dall’hit di Tate McRae, candidata a due premi VMA, “Just Keep Watching”. Con oltre quattro miliardi di visualizzazioni sulle piattaforme di video brevi, F1 The Album si è distinto come uno dei momenti musicali più significativi del 2025 ed è stato una componente essenziale dell’impatto culturale del film.

Apple Original Films e Warner Bros. Pictures presentano una produzione Monolith Pictures / Jerry Bruckheimer / Plan B Entertainment / Dawn Apollo Films, un film di Joseph Kosinski, “F1: Il film”. Distribuito da Warner Bros. Pictures. In attesa del suo debutto in streaming, il film continua ad essere disponibile per l’acquisto in formato digitale sulle piattaforme digitali partecipanti, tra cui l’app Apple TV, Amazon Prime Video, Fandango At Home e altre ancora.

Caramelo di Netflix è basato su una storia vera?

Il film drammatico brasiliano Caramelo, prodotto da Netflix e diretto da Diego Freitas, è una toccante storia di amicizia tra Pedro, un giovane chef ambizioso di San Paolo, e Caramelo, un cane randagio sempre affamato che entra per caso nella sua vita. Quando Pedro scopre di essere affetto da una grave malattia, il suo incontro con Caramelo diventa un punto di svolta inaspettato. Il film affronta con grande sensibilità temi come amicizia, lealtà, coraggio e sopravvivenza, intrecciando il percorso di un uomo che lotta contro la propria fragilità e quello di un cane che gli restituisce speranza e forza.

La regia di Freitas esplora il legame emotivo tra uomo e animale, mostrando come due esseri apparentemente diversi riescano a condividere un destino comune. Mentre Pedro si confronta con il dolore, la paura e la perdita del controllo sulla propria vita, Caramelo rappresenta la vitalità, la gioia e la semplicità dell’esistenza. Questa relazione, all’inizio fragile e disordinata, si trasforma in una connessione profonda e salvifica, capace di dare senso a tutto ciò che Pedro sta vivendo.

Pedro e Caramelo: due anime alla ricerca di redenzione

All’inizio della storia, Pedro è uno chef di talento determinato a emergere nella competitiva scena gastronomica di San Paolo. Tuttavia, la scoperta della sua malattia lo costringe a fermarsi e a guardare dentro di sé. Caramelo, un cane dal carattere vivace e ribelle, entra nella sua vita nel momento più buio e, con la sua presenza costante, lo aiuta a ritrovare il sorriso e la voglia di lottare.

Mentre Pedro affronta la paura di morire, Caramelo rimane un concentrato di energia e allegria. Con la sua ingenuità e il suo affetto incondizionato, riesce a portare luce nella vita del protagonista, restituendogli il senso delle piccole cose. Attraverso i loro momenti insieme — le passeggiate, le risate, i silenzi condivisi — il film racconta come la compagnia di un animale possa trasformarsi in una vera forma di terapia emotiva.

Freitas costruisce un racconto poetico e realistico al tempo stesso, dove il rapporto tra i due protagonisti diventa simbolo di resilienza e speranza. Pedro, pur trovandosi di fronte al fallimento e alla malattia, ritrova la redenzione proprio nel legame con Caramelo, che rappresenta la vita stessa nella sua forma più pura e spontanea.

Caramelo è una storia di finzione ispirata a emozioni reali

Anche se Caramelo è una storia di finzione scritta da Diego Freitas, Rod Azevedo e Carolina Castro, il film si basa su emozioni autentiche e universali. Il messaggio principale è che ogni persona ha bisogno di un compagno nella propria vita — qualcuno che la capisca senza bisogno di parole. Per Pedro, questo ruolo appartiene a Caramelo.

Il cane, così chiamato per il colore del suo manto, entra immediatamente in sintonia con Pedro e sembra percepire che qualcosa non va. In effetti, nella realtà, i cani sono in grado di cogliere gli stati emotivi umani e perfino di riconoscere i segnali fisici dello stress. Secondo un rapporto NPR del 2024, i cani riescono a “annusare” lo stress umano attraverso i cambiamenti chimici del corpo. Nel film, questo istinto si manifesta quando Caramelo si accorge che Pedro sta male, molto prima che l’uomo scopra di avere un tumore cerebrale.

Senza l’intervento del cane, probabilmente Pedro non avrebbe trovato la forza di affrontare la malattia. Gli animali domestici, in particolare i cani, vengono spesso descritti come compagni delle anime sole, capaci di donare conforto e affetto anche nei momenti più difficili. Caramelo incarna perfettamente questa funzione: combina la confusione e l’irruenza tipiche di un cucciolo con un profondo istinto protettivo, che diventa il motore emotivo della storia.

Un rapporto dell’Independent del 2025 conferma questa visione, sottolineando che in oltre quarant’anni di studi si è dimostrato che la presenza dei cani riduce lo stress e aumenta il benessere psicologico delle persone. Le loro interazioni con gli esseri umani influenzano positivamente il comportamento, il ritmo cardiaco e la produzione di ormoni legati alla felicità. Il film utilizza quindi la licenza cinematografica per rendere il legame tra Pedro e Caramelo più intenso e quasi “magico”, ma resta fedele alla realtà scientifica e psicologica del rapporto uomo-animale.

In sintesi, Freitas trasforma un legame comune — quello tra un uomo e il suo cane — in una metafora della capacità di superare il dolore e di trovare la forza attraverso l’amore e la compagnia.

Il film e la rappresentazione della lotta contro il glioma

Uno degli aspetti più forti ed emotivi del film è la scoperta del glioma, la malattia che cambia completamente la vita di Pedro. Proprio quando sta per realizzare i suoi sogni professionali, il protagonista si ritrova a dover affrontare una diagnosi devastante: un tumore che colpisce il cervello e può essere potenzialmente letale.

Il film affronta questo tema con grande delicatezza, mostrando non solo la sofferenza fisica, ma anche quella psicologica dei pazienti che combattono contro il cancro. Il glioma è una patologia complessa che causa forti emicranie, nausea, perdita di equilibrio e disturbi visivi — sintomi che Pedro inizialmente scambia per banali mal di testa. Quando la verità viene a galla, il suo mondo crolla.

Tuttavia, Caramelo diventa la sua ancora di salvezza. Durante il percorso di cure e chemioterapia, il cane gli resta accanto, offrendogli la forza emotiva necessaria per non arrendersi. Le scene in cui Pedro, stremato, si rifugia nell’affetto del suo amico a quattro zampe mostrano in modo realistico come un animale possa aiutare un malato a preservare la lucidità e la speranza.

Il film non utilizza la malattia come semplice espediente narrativo, ma come mezzo per parlare della dignità della sofferenza e dell’importanza della solidarietà umana (e animale). Attraverso Pedro, Freitas dà voce a tutti coloro che vivono la quotidianità di una diagnosi difficile, e che trovano conforto nei legami più semplici e sinceri.

L’opera diventa così una riflessione profonda sulla fragilità della vita e sul valore della compagnia come medicina dell’anima. Pur essendo una storia inventata, Caramelo si radica in una verità universale: quella che vede l’amore, la speranza e la presenza di un amico — umano o animale — come strumenti essenziali per affrontare la malattia e ritrovare il senso dell’esistenza.

Una lezione di umanità e speranza

In conclusione, Caramelo non è solo un film su un cane e il suo padrone, ma un manifesto di resilienza e amore incondizionato. Racconta come un animale possa diventare il simbolo della speranza quando tutto sembra perduto, e come l’amicizia possa curare ferite invisibili.

Pedro impara a guardare la vita con nuovi occhi, a non dare per scontato ciò che ha e a trovare significato nella semplicità del quotidiano. Caramelo, invece, dimostra che l’affetto sincero può cambiare il destino di chiunque. Insieme, incarnano il messaggio più profondo del film: anche quando la vita sembra spegnersi, c’è sempre qualcosa — o qualcuno — che può ridarci luce.

Caramelo, spiegazione del finale: il cane muore?

Il nuovo e commovente film brasiliano di Netflix, Caramelo, racconta la storia di un cuoco affetto da una malattia terminale e del cane che entra nella sua vita diventandone il migliore amico. Il protagonista, Caramelo, è un cucciolo abbandonato in una scatola di cartone sul ciglio della strada. Probabilmente rifiutato dalla famiglia che lo aveva adottato o considerato troppo problematico, il cane cresce dovendo lottare ogni giorno per sopravvivere e procurarsi il cibo. Vivace e dispettoso, seguiva sempre il proprio istinto, mangiando tutto ciò che trovava. A tre anni, Caramelo incontra Pedro, un giovane chef ambizioso. Dopo aver tentato di rubare delle salsicce, Pedro lo salva dal macellaio, e da quel momento nasce un legame speciale tra i due.

Perché Pedro portò Caramelo a casa

Dopo essersi conosciuti al mercato, Caramelo si infila di nascosto nel furgone di Pedro e lo segue fino al ristorante. Pedro sta preparando un piatto importante per la visita della critica gastronomica Laura, ma durante la giornata ha forti dolori alla testa. In un momento di confusione, Caramelo entra in cucina e si lancia sul piatto destinato alla critica, mangiandolo. Ne segue una lite tra Pedro e lo chef principale, Ivan, che decide di lasciare il ristorante. Pedro prende in mano la situazione e serve a Laura la sua coxinha, uno snack popolare reinterpretato in chiave gourmet. Il piatto conquista la critica, e Pedro ottiene la promozione a capo chef. Uscendo dal locale, trova Caramelo che lo aspetta sotto la pioggia: lo porta a casa, anche se il giorno dopo il cane gli distrugge l’appartamento. Pedro pensa così di portarlo a un rifugio.

La scoperta della malattia di Pedro

Al rifugio, Pedro incontra Camila, la co-proprietaria del centro. Mentre parlano, Caramelo continua a leccargli la testa, e Camila gli consiglia di fare dei controlli: i cani spesso percepiscono le malattie prima degli umani. Dopo una risonanza, Pedro scopre di avere un tumore cerebrale (glioma). Anche se non completamente curabile, può essere trattato con la chemioterapia. Scosso dalla diagnosi, Pedro prende due settimane di pausa per lavorare a un nuovo menù e decide di adottare definitivamente Caramelo, riconoscendo che senza di lui non avrebbe scoperto la malattia. Gli dà il nome “Caramelo” per via del suo manto color caramello e lo iscrive alla scuola di Camila per addestrarlo.

Pedro e Camila si innamorano

Con il tempo, Pedro e Camila si avvicinano. L’addestramento di Caramelo non è facile, ma Pedro non si arrende. Tra i due nasce un’attrazione crescente che culmina in un invito a cena al ristorante. Tuttavia, durante una serata di servizio, Pedro perde il senso del gusto a causa della malattia e sviene. In ospedale scopre che la chemioterapia non ha funzionato e che dovrà sottoporsi a un intervento. Camila si finge sua moglie per poter stargli vicino. Pedro, temendo di non avere futuro, si allontana da lei, ma un amico conosciuto in terapia, Leo, lo convince a vivere pienamente i sei giorni che gli restano prima dell’operazione.

L’idea imprenditoriale di Pedro

Pedro si riconcilia con Camila e le promette di occuparsi di Caramelo se non sopravviverà. Scopre però che Camila rischia di perdere il rifugio per debiti. Per aiutarla, chiede alla madre il vecchio food truck con cui lei vendeva coxinha e, con l’aiuto di Leo e Paula, lo rimette in sesto. La sua idea è innovativa: vendere street food per persone e per cani, con versioni adattate agli amici a quattro zampe. Il progetto ha successo, e anche la critica Laura si mostra interessata a investire. Tuttavia, la morte improvvisa di Leo colpisce profondamente Pedro, che comprende l’importanza di “lasciare un segno nelle persone, non nel mondo”.

Pedro sopravvive

Durante una notte di lavoro nel food truck, Pedro ha una nuova crisi e sviene mentre una fiamma rischia di incendiare il mezzo. Caramelo, ferito ma determinato, corre a chiamare Camila, che riesce a salvarlo in tempo. Prima dell’intervento, Pedro chiede di vedere il cane per ringraziarlo, e Camila escogita un piano per far entrare Caramelo di nascosto in ospedale. L’operazione riesce. Pedro sopravvive, pur convivendo con il rischio che il tumore possa tornare. Decide di godersi la vita, sposa Camila e diventa padre di un bambino. Insieme, aprono un café per cani e umani, trasformando la loro passione in un progetto di vita.

Il destino di Caramelo

Gli anni passano. Caramelo, ormai quindicenne, ha il muso imbiancato. Pedro sa che il suo amico non vivrà ancora a lungo e lo porta alla spiaggia, il suo posto preferito. Passano insieme una giornata serena, l’ultima della loro avventura. Caramelo muore in pace, dopo aver accompagnato Pedro nei momenti più difficili e avergli insegnato il valore della fedeltà e della speranza. È ricordato come il salvatore, il compagno leale e il “più dolce squalo sulla terraferma”.

Zootropolis 2: ecco Zoo, il nuovo bravo di Shakira!

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Disponibile il nuovo brano originale “Zoo”, presente nel prossimo film d’animazione Walt Disney Animation Studios Zootropolis 2, in arrivo nelle sale italiane il 26 novembre. Il singolo è interpretato da Shakira, che torna a dare la voce alla più grande pop star di Zootropolis, Gazelle. Ascolta il singolo di seguito:

La musica e il testo di “Zoo” sono stati scritti da Ed Sheeran, Blake Slatkin e Shakira. Il brano è stato prodotto da Blake Slatkin, Alex (A.C.) Castillo, Shakira ed Ed Sheeran.

La colonna sonora strumentale di Zootropolis 2 è composta dal vincitore dell’Academy Award® Michael Giacchino e sarà lanciata come parte della colonna sonora completa venerdì 21 novembre, in anticipo rispetto all’uscita del film nelle sale italiane, prevista per mercoledì 26 novembre.

“Zoo” sarà amata dai fan del brano di successo “Try Everything”, presente nel film originale vincitore dell’Oscar® Zootropolis, uscito nel 2016. “Try Everything” è stato riprodotto in streaming 2,7 miliardi di volte in tutto il mondo fino ad oggi.

La trama di Zootropolis 2

Nel nuovo film d’animazione Zootropolis 2, i poliziotti alle prime armi Judy Hopps (nella versione originale doppiata da Ginnifer Goodwin) e Nick Wilde (nella versione originale doppiato da Jason Bateman) si trovano sulle tracce di un grande mistero quando Gary De’Snake (nella versione originale doppiato da Ke Huy Quan) arriva a Zootropolis e mette sottosopra la città animale. Per risolvere il caso, i due, sotto copertura, sono costretti ad avventurarsi in nuove e inaspettate aree della città, dove la loro continua collaborazione viene messa alla prova come mai prima d’ora. Il cast vocale originale include anche le voci di Fortune Feimster, Andy Samberg, Idris Elba, Patrick Warburton, Quinta Brunson, Nate Torrence e Shakira, che torna a prestare la sua voce a Gazelle. Dal team vincitore dell’Oscar® composto dal Disney Animation chief creative officer Jared Bush e Byron Howard (registi) e Yvett Merino (produttrice), Zootropolis 2 arriverà nelle sale italiane il 26 novembre.

Noir in festival 2025: a Mick Herron il Raymond Chandler Award

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È l’inglese Mick Herron lo scrittore scelto quest’anno per il Raymond Chandler Award, il prestigioso riconoscimento per i più grandi autori di mystery creato nel 1988 in accordo con il Raymond Chandler Estate. Amatissimo creatore di spy story, diretto erede del Fattore umano di Graham Greene e John le Carré, autore della fortunata serie Slow Horses che lo ha reso scrittore di culto in Inghilterra, in Italia edita da Feltrinelli, e star delle serie tv sulla piattaforma Apple, Herron succede a una lunga e prestigiosa sequenza di scrittori nell’albo d’oro dei maestri del genere noir celebrati ogni anno dal Noir in festival nella Milano di Giorgio Scerbanenco.

Mick Herron, di cui è da poco uscito in Italia Le regole di Londra, edito da Feltrinelli come tutte le opere della serie di cui è protagonista l’agente Jackson Lamb, è oggi tra gli autori più popolari e stimati nel mondo dello spionaggio, ma deve il suo successo anche alle serie tv Slow Horses e Down Cemetery Road, con protagonisti d’eccezione come Sir Gary Oldman e Emma Thompson, e di cui lo scrittore è anche sceneggiatore e showrunner.

“Lo stile di cui Chandler è stato pioniere – scrive Mick Herron – si è diffuso rapidamente andando ben oltre i confini del romanzo poliziesco, raggiungendo ogni angolo del mondo e della scrittura di thriller, compresi quelli in cui appaiono le spie… I miei romanzi esibiscono, almeno spero, un po’ di quell’amore che Chandler nutriva per il linguaggio.”

Credits by M. Buck

Mick Herron riceverà il Premio Chandler il 4 dicembre alla Casa del Manzoni, che il Noir in festival ha eletto come l’autentico luogo dei suoi appuntamenti più significativi, dove sarà protagonista di un dialogo con il saggista ed esperto di noir Adrian Wootton. Nella mattinata dello stesso giorno, Mick Herron racconterà a docenti e studenti dell’Università IULM (partner storico del festival) come ha costruito il successo mondiale di Slow Horses dal libro alla serie tv.

La 35a edizione di Noir in festival si svolgerà a Milano dall’1 al 6 dicembre confermando la sua vocazione interdisciplinare tra cinema, letteratura, fumetto e new media con il concorso internazionale per il cinema, gli incontri con gli scrittori, le master-class all’università IULM, i focus su podcast e fumetto, il Premio Giorgio Scerbanenco per il miglior romanzo italiano e il Premio Claudio Caligari per il miglior film italiano, entrambi riservati alla produzione di genere dell’anno 2024-2025.

Noir in festival è realizzato dalla Studio Coop., è diretto da Marina Fabbri e Giorgio Gosetti, è promosso dalla Direzione Cinema (DGCA) del Ministero della Cultura, con il contributo dell’Università IULM, di Cinecittà News, della Regione Lombardia, e la collaborazione di numerosi partner privati e pubblici, tra cui il Sistema Bibliotecario di Milano e il Circolo dei Lettori di Milano per il Premio Scerbanenco, e con il patrocinio della Città di Milano.

Raymond Chandler Award 2025

Mick Herron, nato a Newcastle nel 1963, ha esordito nel 2003 con il romanzo Down Cemetery Road (da cui la serie tv omonima del 2025); ha pubblicato più di 15 romanzi, inclusi due cicli a personaggio fisso, è autore anche di racconti regolarmente ospitati nell’ “Ellery Queen’s Mystery Magazine”. I suoi libri sono stati insigniti di diversi premi tra i quali spiccano il Gold Dagger nel 2013 per In bocca al lupo e il Cartier Diamond Dagger alla carriera nel 2025, entrambi attribuiti dalla Crime Writers Association. L’apparizione di Jackson Lamb nel 2010 con Un covo di bastardi/ Slow Horsesè stata salutata come una delle 20 migliori opere di spy story di tutti i tempi. La serie televisiva ispirata al personaggio per Apple tv ha raggiunto in tutti i paesi i vertici del box office.

The Running Man: trailer ufficiale del nuovo film di Edgar Wright

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Eagle Pictures ha diffuso il trailer ufficiale di The Running Man, il nuovo film diretto da Edgar Wright, con un cast d’eccezione guidato da Glen Powell. La pellicola arriverà al cinema dal 13 novembre, distribuita da Paramount Pictures.

Il ritorno di Edgar Wright con un cast stellare

Dopo il successo di Last Night in Soho e Baby Driver, Edgar Wright torna dietro la macchina da presa con una nuova, attesissima versione di The Running Man, liberamente ispirata al romanzo di Stephen King (pubblicato con lo pseudonimo di Richard Bachman).

Nel cast, oltre a Glen Powell, troviamo William H. Macy, Lee Pace, Emilia Jones, Michael Cera, Daniel Ezra, Jayme Lawson, Colman Domingo e Josh Brolin.

Una nuova visione del classico di King

Ambientato in un futuro distopico dove la sopravvivenza diventa spettacolo, The Running Man racconta la storia di un uomo costretto a partecipare a un letale gioco televisivo per salvare la propria vita. Wright promette un approccio più fedele allo spirito del romanzo rispetto al film cult del 1987 con Arnold Schwarzenegger, unendo azione, satira e tensione visiva nel suo stile inconfondibile.

Il trailer offre un primo sguardo a un mondo violento e ipercontrollato, dominato dai media e dall’intrattenimento estremo, dove la lotta per la libertà diventa spettacolo di massa.

Data d’uscita

The Running Man sarà al cinema dal 13 novembre 2025, con Edgar Wright alla regia e Glen Powell protagonista di un film che si preannuncia come uno dei titoli più attesi dell’autunno.

Testa o croce e il paradosso del cinema d’autore: quando il mondo del cinema non incontra il pubblico

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Il debutto di Testa o croce al box office italiano è stato un brusco risveglio. Dopo una calorosa accoglienza nei festival, il film ha raccolto appena 111.430 euro complessivi, un risultato deludente per un titolo lanciato con buone premesse autoriali e un cast di rilievo. Un andamento che riaccende una questione ormai cronica: il distacco sempre più evidente tra l’entusiasmo dei festival e il reale interesse del pubblico.

L’illusione dei festival e la realtà delle sale

Il caso di Testa o croce non è isolato. Negli ultimi anni, molte opere italiane presentate con entusiasmo nei circuiti festivalieri — da Venezia a Berlino, passando per Torino o Locarno — faticano poi a trovare spazio e spettatori una volta arrivate in sala. Applausi, recensioni, red carpet e riconoscimenti non bastano a trasformarsi in biglietti venduti.

È come se i festival avessero costruito una bolla estetica e culturale in cui il cinema non dialoga più con la realtà, ma con se stesso. Le opere vengono concepite per piacere a giurie, critici e addetti ai lavori, mentre il pubblico — quello che paga un biglietto, sceglie, commenta e si appassiona — resta fuori dalla porta.

Testa o croce? ha incassato circa € 6.295 in una delle giornate di programmazione in 216 sale. Il film è 24° in classifica al Box Office, ieri ha incassato € 8.213,00 e registrato 16.485 presenze.

Un cinema che parla solo a se stesso

Testa o croce diventa allora il simbolo di un paradosso più grande: un mondo del cinema che parla a se stesso, che si osserva e si compiace, ma che fatica a rivolgersi a chi sta dall’altra parte dello schermo.

Autori e produttori sembrano spesso più preoccupati di essere “riconosciuti” che compresi. I film si chiudono in linguaggi cifrati, estetiche ripiegate su di sé, narrazioni che chiedono al pubblico di adattarsi, invece di invitarlo a entrare. Non è una questione di “cinema d’autore contro cinema commerciale”, ma di comunicazione interrotta: l’autore parla, ma nessuno ascolta.

In questo scenario, anche la produzione italiana risente di una certa inerzia. Troppi progetti nascono in funzione dei bandi o dei circuiti festivalieri, con l’obiettivo implicito di “esistere” grazie ai riconoscimenti, piuttosto che grazie alla risposta del pubblico. Il rischio è che il cinema smetta di essere linguaggio condiviso e diventi solo un dialetto parlato da pochi, per pochi.

Il pubblico non è il nemico

C’è poi un’altra convinzione, più sottile ma pericolosa: quella secondo cui il pubblico non sarebbe “all’altezza” di certi film. Un modo elegante per dire che se il film va male, la colpa è dello spettatore.

Ma la verità è più scomoda. Il pubblico capisce benissimo — e quando sceglie di non andare a vedere un film, manda un segnale preciso. Non chiede semplificazione, ma sincerità, riconoscibilità, emozione. Vuole storie che parlino del mondo di oggi, non parabole autoreferenziali su quanto sia difficile fare cinema.

Il cinema italiano che ha saputo rinascere, anche recentemente, è quello che ha trovato un equilibrio tra identità e accessibilità: film capaci di raccontare con verità senza rinunciare al piacere del racconto. È lì che l’autorialità diventa universale.

Ripartire dal dialogo

Il flop di Testa o croce non è solo un insuccesso economico: è un campanello d’allarme per tutto il sistema. Serve un cambio di prospettiva, in cui i festival tornino a essere spazi di scoperta e non di autoconferma, e in cui autori e produttori tornino a chiedersi, prima di tutto, a chi stiamo parlando?

Perché se il cinema perde il suo pubblico, perde la sua ragione d’essere.
E forse il vero atto d’autore, oggi, non è chiudersi in un linguaggio che pochi comprendono, ma ritrovare il coraggio di raccontare storie che appartengano a tutti, senza rinunciare alla profondità, ma riscoprendo il piacere del contatto.

Testa o croce non è il problema, ma il sintomo di un cinema che deve tornare a guardare il mondo, non solo lo specchio del proprio riflesso.

Il film Gambit vietato ai minori, era così folle che “la Disney non lo farebbe mai”, rivelati i dettagli della trama da Channing Tatum

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Se il film Gambit, poi cancellato, fosse stato realizzato dalla Fox, sarebbe stato uno dei film Marvel più maturi di tutti i tempi. Deadpool & Wolverine nel 2024 ha portato Channing Tatum nella timeline del Marvel Cinematic Universe, dopo che la sua iniziale scelta per il ruolo dell’iconico eroe degli X-Men non si era concretizzata durante l’era Fox-Marvel.

In una nuova intervista con Variety, Tatum ha parlato del progetto Gambit, che è stato cancellato e bloccato in fase di sviluppo prima che la Disney acquisisse la Fox. Alla domanda diretta se il film potesse essere sviluppato nuovamente sotto l’egida della MCU, Tatum ha dichiarato: “Senti… se avessimo realizzato la nostra versione per la Fox, quella sceneggiatura non sarebbe mai stata realizzata, mai. Era una commedia romantica vietata ai minori”.

Ha spiegato in dettaglio la classificazione: “Quando dico vietato ai minori, intendo dire che siamo andati fino in fondo. Abbiamo reso Gambit il tipo di personaggio che poteva esistere solo in un film di Deadpool”. Il film avrebbe anche avuto “mutanti che facevano sesso! Era selvaggio, al 100%”.

Secondo Tatum, “è qualcosa che la Marvel e la Disney non farebbero mai”. Ha sottolineato che “non si sa sempre cosa sarà la Disney, ma si sa sicuramente cosa non sarà. Non sarà horror. Non sarà sesso. Ma penso che la Marvel abbia bisogno di quel tipo di diversità di tono, qualcosa che bilanci l’altro lato”.

A parte il film Gambit, che è stato cancellato, la star di Roofman ha detto: “Gambit è una grande opportunità per questo. Si possono fare tante cose con lui, e sta lentamente entrando nella psiche della Marvel”. Anche se non ci sono progetti da solista in cantiere, è fiducioso per il futuro: “È affascinante, e penso che un giorno se ne renderanno conto”.

Dopo la sua apparizione nella Fase 5, la Marvel Studios riporterà Remy LeBeau in uno dei suoi prossimi film MCU: la star 45enne apparirà in Avengers: Doomsday nel 2026. Reciterà al fianco di altre star di X-Men, tra cui Sir Patrick Stewart e Sir Ian McKellen.

Diretto dai fratelli Russo, il cast di Avengers: Doomsday ha terminato le riprese principali il 19 settembre 2025. La sesta fase vedrà il ritorno di Robert Downey Jr. nell’MCU, che interpreterà Victor von Doom della Marvel, alias Doctor Doom.

Al momento non è dato sapere se Tatum tornerà nel cast di Avengers: Secret Wars, poiché la produzione del finale della saga Multiverse non è ancora iniziata. Con i personaggi degli X-Men destinati a ricoprire un ruolo fondamentale nella Fase 7, un film su Gambit potrebbe trovare spazio in futuro.

Tron: Ares, shock al botteghino USA, male il sequel Disney

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Tron: Ares delude al botteghino con un weekend di debutto ben al di sotto delle aspettative. Ares, uscito il 10 ottobre, è il terzo film di Tron, dopo il cult classico originale del 1982 e il suo sequel del 2010 Legacy. Il cast include Jared Leto, Greta Lee, Gillian Anderson, Evan Peters, Jodie Turner-Smith e la star Jeff Bridges, che torna sul grande schermo.

Secondo Deadline, sabato mattina Tron: Ares dovrebbe chiudere il suo weekend di apertura con un totale di 33,5 milioni di dollari nei primi tre giorni di programmazione negli Stati Uniti. Questo risultato è significativamente inferiore alle previsioni iniziali del film, che erano di 45-50 milioni di dollari, e vede Ares non riuscire a battere il record della serie, scendendo al di sotto dei 44 milioni di dollari di Tron: Legacy.

Queste previsioni collocano il film addirittura al di sotto dei 39 milioni di dollari incassati al debutto dal film sui supereroi del 2022 con Jared Leto, Morbius, che ha incassato 167,5 milioni di dollari a fronte di un budget dichiarato di circa 83 milioni di dollari.

Il nuovo film di fantascienza, diretto da Joachim Rønning, non ha mai avuto la garanzia del successo, considerando che è il sequel di due titoli cult che non hanno mai avuto un grande successo al botteghino. Tuttavia, entrambi i precedenti capitoli hanno avuto un discreto successo al botteghino e l’uscita di Tron: Ares potrebbe non raggiungere lo stesso livello.

Anche se in seguito sarà sostenuto dai ricavi del VOD e dello streaming, il budget dichiarato di Tron: Ares, pari a 180 milioni di dollari, potrebbe portare il suo punto di pareggio stimato fino a 450 milioni di dollari. Considerando il fatto che Legacy ha incassato solo 400 milioni di dollari (non adeguati all’inflazione), Ares dovrà recuperare molto terreno se spera di raggiungere quel traguardo.

Sebbene il punto di pareggio esatto di Tron: Ares sia sconosciuto, i film di grande successo spesso devono recuperare due volte e mezzo il loro budget di produzione.

È improbabile che il film con Jared Leto riesca a guadagnare 450 milioni di dollari entro la fine della sua programmazione nelle sale. Tron: Ares ha ricevuto recensioni mediocri, ottenendo un punteggio di appena il 56% su Rotten Tomatoes, quindi dovrebbe entusiasmare il pubblico in un modo che non è riuscito a fare con la critica.

Tuttavia, queste proiezioni sono comunque sufficienti per Tron: Ares per conquistare il primo posto nella classifica nazionale del fine settimana. Ha superato di gran lunga la nuova commedia drammatica di Channing Tatum, Roofman, che dovrebbe incassare un totale di 8 milioni di dollari in tre giorni.

Roofman ha comunque ancora un vantaggio. Il titolo della Paramount e della Miramax non è destinato a diventare un grande successo al botteghino. Con un budget stimato tra i 17 e i 19 milioni di dollari, il suo successo non dipende dal raggiungimento di cifre da record.

Sebbene Roofman stia debuttando al di sotto dei 14,9 milioni di dollari incassati dal film di Tatum Dog, anch’esso di piccola scala, se dovesse seguire una traiettoria simile, dovrebbe incassare comodamente circa 45 milioni di dollari entro la fine della sua programmazione, il che dovrebbe consentirgli di raggiungere il pareggio sia nelle sale che una volta arrivato in VOD. Il destino di Tron: Ares è molto più incerto.

I 5 film più visti al botteghino nazionale questo fine settimana

Sebbene i titoli in uscita Tron: Ares e Roofman abbiano conquistato i primi due posti nella Top 5 nazionale durante il fine settimana, il thriller d’azione di Paul Thomas Anderson con Leonardo DiCaprio One Battle After Another sta ancora dando battaglia, conquistando il terzo posto con un incasso di 6,8 milioni di dollari in tre giorni, con un calo minimo del 38%.

Di seguito, la classifica completa della Top 5 nazionale del fine settimana:

# Titoli 3 giorni Cumulative (USA)
1 Tron: Ares $33.5 million $33.5 million (weekend 1)
2 Roofman $8 million $8 million (weekend 1)
3 One Battle After Another $6.8 million $56.3 million (weekend 3)
4 Gabby’s Dollhouse: The Movie $3.3 million $26.4 million (weekend 3)
5 Soul on Fire $3 million $3 million (weekend 1)

Nel frattempo, il titolo al quarto posto dello scorso fine settimana rimane invariato. Il film per famiglie Gabby’s Dollhouse ha mantenuto una posizione solida, registrando un calo di appena il 37% durante il suo terzo fine settimana. Anche The Conjuring: Last Rites ha mantenuto una posizione solida, registrando un calo minimo del 26% con 2,9 milioni di dollari. L’interesse per il film horror di grande successo è probabilmente alimentato dall’imminente festa di Halloween.

Tuttavia, The Conjuring è sceso dal quinto al sesto posto, superato dall’ispirante film di William H. Macy Soul on Fire.

Mentre tre nuovi titoli sono entrati in classifica, il film al primo posto dello scorso fine settimana, Taylor Swift: The Official Release Party of a Showgirl, non è più nelle sale, quindi solo due film sono usciti dalla Top 5.

Il titolo che si unisce a The Conjuring nella sua uscita di scena è il film di Dwayne Johnson The Smashing Machine. Il film biografico su Mark Kerr è precipitato dal terzo all’ottavo posto con un calo sbalorditivo del 70%. Si tratta di un colpo devastante dopo che il film ha debuttato con il peggior weekend della storia per un film con Johnson nel ruolo principale.

Mentre i titoli rimasti in programmazione hanno mostrato una forte tenuta, le nuove uscite di ottobre stanno faticando ad affermarsi. Tuttavia, la situazione potrebbe cambiare il prossimo fine settimana.

Sebbene un film di fantascienza di punta possa avere la forza di rimanere in cima alla classifica per più weekend consecutivi, Tron: Ares sembra destinato a cedere il posto a Black Phone 2 della Blumhouse, sequel del successo del 2021 con Ethan Hawke.

Bridgerton 4: il teaser svela la nuova storia d’amore di Benedict, in arrivo su Netflix nel 2026

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Netflix ha rilasciato oggi il teaser trailer ufficiale della quarta stagione di Bridgerton, l’acclamata serie targata Shondaland che tornerà nel 2026 con un nuovo capitolo di passioni e intrighi nell’alta società londinese. La prima parte (episodi 1-4) debutterà il 29 gennaio, mentre la seconda parte (episodi 5-8) sarà disponibile dal 26 febbraio, solo su Netflix.

La trama di Bridgerton 4: la stagione di Benedict

Protagonista di questa nuova stagione è Benedict Bridgerton (Luke Thompson), il bohémien secondogenito della famiglia, ancora restio a seguire le regole e i doveri della società. Pressato dalla madre, la matriarca Lady Violet Bridgerton (Ruth Gemmell), perché si sistemi, Benedict partecipa a un ballo in maschera dove resta folgorato da una misteriosa Dama d’Argento, una donna dal volto coperto che sembra provenire da un altro mondo.

Con l’aiuto, seppur riluttante, della sorella Eloise (Claudia Jessie), Benedict si mette sulle tracce della sconosciuta, ignaro che dietro quella maschera si nasconda Sophie Baek (Yerin Ha), una brillante cameriera al servizio della severa Lady Araminta Gun (Katie Leung).

Quando il destino li porta nuovamente a incontrarsi, Benedict è diviso tra il fascino dell’irraggiungibile Dama d’Argento e la realtà dei sentimenti per la giovane Sophie. Ma potrà davvero l’amore superare le barriere imposte dalla classe sociale e dalle convenzioni dell’epoca?

Amori e legami nella famiglia Bridgerton

Sul percorso di Benedict si riflettono anche i destini dei suoi fratelli: Francesca (Hannah Dodd) vive il suo matrimonio con John Stirling (Victor Alli), mentre Colin (Luke Newton) e Penelope (Nicola Coughlan) affrontano nuove sfide ora che l’identità di cronista di Lady Whistledown è stata svelata al mondo.

Cast e produzione della quarta stagione

La quarta stagione di Bridgerton è composta da otto episodi girati a Londra, con Jess Brownell nel ruolo di showrunner e produttore esecutivo insieme a Shonda Rhimes, Betsy Beers, Tom Verica e Chris Van Dusen.

Il cast principale include Luke Thompson, Yerin Ha, Jonathan Bailey, Victor Alli, Adjoa Andoh, Julie Andrews, Nicola Coughlan, Hannah Dodd, Ruth Gemmell, Claudia Jessie, Luke Newton, Golda Rosheuvel, Polly Walker, e molti altri. Tra le new entry spiccano Isabella Wei, Michelle Mao e Katie Leung.

Un fenomeno globale che continua a crescere

Dal suo debutto nel 2020, Bridgerton ha conquistato milioni di spettatori in tutto il mondo, diventando una delle serie più popolari di Netflix e un fenomeno culturale che ha ridefinito il genere romance. Con lo spin-off di successo La Regina Carlotta: Una storia di Bridgerton, il franchise ha consolidato il suo ruolo di simbolo di eleganza, inclusività e passione.

Oggi “Bridgerton” non è solo una serie, ma un vero brand di lifestyle: tra eventi immersivi come The Queen’s Ball: A Bridgerton Experience, collezioni di moda, arredamento e prodotti ispirati alla serie, l’universo creato da Shonda Rhimes continua a far sognare e a dettare tendenze.

Con la stagione 4, l’amore proibito di Benedict e Sophie promette di riscrivere ancora una volta le regole del cuore e di far rivivere la magia dell’alta società londinese con lo stile inconfondibile di Bridgerton.

VAS – Il film: il trailer e il poster del film con Eduardo Scarpetta

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C’è chi chiude la porta della propria stanza e vi resta dentro per giorni, settimane, mesi. Chi trova negli schermi l’unico modo per stare in contatto col mondo. Sono gli hikikomori, ragazzi e ragazze che vivono un isolamento silenzioso e volontario dalla vita sociale, e che chiusi nelle proprie stanze portano avanti relazioni filtrate solo da schermi e devices.

Di questo, e non solo, parla VAS – Il film, in arrivo nei cinema dal 20 novembre per la regia di Gianmaria Fiorillo e interpretato da Eduardo Scarpetta, Demetra Bellina e Gabriel Lynk e di cui oggi sveliamo il poster e il trailer ufficiali.

Come il progetto originario, nato online e subito diventato un punto di riferimento per tanti giovani che vivono l’isolamento volontario con circa 4 milioni di visualizzazioni e una community che non smette di crescere, anche il film VAS affronta con sensibilità e coraggio un tema sempre più attuale ma ancora poco conosciuto in Italia.

Il titolo, VAS, riprende il concetto della Visual Analogue Scale, strumento usato in medicina per misurare il dolore. Una metafora che nel film diventa il filo conduttore della storia d’amore – ma anche di dolore – fra Camilla (Demetra Bellina) e Matteo (Eduardo Scarpetta), due giovani che condividono la stessa condizione di ritiro volontario e che, attraverso il loro incontro tanto inatteso quanto travolgente, saranno costretti a misurare la profondità delle proprie paure e la forza del proprio legame.

Negli ultimi anni il fenomeno degli hikikomori è cresciuto esponenzialmente anche in Italia: una realtà silenziosa e invisibile, spesso ignorata, che riguarda migliaia di famiglie. Con VAS – Il film, Gianmaria Fiorillo sceglie di dare volto e voce a chi vive questa condizione, a una generazione spesso invisibile, trasformando un dolore individuale in una storia collettiva, capace di parlare a un pubblico giovane e consapevole – ma anche a genitori, insegnanti e operatori sociali – mettendo in scena un universo sospeso tra il dentro e il fuori, tra il desiderio di protezione e la paura del mondo esterno. Perché dietro ogni porta chiusa non ci sono solo solitudini, ma anche sogni, ferite e speranze.

Prodotto da Al One in co-produzione con Meleagris Film, VAS – Il film è diretto da Gianmaria Fiorillo e sarà nei cinema italiani dal 20 novembre distribuito da Piano B Distribuzioni.

La trama di VAS – il film

La storia d’amore tra due Hikikomori, Camilla e Matteo, prigionieri volontari delle loro case, del loro mondo. Quanto fa male il mondo fuori? Per misurarlo esiste una scala, la VAS – Visual Analogue Scale – usata ufficialmente in medicina per valutare l’intensità del dolore, fisico ed emotivo. Ai nostri protagonisti, incoscienti e incuranti del loro tormento, servirà per misurare il loro legame. Quanto sono disposti a soffrire l’uno per l’altro? Un gioco al rialzo, sempre più estremo con il proprio corpo e le proprie emozioni, li metterà a dura prova. C’è un dolore più grande che si nasconde dietro tutto questo che li porterà ad affrontare una sfida finale. Ce la faranno i due giovani a vivere il mondo fuori, la loro più grande paura?

“Greenaway – Morte e Decomposizione del Cinema” di Stefano Bessoni alla Festa del Cinema di Roma

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Grazie al supporto della Fondazione Roma Lazio Film Commission, sabato 18 ottobre alle ore 10.00, presso lo spazio “Roma Lazio Film Commission” all’Auditorium Parco della Musica di Roma, si terrà la presentazione del volume Greenaway – Morte e Decomposizione del Cinema, scritto e illustrato da Stefano Bessoni e pubblicato da Bakemono Lab.

“Un quaderno di appunti, riflessioni e illustrazioni su Peter Greenaway, colui che mi ha fatto capire che un film altro non è che un contenitore illimitato, nel quale rinchiudere concetti, teorie e ossessioni.È uno degli autori più importanti del cinema contemporaneo, un artista che si nutre di pittura, scrittura, musica, teatro, danza e di ogni forma espressiva che si possa immaginare. Il suo cinema complesso, enciclopedico e artificioso, è un gioco creativo infinito che strizza l’occhio a Lewis Carroll, Jorge Luis Borges e Italo Calvino, un territorio fiabesco, spesso crudele, sconcertante, nel quale smarrirsiper esplorare le sfaccettature più inattese dell’animo umano, dell’intelletto e del corpo.”- Stefano Bessoni

L’incontro sarà un’occasione per addentrarsi nell’universo visionario di Peter Greenaway attraverso lo sguardo e la sensibilità di Bessoni. Dialogherà con lui il critico cinematografico Emanuele Rauco.

In questa occasione verrà annunciata anche una nuova collaborazione tra Peter Greenaway e Stefano Bessoni, dal titolo He Read Deep Into the Night.

Il progetto raccoglie molti racconti brevi, brevissimi, di Greenaway: storie assurde, idee per film mai realizzati, appunti entomologici su un’umanità attraversata da inquietudini esistenziali e ossessioni. Le narrazioni sono accompagnate dalle illustrazioni di Bessoni, che dialogano con i testi in un intreccio poetico e perturbante. Parole e immagini si fronteggiano e si inseguono, aprendo una riflessione sul campo di battaglia tra scrittura e visione.

L’ingresso al pubblico sarà possibile fino ad un massimo di 70 persone, solo tramite registrazione obbligatoria.

Prenota qui il tuo posto!

Stefano Bessoni: Regista cinematografico, scrittore, illustratore e animatore, appassionato di entomologia, anatomia, fiabe e storia della scienza. La sua poetica affonda nel concetto di wunderkammer e si nutre di suggestioni macabre che richiamano il perturbante.

​Si è diplomato presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. Nel 2005 ha realizzato il suo primo lungometraggio Frammenti di scienze inesatte. Dal 2000 al 2007 ha insegnato regia cinematografica presso NUCT a Cinecittà.

​Nel 2009, dopo diversi anni di sviluppo, ha diretto Imago Mortis, film in coproduzione tra italia e Spagna. Nel 2010 ha prodotto e diretto il film indipendente Krokodyle, autoritratto in forma grottesca e fantastica, manifesto aperto delle sue istanze espressive e sfogo delle tante paturnie esistenziali; è stato un successo di critica e ha raccolto premi in diversi festival internazionali. Krokodyle non ha mai trovato una distribuzione ufficiale.​

Nel 2023 il Museo Nazionale del Cinema di Torino gli ha dedicato una grande mostra personale nella Mole Antonelliana, con illustrazioni originali, burattini, pupazzi, oggetti e proiezione di film, legata in particolare al concetto di wunderkammer.

​Nel 2023 ha collaborato alla mostra “The World of Tim Burton” al Museo Nazionale del Cinema di Torino, curando alcuni testi del catalogo, tenendo lezioni dedicate a Tim Burton e seguendo le attività didattiche.

​Nel 2024, nell’ambito di Cartoons on the Bay a Pescara, gli è stata dedicata una mostra personale intitolata “Stop-motion e altre scienze inesatte”, incentrata sugli aspetti macabri e perturbanti dell’animazione a passo uno.

​Nel settembre 2024 ha presentato al Museo Nazionale del Cinema di Torino il suo libro illustrato dedicato a Peter Greenaway, suo più grande punto di riferimento, insieme a lui, alla moglie Saskia Boddeke e alla figlia Pip.

​Oggi è coordinatore e docente del corso triennale di illustrazione e animazione presso IED Roma e insegna animazione stop-motion e puppet making a Scuola Holden a Torino.

Emanuele Rauco: Nato a Roma nel 1981, si occupa di critica cinematografica e televisiva per La rivista del CinematografoCinecriticaweb e Il sussidiario, collabora con vari siti internet, quotidiani e riviste, cura programmi radiofonici, rassegne e festival cinematografici. Ha pubblicato saggi su Henri-Georges Clouzot e il cinema francese negli anni di Vichy e monografie su Guillermo Del Toro, Jim Jarmusch, Steven Spielberg, Noah Baumbach, Frank Capra e Pablo Larrain. Dal 2016 è membro della Commissione di selezione della Mostra del Cinema di Venezia, dal 2019 è socio della Rete degli Spettatori per la diffusione del cinema di qualità e indipendente. Si occupa di divulgazione cinematografica tramite i suoi canali social. Ha diretto rassegne e festival a Frosinone e Formia, è co-direttore artistico del Catania Film Festival direttore artistico di Castiglione del Cinema.

James Gunn fornisce aggiornamenti su ciò che dirigerà dopo Man of Tomorrow

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L’universo DC è stato finalmente ampliato nel 2025, ma la DC Studios è solo all’inizio della sua nuova serie di supereroi. Con il film su Superman che si è rivelato il film tratto da un fumetto di maggior incasso dell’anno, è già in lavorazione un sequel, dato che James Gunn è pronto a dirigere Man of Tomorrow per il 2027.

In una nuova intervista con Deadline, Gunn ha ora parlato più approfonditamente del futuro della sua carriera cinematografica al di fuori del suo ruolo di co-CEO della DC Studios. Riguardo al sequel di Superman, il regista ha spiegato che “Man of Tomorrow era un’idea che avevo in mente da molto tempo. Penso di sapere già quali saranno i prossimi film che dirigerò, quindi, francamente, lo so già”.

L’ex regista della Marvel Cinematic Universe ha precisato che “poiché fa parte del piano della DCU, c’è una grande storia”. Tuttavia, ha sottolineato l’importanza che i progetti siano in grado di reggersi da soli: “Da un lato, voglio che tutto sia perfetto da guardare da solo”. Ha poi approfondito il tema dell’episodio 8 di Peacemaker e del suo effetto sul DCU più ampio, compresi i film che dirigerà.

Gunn ha detto: “Ma c’è anche una storia più grande che coinvolge, per esempio, Salvation, e quella storia coinvolge Rick Flag, Lex e Superman. Ci sono quei film che dirigerò”. Sebbene sappia cosa dirigerà dopo il film Man of Tomorrow, ha anche chiarito che i piani potrebbero sempre cambiare. Ha condiviso: “Questo è il piano attuale, almeno. Potrei diventare così stanco da non riuscire a farlo, perché sono piuttosto stanco, ma vedremo. Ma c’è un piano che prevede che ne farò almeno un altro paio”.

LEGGI ANCHE: Peacemaker – Stagione 2: la spiegazione del finale e come ci prepara a Man Of Tomorrow

Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow

Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.

James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.

Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro. Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan.

Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.

James McAvoy ed Elliot Page sono entusiasti del recasting degli X-Men per l’MCU

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Le star della saga cinematografica degli X-Men hanno espresso la loro sincera opinione sulla possibilità che la MCU ricopra i loro personaggi in progetti futuri. Durante il panel dedicato agli X-Men al NYCC, le star Elliot Page e James McAvoy hanno parlato dei loro ruoli passati nei film degli X-Men e di come si sentirebbero se venissero sostituiti. Il moderatore Josh Horowitz ha infatti elencato alcuni nomi potenziali che potrebbero sostituire Page e McAvoy, tra cui Colman Domingo e Bella Ramsey.

Page era felice delle potenziali prospettive: “Sembrano fantastici, è così emozionante vedere persone che interpretano una nuova versione”. Anche McAvoy era ottimista sul futuro degli X-Men e ha dichiarato: “Sono entusiasta di vedere cosa succederà. Ero un fan prima di diventare un dipendente, e poi, no, sapete, sarò di nuovo un fan”.  James McAvoy ed Elliott Page sono apparsi insieme in X-Men: Giorni di un futuro passato (2014) e X-Men: Apocalisse (2016) nei panni del Professor X e Kitty Pryde.

Entrambi questi film sono prequel dei film originali degli X-Men iniziati nel 2000. McAvoy era poi interessato a vedere quali nuovi attori avrebbero potuto sostituirlo e ha detto: “Colman Domingo sembra fantastico, però. È bravissimo”. Domingo è noto per i suoi ruoli in Fear the Walking Dead, Rustin ed Euphoria.  Ci sono infatti state voci secondo cui la Marvel starebbe potenzialmente considerando Domingo come Professor X per un possibile reboot della serie X-Men.

Il Professor X era originariamente interpretato da Patrick Stewart, mentre James McAvoy ha interpretato la versione più giovane di Charles Xavier nei prequel, tra cui anche X-Men – Gli Inizi (2011) senza Page. Stewart ha già dichiarato di trovare lusinghiera l’interpretazione di McAvoy, mentre McAvoy è da tempo un ammiratore di Stewart. L’attore scozzese è noto per i suoi ruoli in Split, Le cronache di Narnia: Il leone, la strega e l’armadio ed Espiazione. Page ha invece interpretato la studentessa mutante Kitty ed è nota per i suoi ruoli in Juno, Inception e The Umbrella Academy.

Un attesissimo film sugli X-Men è in lavorazione presso la MCU, ma non ci sono dettagli ufficiali né una data di uscita. Il presidente della Marvel Studios, Kevin Feige, ha dichiarato: “Sulla strada verso Secret Wars, sappiamo già molto bene quale sarà la trama fino a quel momento e oltre. Gli X-Men sono una parte importante di quel futuro”. La Marvel aveva già trovato uno sceneggiatore per il film lo scorso anno, Michael Lesslie. Il regista di Thunderbolts*, Jake Schreier, è invece stato preso in considerazione per dare vita al reboot degli X-Men come regista.

LEGGI ANCHE: Jake Schreier su come Thunderbolts* lo abbia preparato agli X-Men

Chi reciterà nel reboot degli X-Men?

Secondo quanto riferito, il casting ufficiale dovrebbe iniziare molto presto (se non è già iniziato) e personaggi del calibro di Harris Dickinson, Margaret Qualley, Elle Fanning e Julia Butters sarebbero nel mirino dello studio (secondo quanto riferito, erano in lizza per interpretare Cyclope, Rogue e Kitty Pryde, ma non sappiamo se sia ancora così), insieme alla star di Alien: Romulus David Jonsson e Trinity Bliss, che potrebbero essere in lizza per interpretare Jubilee. Altri nomi che sono emersi nelle voci di corridoio includono Hunter Schafer (Mystica), Ayo Edebiri (Tempesta) e Javier Bardem (Mr. Sinister).

Riguardo al progetto Kevin Feige ha dichiarato di avere un “piano decennale” per la saga dei mutanti. “Penso che lo vedrete continuare nei nostri prossimi film con alcuni personaggi degli X-Men che potreste riconoscere. Subito dopo, l’intera storia di Secret Wars ci condurrà davvero in una nuova era dei mutanti Ancora una volta, è uno di quei sogni che diventano realtà. Finalmente abbiamo di nuovo gli X-Men“.

LEGGI ANCHE: X-Men: Jake Schreier conferma che sono iniziati i lavori per il reboot della Marvel

Call My Agent – Italia 3: trailer e data d’uscita della nuova stagione Sky Original

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Torna con una terza stagione Call My Agent – Italia, la serie Sky Original adattamento del cult francese Dix pour cent, che sarà disponibile dal 14 novembre in esclusiva su Sky e in streaming solo su NOW. L’annuncio arriva insieme al trailer ufficiale, che anticipa nuovi colpi di scena e il ritorno dell’irresistibile ironia che ha reso amatissima la serie ambientata nel dietro le quinte dello star system italiano.

Con il consueto tono brillante e autoironico, i nuovi episodi promettono di celebrare ancora una volta il mondo dello spettacolo attraverso le vicende della CMA, l’agenzia di spettacolo più amata della televisione, e dei suoi agenti. Nella nuova stagione, Vittorio, Lea e Gabriele dovranno affrontare una vera e propria rivoluzione che rischierà di far esplodere la loro straordinaria e disfunzionale famiglia professionale.

Un cast corale e tanti cameo sorprendenti

Prodotta da Sky Studios e Palomar (a Mediawan Company), la terza stagione è diretta da Simone Spada (Hotel Gagarin, Studio Battaglia, Rocco Schiavone) e scritta da Federico Baccomo (Call My Agent – Italia, Improvvisamente Natale, Studio Battaglia), autore del soggetto di serie e dei soggetti di puntata, insieme a Camilla Buizza e Tommaso Renzoni.

Sullo sfondo di una Roma elegante e mondana, la serie torna con i suoi protagonisti storici: Michele Di Mauro, Sara Drago e Maurizio Lastrico nei ruoli di Vittorio, Lea e Gabriele, affiancati da Sara Lazzaro (Monica), Francesco Russo (Pierpaolo) e Paola Buratto (Camilla).
Ritornano anche Kaze (Sofia), Emanuela Fanelli (Luana Pericoli) e Corrado Guzzanti, garanzia di comicità surreale e meta-televisiva.

Come da tradizione, ogni episodio sarà arricchito da guest star d’eccezione che interpreteranno se stesse in situazioni ironiche e spesso paradossali. Tra loro:

  • Luca Argentero, deciso a lasciare la carriera per la famiglia;

  • Michelle Hunziker e Aurora Ramazzotti, madre e figlia anche sul set;

  • Stefania Sandrelli, alla ricerca di una nuova sfida professionale;

  • il cast di Romanzo Criminale – La serie (Marco Bocci, Vinicio Marchioni, Francesco Montanari, Edoardo Pesce, Alessandro Roia, Daniela Virgilio) per una reunion dal finale imprevedibile;

  • Miriam Leone, pronta a tornare al lavoro dopo la maternità;

  • Ficarra & Picone, in piena crisi alla vigilia dei 30 anni di carriera;

  • e ancora Nicolas Maupas e Gianmarco Saurino in nuovi ruoli meta-narrativi.

La trama della terza stagione

Dopo la scomparsa di Elvira, gli equilibri interni alla CMA sono destinati a cambiare profondamente.
A minacciare la stabilità dell’agenzia è UBA, la più grande società mondiale di management artistico, pronta a sbarcare in Italia e a spazzare via la concorrenza.

Mentre Vittorio, Lea e Gabriele cercano di difendere la loro identità e i loro clienti, la vita privata dei tre diventa un ulteriore campo di battaglia: amori che nascono, relazioni che si rompono e colpi di scena inaspettati animeranno una stagione che si preannuncia esplosiva, in bilico costante tra caos e comicità.

Tra ambizioni, tradimenti e sogni infranti, i protagonisti dovranno correre contro il tempo per salvare il futuro della CMA… e forse anche se stessi.

Uscita e dove vederla

La terza stagione di Call My Agent – Italia debutterà il 14 novembre 2025 su Sky Serie e in streaming su NOW. Una nuova occasione per tornare dietro le quinte dello spettacolo e riscoprire, con ironia e affetto, vizi e virtù del nostro cinema e della nostra televisione.

Matrix: Laurence Fishburne rivela se tornerà per un sequel

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Laurence Fishburne ha parlato della possibilità di tornare nella saga di Matrix. Apparso per la prima volta nel film del 1999, il personaggio interpretato da Fishburne, Morpheus, era il mentore calmo e filosofico che guidava Neo, interpretato da Keanu Reeves, alla scoperta della verità sulla sua realtà, diventando una delle figure più iconiche del cinema fantascientifico. Ora, durante un’apparizione al New York Comic Con, Fisburne ha affrontato direttamente l’argomento, chiarendo che, pur non escludendo del tutto un ritorno, la sua partecipazione dipenderebbe dalla qualità e dallo scopo del progetto.

Dipende, sapete, da quanto è buono, davvero. Se è fantastico, allora sì. Sapete, se ha senso. Non so se ha senso”, sono le parole di Fishburne. I commenti dell’attore arrivano quasi quattro anni dopo l’uscita del quarto film, Matrix Resurrections, nelle sale nel 2021. Il sequel, diretto dalla veterana della serie Lana Wachowski, ha rivisitato Neo e Trinity (Carrie-Anne Moss) decenni dopo la trilogia originale, esplorando i temi della memoria, dell’identità e della rinascita. In particolare, Fishburne non è tornato per il sequel.

La Warner Bros. ha però confermato i piani per Matrix 5 nell’aprile 2024. Anche se non ci sono molti dettagli sul film, è stato confermato che Drew Goddard ne sarà il regista. Questo segna il primo capitolo della serie in cui le sorelle Wachowski non sono coinvolte. Il franchise di Matrix ha ottenuto nel corso degli anni un successo misto al botteghino e dalla critica. L’originale del 1999 ha incassato 467 milioni di dollari in tutto il mondo e ha ricevuto ampi consensi per i suoi effetti rivoluzionari.

Reloaded e Revolutions sono seguiti nel 2003, incassando rispettivamente 741 milioni e 427 milioni di dollari, ma dividendo la critica con narrazioni dense. Resurrections del 2021 ha incassato meno del previsto, 159 milioni di dollari in tutto il mondo, ma ha ricevuto alcuni elogi grazie al suo meta-commento e al ritorno di Keanu Reeves e Carrie-Anne Moss.

Dopo Matrix, Fishburne ha avuto una carriera impressionante e diversificata, recitando in progetti importanti come John Wick 4, Ant-Man and the Wasp e The School for Good and Evil. I suoi recenti commenti suggeriscono che prenderebbe in considerazione un ritorno solo se il progetto raggiungesse il livello della trilogia originale. La sua risposta riflette il rispetto per ciò che Matrix ha significato per il pubblico per oltre due decenni, nonché la consapevolezza che non tutte le storie hanno bisogno di un altro capitolo. Che Morpheus rientri o meno nel mondo digitale, l’eredità di Fishburne in Matrix rimane intoccabile.

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Sigourney Weaver rivela che forse potremmo rivedere Ellen Ripley al cinema!

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Dopotutto, sembra che potremmo vedere Sigourney Weaver tornare nel franchise di Alien. La recente voce secondo cui il prossimo film di Alien potrebbe riportare Weaver a interpretare una Ellen Ripley ringiovanita è stata accolta con un misto di entusiasmo e trepidazione dai fan del classico franchise horror fantascientifico, ma il regista di Alien: Romulus, Fede Álvarez, ha subito smentito la notizia definendola “gossip divertente“.

Ripley potrebbe non apparirà nel sequel di Romulus, ma sembra che ci fosse del vero nella voce secondo cui l’attrice starebbe pensando di riprendere il suo ruolo più famoso.

“[Il produttore di ‘Alien’] Walter Hill è un mio caro amico e ha scritto 50 pagine su dove sarebbe Ripley ora, e sono davvero straordinarie”, ha detto Sigourney Weaver sul palco durante una conversazione moderata da Josh Horowitz. “Non so se accadrà, ma ho avuto un incontro con la Fox o la Disney… Non ho mai sentito il bisogno [di riprendere il ruolo]. Ho sempre pensato: ‘Lasciatela riposare, lasciatela guarire’. Quello che ha scritto Walter mi sembra così vero, in quanto parla molto della società che incarcerebbe qualcuno che ha cercato di aiutare l’umanità, ma lei è un problema per loro, quindi è in un certo senso messa da parte. Penso che le prime 50 pagine siano molto forti. Sto pensando di lavorare con Walter per vedere come sarebbe il resto della storia.” “Non si tratterebbe di correre nei condotti di aerazione”, ha aggiunto. “Sarebbe un tipo di Alien molto diverso con una sceneggiatura davvero buona. Spaventoso.”

Se Sigourney Weaver decidesse di tornare nei panni di Ripley, sembra che interpreterà il personaggio senza l’uso della tecnologia di ringiovanimento. Se così fosse, presumiamo che gli eventi di Alien 3 di David Fincher, in cui Ripley è stata uccisa, e di Alien: La clonazione, che l’ha riportata in vita come clone, saranno ignorati e la storia riprenderà dopo gli eventi di Aliens di James Cameron.

“Ma adoro quello che ha fatto con il personaggio”, ha continuato Weaver. “Ne coglie davvero la forza, la rabbia e l’umorismo, ed è molto difficile da scrivere. È sorprendentemente difficile scrivere di Ripley. Tutti ti fanno sembrare un insegnante di ginnastica. ‘Bene, gente, facciamo affari!’ Quindi Walter ce l’ha fatta.”

Vision Quest: confermato l’attore che interpreterà Tommy Maximoff

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La Marvel Television ha presentato Vision Quest al New York Comic Con, ed è stato finalmente confermato che Ruaridh Mollica è stato scelto per interpretare Tommy Maximoff del MCU.

Fratello gemello di Tommy Maximoff/Wiccan di Agatha All Along, il personaggio è un altro Young Avenger e, come suo zio, Pietro Maximoff/Quicksilver, è dotato di supervelocità. Da qui il suo nome in codice, “Speed”.

È stato anche rivelato che Ultron, F.R.I.D.A.Y., E.D.I.T.H., J.A.R.V.I.S. (interpretato dal ritorno di James D’Arcy, star di Agent Carter) e DUM-E appariranno in forma umana. I Marvel Studios hanno poi confermato che Vision Quest concluderà la trilogia iniziata con WandaVision.

La serie Vision Quest

Il progetto Vision Quest è stato descritto come “la terza parte di una trilogia iniziata con WandaVision e che continua con Agatha All Along“.

Oltre a Paul Bettany nel ruolo di Visione, James Spader di Avengers: Age of Ultron riprenderà il ruolo di Ultron (non è chiaro se Ultron tornerà come robot o in forma umana). Non c’è stato alcun accenno al potenziale coinvolgimento di Elizabeth Olsen, ma la serie sarà ambientata dopo gli eventi di WandaVision, “mentre il fantasma di Visione presumibilmente esplora il suo nuovo scopo nella vita”. T’Nia Miller è stata confermata per il ruolo di Jocasta. Orla Brady apparirà nei panni di F.R.I.D.A.Y. in forma umana, mentre Emily Hampshire sarà E.D.I.T.H. Todd Stashwick sarà Paladino. James D’Arcy tornerà invece nei panni di Edwin Jarvis in qualche modo.

Il finale di WandaVision ha rivelato che la Visione con cui avevamo trascorso del tempo nel corso della stagione era in realtà una delle creature di Wanda, ma la vera “Visione Bianca” è stata ricostruita dalla S.W.O.R.D. e programmata per rintracciare e uccidere Scarlet Witch. Questa versione del personaggio si è allontanata verso luoghi sconosciuti verso la fine dell’episodio, dopo essersi dichiarata la “vera Visione”.

Per quanto riguarda Wanda, l’ultima volta che abbiamo visto la potente strega era mentre devastava gli Illuminati e si faceva crollare una montagna addosso in Doctor Strange nel Multiverso della Follia. Anche l’attore di Picard, Todd Stashwick, è nel cast, nei panni di “un assassino sulle tracce di un androide e della tecnologia in suo possesso”. Vision debutterà su Disney+ nel 2026.