MUBI, il distributore globale, servizio di streaming e società di produzione MUBI rilascia la prima CLIP di Coward di Lukas Dhont che sarà presentato in Concorso alla 79ª edizione del Festival di Cannes giovedì 21 maggio.

Durante la Prima Guerra Mondiale, Pierre, un soldato appena arrivato al fronte, è ansioso di mettersi alla prova. Nelle retrovie incontra Francis, che decide di sollevare il morale dei compagni mettendo in scena uno spettacolo teatrale. Mentre la violenza imperversa, entrambi cercano un modo per sfuggire alla brutalità della guerra, anche se solo per un istante.

Con Coward, Dhont torna a collaborare con il co-sceneggiatore Angelo Tijssens e il produttore Michiel Dhont, consolidando il sodalizio creativo che ha contraddistinto i suoi precedenti film (Close, Girl).

Coward è una produzione the Reunion, Lumen, Topkapi Films & Versus (Opus) in co-produzione con France 2 Cinéma, VTM, RTBF, Proximus, BeTV & Orange. Il film è stato prodotto in associazione con The Common Humanity Art Trust e Portobello Productions. Il film è stata realizzato con il sostegno fondamentale del Flanders Audiovisual Fund (VAF) del Governo Fiammingo, del fondo economico Screen Flanders, Screen Brussels, della Federazione Vallonia-Bruxelles (FWB), Wallimage, CINÉ+ OCS, CNC, PICTANOVO Hauts-de-France, Sacem, del Netherlands Film Fund, del Netherlands Film Production Incentive ed EURIMAGES, con la partecipazione di France Télévisions. Coward è stato realizzato grazie alla misura del Tax Shelter del Governo Federale Belga, Casa Kafka & Lumière Invest. Il film è distribuito nel Benelux da Lumière e in Francia da Diaphana Distribution.

Coward è il terzo lungometraggio di Dhont selezionato a Cannes, dopo il suo esordio Girl, presentato nella sezione Un Certain Regard e vincitore della Camera d’Or, e Close, presentato In Concorso nel 2022 e successivamente distribuito da MUBI. Quest’ultima opera consolida Dhont come una delle voci più originali del cinema europeo contemporaneo.

Gillian Anderson torna al centro della scena internazionale con uno dei titoli più discussi del Festival di Cannes 2026. Il nuovo horror metacinematografico Teenage Sex and Death at Camp Miasma (qui la nostra recensione in anteprima) ha debuttato con un impressionante 100% di recensioni positive su Rotten Tomatoes dopo la première sulla Croisette, diventando immediatamente uno dei film di culto più chiacchierati del festival.

Diretto da Jane Schoenbrun, il film segue Kris, una giovane regista queer interpretata da Hannah Einbinder, incaricata di rilanciare una storica saga slasher ormai dimenticata. Per farlo richiama l’attrice originale della franchise, Billy Preston, interpretata proprio da Anderson, ma il ritorno sul set scatena conseguenze sempre più disturbanti e psicologicamente destabilizzanti. La critica americana ha accolto il film come una delle opere horror più radicali e personali dell’anno, lodando soprattutto la capacità di trasformare il linguaggio dello slasher in una riflessione sull’identità queer, il fandom e il trauma mediatico.

Il dato più interessante, però, non è soltanto il punteggio perfetto. Questo successo conferma definitivamente Jane Schoenbrun come una delle autrici più importanti del nuovo horror contemporaneo. Dopo We’re All Going to the World’s Fair e I Saw the TV Glow, il regista porta a compimento quella che viene ormai definita la “Screen Trilogy”, un percorso cinematografico che usa la cultura pop e i media come strumenti per raccontare alienazione, identità e desiderio. In questo senso, Camp Miasma sembra rappresentare il punto più maturo e accessibile della sua filmografia: meno sperimentale del passato, ma molto più feroce sul piano emotivo e simbolico.

Il nuovo horror queer di Jane Schoenbrun trasforma gli slasher anni ’90 in un incubo identitario

Il film lavora apertamente sulla nostalgia horror degli anni ’80 e ’90, ma la usa per demolirla dall’interno. Gillian Anderson interpreta una ex scream queen diventata figura mitologica e decadente, quasi un fantasma vivente del cinema horror commerciale americano. La sua presenza richiama inevitabilmente il peso culturale di The X-Files, ma Schoenbrun sfrutta quell’immaginario per riflettere su cosa significhi oggi ereditare franchise costruiti attorno a stereotipi, desideri repressi e paure collettive.

Anche la struttura narrativa sembra dialogare direttamente con il cinema meta-horror contemporaneo, da Scream fino alle opere di David Lynch e David Cronenberg, ma filtrate attraverso una sensibilità profondamente queer e generazionale. Il risultato, secondo gran parte della critica presente a Cannes, è un film che non usa l’horror soltanto per spaventare, ma per raccontare il rapporto tossico tra spettatori, immagini e identità.

Con distribuzione affidata a Mubi e uscita prevista ad agosto, Teenage Sex and Death at Camp Miasma potrebbe ora diventare uno dei casi horror dell’anno, seguendo il percorso cult già costruito dai precedenti lavori di Schoenbrun.

Obsession avrebbe potuto avere un finale completamente diverso. Il regista Curry Barker ha rivelato che l’horror targato Blumhouse Productions inizialmente si concludeva con la morte di entrambi i protagonisti, in una chiusura ispirata apertamente a Romeo e Giulietta. La versione definitiva del film, invece, lascia in vita Nikki, trasformando radicalmente il tono emotivo dell’ultima scena.

Nel finale distribuito nei cinema, Bear, interpretato da Michael Johnston, si sacrifica per spezzare la maledizione che lui stesso aveva imposto a Nikki, personaggio interpretato da Inde Navarrette. Barker ha spiegato di aver girato entrambe le versioni del finale, ma di aver cambiato idea dopo aver visto la reazione disturbata e traumatizzata di Nikki nella scena in cui si risveglia accanto ai corpi senza vita di Bear e di un altro personaggio. Secondo il regista, proprio quell’espressione di shock resa da Navarrette ha convinto lui e parte del team creativo che lasciare Nikki viva fosse “molto più inquietante” rispetto a una conclusione tragica condivisa. Barker ha inoltre aperto alla possibilità che il finale alternativo possa apparire in futuro in una director’s cut del film.

La scelta è significativa perché cambia completamente il messaggio dell’horror. Il classico finale romantico e autodistruttivo avrebbe trasformato Obsession in una tragedia sentimentale gotica. La sopravvivenza di Nikki, invece, lascia il pubblico davanti a qualcosa di più disturbante: una protagonista costretta a convivere con il trauma e con le conseguenze della violenza emotiva che ha attraversato.

Il vero orrore di Obsession è sopravvivere alla dipendenza emotiva

La decisione di lasciare Nikki viva sembra perfettamente coerente con il tipo di horror psicologico che Obsession costruisce per tutta la sua durata. Il film utilizza infatti la maledizione soprannaturale come metafora di una relazione ossessiva e distruttiva, dove amore, controllo e dipendenza emotiva diventano indistinguibili.

Se il finale originale “alla Romeo e Giulietta” avrebbe chiuso tutto dentro una dimensione melodrammatica quasi romantica, il finale definitivo spezza quella possibilità di catarsi. Nikki non ottiene una morte liberatoria insieme a Bear: rimane sola, traumatizzata e costretta a elaborare ciò che è successo. È un tipo di conclusione molto più moderno e profondamente Blumhouse, perché sostituisce il romanticismo tragico con il peso psicologico della sopravvivenza.

Anche il successo del film sembra dimostrare che questa scelta abbia funzionato. Obsession è diventato rapidamente uno degli horror più discussi dell’anno, sostenuto sia dalla critica sia dal pubblico, con spettatori che — secondo il cast — reagiscono rumorosamente durante le proiezioni tra urla, salti e tensione continua.

La possibile pubblicazione di una director’s cut con il finale alternativo potrebbe comunque diventare un elemento molto interessante per i fan del film. Non tanto perché il finale originale fosse “migliore”, ma perché permetterebbe di vedere due interpretazioni completamente diverse della stessa storia: una tragedia romantica classica contro un horror psicologico dove il vero incubo inizia dopo la sopravvivenza.

Viggo Mortensen continua ad alimentare il mito dietro le quinte della trilogia de Il Signore degli Anelli. Durante il Motor City Comic Con, lo stuntman ed ex interprete di Sauron Sala Baker ha rivelato che l’attore avrebbe pagato personalmente settimane di spese legali per aiutare il team stunt della saga dopo una controversia economica nata durante la produzione dei film di Peter Jackson.

Secondo Baker, il problema riguardava il mancato riconoscimento di alcune settimane di lavoro svolte dagli stunt performer durante le riprese della trilogia. La squadra fu costretta a rivolgersi a un avvocato, accumulando costi sempre più elevati senza sapere come coprirli. Solo in seguito gli stuntman scoprirono che tutte le spese erano state saldate in segreto da Viggo Mortensen, che avrebbe scelto di non rendere pubblica la vicenda. Baker ha definito l’attore “il tipo di uomo che vorresti davvero come re”, collegando direttamente il gesto alla figura di Aragorn interpretata sullo schermo. La rivelazione si aggiunge alle numerose storie diventate leggendarie attorno all’attore durante la lavorazione della saga, dalle dita rotte durante una scena fino all’adozione dei cavalli usati nei film.

La storia colpisce perché rafforza ulteriormente il legame quasi unico creatosi tra il cast de Il Signore degli Anelli e l’immaginario dei personaggi interpretati. Nel caso di Mortensen, la linea tra Aragorn e la sua figura reale è diventata negli anni sempre più sottile agli occhi dei fan.

Aragorn resta il simbolo umano del mito de Il Signore degli Anelli

Uno dei motivi per cui l’interpretazione di Viggo Mortensen è rimasta così iconica nella cultura pop è proprio la sensazione che l’attore incarnasse realmente lo spirito di Aragorn anche fuori dal set. La nuova testimonianza di Sala Baker rafforza un racconto collettivo costruito nel tempo attorno alla produzione della trilogia: un’esperienza fisicamente durissima ma vissuta come una vera fratellanza artistica.

Le gigantesche sequenze di battaglia — dal Fosso di Helm ai Campi del Pelennor — richiedevano mesi di riprese notturne e condizioni estreme per stunt performer e comparse. Mortensen era costantemente coinvolto in prima linea in quelle scene, e il fatto che abbia deciso di aiutare economicamente il team stunt crea un parallelismo quasi perfetto con il ruolo del leader protettivo che interpretava nei film.

Non è un caso che proprio Aragorn sia rimasto il personaggio emotivamente più rappresentativo della trilogia di Peter Jackson. A differenza di altri eroi fantasy più idealizzati, Aragorn funzionava perché era profondamente umano: stanco, vulnerabile, riluttante al potere ma disposto a sacrificarsi per gli altri. Il comportamento raccontato da Baker sembra aver consolidato questa percezione anche fuori dalla finzione cinematografica.

La notizia arriva inoltre mentre il franchise si prepara a tornare al cinema con The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum, dove un giovane Aragorn sarà interpretato da Jamie Dornan. Ma proprio storie come questa ricordano quanto sarà difficile per qualsiasi nuovo progetto replicare il rapporto emotivo costruito dalla trilogia originale tra cast, personaggi e pubblico.

Il reboot degli X-Men nel Marvel Studios prenderà una direzione molto diversa rispetto ai recenti blockbuster del MCU. A confermarlo è Lee Sung Jin, sceneggiatore coinvolto nel nuovo film mutante insieme a Jake Schreier e Joanna Calo, già collaboratori di Thunderbolts*. Secondo Lee, il nuovo progetto vuole riportare gli X-Men a una narrazione “character-first”, concentrandosi prima di tutto sui rapporti emotivi, i conflitti interni e le dinamiche tra i membri del gruppo.

Lo sceneggiatore ha raccontato di aver accettato il progetto quasi immediatamente dopo la chiamata di Schreier, definendo gli X-Men “la proprietà intellettuale più cool che esista”. Lee ha spiegato di essere cresciuto con la storica serie animata degli anni ’90 e di aver amato anche X-Men ’97, mentre considera fondamentale l’influenza dei fumetti di Chris Claremont. Proprio quell’eredità narrativa sembra essere il riferimento principale del reboot: meno attenzione allo spettacolo cosmico tipico dell’ultimo MCU e maggiore spazio a tensioni personali, relazioni sentimentali, drammi interni e temi politici integrati organicamente nella storia. Lee ha inoltre confermato che il team creativo lavora quotidianamente insieme ai produttori Kevin Feige e Louis D’Esposito per definire il tono definitivo del film.

Le dichiarazioni sono particolarmente significative perché arrivano in un momento delicato per il Marvel Cinematic Universe. Dopo anni dominati da crossover giganteschi e storytelling sempre più dipendente dal multiverso, Marvel sembra aver compreso che il pubblico sta chiedendo un ritorno a personaggi più umani e relazioni più forti. E nessuna proprietà Marvel si presta meglio a questa svolta degli X-Men.

Il reboot MCU potrebbe riportare gli X-Men alla loro vera identità narrativa

Il punto centrale delle parole di Lee Sung Jin è che gli X-Men non funzionano davvero come semplici supereroi da battaglia spettacolare. Storicamente, sia nei fumetti sia nelle versioni animate più amate, il cuore della saga è sempre stato il conflitto emotivo e ideologico tra i personaggi.

I fumetti di Chris Claremont hanno trasformato gli X-Men in una soap opera supereroistica complessa, fatta di relazioni sentimentali, traumi, rivalità interne e tensioni politiche. È proprio questo elemento che spesso mancava negli ultimi film della saga Fox, soprattutto dopo X-Men: Days of Future Past, quando il franchise aveva iniziato a privilegiare la dimensione apocalittica e temporale rispetto alla crescita dei personaggi.

La scelta di affidare il reboot agli autori di Thunderbolts potrebbe inoltre rivelarsi molto strategica. Quel film aveva già mostrato interesse per protagonisti emotivamente instabili, outsider e dinamiche di gruppo fragili — elementi perfettamente compatibili con l’universo mutante.

C’è poi un altro aspetto importante: Lee parla apertamente di “temi politici evergreen”. Gli X-Men sono sempre stati una metafora delle discriminazioni sociali, razziali e culturali, ma il nuovo team creativo sembra intenzionato a evitare messaggi didascalici, preferendo far emergere quei temi attraverso le relazioni personali e i conflitti umani.

Ed è probabilmente questa la vera sfida del reboot Marvel: non semplicemente introdurre i mutanti nell’MCU, ma recuperare ciò che ha sempre reso gli X-Men diversi dagli Avengers. Non una famiglia perfetta di eroi, ma un gruppo instabile di persone profondamente ferite che cercano continuamente un posto nel mondo.

Adam Driver ha reagito pubblicamente per la prima volta alle recenti dichiarazioni di Lena Dunham contenute nel memoir Famesick. Durante la conferenza stampa di Paper Tiger al Cannes Film Festival, all’attore è stato chiesto un commento sui passaggi del libro in cui Dunham descrive episodi tesi avvenuti sul set della serie Girls. Driver ha liquidato la questione con una risposta ironica ma molto netta: “Non ho commenti su tutto questo. Sto conservando tutto per il mio libro”.

Nel memoir pubblicato recentemente, Dunham racconta che Driver sarebbe stato “verbalmente aggressivo” durante alcune prove sul set, descrivendo un episodio in cui l’attore avrebbe lanciato una sedia contro il muro accanto a lei mentre preparavano una scena. L’autrice ricorda inoltre momenti di forte tensione creativa durante le riprese delle scene intime della serie HBO, dove Adam Driver interpretava Adam Sackler, partner tossico e imprevedibile della protagonista Hannah Horvath. Nonostante le dichiarazioni abbiano generato forte attenzione mediatica, l’attore ha scelto a Cannes di non alimentare ulteriormente la polemica, mantenendo il focus sulla presentazione di Paper Tiger, il nuovo crime drama diretto da James Gray e accolto da una lunga standing ovation sulla Croisette.

La risposta di Adam Driver è interessante proprio perché evita completamente il linguaggio tipico delle crisi mediatiche contemporanee. Nessuna smentita pubblica articolata, nessuna controaccusa, nessun tentativo di trasformare la questione in uno scontro mediatico. L’attore sceglie invece una battuta secca, quasi old-school, che sembra voler sottrarre il tema alla logica immediata dei social e del ciclo continuo delle polemiche online.

Girls continua a influenzare l’immagine pubblica di Adam Driver

Anche a quasi dieci anni dalla conclusione di Girls, il rapporto tra Adam Driver e la serie che lo ha lanciato continua a essere centrale nella percezione pubblica dell’attore. Il personaggio di Adam Sackler era volutamente disturbante, aggressivo e destabilizzante, e proprio quella performance contribuì a costruire l’immagine di Driver come interprete intenso e imprevedibile. Le rivelazioni di Lena Dunham finiscono quindi per sovrapporsi inevitabilmente alla memoria del personaggio stesso, rendendo più difficile separare completamente il metodo recitativo dalla realtà del set.

Allo stesso tempo, il momento in cui emerge questa vicenda non è casuale. Driver si trova oggi in una fase molto diversa della sua carriera rispetto agli anni di Girls: è ormai uno degli attori più prestigiosi del cinema internazionale, reduce da collaborazioni con registi come Martin Scorsese, Ridley Scott, Leos Carax e Francis Ford Coppola. Cannes, in questo senso, rappresenta quasi il punto opposto rispetto all’universo televisivo indipendente da cui era partito.

Anche Paper Tiger sembra rafforzare questa evoluzione artistica. Il film di James Gray utilizza ancora una volta Driver come figura tragica e tormentata, ma inserita in un contesto molto più classico e cinematografico rispetto al caos emotivo di Girls. E proprio per questo le parole di Dunham rischiano di riaprire una riflessione più ampia sul confine tra intensità artistica, dinamiche di potere e comportamento sul set nell’industria contemporanea.

Cate Blanchett e Selena Gomez saranno protagoniste del prossimo film di Brady Corbet insieme a Michael Fassbender. L’annuncio è emerso durante una masterclass al Cannes Film Festival, dove Blanchett ha rivelato casualmente di essere “in procinto di lavorare con Brady Corbet”. Variety ha poi confermato ufficialmente il casting delle due attrici nel nuovo progetto del regista di The Brutalist, ancora senza titolo ma già descritto come uno dei film più radicali e ambiziosi del suo autore.

I dettagli sulla trama restano segreti, ma Corbet aveva già anticipato che il film sarà un’opera “X-rated”, ambientata prevalentemente negli anni ’70 e costruita su una narrazione che attraverserà diverse epoche, dal XIX secolo fino ai giorni nostri. Il regista ha inoltre parlato di un progetto “genre-defying”, girato con rarissime cineprese 65mm eight-perf e basato su una sceneggiatura di circa 200 pagine, ancora più lunga di quella di The Brutalist. La produzione sarà curata da Andrew Morrison per Kaplan Morrison Productions. Per Blanchett si tratta dell’ennesima collaborazione con un autore di prestigio internazionale, mentre Gomez continua il proprio percorso di trasformazione artistica dopo il successo di Emilia Pérez e della serie Only Murders in the Building.

La combinazione di questi tre interpreti dice già molto sulla direzione del progetto. Corbet sembra voler costruire un film sospeso tra cinema d’autore estremo e grande evento internazionale, mescolando performer provenienti da mondi molto differenti. Fassbender rappresenta l’intensità drammatica e ossessiva tipica del cinema europeo contemporaneo, Blanchett l’autorevolezza assoluta del cinema d’autore globale, mentre Selena Gomez introduce un elemento pop e generazionale capace di ampliare enormemente la visibilità del film.

Il nuovo film di Brady Corbet potrebbe ridefinire il confine tra cinema d’autore e mainstream

Dopo il successo monumentale di The Brutalist, Corbet sembra intenzionato a spingersi ancora più lontano. La definizione “X-rated” non appare soltanto una provocazione commerciale, ma il segnale di un’opera che potrebbe affrontare in maniera molto esplicita temi legati al desiderio, al corpo e alla decadenza culturale. Anche l’ambientazione anni ’70 è significativa: quel decennio rappresenta il momento in cui il cinema americano ed europeo sperimentavano forme narrative molto più radicali e politiche rispetto a oggi.

In questo contesto Cate Blanchett potrebbe diventare il fulcro emotivo e intellettuale del progetto. Negli ultimi anni l’attrice ha scelto sempre più spesso ruoli legati a figure dominanti, enigmatiche e moralmente ambigue, da Tár fino ai lavori con registi come Wes Anderson e Jim Jarmusch. Selena Gomez, invece, sembra ormai definitivamente lontana dall’immagine Disney che aveva segnato l’inizio della sua carriera. Dopo Spring Breakers ed Emilia Pérez, il suo ingresso nel cinema di Corbet suggerisce una strategia precisa: diventare una presenza stabile nel cinema d’autore internazionale.

Anche Michael Fassbender appare perfettamente coerente con l’universo del regista. Corbet ha sempre raccontato personaggi consumati dall’ambizione, dall’identità o dall’ossessione artistica, e Fassbender è uno degli attori contemporanei più efficaci nel rappresentare quel tipo di tormento interiore.

Keanu Reeves guiderà il cast vocale di Hidari, il nuovo film d’animazione in stop-motion diretto da Masashi Kawamura e sviluppato a partire dall’omonimo cortometraggio diventato virale online nel 2023. Reeves presterà la voce al protagonista Jingoro Hidari, figura ispirata al leggendario artigiano dell’epoca Edo, al centro di una storia di vendetta, perdita e trasformazione meccanica. Il progetto espanderà il concept originale che aveva già raccolto quasi cinque milioni di visualizzazioni su YouTube grazie alla sua estetica artigianale e alle sequenze d’azione ipercinetiche.

La trama segue Jingoro dopo il tradimento subito durante la ricostruzione del castello di Edo: l’uomo perde il padre adottivo, la fidanzata e persino il braccio destro, trasformando il dolore in una ricerca ossessiva di vendetta. Grazie alle sue abilità da carpentiere costruisce protesi meccaniche letali e intraprende un viaggio accompagnato da un misterioso “gatto dormiente”. Reeves ha definito Hidari “qualcosa di straordinario”, spiegando di essere rimasto colpito sia dal proof-of-concept originale sia dalla sceneggiatura sviluppata successivamente. Kawamura ha invece sottolineato come la partecipazione dell’attore non si limiterà al doppiaggio, ma contribuirà anche all’espansione creativa dell’universo narrativo del film.

L’annuncio conferma inoltre una trasformazione sempre più evidente nella carriera recente di Keanu Reeves. Dopo anni associato quasi esclusivamente all’action live-action di John Wick, l’attore sta progressivamente entrando in progetti animati e sperimentali che sfruttano la sua immagine iconica in modi differenti. Hidari sembra perfetto per questa evoluzione: un racconto samurai cupo e stilizzato che fonde artigianato tradizionale giapponese, body horror meccanico e revenge movie.

Hidari potrebbe diventare uno dei film animati più originali degli ultimi anni

Il successo virale del corto originale non dipendeva soltanto dall’estetica stop-motion, ma dalla capacità di creare un linguaggio visivo completamente diverso rispetto all’animazione mainstream contemporanea. Hidari utilizza infatti marionette scolpite nel legno e movimenti volutamente ruvidi che richiamano sia il teatro tradizionale giapponese sia il cinema samurai classico. L’espansione in lungometraggio potrebbe trasformare quell’esperimento in una vera opera di worldbuilding.

Anche la figura di Jingoro Hidari è particolarmente interessante. Nella cultura giapponese il personaggio è circondato da leggende legate alla scultura e alla creazione di automi meccanici, elementi che il film sembra reinterpretare in chiave action e quasi cyberpunk. Questo mix tra folklore Edo e tecnologia artigianale potrebbe rendere Hidari qualcosa di unico nel panorama dell’animazione internazionale.

La presenza di Keanu Reeves, poi, non appare casuale. Negli ultimi anni l’attore è diventato una sorta di icona globale del guerriero malinconico, capace di unire vulnerabilità emotiva e violenza stilizzata. Jingoro sembra costruito esattamente attorno a quell’archetipo. E proprio per questo Hidari rischia di trasformarsi da semplice progetto cult a uno degli eventi animati più attesi del prossimo cinema internazionale.