Spiderman 3 è il terzo capitolo della saga dell’Uomo Ragno che arrivò nel 2007 e stranamente raccolse diversi risultati contrastanti, al contrario dei suoi due predecessori. Da un punto di vista strettamente commerciale fu uno sbanca-botteghini come pochi c’è ne erano stati fino a quel momento.

Il mostruoso budget di 258 milioni di dollari fu ampiamente ripagato e il film fu il più visto della saga.

Titolo originale		Spiderman 3
Regista		Sam Raimi
Produzione		Marvel Studios
Scritto da		Comin book Stan Lee Steve Ditko Screen Story Sam Raimi Ivan Raimi Screenplay Alvin Sargent Sam Raimi Ivan Raimi
Cast		Toby Maguire – Peter Parker/Spiderman Kirsten Dust – Mary jane James Franco – Harry Osborn J.K. Simmons – Jonah Jameson Thomas Haden Church – Flint Marko/sandman Bryce Dallas Howard – Gwen Stacy Topher Gracy – Eddie Brock/Venom
Musica		Danny Elfman
Distribuzione		Sony Pictures
Uscita USA		01 Maggio 2007
Uscita Italia		24 Aprile 2007
Durata		139 minuti
Budget		$258,000,000
Incasso totale		$885,430,303

Senza fatica Spiderman 3 raccolse la palma di pellicola di maggior successo mai prodotta dalla Marvel, ma per quanto riguarda il cinema supereroistico in generale si dovette accontentare della medaglia d’argento, battuto un anno dopo da Il Cavaliere Oscuro. Ugualmente Spiderman 3 è una pellicola dal sicuro spessore, che indaga ancora di più nelle debolezze e nel lato oscuro del protagonista, più che esaltarne le doti e le imprese.

La Sony Pictures aveva iniziato a lavorare sul terzo capitolo della saga mentre ancora Spider-man 2 era lontano di tre mesi dall’uscita, questo a significare la grandissima fiducia che la casa americana nutriva nel franchise. Inizialmente programmato per un’uscita il 2 maggio 2007, venne poi spostato a due giorni dopo. Il copione fu affidato ancora ad Alvin Sargent, che già aveva collaborato nel secondo capitolo, con un’opzione per il quarto. Il fratello di Raimi, Ivan, collaborò anch’egli alla scrittura della storia, che come detto avrebbe puntato molto sul lato oscuro di Peter Parker, costretto a scoprire nel modo doloroso la differenza tra vigilante ed eroe. Come antagonisti vennero scelti Harry Osborn, che avrebbe continuato la storyline creata nei primi due film, the Sandman, con cui Spider-Man dovrà affrontare nuovamente il suo passato, e il temibile Venom. Quest’ultimo venne preferito all’Avvoltoio, grazie alla grande base di fan che il simbiote bianco-nero possiede. Infine Sargent decise di inserire nella storia anche Gwen Stacy, destinata a diventare rivale romantica di Mary Jane. La trama sembrava talmente complessa da richiedere la divisione in due film, ma l’idea venne rigettata.

Spider-Man 3 – Cast

Intrigato dall’opportunità di interpretare un Peter Parker meno timido e più aggressivo, Tobey Maguire non si lasciò scappare l’opportunità di indossare ancora il costume dell’Uomo Ragno. Anche Kirsten Dunst tornò nel ruolo di Mary Jane Watson, personaggio che in questa terza pellicola dovrà affrontare diverse dure prove a livello emozionale (buona sfida, quindi, dal punto di vista recitativo).

Grandissima importanza venne garantita a Harry Osborn e al suo interprete James Franco, che qui avrebbe compiuto il suo climax. Il ruolo di Sandman, alias Flint Marko, fu affidato a Thomas Haden Church. Church si era fatto notare dai produttori per il suo ruolo di Jackson Lapote nel film del 2004 Sideways, in Viaggio con Jack, lavoro pluripremiato sia globalmente, sia per quanto riguarda il suo personaggio, riconosciuto da numerosi attestati come “Miglior Attore non Protagonista” (non agli Accademy Awards, però).

Il ruolo di Venom, alter ego di Eddie Brock Junior, fu affidato a Topher Grace. Grande appassionato di fumetti, Grace aveva vinto il premio per la “Miglior Performance Rivelazione Maschile” della National Boad of Review per il suo ruolo nel film In Good Company, presentandosi così come un vero fuoriclasse in erba. Infine, concludendo l’elenco delle “new entry” abbiamo Bryce Dallas Howard, a cui venne assegnato il personaggio di Gwen Stacy. Stacy è una delle fidanzate storiche, e quindi storiche rivali, del Peter Parker cartaceo. Figlia del capitano di polizia George Stacy (James Cromwell), sarà la donna del protagonista mentre lui è ancora preda dell’influenza del simbiote.

Spider-Man 4 Produzione

Alcune scene dedicate alla lavorazione in CGI vennero girate già tra il 5 e il 18 novembre 2005, ma le riprese principali iniziarono solamente il 16 gennaio dell’anno successivo e si prolungarono fino al luglio dello stesso anno. Oltre a New York, molte scene vennero girate a Cleveland, come per esempio la lotta tra Spiderman e Sandman sul blindato portavalori. John Dykstra, responsabile degli effetti speciali di Spiderman 2, non tornò a lavorare in questo nuovo capitolo. Il suo posto venne preso da Scott Stokdyk, che gestì ben duecento programmatori provenienti dai Sony Pictures Imageworks. Vennero creati ben 900 effetti digitali nuovi, molti dei quali nemmeno esistevano prima della produzione del film. Nonostante ciò Stokdyk scelse di usare anche dei modellini in miniatura per alcuni palazzi, in modo da non doversi affidare solamente a dei calcoli fatti al computer, ma anche a sequenze più realistiche e concrete. Uno dei “trucchi” più particolari fu usato nelle scene in cui Spider-Man colpisce con un pugno Sandman, passandogli da parte a parte a causa del suo corpo fatto di sabbia. Il braccio di questo Uomo Ragno è completamente creato al computer, perché il posto di Maguire fu preso da Baxter Humby, esperto di arti marziali famoso per avere un braccio amputato sin dalla nascita e, nonostante ciò, campione del mondo di Muai Thai. Altre sequenze forse meno azzardate, ma sicuramente più complesse, furono le notturne che coinvolsero Venom. La sua divisa nera con il buio della notte costituì una vera sfida per lo staff di Stokdyk.

Christopher Young sostituì Danny Elfman al comando dell’orchestra per la colonna sonora. Elfman si rifiutò di lavorare ancora con Sam Raimi, a causa di diversi dissapori capitati proprio sul set di Spiderman 2. Nonostante ciò, però Elfman collaborò ugualmente a partire da dicembre 2006 con Young, aiutandolo a mantenere una linearità con le precedenti colonne sonore.

Spider-man 3 Ricezione

L’esordio di Spiderman 3 sul grande schermo avvenne a Tokyo il 16 aprile 2007, per poi sbarcare successivamente nel Regno Unito il 23 aprile e negli Stati Uniti tre giorni dopo. L’uscita mondiale avvenne il 1 maggio 2007, tre giorni prima dell’uscita ufficiale americana.  Per il 6 maggio la pellicola aveva raggiunto ben 107 nazioni in tutto il mondo. Il weekend di apertura superò i 100 milioni di dollari di guadagno, raggiungendo quote di acquisti online dei biglietti ad una velocità ben superiore a quella di Spiderman 2, costringendo i cinema in cui era in programmazione a prevedere spettacoli persino alle 3 del mattino.

Come detto i critici, pur apprezzando il film, sollevarono diversi dubbi sulla qualità effettiva della pellicola, che per molti soffriva a causa delle troppe stoyline inserite nel copione. Molti ritennero anche che inserire ben tre antagonisti (Harry Osborn, Venom e Sandman) aveva fatto perdere di mordente la minaccia da loro presentata, ritenendo ben più efficace il Doc Ock di Alfred Molina.

Ad ogni modo il primo giorni di Spiderman 3 nei cinema a stelle e strisce raccolse quasi 60 milioni di dollari, battendo persino il terzo capitolo dei Pirati dei Caraibi. Nel mondo il weekend di apertura valse alla Marvel ben 382 milioni di dollari. Alla fine il guadagno totale fu di oltre 890 milioni di dollari, terzo film del 2007 per guadagni dopo Pirati dei Caraibi: ai Confini del Mondo e Harry Potter e l’Ordine della Fenice. Spiderman 3 è il tredicesimo film per incasso di tutti i tempi.

Dopo il successo travolgente della prima pellicola, non ci si poteva esimere dal buttarsi sul sequel, Spider-Man 2. Non a caso la storia del secondo capitolo delle avventure dell’Uomo Ragno inizia praticamente subito dopo il termine delle riprese del primo film. Sam Raimi non ebbe la minima esitazione ad accettare la regia, quindi non restava che occuparsi del resto della crew e del casting.

Titolo originale		Spider-Man 2
Regista		Sam Raimi
Produzione		Sony Pictures con Marvel Studios
Scritto da		Comin book Stan Lee Steve Ditko Screen Story Alfred Gough Miles Millar Michael Chabon Screenplay Alvin Sargent
Cast		Tobey Maguire – Peter Parker/Spiderman Kirsten Dust – Mary jane William Dafoe – Norman Osborn/Green Goblin James Franco – Harry Osborn J.K. Simmons – Jonah Jameson Alfred Molina – Dott Ock/Dott. Otto Octavius
Musica		Danny Elfman
Distribuzione		Sony Pictures
Uscita USA		30 Giugno 2004
Uscita Italia		16 Settembre 2004
Durata		127 minuti
Budget		$200,000,000
Incasso totale		$783,577,893

Dopo il successo travolgente della prima pellicola, non ci si poteva esimere dal buttarsi sul sequel. Non a caso la storia del secondo capitolo delle avventure dell’Uomo Ragno inizia praticamente subito dopo il termine delle riprese del primo film. Sam Raimi non ebbe la minima esitazione ad accettare la regia, quindi non restava che occuparsi del resto della crew e del casting.

Nell’aprile del 2002 la Sony assunse Alfred Gough e Miles Millar, meglio conosciuti per essere i creatori della fortunata serie televisiva Smallville. Il loro compito era quello di scrivere un copione  che avesse come antagonisti principali il Dottor Octopus, Lizard e la Gatta Nera. L’annuncio ufficiale fu dato l’8 maggio 2002, incoraggiato anche dagli incredibili incassi del primo Spiderman, con una data di uscita prevista per il 7 maggio 2004. Il titolo di lavorazione era “Lo Stupefacente Spiderman” e il budget di partenza fu un impressionante 200 milioni di dollari (per intenderci, lo stesso usato dal kolossal catastrofico 2012). A giugno venne assunto anche David Koepp  (Jurassic Park, Mission Impossible, Men in Black 2 e Indiana Jones e il Regno dei Teschi di Cristallo) per aiutare Gough e Millar nella lavorazione. A settembre il copione venne rivisto dallo scrittore Michael Chabon, che incluse nella storia un giovane Octopus che si innamora della bella Mary Jane, che però in un secondo momento, impressionata dai suoi arti meccanici, lo allontana. A questa storyline viene aggiunta una prosecuzione delle origini del ragno che diede i poteri a Peter Parker. L’animale fu creato proprio da Doc Ock, il quale ora necessita del fluido spinale dell’eroe per salvarsi la vita. In cambio si offre di trovare una cura per levare i poteri a Peter. Raimi, infatti, volle inserire  in Spider-Man 2 lo stesso tema già visto nel Superman 2 di Christopher Reeve, fonte d’ispirazione del regista, nel quale l’eroe decide di rinunciare ai suoi poteri in cambio del ritorno alla vita normale.

Il produttore Avi Arad, però, rifiutò il triangolo amoroso e anche l’idea di Harry Osborne che offre una taglia su Spiderman, che lui crede colpevole della morte del padre (Green Goblin) dal primo film. Per questo motivo Raimi decise di mantenere ciò che gli piaceva della storia e di rielaborarla con Alvin Sargent, già collaboratore in Spiderman. Ispirandosi, come detto, a Superman 2 e alla saga La Fine dell’Uomo Ragno apparsa su Amazing Spiderman 50, Raimi crea una storia in cui Octopus esce in qualche modo rivalutato e, contemporaneamente, approfondisce il rapporto di Peter con l’essere un eroe e con Mary Jane.

Super-Man 2: Cast

Per quanto riguarda il cast, la Sony cercò a tutti i costi di mantenere gli interpreti originali del primo film. Paradossalmente Tobie Maguire, che aveva firmato un contratto per tre film, rischiò di essere sostituito, a causa di un grave infortunio alla schiena subito durante le riprese di Seabiscuit – Un Mito Senza Tempo. Al suo posto fu contattato Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain e The Day After Tomorrow), all’epoca fidanzato della Kirsten Dunst (confermata nel ruolo di MJ), ma fortunatamente Maguire recuperò in tempo e poté indossare nuovamente la calzamaglia.

Nel ruolo del Dottor Otto Octavius, alias Doc Ock, fu scelto Alfred Molina (I Predatori dell’Arca Perduta, Chocolat e  Il Codice Da Vinci), attore di grande esperienza e, soprattutto, grande fan dei fumetti Marvel. James Franco è tornato ad impersonare Harry Osborn, mentre Daniel Gillies viene scelto per il ruolo di John Jameson, figlio del vulcanico direttore del Daily Bugle e rivale di Parker per il cuore di Mary Jane.

Super-Man 2, Riprese e Produzione

Le riprese di Spiderman 2 sono statue effettuate in più di un centinaio di location diverse, compresa Chicago. Le sequenze principali, comunque iniziarono il 12 aprile 2003 a New York, per poi spostarsi circa un mese dopo a Los Angeles. Le riprese del covo di Octopus, in particolare, necessitarono di ben otto settimane prima di poter essere effettuate, a causa della complessità di costruzione del molo abbandonato in cui lo scienziato si rifugia. Nel tenativo di rendere ancora di più il “punto di vista” dell’Uomo Ragno, venne realizzata una speciale telecamera, chiamata Spydercam. Per intenderci, fu usata nella sequenza finale del precedente film e in questo seguito impiegata in modo massiccio.

James Acheson, designer dei costumi, apportò alcune piccole modifiche alla divisa del Ragno. I colori vennero intensificati e le linee rese più eleganti. I tentacoli di Doc Ock, invece, vennero fabbricati dalla Edge FX ed erano mossi ognuno da ben quattro addetti. Pare che Molina, tra l’altro, si divertisse a riferirsi ai suoi tentacoli con dei nomi propri, per la precisione Larry, Harry, Moe e Flo. Ovviamente le scene in cui Octavius si muove tramite i suoi tentacoli si è dovuto ricorrere alle animazioni in CGI.

Super-Man 2, debutto e Ricezione

L’uscita ufficiale di Spider-Man 2 avvenne il 30 giugno 2004, guadagnando circa 40,4 milioni di dollari nel giorno del debutto. Non un record, ma comunque un successo non indifferente. Arrivò a 180 milioni nella prima settimana e alla fine arrivò a 373,5 milioni di dollari, secondo solamente a Shrek 2. Per quanto riguarda gli incassi mondiali, la pellicola arrivò a 783,7 milioni di dollari, battuto solamente dal solito Shrek 2 e da Harry Potter e il Prigioniero di Azkaban. Ciò non gli ha impedito di essere l’undicesimo film di sempre per incasso in America e il venticinquesimo a livello mondiale. Per quanto riguarda i riconoscimenti, agli Oscar 2005 arrivò la statuetta per gli Effetti Speciali e la nomina per il Montaggio Sonoro. Niente male per quello che è considerato forse il capitolo di meno successo della saga.

Come ogni film di successo che si rispetti, anche Iron Man avrà il suo sequel, Iron Man 2 – tra l’altro inserito – secondo le idee della Marvel, all’interno di un progetto più grande. Andiamo, però, con ordine.

La storia di Iron Man 2 inizia il primo ottobre 2008 con un’intervista di USA Today a Jon Favreau, regista del film. Da quello che si evince dalle sue parole, la trama prenderà il via esattamente sei mesi dopo il termine della pellicola originale.

Stark sta fronteggiando le conseguenze della sua confessione alla stampa di essere in realtà Iron Man e a questo si aggiungerà un altro grande problema: il Mandarino, nemesi storica del protagonista, che, secondo le parole del regista, permetterà di includere nel plot l’intero panteon di nemici del fumetto originale. Non lo si vedrà ancora fisicamente sullo schermo, ma dovrebbe iniziare ad intuirsi la sua presenza dietro le quinte. Per usare le parole di Favreau, sarà come l’Imperatore di Star Wars, che non appare fino a Il Ritorno dello Jedi pur essendo presente in tutta la trilogia classica.

Verrà affrontato il problema dell’alcolismo di Stark, causato in parte da una crisi di età dello stesso e da una nuova relazione sentimentale di Pepper. Per chiarezza, però, Favreau ha specificato che il film non sarà la versione per il grande schermo dell’arco narrativo “Il Demone nella Bottiglia” di David Micheline,  Bob Layton e  John Romita Junior, ma sarà più concentrato sul periodo “in mezzo” tra le origini del’eroe e la sopracitata saga. Saranno grandemente coinvolti sia lo SHIELD, sia il relativo capo Nick Fury. Tra l’altro questa pellicola rappresenterà un ulteriore passo di avvicinamento verso il progetto (leggasi film) dei Vendicatori, il più importante gruppo di supereroi della Marvel.

Iron Man 2, il cast

Il cast ha mantenuto gli attori più importanti: Robert Downey Jr sarà sempre Tony Stark, il superpotente Iron Man. Gwyneth Paltrow si conferma nel ruolo di Virginia “Pepper” Potts, amica del cuore di Tony che, in realtà, ne è innamorato.

Nel ruolo di James “Rhodey” Rhodes, futuro War Machine, troviamo il primo cambiamento. Terrence Howard ha abbandonato il ruolo per non meglio chiariti problemi contrattuali ed è stato sostituito da Don Cheadle (Ocean’s Eleven e nomination all’Oscar per Hotel Rwanda). Pare, comunque, che Favreau non piangerà troppo per questo cambio, dato che il suo rapporto con Howard si dice non fosse idilliaco. Un’entrata in scena con i fuochi artificiali nel cast la merita Mickey Rourke, che sarà il criminale Whiplash, mentre Scarlett Johansson sarà la superspia Vedova Nera. Tornerà anche Samuel L. Jackson nel ruolo di Nick Fury. Si vocifera di alcune comparsate di Edward Norton nei panni di Burce Banner (Hulk) e di Chris Hemsworth in quelli di Thor, ma la cosa non ha ancora trovato conferma. Anzi, lo scorso 16 settembre Norton ha dichiarato di non sapere assolutamente nulla di questa cosa, confermando che per ora sono voci prive di fondamento.

Iron Man 2, la produzione

L’intento di Favreu è di girare una trilogia completa sull’uomo di ferro della Marvel, che inizialmente avrebbe avuto come nemico principale Obadiah Stane, ovvero Iron Monger. Allo stesso tempo il Mandarino sarebbe dovuto essere, come già detto, un personaggio più “eterico” e meno combattente. Alla fine la storia venne scritta dallo stesso regista e da Downey, per poi essere tradotta in copione da Justin Theroux (Tropic Thunder), mentre lo storyboard è ad opera di Genndy Tartakovsky (conosciuto come disegnatore dei cartoni animati Il Laboratorio di Dexter, Le Superchicche e Samurai Jack). Le riprese si sono svolte presso i Raleigh Studios di Manhattan Beach, California, dal 6 aprile al 20 luglio di quest’anno.

Iron Man 2, primo trailer

Il primo trailer ufficiale è stato mostrato durante la Comic-Con di San Diego durante lo scorso luglio.

Iron Man 2, uscita nelle sale

L’uscita nei cinema americani è prevista per il 7 maggio 2010. Non è ancora stata comunicata alcuna data ufficiale per l’Italia.

Una gestazione lunghissima, che, però, ha finito per generare una pellicola degna del nome che porta. Questo e molto altro è Iron Man, il film che narra le avventure di supereroe di Tony Stark, CEO delle Stark Industries. La sua storia è intrecciata saldamente con le recenti vicende belliche mondiali.

Iron Man, genesi

Una gestazione lunghissima, che, però, ha finito per generare una pellicola degna del nome che porta. Questo e molto altro è Iron Man, il film che narra le avventure di supereroe di Tony Stark, CEO delle Stark Industries. La sua storia è intrecciata saldamente con le recenti vicende belliche mondiali. La società del protagonista, infatti, è specializzata nella produzione di armi, in particolare del temibilissimo missile Jericho. Durante il suo viaggio per la presentazione dell’arma in Afghanistan, però, Stark viene catturato da un gruppo di ribelli, conosciuti con il nome di “Dieci Anelli”. Rimasto gravemente ferito durante l’attacco, Stark sopravvive solo grazie all’aiuto  del dottor Yinsen, che lo aiuta a sopravvivere alle ferite e a costruire il primo prototipo dell’armatura di Iron Man, con la quale egli fugge. Dopo questa esperienza, Stark decide di abbandonare il business delle armi e di dedicarsi ad altri progetti, tra i quali migliorare e potenziare la sua armatura.

Questo è l’incipit del film, considerato un tale successo da meritarsi nel 2010 un sequel, oltre ad un cameo di Stark nel film L’Incredibile Hulk. La sua creazione, come detto, è stata incredibilmente lunga. Basti pensare che il progetto risale al 1990. All’epoca i diritti erano in mano agli Universal Studios, ma nel ’96 passarono alla 20th Century Fox. Il film, però, sembrava non dovesse mai farsi, nonostante intorno ad esso girassero nomi altisonanti quali Nicolas Cage, Tom Cruise e persino Quentin Tarantino, al quale fu offerta senza successo la direzione nel 1999.

A luglio 2000, sotto la gestione della New Line Cinema (Il Signore degli Anelli) già tre copioni erano passati sotto l’analisi dei produttori, redatti rispettivamente da Ted Elliott, Terry Rossio e Tim McCanlies. Quest’ultimo fu il copione scelto per una produzione diretta da Nick Cassavetes (Face/Off e La Moglie dell’Astronauta) e programmata per un’uscita nel 2006. Lo sviluppo, però, fallì nuovamente e nel novembre 2005 i Marvel Studios riacquistarono i diritti del personaggio e decisero di produrre da zero il film completamente a loro spese.

Iron Man, il cast

Come regista fu scelto Jon Favreau (già visto come attore in Friends e I Soprano e come regista di Elf e Zathura) con un copione scritto a più mani anche da varie rinomate firme del fumetto. Come protagonista fu scelto, dopo un’iniziale tentazione di scritturare uno sconosciuto, Robert Downey Jr. Favreau dichiarò di aver scelto l’attore newyorchese in quanto egli è il simbolo di un uomo i cui momenti felici e bui sono sempre stati contemporaneamente sotto il severo occhio del pubblico, proprio come il protagonista Tony Starl. Al suo fianco venne scelto Terrence Howard per il ruolo del Tenente Colonnello Rhodes. Gwyneth Paltrow vestì i panni di Virginia Potts, fiamma di Stark, mentre Jeff Bridges venne selezionato come il “cattivo” Obadiah Stane, alias Iron Monger.

La parola d’ordine di Favreau era “realismo”. Per questo gli effetti speciali, che valsero una nomination agli Oscar 2009, vennero affidati alla Industrial Light & Magic di George Lucas, i quali si concentrarono in particolar modo sull’armatura di Iron Man, un sapiente mix di veri frammenti e CGI, costruiti in modo da rendere pressoché impossibile distinguere gli uni dagli altri. Al realismo contribuì anche il copione, che all’epoca dell’inizio delle riprese non aveva ancora completamente passato la fase di supervisione. Per questo motivo le scene d’azione erano le uniche veramente programmate, ma i dialoghi vennero a più riprese improvvisati dagli attori stessi. Scelta forse poco professionale, ma che ha donato alla pellicola una credibilità che con un copione completo non sarebbe stato possibile raggiungere.

Infine, la musica fu curata da Ramin Djawadi, compositore tedesco autore della colonna sonora di Blade Trinity e assistente di Hans Zimmer per Batman Begins e Pirati dei Caraibi. Le sue note si concentrarono su un uso massiccio della chitarra elettrica, che unita ai pezzi di Tom Morello, chitarrista dei Rage Against the Machine e degli Audioslave, ha prodotto un’atmosfera notevole, decisamente diversa dagli altri film di genere supereroistico.

Iron Man, produzione

Le riprese si svolsero dal 12 marzo al 25 giugno 2007 e la premiere mondiale andò in scena il 14 aprile 2008 al Greater Union Theater di Sidney. Grazie alla qualità del film e all’imponente campagna promozionale, Iron Man ottenne risultati decisamente notevoli. Nel weekend di uscita guadagnò più di 98 milioni di dollari, l’undicesimo incasso più alto di sempre e il terzo del 2008, secondo solamente al quarto episodio di Indiana Jones e al Cavaliere Oscuro. Fu inoltre il tredicesimo film col maggiore incasso nel primo giorno di programmazione (35,2 milioni), oltre alla seconda migliore premiere di sempre per un film “non-sequel” e il quarto di sempre per il genere eroistico.

Iron Man, incassi

Tirando le somme, Iron Man guadagnò più di 585 milioni di dollari, di cui 266 solo sul mercato extra-americano. A questi vanno aggiunti anche 160 milioni per il mercato dell’home video, senza contare l’edizione Blu-ray. Infine, oltre alla nomination per i migliori effetti speciali, il film partecipò agli Academy Awards anche per la categoria Miglior Montaggio Sonoro. Nominato anche per nove Saturn Awards (gli Oscar dedicati unicamente ai film di fantascienza, fantasy e horror), vinse come Miglior Film di Fantascienza, Miglior Regista e Miglior Attore Protagonista.

Dopo sedici anni dal primo film di Tim Burton e Michael Keaton e dopo altri otto dal disastroso Batman & Robin di Joel Schumacher e George Clooney, nel 2005 l’uomo pipistrello è tornato sul grande schermo con Batman Begins, in una versione più potente e oscura, per molti versi superiore alle sue precedenti incarnazioni.

Quanto sembrano lontani i tempi di Adam West, quando Batman vestiva di grigio e azzurro, gli avversari somigliavano più a delle macchiette e gli enigmi da risolvere erano concepiti più per far sorridere che per invogliare a scoprire colpevoli e misteri. Christopher Nolan (Memento) ha preso il mito del detective della notte e l’ha trasformato in qualcosa che, effettivamente, può far pensare allo spettatore “Ecco! Se Batman esistesse nella realtà, sarebbe proprio così”.

Batman Begins, il film di Christopher Nolan

Contrariamente a quello che sarebbe stato Superman Returns solo un anno dopo, questo Batman Begins non è una continuazione della vecchia saga degli anni ’80-’90. Le origini e la nascita dell’eroe vengono completamente riscritte, ispirandosi a cicli narrativi originali come Anno Uno, The Man Who Falls e The Long Halloween, e il personaggio viene proposto in una versione più tormentata e tenebrosa, un vero vendicatore il cui scopo principale è spaventare a morte gli avversari, senza alcun tentativo di rassicurare chi gli è accanto. Batman diventa un uomo pericoloso, con cui conviene non scherzare. Non vi è traccia del cavaliere senza macchia e senza paura e rimane unicamente il vendicatore.

Dopo il flop di Batman & Robin la Warner ha cercato per diversi anni di rilanciare il brand del Cavaliere Oscuro. Già nel 2000 era stato messo sotto contratto il regista Darren Aronofsky (The Wrestler), ma alcuni problemi di produzione lo indussero ad abbandonare la regia. Al suo posto vennero contattati i fratelli Wachowski, che però preferirono continuare a coltivare i sequel della loro creatura, Matrix, piuttosto che dedicarsi all’eroe di Gotham City. Entro così in gioco Christopher Nolan la cui visione innovativa del supereroe ha creato una pellicola che ha riscosso un successo mondiale di critica e pubblico.

Il mantello nero fu poggiato sulle spalle di Christian Bale (American Psycho, The Prestige), che sconfisse la concorrenza di attori del calibro di Jake Gyllenhaal (ironicamente associato in quegli anni anche al ruolo di Superman poi affidato a Brandon Routh). Di lui Christopher Nolan disse che «possedeva esattamente quell’equilibrio di luce e oscurità che stavamo cercando». Al suo fianco troviamo Michael Caine nel ruolo del maggiordomo Alfred, inseparabile spalla e aiuto dell’eroe. Dall’altra parte della barricata, invece, trova il suo posto Liam Neeson, nel ruolo di Henri Ducard e in seguito personaggio fondamentale per la conclusione della pellicola.

Non poteva mancare la fiamma del nostro, Rachel Dawes (personaggio originale ideato appositamente per Batman Begins), interpretata da Katie Holmes. Gary Oldman è uno stranamente giovanile Sergente Gordon, non ancora Commissario. Un altro aiuto fondamentale in termini di tecnologia e idee per Batman arriverà da Lucius Fox, ovvero l’immenso Morgan Freeman. Terminano la galleria di personaggi principali Tom Wilkinson, il mafioso Carmine Falcone, e Cillian Murphy, il cattivissimo Spaventapasseri. Da sottolineare il piccolo cameo di Ken Watanabe nel ruolo di … Ra’s al Ghul. Nel cast anche Liam Neeson in un ruolo chiave che non vi sveleremo.

Produzione 

I lavori iniziarono nel gennaio del 2003 con l’assunzione di Nolan alla regia. Il copione fu firmato da David S. Goyer (Blade e Jumper), il quale, in stretta collaborazione con il regista, cercò di creare una storia la cui parola d’ordine fosse “realismo”, traendo ispirazione, come ammesso dallo stesso Nolan, dal Superman di Richard Donner e Christopher Reeve. Le riprese iniziarono nel marzo del 2004 sul ghiacciaio Vatnajokull in Islanda, che avrebbe poi rappresentato il Buthan nella pellicola finale. Gli interni furono girato agli Shepperton Studios  di Shepperton, Inghilterra, dove fu creata un’impressionante Batcaverna di 76 metri di lunghezza, 37 di larghezza e 12 di altezza. Il Designer della produzione, Nathan Crowley, creò spettacolari giochi d’acqua con pompe in grado di gestire ben 55.000 litri d’acqua. La villa di Bruce Wayne, invece, fu allestita presso le Mentmore Towers, palazzo a circa un centinaio di chilometri da Londra e già visto in film come Eyes Wide Shut, La Mummia il Ritorno e Johnny English. Gotham City, invece, fu il risultato di un’unione di metropoli come New York, Chicago e Tokyo in “salsa” Blade Runner.

Anche la Batmobile subì diverse modifiche. Ci si è dovuti dimenticare completamente delle linee flessuose dell’auto di Michael Keaton, perché il nuovo mezzo del Cavaliere della Notte somiglia più ad un mezzo d’assalto che ad una macchina. Stiamo parlando della Tumbler, una sorta di jeep corazzata acrobatica, che nel video che vi riportiamo di seguito vediamo gareggiare con la Toyota di Timo Glock sulle curve di Silverstone.

Il mezzo costò circa 250.000 dollari e fu prodotto in quattro esemplari. Il Batcostume fu completamente rivisto. Allo scopo di renderlo mobile e resistente allo stesso tempo, fu usata una speciale sottopelle in neoprene, poi modellata con placche di lattice. Il mantello fu realizzato in collaborazione con il Ministero della Difesa britannico, utilizzando il progetto di uno speciale paracadute di nylon. Infine la colonna sonora fu realizzata dall’onnipresente Hans Zimmer, che andò a mischiare con le sue note gli incredibili effetti speciali voluti da Nolan, che pretese di utilizzare quanta meno tecnologia CGI possibile, in favore dei tradizionali “stunt” degli acrobati. Le riprese si conclusero definitivamente il 17 settembre 2004 e il 15 giugno dell’anno successivo fece il suo debutto nelle sale cinematografiche americane, seguite due giorni dopo da quelle europee.

Successo mondiale 

Il successo fu planetario. In totale Batman Begins raccolse 371.900.000 $, mentre in Italia l’incasso si assestò sui 6.356.580 €. Se consideriamo anche l’home video, il guadagno si alza fino ai 496.710.015 $, a fronte di “soli” 150 milioni di dollari di budget. Tra i riconoscimenti bisogna citare senza dubbio la nomination all’Oscar per la Miglior Fotografia, persa solamente a vantaggio del capolavoro di Rob Marshall Memorie di una Geisha. Poi da ricordare il premio come Miglior Eroe agli MTV Movie Awards 2006 per Bale, tre Saturn Awards 2005 per il Miglior Attore (Bale), per il Miglior Film Fantasy e per la Miglior Sceneggiatura. Sono solo alcuni dei premi guadagnati da un film che, insieme a Spiderman, è considerato una delle migliori produzioni supereroistiche di tutti i tempi.

Nel 2011 un altro super eroe del gruppo Justice league of America farà il suo esordio sul grande schermo: Green Lantern.

Green Lantern nasce dalle menti di Bill Finger e Martin Nodel, che nel 1940 – in piena Golden Age – battezzarono la loro creazione nella rivista All American Comics numero 16, edita dalla Dc Comics.  Anni particolari quelli. Anni in cui impazzava il secondo conflitto mondiale, facendo mobilitare gli editori di fumetti e portando alla creazione di un considerevole numero di supereroi, per stimolare il patriottismo e la vittoria statunitense nella guerra.

Il fumetto

Negli anni, diversi hanno vestito i panni di Lanterna Verde. Il primo fu Alan Scott, giovane ingegnere, che durante le operazioni di collasso di un ponte ferroviario, scorse un minerale verde proveniente dal pianeta Oa, che lo istruì su come creare un anello e una lanterna che gli avrebbero permesso di avere superpoteri. Come ogni supereroe che si rispetti, anche Lanterna Verde si dota di un costume – composto da un ampio mantello viola ed una maschera dello stesso colore, una maglia color rosso con un cerchio giallo sul petto con la raffigurazione di una lanterna verde – che gli permette di celare la sua vera identità. Per rendere più avvincenti le avventure del personaggio, i creatori, seguendo la tradizione che vuole che sia posto un limite ai poteri del supereroe, individuarono negli oggetti di legno il confine dei poteri di Lanterna Verde.

Nel corso degli anni cinquanta il personaggio venne quasi dimenticato, salvo poi ritornare in auge nel corso della Silver age. Questa volta però dietro la maschera non c’era più l’ingegnere Alan Scott, ma la creatura di John Broome e Gil Kane: il collaudatore di aerei Hal Jordan.

Hal è, cronologicamente, la seconda lanterna Verde ed è annoverato tra i personaggi più amati dei fumetti. Fa il suo esordio su Showcase n. 22 (1959) e, con Flash Gordon, traccia l’inizio della Silver Age.

Rispetto ad Alan Scott, la ricetta rimane pressoché invariata: Hal è una persona comune che si trova a fare i conti con superpoteri inaspettati. Quel che cambia è il modo di confezionare il personaggio, la mitologia che lo contorna e il metodo narrativo.

Hal fa parte di un corpo di polizia interstellare creato dalla razza aliena degli Oa, con il compito di mantenere la pace in tutto l’universo (diviso in 3600 settori). Ogni gruppo di settori è protetto da una lanterna verde, scelta in base ai criteri di onestà e coraggio, dotata di un anello che dovrà essere ricaricato ogni 24 ore attraverso un giuramento di fedeltà:

« In brightest day, in blackest night, No evil shall escape my sight. Let those who worship evil’s might. Beware my power – Green Lantern’s light! »

Il potere che scaturisce dall’anello dà possibilità di creare costrutti composti di energia verde, di volare, di sopravvivere nello spazio siderale e di tradurre in tempo reale tutte le lingue dell’universo; i soli limiti sono rilevabili nelle lacune della forza di volontà e della capacità immaginativa del possessore dell’anello, ed è, inoltre, inefficace contro gli oggetti di colore giallo. Di tutti i supereroi, Lanterna verde è quello che – in linea di principio – possiede i poteri qualitativamente e quantitativamente maggiori, ma temporalmente limitati.

Rispetto al personaggio ideato dalla coppia Finger-Nodel, la creatura di Broome e Kane si presenta con un’uniforme di colore verde, orfana del mantello, con il simbolo del corpo delle lanterne verdi sul petto.

Il Film – I dettagli sul film sono ancora poco noti. Quel che si sa è che la sceneggiatura sarà affidata a Greg Berlanti, Michael Green e Marc Guggenheim e avrà come attore protagonista il canadese Ryan Reynolds (Amityville Horror, Ricatto d’amore),  diretto da Martin Campbell (Casinò Royale, La leggenda di Zorro).

La trama del film sarà incentrata sul personaggio della Silver Age, Hal Jordan, e sul corpo delle lanterne verdi.

Inizialmente tra i candidati a vestire i panni di Lanterna Verde c’erano, tra gli altri: Nathan Fillion, Sam Worthington, Bradley Cooper, Justin Timberlake, Henry Cavill, Jared Leto, Michael Fassbender e Ryan Gosling, ma alla fine la scelta finale cadde su Ryan Reynolds, considerato fisicamente più adatto al ruolo.

Originariamente, la scelta della location era ricaduta su Sidney,  ma, a causa dell’aumento della valuta australiana, per ridurre i costi, la produzione si è vista costretta a spostarla a New Orleans, in Lousiana.

Il film promette un notevole seguito di pubblico, considerevoli investimenti pubblicitari ed enormi guadagni. Quello che possiamo augurarci, a quasi due anni dall’uscita nelle sale (17 giugno 2011), è che la pellicola sia all’altezza del fumetto e che la sceneggiatura non sia immolata in nome dei fini commerciali e degli incassi.

Fan di Lanterna Verde, unitevi: il vostro eroe sta arrivando!

A cura di Antonio Adelfio

Titolo originale		The Green Lantern
Regista		Martin Campbell
Produzione		DC Comics Warner Bros.
Scritto da		Greg Berlati Michael Green Marc Guggenh
Cast		Ryan Reynolds – Hal Jordan/Green Lantern
Musica		John Debney
Distribuzione		Paramount Pictures
Uscita USA		17 Giugno 2011
Uscita Italia		–
Durata		–
Budget		–
Incasso totale		–

Recensione del cult d’animazione La spada nella roccia, il film d’animazione di Wolfgang Reitherman e targato Walt Disney.

Sinossi: E’ la storia del giovane Artù, il futuro leggendario Re, nel suo apprendistato presso un eccentrico e pasticcione Mago Merlino. 

Analisi, La spada nella roccia: Il giovane Artù, che tutti chiamano Semola è ignaro del pasticcio in cui si sta andando a cacciare quando, addentrandosi nella foresta, va a recuperare la freccia che Caio ha scagliato troppo lontano.

E’ così che comincia questa incredibile avventura, ed è così che il protagonista conosce l’eccentrico e potente Mago Merlino e il suo gufo ‘altamente istruito’ Anacleto.

Mai come in questo caso, la storia prende forma secondo le caratteristiche del viaggio di formazione, in cui un giovane di buon speranze prende coscienza delle proprie qualità, che nel caso particolare non risiedono nel corpo, ma nello spirito brillante e acuto del giovane. Efficace la contrapposizione di Semola con Caio, giovanotto grosso e stupido che però davanti all’evidenza, davanti a Semola che è riuscito ad estrarre la Spada dalla roccia, non può fare altro che inchinarsi.

La spada nella roccia: recensione del film

Un viaggio di formazione dunque, ma che attraverso la magia assume dei contorni personali. Semola diventerà pesciolino, scoiattolo e passerotto, sfuggirà ad un luccio enorme, ad un lupo affamato, ad un falco so grazie ai suggerimenti di Merlino e alla sua astuzia, perché i cervello vince sui muscoli. Ma lì dove cervello e muscoli perdono è di fronte al cuore, all’amore della piccola scoiattolina che ignara della vera natura di Semola se ne innamora e sprigiona una forza ‘più potente della forza di gravità’. Tutte lezioni di  vita che il giovanotto apprende a cuor leggero dal mago pasticcione.

L’avventura di Semola assume una piega negativa quando cade ignaro nelle grinfie di Maga Magò, acerrima nemica di Merlino, che potrebbe essere ricondotta alla leggendaria figura della Fata Morgana, avversaria di Merlino nella mitologia arturiana.

Ancora una volta con La spada nella roccia la musica Disney incanta, con motivi che restano nell’immaginario e fanno sorridere a tutte le età, candidati all’Oscar nel 1964.

La recensione del film d’animazione The Simpson Movie diretto da David Silverman e targato 20th Century Fox.

The Simpson Movie è con le voci di: Dan Castellaneta (Homer Simpson); Julie Kavner (Marge Simpson); Nancy Cartwright (Bart Simpson); Yeardley Smith (Lisa Simpson).

Sinossi: The Simpson Movie è basato sulla serie televisiva di grande successo frutto della creatività del fumettista americano Matt Groening, di cui è protagonista la famiglia composta da Homer, Marge ed i loro tre figli, Bart Lisa e la piccola Maggie. Da una catastrofe che è Homer stesso a provocare, facendo cadere il silo contenente le feci di un maialino a cui si è affezionato nel lago situato nei pressi della città di Springfield. Il laghetto, che già versava in condizioni critiche, sarà inquinato irrimediabilmente, tant’è che uno scoiattolo che ci finisce dentro ne esce fuori mutato con decine di occhi sul capo. L’animaletto viene trovato dal Dipartimento della Protezione Ambientale, ed il suo perfido capo convince il presidente degli Stati Uniti (che nel film corrisponde ad un ingenuo e divertente Arnold Schwarzenegger) che è necessario isolare Springfield al resto del pianeta intrappolandola in una enorme sfera di vetro infrangibile.

I cittadini della città scoprono che la colpa è di Homer, ed infuriati si recano da lui per giustiziarlo, ma lui e la sua famiglia riescono a fuggire in Alaska. Alla notizia che il dipartimento per l’ambiente ha preso la decisione di distruggere definitivamente Springfield, Homer attanagliato dal suo proverbiale egoismo infantile non ne vorrà sapere di far ritorno alla sua città per salvarla, mentre il resto della famiglia con Marge delusa dal suo comportamento e Bart rammaricato per l’indolenza del padre, farà il contrario. Il conseguente travaglio di Homer e l’aiuto di una anziana indigena del nord America dai poteri paranormali faranno cambiare idea ad Homer, che tornerà a salvare la sua città ed a fare pace con la sua famiglia.

The Simpson Movie: recensione del film

Analisi: Il vero trampolino di lancio del film è il clamoroso successo della serie televisiva dei “Simpson”, che all’uscita del lungometraggio raggiunge il prestigioso traguardo di serie animata più lunga trasmessa in televisione con i suoi quattrocento episodi. Uno sforzo notevole se si pensa a quelli che sono i ritmi frenetici ed il costante mutamento della televisione. I motivi di tanto clamore risiedono nello carattere parodistico e satirico attraverso cui il cartone parla della condizione della società americana ed in genere occidentale, delle sue contraddizioni ed ambiguità. I personaggi dei “Simpson” sono un riflesso di tutti gli aspetti che riguardano il nostro modo di vivere, attraverso situazioni semi vere in una salsa di ironie e battute, tra flashback e citazioni, spesso spassose e quasi mai superficiali. Nei suoi cartoni Groening volutamente ha utilizzato il “set” della famiglia scimmiottando le famose sit com americane di ambientazione familiare, che nella società americana disgregata, lavorista, individualista delle grandi metropoli e periferie hanno costituito un mezzo per veicolare valori e modelli. Spesso molto discutibili, per questo i Simpson hanno fatto breccia grazie ad un sarcasmo non indifferente. Cercare una connotazione politica definita nel cartone è difficile ed inutile, data una propria sensibilità ed acutezza che hanno sicuramente una retrospettiva sociale ed uno spirito progressista, ma non mancano gli indirizzi individualisti. All’inizio del film un personaggio sventola una bandierina su cui è scritto “Hillary 2008”, ignaro della vittoria di Obama: questo e le infinite frecciatine della serie tv di certo fanno capire che la fazione Repubblicana è la più avversa.

Il film inizia con sprint ma dispiace dirlo, non convince. Sebbene le gag graffianti non manchino, forse questa volta la vena più satirica nei riguardi degli stili e dei vizi dei cittadini del mondo occidentale, quella che aveva reso la serie animata come forse l’unica ed encomiabile più “politically scorrect” nel panorma delle serie televisive made in America, sembra essere spuntata. Lascia infatti il passo ad una comicità un po’ più facile, con scatch che si susseguono una dietro l’altro in un ritmo poco fluido. Le liti fra moglie e marito e padre e figlio hanno spesso funzionato nel cartone dando un intelligente modo di rappresentare le difficoltà fisiologiche di ogni relazione umana nell’alveo familiare, che oggi sembrano un po’ a tutti mostri inesorabili, ma nel film questi intrecci stentano. La gag su “Spiderpork” sembra più quella dell’altra serie animata di una famiglia americana, postuma ai Simpson, i Griffin.

Confondere le due cose è un grosso errore, i Griffin sono furbi, isterici, vacui. E così, i Simpson del film (con i suoi ragguardevoli effetti 3D) appaiono più “massificati”. E però non passa inosservata la battuta di Bart sul treno che impersona Topolino, definendosi “la mascotte di una malvagia corporazione”. Il cinema ed un cartone animato, quale ghiotta occasione per Groening per non sfoderare un’ironia sulla Disney? Nella serie televisiva sono diverse le stilettate nei confronti della fabbrica di cartoni disneyana, e nel film non mancano. Forse anche per questo i Simpson possono essere considerati i degni figli di Tex Avery, animatore e regista statunitense, creatore di Bugs Bunny, Duffy Duck, Droopy, Porky Pig, la cui influenza si è sentita in tutte le serie a cartoni animati tra gli anni quaranta e cinquanta del secolo scorso.

Lo stile registico di Avery ha demistificato la rigida impostazione sopratutto dei primi corti e lungometraggi stabilita da Walt Disney, (nel cartone “Screwball Squirell” del 1944 Avery provoca dichiaratamente Disney), e la surrealtà e la libertà anarcoide dei suoi cartoni sono evidentemente rintracciabili nella libertà di pensiero e di espressione dei gialli di Groening. Eh si, gialli.

Per una ironia della sorte e di corrispondenza assiologica col passato, è il corole di “Yellow Kid”, il bambino vestito della celebre tunica gialla frutto dell’ispirazione dello statunitense Robert F. Outcault, celebrato come il capostipite del fumetto, il primo che fece comparire il baloon. Si trattava guarda caso di una striscia comica e proletaria dal nome Hogan’s Alley in cui il protagonista Yellow Kid razzolava tra i bassifondi poveri e ributtanti di New York, sulle pagine domenicali del New York World negli ultimi anni del 1800. Un successo di pubblico, ma i proprietari d’ immobili che deplorarono il connubio fra il New York Journal (che intanto aveva strappato Outcault ai suoi rivali) e quegli straccioni di carta, chiesero ed ottenennero il licenziamento di Outcault. Oggi La statuina di Yellow Kid è anche il prestigioso premio, considerato ormai come l’Oscar dei fumetti( genere originario di Matt Groening) che da molti anni viene assegnato nell’ambito del “Salone Internazionale dei Comics, del Film di Animazione e dell’illustrazione” ad autori, disegnatori ed editori, italiani e stranieri. About Disney: nessuno può negare che ci regala dei momenti magici, leggete le recensioni di questo sito per avere un’idea. Ma la stoccata di Groening è giustificata: non dimentichiamo che nel 2005 Disney ha pagato una cauzione di 70 milioni di euro per non sottoporsi al processo che la vedeva imputata per avere inserito messaggi subliminali a sfondo erotico in alcuni dei suoi cartoni animati, come ha spiegato Beppe Grillo in un suo spettacolo. Ignacio Ramonet, direttore di “Le Monde Diplomatique” nel suo “Piccolo dizionario critico della globalizzazione” ci parla di Disney e di Bangladesh. Nel 2003 la Disney ha disdetto un contratto con una fabbrica dopo che le operaie di una impresa tessile e di giocattoli subappaltata dalla multinazionale americana avevano presentato un elenco di richieste. Il loro salario rappresenta lo 0,7% del prezzo finale della camicia pagata dal consumatore 18 euro a fronte dei milioni spesi in pubblicità e percepiti da i dirigenti Disney. Senza contare le ore di lavoro delle operaie, 102 alla settimana, senza giorni di riposo e con salari che oscillano tra gli otto e i 4 euro settimanali e con tanto di pressioni anche violente dei capireparto. Torniamo al film dei Simpsons: i loro fedelissimi fans passeranno su questa mezza occasione mancata, per l’infinito successo ottenuto dai tantissimi (non tutti!) episodi della esilarante famiglia americana di Springfield. Senza dimenticare l’altra serie animata di Groening, Futurama, dalla quale sono stati tratti dei lungometraggi niente male.

La recensione del film d’animazione Il pianeta del tesoro diretto da Ron Clements e John Musker, con le voci di Joseph Gordon-Levitt (Jim Hawkins); Brian Murray (John Silver); Emma Thompson (Capitano Amelia)

Sinossi: Cresciuto con la mamma, proprietaria di una locanda sul pianeta minerario Montressor, l’adolescente scavezzacollo Jim Hawkins si mette spesso nei guai per le scorribande a bordo del suo Solar Surfer. Sin da piccolo, il ragazzo è affascinato dalle avventure dei pirati dello spazio – come il leggendario Capitano Flint – e dai cercatori di tesori, così, quando un’astronave precipita nelle vicinanze della locanda ed uno strano viaggiatore gli consegna un’antica sfera che custodisce una misteriosa mappa spaziale, il ragazzo decide di partire per andare alla ricerca del Pianeta del Tesoro. Ad accompagnarlo nella sua avventura c’è il dott.Doppler, un astronomo che si incarica di organizzare la spedizione prendendo in affitto il galeone spaziale R.L.S. Legacy, comandato dal Capitano Amelia, ed un equipaggio per governarlo.

Una volta a bordo, con suo sommo rammarico Jim si vede relegato al ruolo di mozzo affidato alle cure del cuoco John Silver, un cyborg dall’aspetto minaccioso che prende però il ragazzo sotto la sua protezione. Durante il viaggio, però, la vera natura dell’equipaggio si rivelerà estremamente pericolosa e una volta giunti sul pianeta del Tesoro per Jim, Doppler e Amelia le cose si metteranno al peggio perché la ciurma della nave si è rivelerà una ciurma di pirati. Tuttavia, con l’aiuto di B.E.N., un robottino abbandonato da anni sul pianeta, Jim riuscirà a trovare il tesoro e a tornare da sua madre.

Analisi: Il Pianeta del tesoro è stato tratto dal noto romanzo di Robert Luis Stevenson, L’isola del tesoro. Dell’opera di Stevenson è stata mantenuta la trama avventuristica della caccia al tesoro, ma in un’ambientazione fantascientifica. Il pianeta del tesoro è stato presentato in prima mondiale nella città natale del grande scrittore, Edimburgo, con una festa al suono di cornamuse in un castello settecentesco, che è il periodo di ambientazione del romanzo. Nel lungometraggio al posto di un’isola c’è un pianeta da raggiungere, si viaggia attraverso invenzioni futuristiche in una dimensione intergalattica, con buchi neri, tempeste cosmiche, sentieri del cielo, pirati cybernetici, e tecniche tridimensionali. Ci sarebbero gli ingredienti per parlare di un lungometraggio animato da ricordare quindi, ma il film purtroppo risulta essere statico. Questo perché non si è riusciti ad andare oltre lo schema un po’ rigido da cartone dysneiano, non ci sono grandi trovate, anche se ci sono spiritosaggini…di sicuro i piccoli sono serviti. Si sa che la maggior parte dei film disney si basa su una rielaborazione di fiabe o romanzi famosi, in una totale trasformazione dell’opera originale, adattata ad un pubblico di giovanissimi, anche se a volte grazie ai giochi di fantasia, la comicità, le trame non scontate, i film sembrano riusciti.

Il pianeta del tesoro: recensione del film 

Il romanzo “L’isola del tesoro” venne pubblicato sulla rivista per ragazzi “Young Folks” negli anni 1881-1882. La fantasia del libro assume significato alla luce della simbologia ed allegoria che pongono al centro di tutto la morale. Lo stile è chiaro e riesce a trasmettere tensione. Da questo testo dovrebbero prendere lezioni registi e sceneggiatori della saga “Pirati dei Carabi”, in debito con Stevenson. Il tesoro che non si riesce a trovare è il simbolo dell’avidità degli uomini che trascina verso il nulla, Jim Hawkins cresce interiormente quando riesce a scorgere nelle persone adulte, rimanendo colpito, la doppiezza dei loro comportamenti, l’ambiguità e lo sdoppiamento, ed alla fine continua ad essere perseguitato da incubi in cui rivede le spiagge dell’isola dei pirati. E’ affascinante anche la vita dello stesso Stevenson, giovane ribelle in polemica con il padre ed il puritanesimo borghese del suo ambiente, che si stabilì negli ultimi anni di vita nelle isole Samoa, circondato dal rispetto degli indigeni che lo chiamarono “Tusitala” (narratore di storie), e che difese più volte dalle prepotenze dei bianchi.

La recensione del film d’animazione di Il re leone, diretto da Roger Allers e Rob Minkoff e targato Walt Disney Pictures.

Il re leone vanta le voci di: Jonathan Taylor Thomas (Simba cucciolo); Matthew Broderick (Simba adulto); Jeremy Irons (Scar); James Earl Jones (Mufasa); Niketa Calame (Nala cucciola); Moira Kelly (Nala adulta); Nathan Lane (Timon); Ernie Sabella (Pumbaa); Robert Guillaume (Rafiki); Rowan Atkinson (Zazu); Whoopi Goldberg (Shenzi); Cheech Marin (Banzai); Jim Cummings (Ed).

Sinossi: Gli animali della Terra del Branco accorrono alla presentazione del piccolo Simba, figlio di Re Mufasa e prossimo re della savana. Solo il cattivo Scar, fratello minore e invidioso di Mufasa, non è felice della nascita del cucciolo e farà di tutto per impossessarsi della corona, fino a disfarsi di coloro che gli sono davanti in linea di successione: Mufasa e Simba. Spetterà al giovane leone, non più cucciolo e consapevole dei suoi diritti e doveri, riportare la pace nelle Terre del Branco.

Il re leone: recensione del film

Analisi: Poderoso ritratto della bellezza del paesaggio africano, Il Re Leone è un viaggio di un cucciolo verso la consapevolezza del suo ruolo nel branco. Il protagonista Simba attraversa il film da cucciolo spensierato a leone adulto passando per l’alienazione dal suo mondo e arrivando a nutrirsi di insetti come i suoi simpatici amici Pumbaa e Timon. Ne Il re leone si può infatti suddividere in grandi sequenze che racchiudono ognuna uno stadio dell’evoluzione del protagonista. La prima disegna l’infanzia spensierata del giovane erede al trono che cresce ignorando il suo ruolo nel mondo e le sua responsabilità; l’avventura al cimitero degli elefanti e il successivo intervento di Mufasa lo scuotono e lo rendono partecipe di quanto forza e potere siano anche portatrici di responsabilità e paure per coloro che si amano.

Comincia una seconda fase per Simba, che si concluderà tragicamente con la morte del padre e con la successiva fuga dal branco. E’ sicuramente una scena molto triste che ricorda per un verso Bambi e la morte della madre ad opera del cacciatore. Resta la differenza che questa volta il protagonista viene incolpato, seppure ingiustamente, per la morte del padre, e questo aggiunge un po’ di complessità al personaggio, cosa che invece in Bambi non esiste. Nella terza parte Simba rinasce, dimentica il dolore e inizia una nuova vita con i suoi amici insettivori, con l’unico motto di Hakuna Matata, senza pensieri, fino all’arrivo di Nala, compagna di giochi e sua promessa regina.

Nell’ultima parte Simba, divenuto un leone adulto, prende coscienza di sé, grazie all’intervento di Rafiki, il saggio mandrillo, e si rimpossessa del regno sconfiggendo il perfido zio Scar.

Il re leone viene premiato con un successo planetario e due Oscar, uno all’ottimo Hans Zimmer per la colonna sonora, un altro a Elton John per la canzone Can You Feel the Love Tonight. Realizzati dei sequel: Il Re Leone: il regno di Simba nel 1998 e Il Re Leone 3: Hakuna Matata nel 2004, realizzata anche una serie animata con protagonisti Pumbaa e Timon. Nella versione italiana le voci di Scar e Mufasa sono nell’ordine di Tullio Solenghi e di un ottimo Vittorio Gassman in una delle sue ultime interpretazioni.

La recensione dell’acclamato film d’animazione Up di Peter Docter e Bob Peterson con le voci di Edward Asner (Carl Fredricksen); Jordan Nagai (Russel).

Up, la trama

In Up Carl Fredricksen cresce nel mito di Charles Muntz, esploratore. Con sua moglie Ellie sogna un viaggio alle Cascate Paradiso, ma purtroppo dopo una vita insieme, al momento della partenza Ellie muore, lasciano solo il povero Carl che si rinchiude nella sua casa. La minaccia di demolizione della sua casa e il rischio di finire in una casa di riposo, spingono Carl a partire portandosi dietro …. tutto…anche un ospite inatteso, una giovane scout di nome Russel che lo accompagnerà nella grande avventura verso la quale si sta avviando ignaro.

Up, vivacità e umorismo

L’ultimo lavoro Disney Pixar spicca per vivacità e umorismo. Dopo il romantico Wall-E, Carl Fredricksen e i suoi amici sono una sferzata di energia e di umorismo, senza dimenticare un po’ di sana commozione.

Up comincia quando sembra che per il protagonista sia giunta la fine della vita, ma l’entrata in scena del piccolo Russel, cambierà ogni cosa. L’avventura, vista come un viaggio prima interiore e poi fisico, porta i due protagonisti alla conoscenza e all’apprezzamento reciproco, mentre i sani valori disneyani vengono fatti trionfare. La vecchiaia non è inutile e la giovinezza non è tutta perduta: retorica a fiotti dunque, ma sempre con grande stile, come la Pixar ci sta abituando. Brutta figura fanno però i genitori, in una società in cui si ha più tempo per il lavoro che per i figli, vengono rivalutati i nonni che fanno le veci degli assenti.

Inutile sottolinearlo, la tecnica è sempre migliore e le rappresentazioni, seppure non troppo realistiche, sono funzionali alla caratterizzazione dei personaggi. Spicca in questo lungometraggio un uso del colore che sembra riportare alle origini il cartone animato: sono i colori brillanti di Aladdin o della Sirenetta che si mescolano alle nuove tecniche rappresentative. Come detto, il risultato è sgargiante e sicuramente non troppo realistico, ma una gioia per gli occhi e per le emozioni che malgrado l’età o il disincanto che regna sovrano. Menzione speciale al Beccaccino Kevin, esilarante “tacchino in Tecnicolor”. I sogni son desideri, diceva Cenerentola molti anni fa, e i palloncini di Up hanno sicuramente alimentato quelli di molte persone, grandi e piccini.

La promozione di UP è stata particolarmente accurata e massiccia. Siamo partiti dal luglio 2008 quando al Comic Con di San Diego è stato presentato il primissimo trailer. Solo a novembre del 2008 il teaser è stato visibile in rete e in concomitanza c’è stata l’apertura ufficiale del sito del film. A febbraio sul sito Disney.com (slo versione USA) hanno debuttato gli esilaranti Up-isode, brevi filmati promozionali con il voluto gioco di parole su episodi ed il titolo del film, tradotti poi anche in italiano come UPisodi. Presentato a Cannes il 13 maggio, è uscito negli USA il 16 dello stesso mese, arrivando da noi solo ad ottobre.

Curiosità: Il numero di palloncini necessari per sollevare una casa di tali dimensioni, stimata pesare 50 tonnellate, dovrebbe essere almeno cinque volte maggiore di quello presentato nel film.

Persepolis è il film d’animazione del 2007, candidato all’Oscar, basato sull’omonima graphic novel autobiografica scritto e diretto da Marjane Satrapi.

• Anno: 2007
  
• Regia: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
  
• Con le voci di: Paola Cortellesi, Sergio Castellitto.
  

Persepolis, la trama

La storia (che è un romanzo di formazione) inizia poco prima della Rivoluzione iraniana. Nel film viene mostrato, inizialmente attraverso gli occhi di Marjane a nove anni, come le speranze di cambiamento della gente furono infrante lentamente quando presero il potere i fondamentalisti islamici, obbligando le donne a coprirsi la testa e imprigionando migliaia di persone. La storia si conclude con Marjane, ormai ventunenne, che espatria.

Persepolis, l’analisi

Persepolis è il film d’animazione tratto dalla grapich novel scritta da Marjane Satrapi, autrice e regista stessa del lungometraggio. Sono infatti le memorie della scrittrice di origini iraniane a fare da trama narrativa; la storia ci parla infatti dell’esperienza di vita una bambina che passa la sua infanzia a Teheran, ai tempi della caduta dello scià, anno 1978, in una situazione delicata e di transizione in cui in Iran passa dalla caduta di una dittatura di stampo laico alla presa del potere da parte di Khomeini che attraverso la sua propugnata “rivoluzione islamica” infonde sentimenti di speranza e di aspettativa nelle frange della società più progressiste e filocomuniste ,come la famiglia di Marjane, ma che in realtà si rivelerà essere più repressiva ed autoritaria della precedente.

Marjanne emigrerà quindi in Austria e l’esperienza europea, che finirà con un ritorno della ormai ragazza nella sua terra d’origine, coincide con la maturazione della protagonista, che da bambina diventa ragazza, e che attraverso amicizie e amori viene a contatto con i tratti più spiccati della dimensione europea, diversa dalla sua, (in cui non sono assenti razzismi e fondamentalismi religiosi) evolvendo la propria interiorità attraverso un osservazione consapevole della realtà.

Persepolis, tra potere e bigottismo

Persepolis stigmatizza le forme terribili che il potere assume ma rivela  l’ incapacità che la società civile di riuscire ad andare oltre le sue inerzie e le sue false credenze, come quelle che si trascinano dietro i bigottismi religiosi, e gli eccessi di individualismo, come quelli che emergono ad esempio dalla descrizione dei i giovani della società occidentale.

Gli assi su cui fa evidentemente leva il film sono quelli dello sguardo femminile e femminista della realtà da parte della protagonista, che è chiaro ma non disdegna, e il noto meccanismo della messa a confronto di due modelli di civiltà ,quello europeo e quello arabo nel film, attraverso cui emergono similitudini e differenze che portano a intravedere la relatività di ogni modello di vita ed a mettere in discussione il proprio; sembra inequivocabile il richiamo al romanzo di Montesquie “Lettere Persiane”, un libro antesignano dello spirito critico attraverso cui guardare ai meccanismi sociali, il cui protagonista principe persiano Uzbek in viaggio in Europa descrive stupito i costumi francesi provocando l’effetto di stupire il lettore francese(e divertirlo, come lo spettatore il Persepolis).

Un ingrediente che rende eccezionale il lungometraggio animato risiede nella struttura del film, che ci mostra quanto il modo per esplorare la nostra interiorità e di nostri sentimenti sia quello di guardare dall’alto ai modelli sociali in cui ci troviamo; che premia l’idea che le emozioni e la coscienza siano anche in qualche modo legate ed influenzate dal modo di vivere collettivo, non appiattendosi come tanti mediocri e attuali film italiani solo e totalmente su soggettivismi, amicizie, familiarismi e sentimentalismi di maniera che a volte altro rappresentano e descrivono se non il nulla cosmico. Se il concetto dell’integrità morale” può sembrare una congettura, il regolare ed avvenente tratto del disegno di Marjane Satrapi rendono Persepolis un film schierato ed amabile.

La recensione del film d’animazione, Lilo & Stitch diretto da Dean DeBlois e Chris Sanders e con le voci di Daveigh Chase (Lilo); Chris Sanders (Stitch); Tia Carrere (Nani); David Ogden Stiers (Jumba); Kevin McDonald(Pleakley ); Ving Rhames(Cobra Bubbles)

Sinossi: L’esperimento 626, creato per portare distruzione e caos, fugge dalla sua prigione galattica e arriva sulla Terra, alle Hawaii. Qui vive Lilo, una bambina che vive sola con la sorella e che desidera sopra ogni altra cosa un amico ‘come un angelo’.

Lilo & Stitch, il film

Il film è ambientato alle Hawaii, prima novità per un prodotto Disney e primo element di spicco, per quello che riguarda gli scenari coloratissimi, realizzati ad acquerello, cosa che non accadeva dai tempi di Dumbo.

Ma fondamentalmente il film è una fiaba dai concetti fondamentali davvero terribili: si parla di abbandono, di sradicamento, della ricerca di un proprio posto nel mondo. I due protagonisti sono accomunati da questa necessità, da questo desiderio di sentirsi accettati e mai dimenticati. Lilo & Stitch non è il primo film ambientato nell’isola di Kauai: essa compare anche ne I predatori dell’arca perduta e nella trilogia di Jurassic Park. In Lilo & Stitch, la serena bellezza dell’isola serve a bilanciare i temi dell’abbandono, della perdita, delle difficoltà economiche e sociali di Lilo e della sua famiglia.

La scelta delle isole Hawaii ha condizionato non solo le scenografie, come già detto, ma anche il fuoco della storia. Infatti mentre Sanders e i suoi visitavano Kauai per preparare le scenografie del film, vennero a conoscenza del concetto della famiglia estesa hawaiana, espresso dal termine ohana, che divenne un elemento centrale di Lilo & Stitch. DeBlois ricorda:

“Dovunque andassimo, la nostra guida conosceva qualcuno. Fu lui a spiegarci il concetto hawaiano di ohana, un senso di famiglia che va al di là dei parenti stretti. Questa idea divenne un tema fondamentale della storia, la cosa che spinge Stitch a andare oltre ciò per cui era stato creato, ovvero distruggere.” 

Lilo & Stitch è quindi un buon mix di sentimentalismo, neanche tanto smielato, e divertimento con personaggi davvero ben delineati, soprattutto nel caso dei piccoli protagonisti. Anche qui non mancano le auto-citazioni Disney: Il trailer di Lilo & Stitch iniziano presentando trailer di altri film della Disney (La bella e la bestia, La Sirenetta e Il re leone, Aladdin) interrotti dall’arrivo di Stitch.

Nella scena finale del film viene mostrata una sequenza di fotografie di Lilo, Stitch e dei loro amici; ognuna di esse riprende un’immagine celebre, tra cui alcune illustrazioni di Norman Rockwell. Le scene ambientate nello spazio riprendono alcuni topos della fantascienza: la sala del consiglio della Federazione Galattica ha un’architettura che riprende, ad esempio, quella del pianeta Coruscant nel primo prequel di Star Wars; gli alieni Jumba e Pleakley, durante la propria permanenza sulla Terra, badano a non farsi notare dai terrestri e a non interferire con la loro cultura, come previsto dalla prima direttiva della Flotta Stellare nei telefilm di Star Trek.

Alcuni degli alieni della Federazione presentano similitudini con altri personaggi di film della Disney. Riferimenti più espliciti si trovano nel peluche di Dumbo presente nella stanza di Lilo e nel poster del film Mulan affisso alla parete della sorella. Inoltre, le illustrazioni del libro de Il brutto anatroccolo cui si appassiona Stitch sono tratte dall’adattamento in cartone animato della Disney.

La recensione del film d’animazione Alla ricerca di Nemo diretto da Andrew Stanton e prodotto da Disney Pixar.

Anno: 2003

Regia: Andrew Stanton

Con le voci di: Albert Brooks (Marlin); Ellen DeGeneres (Dory); Alexander Gould (Nemo); Willelm DaFoe (Branchia); Geoffrey Rush (Amilcare).

Sinossi: Marlin, un pesce pagliaccio, ha perso la moglie Coral e tutte le sue uova, ad eccezione di Nemo, unico superstite dopo l’attacco di un predatore. Come figlio unico e con una pinna atrofica, Nemo è soffocato dalle attenzioni paterne, il che lo porterà a disobbedirgli e a nuotare in mare aperto. Qui il piccolo pesciolino verrà pescato da un sub che lo porrà nel suo acquario. Quest’ulteriore perdita spingerà Marlin ad addentrarsi nell’oceano per ritrovare il suo piccolo Nemo. Con una simpaticissima compagna di viaggio, Dory, Marlin scoprirà l’oceano, conoscerà squali vegetariani e tartarughe velocissime, fino a ritrovare suo figlio ed a raccontargli un’avventura che mai avrebbe creduto di poter affrontare.

Analisi: L’ennesimo prodotto Disney Pixar si distingue innanzi tutto per l’incredibile perfezione con la quale è rappresentato il mondo marino, dai riflessi del sole nel blu dell’oceano, alle squame lucenti sul dorso dei pesci. Ma il film di Stanton non è solo una grande grafica, è soprattutto la storia di una persona, nel dettaglio un pesciolino, che dopo una grande sofferenza si chiude al mondo.

La storia di Marlin è sicuramente più importante di quella di Nemo: se il piccolo viene rapito ed allontanato dall’affetto del padre, Marlin dovrà affrontare non solo i pericoli che l’oceano riserva ad un pesce da barriera corallina, ma dovrà anche fare i conti con il passato, con l’incolmabile perdita dell’amore e della famiglia, e soprattutto con la paura di rimanere di nuovo e irrimediabilmente solo. E proprio questa paura, più grande di quella per l’oceano, sarà la molla che lo spingerà alla ricerca del figlio.

Alla ricerca di Nemo è un film che emoziona tutti, grandi e piccini. 

Inoltre, a parte la chiara rappresentazione dei rapporti conflittuali tra genitori e figli, Alla ricerca di Nemo è soprattutto basato su una salda sceneggiatura, divertente e commovente, che raggiunge degli accenti di delicato lirismo che è difficile da trovare anche nelle commedie romantiche più brillanti. “Quando sono con te io mi sento a casa”, frase che la smemorata Dory dice a Marlin nel momento in cui la sta abbandonando, è probabilmente una delle dichiarazioni d’amore più delicate e totali che il cinema abbia mai mostrato.

Difficile, ancora una volta, dire che Alla ricerca di Nemo è un film per bambini, potrebbe apparire riduttivo, oppure, al contrario, potrebbe invece mostrare che la semplicità, l’immediatezza e la sincerità di alcuni sentimenti possono essere raccontati solo attraverso il linguaggio dell’infanzia.

Il film ha ricevuto l’Oscar come miglior film d’animazione.

La recensione del film d’animazione Monsters & Co della Disney Pixar diretto da Peter Docter, David Silverman, Lee Unkrich. Anno: 2001 Regia: Peter Docter, David Silverman, Lee Unkrich. Con le voci di: John Goodman (James P. “Sulley” Sullivan); Billy Christal (Mike Wazowski); Mary Gibbs (Boo); Steve Buscemi (randall Boggs).

Sinossi: Alla Monster, ink si raccolgono grida di bambini per fornire energia pulita a tutti gli abitanti di Mostropoli. I bambini non si spaventano più come un tempo e l’industria minaccia di chiudere, fino a che una bambina entrerà attraverso il suo armadio nella città dei Mostri, scatenando il panico e insospettate conseguenze.

Monsters & Co è divertente e commovente

Analisi: Film della ditta Disney e Pixar del 2001, Monsters & Co è divertente e commovente anche per i più duri. Nucleo della storia è il rapporto tra la piccola fuggiasca Boo e il mostro spaventa-bambini Sulley che dalla paura passa all’affetto attraverso una serie di gag da slapstyc che prendono il posto di una narrazione più classica e convenzionale. Il film parte subito, e prosegue in questo fiume di situazioni comiche fino alla fine, con apice nella scena dell’inseguimento tra le ‘porte scorrevoli’.

Il tema energetico, vagamente (ma non troppo) ambientalista risulta un buon pretesto narrativo che permette lo sviluppo di personaggi e situazioni interessanti, su tutti il cattivissimo Randall, grosso lucertolone disgustoso e camaleontico che esprime nelle sue doti corporee la sua ambiguità, o la bisbetica Roz dalle sembianze di lumaca e l’aspetto da segretaria arcigna.

Una divertentissima e scanzonata storia di amicizia un po’ particolare

Monsters & Co scorre veloce, il ritmo è incalzante e la storia, come ogni Disney che si rispetti, è a lieto fine, senza grossi scossoni. Divertentissima la scena ambientata in Nepal con l’Abominevole Uomo delle Nevi in cerca di compagnia. Monsters & Co candidato a tre premi Oscar, si è aggiudicato la statuetta per la Migliore Canzone “If I Didn’t Have You”. Curiosità: la Pixar non manca di auto citarsi, con la presenza di Jesse (Toy Story 2) e di Nemo (Alla Ricerca di Nemo) tra i giocattoli della piccola Boo.

La recensione di Shrek la trilogia diretta da Andrew Adamson & Vicky Jenso, Conrad Vernon, Raman Hui e Chris Miller.

Sinossi: La quiete di un orco di nome Shrek viene sconvolta dall’invasione della sua palude di numerosi personaggi delle fiabe sfrattati dal perfido Lord Farquaad. In cambio della sua palude, Shrek promette a Lord Farquaad di salvare la sua promessa sposa, la principessa Fiona, prigioniera in un castello, tana di un terribile drago. A dargli manforte nella missione è Ciuchino, un asino parlante, loquace tanto da farsi odiare da tutti, ma tanto da far innamorare di sé la draghessa carceraria.

Quando i nostri eroi riescono finalmente a salvare la ragazza e portarla al loro Signore, l’amore fa breccia nel cuore del mostro e anche la bella di lui s’innamora. Il finale non risulta per niente in linea con le classiche fiabe, poiché la bella in brutta si trasforma, “e vissero per sempre mostri e contenti”. Dal primo capitolo si passa ai successivi nei quali Shrek deve fare i conti prima con i suoceri e con un’ostinata Fata Madrina, poi, nel terzo capitolo, imparare addirittura a diventare papà e ad accettare la sua vita casalinga.

Shrek: La Trilogia

Analisi: Shrek è una saga cinematografica d’animazione prodotta dalla Dreamworks Animation basata sul libro Shrek! di William Steig.

Shrek, prodotto e distribuito da DreamWorks si pone come alternativa ai classici Disney, riprendendoli e dissacrandone i principi di kalòs kaì agatòs ai quali i bambini di tutti i tempi sono stati abituati. Questa volta infatti i buoni non sono né belli né gradevoli, essendo capitanati appunto da Shrek, un orco verde e scontroso senza alcun ritegno e senza buone maniere. All’orco (questa volta non cattivo) si affiancano dal primo film Ciuchino, petulante ed irritante quanto divertentissimo asinello, e Fiona, principessa maledetta da un sortilegio che si sciogli nel meno favoloso dei modi: destinata ad avere ‘la forma dell’amore’, scoprirà, alla fine del primo capitolo, che la sua ‘forma’ è quella di orchessa grossa e sgraziata, e non quella di snella principessa delle favole.

Shrek 2 invece vede i due orchi alle prese con la famiglia di lei, immaginate un po’ che sorpresa per due sovrani perfetti vedere la propria figlia sposata ad un orco! E se di morale si può parlare, nel secondo film questa è sicuramente quella di essere fedeli a se stessi, qualunque sia la propria apparenza, purché si stia dalla parte del bene. Infondo, oltre a dissacrare la tradizione, Shrek non si spinge più tanto oltre dopo il finale a sorpresa del primo film, facendo trionfare ugualmente l’amore tra i due protagonisti.

Come è quasi ‘classico’ i cattivi sono sicuramente i personaggi più interessanti, a partire dal ‘normale’ Lord Farquaard, al bel Azzurro (Principe) e a sua madre, infida e spietata Fata Madrina.

New Entry notevole nel secondo capitolo è Gatto con gli Stivali, divertentissima versione animata del famoso personaggi delle favole che intenerisce e diverte allo stesso tempo. A lui sarà dedicato uno spin-off che racconterà probabilmente le sue avventure prima di conoscere Shrek. Ma non soo, numerosissimi i personaggi delle favole, sia trai buoni che trai cattivi: i tre porcellini, il lupo di Cappuccetto rosso, Pinocchio Robin Hood, Peter Pan e tanti altri che hanno anche solo una piccola particina o sono una comparsa…

Come tutte le saghe di successo però si tende, qualche volta, a strafare, così anche per il nostro amico verde il terzo capitolo, pur non rappresentando una delusione economica, è sicuramente un fiasco dal punto di vista della qualità. Sparati tutti i colpi brillanti, la storia si affolla di personaggi in esubero, dagli alberi parlanti, alle Principesse scatenate, fino ai piccoli e chiassosi pargoletti verdi e al piccolo Re Artù che va nientemeno che al college. Troppe idee per un solo film e troppi personaggi per una storia che, come ha dimostrato il primo capitolo, si fa molto meglio con meno, data la qualità dell’idea iniziale. Da un punto di vista tecnico, il valore del film aumenta con il procedere degli episodi, e l’animazione diventa sempre migliore, soprattutto nei dettagli, come il pelo di Ciuchino e le espressioni dei personaggi.

Shrek è stato il primo film d’animazione a vincere l’Oscar in questa categoria per il 2002, anno in cui è stato istituito il premio.
Curiosità: Il film si basa sulla parodia di numerosi classici Disney, mentre il volto del cattivo Lord Farquaad assomiglia a quella dell’amministratore delegato della Walt Disney Company Michael Eisner, che licenziò Jeffrey Katzenberg, uno dei tre fondatori e amministratore delegato della DreamWorks, dall’azienda di Topolino nel 1994.

Il grande successo ottenuto nel 2001 dal film ha lanciato la DreamWorks come la prima rivale della Disney (in particolare della Pixar, ad essa legata) nel campo dell’animazione, in particolare in quello dell’animazione al computer.

La colonna sonora del film include pezzi degli Smash Mouth, Eels, The Proclaimers, Jason Wade e Rufus Wainwright.  All’inizio del film, nella scena in cui si celebrano le nozze tra Shrek e Fiona, si vede un fabbro che forgia la Fede Nuziale, questa scena è un chiaro riferimento alla Trilogia Il Signore degli Anelli. La scritta “Far far away” (cioè “Molto molto lontano”) sulla collina antistante al palazzo richiama Hollywood.

La Fata Madrina, durante il primo dialogo con il re, fa fermare la carrozza per prendere del cibo ad un fast-food simile al McDrive
Nella scena in cui la fata madrina canta insieme a Fiona nel castello reale si nota chiaramente in uno specchio, l’immagine di Carlo di Inghilterra.

All’inizio del film, durante la rappresentazione del Principe Azzurro, il rumore dello zoccolio del cavallo al galoppo viene simulato dallo sbattere tra loro di due metà di noce di cocco, chiara citazione del film dei Monty Python: Monty Python e il Sacro Graal.

La scena in cui Shrek e Fiona vengono “tirati a lucido” ricorda il film dei fratelli Farrelly Scemo e più scemo (il taglio delle unghie di Shrek). Mago Merlino appare a Shrek sotto forma di ologramma esattamente come il “profeta” che risponde alle domande del piccolo bambino-robot nel film A.I. – Intelligenza Artificiale di Steven Spielberg, interpretato da Jude Law e Haley Joel Osment.

Nel 2009 è entrato in cantiere la produzione di un capitolo numero 4, anche se la DreamWorks non ne ha ancora annunciato l’uscita.