Cold Skin – La creatura di Atlantide è un film del 2017 diretto da Xavier Gens che mescola elementi di horror, fantascienza e thriller psicologico in un contesto atmosferico e desolato (similmente a quanto poi fatto, con le ovvie differenze, da The Lighthouse). Ambientato su un’isola remota e spazzata dai venti nell’Atlantico del Sud, il film si inserisce nel solco della tradizione del “survival horror”, con una narrazione claustrofobica in cui il protagonista deve affrontare non solo mostruose creature anfibie ma anche i propri limiti psicologici e morali. Il film si ispira all’omonimo romanzo di Albert Sánchez Piñol, noto per la sua capacità di fondere introspezione umana e horror lovecraftiano.

Una delle particolarità più evidenti dell’opera è l’equilibrio tra introspezione esistenziale e tensione fisica. Cold Skin – La creatura di Atlantide non si limita infatti a proporre lo scontro tra uomo e mostro, ma riflette anche sulla solitudine, sull’alienazione e sul bisogno di connessione. La creatura anfibia, interpretata con grande sensibilità fisica da Aura Garrido, è al centro di un rapporto ambiguo e disturbante che sfida le categorie classiche del bene e del male. Il paesaggio selvaggio dell’isola, con il suo faro inospitale e il mare in tempesta, contribuisce infine a creare un’atmosfera rarefatta e inquieta che avvolge l’intera vicenda.

Dietro le suggestioni visive e i momenti di puro terrore, Cold Skin – La creatura di Atlantide si nutre anche di antiche leggende legate agli abissi marini e agli incontri con specie sconosciute. Temi cari alla narrativa fantastica e al mito di Atlantide si intrecciano con una riflessione sulla brutalità coloniale, la paura del diverso e la capacità (o l’incapacità) dell’essere umano di accettare ciò che non comprende. Nei prossimi paragrafi, analizzeremo nel dettaglio il significato del finale del film, cercando di capire cosa accade realmente sull’isola e come il protagonista evolve nel suo rapporto con le creature e con se stesso.

La trama di Cold Skin – La creatura di Atlantide

Il racconto prende il via nell’anno 1914, poco dopo l’assassinio di Francesco Ferdinando e il conseguente scoppio della Prima guerra mondiale. In una remota isola del Circolo Artico fa il suo arrivo Friend (David Oakes), ex combattente dell’IRA incaricato di risiedere lì per un anno, con il compito di registrare e misurare gli eventi atmosferici. Costretto a vivere in solitudine in una terra remota fino all’arrivo del successivo osservatore meteorologico, il giovane irlandese si ritrova bloccato su un’isola abitata da ostili creature anfibie provenienti dal mare.

Per dodici mesi l’uomo trascorre così le giornate all’interno della cabina di un faro, dove si trova il vecchio guardiano Gruner (Ray Stevenson), un folle e solitario ufficiale accompagnato da una misteriosa creatura di nome Aneris (Aura Garrido), trattata come animale da compagnia. Forse è proprio quest’ultima il motivo del conflitto nato tra le strane creature e gli esseri umani. Più Friend cercherà di andare alla scoperta dietro la natura di queste misteriose creature, più porterà alla luce un antico segreto che si rivelerà estremamente pericoloso.

La spiegazione del finale del film

Nelle sequenze finali di Cold Skin – La creatura di Atlantide, il protagonista decide di restare sull’isola dopo che la sua missione di un anno giunge al termine. La nave che dovrebbe portarlo via attracca brevemente, ma lui rifiuta l’opportunità di lasciare quel luogo ostile, preferendo restare accanto alla creatura anfibia Aneris. Questa scelta rappresenta un netto distacco dalla sua condizione iniziale di studioso razionale e isolato, segnando una trasformazione profonda nel suo modo di percepire il mondo, il diverso e se stesso. Parallelamente, Gruner, il vecchio guardiano del faro, muore durante un attacco delle creature marine, lasciando definitivamente al protagonista il compito di decidere cosa fare del proprio futuro.

Il momento culminante arriva quando l’osservatore decide di non combattere più le creature, ma di convivere pacificamente con esse. L’ultima scena lo mostra seduto nel faro, ora guardiano a sua volta, mentre osserva Aneris allontanarsi nel mare. I ruoli si sono ribaltati: dove un tempo c’era paura, ora c’è accettazione; dove regnava la guerra, ora c’è una fragile tregua. La decisione del protagonista non è dettata da rassegnazione, ma da una rinnovata consapevolezza, frutto della convivenza con ciò che inizialmente percepiva come mostruoso. Non viene fornita una chiusura netta o rassicurante, ma piuttosto una nuova condizione di equilibrio tra umani e creature anfibie, lasciando al pubblico il compito di interpretarne la tenuta nel tempo.

Il significato del finale è strettamente legato ai temi centrali del film: la paura dell’ignoto, il confine tra civiltà e barbarie, la natura mutevole dell’umanità. Il protagonista attraversa un processo di trasformazione che lo porta a mettere in discussione le convenzioni sociali, morali e persino biologiche. Rifiuta la violenza cieca rappresentata da Gruner e abbraccia un’esistenza fatta di comprensione e rispetto, anche verso chi è radicalmente diverso da lui. L’amicizia, l’empatia e la convivenza diventano le nuove armi contro l’orrore, suggerendo che la vera salvezza non è nella fuga o nella distruzione del nemico, ma nell’accettazione della complessità dell’altro.

In questo senso, Cold Skin – La creatura di Atlantide si rivela un racconto allegorico sul colonialismo, sull’identità e sull’umanizzazione del “diverso”. Il protagonista sceglie di non tornare nel mondo civilizzato perché ha scoperto una nuova verità sull’umanità: ciò che temiamo e attacchiamo spesso è solo il riflesso della nostra ignoranza. Il suo gesto finale – restare sull’isola – non è un atto di rinuncia, ma una forma di resistenza silenziosa a una civiltà che preferisce distruggere ciò che non capisce. Un finale malinconico e potente, che lascia spazio alla riflessione sulla natura dell’uomo e sulla possibilità di evolvere verso una convivenza più profonda e sincera.

Nell’elenco dei film più celebri e apprezzati della storia del cinema non può mancare Colazione da Tiffany, vero e proprio classico del 1961 diretto dal noto regista Blake Edwards. Divenuto un simbolo culturale ed estetico, il film si affermò come uno dei più apprezzati del suo anno, arrivando a vincere due Oscar a fronte di cinque nomination, rispettivamente per la miglior colonna sonora e la miglior canzone originale Moon River.

Il film contribuì inoltre a consacrare ulteriormente la carriera dell’attrice Audrey Hepburn, il cui ritratto di Holly Golightly è indicata come una delle interpretazioni femminili più memorabili di tutti i tempi e una delle più importanti per la sua carriera. La Hepburn ottenne infatti una nomination all’Oscar per il suo ruolo, e se anche non riportò la vittoria ebbe modo di affermarsi ulteriormente nell’immaginario collettivo e culturale.

Tratto dall’omonimo romanzo di Truman Capote, pubblicato nel 1958, il film vede presenti in sé diverse modifiche rispetto al testo su cui si basa. Tali modifiche, che verranno approfondite più avanti, furono motivo di particolare scontento per Capote, ma permisero al film di ottenere un più ampio consenso di pubblico. Questi arrivò infatti ad incassare complessivamente a livello mondiale la cifra di 14 milioni. All’epoca si trattava di un considerevole guadagno, specialmente a fronte del suo budget di soli 2.5 milioni di dollari.

La trama e il cast del film Colazione da Tiffany

Ambientato a New York, il film narra la storia di Holly Golightly (Audrey Hepburn), elegante e giovane ragazza che ama guardare le vetrine di Tiffany e si mantiene facendo l’accompagnatrice. La sua vita cambia nel momento in cui fa la conoscenza del suo nuovo vicino di casa, Paul Varjak (George Peppard). Holly, la cui idea è quella di trovare un ricco uomo da sposare, vede sconvolgersi i suoi piani dopo tale incontro. Trascorrendo del tempo insieme a Paul, Holly se ne scopre infatti innamorata, ma rifugge questo sentimento per paura di stravolgere la sua vita. Dovrà a questo punto fare i conti con sé stessa e con il suo passato per trovare la serenità da sempre ricercata.

Per il ruolo della giovane Holly lo studios di produzione decise che Audrey Hepburn era l’attrice giusta. Questa, tuttavia, non la pensava allo stesso modo e in più occasioni affermò di non sentirsi adatta per la parte. In particolare, le fu difficile, da persona introversa, interpretare una personalità tanto estroversa come quella di Holly. Alla fine, però, questo divenne uno dei suoi ruoli più popolari, e la Hepburn ebbe un salario di circa 750 mila dollari, che fece di lei l’attrice più pagata per un singolo film dell’epoca.

Le riprese non furono però semplici per l’attrice, la quale per via della sua insicurezza riguardo al ruolo arrivo a perdere peso per via dello stress, trovandosi così a dover seguire una specifica dieta per riguadagnarlo. La Hepburn si affezionò però molto al progetto, e in particolare alla canzone composta appositamente per lei, Moon River, che esegue nel corso del film. È infatti noto che quando i produttori proposero di tagliare il brano, l’attrice si oppose fermamente affermando che per farlo avrebbero dovuto passare sul suo cadavere.

Colazione da Tiffany: le differenze con il romanzo

Benché si basi sul romanzo di Capote, la sceneggiatura del film seguì ben poco quanto in esso narrato. Diverse sono state infatti le modifiche attuate, che resero particolarmente scontento l’autore dell’omonimo libro. In particolare, nel vendere i diritti alla Paramount, questi espresse il desiderio che ad interpretare il personaggio di Holly fosse l’attrice Marilyn Monroe. Lo studios preferì però assegnare la parte alla Hepburn, deludendo lo scrittore. Da lì ebbero inizio una serie di scontri tra lo scrittore e i produttori, che portarono a dar vita ad un film tanto apprezzato quanto poco fedele alla sua opera di partenza.

Quella di Capote, infatti, era tutt’altro che una commedia, ma la storia venne riadatta per poter sfoggiare le caratteristiche e le convenzioni di tale genere. Il finale del romanzo, ad esempio, è molto meno accomodante e non presenta affatto un lieto fine. Qui, infatti, i due protagonisti finiscono con il separarsi per non rivedersi mai più. I produttori, tuttavia, decisero che il pubblico aveva bisogno di un happy ending dopo le sofferenze della guerra, e decisero perciò di modificare il finale. Questo vede dunque il coronamento dell’amore tra i due protagonisti, i quali finalmente si possono scambiare un bacio.

Particolari modifiche vennero effettuate inoltre per quanto riguarda il personaggio di Holly. L’allusione alla sua bisessualità, elemento fondamentale nel libro, viene nel film totalmente rimossa, giudicata non adeguata al tono che i produttori volevano conferire al film. Allo stesso modo, il rapporto che la protagonista intrattiene con gli uomini che incontra e a cui si accompagna è reso meno esplicito. Per Capote, invece, Holly è una versione americana della geisha, che differisce dalla tradizionale escort a chiamata. Nonostante lo scontento dello scrittore, il quale si sentì truffato dalla Paramount, come accennato il film ottenne ampi consensi di critica e pubblico. Inoltre, è oggi ricordato come un classico della commedia americana degli anni Sessanta.

Il trailer di Colazione da Tiffany e dove vedere il film streaming

Per gli appassionati del film, o per chi desidera vederlo per la prima volta, sarà possibile fruirne grazie alla sua presenza nel catalogo di alcune delle principali piattaforme streaming oggi disponibili. Colazione da Tiffany è infatti presente su Chili Cinema, Rakuten TV, Google Play, Infinity, Apple iTunes, Netflix e Amazon Prime Video. In base alla piattaforma scelta, sarà possibile noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale al catalogo. In questo modo sarà poi possibile fruire del titolo in tutta comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 23 marzo alle ore 21:10 sul canale TwentySeven.

Fonte: IMDb, PopMatters

“L’eleganza è la sola bellezza che non sfiorisce mai”. È questa una delle frasi simbolo di Colazione da Tiffany, il celeberrimo film del 1961 diretto da Blake Edwards (Operazione sottoveste, La pantera rosa, Hollywood party), che consacrò Audrey Hepburn. Ed è inscindibile da chi la pronuncia: la stravagante protagonista Holly Golightly, impersonata proprio dall’attrice britannica divenuta icona di stile, in particolare quello dello stilista Givenchy, che disegnò per lei i celebri abiti neri indossati da Miss Golightly.

Il film segnò un’epoca – come il precedente Vacanze romane, che nel 1953 aveva visto la stessa Hepburn esordire a Hollywood e portare a casa un Oscar, recitando accanto a Gregory Peck e consegnando alla storia, oltre a una nuova stella nel firmamento hollywoodiano, anche la Vespa e l’immagine iconica della Roma turistica che fecero il giro del mondo. In Colazione da Tiffany la vena brillante e l’ironia di Blake Edwards, maestro della commedia americana, hanno dato il loro meglio, coniugando i momenti comici col fascino romantico delle grandi storie d’amore, sulle note di quella Moon River divenuta un classico.

Colazione da Tiffany, il film e il romanzo di Truman Capote

Colazione da Tiffany conquistò il pubblico e la critica anche grazie alle solide basi su cui poggiava. È infatti liberamente tratto dall’omonimo romanzo di Truman Capote del 1958. L’autore cedette i diritti alla Paramount Pictures, che ne finanziò la realizzazione per il grande schermo. Capote però, avrebbe voluto Marilyn Monroe come protagonista della versione cinematografica, mentre la scelta cadde su Audrey Hepburn e si rivelò un successo. Il romanzo poi, era ambientato negli anni ’40, anziché nei ’60.

La vicenda è incentrata su Holly Golightly, giovane donna di umili origini che vive a New York con un gatto senza nome e sogna una vita agiata, che spera di ottenere sposando un uomo ricco. Nel frattempo, fa l’accompagnatrice e trasmette messaggi in codice per conto del boss Sally Tomato, Alan Reed, detenuto a Sing Sing. Non crede nell’amore ed è uno spirito libero. Poi incontra Paul Varjak, George Peppard, uno scrittore autore di un solo libro. Il giovane è mantenuto dalla facoltosa Liz Failenson, Patricia Neal, cui si concede in cambio di denaro. Paul e Holly diventano presto amici. Paul si innamora di lei, scoprendone fragilità e ombre. Un giorno a New York arriva “Doc”, Buddy Ebsen, marito di Holly, che se ne era preso cura da bambina per poi sposarla, ancora giovanissima. Doc chiedere a Holly di tornare a casa, ma lei non ne vuole sapere. Nonostante gli sia molto affezionata, il mondo di provincia che Doc può offrirle le sta troppo stretto. Mentre Paul è sempre più preso da Holly, lei incontra ad una festa un ricco brasiliano, José De Silva, José Luis de Vilallonga, e decide di partire con lui ed iniziare una nuova vita in Brasile. Solo quando questi cambia idea e la lascia con un biglietto d’addio, Holly cede ai propri sentimenti verso Paul, decide di restare a New York e tornare da lui, il cui amore è sincero.

Il principale “tradimento” del film rispetto al romanzo di Capote consiste proprio in questo finale. La sceneggiatura di George Axelrod – candidata all’Oscar – prevede infatti il più classico degli happy end, andando incontro alle esigenze di Hollywood, mentre il romanzo aveva un finale più amaro, in cui Holly partiva da sola per il Brasile.

Audrey Hepburn è Holly Golightly

Se Colazione da Tiffany è un classico indiscusso del cinema, lo si deve soprattutto all’aristocratica, ma mai supponente bellezza dell’attrice britannica e alla sua perizia di attrice, che rese Miss Golightly elegante e leggera come il cognome suggeriva, superficiale e profonda, indipendente e fragile, volitiva e insicura al tempo stesso. Il film era in anticipo sui tempi nel proporre una donna spregiudicata, libera e un po’ pazza, che non teme il giudizio della gente. Una figura femminile per molti versi moderna, seppur per altri ancora vincolata a stereotipi mai passati di moda, impersonata magnificamente da Audrey Hepburn con una naturale freschezza, che la rende ancora oggi attualissima.

L’attrice – che dopo l’esordio hollywoodiano era stata protagonista di Sabrina (1954) per Billy Wilder, iniziando la sua collaborazione e amicizia con lo stilista Givenchy, e sarebbe poi stata un’indimenticabile  Eliza Doolittle in My Fair Lady di George Cukor (1965) –  ricevette la nomination all’Oscar per la sua interpretazione in Colazione da Tiffany, ma non vinse la statuetta, che andò a Sofia Loren per La Ciociara. Si aggiudicò invece il David Donatello come miglior attrice straniera.

Il cast di Colazione da Tiffany

Il successo di un film però, si sa, è merito di un lavoro collettivo. Dunque, Colazione da Tiffany, non è soltanto la grande interpretazione di Audrey Hepburn. Accanto a lei, attrici e attori che hanno fatto la storia di Hollywood.

Il protagonista maschile George Peppard – La conquista del West (1962), L’uomo che non sapeva amare (1964), La caduta delle aquile (1966), senza dimenticare la popolarità della serie tv A-Team – seppe tenere testa alla Hepburn, trovando una sua chiave solida ed ironica per interpretare lo squattrinato e innamorato Paul.

Patricia Neal – Ultimatum alla terra (1951), Oscar come miglior attrice protagonista per Hud il selvaggio (1963), veste i panni dell’austera Liz. Mentre Martin Balsam – La parola ai giurati (1957), Psycho (1960), L’incredibile Murray – L’uomo che disse no (1966) per il quale ottenne l’Oscar come miglior interprete maschile – interpreta l’agente di Holly, O. J. Berman. Senza dimenticare Mickey Rooney nel ruolo del vicino di Holly, Mr. Yunioshi.

Grande importanza rivestono, come si è detto, i costumi di Hubert de Givenchy, Edith Head e Pauline Trigere. Miss Golightly non sarebbe mai diventata l’esempio di eleganza e classe che ancora oggi è senza gli abiti disegnati dal famoso stilista e  senza i suoi iconici accessori, come la chilometrica sigaretta, gli occhialoni da sole, la collana di perle spesso abbinata al tubino nero, o l’imponente cappello che la protagonista indossa per andare a Sing Sing.

Anche la scenografia di Roland Anderson e Hal Pereira ha la sua parte nel creare il personaggio e per questo ricevette una nomination all’Oscar: il piccolo appartamento di New York in cui vive Holly è il suo specchio: caotico e disordinato, ma colorato, leggero e divertente, come il telefono che tiene nella valigia per non sentirlo squillare. Quel caos che dà l’idea di una partenza imminente o di un arrivo è lo specchio della sua incapacità di legarsi a luoghi e persone, del suo desiderio di libertà. Come lo è Gatto, il gatto rosso senza nome che la accompagna, ma al quale la protagonista si ostina a sostenere di non essere legata.

La fotografia di Franz F. Planer regala momenti indimenticabili, come la sequenza d’apertura: la New York ancora quieta del primo mattino vede la protagonista sostare davanti alle vetrine di Tiffany, mentre consuma una brioche per colazione e cerca di dare sollievo alle sue “paturnie”.

Moon River, la canzone da Oscar di Colazione da Tiffany

Uno spazio particolare va dedicato alla colonna sonora e in special modo a Moon River, intonata sul balcone di casa dalla protagonista in una celebre scena del film. Il brano, scritto da Henry Mancini che ne curò la parte musicale e Johnny Mercer, autore del testo, è diventato una delle più famose canzoni da film in assoluto. Entrambi seppero interpretare al meglio l’anima romantica del film, potendo contare sul fascino delicato di Audrey Hepburn che ne impreziosiva l’interpretazione. Grazie a questa alchimia, il film vinse due Oscar: furono premiati sia il brano Moon River, giudicato miglior canzone, sia l’intera colonna sonora del film.

Le frasi più celebri di Colazione da Tiffany

Sono molte le battute di Colazione da Tiffany rimaste nella memoria del pubblico. Eccone alcune tra le più significative, che riguardano lo spirito indomito di Holly e la sua ritrosia ai legami di ogni genere, la sua concezione degli uomini, il suo rapporto con la bellezza e, ovviamente, Tiffany.

Holly e l’amore

Holly Golightly: “Non si può dare il proprio cuore a una creatura selvatica. Più le si vuole bene più diventa ribelle: finché un giorno se ne scappa nelle praterie e poi in cima a un albero. E poi su un albero più alto”.

Holly: “Non permetterò a nessuno di mettermi in gabbia”.

Paul Varjak: “Non voglio metterti in gabbia, io voglio amarti”.

Holly: “È la stessa cosa”.

Paul: “Tu ti consideri uno spirito libero, un essere selvaggio e temi che qualcuno voglia rinchiuderti in una gabbia. E sai che ti dico? Che la gabbia te la sei già costruita con le tue mani ed è una gabbia dalla quale non uscirai, in qualunque parte del mondo tu cerchi di fuggire, perché non importa dove tu corra, finirai sempre per imbatterti in te stessa”.

Holly e gli uomini

“Quello che è certo è che avevo sbagliato nel classificarlo. Pensavo che fosse un verme. Invece è un super verme, ecco. Un super verme, sotto spoglie di verme”.

“Un uomo si giudica dagli orecchini che ti regala … Che orrore questi… Li ho comprati io”.

Holly e la bellezza

“Certe luci della ribalta rovinano la carnagione, a una ragazza”.

“L’eleganza è la sola bellezza che non sfiorisce mai”.

Holly e Tiffany

Holly: “Io vado pazza per Tiffany, specie in quei giorni in cui mi prendono le paturnie”.

Paul: “Vuol dire quando è triste?”

Holly: “No … Uno è triste perché si accorge che sta ingrassando, o perché piove. Ma è diverso. No, le paturnie sono orribili: è come un’improvvisa paura di non si sa che. È mai capitato a lei?”

Holly: “Non è divino?”

Paul: “Che cosa?”

Holly: “Tiffany… è una meraviglia, vero? Capisci cosa intendo quando dico che niente di brutto può accaderti qui? E non è per i gioielli, che a me non piacciono, tranne i brillanti s’intende…”.

Il trailer di Colazione da Tiffany

Il film Cogan – Killing Them Softly racconta una storia grintosa sul crimine e le sue conseguenze, e termina con un commento tagliente sul cosiddetto “sogno americano“. Scritto e diretto dal regista australiano Andrew Dominik, il film funziona come un convenzionale film di gangster, ma utilizza spezzoni delle elezioni presidenziali americane del 2008 per una narrazione più ampia sulle realtà economiche. Cogan – Killing Them Softly è uscito originariamente nel novembre 2012.

In Cogan – Killing Them Softly, il killer Jackie Cogan (Brad Pitt) opera come regolatore della malavita. Quando due criminali di basso livello di nome Frankie (Scoot McNairy) e Russell (Ben Mendelsohn) rapinano un gioco di carte locale gestito da Markie Trattman (Ray Liotta), sconvolgono il flusso di denaro e le dinamiche di potere della comunità. Come spiega Jackie al suo contraente mafioso Driver (Richard Jenkins), tutti sanno che Trattman una volta ha rapinato la sua stessa partita, quindi la verità non ha importanza: è la fiducia nel sistema che conta. Perciò Trattman deve essere eliminato, secondo Jackie, per far tornare le cose alla normalità. Cogan – Killing Them Softly è tratto dal romanzo di George V. Higgins del 1974 Cogan’s Trade.

Jackie vede il quadro generale e protegge il suo flusso di denaro in Cogan – Killing Them Softly. Prima di poter uccidere Trattman, però, Jackie ha bisogno dell’approvazione dei capi innominati di Driver. Si fida del sistema, ma si prepara anche al peggio. Jackie ha bisogno di ristabilire un senso di equilibrio economico per ottenere maggiori opportunità finanziarie, e quindi accetta un contratto da 15.000 dollari per uccidere Trattman. L’intera prima ora del film poliziesco di Netflix esplora le motivazioni di Jackie e spiega come riesce a sopravvivere alla tempesta. Ecco una spiegazione dell’atto finale di Cogan – Killing Them Softly.

Cogan – Killing Them Softly come allegoria del crollo finanziario del 2008

Cogan – Killing Them Softly è un’allegoria della crisi finanziaria del 2007-2008: assunzione di grandi rischi, collasso del sistema, salvataggi finanziari e conseguente recessione. Il crollo che Jackie cerca di superare ha origine con l’ammissione da parte di Trattman di aver derubato il suo stesso gioco di carte. Tra l’altro, la sua avidità sfrenata e la sua vanagloria spingono Squirrel a manipolare il sistema ingaggiando due ingenui criminali, Frankie e Russell, che hanno semplicemente bisogno di soldi. Non prevedono le conseguenze della rapina a Trattman, ma sanno dove ricadrà la colpa. Per fare un paragone con la vita reale (h/t Stack Exchange), Trattman è stato collegato all’ex amministratore delegato di Bear Stearns James Cayne, un uomo d’affari che è stato in parte incolpato di aver scatenato la crisi finanziaria del 2007-2008, nonché un uomo che ha ingaggiato una squadra di giocatori di carte internazionali per competizioni di Bridge ad alto rischio.

Come descritto nel film drammatico del 2015 The Big Short, i broker di investimento come Cayne sono stati responsabili di una crisi finanziaria inevitabile. Nel mondo di Cogan – Killing Them Softly, la rapina di Trattman crea una crisi di fiducia, il che significa che qualcuno deve calmare la tempesta. In questo caso, Driver ricorda a Jackie che i suoi capi hanno una “mentalità aziendale totale”: non vogliono uccidere Trattman, ma solo mandargli un messaggio. Ma Jackie dice a Driver che devono riportare l’industria alla normalità. Durante questa conversazione, alla radio si sente George W. Bush che parla dell’opinione pubblica e della costruzione del sostegno. Qualche istante dopo, mentre gli scagnozzi di Driver si preparano a picchiare Trattman, un notiziario fa riferimento a Henry Paulson, l’ex amministratore delegato di Goldman Sachs che è diventato Segretario del Tesoro e ha avviato il salvataggio. In Killing Them Softly, Driver deve ripristinare la fiducia ma protegge i suoi amici. Al contrario, Jackie protegge se stesso. Queste filosofie distinte danno vita alla loro conversazione finale.

In qualità di principale regolatore finanziario di Killing Me Softly, Jackie individua problemi significativi con i suoi abituali collaboratori. In primo luogo, Driver vuole salvare Trattman, e questo è un problema. In secondo luogo, Jackie chiede assistenza a un collega sicario di nome Mickey (James Gandolfini), ma scopre che l’uomo ora beve pesantemente ed è semplicemente inaffidabile. Anche Mickey fa parte del problema, perché prende i soldi ma ride del concetto di responsabilità. Dopo una conversazione rivelatrice in una stanza d’albergo, Jackie fa chiarezza e informa Driver che Mickey deve andarsene, e deve andarsene SUBITO. La prigione gli farà bene, proprio come a tanti banchieri della vita reale che hanno manipolato il sistema a loro vantaggio e hanno perso la prospettiva. C’è ancora dell’umanità in Mickey, come dimostrano le sue storie strappalacrime, ma è un uomo diverso. Jackie ammette persino di volere la versione di Mickey di “due anni fa”.

Per salvarsi, Jackie deve fare tutto il lavoro sporco. Sa quanto possano essere stupidi alcuni dei criminali di basso livello, come dimostrano le osservazioni fatte a Driver sulla loro conoscenza di Kenny Gill (Slaine), che fornisce informazioni su Frankie e Russell. Dopo che Jackie ha incastrato Mickey e ucciso Trattman nel corso di una sequenza stilizzata, si muove lungo la catena. Squirrel viene ucciso per aver orchestrato la rapina a Trattman. Frankie viene ucciso perché ingenuo e inaffidabile; qualcuno che potrebbe potenzialmente creare ancora più problemi parlando troppo. Per Jackie si tratta solo di affari. Sta ripristinando la fiducia nel sistema e nelle persone che lo assumono. E non è un caso che Jackie usi la frase “Sì, lo sei” per rivolgersi a persone come Frankie che affermano di non essere sicure di certi fatti, perché è una frase che si collega allo slogan della campagna elettorale di Barack Obama “Yes, we can”.

Il significato della scena finale di Killing Them Softly e del discorso di Cogan

Killing Them Softly si conclude con un commento sul sogno americano e sull’ascesa di Barack Obama. Dopo aver ucciso Frankie, Jackie ha riequilibrato la sua comunità malavitosa e si è affermato come qualcuno che crea e ispira il cambiamento. Tuttavia, è pienamente consapevole del fatto che i colleghi d’affari useranno i concetti del Sogno Americano contro di lui, proprio come gli uomini d’affari del mondo reale hanno cercato di girare le situazioni finanziarie a loro vantaggio, sperando che molti americani fossero troppo ingenui per notare le scritte in piccolo, o semplicemente che non gli importasse più di tanto.

Quando Jackie entra in un bar per incontrare Driver, si fa beffe di Obama che pronuncia un discorso in televisione sul fatto che gli americani fanno parte di una grande comunità. “Ah, sì. Siamo tutti uguali“, si lamenta Jackie, “siamo tutti uguali”. Si schernisce anche con Driver che dice: “Fammi un favore: non farmi nessun favore. Ho visto come lavori“. In quel momento, Jackie tenta di portare avanti uno scambio significativo, ma viene essenzialmente bloccato dal fatto di non condividere le stesse opinioni di Driver. In retrospettiva, è lo stesso concetto che ha portato molti americani a votare per Donald Trump nel 2016, se non altro perché erano stati riduttivamente etichettati e categorizzati come conservatori che non capivano cosa fosse meglio per loro. In Killing Them Softly, Jackie capisce perfettamente di cosa ha bisogno e cosa gli è dovuto: 45.000 dollari per tre colpi. Mentre Jackie si dirige verso il bagno, poco prima di contare i suoi guadagni, Obama parla in televisione degli “angoli dimenticati del mondo” e del destino comune. Mentre Jackie torna dal bagno, la folla in televisione canta “Yes, we can! Sì, possiamo!” – un momento che si ricollega alle precedenti affermazioni del sicario “Yes, you are” e che prepara anche il suo discorso finale su come funziona effettivamente l’America (dal suo punto di vista).

Jackie si rende conto di essere stato trattato male da Driver, che sorride come un vero e proprio amministratore delegato e cita i “prezzi della recessione”. Secondo i capi, Jackie sarà pagato come l’altro sicario, Dillon (Sam Shepard). Con grande sorpresa di Driver, però, Jackie ha spostato i prezzi di mercato uccidendo Dillon quella mattina. Driver tenta di giustificare il suo punto di vista personale, citando “un business di relazioni” e suggerendo persino a Jackie di prestare attenzione alla dichiarazione di Obama: “Di molti, siamo uno“. Ma questa lavoratrice americana, Jackie, non si beve il mito e lo collega al padre fondatore Thomas Jefferson e alla sua relazione sessuale con una schiava. “Non farmi ridere“, dice Jackie, “vivo in America e in America sei solo. L’America non è un Paese. È solo un’azienda. Ora pagatemi, cazzo“.

Quando il sistema crolla in Cogan – Killing Them Softly, Jackie corre un grosso rischio e protegge i suoi interessi commerciali. Invece di salvare Trattman, ripristina la fiducia tra i suoi colleghi. La fede di Jackie è fede in se stesso. L’autista può bere e lamentarsi quanto vuole, ma non è cambiato nulla per il suo braccio armato. Che siate d’accordo o meno con le convinzioni di Jackie, la sua capacità di vedere il quadro generale è ciò che lo rende un prezioso lavoratore americano.

Bruce Willis è ricordato come una vera e propria icona del genere action anni ’90, sin da quando nel 1988 recitò in Trappola di cristallo – Die Hard. A renderlo tale ci hanno pensato sia 58 minuti per morire – Die Harder e Die Hard – Duri a morire, sia film come Pulp Fiction, The Jackal e Armageddon – Giudizio finale. Uno dei film che ha confermato questo status è stato sicuramente anche Codice Mercury, diretto nel 1998 da Harold Becker. Si tratta di un thriller che, pur configurandosi come un classico film hollywoodiano, si muove a partire da una vicenda reale.

La storia vera dietro il film

La trama, come anticipato, ha un’impressionante somiglianza con un evento storico reale, come riportato da Bruce Watson sul sito DailyFinance il 24 dicembre 2009: “… Nel dicembre 1955, Sears Roebuck pubblicò un annuncio sui giornali con quello che sosteneva essere il numero diretto di Babbo Natale. Sfortunatamente, il numero di telefono offerto era sbagliato di una cifra; invece di Sears, si collegava a una linea top secret del CONAD, il Continental Air Defense Command. Quando il colonnello Harry Shoup, direttore delle operazioni del comando, rispose al telefono, si aspettava di sentire di un attacco missilistico contro gli Stati Uniti”.

“Invece, ricevette un bambino che voleva parlare con Babbo Natale. Anche se la conversazione si concluse con il pianto del bambino e l’ira di Shoup, alla fine il colonnello si ricredette e iniziò a fornire ai bambini aggiornamenti sui viaggi di Babbo Natale nel cielo notturno. L’anno successivo, la CONAD offrì un nuovo numero di telefono non segreto che i bambini potevano chiamare. Nel 1958, quando il CONAD divenne NORAD, il nuovo comando continuò la tradizione…”.

La trama e il cast di Codice Mercury

L’agente FBI Art Jeffries (Bruce Willis), sotto copertura durante una rapina in banca finita male, viene usato come capro espiatorio e retrocesso a un noioso lavoro da scrivania. Tempo dopo, un bambino autistico di nove anni di nome Simon Lynch (Miko Hughes), dotato di grandi abilità per i numeri e lettere, risolve un puzzle numerico, che era stato pubblicato su una rivista: lo scopo era vedere se qualcuno fosse in grado di decifrarlo, ritenendo che il codice, chiamato “Mercury”, utilizzato per missioni spionistiche americane, fosse inviolabile.

Dopo aver ricevuto la telefonata di Simon, il capo della divisione NSA, il tenente colonnello Nicholas Kudrow (Alec Baldwin), comprende che le capacità del ragazzino di decifrare il codice sono un pericolo per la sicurezza nazionale: decide così di mandare due assassini per uccidere lui e la sua famiglia. Il bambino riesce però a sfuggire al massacro e viene poi ritrovato proprio da Art, che decide di portarlo via con sé e scoprire perché qualcuno possa volere un bambino autistico di nove anni morto. Con l’NSA che gli dà la caccia e i problemi del bambino, proteggerlo risulterà il compito più difficile mai affrontato dall’agente.

La spiegazione del finale

Nel corso del film, su suggerimento di Art, l’agente speciale dell’FBI Thomas “Tommy” Jordan fa in modo che Simon entri nel Programma di Protezione Testimoni, ma Kudrow, non volendo rivelare il suo fallimento e deciso a uccidere Simon, prende con la forza il comando della Protezione Testimoni e rivela a Lomax, l’agente speciale dell’FBI incaricato, che Jordan ha falsificato i documenti della protezione testimoni. Tuttavia, all’insaputa di Kudrow, Tommy mostra la prova su carta carbone a Lomax.

Questa conferma che le impronte digitali su di essa sono di Pedranski, convalidando le prove contro Kudrow. Stacey e Simon partono per il punto di raccolta in cima a un grattacielo, dove Kudrow e Burrell si preparano a portare via Simon con un elicottero, ma Jeffries, con l’aiuto di Jordan e di una task force dell’FBI, tende una trappola nel luogo dell’incontro. Segue uno scontro a fuoco tra Burrell e l’FBI, che si conclude con Burrell che viene ferito mortalmente da schegge di vetro quando le finestre di plexiglass vengono fatte esplodere verso l’interno.

Nel mentre, Art combatte Kudrow uno contro uno e Simon lo assiste recuperando la sua pistola. Kudrow tenta di gettare Simon dal tetto, ma Jeffries gli spara più volte, facendolo cadere dal bordo e morire. In seguito, Art e Siebring fanno visita a Simon, che ora vive con i genitori adottivi, nella sua scuola. Simon accoglie Art come un amico gradito, avendolo accettato come persona di fiducia. Si conclude così la vicenda, con il bambino che può dunque tornare ad una vita quanto più normale possibile dove sviluppare il suo talento.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Codice Mercury grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di mercoledì 25 settembre alle ore 23:35 sul canale Italia 1.

Non solo Terminator! La carriera di Arnold Schwarzenegger è costellata da numerosi lungometraggi d’azione che tra gli anni Ottanta e Novanta lo hanno reso un’icona assoluta di questo genere. Titoli come Yado, Commando, Predator, Atto di forza, Last Action Hero o L’eliminatore – Eraser, sono solo alcuni esempi a riguardo. Un altro titolo da aggiungere a questo elenco è Codice Magnum, diretto nel 1986 da John Irvin, regista di cui Schwarzenegger si disse estremamente soddisfatto, ritenendosi un attore migliore dopo aver lavorato con lui.

Durante la produzione e le riprese il film doveva chiamarsi Triple Identity (Tripla Identità) – un riferimento al fatto che il personaggio di Schwarzenegger passa dall’essere agente dell’FBI, a poliziotto locale e poi ad agente sotto copertura. Esistono diverse sceneggiature del film con questo titolo in prima pagina, che è poi stato cambiato in Raw Deal (questo il titolo originale), scelto per far sembrare il film più simile a un normale lungometraggio d’azione.

Lo scarso successo ottenuto dal film lo fa essere oggi tra i meno noti della carriera di Schwarzenegger, ma per i fan dell’attore è senz’altro un titolo avvincente da recuperare assolutamente. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Codice Magnum. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e . Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Codice Magnum

Il testimone chiave, che assicurerà l’arresto del pericoloso boss mafioso Luigi Patrovita, si trova al sicuro in un nascondiglio segreto dell’FBI. Con lui un manipolo di agenti di scorta, tra cui l’intraprendente Blair Shannon. Il malavitoso di Chicago, tuttavia, ha molti informatori e scopre dove si trova il traditore sterminando lui e la sua scorta. Il padre di Blair, Harry Shannon, sopraggiunge troppo tardi. L’uomo giura di vendicare suo figlio e chiede l’aiuto dell’amico di vecchia data Mark Kaminsky, un ex agente dal passato burrascoso.

Sotto mentite spoglie, Kaminsky si reca dunque a Chicago e si conquista la fiducia del boss, danneggiando gli affari del rivale Martin Lamanski. Nonostante i successi riportati, il tirapiedi di Patrovita, Max Keller, sospetta che Kaminsky sia un infiltrato. Per averne certezza, coinvolgerà Mark in quella che si rivelerà ben presto essere una trapoola. Per l’ex agente, avrà dunque inizio una lotta contro il tempo per cercare di consegnare Patrovita alla giustizia prima che la sua copertura salti e la sua vita venga posta seriamente in pericolo.

Il finale del film

Nel finale del film, l’identità di Mark viene naturalmente scoperta e pertanto decide di passare alle maniere forti. Armatosi fino ai denti, affronta Patrovita, Paul Rocca e Marvin Baxter, compiendo una vera e propria strage anche per vendicare l’amico Harry Shannon, precedentemente rimasto ferito durante una sparatoria. Infine, tempo dopo, Mark è tornato con l’FBI e con sua moglie, mentre Shannon si lascia andare allo sconforto non tentando neanche la riabilitazione. Kaminski riesce però a scuoterlo affidandogli il compito di fare da padrino al figlio che la moglie attende, riuscendo poi a fargli fare due passi.

Il cast di attori

Come anticipato, Arnold Schwarzenegger interpreta Mark Kaminsky. In un’intervista per promuovere il film, Schwarzenegger ha detto che questo è stato il primo lungometraggio dove ha avuto modo di indossare un guardaroba elaborato e moderno. Ha infatti aggiunto che, prima di questo, il costo del suo guardaroba per un suo film si aggirava sui 10 dollari. L’attore austriaco ha inolter rivelato di aver recitato in questo film a patto di rescindere per sempre il contratto che lo legava alle produzioni di Dino De Laurentiis.

Gli era infatti rimasto solo un film da realizzare con il produttore e si era detto era molto interessato affinché questo fosse Atto di forza, ma De Laurentiis si oppose, ritenendo che non fosse adatto al ruolo principale di Quaid. Tuttavia, l’insuccesso economico di Codice Magnum ha portato al fallimento di De Laurentiis e alla vendita dei diritti di Atto di forza, che Schwarzenegger è poi riuscito ad inserire nella sua filmografia nel 1990 interpretando proprio il ruolo del protagonista.

Accanto a lui, nel film, recita l’attrice Kathryn Harrold nel ruolo di Monique, donna che lavora per il luogotenente di Rocca, Max Keller. Quest’ultimo è interpretato da Robert Davi, mentre Sam Wanamaker è Luigi Patrovita. Con il suo personaggio, Patrovita condivide l’appartenenza alla città di Chicago. Completano il cast Paul Shenar nel ruolo di Paulo Rocca, Steven Hill in quello di Martin Lamanski, Darren McGavin nel ruolo del Comandante Harry Shannon e Joe Regalbuto in quello di Marvin Baxter.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

Sfortunatamente il film non è presente su nessuna delle piattaforme streaming attualmente attive in Italia. È però presente nel palinsesto televisivo di giovedì 10 ottobre alle ore 21:00 sul canale Iris. Di conseguenza, per un limitato periodo di tempo sarà presente anche sulla piattaforma Mediaset Infinity, dove quindi lo si potrà vedere anche oltre il momento della sua messa in onda. Basterà accedere alla piattaforma, completamente gratuita, per trovare il film e far partire la visione.

I film di genere postapocalittico esercitano sempre un grande fascino sugli spettatori, in particolare per il loro mostrare realtà spaventose alla base delle quali si possono però individuare radici presenti già nel nostro contemporaneo. I film di questo tipo, dunque, consentono di assistere a scenari catastrofici, verso i quali l’umanità sembra sempre più indirizzata con i suoi comportamente scellerati. Un titolo poco citato appartenente a questo filone è Codice Genesi (qui la recensione), un cupo racconto che mescola azione e fantascienza all’interno di un contesto estremamente brutale dove non tutte le speranze sono però perdute.

Il film, uscito al cinema nel 2010, è diretto da Albert ed Allen Hughes, registi anche di La vera storia di Jack lo squartatore e Broken City. I due danno forma ad una sceneggiatura scritta da Gary Whitta, dove si esaltano tanto gli elementi più cupi della fine dell’umanità quanto quelli legati alla fede religiosa. Costato 80 milioni di dollari, Codice Genesi è arrivato a guadagnarne quasi il doppio in tutto il mondo. Ad affascinare, in particolare, è il modo in cui i due registi raccontino con originalità un contesto altrimenti visto innumerevoli volte al cinema.

Oltre ad essere un film d’azione, con scontri all’ultimo sangue in terre desolate, Codice Genesi porta in sé anche il valore dell’oralità, della scrittura e di come questi siano caratteri salvifici per l’umanità. Un film, dunque, imperdibile per ogni appassionato del genere. Prima di intraprendere una visione di questo, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità ad esso relative. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Codice Genesi: la trama del film

Ambientato nel 2043, 30 anni dopo una guerra nucleare che ha distrutto buona parte del pianeta, il film ha per protagonista un uomo di nome Eli, che attraversa in solitudine la terra desolata che un tempo era l’America. Intorno a lui città abbandonate, autostrade interrotte, campi inariditi e bande di sopravvissuti resi pericolosi dalla mancanza di risorse. Guerriero non per scelta ma per necessità, Eli attraversa tutto ciò per portare al sicuro la sola speranza per il futuro dell’umanità. Spinto da questo impegno e guidato dalla fede in qualcosa più grande di lui, Eli fa quello che deve per sopravvivere.

In quel mondo in rovina, solo un altro uomo comprende il potere che Eli detiene, ed è naturalmente deciso a impadronirsene per i propri malvagi scopi. Si tratta di Carnegie, il despota di una precaria città di ladri e killer. La sua figlia adottiva Solara, però, è affascinata da Eli per la visione di quel qualcosa che può esistere oltre i confini del territorio dominato dal patrigno. Ognuno con i propri motivi, Carnegie e Solara cercheranno di avvicinare Eli, ma niente e nessuno può mettersi sulla sua strada. Egli deve andare avanti per compiere il suo destino e portare aiuto a un’umanità devastata.

Codice Genesi: il cast del film

Ad interpretare il misterioso guerriero Eli vi è il due volte premio Oscar Denzel Washington. Notoriamente un uomo di fede, l’attore si disse da subito particolarmente affascinato dal ruolo, accettandolo con entusiasmo. Per interpretare Eli, egli si è esercitato con le arti marziali, così da poter eseguire tutte le sue scene di combattimento senza ricorrere a controfigure. Allo stesso tempo, egli perse diversi chili, così da acquisire un aspetto emaciato coerente con il contesto di desolazione. L’attore si è in seguito dichiarato estremamente soddisfatto dal risultato del film.

Ad interpretare l’antagonista Carnegie vi è invece l’attore Gary Oldman. A suggerire che la parte venisse affidata a lui fu proprio Washington, il quale desiderava da tempo di poter lavorare sullo stesso film con il collega. Nel ruolo di Solara, la figlia adottiva di Carnegie, vi è invece Mila Kunis. Completano poi il cast gli attori Ray Stevenson nei panni di Redridge e Jennifer Beals in quelli di Claudia. Michael Gambon, celebre per essere stato Albus Silente nella saga di Harry Potter, interpreta qui George, mentre il cantautore Tom Waits compare nei panni dell’Ingegnere.

Codice Genesi: Eli è cieco?

Uno dei principali interrogativi lasciati dal film, anche se di poco conto rispetto alla trama e agli obiettivi del protagonista, è il fatto se Eli sia o meno cieco. Ci sono molte scene nel film che potrebbero suggerire che il personaggio principale soffra di cecità assoluta. Alcuni dicono che Eli fosse cieco da quando era nato, mentre alcune persone hanno affermato che è diventato cieco solo a causa di determinate circostanze. D’altra parte, ci sono alcuni momenti nel film che sembrano indicare che egli può percepire relativamente alcune delle azioni che gli avvengono intorno.

A sostegno di questa tesi vi è il suo sapere sempre se è giorno o notte, ma anche il suo sapere dove si trovano determinati oggetti o le persone intorno a lui. Il fatto che egli legga però la Bibbia in braille, sembrerebbe confermare le sue difficoltà a vedere chiaramente. Più che totalmente cieco, si può dunque supporre che Eli lo sia solo parzialmente. Questa sua caratteristica lo connota ancor di più come un profeta e la sua missione acquista un valore ancor più profondamente religioso. A guidarlo, più che quel poco di vista che gli resta, sarebbe infatti l’occhio interno della sua fede incrollabile.

Codice Genesi: il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Codice Genesi grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Chili Cinema, Google Play, Apple iTunes, Rai Play, Amazon Prime Video e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 28 luglio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

Fonte: IMDb, Fictionhorizon