In molti definiscono le sue interpretazioni affascinanti, aggressive e pungenti con un stile a tratti menefreghista e schivo a tratti essenziale e duro. Molto spesso, proprio per questo, lo si ritrova nel ruolo di “cattivo”. E’ conosciuto come Mr Orange, come Zucchino, il rapinatore di caffetterie o come il pianista Novecento: è Timothy Simon Smith o più semplicemente Tim Roth.

Figlio di un giornalista e di una pittrice di paesaggi, nasce a Londra il 14 maggio del 1961. Il suo cognome tedesco Roth è frutto di un’espediente del padre per nascondere la reale nazionalità della sua famiglia nel periodo della seconda guerra mondiale, mentre si ritrovarono a viaggiare in paesi ostili all’Inghilterra e in segno di solidarietà per le vittime dell’olocausto.

Il giovane Tim, nonostante la sua famiglia appartenesse alla middle class inglese e sia in grado di offrirgli degli studi in una scuola privata, non si mostra particolarmente dedito all’apprendimento e finirà con il diplomarsi alla scuola pubblica, la Strand School di Tulse Hill. Prosegue gli studi volenteroso di seguire le orme artistiche materne e si specializza in scultura alla Camberwell College of Arts ma non sarà questa la sua strada: dopo diciotto mesi abbandona l’istituto per dedicarsi alla recitazione, un esordio che avviene nei bar e nei piccoli teatri londinesi.

Nel 1982 che arriva la botta di fortuna: a causa di una gomma della bicicletta forata si ritrova di fronte alla Oval House dove entra per chiedere in prestito una pompa e dove stavano avvenendo le audizioni per una serie tv Made in Britain. Grazie all’interpretazione particolarmente incisiva di uno skinhead neonazista del 1962 riesce a farsi ben notare dai produttori inglesi per il suo stile aggressivo e per la foga con cui affronta il suo personaggio. Nello stesso periodo partecipa anche un episodio del telefilm Not Necessarly dove paradossalmente interpreta un ruolo di un omosessuale, interpretazione molto distante dalla precedente, con un discreto successo. Ma è grazie all’amico Gary Oldman, conosciuto nella stessa compagnia teatrale, che prende parte al film Meantime di Mike Leigh dove interpreta un giovane uomo con disturbi mentali, ruolo che Roth considera ancora oggi uno dei sui migliori progetti. I primi anni ’80 gli portano fortuna: dalla sua relazione con Lori Bake, nel 1983 nasce il figlio Jack.

Tim Roth: da Mr. Orange a Principe di Monaco

Il suo esordio, e una nomination ai BAFTA come migliore scoperta, arrivano però con il noir Vendetta (1984) nei panni del misterioso Myron. Se la prima metà degli ’80 lo vedeva in ascesa non si può dire lo stesso purtroppo per l’altra metà. Nel 1987 infatti la sua vita privata con la Baker collassa e dal punto di vista lavorativo non riesce a trovare nulla che soddisfi le sue aspettative: si accontenta di fermarsi per un po’ a Parigi dopo le riprese di To Kill A Priest nel 1988, accumulando qualche debito ma riuscendo a starsene via da una Londra dalla prospettiva sempre più tetra. Ritorna in patria per vedere la sua situazione anche peggiorata. La ex vive con il figlio a New Cross, mentre lui si accontenta di vivere in un malandato appartamento a Sydenham, bevendo un po’ troppo e “prostituendosi”, com’è nelle sue parole, a lavori cinematografici che assolutamente non sono nelle sue corde.

Tim Roth non si scoraggia: gli anni successivi saranno completamente dedicati a rafforzare il suo personaggio e la sua formazione artistica e puntare sempre più in altro recitando nel crime-drama The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989), prestando particolarmente attenzione alla costruzione del personaggio di Vincent Van Gogh in Vincent & Theo (1990) e tornando nuovamente a recitare con Oldman in Rosencrantz e Guildenstern sono morti (1990). Tim Roth ha un obbiettivo molto chiaro: il sogno americano.

L’incontro con  Quentin Tarantino sarà provvidenziale per la sua carriera e per portarlo via dall’Inghilterra: il regista visionario e talentuoso ancora agli esordi, vede in Roth il volto perfetto per il personaggio del poliziotto infiltrato Mr Orange in Le Iene, il gangster movie del 1992, dove la storia si snoda sul filone della sfortunata rapina mano armata di diamanti. La leggenda vuole che il provino si sia consumato in un bar di Los Angeles alimentato dall’alcool, e Roth non ha tardato ad accettare la parte.

L’America gli darà infatti non solo lavoro e successo, ma anche una moglie, la biondissima Nikki Butler, sposata in Belize nel 1993, e due figli: Timothy Hunter (1995) e Michael Cormac (1996), nomi presi dagli scrittori preferiti della coppia, ovvero Hunter Thompson e Cormac McCarthy. I due si sono conosciuti durante il Sundance Film Festival del 1992.

Dopo quest’interpretazione di Mr Orange e il matrimonio, si rivela essere, nel 1994, il perfetto rapinatore di ristoranti soprannominato Zucchino da Amanda Plummer in Pulp Fiction, film capolavoro assoluto di Tarantino degli anni 90. Roth, collabora per la terza volta con l’ormai affermato regista in Four Rooms (1995). L’attore inglese pare inarrestabile: per levarsi velocemente di dosso lo stereotipo di attore tarantiniano (vedi Uma Thurman, Samuel L Jackson), recita nello stesso anno in Little Odessa e Cuore di Tenebra ma soprattutto, non ancora del tutto soddisfatto, con Rob Roy (1995) si cuce definitivamente addosso il ruolo del cattivo per antonomasia interpretando il il cinico e fatuo Archibald Cunningham, una performance che gli vale la candidatura all’Oscar.

“La conquista della terra, per lo più, vuol dire portarla via a chi ha una pelle diversa e un naso leggermente più schiacciato del nostro. Non è molto carino se ci si riflette a fondo.”
Cuore di Tenebra (1994)

L’anno seguente, desideroso di mettersi continuamente alla prova e recitare in ruoli il più diversificati possibili, si ritrova a far parte della brillante commedia diretta dal genio di Woody Allen, Tutti dicono I Love You, e affiancato da Julia Roberts e Goldie Hawn. Roth è già uno degli attori più versatili e camaleontici del periodo, in grado di adottare accenti diversi, tanto da venire addirittura spesso scambiato per nativo americano. Tra il 1995 ed 2008 partecipa infatti a qualcosa come 29 film: è protagonista di Libertà vigilata (1997), L’impostore (1997), con Chris Penn e Renée Zellweger e Gridlock’d – Istinti criminali, al fianco dell’attore/rapper Tupac Shakur.

Nel 1999 interpreta Novecento, un ruolo magistrale e toccante nel film La leggenda del pianista sull’oceano dell’italianissmo Giuseppe Tornatore: nonostante abbia ammesso di non essere assolutamente in grado di suonare il piano è davvero Tim Roth “che fa finta di suonare”, gli è stato insegnato l’esatto movimento da fare e le posizioni corrette delle dita. L’interpretazione di Danny Boodman T.D. Lemon Novecento resterà sempre una delle preferite dei suoi fan. Altro grande personaggio che influirà sulla sua via, sarà il malinconico Wim Wenders che prima lo dirige in una piccola parte ne The Million Dollar Hotel (2000) con Mel Gibson, poi gli offrirà una parte più cospicua ne Non bussare alla mia porta (2005). Ama Tim Roth per lo stesso motivo per cui è apprezzato dall’Europa e dall’America: perché è graffiante, sempre significativo e nitido nella recitazione. Lo stesso Roth desideroso di concedersi un po’ a Hollywood, lo fa con la commedia Magic Numbers (2000) con John Travolta poi torna in Europa con Vatel (2000) con Gérard Depardieu e un incerto D’Artagnan (2001) con Catherine Deneuve.

“Me lo chiedo ancora se ho fatto bene ad abbandonare la sua città galleggiante e non lo dico solo per il lavoro. Il fatto è che un amico come quello, un amico vero, non lo incontri più se solo hai deciso di scendere a terra, se solo vuoi sentire qualcosa di solido sotto i piedi e se poi intorno a te non senti più la musica degli dei. Ma, come diceva lui, non sei fregato veramente finché hai da parte una buona storia e qualcuno a cui raccontarla.” La Leggenda del pianista sull’oceano (1998)

Proprio a causa del suo carattere inaccontentabile e una voglia irrefrenabile di mettersi sempre in gioco, Tim Roth decide di verificare lui stesso cosa significa stare dietro la macchina da presa: Zona di guerra è il titolo del suo film al debutto alla regia e, magistralmente, la pellicola è un successo in tutta l’Europa, tanto da meritarsi l’European Film Award per la migliore scoperta dell’anno. La storia che l’ha rapito e spinto a intraprendere l’impresa alla regia è tratta dal romanzo di Alexander Stuart raccogliendo nel cast Ray Winston, Tilda Swinton e Colin Farrell, una storia che ruota attorno al tema degli abusi familiari, un tema molto vicino a Tim Roth che rivelerà solo in questi anni di essere stato a sua volta una vittima proprio di tali abusi in tenera età, anche se non dirà mai di chi pur precisando che non si tratta di un membro stretto della sua famiglia.

Torna in breve davanti la macchina da presa per Tim Burton che lo vuole come antagonista “scimmiesco” del suo remake Planets of Apes – Il pianeta delle scimmie (2001), venendo molto apprezzato anche dal pubblico più giovane che lo nomina miglior cattivo all’MTV Award: il ruolo di villain è decisamente quello che gli calza meglio. Iil remake di Burton lo impegnò particolarmente ed è questa la causa per la quale rifiuta il ruolo di uno dei personaggi più ambigui del cinema, quello di Severus Piton in Harry Potter e la Pietra Filosofale (2001), parte che viene assegnata ad Alan Rickman: dice Roth “Avrei dovuto fare tutti e due i film, volare dal set americano di Tim a quello inglese di La pietra filosofale. I miei figli non me lo hanno ancora perdonato.”

Vanta una filmografia smisurata ma sono tuttavia  sono degne di nota le sue interpretazioni di Emil Blonsky ne The Incredible Hulk (2008) della Marvel, Dominic in Un’altra giovinezza (2007) di Francis Ford Coppola, dove ha dovuto parlare e recitare in diverse lingue ovvero cinese, latino, armeno, tedesco e sanscrito. Particolarmente rilevante anche la parte del padre di famiglia vittima delle torture di due sadici sconosciuti nel remake di Funny Games (2008) con Naomi Watts, un ruolo che, afferma, è stato il più disturbante tra tutti quelli che abbia mai fatto “Sono state cinque settimane di lacrime. È stato brutale: si è trattata di una delle volte peggiori sul set per me. Non avrei mai voluto guardarlo!”

Tim Roth serie tv

Dal 2009 al 2011 si dedica,  seguendo le orme di altri suoi colleghi come il caso di Hugh Laurie alias Dr House, al piccolo schermo facendosi amare come il misterioso dottor Cal Lightman per la serie tv trasmessa da Fox, Lie to Me, in cui Tim Roth è un esperto di cinesica (comunicazione non verbale) ed infallibile nel comprendere quando le persone mentono, semplicemente guardandole negli occhi. Pare che la fortunata serie tv sia servita per le sue finanze, desideroso di ritentare in futuro la carriera da regista. Dopo il thriller finanziario di Nicholas Jarecki, La Frode (2012), tornerà ad ammaliarci nel recentissimo Grace di Monaco, film che il 14 maggio apre il festival di Cannes in cui interpreta il principe Ranieri III di Monaco: ruolo inaspettato quello del “principe” come dichiarato da lui stesso ma al nostro Tim Roth piace moltissimo mettersi in gioco  e ce l’ha dimostrato alla perfezione in tutti questi anni, non cucendosi una sola etichetta addosso ma riuscendo sempre a emergere e a distinguersi in ruoli sempre diversificati, un acclamato e affascinante talento che ha saputo costruirsi una carriera andando oltre il suo aspetto.

Uno sguardo unico ed una personalità intrigante, estremamente simpatica e divertente che traspare dalle sue interviste, tanto quanto la sua modestia e la sua voglia di starsene fuori dalle luci della ribalta. Tim Roth è stato il cattivo, il pianista, il ladro, il dottore, il principe e molto altro, un personaggio assolutamente camaleontico e in grado di accettare ogni tipo di sfida e purtroppo, molto spesso, un fenomeno assai sottovalutato e che meriterebbe molto di più.

Disegnatore ed autore complesso, creatore di mondi profondamente personali ed autobiografici, il cinema di Tim Burton è popolato da inquietanti ombre che si riflettono sul volto, quasi sempre pallido ed infossato, dei suoi protagonisti, teneri mostri incompresi caratterizzati da sentimenti spesso molto più umani rispetto a quella controparte di persone “normali” che tanto li rifiutano e fuggono.

Tim Burton, filmografia

L’intera filmografia di Tim Burton è attraversata da una linea allo stesso tempo macabra e gentile, spaventosa ma divertente, come a voler esorcizzare demoni e paure nascoste quali la morte, il diverso, una dimensione in cui i “freaks” burtoniani si rifugiano per allontanarsi da un mondo che li ha attirati a sé spinto dalla curiosità, per poi rinnegarli brutalmente data la loro natura avulsa e anticonformista; calati in scenografie contorte e surreali, che riflettono pienamente il loro stato d’animo in perenne conflitto tra luce ed ombra, questi “figli del diverso e dell’incompreso“, una volta cacciati da quel mondo ordinario che avevano tentato di approcciare, scelgono di tornare nella loro dimensione oscura spesso con una mal celata serenità: nonostante la profonda sofferenza e solitudine cui saranno destinati, il conforto di poter vivere in una dimensione “altra” e tutta loro è innegabile, un sollievo che gli permette di gettare uno sguardo personale e distorto su quel mondo esterno non dimostratosi all’altezza della loro struggente sensibilità, un luogo che, forse, è più consigliabile sognare piuttosto che  vivere.

Tim Burton, biografia

Nato nel 1958 a Burbank, Timothy William Burton vive un’infanzia popolata dalla visione di tutti i classici Horror prodotti dalla Universal Pictures e dalla Hammer Film Productions , lasciando che la potenza evocativa di quelle immagini conquisti la sua fervida mente: sin da piccolo dimostra infatti una crescente attrazione nei confronti dei più famosi mostri cinematografici di sempre, dal Frankestein di Boris Karloff al Dracula di Bela Lugosi, passando poi per un’infinità di pellicole di serie b che contribuiranno ad accrescere il suo immaginario personale. Appena diciottenne, frequenta la California Institute of Arts, per poi essere assunto dalla Disney come animatore, un’esperienza che però si rivelerà molto frustrante per lui, costretto a piegarsi alle esigenze artistiche di un mondo, quello della casa di Topolino, stilisticamente ben lontano dal suo.

Nel 1982 gira “Vincent”, il suo primo cortometraggio realizzato con la tecnica dello stop motion, ispirato al leggendario attore Vincent Price; atmosfere lunari e cupissime, eventi macabri e conditi da un’ironia spesso crudele e compiaciuta, danno vita a questo prodotto dalla breve durata ma efficacissimo nel tratteggiare alcune delle ossessioni più ricorrenti di Burton. Due anni dopo è la volta di “Frankeweenie”, tenera rivisitazione del mito di Frankestein in cui un bambino tenta di riportare in vita il suo cane recentemente investito da una macchina. Il conflitto società-mostro emerge ancora una volta, immergendo lo spettatore in una fiaba nera che ribalta ogni convenzione che ci si possa aspettare di trovare in una storia sull’amicizia tra un cane ed il suo padrone, tingendo di nero e di esperimenti folli un cortometraggio dall’atmosfera straniante e divertente allo stesso tempo.

Tim Burton, la filmografia

Nel 1985, finalmente, Tim Burton realizza il suo primo lungometraggio, “Pee-wee’s Big adventure”, basato sul personaggio televisivo di Pee-wee Herman, un giovane uomo dal temperamento estremamente fanciullesco e gioviale, deciso ad intraprendere un viaggio ricco di strambe avventure al fine di ritrovare la sua bicicletta rubata, verso la quale nutre un amore quasi maniacale; coloratissimo e surreale, il film è un grandissimo successo sia di critica che di pubblico, oltre a rappresentare la prima collaborazione tra Burton ed il musicista Danny Elfman, che diverrà un suo collaboratore quasi fisso.

L’anno di Beetlejuice – Spiritello porcello

Nel 1988 realizza il divertentissimo “Beetlejuice – Spiritello porcello”, commedia nera in cui una coppia di fantasmi, morta di recente, si rivolge ad un bio-esorcista (interpretato da uno straordinario Michael Keaton) al fine di scacciare una famiglia di “vivi” venuta ad abitare nella loro casa; scurrile, scorretto e pungente, il film colpisce per il suo continuo vizio di ribaltare i luoghi comuni più abusati, tanto che chi osserva si ritrova a parteggiare per una coppia di spettri innamorati.

Il film si aggiudicherà inoltre un Oscar per il miglior Trucco. Il 1989 è un anno fondamentale per Tim Burton, quando gli viene affidata la regia di “Batman” : tra una produzione estremamente preoccupata per lo stile troppo cupo del giovane regista e numerosi problemi economici, Burton riesce comunque a confezionare un film dalle atmosfere dense e nerissime, spogliando l’uomo pipistrello da ogni scontata convenzione supereroistica, rendendolo invece più simile ad un animale ferito e vendicativo, spesso fuori controllo; ad ostacolarlo, un Jack Nicholson che regala una performance strepitosa nel ruolo del Joker, storica nemesi di Batman.

Nasce nel 1990 la Tim Burton production che battezza il commovente “Edward mani di forbice”, pellicola personalissima per il regista, sulla quale, grazie all’enorme successo di “Batman”, ha un controllo pressoché totale; in questa favola incantata ed incantevole, Tim Burton tratteggia un personaggio struggente e dolcissimo, una creatura che incarna tutte le caratteristiche “mostruose” dei mostri cinematografici di un tempo, donandogli però un animo purissimo ed innocente che dovrà, ancora una volta, fare i conti con una società pronta a fagocitarlo e a corromperlo; alla pellicola partecipa Vincent Price, leggendario interprete di molti classici dell’horror, nel ruolo di uno scienziato.

Per Tim Burton è un sogno che si avvera: avrà infatti l’occasione di lavorare con uno dei suoi miti di sempre. Il film rappresenta, inoltre, la prima collaborazione con Johnny Depp (qui totalmente calato nella parte del protagonista), dando vita ad un sodalizio tra i due proficuo ed inossidabile.

Due anni dopo esce “Batman il ritorno”, che però non ottiene lo stesso successo del primo capitolo: il film è però un capolavoro, di gran lunga più cupo del predecessore, con Danny De Vito nei panni del Pinguino e Michelle Pfeiffer  in quelli di Catwoman, mentre Michael Keaton è di nuovo l’uomo pipistrello; trattando questi tre personaggi principali come fossero creature animalesche solitarie e deviate, Burton mette in relazione le ossessioni di ciascuno di essi, dando vita ad un trio di “freaks” che, psicologicamente, necessitano l’uno dell’altro per completare se stessi, il tutto nella cornice di un impianto visivo onirico e distorto. Recuperando una vecchia storia scritta ai tempi in cui lavorava alla Disney e avvalendosi della collaborazione dell’amico e regista Henry Selick, Tim Burton realizza “The Nightmare before Christmas”, gioiello in stop motion che segue le vicende della città di Halloween il cui personaggio più popolare, Jack Skellington, stanco della solita festa di paura da riproporre anno dopo anno, scopre che nella città del natale le celebrazioni hanno tutt’altra atmosfera e deciderà quindi di appropiarsene, con risultati disastrosi; il film è oggi divenuto un classico senza tempo, una gemma di ritmo e humor macabro, popolato da personaggi memorabili e impreziosito da una colonna sonora straordinaria, che ci cala in un mondo dove, ancora una volta, tutto viene visto attraverso gli occhi dei diversi, dei rinnegati, dei perdenti.

Nel 1994 Tim Burton omaggerà quello che oggi viene considerato come il “peggio regista di tutti i tempi”, ovvero Edward D. Wood Junior, autore, nella Hollywood degli anni ’50, di pellicole a bassissimo budget particolarmente brutte, ma dotate di una certa genuinità comica che permetterà al suo creatore di divenire un personaggio di culto; Burton, decidendo di girare in bianco e nero, crea un film che ripercorre le disavventure cinematografiche di Ed Wood (interpretato da Johnny Depp) e della sua sgangheratissima troupe, in una pellicola che è un atto d’amore verso tutto quel cinema di “bassa lega” che tanto Burton aveva amato da bambino. Seguono “Mars Attack” (1996) e “Il mistero di Sleepy Hollow” (1999): il primo è un chiaro omaggio alla fantascienza anni ’50 tanto cara al regista, un film di cui Ed Wood stesso sarebbe stato fiero, dichiaratamente comico, demenziale ed irriverente, che si prende gioco di tutti i tòpoi del genere, con il chiaro intento di divertire (da ricordare che le fattezze degli alieni del film sono ispirate ad una serie di figurine pubblicate nel 1962).

Il secondo, tratto dal classico della letteratura statunitense di Washington Irving incentrato sulla figura del cavaliere senza testa, è un horror splendidamente realizzato e debitore delle atmosfere dei classici della Universal anni ’30, di cui riprende anche i toni talvolta ironici, mescolandoli abilmente a quelli spaventosi; la fotografia estremamente desaturata dona alla pellicola un’aria sfuggente, come fossimo sospesi in un incubo fatto di sangue e teste mozzate, in cui Burton dà libero sfogo a tutto quell’immaginario gotico accumulato durante gli anni. Segue il remake de “Il pianeta delle scimmie” , un film su commissione che si rivelerà essere anche uno dei meno riusciti di Tim Burton, che darà vita ad una pellicola poco ispirata anche se estremamente curata tecnicamente, verso la quale però dimostrerà sin da subito scarso interesse, anche a causa di una produzione invadente e non così disposta a garantirgli libertà di scelte artistiche.

Con “Big Fish” (2003), torna in territori a lui più congeniali, adattando il romanzo di Daniel Wallace incentrato sulla storia di un figlio che tenta di fare chiarezza sulla vita del padre, instancabile narratore di storie fin troppo fantasiose e assurde riguardanti varie vicende della sua esistenza; Burton firma il suo film più “solare”, non rinunciando al suo solito tratto fiabesco e surreale quando si tratta di tradurre in immagini le fantasie dei personaggi. Complice forse anche la scomparsa del padre del regista, avvenuta poco prima l’inizio della lavorazione, Big Fish è sentito, toccante e malinconico nell’esplorare il rapporto conflittuale del protagonista con suo padre, un rapporto sicuramente non così diverso da quello che c’era tra Burton e suo padre, verso il quale si è sempre sentito, per sua stessa ammissione, umanamente “distante”. Due anni dopo adatta il celebre racconto “La fabbrica di cioccolato” di Roald Dahl, traendone un film profondamente diverso da quello realizzato negli anni settanta con Gene Wilder nel ruolo del cioccolatiere Willy Wonka; Tim Burton segue fedelmente il libro, piegandolo però totalmente al suo stile sia dal punto di vista visivo (ottenendo risultati portentosi) che da quello narrativo, aggiungendo variazioni in linea con le sue ossessioni: quello che era un classico racconto di formazione, nelle sue mani diviene anche un viaggio all’interno del mondo di un cioccolatiere stralunato e malinconico, che ha fatto della sua fabbrica la sua prigione per fuggire il mondo esterno. Nel ruolo di Willy Wonka, un Johnny Depp superlativo e in grado di cogliere ogni sfumatura del personaggio. Sempre del 2005 è “La sposa Cadavere” , altro film in stop motion che ci presenta uno spassosissimo confronto tra il mondo dei vivi (deprimente e grigio) e quello dei morti (festoso e coloratissimo) quando il giovane Victor si ritrova sposato, per un grossolano errore, con il cadavere di una dolce fanciulla. Si cimenta poi con il musical “Sweeney Todd: il diabolico barbiere di Fleet Street” (2007), adattando il leggendario spettacolo teatrale di Broadway firmato da Stephen Sondheim, un musical atipico che parla di vendetta, cannibalismo ed omicidi, con personaggi sempre in bilico tra il comico ed il terrificante.

Ne esce uno dei film più disillusi e violenti del regista, che sembra rinunciare in parte alla sua solita dimensione da “sogno” per gettarsi nella cruda realtà di una storia torbida e disperata, sfruttando i geniali testi delle canzoni per condire il tutto con il solito umorismo, stavolta più nero del solito.

Tim burton torna in Disney per Alice nel paese delle meraviglie

Tornerà poi a lavorare su commissione per la Disney con una nuova versione di “Alice nel paese delle meraviglie” , traendo spunto anche dal successivo romanzo di Lewis Carroll “Attraverso lo specchio” e fondendone insieme gli elementi: il risultato è un clamoroso successo di botteghino, a discapito però dell’integrità artistica in quanto, pur essendo un prodotto di intrattenimento visivamente d’impatto, cede spesso il passo ad esigenze commerciali strettamente legate alla casa di produzione; gli elementi burtoniani non mancano, ma sono stavolta riconoscibili solo da chi abbia seguito questo regista da sempre, rendendo il film un strano mix di ottimi spunti ma anche di scontatezza, non aiutato da un 3D pessimo che ne svalorizza il pregevolissimo impianto visivo. Il 2012 sarà invece l’anno di “Dark Shadows”, una horror/comedy tratta da una famosa soap opera degli anni ’60 caratterizzata da vampiri, licantropi e fantasmi e di una nuova versione in stop motion di “Frankweenie”, entrambi ancora in lavorazione e attesissimi.