In occasione delle votazioni per le
nomination relative agli Oscar 2014, la IFC Films
ha diffuso un red band trailer esclusivo de La vita di
Adele, il vincitore della Palma d’Oro a Cannes 2013.
Il trailer è incentrato in maniera particolare sulla protagonista
Adèle Exarchopoulos, con la speranza di aumentare
una sua possibile candidatura nella categoria “Migliore Attrice
Protagonista”. Eccolo di seguito.
La pellicola
di Abdellatif Kechiche racconta la storia
d’amore di due donne interpretate dalle rivelazioni Léa
Seydoux e
AdèleExarchopoulos. E’
uscita in Italia lo scorso 24 Ottobre.
PER LEGGERE LA NOSTRA
RECENSIONE DE LA VITA DI ADELE CLICCATE QUI.
Trama: A 15 anni, Adele ha due
certezze: è una ragazza, e una ragazza di solito esce con i
ragazzi. Il giorno in cui intravede il blu dei capelli di Emma,
sente che la sua vita sta per cambiare. Sola con i suoi dilemmi
adolescenziali, cambia l’idea che ha di se stessa e sente
trasformarsi il modo in cui gli altri la guardano.
Con certi mostri sacri ci vorrebbe
un bel bignami, tipo: Philip Anthony Hopkins, ‘Sir’ dal ‘93,
nasce in Galles nel 1937 da genitori panettieri e da piccolo mostra
i segni di una leggera dislessia, ma compensa con una discreta
padronanza del pianoforte. Nel 2000 ottiene la cittadinanza
americana (con sommo disappunto dei suoi connazionali), e da
qualche anno vive stabilmente a Los Angeles. 3 mogli e una
figlia all’attivo, di mestiere fa l’attore famoso. Famosissimo.
Ma come si fa a rinchiudere in un
paragrafetto la biografia di uno che dopo gli studi alla Royal
Academy of Dramatic Arts e la gavetta di rito, nel 1965 entra al
celeberrimo National Theatre diretto niente meno che da Sir
Laurence Olivier? Che poi, quando il grande istrione sarà
colpito da un attacco di appendicite acuta, è proprio Anthony che
lo sostituisce in Danza di morte di
Strindberg. Come si dice, non tutti mali vengono per
nuocere. O era ‘mors tua vita mea’? Vabbè, comunque, dopo tanto
teatro, il debutto cinematografico arriva nel ‘67 con Il
leone d’inverno, al fianco di Peter O’Toole e
Katharine Hepburn. L’enorme successo del film non può che
giovare all’attore in ascesa, che d’ora in poi si dedicherà sia al
piccolo che al grande schermo, senza però mai abbandonare il
palcoscenico.
Tanto che lo chiamano anche a
Broadway e, dalla seconda metà degli anni Settanta, Anthony
comincerà a divedersi tra la madre patria e gli U.S.A., tra
Attenborough (Quell’ultimo ponte) e
Lynch (The Elephant Man). Proprio in una
produzione americana ottiene il ruolo della vita, prestando il
volto (e la mandibola) allo psichiatra cannibale Hannibal
Lecter ne Il silenzio degli innocenti (1991).
Niente male per un vegetariano dichiarato: si merita senz’altro
l’Oscar come miglior protagonista. Se il riconoscimento non desta
certo sorpresa, è comunque un record per l’Academy aver premiato
l’interpretazione di Hopkins che – per quanto assolutamente
incisiva – occupa poco più di 16 minuti di pellicola,
pari a un 14% scarso dell’intero film. Peccato che le
successive apparizioni di Hannibal the Cannibal/Hopkins
(Hannibal e Red Dragon) non siano
all’altezza dell’exploit, ma Sir Anthony ha altro a cui pensare. I
progetti a venire sono – manco a dirlo – numerosi ed eterogenei,
anche se, scorrendo i titoli del suo curriculum, si nota una certa
predisposizione per gli adattamenti letterari/le saghe familiari
(vedi Casa Howard, Quel che resta del
giorno, Vento di passioni, Vi presento
Joe Black), con una predilezione per registi come
Ivory (4 film insieme) e per il compagno di
cavalleriaSir Attenborough (5 collaborazioni).
Non mancano nemmeno i drammi
storici come Amistad, Titus e
Alexander, né le incursioni nel fantastico che, a
partire da Dracula di Bram Stoker nel ’92, si
ripropongono di quando in quando nella sua filmografia (La
leggenda di Beowulf, Wolfman, i due
Thor). E sebbene Hopkins faccia capolino anche in
pellicole meramente commerciali come Spice Girls: Il
film e La maschera di Zorro, la sua
reputazione certo non ne risente, visto che è lui il prescelto per
interpretare l’icona nazionale Hitchcok nell’omonimo biopic
del 2012. Ora, mentre lo aspettiamo nel biblico Noah
di Aronofsky, diamo inizio ai festeggiamenti. Forse lui
preferirebbe un bel piatto di fave e un buon Chianti, ma noi siamo
tradizionalisti e restiamo fedeli alla torta e allo spumante. HAPPY
BIRTHDAY SIR HOPKINS!
Continua la terrificante campagna
promozionale per Paranormal Activity The Marked
Ones: sul web arriva, dopo il trailer ufficiale e
l’inquietante pubblicità virale, una nuova clip tratta dal film.
Gli ingredienti del franchise sono ancora e sempre gli stessi.
Traballanti inquadrature e telecamere a mano per coinvolgere gli
spettatori in prima persona nell’orrore, annidato tra le
rassicuranti mura casalinghe.
Paranormal Activity The Marked
Ones arriverà al cinema negli Stati Uniti il
3 Gennaio 2014.
Vi ricordiamo che Paranormal
Activity: The Marked Ones è stato scritto e diretto da
Christopher Landon, alla sua seconda prova dietro
la macchina da presa, e vede nel cast
Richard Cabral, Carlos Pratts, Eddie J. Fernandez, Jorge
Diaz, David Fernandez Jr., Kimberly Ables Jindra, Tonja
Kahlens e Frank Salinas.
I Marvel Studios hanno
diffuso online un nuovo video promozionale di The
Amazing Spider Man 2. Questa notte, a Times Square
(New York), a dare il benvenuto al 2014 ci sarà anche l’uomo
ragno, e per l’occasione la Sony presenterà una nuova clip
esclusiva tratta dal film. In attesa dell’evento, il video arrivato
online grazie alla Marvel presenta il nostro eroe in cima
all’enorme sfera di Times Square, simbolo del nuovo anno. Eccolo di
seguito.
Abbiamo sempre saputo che la
battaglia più importante di Spider-Man è quella che combatte dentro
di sé: la lotta tra gli impegni quotidiani di Peter Parker, e
le straordinarie responsabilità di Spider-Man. Ma in The
Amazing Spider-Man 2: Il Potere di Electro, Peter Parker si
ritrova a dover affrontare un conflitto molto più
grande.
E’ bello essere Spider-Man
(Andrew Garfield). Per Peter Parker, non c’è niente di più
emozionante che oscillare tra i grattacieli, sapere di essere un
eroe, e passare del tempo con Gwen (Emma Stone). Ma
essere Spider-Man però ha un prezzo: solo Spider-Man può
proteggere il suo concittadini newyorchesi dai malvagi che
minacciano la città. Con la comparsa di Electro (Jamie
Foxx), Peter deve affrontare un nemico molto più potente di lui. E
con il ritorno del suo vecchio amico Harry Osborn (Dane
DeHaan), Peter si rende conto che tutti i suoi avversarsi hanno una
cosa in comune: la OsCorp.
Ecco Andy Serkis,
pioniere della mocap, alle prese con le riprese de Il
Pianeta delle Scimmie Revolution, in cui riprende il
ruolo del gorilla Cesare. Ecco l’attore sul set:
Questa la trama del film
Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie: La
crescente nazione delle scimmie guidata da Caesar è minacciata da
una banda di umani sopravvissuti al devastante virus diffuso dieci
anni prima. Raggiunta una fragile pace, essa sarà molto breve, ed
entrambe le parti si troveranno sull’orlo di una guerra che
deciderà quale sarà la specie dominante sulla Terra.
Andy Serkis ritorna nel ruolo di Caesar. Faranno parte
del cast di
Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie anche
Jason Clarke (Zero Dark
Thirty, Public Enemies, The Great
Gatsby),
Gary Oldman (The Dark Knight
Rises, The Harry Potter film series),
Keri Russell (The
Americans, Mission Impossible III), Toby
Kebbell (The Prince of Persia, Wrath of the
Titans, Rock N Rolla), Kodi
Smit-McPhee (Let Me
In, ParaNorman), Enrique
Murciano (Traffic, Black Hawk
Down), Kirk Acevedo (The Thin Red Line)
e Judy Greer (The
Descendants, Three Kings, 13 Going on
30).
Apes Revolution – Il pianeta delle scimmie arriverà al
cinema in Italia il 30 Luglio.
Dopo aver dedicato una copertina all’eroe patriottico
per eccellenza, Empire on line pubblica quatro nuove immagini di
Captain America: The Winter Soldier. Nelle
immagini vediamo tutti, o quasi, i personaggi fondamentale di
questa seconda avventura in solitaria di Steve Rogers: ci sono Nick
Fury e Alexander Pierce, Natasha Romanoff e Steve stesso e infine,
il Soldato d’Inverno.
La storia si legerà alla fine di
The Avengers, continuando a seguire il Captain America impegnato
con Nick Fury e la S.H.I.E.L.D e alle prese con la modernità. Al
momento l’uscita del film è prevista per il 4 aprile del 2014. Vi
ricordiamo che tutte le news sul film sono reperibili nel nostro
speciale: Captain America: il soldato
d’inverno. Tutte le info utili nella nostra scheda:
Captain America: The Winter
Soldier.
Incassi in crescita al box office
italiano nell’ultimo weekend del 2013, con Frozen che
rimane in testa, seguito dai film italiani natalizi.
Il weekend post-natalizio è il
periodo più florido dell’anno per il botteghino italiano, quando
anche gli italiani che non frequentano abitualmente le sale optano
per un film al cinema. Così il box office beneficia di un aumento
degli incassi e del numero di spettatori paganti, a vantaggio
soprattutto delle pellicole che si scontrano per trionfare come
incasso maggiore delle feste.
Per la seconda settimana
consecutiva, Frozen – Il Regno di Ghiaccio rimane in
testa alla classifica incassando ben 6,1 milioni di euro negli
ultimi quattro giorni con una media impressionante di oltre
novemila euro per sala. Il cartoon Disney è la vera sorpresa delle
feste, in grado di superare già il totale di 10,3 milioni.
Impennata anche per Colpi di
fortuna, che sale in seconda posizione con 4,2 milioni
incassati alla seconda settimana, giungendo a quota 8,4
milioni.
Le due pellicole italiane
direttamente concorrenti al film di Neri Parenti ottengono un
incremento analogo: Indovina chi viene a Natale?
raccoglie 3,2 milioni e arriva a 5,7 milioni complessivi, mentre
Un fantastico via vai giunge a 7,1 milioni totali con
i 2.667.000 euro incassati alla sua terza settimana di
programmazione.
Lo Hobbit: La Desolazione di
Smaug scende al quinto posto con altri 2.644.000 euro, per
un totale di 10,6 milioni ottenuti anche grazie al 3D.
I sogni segreti di Walter
Mitty rimane stabile in sesta posizione, arrivando a 3,5
milioni totali con 1,9 milioni raccolti negli ultimi quattro
giorni.
Philomena conferma il
settimo posto incassando 1,6 milioni alla sua seconda settimana di
sfruttamento. Giunta a 2,5 milioni complessivi, la pellicola con
Judi Dench ha ottenuto in questo weekend una media straordinaria di
7500 euro per sala.
L’unica new entry a entrare nella
top10 è Piovono Polpette 2, che si piazza in ottava
posizione con 1,3 milioni incassati in quasi 450 copie.
Chiudono la top10 Blue
Jasmine (426.000 euro) e La mafia uccide solo
d’estate (315.000 euro), giunti rispettivamente a 3,4
milioni e 3,3 milioni.
Anche per la settimana
di Natale, cambiano poche cose in vetta al box office nordamericano
di questa settimana, dove domina ancora una volta Lo Hobbit:
the desolation of Smaug, che incassa quasi 30 milioni di
dollari, arrivando ad un totale di 190. Segue in seconda posizione
Frozen adatto al periodo festivo, che incassa 28
milioni di dollari portando il suo totale a 248. Segue in terza
posizione Anchorman 2, che incassa 20 milioni di
dollari per un totale di 84, mentre il quarto posto è occupato da
American Hustle, con ben 60 milioni di dollari
raccimolati nella prima settimana di uscita. Segue in quinta
posizione un altro film molto atteso: The Wolf of Wall
Street, di nuovo Leonardo Di Caprio con
Martin Scorsese e con Jonah Hill
come supporto. Il film incassa 34 milioni di dollari. Il
sesto posto è occupato da una storia scritta per ricordare quanto
bisogna fare e insistere per portare a compimento le proprie idee:
Saving Mr Banks narra dell’incontro/scontro di Walt
Disney, qui impersonato da Tom Hanks con l’autrice
di Mary Poppins. Il film è stato realizzato per il cinquantenario
dell’uscita del classico film della Disney. La pellicola, fuori in
sala da 3 settimane, ha incassato 14 milioni di dollari questa
settimana per un totale di 38. Il settimo posto è occupato da
The secret life of Walter Mitty, remake di un film
del 1947 con Danny Kaye, interpretato e diretto da
Ben Stiller. Il film incassa 25 milioni di dollari. In ottava
posizione scende lentamente Hunger games: catching fire, con
un incasso settimanale di 10 milioni di dollari per un totale di
391. Il nono posto è invece occupato da un altro remake o comunque
una nuova edizione di una storia classica giapponese: 47
Ronin, che incassa 10 milioni di dollari questa settimana,
per un totale di 20. Chiude la classifica a Madea
Christmas, giunto alla terza settimana di classifica con
un incasso di 7 milioni questa settimana per un totale di quasi
44.
La prossima settimana uscirà
La migliore offerta e una nuova sperimentazione di
James Franco: Interior. Leather Bar.
Dopo un anno pieno di cinema e di
super poteri, il 2014 si preannuncia altrettanto ricco di uomini
volanti e geneticamente modificati, ma anche di lucertoloni, uomini
d’azione, mutanti, robot giganti e uomini meccanici. Stiamo
ovviamente parlando dei titoli più attesi di quest’anno che sta per
cominciare, un anno che vedrà nel film della Fase 2 Marvel i suoi momenti più caldi.
Dopo Thor the Dark World e
Iron Man 3, che hanno
riportato i Marvel Studio al cinema dopo il primo riepilogo
(costituito naturalmente da The
Avengers), arriverà in questo 2014
Captain America The Winter Soldier. Qui
infatti ritroveremo Steve Rogers/Capitan America/Chris Evans alle prese con il Soldato
d’Inverno, insieme a Natasha Romanoff/Vedova Nera/Scarlett Johansson. Insieme a Cap
arriverà anche i Guardiani della
Galassia, verso la fine del 2014 però, film di cui
abbiamo avuto un assaggio dopo i titoli di coda di Thor
the Dark World e che ci porterà in un mondo
sconosciuto con tanti personaggi inediti per il grande schermo.
Ma con i supereroi non abbiamo
finito qui, perchè dalla Sony e dalla Fox si scalpita: il 2014 sarà
anche l’anno del secondo adattamento di dedicato a l’uomo ragno
firmato Marc Webb, The Amazing
Spider-Man 2 Il potere di Electro, e del ritorno di
Bryan Singer che avrà di nuovo (finalmente) a che
fare con i mutanti, in X-Men Days of Future
Past. Entrambi i film, attesissimi dal pubblico,
portano sullo schermo personaggi della Marvel i cui diritti di
sfruttamento cinematografico rimangono però in mano ad altre case
di produzione.
Dai fumetti in senso stretto
passiamo alle graphic novel e vi ricordiamo che il 2014 è anche
l’anno del ritorno di Sin City, nel
secondo film basato sull’opera di Frank Miller:
A Dame to Kill for, e di
300, che riporta la storia greca riveduta
e corretta al cinema, con 300 l’Alba di un
Impero. Rimaniamo sempre nell’ambito delle opere
cinematografiche tratte dalla carta e accenniamo a
Capitan Harlock 3D, che uscirà il primo
gennaio per inaugurare l’anno all’insegna del cinema per nerd
nostalgici. E proprio di nostalgia si può parlare citando due
attesi remake che vedranno la loro uscita nei prossimi 12 mesi; si
tratta di RoboCop e
Godzilla, entrambi film cult di
generazioni passate che ritornano in nuove vesti per cercare di
stregare anche i nuovi spettatori.
Nell’ambito dei blockbuster non si
può non citare Transformers Age of
Extinction, quarto film che ha per protagonisti i
robottoni trasformabili della Hasbro e, tra 12 mesi o poco meno, il
terzo e conclusivo caitolo de Lo Hobbit: Racconto di un
Ritorno, che completerà (?) i viaggi di Peter
Jackson nella Terra di Mezzo. In questa categoria
inseriamo anche The Lego Movie, un film
che promette di essere una vera e propria esperienza esilarante,
come non se ne sono mai viste in precedenza.
Ma il 2014 non è solo l’anno dei
blockbuster, e in attesa di annunci e nuovi titoli per cui varrà
sicuramente la pena di andare al cinema, vi citiamo altri tre film
che hanno catturato la nostra fantasia e che sono molto attesi dai
fan: American Hustle, di David O.
Russell, che uscirà proprio il giorno di Capodanno;
The Counselor – il procuratore, che segna
il ritorno di Ridley Scott al cinema con un cast di
attori da sogno; e A proposito di Davis,
dei fratelli Coen, altro film già visto all’estero
che non vediamo l’ora di accogliere nei nostri cinema.
Questo 2014 si preannuncia un anno
non particolarmente interessante, con le dovute eccezioni, e con un
sacco di riproposizioni e di remake e sequel, un anno rassicurante
per certi versi, che ci inviterà al cinema usando come esca il
nostro affetto verso storie e personaggi che già conosciamo. Sarà
un’esca abbastanza appetitosa?
Ecco la prima foto ufficiale di
Exodus, prossimo progetto colossale di
Ridley Scott che vedrà protagonista
Christian Bale (nella foto) negli
inediti panni di Mosè. In piena tradizione hollywoodiana infatti,
mentre il regista Darren Aronofsky si sta
dedicando alle rifiniture del suo film su Noè (Russel
Crowe) e sull’episodio biblico del Diluvio Universale,
Scott si dedica a colui che nella tradizione ebraica ha restituito
la libertà al popolo eletto dalla schiavitù d’Egitto.
Vediamo di seguito la foto del film che raffigura Bale/Mosè
durante la costruzione di un edificio faraonico:
Come da tradizione, quando il
faraone ordina di uccidere ogni primo nato del popolo ebraico, la
madre di Mosè lo affida alle acque del Nilo, al sicuro in una
cesta. Qui il bimbo viene ritrovato dalla figlia del Faraone che lo
alleva come suo insieme al figlio stesso del Faraone, quello che
diventerà Rhamses II. Cresciuti i due sono amici, ma la scoperta da
parte di Mosè delle sue vere origini farà cambiare completamente i
loro rapporti e il loro futuro. La storia, celebre nella Bibbia, è
stata portata sul grande schermo con immenso successo nel 1956 da
Cecil B. De Mille, I Dieci
Comandamenti, con protagonista Charlton
Heston nei panni di Mosè.
Exodus diretto da Ridley Scott
su sceneggiatura di Bill Collage, Adam Cooper e
Steven Zaillian vede nel cast Christian
Bale, Ben Kingsley, Joel
Edgerton, John Turturro, Sigourney Weaver, Indira
Varma e Aaron Paul. Il film uscirà il 5
dicembre del 2014 nel Regno Unito.
Erano i primi anni ’90 quando
Lars Von Trier, Thomas Vinterberg e un’altra manciata
di registi danesi formularono le basi per la famosa scuola Dogma
95: cinema verità, ad ogni costo, cercando assolutamente di
eliminare dalle pellicole ogni scena superflua tipo quelle di
violenza estetizzanti, e per questo, la damnatio memoriae dei
generi.
Questa sembrava la tendenza
dominante del cinema scandinavo, un cinema da sempre attento alla
psicologia dei suoi personaggi e al peso delle parole, ma
soprattutto dei silenzi, dei “non detti” carichi di significato,
dai tempi di Sjostrom passando per il maestro
Bergman. Poi, tutto cambiò improvvisamente.
A portare una vera e propria
rivoluzione cinefila (e cinematografica) fu un allora ventenne
cresciuto tra l’Europa e l’America, New York precisamente: un
figlio del mondo pronto a riscrivere le regole del genere (e dei
generi) con la sua visione estetizzante, feticistica, quasi
pornografica della violenza e delle immagini.
Stiamo parlando di Nicolas
Winding Refn, classe 1970, vero e proprio enfant prodige che
nel 1996 scrive e dirige il suo primo film facendo breccia nel
mondo della celluloide: Pusher è la storia (scandita
in base ai giorni della settimana) della “tranquilla” routine di un
piccolo spacciatore di Copenaghen, Frank, che crede di potersi
arricchire facilmente ed in poco tempo comprando dell’eroina dal
terribile trafficante serbo Milo.
Film cupo, al limite del realismo
(ben lontano quindi dalla violenza estetizzante e coreografica di
Drive e Solo Dio Perdona Only God
Forgives) Refn racconta con sguardo fisso e sadico uno
spaccato di vita borderline mostrando un interesse non trascurabile
per le cronache del “sottobosco” danese e per i personaggi che si
muovono al suo interno, piccoli spacciatori, poliziotti, pericolosi
boss, prostitute e debitori, un grande circo pulp dove la forza sta
proprio nell’impatto visivo, nella capacità di raccontare una
storia con economia di mezzi ma regalando un grande impatto
visivo.
Alcune sequenze, poi, sono un
saggio di cinema: la scena della tortura di un debitore dello
spacciatore (ripreso tutto con la camera a mano in un lungo piano
sequenza intriso di luci ed ombre espressionistiche) hanno mostrato
la qualità registica- e il talento- di questo giovanissimo
cineasta.
La sua seconda regia arriva a
distanza di pochi anni, nel 1999, quando dirige
Bleeder, cronaca di due tristi storie d’amore legate
tra loro da esili fili narrativi. Si raccontano, infatti, le
vicende di due coppie: Louise e Leo, dove entrambi sono
insoddisfatti delle proprie vite ma la scoperta di aspettare un
figlio getta lui nel caos spingendolo fino alla violenza cieca e
incorrendo nell’inevitabile vendetta del fratello della moglie;
l’altra, invece, è la coppia costituita dal commesso di una
videoteca, Lenny, timidissimo ed introverso, e dalla cameriera Lea.
Il personaggio di Lenny rappresenta un omaggio cinefilo di
Nicolas Winding Refn al cinema in generale ma, soprattutto,
al cinema che ama, consacrandolo grazie ad una lunga sequenza tra
le file degli scaffali ingombri di dvd; un sentito omaggio meta
cinematografico al credo di una vita, alle fonti- e ai maestri- che
hanno spinto Refn a seguire questa strada. Se in
Pusher era la vita dei bassifondi di Copenaghen ad
essere raccontata, qui sono storie “di ordinaria follia” ambientate
in una periferia degradata, dove la violenza e la tenerezza sono
strettamente connesse tra loro, dove l’amore e la morte (Eros e
Thanatos) sono due facce della stessa medaglia.
Il primo approccio di “conquista”
del mercato americano da parte di Refn risale al 2003, quando firma
la regia del surreale Fear X: “surreale” nel senso
propriamente “surrealista” del termine, poiché confeziona una
pellicola dal gusto lynchiano sospesa tra luoghi e non luoghi,
situazioni oniriche e dinamiche che inscenano il processo paranoico
critico tipico del sogno.
Harry (interpretato da un
magistrale John Turturro) è il guardiano di un centro
commerciale ossessionato dalla morte tragica della moglie. Vittima
dei suoi rimorsi, continua a visionare incessantemente le
registrazioni di sorveglianza del negozio dove è stata uccisa alla
continua ricerca del suo assassino. E proprio questo desiderio di
vendetta lo condurrà in un viaggio spaventoso e terrificante al
confine della realtà.
Refn mette in scena tutto il suo
“onirismo” visivo, la maestria tecnica, la perizia fotografica
confezionando un prodotto pregevole che rielabora temi e atmosfere
tipiche dei film di Lynch senza cadere però nella copia conferme,
nella sbiadita imitazione dell’originale. Il cineasta danese riesce
a “dare corpo” alle ombre inquietanti del suo protagonista, ma il
pubblico non lo premia comunque: il film è un flop al botteghino e,
per risollevare la sua “drammatica” situazione finanziaria, accetta
di girare un episodio della serie tv inglese incentrata
sull’improvvisata detective Miss Marple.
Solo otto anni dopo l’uscita del
primo elemento di una futura trilogia, quindi nel 2004, Refn
aggiunge finalmente un altro tassello a questo ambizioso progetto:
Pusher II- Sangue sulle mie mani si concentra
stavolta su un altro personaggio comprimario del primo film,
l’inquietante Tonny (interpretato da uno straordinario Mads
Mikkelsen, vero feticcio nelle mani di Refn) il quale, uscito
di prigione, ritorna prepotentemente alla propria vita, ma non è
così semplice: nessuno lo rispetta ed è oggetto di scherno da parte
di tutti, dai suoi scagnozzi a suo padre (pericoloso boss di
Copenaghen con il quale ha contratto un ingente debito) fino alla
scoperta spiazzante di una paternità inaspettata e casuale grazie
ad una prostituta.
Questo seguito, realizzato con
fondi economici più sostanziosi rispetto al primo capitolo, va
oltre le classificazioni strette e categoriche del “film di
genere”: oltre il gangster movie, in realtà mette in scena
dinamiche drammatiche, problemi esistenziali e dilemmi etici sullo
sfondo di un mondo lurido, sordido e lercio come quello della
Copenaghen dei bassifondi malavitosi, una sorta di “girone
dantesco” dove i protagonisti si agitano simili ad anime dannate
senza tregua né speranza. Per realizzare quest’opera Refn attinge a
tutto il suo universo cinefilo, quello che ha sempre amato,
rielaborandolo personalmente alla luce di una sua personale poetica
delle emozioni.
Finalmente dobbiamo arrivare al
2005 per vedere completata la trilogia di Pusher:
con il terzo capitolo, intitolato L’angelo
della morte, Refn concentra il suo occhio indagatore sul
temibile personaggio del boss serbo Milo, regalandoci un film
intriso di violenza, malessere e angoscia: una definitiva discesa
negli inferi, fino al girone più in basso piuttosto che una
redenzione, dove il malessere psicologico della vita familiare del
boss (la festa della figlia) si riflette nella furia iraconda della
sua logica criminale (il conflitto con le altre gang nascenti).
Nell’universo creato da Refn e dominato da “l’etica dei ladri” non
valgono più logiche di vittima e carnefice: tutti sono colpevoli,
nessuno è innocente. La violenza domina e regola un mondo a sua
volta amministrato da leggi arcaiche e recondite, un universo
infernale e dantesco che scandaglia, sempre più a fondo, le ombre e
i drammi chiaroscurali dell’animo umano.
La trilogia di Pusher
getta uno sguardo decisamente post-moderno, innovativo, sul genere
lontano dal sarcasmo e dall’ironia nera delle opere pulp
tarantiniane rispolverando, anzi, una tradizione ben più antica che
vede in William Shakespeare u illustre predecessore, con le
sue storie “nere” a base di drammi umani, psicologici e storici
capaci, però, di sorprendere con inaspettati quanto necessari
picchi di inevitabile violenza visiva.
Dopo la prima trilogia,
dal sapore shakespeariano, legata a temi quali la famiglia, la
paternità, il potere, l’ascesa e la caduta, Nicolas Winding
Refn si prepara ad affrontare alle soglie del 2009 una nuova
impresa, stavolta concentrandosi su una nuova figura in
particolare, eredità di un universo cinefilo più vicino al western
ma anche al noir: l’eroe taciturno, schivo, dalla morale ambigua,
un personaggio solitario simile ai tanti incarnati da Clint
Eastwood nella “trilogia del dollaro” firmata Leone:
protagonisti laconici costretti dagli eventi ad agire per cambiare
i loro destini, mentre su di loro aleggia un clima di morte e
vendetta.
Ma prima di calarsi in questa nuova
avventura, Refn realizza una piccola perla che è
Bronson (2008) un presunto biopic sul criminale
inglese Michael Peterson, detto Charles Bronson per
gli “amici”, il più celebre detenuto inglese della storia
condannato prima a sette anni per rapina, divenuti in seguito
trentaquattro di cui trenta scontati in isolamento, fino alla
condanna definitiva all’ergastolo. Un biopic sui generis perché
sfugge ad ogni intento morale o di denuncia: l’interesse di Refn
non è quello di mostrare al mondo le condizioni delle carceri né
tantomeno raccontare la storia- con rassicurante morale- di un uomo
che si è perso lungo la via della perdizione: Bronson è un attore,
un istrione egocentrico conciato come un clown grottesco, una
maschera inquietante che racconta ad un pubblico incredulo la
propria storia di “ordinaria follia”, attraverso una lucida ironia
e con una parlantina logorroica inarrestabile con la quale ci
trascina nel suo mondo come un attore consumato sul palcoscenico,
dove però stavolta le luci della ribalta sono quelle della prigione
e la violenza l’unica forma possibile di comunicazione e di
scambio.
Nel 2009 Refn mette nuovamente le
mani su un suo progetto ben lontano dal concetto di “film su
commissione” e regala ad una platea di cinefili appassionati
Valhalla Rising-Regno di Sangue, un film criptico ed
oscuro, per molti ancora un’incognita indecifrabile, per alcuni un
puro esempio di “cinefilia autoreferenziale” da parte del regista
danese, sicuramente un’operazione coraggiosa e rischiosa. Refn
accentua il suo linguaggio estetizzante, la violenza trasuda da
ogni inquadratura e le parole si riducono sempre di più lasciando
spazio a teutonici silenzi. Il risultato? Quasi un incontro tra
Bergman ed Herzog (sotto mescalina, come hanno commentato alcuni);
i simbolismi sono innumerevoli e coglierli tutti diventa una sfida;
l’aspetto religioso sembra essere il motivo dominante (come si
deduce anche dai titoli scelti per suddividere la pellicola in
capitoli, à-la-Tarantino): rappresentare lo scontro tra il culto
pagano degli antenati nord europei e il cristianesimo eccessivo e
dogmatico, velato di fanatismo, dei crociati. Il protagonista, One
Eye, eroe muto ma dalle straordinarie facoltà (forse rappresenta
Odino stesso, capo degli Dei da un occhio solo che tutto vede)
scampa a una condizione di schiavitù per imbarcarsi insieme ad un
gruppo di crociati alla ricerca della terra santa. Ma ciò che
troveranno, dopo aver attraversato una sorta di limbo infernale
avvolto nella nebbia aleggiante intorno alle acque dello Stige,
sarà una terra ricoperta da una natura ostile pronta a sopraffarli,
o saranno loro stessi a sopraffarsi da soli perché incapaci di
conservare un rapporto autentico con le radici, con un mondo
primordiale?
La pellicola, anche se complessa e
non riuscita al 100%, getta comunque uno sguardo epico su una
mitologia lontana e arcaica, avvolta da un sapore mitico e da una
paura ancestrale ed indecifrabile.
Nel 2011, alle soglie dei quaranta
anni, riprende il suo lavoro sulla trilogia ideale degli eroi
silenziosi e ci regala il suo capolavoro, un ottimo compromesso
commerciale aurorale con un film “su commissione” che non ha amato
dall’inizio, ma che gli ha donato la fama internazionale e un’ampia
porzione di pubblico: rielaborando insieme allo sceneggiatore
Hossein Amini e ad altri la trama di un romanzo noir di
James Sallis realizza Drive, un film atipico,
un concentrato shakerato della sua poetica estetica e cinefila, un
western metropolitano che riscrive le regole del genere noir ed
attinge a piene mani dall’estetica retrò anni ’80 (soprattutto a
livello musicale, con eccezionali esempi di synth-pop) e dai film
cult di genere anni ’70 come il famoso Drive di
Walter Hill o l’angeriano Scorpion Rising. Il
film ottiene la Palma d’Oro al 64esimo Festival di Cannes per la
miglior regia, con tanto di “benedizione” da parte di Robert –
Taxy Driver – DeNiro e la definitiva consacrazione per
Nicolas Winding Refn dopo una ventennale carriera.
La storia è quella di uno stuntman
part-time, dal passato misterioso e senza nome (interpretato da uno
straordinario Ryan Gosling che riduce al minimo i
movimenti facciali come un perfetto giocatore di poker, regalandoci
una performance e un’ottima prova d’attore) che arrotonda i propri
guadagni lavorando nell’officina del suo mentore Shannon, ex
stuntman ora invalido, e facendo l’autista per colpi, rapine e
furti d’ogni genere. Freddo, controllato e impassibile non vuole
sapere niente: lui guida e basta (come dichiara all’inizio del
film). Ma le cose si complicano quando si innamora della sua vicina
di casa, Irene, giovane madre con un marito in carcere che si
ritrova coinvolto in un brutto giro e Driver, pur di difenderla,
mette a repentaglio tutto sé stesso.
I primi minuti sono un vero e
proprio saggio di cinema: Refn riprende un adrenalinico
inseguimento in auto ma dall’interno dell’auto stessa (cosa mai
fatta prima) creando un climax di tensione e azione mai visti
prima. I titoli di testa flou (in fucsia), la colonna sonora
ricercata ma retrò (la bellissima “Real Hero” e lo score di
Cliff Martinez), l’estetica noir ricercata che immortala una
LA dal sapore lynchiano e un protagonista da antologia che rimane
sempre con lo stesso giubbotto argentato con scorpione dall’inizio
alla fine del film, creano un gioiello della moderna cinematografia
riscrivendo le regole di un genere e creando una nuova mitologia,
con al centro un anti-eroe metropolitano, un “cavaliere elettrico”
romantico ma pronto ad abbandonarsi a repentini quanto
incontenibili scatti d’ira, un personaggio dotato di una morale
ambigua contrassegnata da luci ed ombre (come la scena
dell’ascensore ben esplicita).
Cavalcando l’onda del successo di
Drive (un successo quasi “non voluto” da Refn) il
regista, finalmente balzato agli onori della cronaca, si è potuto
dedicare al suo ultimo progetto, un’idea più in linea con la sua
“poetica visionaria” e cinematografica, un lavoro che apre uno
scenario sulle prossime opere che realizzerà in futuro (tipo un
remake di Barbarella o un adattamento di una serie a
fumetti firmata Moebius- Jodorowski): un film dal carattere
orientaleggiante, un altro western in salsa muai-thai, Solo
Dio Perdona Only God Forgives, un’altra storia dal
carattere epico e incalzante, un’altra discesa negli inferi senza
redenzione ma con un tocco più personale e surreale, cedendo a
quell’iperrealismo violento e visivo degno del miglior Alejandro
Jodorowski (a cui è dedicato il film); anche in questa
pellicola ritroviamo Ryan Gosling litico protagonista
laconico dall’espressione fissa e dallo sguardo perso che si cala
nei panni di Julian, un ragazzo americano trasferitosi a Bangkok
per gestire un losco traffico di stupefacenti che fanno capo alla
terribile madre interpretata da una camaleontica Kristin Scott
Thomas; qui nella città asiatica gestisce un club di thai boxe
insieme al fratello Billy, pervertito ben avviato sulla strada per
l’inferno, che commette un delitto orribile: uccide e sevizia una
prostituta minorenne, scatenando la terribile vendetta del padre, e
proprio in questo contesto entra in scena- forse- il vero
protagonista del film, un poliziotto (interpretato dalla scoperta
thailandese Vithaya Pansringarm) super-partes in grado di
giudicare le colpe di tutti, in grado di perdonare o vendicare… un
terribile Deus-ex Machina che tutto vede e tutto sa.
Nato dopo un periodo di
riflessione esistenziale e di rabbia nei confronti di Dio stesso
(Refn dixit, NdA) il film alterna solito montaggio frammentato e
caotico, le analessi e le prolessi temporali ad una fotografia
mozzafiato quasi esclusivamente notturna (com’era già accaduto in
Drive, del resto) e colonna sonora epica che evoca le
atmosfere degli spaghetti western di Sergio Leone e dialoghi
stringati e lapidari, come se il solito Bergman incontrasse
stavolta John Woo.
La vendetta aleggia sulle teste dei
protagonisti al quale non si può scappare, come una sorta di debito
inestinguibile; a Dio è lasciato il perdono, agli uomini solo la
vendetta che passa attraverso la violenza.
E stranamente, proprio il concetto
di “violenza” attraversa l’opera di Nicolas Winding Refn: si
definisce un “pornografo” perché nei suoi film ama rappresentare
tutto senza sconti, senza censure, non nascondendo un piacere
latente e sadico nell’assistere a scatti di rabbia cieca ben
lontani dalla sua natura nella vita di tutti i giorni; e proprio
per questo si definisce pure un feticista, uno a cui piace vedere
integralmente ciò che in realtà non farebbe mai, traendone
piacere.
E forse è proprio per questo che
oltre vent’anni fa fu definito un enfant prodige venuto dal nord e
che oggi, invece, è uno dei registi più promettenti, innovativi ed
originali del nuovo millennio.
David O. Russell, in occasione
della promozione del suo ultimo film, American Hustle
L’apparenza inganna, approda nella facoltà di lettere
dell’Università di Roma, ‘La Sapienza’ per una chiacchierata sul
suo cinema e una lezione un po’ diversa da quelle a cui gli
studenti universitari sono abituati.
Nell’aula, insieme al professore di
Storia e Critica del Cinema Maurizio De Benedictis
(che ha reso possibile l’incontro) e Piera
Detassis (direttrice della rivista di cinema Ciak),
O. Russell porta con sé la sua esperienza nel
cinema, trasferendola ai suoi uditori con estrema semplicità.
Dopo la presentazione del professor
De Benedictis, che ha introdotto agli studenti l’autore, facendo
una carrellata della sua filmografia e soffermandosi
sull’innovazione che il regista ha saputo apportare alla nuova
commedia americana, parte l’intervista, moderata dalla
Detassis.
Piera Detassis: Ho
letto in un’intervista che preferisci definirti autore piuttosto
che regista. Cosa significa questo rispetto al cinema
americano?
David O. Russel: Penso che
ci siano molti differenti tipi di autore. Sergio Leone è un autore,
Michael Bay è un altro tipo di autore..il tipo a cui potrei
corrispondere o che vorrei essere è quello a cui piace
raccontare storie che siano basate essenzialmente sui personaggi.
Io faccio film principalmente sulle persone, che spesso sono
divertenti e assurde, ma anche e soprattutto vere.
Anche in The Fighter non ho fatto un film sulla boxe,
o comunque, non lo definisco tale. Si tratta più di un film sul
personaggio e sulla sua famiglia. Riguardo a Il lato positivo,
poi, è un film per me molto personale perché ho un figlio che ha
il disturbo della personalità bipolare, e, sebbene sia vero che è
un film tratto da un romanzo, mi sento molto coinvolto. Anche il
mio ultimo film ha dei personaggi che non rientrano in determinate,
specifiche categorie ed è proprio questa la cosa affascinante
riguardo loro.
PD: Parliamo di attori e
star. Tu sei un autore che ama lavorare con le star, mentre certi
autori sono un po’ diffidenti. Come riesci a gestirli sul
set?
DR: Io trovo che le star siano elettrizzanti, trovo i
film elettrizanti. Per me è una cosa bella quando le star dei film
fanno i miei film. Sono fortunato a essere socio di uno studio che
mi permette di fare film con queste star, perché la loro
stessa presenza mi permette di poter correre più rischi perché sono
comunque una certezza per il ritorno economico del film. Con loro
posso rischiare di fare cose nuove e posso divertirmi a farle
perché il bello è proprio vederli alle prese con qualcosa che
nessuno ha mai fatto fare loro.
PD: Sarebbe possibile
senza le star fare questo tipo di cinema, il suo, a
Hollywood?
DR: Sarebbe molto più
difficile. Come ho detto, rispetto tutti i tipi di registi, ma
credo che non potrei fare questo genere di film senza di loro (le
star). Ovviamente ho iniziato senza avere queste possibilità, e ci
ho messo comunque grande passione.. però per il tipo di cinema che
faccio, senza di loro sarebbe tutto più ridimensionato, e
sicuramente meno gente andrebbe a vedere il film. Soprattutto oggi,
con la facilità di reperire film su internet, credo che l’andare al
cinema debba essere un’esperienza speciale. E’ un po’ come cercare
di attirare le persone sotto il “tendone”. Ed è questo che fai con
gli attori a cui fai fare cose a cui il pubblico non è
abituato.
PD: I tuoi personaggi
femminili sono i più interessanti, i meno banali del cinema
americano. Sei cosciente del fatto che stai costruendo e
glorificando una nuova donna, fuori dagli schemi?!
DR: Assolutamente sì. In
questa nuova fase del mio cinema sono arrivato a rendermi conto che
le donne sono delle vere e proprie armi nel cinema e sono anche
molto sottovalutate. In The fighter le figure femminili sono
anche molto più influenti dei due fratelli. Ne Il lato
positivo, il personaggio di Jennifer Lawreence, è molto
interessante. Penso che le donne siano, per certi aspetti, molto
più intelligenti., molto più forti degli uomini. Quindi mi piace
mostrare tutte le loro sfumature, la loro sensualità, la loro
forza, la loro capacità manipolatrice.
PD: E’ vera la leggenda che fa molto
improvvisare gli attori sul set?
DR: No, non c’è
improvvisazione. Le sceneggiature sono molto precise a livello di
inquadrature e dialoghi. Se cambiamo qualcosa, lo facciamo insieme,
magari solo un piccolo dettaglio. Quello che per me è importante è
la percezione di aver catturato qualcosa di vivo, una realtà.
Detesto la pretenziosità, il “far finta che”, mi piace che le cose
siano reali. Non utilizzo mai luci artificiali sul set, in modo che
se entri nella stanza non ti sembra di essere su un set. Io sono
sempre presente nella stanza, con gli attori. Non vado mai al
monitor, sono sempre vicino la macchina da presa, perché ho bisogno
di sentire l’attore. Giro sempre in pellicola e non ci fermiamo
mai, se anche do indicazioni, lo faccio sempre quando la pellicola
continua a girare, in modo che l’attore si dimentichi di star
girando..deve avere l’impressione di star facendo qualcosa di vivo.
Ad esempio Robert de Niro mi ha fatto notare che aveva davvero
l’impressione di stare in qualcosa di vero, mentre
giravamo.
I: American Hustle: cosa ti ha convinto a portare sullo
schermo lo script? Perchè hai cambiato il titolo orginale, American
Bullshit?
DR: La cosa che mi ha
convinto sono stati i personaggi: erano fantastici. Avevo voglia di
raccontare questi personaggi sorprendenti e i guai in cui si
trovano, volevo mostrare le loro varie sfumature, il tema della
sopravvivenza, del reinventarsi. E riguardo il personaggio di
Christian Bale, lo immaginavo non come un
imbroglione, ma come una persona che aveva una curiosità verso le
altre persone. Come regista volevo raccontare più dei personaggi,
che degli eventi. Mi interessano i loro sentimenti, i loro amore,
come vivono. Gli eventi mi servono più che altro come uno
stratagemma per raccontare le persone. Ho cambiato il titolo
perché American Bullshit mi sembrava molto cinico. Non sono cinico,
non amo il cinismo. Forse lo ero quando ero più giovane, ma adesso
non mi interessa più. Quando i sentimenti sono veri, quando i
sentimenti sono intensi e reali, allora non puoi scadere nel
mieloso.
Maurizio De Benedictis: Il cinema di
personaggi vuole una categoria di attori adatti a creare questi
personaggi. Come mai il sistema americano riesce ad assicurare
attori così bravi? Come si formano, nonostante sia comunque
decaduto lo star system?
DR: Credo che quello che accada oggi è che gli attori si
rivelino. Fanno film piccoli, come ha fatto Christian Bale, e poi
si dimostrano bravissimi. Christian Bale ha fatto un provino per
Three Kings, ma io non lo ricordo affatto. Lui sì, perché non ebbe
la parte. Jennifer Lawrence, ha fatto Un gelido inverno
ed ha mostrato al mondo quanto c’era di speciale in lei. Bradley
Cooper era in un certo senso sottovalutato come attore, ma io mi
sono reso conto, incontrandolo, che era una persona molto più
profonda, che aveva un’ anima e pensava come un artista. Mi
piacciono gli attori che mostrano di aver fame: Amy Adams prima
di The Fighter non aveva mai avuto un ruolo del genere.
Molti pensavano che non ce l’avrebbe fatta, ma io l’ho vista
nei suoi occhi, quella voglia di imparare, di fare. Metterli in
condizione di fare qualcosa di assolutamente nuovo e assurdo
permette anche allo spettatore di farsi prendere di più dal
personaggio.
Ecco in due nuove immagini Electro,
il prossimo villain contro il quale si dovrà scontrare il nostro
amichevole Spider-Man di quartiere nel prossimo film di
Mark Webb The Amazing Spider-Man
2.
Ecco la trama di
The Amazing Spider-Man 2:
Abbiamo sempre saputo che la
battaglia più importante di Spider-Man è quella che combatte dentro
di sé: la lotta tra gli impegni quotidiani di Peter Parker, e
le straordinarie responsabilità di Spider-Man. Ma in The
Amazing Spider-Man 2: Il Potere di Electro, Peter Parker si
ritrova a dover affrontare un conflitto molto più
grande.
E’ bello essere Spider-Man
(Andrew Garfield). Per Peter Parker, non c’è niente di più
emozionante che oscillare tra i grattacieli, sapere di essere un
eroe, e passare del tempo con Gwen (Emma Stone). Ma
essere Spider-Man però ha un prezzo: solo Spider-Man può
proteggere il suo concittadini newyorchesi dai malvagi che
minacciano la città. Con la comparsa di Electro (Jamie
Foxx), Peter deve affrontare un nemico molto più potente di lui. E
con il ritorno del suo vecchio amico Harry Osborn (Dane
DeHaan), Peter si rende conto che tutti i suoi avversarsi hanno una
cosa in comune: la OsCorp.
Batmaniac prende in esame
Batman vs Superman attraverso un
ragionamento che punta a far riflettere sul sovraffollamento di
personaggi a cui rischia di andare incontro il sequel di
Man of Steel.
L’editoriale parte dall’analisi
delle strategie dello studio rivale, ossia i Marvel Studios. Lo studio, prima di
progettare The Avengers, ha preferito
introdurre uno a uno i personaggi coinvolti con film propri,
riuscendo così a scatenare la curiosità di molti fan nel vedere
tutti assieme questi personaggi già conosciuti precedentemente al
cinema; il risultato alla fine fu clamoroso con Avengers che
diventò il terzo film ad aver incassato più tutti nella storia del
cinema. Tutto questo però non significa che Dc dovrebbe agire allo
stesso modo.
Ci sono stati molti altri film
corali, prima di Avengers, che hanno
avuto un grande successo e tra questi possiamo citare
Il Signore degli Anelli (con 22
personaggi) o la saga di Danny Oceans partita con
Oceans Eleven; in questi film tutti i
personaggi sono ben bilanciati sullo schermo e vengono utilizzati
molto bene per gli scopi della trama.
Le critiche di chi non vuole un
film corale puntano sopratutto sul fatto che un personaggio dei
fumetti è diverso da un personaggio di un libro e quindi dovrebbe
avere, almeno inizialmente, uno spazio tutto suo. Ma tornando al
sovraffollamento del film, è interessante notare come la maggior
parte dei film tratti da fumetti che usciranno nel prossimo anno
avranno molti più personaggi rispetto a Batman vs
Superman; partendo da Captain
America: The winter Soldier con 20 personaggi,
passando da X-Men Giorni di un futuro
passato (16) fino a The Amazing
Spider-Man 2 (15) e Guardians of the
Galaxy (23).
Come si può ben vedere, rispetto ai
6 confermati per
Batman vs Superman, tutti i film di fumetti che
usciranno saranno ben più corposi, con Guardians of the
Galaxy che stabilirà addirittura un primato.
Da tutto questo è facile dedurre
quale sia la risposta alla domanda:
Batman vs Superman ha troppi personaggi? I fan
non devono temere un flop assicurato perché, come abbiamo visto,
partire con un film corale non è sempre sinonimo di insuccesso,
sopratutto se il lavoro di sceneggiatura risulta essere valido nel
dare i giusti spazi a ogni protagonista.
Batman vs Superman dovrebbe uscire il 17 luglio
2015 con alla regia il confermato Zack Snyder e la
sceneggiatura curata dallo stesso regsita con Chris
Terrio (sulla base della storia scritta da David
S. Goyer). Confermatiper ora nel cast del film
Henry Cavill, Ben
Affleck, Amy Adams, Laurence Fishburne, Diane Lane e
Gal
Gadot.
Nei territori
dell’antica Persia, il piccolo Dastan è un orfano che viene
sorpreso dalle guardie imperiali a rubare una mela al mercato.
Presente alla scena, il re Sharaman nota con ammirazione il
coraggio e l’incredibile destrezza del ragazzo, decidendo così di
risparmiargli la mano e di accoglierlo a palazzo. Sedici anni dopo,
Dastan viene considerato un nobile principe di Persia assieme ai
due diretti discendenti del re, Tus e Garsiv, anche se le sue
abitudini restano quelle di un ragazzo del popolo. Quando lo zio
Nizam annuncia che nella città santa di Alamut vengono nascoste
armi per i nemici della Persia, i tre principi conducono un attacco
alla città e la espugnano grazie soprattutto all’intervento di
Dastan.
Questa sera viaggeremo nel tempo con
Dastan, interpretato da Jake Gyllenhaal,
accompagnato dalla bellissima principessa Tamina, Gemma
Arterton. Prince of Persia Le sabbie del
tempo è, come è noto, l’adattamento cinematografico
del famosissimo gioco omonimo della Ubisoft (la stessa di
Assassin’s Creed) e non è un segreto che i fan accaniti
del gioco si siano rivoltati a causa di questa versione per il
grande schermo, tanto che adesso la Ubisoft, per portare sullo
schermo il suo gioco di punta, ovvero Assassin’s, sta portando
avanti una lunghissima fase di preproduzione che sembra si avvarrà
del talento di Michael Fassbender e di produzioni
indipendenti.
Di seguito una piccola curiosità su
Prince of Persia Le sabbie del tempo, in
onda su Rai Tre: quando Dastan e Tamira sono nel deserto,
quest’ultima afferma che se Dastan fosse rimasto sperduto, “sarebbe
stato circondato da tanti bambini che cantano “il Mondo È Mio”: si
riferisce alla canzone “A Whole New World” del classico Disney
“Aladdin”.
Il sequel de La notte del
giudizio uscirà nei cinema americani a fine giugno
2014 e per questo le selezioni del nuovo cast si fanno più
pressanti per James DeMonaco (confermato alla
regia dopo il successo del primo film) che sarà affiancato dal
produttore del momento per il genere, ovvero Jason
Blum.
Oggi arriva la notizia che ad
affiancare il nuovo protagonista Frank Grillo ci
saranno Michael K. Williams, Carmen Ejogo, Zach
Gilford e Kiele Sanchez, con il primo già
noto al grande pubblico per i suoi ruoli in The Wire e
Boardwalk Empire. Il sequel dovrebbe avere
un’ambientazione simile a quella originale ovvero una volta
l’anno,per 12 ore, sono consentiti tutti i tipi di reati senza
alcune ripercussione penale.
I produttori ovviamente sperano di
ripetere il boom economico avuto con la pellicola precedente
quando, a fronte di un costo di realizzazione di 3mln, il film
riuscì a incassarne ben 90.
Si intitolerà da noi
Un giorno come tanti, il film che sta
facendo di nuovo accostare la bravissima Kate
Winslet alla stagione dei premi tanto da farle già
ottenere una nomination ai Golden Globe. Il film che in originale
si intitola Labor Day, vede protagonista
accanto alla Winslet Josh Brolin ed è diretto da
Jason Reitman e basato sul romanzo omonimo
di Joyce Maynard.
A completare il cast del film ci
sono Tobey Maguire, Clark Gregg, James Van Der
Beek e Brooke Smith.
Trama: La storia è ambientata nei
primi anni ’80, durante uno degli ultimi weekend estivi. Adele, una
madre divorziata è dedita allo shopping con il figlio tredicenne
Henry quando incontra un uomo ferito che sanguina copiosamente e
che chiede loro un passaggio. I due, contro ogni buon giudizio,
glielo danno. Sono ostaggi, complici o semplicemente degli illusi?
Mentre la polizia scandaglia la città da cima a fondo alla ricerca
dell’evaso, madre e figlio scoprono la vera storia.
Di seguito uno spot esteso del film
con protagonista Kate Winslet:
New Line è in
trattative con il regista Christian Ditter per
consegnargli la realizzazione di How to be
Single, nuova commedia con protagonista Drew
Barrymore. La casa di produzione si è orientata verso
Ditter dopo aver visto la commedia romantica Love,
Rosie con Lily Collins.
How to be
single è in sviluppo dal 2008 quando New
Line acquistò i diritti per trasporre sul grande schermo
il romanzo di Liz Tuccillo, che narra la storia di
una donna 38enne in cerca dell’amore; ma le tematiche affrontate
sono svariate: dal dating online,ai pensieri per il matrimonio, la
paura di una relazione seria fino all’età in cui avere il primo
figlio.
Il lancio del film è previsto per
il 2015, con la sceneggiatura già pronta e curata da parte di
Marc Silverstein (La verità è che non
gli piaci abbastanza) e Dana
Fox (L’isola delle coppie).
Ecco una nuova foto, in esclusiva per Empire, di X-Men days of
future past in cui vediamo il regista del film
Bryan Singer insieme al suo cast degli anni ’70.
Infatti nella foto il regista è attorniato da Nicholas
Hoult (Bestia), James McAvoy (Professor
X), Micheal Fassbender (Magneto) e Hugh
Jackman che, ovviamente, nel passato e nel presente,
interpreta l’immortale e sempre giovane Wolverine:
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La trama di X-Men giorni di un futuro
passato, tratta dall’omonimo fumetto del 1981,
ripercorre un arco temporale ambientato in un imprecisato futuro in
cui gli USA sono dominati dalla Sentinelle, mentre i mutanti vivono
confinati in campi di concentramento. Kitty Pride torna indietro
nel tempo e impedisce dal passato che gli eventi precipitino a tal
punto da trasformare la vita dei mutanti del futuro in un inferno
di reclusione.
Manca pochissimo alla Vigilia di
Capodanno, che negli Stati Uniti verrà celebrata, tra gli altri
luoghi, anche nella tradizionale Time Square, nel cuore di New
York. Quest’anno, i fortunati presenti al count down in piazza
potranno beneficiare dela presenza di un ospite d’onore: si tratta
prprio di Spider-Man che sta organizzando la sua presenza alla
festa.
Ecco alcune immagini e una sneak
peek presentate dal regista di The Amazing Spider-Man
2, Marc Webb, ospite a Goodmornig
America:
Abbiamo sempre saputo che la
battaglia più importante di Spider-Man è quella che combatte dentro
di sé: la lotta tra gli impegni quotidiani di Peter Parker, e
le straordinarie responsabilità di Spider-Man. Ma in The
Amazing Spider-Man 2: Il Potere di Electro, Peter Parker si
ritrova a dover affrontare un conflitto molto più
grande.
E’ bello essere Spider-Man
(Andrew Garfield). Per Peter Parker, non c’è niente di più
emozionante che oscillare tra i grattacieli, sapere di essere un
eroe, e passare del tempo con Gwen (Emma Stone). Ma
essere Spider-Man però ha un prezzo: solo Spider-Man può
proteggere il suo concittadini newyorchesi dai malvagi che
minacciano la città. Con la comparsa di Electro (Jamie
Foxx), Peter deve affrontare un nemico molto più potente di lui. E
con il ritorno del suo vecchio amico Harry Osborn (Dane
DeHaan), Peter si rende conto che tutti i suoi avversarsi hanno una
cosa in comune: la OsCorp.
La banda del Gobbo
è il film del 1977 diretto da Umberto
Lenzi con protagonisti Tomas Milian, Isa Danieli,
Pino Colizzi, Mario Piave, Sal Borgese, Solvi Stubing, Jimmy il
Fenomeno
Trama: Il Gobbo
Vincenzo Marazzi è il mattatore assoluto della
pellicola: dopo una lunga latitanza in Corsica torna finalmente a
Roma dal fratello Sergio, detto “er Monnezza”, meccanico e
ladruncolo di bassa lega che ammira il fratello che vorrebbe
imitare nelle imprese e nei gesti criminali. Il Gobbo cerca i suoi
vecchi compari per organizzare una rapina ad un furgone
portavalori; ma la sua banda lo tradisce e il bandito rischia di
restare ucciso in una sparatoria. Sopravvissuto, giura vendetta:
stavolta è tornato non per accontentarsi, ma per prendersi tutto,
Roma intera se necessario.
Dopo che il cinema western, fino a
quel momento genere molto in voga in Italia e maneggiato con cura e
partecipazione, aveva ormai lanciato il suo ultimo “canto del
cigno” intorno al 1975, verso la fine degli anni ’70 si assi ste ad
una vera e propria invasione programmata delle sale
cinematografiche da parte di un genere talmente particolare che può
essere definito come la risposta italiana al noir americano: è il
poliziottesco, accusato dai detrattori di essere un genere
destrorso, maschilista e dai contenuti spesso simili e
politicizzati, mentre in realtà esso si rivela una vera e propria
fonte di successi inaspettati che portano l’industria del cinema ad
una ulteriore fioritura.
Umberto Lenzi, uno
dei “Guru” del genere, l’autore di tanti cult, realizza nel
1977 un film destinato ad entrare nella (mini)storia del cinema di
genere: gira La Banda del Gobbo dove, grazie al
talento creativo del suo attore Tomas Milian,
presenta per la prima volta (in veste ufficiale) i personaggi del
Gobbo e “der Monnezza”, malavitosi entrambi, uno cinico, spietato,
una vera mente criminale; l’altro, un innocuo ladruncolo dal cuore
d’oro, ricettatore di auto e meccanico part- time quando non aiuta
il fratello al quale vorrebbe somigliare. Il personaggio del
malavitoso gobbo Vincenzo Marazzi era già comparso
nel precedente lavoro del regista (Roma a mano
armata) dove però si chiamava Moretto ed era un piccolo e
losco abitante del sottobosco romano che ostacolava le indagini
dell’inflessibile “commissario di ferro” interpretato da
Maurizio Merli; a cambiare non è solo il cognome,
ma pure la gobba che si sposta da sinistra a destra.
La pellicola, pur non essendo
tecnicamente un capolavoro e collocandosi tra quelle di minor
impatto uscite in quel periodo, in realtà riscuote da subito un
enorme successo al botteghino, diventando in breve tempo una pietra
miliare del genere: il pubblico apprezza soprattutto la commistione
tra il classico thriller “all’americana” (sulla scia di tanti
immortali Heist Movie o Noir) e la commedia più
diretta e spietata, evidenziata dai dialoghi dei due personaggi
principali (scritti direttamente da Milian stesso) che lanciano
l’attore cubano nell’Empireo delle icone pop che hanno
segnato l’epoca.
Oltre alla suggestiva ambientazione
nei bassifondi urbani della Roma fine anni ’70, il ritmo serrato e
concitato scandito da rapine a mano armata, truffe, furti,
vendette, sparatorie e inseguimenti, personaggi immortali e
iconografici dotati di un sadico cinismo corrosivo, un altro valore
aggiunto della pellicola è la colonna sonora composta da Franco
Micalizzi, che, oltre a sottolineare alla perfezione i momenti di
tensione narrativa del film, riesce pure ad usare le canzoni
immortali e pop del cantautore Antonello Venditti per
sottolineare l’animo fortemente romano della pellicola.
Milano Violenta è
il film del 1976 diretto da Mario Caiano con
protagonista di Claudio Cassinelli, Elio Zamuto, Silvia
Dionisio, Vittorio Mezzogiorno, Massimo Mirani.
Milano Violenta, la trama
Trama: La trama
parte da una rapina organizzata da Raul Montalbani, un bandito
schivo, furbo, intelligente e scaltro, un tipico anti-eroe come
nella migliore tradizione cinematografica anglosassone; insieme ad
una serie di complici organizza una rapina nella sede della ASPEX
grazie alla collaborazione di un misterioso basista della
società.
Ma la polizia fa irruzione sul
luogo, costringendo i banditi alla fuga: due di loro riescono a
scappare con il malloppo, gli altri due sono costretti a fare degli
ostaggi per poter scappare e addirittura uno di loro, fausto, muore
dopo un frontale contro un tir.
Montalbani, detto “il Gatto” per la
sua natura, si mette sulle tracce dei suoi ex compari per portare a
termine la sua vendetta e poter recuperare così i soldi del
bottino…intanto, anche la polizia indaga cercando di risolvere il
caso.
Milano Violenta, il film
Analisi: Tra i
tanti poliziotteschi che vengono girati in Italia alla fine degli
anni ’70 troviamo anche questo Milano Violenta,
prodotto nudo e crudo erede della tradizione gangsteristica e noir
americana, che si presenta come una versione “riveduta e corretta”,
adattata per il pubblico italiano, dell’immortale capolavoro di
Sidney
LumetQuel Pomeriggio di un Giorno da
Cani.
Un heist movie teso,
caratterizzato dalla fotografia sgranata, “sporca” e sovraesposta,
curata da Pierluigi Santi e utilizzata per
confezionare un buon prodotto destinato al mercato popolare, per
soddisfare i gusti di un pubblico sempre in cerca di nuove emozioni
visive che ricordassero da vicino le “meraviglie” dell’allora
cinema americano della controcultura hollywoodiana.
L’esito è, però, altalenante: da
una parte la pellicola paga il fatto di essere una “goccia in mezzo
al mare”, uno dei tanti poliziotteschi realizzati all’epoca,
assimilato per errore all’infinita serie dei vari Napoli
Violenta, Roma Violenta, Provincia Violenta e
Torino Violenta, con i quali però non ha niente da
condividere; dall’altra il tentativo di Caiano di regalare una
storia dal sapore “clochardesco” e goddardiano fallisce di fronte
ad una serie di errori tecnici vistosi (soprattutto se osservati
con lo sguardo di un moderno spettatore), ad una trama debole e
fragile che si sfalda di fronte a tutti i cliché del genere
disseminati nel film.
Ritmo teso, scene spettacolari,
fotografia livida e azzeccata atmosfera noir, nonostante la
location che con Milano ha ben poco a che fare. Fu, infatti, girato
quasi interamente a Roma, come si può evincere dopo un’attenta
riflessione osservando il paesaggio e notando come diverse scene
siano state girate nel mattatoio di Testaccio.
Tutti questi elementi servono a
conferire alla pellicola un gusto ed un’estetica più simili a
quelli dei grandi classici noir americani, anche se contaminati dal
nostro gusto italico e fortemente “seventies” per la contaminazione
di stili e l’attenzione per l’exploitation; un forte gusto
gore e tanti inseguimenti in auto tutti questi elementi
insieme ad un cast forte e in stato di grazia, a partire dai
protagonisti fino ai comprimari che rimangono però scolpiti nella
mente per via dei personaggi memorabili che interpretano, tutti
abbastanza “sporchi e cattivi”, rendono questa pellicola una
piacevole eccezione o comunque un tentativo da parte di Caiano di
realizzare un prodotto meno reazionario rispetto agli epigoni del
periodo.
Roma a Mano armata è il film del 1976 di
Umberto Lenzi con protagonisti Maurizio Merli,
Tomas Milian, Maria Rosaria Omaggio, Arthur Kennedy, Orso Maria
Guerrini.
Trama: Il
commissario Tanzi si trova costretto a gestire un’ondata di
dilagante violenza a Roma: dopo aver ricevuto una soffiata fa
irruzione in una bisca clandestina gestita dal Marsigliese
Ferrender insieme ai suoi uomini. Sul posto, però, il commissario
non trova niente di illegale, ma riconosce Savelli, uno degli
sgherri del marsigliese; lo pesta per farlo parlare, ma l’uomo non
apre bocca e riesce a farsi rilasciare grazie al suo avvocato. Lo
stesso uomo, il giorno dopo, compie una rapina e uccide un uomo:
Tanzi si mette sulle tracce dell’altro complice, Moretto detto “er
Gobbo”, uno dei dipendenti del mattatoio.
Roma a Mano armata, il film
Analisi: Nel 1976
è lo specialista del genere, Umberto Lenzi, a
regalare l’ennesimo film poliziottesco capace di tenere
incollati alle poltroncine del cinema intere generazioni di
italiani, consolidando il talento del regista come interprete di
questa versione pop e nostrana del più classico noir di
stampo americano.
La fortuna di Lenzi si era già
delineata con l’uscita al cinema del film Roma
Violenta, cui fa seguito il fortunato Roma a Mano
Armata, che inaugura un fiorente genere scandito da furti,
rapine, violenze, atti criminali che imperversano nelle metropoli
italiane, da Nord a Sud. In questo caso specifico, è la capitale ad
essere devastata da questa ondata di pericolosa criminalità.
Un solo uomo può fermare tutto
questo, il classico “commissario di ferro”, inflessibile e fascista
(almeno secondo i detrattori), il Callaghan-dei poveri- che crede
nella giustizia privata e nella forza di…un buon pugno assestato
bene per far capitolare un indiziato. Del precedente Roma
Violenta riprende la struttura a mosaico e il
protagonista, il biondo e inflessibile Merli versione baffuta, con
tanto di agghiacciante occhio ceruleo (che nella precedente
pellicola si chiamava Betti, mutato poi in Tanzi).
Violenza, pulp potenziato,
rapine, ricatti e violenze: questa è la formula “vincente” che ha
reso questo film un cult generazionale, garantendo l’immortalità ai
suoi personaggi, su tutti il Gobbo sadico, cinico e beffardo
interpretato da Tomas Milian, pietra miliare del genere, che
ruba tranquillamente la scena a Merli e al suo personaggio di eroe
positivo, fischiato perfino in sala tanto quanto il pubblico ha
dimostrato di amare ed apprezzare il Gobbo proletario del cubano
Milian.
Le riprese sono state fatte
interamente a Roma, in una rimessa nella zona di Monti Tiburtini
ormai in disuso da anni; forse la leggendaria rivalità tra i due
interpreti protagonisti contribuì al successo della pellicola e
alla sua definitiva consacrazione come pietra miliare del genere.
Gli inseguimenti mozzafiato e in soggettiva hanno contribuito, non
poco, a riscrivere l’estetica del genere e di tutti i film che
sarebbero stati girati in seguito.
Roma a Mano
armata è, inoltre, un continuo gioco di rimandi
tra la cronaca italiana dell’epoca, la realtà effettiva e quella
fittizia di celluloide.
Il cinico l’infame il
violento è il film del 1977 diretto da Umberto Lenzi e con
protagonista nel cast di Maurizio Merli, Tomas Milian, John
Saxon, Renzo Palmer e Gabriella
Lepori.
Il cinico l’infame il
violento, la trama
Trama: A Milano
una serie di furti, rapine ed estorsioni getta il panico tra la
popolazione, facendo intuire il ritorno del perfido bandito Luigi
Maietto, detto “Il Cinese”, appena uscito di galera. La prima cosa
che vuole fare è consumare la sua vendetta, giustiziando il
poliziotto che, con la sua testimonianza, lo aveva fatto condannare
all’ergastolo. L’uomo in questione è l’ex commissario Leonardo
Tanzi, che nel frattempo ha lasciato la polizia e si è trasferito
da Roma a Milano.
Analisi
Il western era morto, o
almeno non brillava più di luce propria come negli anni della
gloria (i favolosi ’60); il genere che spopolava nei cinema di
tutta la penisola era il poliziottesco nudo e crudo, Cinico,
Infame, Violento come il titolo dell’omonima pellicola
diretta dal Guru Umberto Lenzi nel 1977.
Lenzi confeziona un prodotto
stroncato dalla critica, che vede solo un
mero tentativo di riunire in un’unica pellicola il terzetto per
eccellenza del poliziottesco italiano anni ’70: Tomas
Milian, Maurizio Merli e John Saxon. A
parte rare eccezioni- tipo l’articolo scritto da Giovanna
Grassi per Il Corriere della Sera in difesa del
film, questo viene considerato un pasticcio di generi, popolato da
attori inespressivi dalle scarse capacità e dove l’unica attrazione
sembrano essere gli ettolitri di sangue versati sulla scena.
Il cinico l’infame il
violento tenta proprio di mescolare i generi, proponendo
agli spettatori una commistione tra commedia, poliziottesco e
classico film di tensione e di rapina, rendendo effettivo il
termine stesso pulp inteso come pasticcio: al suo esordio al
cinema incassa ben 1.800.000.000 di lire, mostrando quindi di
cogliere in pieno i gusti del pubblico
medio.
Milian è il mattatore assoluto
della pellicola, Merli invece, almeno secondo Mereghetti, è
assolutamente inespressivo e perde la sfida con Milian, perché pur
interpretando il ruolo del “buono” di turno, viene soppiantato nei
cuori degli spettatori dal bandito senza scrupoli interpretato dal
cubano, una sorta di preludio al ben più noto Tony Montana (al
quale darà vita- e corpo- l’immenso Al Pacino nel 1983).
Il titolo del film doveva essere un
altro, il più scontato Insieme per una grande
rapina, lontano dal sapore epico della trilogia di
Sergio Leone: con questo titolo fu comunque
distribuito in sala il trailer della pellicola. La pellicola fu
interamente girata a Roma (nonostante la prima parte ambientata a
Milano), e come nel precedente Roma a mano armata
Merli e Milian non si incontrarono mai, nemmeno sul finale, dove la
scena della morte del Cinese fu girata con una controfigura.
Gli incidenti e i litigi erano
all’ordine del giorno: una volta Merli si ferì con la propria
pistola durante una scena; in un’altra circostanza Merli litigò con
l’attrice Gabriella Giorgelli e con Lenzi stesso per via della
stessa pistola; la discussione si fece talmente accesa che Merli
tentò di sferrare un calcio alla Giorgelli, che fu “salvata” da una
parrucchiera intervenuta per difenderla; non fu però altrettanto
fortunata quando, in un’altra sequenza, dovevano versare in faccia
al suo personaggio del vetriolo, sostituito nella realtà con un
liquido che doveva solo provocare del fumo, ma che in realtà le
bruciò davvero la pelle.
Il periodo vacanziero è sempre una
manna per la programmazione tv, anche sulle reti ‘tradizionali’.
Infatti tra film di Natale più o meno noti, e tra grandi classici
che ogni anno ci fanno sentire l’aria di festa, noi amanti delle
serate da divano e tv possiamo contare su tantissimi film e una
vasta scelta per tutti i gusti. Questa sera per gli amanti della
commedia italiana divertente e demenziale, arrivano su Italia 1
Aldo, Giovanni e Giacomo con uno dei loro classici
targato 2000, Chiedimi se sono felice. Il
trio di comici insieme alla divertentissima Marina
Massironi ci raccontano un’avventura a base di liti,
risate ed equivoci, nel pieno stile del trio comico.
Di seguito alcune curiosità sul
film:
Questo film forma una trilogia con
Tre uomini e una gamba e Così è
la vita: nel primo film è Giacomo a
innamorarsi del personaggio di Marina Massironi;
nel secondo sarà Aldo; in questo sarà
Giovanni.
Le scene esterne della Sicilia in
realtà sono state girate a Terracina, in provincia di Latina.
Al momento della partenza, nella
stazione, Giovanni legge il tabellone dei treni in
partenza dicendo che il loro parte dal binario 7, mentre dalle
riprese nel vagone si vede che il treno sta partendo dal binario
12.
Giacomo si rifiuta
di interpretare La locandiera di Carlo
Goldoni asserendo che sarebbe difficile metterla in scena
perché scritta in veneziano, quando in realtà è scritta in
italiano.
Le scene teatrali iniziali sono
state girate nel Teatro Ponchielli di Cremona.
La partita a basket fra il Trio e i
poliziotti è avvenuta realmente. Per poter disporre di più scene la
partita fu giocata sul serio e fu tutto ripreso, a parte alcune
esultanze e la scena della rottura del naso della statua.
Daniela, la
ragazza di cui si è invaghito Giacomo, tornerà nel
film Tu la conosci Claudia?, interpretando
la “signorina del navigatore”.
Fanno qui la loro prima apparizione
cinematografica Ficarra e Picone, che compaiono
sul grande schermo dopo sette anni di esibizioni sui palchi
teatrali.
Dopo diversi mesi di inattività
Colin Farrell ha in cantiere diversi progetti e
film che a breve usciranno. Dopo il tanto pubblicizzato
Storia d’inverno (qui il trailer italiano del film), l’attore si
prepara a promuovere i suoi prossimi lavori e tra questi citiamo
Miss Julie, una storia drammatica che
l’attore porterà al cinem insieme a Jessica
Chastain e a Samantha Morton.
Parlando a AP di questo film , e dell’impegno profuso sul
set con i colleghi, Colin Farrell ha detto:
“E’ difficile, tanto difficile quanto può essere questo tipo di
lavoro. E’ stato il periodo più difficile che ho affrontato in 15
anni. E’ stato difficile e brutale. Il comportamento crudele
e il trauma sono semplicemente brutali. E’ stato bello,
interessante ma difficile. Sono stato felice quando è finito tutto,
io come altri. E’ stata una vera sfida, ma sarà interessante vedere
come diventerà poi il film.”
Miss Julie
è scritto e diretto da Liv Ullmann, basato su un
lavoro teatrale di August Strindberg. Nel cast del
film Colin Farrell, Jessica Chastain e
Samantha Morton.
Il film racconta la storia di una
figlia instabile dell’alta aristocrazia anglo-irlandese che,
durante una notte di mezza estate, a Fermanagh nel 1890, cerca di
sedurre il valletto di suo padre.
È morto a 81 anni in seguito a una
lunga malattia Wojciech Kilar, musicista polacco e autore di
alcune memorabili colonne sonore come quella del
Dracula di Francis Ford Coppola,
Ritratto di Signora di Jane Campion e
Il Pianista di Roman
Polanski.
Nato a a Leopoldi, in Ucraina,
Kilar ha collaborato con l’Industria cinematografica polacca
scrivendo le musiche per autori di spicco del paese come
Krzysztof Zanussi (Vita di famiglia,
Imperativo, Persona non grata, L’anno del sole
quieto) e Andrzej Wajda (La
terra della grande promessa, Zemsta – La vendetta), oltre
ad essere noto anche per le sue opere di musica sacra.
Fra i riconoscimenti ottenuti, il
Premio ASCAP da parte dell’American Society of Composers per
la pellicola di Coppola (1992) e il Premio Lili Boulanger per
la composizione.
Domenica all’insegna del fantasy,
quella in programmazione su rete 4. Questa sera ore 21:20 il film
che consigliamo è Il Signore degli anelli le due
torri di Peter Jackson, secondo
capitolo della leggendaria trilogia tratta dal lavoro letterario di
J.R.R. Tolkien. E proprio in questi giorni al
cinema c’è anche il secondo capitolo della nuova trilogia di
Jackson tratta da Lo Hobbit, sempre di
J.R.R. Tolkien, intitolato
Lo Hobbit La desolazione di Smaug.
Il Signore degli Anelli
Le due Torri (The Lord of the Rings: The Two Towers)
è un film del 2002 diretto da Peter Jackson e tratto dall’omonima
seconda parte del romanzo di John Ronald Reuel Tolkien Il Signore
degli Anelli.
Curiosità:
La mattina in cui si doveva girare
la scena di Gollum che acchiappa un pesce nel torrente,
la troupe recatasi sul posto trovò la zona ricoperta di neve, Peter
Jackson la fece rimuovere in modo che l’attore Andy
Serkis potesse sguazzarvi.
Molti set interni del film sono
stati girati con la tecnologia del green screen.
In realtà il Fosso di
Helm è un modello ricostruito di circa
80 centimetri di altezza. I combattimenti e le vicende
che si svolgono all’interno sono stati ripresi su dei set
all’esterno e in seguito inseriti nell’omonima ricostruzione con la
tecnica digitale.
Sul set de Le due
Torri Orlando Bloom, girando una scena di un
combattimento, si ferì gravemente alla schiena e di conseguenza
dovette operarsi: tuttora l’attore porta il segno della cicatrice
dell’intervento chirurgico. L’attore, che
interpretava Legolas, fu sostituito dalla controfigura; poi,
grazie a tecniche digitali, i lineamenti del viso sono stati
modificati e adattati.
Il film è uscito nelle sale negli
USA il 18 dicembre 2002, mentre in Italia il film è uscito nelle
sale il 16 gennaio 2003. Il film ha incassato circa
926.300.000 $ nel mondo, di cui 341.786.756 $ solo negli USA.
In Italia il film ha ottenuto un ottimo successo di
pubblico, con incassi di circa 20.546.529 €, contro i 21.430.427 €
del primo film.
Sarà un caso, o una conseguenza
delle polemiche passate, ma pare che al prossimo Capri Hollywood in
programmazione dal 27 dicembre al 2 gennaio il film di Stee
McQueen12 Anni Schiavo verrà
presentato in anteprima nazionale senza la presenza di star a
promuovere il film.
L’attrice nominata ai
Golden Globe, Lupita Nyong’o, ha annullato
all’ultimento momento la sua presenza allamanifestazione isolana,
senza che siano stati ben spiegati i motivi.
Ci auguriamo che questa defezione
non sia stata causata dalle incomprensioni derivate dall’infelice
scelta promozionale della BIM Distribution in merito alla questione
ormai celebre dei manifesti del film. Infondo Antonio
Medici, direttore generale di BIM,
si è scusato e ha
spiegato con chiarezza quali erano in partenza le intenzioni
promozionali!
Intanto però il Capri Hollywood non
si farà mancare altre star molto famose, tra cui Chris
Cooper, oppure gli habitué Terry Gilliam, Michael
Radford e il produttore Mark Canton, per
chiudere in bellezzacon David O. Russell che
porteràil suo ultimo film American
Hustle. Presenti a Capri anche molti italiani
illustri: Sorrentino con La Grande
Bellezza, Valeria Golino e
Riccardo Scamarcio, e Gianfranco
Rosi con Sacro
GRA.
12
Anni Schiavo è tratto dall’incredibile storia vera
di un uomo e della sua battaglia per la sopravvivenza e la libertà.
Stati Uniti. Negli anni che hanno preceduto la guerra civile
americana, Solomon Northup (Chiwetel
Ejiofor), un nero nato libero nel nord dello stato di
New York, viene rapito e venduto come schiavo. Misurandosi tutti i
giorni con la più feroce crudeltà (impersonificata dal perfido
mercante di schiavi interpretato da
Michael Fassbender) ma anche con gesti di inaspettata
gentilezza, Solomon si sforza di sopravvivere senza perdere la sua
dignità. Nel dodicesimo anno della sua odissea, l’incontro con un
abolizionista canadese (Brad
Pitt) cambierà per sempre la sua vita.
La pellicola porta al cinema
l’autobiografia, datata al 1853, di Solomon Northrup
(Chiwetel
Ejiofor) un nero libero dello stato di New York, che
venne rapito e venduto come schiavo. Di fronte a crudeltà
(personificata dal terribile schiavista, interpretato da
Michael Fassbender), così come a gentilezze
inaspettate, Salomon lotta non solo per rimanere in vita, ma per
conservare la sua dignità. Nel dodicesimo anno della sua
indimenticabile odissea, un fortuito incontro con un abolizionista
canadese (Brad
Pitt), cambierà per sempre la sua vita.
Sylvester Stallone
e Robert De Niro sono due combattenti nella storia di
Hollywood, protagonisti sul ring dal 1970 con Rocky e
Toro Scatenato, ma quest’anno il duo ha preso una bella
batosata al botteghino. Il Grande Match, uscito nelle
sale americane a Natale, con i suoi incassi non è nemmeno arrivato
nella classifica dei dieci film più visti del mese e le previsioni
per le prossime settimane non sono affatto rosee. Il produttore
della Warner Bros, Bill Gerber, aveva sperato che riportare
non una, ma ben due vecchie glorie sul grande schermo, gli portasse
lo stesso successo ottenuto nel 2008 con Grand
Torino, interpretato da Clint Eastwood, che aveva
incassato 270 milioni dollari in tutto il mondo. Ma finora,
Il Grande Match si è rivelato un fallimento
finanziario.
Costato 40 milioni
di dollari, probabilmente riuscirà appena a coprire le spese di
produzione, chiudendo un anno infelice per Sylvester
Stallone e Robert De Niro.
Bullet to the Head, il
più recente film d’azionedi Stallone (sempre distribuito dalla
Warner Bros.), è stato uno dei grandi flop del 2013, guadagnando
solo 9,4 milioni dollari in tutto il mondo per un budget di 55
milioni. D’altro canto, The Big Wedding, prodotto
dalla Lionsgate, interpretato da De Niro e Diane
Keaton, l’anno scorso ha incassato solo 21 milioni di dollari, a
fronte dei 35 milioni che era costato.
Entrambi gli attori avranno però
modo di riprovarci nel 2014: Stallone si prepara a lanciare un
terzo capitolo per i suoi Mercenari ad agosto, mentre De
Niro ha diversi progetti all’orizzonte, tra cui una nuova commedia
The Intern, con co-protagonista Reese Witherspoon.