Ennesimo tassello della nota saga sorta nell’anno 1978 e all’epoca diretta dal gran John Carpenter, Halloween Kills viene presentato fuori concorso alla 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica a Venezia. La storia non tiene per nulla conto di tutti i sequel che sono usciti dal ’78 in poi, ma solo di quello del 2018, che ne era immediata continuazione e dal quale prosegue senza soluzione di continuità.

Ancora con la regia di David Gordon Green, tre anni fa avevamo lasciato il nostro noto tagliagole Michael Myers intrappolato nel seminterrato di Laurie (Jamie Lee Curtis), che pareva essere spacciato, ma il cui respiro affannato lasciava dedurre che le cose non fossero proprio così semplici. E infatti avevamo ragione.

Halloween Kills, la trama

Il racconto inizia con la spiacevole sorpresa di un’intensa e serrata ripresa dei giochi, dove troviamo Laurie insieme alla figlia Karen (Judy Greer) e alla nipote Allyson (Andi Matichak) che stanno compiendo una sfrenata corsa a bordo di un pick-up verso l’ospedale per ricucire l’addome della protagonista che il killer ha tentato più volte di perforare fatalmente. Ma la faccenda si mette ovviamente male: Michael Myers affetta tutti, scappa e ricomincia tutto daccapo.

Il sottogenere slasher, facente parte della categoria horror, è stato praticamente inaugurato da John Carpenter proprio con questo lungometraggio. In realtà la principale derivazione dello stile sarebbe Psyco di sir Alfred Hitchcock ma, ad ogni modo, le principali delineazioni che ne sono conseguite si son sviluppate tutte dagli anni 80 in poi, e hanno generato tutti quei film in cui il cattivo trucida più gente che può ed è tendenzialmente mascherato o dal volto sfigurato. Ma l’aspetto che per certi versi sfiora il tragicomico, è tutto quello per cui è necessario applicare la sospensione dell’incredulità. Perché ce ne sarebbe da vendere, d’incredulità.

Il ritorno (di nuovo) di Michael Myers

Michael Myers, così come tutti quei tremendi Uomini Neri che braccano e massacrano senza pietà, è la personificazione di quel che si definisce l’archetipo dell’ombra, o, in altri termini, tutto quel che dentro e fuori di noi è rappresentazione dei nostri peggiori incubi, in qualunque forma si possano manifestare.

È chiaro che Halloween Kills sia sostanzialmente un sollazzo da serate goliardiche a base di grida, risate casalinghe, pop-corn, e cuscini per ripararsi gli occhi. Ma è altrettanto vero che c’è un motivo molto più profondo di quel che sembra se, nonostante ci terrorizzi, sia così magnetico.

David Gordon Green gestisce e organizza in maniera molto organica il lento peregrinare del killer. Lo fa con una maggiore scorrevolezza rispetto al precedente: sia rispetto ai singoli agguati con corrispondenti efferati omicidi, che per quanto concerne la narrazione, con il montaggio parallelo dell’ospedale in cui Laurie è ricoverata e fa parzialmente da controcampo, spiegando le dinamiche della psicologia di Michael.

Ma il punto fondamentalmente resta sempre lo stesso, per quanto possa essere motivato e pianificato da trame più o meno originali: Michael Myers è invincibile perché in caso contrario verrebbe meno il senso rappresentativo di questo genere di film.

Se è vero che ad un certo punto diventa snervante pensare di aver davanti un personaggio che, stando al patto stabilito col pubblico, è un essere umano ma che comunque seguita a rialzarsi dopo qualunque tipo di mazzata, d’altra parte è altrettanto vero che, invece, venga da pensare che possa andare esattamente così.

Paure universali

In fondo, è proprio quella la realizzazione delle nostre paure più grandi: il fatto che mai saranno dissipate, che mai ci sarà la luce e che, presto o tardi, ci staneranno e sarà la fine. Halloween Kills è un prodotto che funziona perché fa da specchio a qualcosa che si teme universalmente, ad ogni latitudine.

E un punto sul quale David Gordon Green mette l’accento è che il capro espiatorio si pensa sempre che sia la soluzione ai mali del mondo, ma non è affatto così, al contrario. È la solidarietà che fa la forza, soprattutto quando per diventare dei mostri terribili è sufficiente voler uccidere qualcuno, anche se si tratta del cattivo. Perché non c’è nessuno che sia veramente cattivo. O forse sì.

 

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Gabriele Mainetti è tornato. L’attesa è stata sfibrante: nel 2015 Lo chiamavano Jeeg Robot era stato un successo clamoroso ricevendo valanghe di riconoscimenti, facendo accedere Ilenia Pastorelli al fatato mondo del cinema (e dei David di Donatello), e confermando una volta in più la sacralità folle delle doti attoriali di Luca Marinelli, così come di Claudio Santamaria – per quanto, quest’ultimo, imbolsito e con l’occhio a mezz’asta, sfruttato in chiave positiva, da eroe ruvido ma dal cuore di panna.

Freaks (sono) out!

Freaks Out è una tra le gemme del cinema italiano in Concorso a Venezia alla 78esima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, e regala uno spettacolo pirotecnico, proprio come il “Circo Mezzapiotta” di Israel (Giorgio Tirabassi), che non si risparmia in luci, colori e bagliori di fuliggine volante.

Avvalendosi, infatti, sempre della scrittura di Nicola Guaglianone, Gabriele Mainetti confeziona un fantasy intensamente nostrano, ma con l’intelligenza e l’acume dell’elaborazione e la mescolanza di una tecnologia decisamente ben utilizzata, che volge lo sguardo anche verso il cinema del resto del mondo.

Freaks Out parla in maniera perfetta e ritmata di un gruppo di scalcagnati – neanche a dirlo – romanacci d.o.c., che fanno parte, appunto, del “Circo Mezzapiotta” di proprietà di Israel. Cencio (Pietro Castellitto), Fulvio (Claudio Santamaria), Matilde (Aurora Giovinazzo) e Mario (Giancarlo Martini) sono quattro adorabili fenomeni da baraccone, amati come figli dal loro presentatore e gestore d’esibizioni itineranti, che possiedono però realmente dei poteri soprannaturali e che diventeranno, loro malgrado, oggetto d’interesse di un malvagio nazista che prevede il futuro (Franz Rogowski), a sua volta a capo di un sanguinario circo tedesco.

L’ambientazione storica di Freaks Out

Perché, a condimento di tutto questo fantastico carrozzone, il contesto scelto dagli autori è il 1943, anno di grande sofferenza e rastrellamenti, che subiranno tutti i protagonisti della nostra storia, soprattutto per le qualità che li contraddistinguono. E in effetti quasi ogni personaggio del film con cui si entra in contatto è caratterizzato da qualcosa per certi aspetti di orrorifico, dunque le persecuzioni naziste, dopotutto, simboleggiano tutto ciò che in assoluto si vorrebbe distruggere, quando non rientra entro i ranghi dell’accettabilità. Ma non è certo solo questo ad interessare al regista.

Tutta l’architettura di Freaks Out rappresenta in realtà lo spasso di un ragazzo che mette insieme i suoi supereroi, inserendoli in un ambiente a lui caro e conferendogli quel giusto senso di “imbranatezza” che soltanto noi, da bravi italiani un po’ malandati, possiamo conoscere. E nel farlo si diverte un mondo.

Mainetti è un creatore che ha colto l’essenza di come unire l’utile al dilettevole: ciò che si desidera fortemente mettere in scena partendo, però, dalla precisa consapevolezza di chi si è personaggi un po’ storti, bucherellati, ma tremendamente geniali, simpatici e passionali.

Personaggi passionali e “storti”

Tant’è che un altro degli elementi che fa perdutamente innamorare del film, è l’ardore traboccante che trasuda sempre dai suoi protagonisti, anche i cattivi. Il desiderio scalpitante, continuo, che muove ogni interprete della storia: partendo dalla voglia di giustizia, d’amore, di conquista del mondo o dell’attenzione del proprio fratello, ognuno freme per arrivare ad agguantare ciò che agogna.

E il regista sa raccontarlo con un’efficacia così fluida, da renderla vera e incredibilmente attraente. Perché se c’è una cosa che questi supereroi conoscono bene, è la difficoltà a convivere con l’ingombro di loro stessi. Ed così perfetto quando nella scrittura di una storia si combinano insieme l’impaccio e la bellezza, l’artista con l’arte, senza rinunciare mai ai difetti, agli aspetti – naturalmente – un po’ freak.

La spettacolarità del cinema italiano incarnato dalla seconda opera di Gabriele Mainetti, racconta la scaltrezza del non rigettare mai quel che sembra malconcio, ma incorniciarlo con attori che siano dei fuoriclasse, una fotografia e dei suoni calibrati e studiati al millimetro, e da lì far iniziare la magia.

 

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