La fama di Garry Marshall è legata alla creazione di serie tv di successo come Happy Days e Mork & Mindy e, indissolubilmente, ad alcune delle commedie sentimentali più famose degli ultimi anni, come Pretty Woman, Paura d’amare, Se scappi, ti sposo e Pretty Princess.

Con Mother’s Day, il regista e produttore statunitense – classe 1934 – porta a termine la sua “trilogia delle feste” iniziata nel 2010 con Appuntamento con l’amore e proseguita nel 2011 con Capodanno a New York. Dopo San Valentino e l’ultimo dell’anno, Marshall abbandona gli spazi enormi e sconfinati offerti da location come Times Square, per abbracciare una dimensione più piccola e intima nella pittoresca Atlanta, in Georgia, e raccontare una delle feste più importanti d’America, che si celebra anche in Italia ma con una diversa valenza: il Mother’s Day, ossia la Festa della Mamma.

Mother’s Day, il film

Per farlo, il regista ripropone la medesima formula usata nei precedenti capitoli: una serie di storie intrecciate che vedono protagoniste alcune delle più grandi star del panorama hollywoodiano. Jennifer Aniston, Kate Hudson, Julia Roberts (che a Marshall deve – almeno in parte – la fortuna della sua carriera) e Jason Sudeikis (adorabile contrappeso in questa giungla materna) sono i principali protagonisti di una commedia senza troppe pretese che esalta il legame madri/figlie e sottolinea, attraverso la quotidianità di vite vissute all’ombra di una figura tanto rassicurante quanto in alcuni casi ingombrante, un concetto ragguardevole ma avulso ormai da qualsiasi tipo di narrazione cinematografica che punti all’originalità e all’innovazione dei suoi temi: di mamma ce n’è una sola.

E se ciò è indiscutibilmente vero, è altresì vero che anche di Garry Marshall ce n’è uno solo: alla veneranda età di 82 anni, era impossibile pensare che una delle più stimate personalità del panorama cinematografico e televisivo americano uscisse dalla sua comfort zone per rischiare di deludere il suo pubblico di affezionati a stelle e strisce.

Mother’s Day, nonostante concentri tematiche differenti che presentano al centro l’idea della famiglia e della maternità (genitori single, coppie gay, madri in attesa, assenti o lontane), è infatti tutto quello che ci si aspetta da un film di Marshall: un prodotto confezionato come un perfetto pacco regalo, con lo sguardo ancora una volta puntato sull’universo femminile, fortemente ancorato ad una certa tradizione americana che – ancora oggi – riesce a ridere e a piangere per l’esaltazione dei buoni sentimenti diluita con situazioni (purtroppo) patinate, banali e prevedibili. L’impatto che avrà Mother’s Day in Italia? Probabilmente passerà inosservato. O magari, per alcune spettatrici (madri, figlie o entrambe le cose), rappresenterà un divertissement con cui trascorrere 118  – ingiustificati – minuti in sala.

Apre il concorso ufficiale di Orizzonti a Venezia 82 Mother, con Noomi Rapace nei panni di un’insolita Madre Teresa di Calcutta. Alla regia, la macedone Teona Strugar Mitevska, già autrice di un documentario sulla religiosa albanese naturalizzata indiana e fondatrice della congregazione delle Missionarie della Carità.

Calcutta, agosto 1948. Teresa, Madre Superiora del convento delle Suore di Loreto, attende con ansia la lettera che le permetterà finalmente di lasciare il monastero e fondare il suo nuovo ordine, in risposta alla chiamata ricevuta da Dio. Proprio quando tutto sembra pronto, si trova di fronte a un dilemma che mette in discussione le sue stesse ambizioni e la sua fede, in un momento cruciale della sua vita.

Una Madre Teresa inedita e complessa

L’ispirazione per questo insolito progetto è nata durante la lavorazione del documentario Madre Teresa – La storia mai raccontata, quando la regista ebbe l’occasione di intervistare le ultime quattro sorelle della congregazione che conobbero la futura santa. Da quelle testimonianze emerse una donna complessa, appassionata e determinata, molto distante dall’immagine fragile e sorridente impressa nell’immaginario collettivo. È da lì che prende forma la sua esigenza di restituirne un ritratto più umano, intriso di contraddizioni, ma proprio per questo ancora più potente e universale.

L’idea vincente di Strugar Mitevska è quella di raccontare un lato meno vissuto della storia di Madre Teresa e di rimarcarne la modernità iconografica. Fin dall’inizio, capiamo che la formula narrativa utilizzata da Mother non è strettamente biografica – gli indizi di una sorta di ageografia rock ci sono tutti – piuttosto di un cammino lungo sette giorni che tenterà di tracciare un ritratto più sui generis della religiosa.

Il ritratto in sette giorni tra fede e ambizione

La narrazione è scandita dai sette giorni che porteranno Madre Teresa verso la libertà tanto agognata, ossia il permesso garantito dal Vaticano per fondare il proprio ordine religioso. La sua vita quotidiana guarda continuamente al futuro, in ogni piccola parentesi sono ravvisabili i precetti che avrebbe poi rivendicato “ufficialmente” con l’istituzione delle Missionarie. A partire dal suo totale rifiuto di un attaccamento a spazi e oggetti, viene messo in luce l’animo erratico di Madre Teresa, che vuole stare per le strade e non confinare il suo aiuto alle mura di un convento. Non le importa che si parli del loro vagabondare per i vicoli più malandati di Calcutta, ha già le idee chiare su quelle che saranno le regole chiave del nuovo ordine da lei fondato. Quello che forse non aveva messo in conto, però, con lo sguardo troppo rivolto al domani, è che la prova più dura dovrà affrontarla proprio all’interno di quelle mura.

Noomi Rapace e la forza di un’interpretazione

Noomi Rapace è assolutamente convincente nei panni della religiosa, ha il mordente e la grinta necessari per prefigurare quello che il film non mostra e che il pubblico già sa, ovvero la vita di Madre Teresa come guida spirituale delle Missionarie della Carità. La sua performance trasuda l’aspetto più vincente di Mother ossia, come dicevamo, l’idea di un convento che stringe e confina, ben trainata anche da fotografia e regia. Non vediamo mai l’India nella sua vastità – aspetto che potrebbe essere fuorviante per il pubblico limitato a una conoscenza basilare della figura – perchè non è (ancora) quella che sta vivendo lei.

D’altra parte, il rischio è però quello di limitare troppo il quadro, non dare il tempo di assorbire veramente quello che si vuole raccontare sfruttando la formula del conto alla rovescia e tirando una figura così larger than life fuori dal macrocosmo in cui ha inequivocabilmente voluto vivere. Qui, Madre Teresa non indossa l’inconfondibile sari bianco e blu, ma abiti da monaca più convenzionale; è già in India ma rieccheggiano ancora in maniera preponderante le sue radici.

Libertà e sorellanza al centro del film

Centrale è anche la riflessione sul tema della libertà, affrontata in maniera volutamente contraddittoria. Come racconta la regista, molte delle donne che aderirono alle Missionarie della Carità scelsero la vita religiosa come forma di emancipazione da un destino imposto dalla società. È paradossale, ma dietro la rinuncia agli agi e alle convenzioni borghesi c’era spesso la ricerca di indipendenza e persino di sollievo da obblighi patriarcali. In questo senso, Mother diventa anche un film sulla sorellanza: la complicità tra Teresa, Agnieszka e padre Friedrich alimenta un gioco di forze che rimanda ai grandi dilemmi di potere, fede e identità femminile.

State ancora festeggiando il ritorno di Anne Hathaway nei panni della Andy Sachs di Il diavolo veste Prada? Ottimo. Lo choc sarà ancora più forte. Perché la sua Mother Mary è ben più di una Madonna pop (o della pop star omonima) preda del classico esaurimento da star system, è una donna in crisi, in primis con sé stessa, divorata da sensi di colpa e incapace di continuare a sopportare la maschera dietro la quale ha scelto di nascondersi da tempo. Almeno dall’evento traumatico che pensava di aver superato, e relegato al passato, ma che invece ora è costretta ad affrontare.

La trama di Mother Mary

Dopo un grave indicidente, e per fugare ogni sospetto che potesse trattarsi di un tentativo di suicidio, la superstar Mother Mary sta preparando il ritorno in scena: una esibizione live, programmata per la notte del suo compleanno, nella quale canterà un inedito che promette di essere la canzone più bella mai composta. Ma qualcosa non va come previsto. Insoddisfatta, l’artista fugge dalla prova costumi e dal suo entourage per raggiungere la sua ex migliore amica e stilista Sam Anselm. Le due non si vedono da anni, da quando Mary aveva improvvisamente abbandonato l’altra donna, che ora appare ostile – e molto caustica – nei suoi confronti. Nonostante questo, accetta di confezionarle l’abito, ponendo però alcune condizioni visto il poco tempo a dispozione. Per tre giorni le due donne restano quindi chiuse nella immensa sartoria, isolate nella campagna inglese, sole con i propri rancori, rimpianti e finalmente costrette a confrontarsi.

L’analisi profonda di David Lowery

Quel rancore che a Takashi Shimizu aveva ispirato ben altre e inquietanti figure, qui non è rinchiuso in un luogo, ma alberga dentro di loro, più profondo e psicologicamente ramificato. È un trauma dal quale non ci si può liberare come di una maledizione qualsiasi, un dolore che ciascuna delle due ha metabolizzato in maniera diversa, rifiutandolo o estirpandolo in maniera superficiale, un male profondo che si è esteso come una metastasi a tutto il corpo, a ogni ambito dell’esistenza, anche quelli più intellettuali.

Nel film, il regista – come la stilsta ferita – “studia, scava”, va a fondo, alla ricerca delle cause prime della sofferenza che in qualche maniera unisce le due splendide protagoniste (incredibile la Hathaway, una creatura fantastica Michaela Coel, per quanto favorita da un personaggio dall’espressività più esplicita), e per farlo le – e ci – costringe a una lunga tenzone dialettica, oltre i limiti del cervellotico, che forse non tutti riusciranno a sostenere.

Il processo messo in scena, d’altronde, è ineludibile. Per Mary, Sam e per gli spettatori. E chiede una attenzione totale, costante, anacronistica forse, e insieme encomiabile, seducente, pur – e forse proprio – nel suo essere eccessiva, estrema. Un limite forse, per un film che – per interpreti ed estetica – si rivolge al grande pubblico, ma anche una scelta coraggiosa, che rende unico il film. Soprattutto nella sua prima parte.

Awareness is a Warm Gun

Per sciogliere un tale nodo gordiano, infatti, a un certo punto Lowery abbandona il piano del reale, dando forma a dinamiche di tutt’altro tipo, affidandosi al surreale, all’onirico, al fantastico, a visioni dalle tinte quasi horror, facendosi beffe di spazio e tempo e dando una rappresentazione soprannaturale di ciò che le avvelena. Attraverso il sangue, l’automutilazione (evitiamo di farne l’ennesimo body horror, per favore), ora entrambe possono vedere il fantasma di quello che è stato, ma soprattutto di quello che ancora le unisce. È una terapia d’urto nella quale il vestito da realizzare diventa un simbolo. Di quel che Mary inizialmente desidera e teme, della vendetta della quale ha bisogno Sam, che deve per far ‘indossare’ all’altra il dolore che a lungo ha portato da sola.

Così questo suggestivo melodramma della scissione si avvicina alla conclusione, a ricostruire l’identità spezzata della coppia e delle due, singolarmente, che la regia contrappone e sovrappone, lega con l’affascinante e spietata Ballerina Spagnola (intesa come Hexabranchus sanguineus) che non possono che accogliere. Come nella miglior tradizione del ‘Ghost Movie’, d’altronde, è quello che non conosciamo che ci terrorizza, sono i nostri sensi di colpa a farci più male, e la salvezza, la catarsi passano imprescindibilmente dall’accettazione di sé e delle ferite inflitte e patite (che nessun abito può e deve nascondere). Nessun muro potrà proteggerci se continuamo a custodire o ignorare il nostro vero nemico ed è solo aprendoci all’inclusività e alla responsabilità che potremo sentirci completi, e finalmente liberi. Anche di essere soli.

Figlio di un regista italiano e di una produzione europea, Mother Lode è un film che sconfina la realtà del suo autore e racconta con schiettezza la vita dei minatori peruviani. Servendosi del bianco e nero, di attori non professionisti e di immagini quasi documentaristiche, Matteo Tortone mette in piedi una narrazione unica di una realtà concreta e mitica allo stesso tempo.

Mother Lode: la trama del film

Jorge vive a Lima e per guadagnarsi da vivere guida un mototaxi sgangherato. Seppur giovanissimo, il ragazzo ha già una moglie ed una bambina. Per cercare di migliorare le condizioni di vita della sua famiglia, Jorge decide di lasciare Lima e di mettersi in viaggio verso una miniera sulle Ande Peruviane. La miniera de La Rinconada è famosa principalmente per i suoi minerali preziosi, in grado di attirare i giovani lavoratori in cerca di fortuna, ma anche per la sua pericolosità.

Giorno dopo giorni, Jorge affronta la dura vita nella miniera. Il freddo, l’aria irrespirabile, lo sforzo fisico, la nostalgia di casa, il vago conforto dell’alcol verranno mai ricompensati?

Una storia narrata direttamente allo spettatore

Dall’inizio alla fine, le scene di Mother Lode vengono accompagnate da una voce narrante. Potente e fredda, la voce di un uomo snocciola frasi che, come sentenze divine, affiancano le immagini. La sorte dei minatori viene più volte paragonata a quella delle creature degli inferi: l’oro della miniera appartiene al Diavolo, chi si vuole impossessare della ricchezza va a solleticare il demonio.

Come Ulisse è condannato nell’inferno per aver varcato le famose colonne d’Ercole, similmente i minatori sono condannati ad una vita infernale per aver desiderato l’oro. Tutti arrivano a La Rinconada carichi di grandi sogni e speranze ma, giorno dopo giorno, la promessa di una vita migliore si annebbia e si camuffa tra le polveri della miniera e le nubi dell’alcol.

Prendendo ispirazione dai racconti antichi, Mother Lode sfrutta il tema dell’uomo in cerca di ricchezza e racconta una storia di corruzione e di tracotanza senza tempo.

Il documentario dentro la finzione

La scelta di utilizzare una voce narrante non solo dà al film quel tocco documentaristico caro al regista, ma arricchisce le immagini, di per sé poco espressive. Mother Lode è un lungometraggio narrativo ma sconfina per molti aspetti nel genere del film-documentario. Come abbiamo detto, Tortone proviene dal campo del documentario creativo (White Men) e ha lavorato per anni come direttore della fotografia (Rada, Traverser / After the Crossing).

Nel film infatti, la fotografia è impeccabile e catalizzante. L’attenzione posta alle angolazioni, la scelta originale del bianco e nero, l’uso della luce, l’alternarsi di campi lunghi e primissimi piani danno carattere a Mother Lode. In aggiunta, le tecniche di ripresa quasi documentaristiche, spesso fisse e distanti dal soggetto inquadrato, rendono il tutto più autentico e credibile.

La non-recitazione in virtù del realismo

Mother Lode è un film costruito completamente attorno al protagonista. Jorge è interpretato da José Luis Nazario Campos, un attore non professionista. La camera segue Jorge nelle sue giornate, prima a Lima, poi in viaggio ed infine in miniera, a volte restando a distanza, a volte avvicinandosi tantissimo, ma senza mai disturbare il protagonista. Nazario Campos non sembra recitare, è spontaneo e naturale sulla scena, come anche i personaggi che incontra lungo il cammino. Inoltre, dialoghi sono semplici, spesso banali e privi di senso logico, sono parole rubate ad un dialogo che esiste a prescindere dalla presenza della macchina da presa. Proprio questa apparente distanza rende il film vero e sincero.

Mother Lode è un’opera raffinata e da guardare attentamente. Contiene il bianco e nero e l’America più povera di Roma di Alfonso Cuarón. Ha in sé il documentarismo fittizio e l’ambientazione rocciosa de Il Buco di Frammartino, ma è qualcosa d’altro. È un’opera prima che affascina con le immagini e fa riflettere con le parole.

Mother & child – Prendete un cast di primissimo livello che vede la compresenza di due candidati all’Oscar come Annette Bening (I ragazzi stanno bene) e Samuel L. Jackson (Pulp Fiction), il vincitore di un Golden Globe come Jimmy Smits (N.Y.P.D – serie tv) ed un’attrice ormai super-affermata come Naomi Watts;  prendete un regista riconosciuto come Rodrigo Garcia (Le cose che so di lei) ed un produttore che come regista ha collezionato tre candidature agli Oscar come Alejandro Gonzalez Inarritu (Babel, Biutiful) ed avrete confezionato Mother & child.

Se aggiungiamo che questo film è entrato nella selezione ufficiale del Sundance Film Festival e che ha partecipato ad altri festival prestigiosi come quello di Berlino capiamo che non si sta parlando di un film qualsiasi, di un prodotto scadente.

Eppure rimane un mistero come questo film intenso e coinvolgente sia stato candidamente snobbato dalla distribuzione italiana e non abbia mai fatto presenza nelle nostre “esigentissime” sale cinematografiche. Ora si può anche cercare di comprendere la logica dei botteghini ma con tutta la mediocrità importata ogni anno nei nostri cinema si fatica, e non poco, a capire come un film così importante e apprezzato all’estero possa passare inosservato dalla distribuzione cinematografica italiana.

Ed è proprio alla berlinale che la DNC entertainment ha notato questo film del 2009 e ha deciso di acquisirne i diritti per poter procedere alla distribuzione a noleggio e vendita in dvd dal prossimo 21 settembre. Come illustratoci in una conferenza di presentazione a Milano dai responsabili stessi della DNC, i diritti per la prima televisiva assoluta sono stati già acquistati da La7 la quale trasmetterà il film a inizio 2012. Da sempre attenta a film dai contenuti impegnati La7 ha colto in Mother & child le giuste caratteristiche che ben si adattano al suo pubblico televisivo, un target da sempre sensibile a temi di forte rilevanza sociale. E’ probabile, diciamo ufficioso, che la rete accompagnerà la prima assoluta italiana del film con una serie di trasmissioni di approfondimento al tema trattato.

Ed il tema che Mother & child affronta è il tema delle adozioni, della complessità relative alla questione oltre che raccontare il rapporto madre-figlio visto da varie sfaccettature, osservato e raccontato da diversi punti di vista e seguendone i percorsi evolutivi o involutivi a seconda dei casi.

Il film racconta la vita di tre donne, tre storie parallele e apparentemente separate ma accomunate dall’intenso desiderio di essere madre: Karen (A. Bening) rimasta incinta a 14 anni senza mai conoscere il frutto di quella maternità e che ora si strugge al desiderio di cercare quella figlia abbandonata. Elizabeth (N. Watts) avvocato di successo che invece la madre non l’ha mai conosciuta e che si difende dietro una falsa corazza di donna forte e indipendente ma che in realtà non si rassegna all’idea di ritrovare la donna che l’ha rifiutata. Lucy (K. Washington) che invece figli non può averne e combatte per poter anch’essa diventare madre.

Mother & child è un film dal forte impatto emotivo, intenso e coinvolgente, un film che non smette per un minuto di tenere stretto il nodo alla gola dello spettatore. Gli interpreti rispettano a pieno le aspettative regalandoci mirabili interpretazioni tra cui ci sentiamo di sottolineare e risaltare quella della superba Annette Bening. Rodrigo Garcia illustra con incredibile raffinatezza e sensibilità il rapporto filiale tra madre e figlio, un legame unico e inossidabile più forte di ogni avversità, di ogni rancore e più forte del tempo stesso. Di fronte ad esso tutto cede, tutto si inchina, niente può spezzarlo ma solo darcene l’illusione.

Il film induce alla riflessione anche relativamente al sistema delle adozioni, un sistema che negli Usa è molto differente dal nostro ma che come in Italia presenta contraddizioni e mancanze che in questo film vengono affrontate.

Mother & child è un film che merita di essere visto, discusso, analizzato e magari anche criticato; è un film che non può passare inosservato da chi non vuole allinearsi all’incomprensibile cecità della distribuzione italiana.

Basato sul racconto “La Gatta” di M.L. Von Franz, Motel è un interessantissimo ed originale prodotto a metà strada fra un noir fori dalle righe ed un thriller dai toni serrati, un film anomalo in cui tensione e umorismo grottesco danno vita ad un qualcosa di veramente notevole. Allontanandosi volutamente fin dall’incipit dalle strade canoniche di un genere ben definito, David Grovic dipinge un racconto kafkiano in cui realtà e sur-realtà finiscono per confondersi, un microcosmo ridotto alle unità di tempo e di spazio, come nella tragedia greca, in cui nell’arco di una sola notte, fra le quattro anguste mura di un motel uscito dai sogni distorti di un burattinaio allucinato, si consumano situazioni impossibili che alternano humor nero e thrilling.

In Motel Jack, nevrotico killer professionista nel mezzo di una crisi personale, riceve il compito dal boss malavitoso Dragna di ritirare per suo conto una misteriosa valigetta presso la stanza numero 13 di uno sperduto motel. In attesa dell’arrivo del gangster, Jack si trova da solo in un luogo alienato popolato da strani e grotteschi personaggi, tra cui la conturbante prostituta Rivka, un eccentrico custode e una stramba coppia di papponi formata da un nano e un pirata di colore. La notte è lunga e le sorprese non tardano ad arrivare.

Motel, il film

Numerosi ed intelligenti sono poi i rimandi meta-cinematografici, iniziando dal gioco della borsa misteriosa di Pulp Fiction, passando per l’ammiccamento a Psycho fino al celebre Voglio la testa di Garcia, il tutto però senza mai cadere nella parodia. Seppur il sostrato narrativo si riallaccia saldamente alle linee guida del noir classico, i personaggi che si muovono in ogni inquadratura finiscono per rende il tutto un’esplosione di novità insite dietro ogni angolo, grazie anche alla curatissima ed eclettica fotografia di Steven Mason che proietta l’intera vicenda all’interno di un non-luogo che pare scaturito dalla pura estetica neon-pulp.

John Cusack da vita ad un anti-eroe decisamente fuori dagli schemi, una spietata macchina da guerra capace di provare sentimenti pur nella sua apparente nevrotica apatia, mentre Robert De Niro dà nuovamente prova di essere un interprete camaleontico e di grande spessore, modellandosi addosso le vesti del boss Dragna, killer gentiluomo colto e raffinato pieno di aforismi e dalla filosofia ineccepibile. Completano il bizzarro quadretto una conturbante Rebecca Da Costa nelle plastificate e multicromatiche sembianze di una femme fatale di tarantiniana memoria e Dominic Purcell capace impersonale un eccentrico e flemmatico custode, versione allucinata del celebre Norman Bates.

Motel è un prodotto strano, decisamente fori fase rispetto ai canoni tradizionali, il quale è capacissimo di soddisfare il palato spettatoriale con una vincente commistione di elementi in cui l’essenzialità (di plot, di attori e di spazio) è sicuramente la migliore carta a suo favore, senza mai sminuire però la serietà d’intenti.