I Classici Disney sono celebri per le principesse, le avventure, le magie, gli eroi, tuttavia anche i duelli e le lotte corpo a corpo degli eroi contro i villain rappresentano una parte avvincente di queste storie immortali, e di seguito, ecco i duelli più belli tra eroi e villain mai visto al cinema nei Classici Disney.

Tarzan vs Clayton

Uno dei migliori combattimenti Disney arriva alla fine di Tarzan, quando l’eroe cresciuto nella giungla si scontra con Clayton. Dopo che Clayton spara e uccide Kerchak, Tarzan si infuria e cerca di combattere per salvare la sua famiglia di scimmie dal cacciatore, il che porta a un acceso combattimento trai due.

Il modo in cui viene raccontata la battaglia, che si avvale delle ombre e dell’oscurità, rende lo scontro epico e indimenticabile. Il tutto è reso ancora più intenso dalla brutalità della morte di Clayton, quando finisce impigliato e impiccato alle liane. Tale brutalità non si vede molto spesso nei film Disney!

Quasimodo vs Frollo

Il Gobbo di Notre Dame è un film Disney incredibilmente sottovalutato che presenta molti momenti incredibili. Ha personaggi e musica fantastici, e culmina in una delle più grandi scene di combattimento della Disney, quella tra Quasimodo e Frollo.

Avendo luogo in cima al campanile con la città in fiamme ai loro piedi, già gode di uno scenario mozzafiato, tuttavia la lotta in sé è davvero emozionante. Mentre si accapigliano, cercando disperatamente di non precipitare verso la morte, e c’è un sentimento di paura autentico, che rende lo scontro ancora più epico.

Scar vs Simba

Il fatto che questa scena di combattimento sia il grande momento de Il Re Leone, uno dei film più iconici della Disney aiuta sicuramente, ma la grande battaglia tra Scar e Simba è certamente epica. Mentre l’intera lotta, in generale, è di grande intrattenimento, con le iene che cercano di mantenere la propria posizione, è lo scontro trai due leoni che calamita l’attenzione dello spettatore, grande o piccolo che sia.

Con uno scenario di fuoco che incornicia alla perfezione la scena, Simba è stato finalmente in grado di vendicare il padre per le azioni di Scar di tanti anni prima. Le bugie di Scar sono state rivelate al resto del branco e lo scontro trai due, con il trionfo di Simba, non può essere dimenticato.

Baymax & Co vs Robert Callaghan

Considerando che Big Hero 6 è la versione Disney di un film di supereroi, non sorprende che possa presentare una scena di combattimento davvero fantastica. Robert Callaghan, che sfrutta al massimo la tecnologia che ha rubato, ha dimostrato di essere un avversario molto duro per Baymax e la sua squadra.

Lo scontro si conclude con una battaglia incredibile, in cui ogni supereroe ha la possibilità di mostrare le proprie abilità individuali, mentre alla fine lavorano insieme per superare la situazione. È una battaglia colorata e vibrante, incredibile da guardare.

Filippo vs Malefica

I film delle Principesse Disney potrebbero non essere i primi film con combattimenti epici che vengono in mente, tuttavia, La Bella Addormentata nel Bosco fa eccezione e mostra il più grande e bel combattimento tra villain ed eroe a memoria di Classici Disney. Non solo la scena è grandiosa, ma si svolge anche coinvolgendo uno dei migliori villain della storia della filmografia della Casa di Topolino.

L’incredibile combinazione di colori di questa scena, mentre il Principe Filippo guarda coraggiosamente la bestia nera e viola, è quella che rimane impressa nella storia del cinema. È una scena classica, sicuramente una che il pubblico ricorda, e questo la rende a mani basse la migliore scena di combattimento della Disney.

Il fatto che i primi 22 film del Marvel Cinematic Universe implica che molti del film, soprattutto nella Fase 2 e 3, sono dei sequel. Sì, perché all’interno della Infinity Saga, c’è la saga di Iron Man, quella di Cap, di Thor, degli Avengers, e così via.

Ma, alla luce del fatto che ognuno ha il suo film Marvel preferito, qual è il gusto de grande pubblico? Quali sono i sequel migliori del Marvel Cinematic Universe? Ecco cosa ci dice il ranking di IMDb.

Ant-Man And The Wasp – 7.1

Questo pezzo del puzzle della Infinity Saga si adatta perfettamente al contesto, poiché la sua trama si svolge su un binario completamente differente. La storia infatti persegue la sorte di Janet Van Dyne e dà la priorità alle conseguenze di Captain America: Civil War. Si conclude anche con un gancio perfetto a Infinity War.

In definitiva, si tratta di un film spensierato che adotta con successo il tono del primo Ant-Man. Eppure raddoppia su tutto, comprese le strane battute ricorrenti e l’umorismo basato sulle dimensioni. Naturalmente, non piace a tutti. Alcune trame sono un po’ confuse e il marchio aziendale sembra più evidente. Ma è un prodotto incredibilmente divertente, che lavora con una sceneggiatura brillante e dal buon ritmo.

Iron Man 3 – 7.2

Il secondo Iron Man era così indaffarato a inserire tutti i riferimenti giusti, che è finito per essere un mezzo pasticcio. Il lavoro che Shane Black ha fatto con Iron Man 3 ha del miracoloso, visto quanto è riuscito ad aggiungere al MCU. Il film si concentra su Tony Stark invece che su Iron Man. In realtà racconta il trauma psicologico di Tony, in particolare dall’invasione aliena.

Anche se il nemico di Tony è un altro residuo dei suoi vizi passati, il film si prende molte libertà, e raccontare in quel modo il Mandarino è stata una scelta molto controversa. Ma la commedia d’autore di Shane Black funziona molto bene, e questo lo rende più un film suo che un film MCU, cosa che non si può dire spesso ed è sicuramente intrigante e divertente.

Avengers: Age Of Ultron – 7.3

È sempre un’impresa impressionante destreggiarsi tra il numero crescente di eroi nel MCU. Tuttavia, è stata una mossa intrigante introdurre un nemico creato per molti versi proprio da Tony Stark. Sfortunatamente, alcuni degli svantaggi del film includono il disordine e persino l’umorismo giovanile non sempre in tono.

Inoltre, la presenza di un altro robot senziente che è determinato a salvare la Terra distruggendo l’umanità non è affatto interessante. Ma la mitologia in espansione e i singoli archi sono decisamente interessanti. Per non parlare di alcuni entusiasmanti momenti dedicati ai fan, come la battaglia tra Iron Man e Hulk.

Spider-Man: Far From Home – 7.5

L’argomento principale che il film esplora è la pressione accumulata da Peter dopo la morte di Iron Man. È molto appropriato che Peter affronti un cattivo che si sarebbe dovuto scontrare con Iron Man stesso. Ma i cambiamenti di tono potrebbero non essere apprezzati da tutti. Sia le illusioni che il loro vero burattinaio sono sgargianti e folli.

E il senso dell’umorismo di Homecoming era più indirizzato ai ragazzini, invece dei toni da commedia pre-teenager che abbiamo qui. Tuttavia, le esibizioni, il ritmo e l’azione restano di prim’ordine per tutti.

Guardiani della Galassia Vol. 2 – 7.6

Proprio come il film precedente, c’è una leggera transizione verso un umorismo più fanciullesco. E la trama si basa ancora una volta sui problemi di Star Lord con i suoi genitori. Ma non si può negare l’enorme senso di divertimento generale dell’avventura. Il film si arricchisce di un concerto di grandi successi musicali, con una grafica accattivante.

Kurt Russell è un’aggiunta perfetta all’equipaggio, simpatico e pieno di quella gravitas necessaria al suo personaggio. Abbastanza da interpretare un villain davvero accattivante, una volta che la trama entra nel vivo. E la storia trova anche il modo di permettere a Star Lord di sconfiggere l’uomo che ha causato la malattia di sua madre. È un seguito appropriato, che offre tanto intrattenimento e una dose altissima di Baby Groot.

Captain America: The Winter Soldier – 7.7

Si tratta di un drastico cambiamento di ritmo rispetto al primo film. Il MCU ha adottato il metodo di maggior successo possibile per integrare Steve Rogers nei giorni nostri. Fondamentalmente lo hanno raccontato con lo stile di Jason Bourne, dal momento che l’eroe si confronta con un’agenzia governativa corrotta, con inseguimenti mozzafiato e combattimenti molto duri corpo a corpo.

Il taglio da spionaggio-thriller era davvero una scelta perfetta. Ogni tema, motivazione e nemico è tanto avvincente quanto le sequenze d’azione più intense. È un’avventura guidata dai personaggi con stimoli accurati, grande umorismo, maturità e acrobazie strabilianti.

Captain America: Civil War – 7.8

Un film epico di Vendicatori, visto attraverso gli occhi di Steve Rogers. Continuando il tono settato con Thw Inter Soldier, la stessa quantità d’azione e la maturità tematica il risultato è esaltante. La sete di vendetta di Tony Stark si scontra con vigore con la lealtà che Steve sente di avere verso l’amico d’infanzia.

Sarebbe un conflitto sufficiente, anche senza il tema degli Accordi di Sokovia, che alla fine coinvolgono tutti gli altri nella mischia. È vero, combattere gli amici provoca conseguenze nascoste. Ma il film rimane sorprendentemente intimo, pur offrendo uno spettacolo incredibile.

Thor: Ragnarok – 7.9

Ancora un altro franchise che è stato assolutamente stravolto, con Chris Hemsworth che finalmente ha potuto dare sfogo al suo potenziale comico. Questa volta, gli è stata concessa l’opportunità di sfoggiarlo. È una completa inversione del film precedente, che mirava a un tono deliberatamente sobrio e molto serio. Il risultato di quel film è stato quanto di più basso si sia mai visto nel MCU.

Il regista Taika Waititi ha invece regalato al franchise di Thor una sconcertante rivoluzione di rotta, realizzando una commedia totale. È geniale sia da un punto di vista della gag slapstick sia da quello della commedia per battute, ma la soggettività dell’umorismo non lascerà tutti soddisfatti.

Avengers: Endgame – 8.4

Si tratta di un film che usa con consapevolezza il viaggio nel tempo e rappresenta la conclusione di una storia durata oltre 10 anni. Inaspettatamente toccante, esplora metodicamente trauma, sconfitta e morte con un tono riservato e un ritmo accurato. Ma c’è comunque un sacco di umorismo, e l’assemblea di eroi per la guerra finale ha una portata sbalorditiva.

Le poche scene d’azione in questo film sono sicuramente elettrizzanti. Ma alla fine, la trama dà la priorità alla riflessione guidata dal personaggio. È ambizioso, divertente e creativo, un’esperienza soddisfacente sia per i fan della Marvel che per gli spettatori occasionali.

Avengers: Infinity War – 8.5

Questo film si riduce a una trama semplice, ma racconta anche una storia di origine di Thanos, che è assolutamente avvincente. Josh Brolin è un interprete carismatico e minaccioso per Thanos, e il lavoro con la CGI è in realtà desicamente convincente. Soprattutto, le motivazioni di Thanos sono chiare.

Il cattivo è fisicamente potente, ma i suoi metodi rivelano anche una grande intelligenza, è un avversario formidabile. Il suo rapporto con le sue figlie è affascinante e i suoi obiettivi terribili sono in realtà comprensibili. Questo film è pieno di azione, battute e nuovi incontri trai personaggi che vantano una grande chimica. E il finale è un audace pugno nello stomaco che molti non si sarebbero aspettati dalla Disney.

Non c’è nessun altra serie tv la cui popolarità o il cui impatto sull’immaginario collettivo sia no paragonabili a quelli di Friends. Ancora oggi, nonostante sia trascorsi più di venticinque anni dalla fine dello show, il cast continua ad essere amato e seguito dai fan di tutto il mondo. Eppure Rachel, Monica, Phoebe, Ross, Chandler e Joey – o meglio, gli attori che li interpretano -, hanno dato prova di altre ottime performance durante la loro carriera.

Sia prima, durante che dopo la fine di Friends, i protagonisti dell’iconica sitcom statunitense sono stati protagonisti di film e o di altri show televisivi fantastici che meritano di essere ricordati. Ecco perché, di seguito, abbiamo raccolto – per ognuno dei membri del cast (incluse alcune celebri “guest star” ricorrenti) – i 10 migliori ruoli oltre Friends:

Matt LeBlanc – Episodes

Anni dopo la sua esperienza in Friends, Matt LeBlanc ha recitato nei panni di stesso nella serie Episodes, andanta in onda per cinque stagioni sul network Showtime dal 2011 al 2017. La serie segue le vicende di due sceneggiatori televisivi britannici, intenti a scrivere il remake statunitense di una loro celebre serie di successo, che però viene totalmente stravolto dalla produzione USA: Matt LeBlanc, che il pubblico vede ancora e soltanto come Joey, cerca di modificare lo show per meglio adattarlo alle sue caratteristiche. La serie è purtroppo inedita in Italia. 

Matthew Perry – The Ron Clark Story

Un insegnante dotato e resiliente inizia a lavorare presso una scuola pubblica di New York, insegnando ad un gruppo di giovani svantaggiati il ​​valore dell’educazione. Dopo le prime lotte, inizia a legare con i suoi studenti e li aiuta a superare i loro problemi personali. In quella che è sia una storia vera che un film di grande ispirazione, The Ron Clark Story mette in mostra le migliori capacità recitative che Matthew Perry ha da offrire. Siamo molto lontani dal sarcasmo tipico di Chandler, con Perry impegnato in una prova drammatica e commovente.

Tom Selleck – Tre scapoli e un bebè

Tre scapoli vivono insieme e non potrebbero essere più contenti del loro stile di vita da playboy incalliti, fino a quando una bambina abbandonata davanti la porta di casa non li costringe a rivedere le loro priorità. A poco a poco, i tre iniziano ad affezionarsi alla piccola e a mettere gradualmente in discussione le loro vite. Tom Selleck era già una grande star prima del ruolo di Richard Burke in Friends (ruolo ricoperto dalla seconda alla sesta stagione), e uno dei suoi film più popolari rimane sicuramente Tre scapoli e un bebé.

Cole Sprouse – Riverdale

La città di Riverdale sembra un posto tranquillo con persone normali, ma la vita di Archie Andrews è tutt’altro che semplice, dal momento che una serie di oscuri segreti iniziano lentamente a svelarsi. Con Archie e il suo gruppo di amici ben lungi dall’essere innocenti, una rete di inganni ruoterà costantemente intorno alle loro vite. È sorprendente quanti non sappiamo che l’attore che interpreta Jughead Jones nella serie, ossia Cole Sprouse, interpretava anche Ben, il figlio di Ross, in Friends. L’attore è poi diventato famoso per il ruolo di Cody Martin nelle serie Disney Zack e Cody al Grand Hotel. 

Lisa Kudrow: Romy & Michelle

Romy e Michelle sono amiche da sempre e vivono insieme a Los Angeles.Quando ricevono un invito per partecipare ad una riunione di ex compagni di scuola, si rendono conto di non aver concluso molto nella propria vita: così decidono di presentarsi mentendo su chi sono e cosa fanno realmente. Interpretato da Lisa Kudrow al fianco del premio Oscar Mira Sorvino, in Romy & Michelle i fan di Friends troveranno nel personaggio di Michele Weinberger molto della Phoebe Buffay che hanno amato per 10 lunghi anni.

Courteney Cox – Dirt

La fusione di due importanti riviste spinge il caporedattore, Lucy Spiller, a perseguire mezzi lontani da qualsiasi etica giornalistica per raccontare nuove storie. Una volta che la sua discesa nell’oscurità ha inizio, Lucy inizia lentamente ad accettare il caos che un certo tipo di stampa può generare. Distaccandosi totalmente dalla dolce (anche se nevrotica) natura di Monica, Courteney Cox si immerge totalmente in un ritratto estremamente coraggioso del mondo dei media. Ci sono un sacco di personaggi cattivi con ​​cui la sua Lucy deve scendere a patti, e la stessa sembra catturare nella sua personalità tanto le caratteristiche del protagonista quanto quelle dell’antagonista di turno. In un episodio di Dirt, andata in onda dal 2007 al 2008 per solo due stagioni, appare anche Jennifer Aniston.

Paul Rudd – Altruisti si diventa

Dopo una tragedia personale, Ben, un ex scrittore depresso, diventa il badante di un adolescente disabile. Dopo aver appreso che il ragazzo vuole compiere un viaggio prima della data prevista della sua morte, Ben decide di esaudire il suo desiderio. Lungo la strada, faranno la conoscenza di tanti personaggi e impareranno che la vera amicizia può arrivare in modi del tutto inaspettati. Una storia molto toccante sull’amore e sulla perdita, Altruisti si diventa è il film perfetto per chi è alla ricerca di emozioni autentiche, con un Paul Rudd (fidanzato e futuro marito di Phoebe nelle stagioni 9 e 10 di Friends) impegnato a porre rimedio ai suoi fallimenti passati davvero in splendida forma.

Anna Faris – Take Me Home Tonight

Una coppia di fratelli e sorelle si reca ad un party di lavoro con entrambi che nascondono segreti ai rispettivi partner. Mentre la festa continua, ognuno capirà qualcosa di più sulla propria vita dopo una serie di alcuni divertenti imprevisti. Anna Faris (che nell’ultima stagione di Friends ha interpretato la madre surrogata dei gemelli di Monica e Chandler) ha spesso interpretato la ragazza che rovina la sua vita e deve ricostruirla in qualche modo, e Take Me Home Tonight offre all’attrice la possibilità di aggirare un cliché e giocarci in maniera sorprendente. Nel film recita al fianco del suo ex marito Chris Pratt.

David Schwimmer – American Crime Story

Dedicata al caso O.J. Simpson, la prima stagione di American Crime Story drammatizza gli eventi che hanno portato al procedimento giudiziario nei confronti dell’ex giocatore di football americano. Anni dopo i fatti, lo show porta alla luce numerosi dettagli che lo spettatore potrebbe non conoscere. David Schwimmer è sempre stato considerato l’attore più versatile del cast di Friends, e non esiste un esempio migliore a sostegno di questa teoria della sua interpretazione dell’avvocato Robert Kardashian. 

Jennifer Aniston – Cake

Una donna gravemente depressa affronta il dolore cronico e le conseguenze della morte della sua migliore amica. Con la vita apparentemente non più degna di essere vissuta, Claire finisce per imbattersi in una serie di eventi casuali che ritarderanno la sua decisione di porre fine alla sua sofferenza. Il personaggio di Rachel ha avuto molti momenti melodrammatici in Friends, ma Jennifer Aniston non si è mai trovato a dare una voce al dolore e al tormento come ha fatto in Cake, film dalla forte carica emotivo, che elogia la speranza a massima di vita, senza evitare di mostrare i lati negativi della depressione.

Fonte: Screen Rant

La moderna tecnologia e l’evoluzione del CGI hanno ridefinito i contorni dell’industria cinematografica e del prodotto audiovisivo finale, con ogni cosa che sembra ormai essere replicabile sul grande schermo. Ancora oggi, il green screen (il famoso schermo verde) viene comunemente utilizzato per dare vita a luoghi e situazioni che altrimenti non avrebbero mai potuto prendere vita al cinema.

Il risultato finale è spesso impeccabile, con i contorni tra realtà e finzione che diventano sempre più sfumati. Tuttavia, quello stesso risultato può a volte rivelarsi sconcertante e rovinare l’intero film. Ecco di seguito i 10 peggiori film girati interamente (o  quasi) attraverso l’impiego del green screen: 

Sky Captain And The World Of Tomorrow

Sebbene la tecnica del green screen non fosse affatto una novità quando Sky Captain and the World of Tomorrow uscì nel lontano 2004, è stato uno dei primi film ad essere interamente girato senza gli impiego di set costruiti. Ciò ha permesso al film di entrare in produzione facendo affidamento su un budget relativamente ridotto. Nonostante ciò, il risultato finale è molto lontano dall’essere qualcosa di eccezionale. Tra sfondi sfocati e un utilizzo delle luci alquanto sgradevole, il senso del realismo viene totalmente a mancare.

Sin City – Una donna per cui uccidere

Molto spesso il sequel di un film viene realizzato quasi subito l’uscita del predecessore: nel caso di Sin City – Una donna per cui uccidere sono trascorsi ben 9 anni dal primo film. Forse, è stata proprio l’attesa snervante a contribuire al flop della pellicola. Sebbene gli effetti visivi del sequel fossero affascinanti tanto quanto Sin City, per l’anno in cui è uscito sembravano ormai già superati. Con una storia poco brillante ed un’azione poco adrenalinica, il sequel sarà destinato a vivere per sempre all’ombra dell’originale. 

300 – L’alba di un impero

300 – L’alba di un impero soffre, in larga parte, degli stessi problemi che hanno “afflitto” lo sfortunato sequel di Sin City. Nonostante il film sia stato accolto molto bene dal pubblico, non c’è dubbio che l’originale sia nettamente superiore. Se 300 aveva citazioni memorabili, mostrando l’azione da un punto di vista più stilizzato, il sequel ha semplicemente fallito nel tentativo di innovare tecniche già usate in precedenza dal predecessore. Nonostante la performance di Eva Green abbia ricevuto tanti elogi, il resto del film non è stato così fortunato, restando nettamente inferiore all’originale.

Speed Racer

Dalle menti visionarie delle sorelle Wachowski, già dietro la fortunata trilogia di Matrix, un mondo stilizzato e fiorente ha preso vita in Speed ​​Racer grazie all’utilizzo del green screen. Purtroppo, il risultato finale ha lasciato molto a desiderare. Basato sull’omonimo manga, il film – da un punto di vista visivo – ricorda fin troppo la serie animata: tutto, dalle piste da corsa agli interni della casa dei protagonisti, appare fin troppo artefatto e poco realistico. 

Star Wars: Episodio II – L’attacco dei cloni

Sebbene Star Wars: Episodio II – L’attacco dei cloni utilizzi anche set costruiti, la maggior parte del film è stata girata grazie all’impiego del green screen. Questa tecnologia ha permesso di dare vita all’universo fantascientifico in un modo che sarebbe stato impossibile attraverso il solo impiego delle tecniche tradizionali. Il risultato finale, però, è stato un bel pastrocchio, con molte location apparentemente artificiali ed esteticamente inferiori alla trilogia originale, nonostante i decenni trascorsi le uscite al cinema delle due trilogie. 

Star Wars: Episodio I – La minaccia fantasma

Star Wars: Episodio I – La minaccia fantasma può essere considerato il pioniere di molte delle tecniche legate all’impiego del green screen che sarebbero diventate una pratica standard nel cinema mainstream. Tuttavia, quando il film è uscito nel 1999, la tecnologia semplicemente non era ancora al massimo del suo potenziale. A quel tempo gli effetti creavano più distrazione che altro, e col passere del tempo l’utilizzo di uno stridente green screen è diventato più evidente. Il risultato finale, purtroppo, è un film che si fatica – almeno esteticamente – a prendere sul serio.

Justice League

Nonostante il budget di oltre 300 milioni di dollari, Justice League sembra un film realizzato con un risorse assai ridotte. L’uso del green screen non è affatto un evento raro nei film di supereroi, ma in Justice League appare senza dubbio spropositato. La produzione notoriamente travagliata ha dato vita ad un film dal punto di vista estetico è forse il peggior cinecomic mai realizzato. Quella che doveva essere un’epopea in stile Avengers, è finita per assomigliare ad un videogioco dell’era targata PlayStation 2.

The Spirit

Dal 2000 in poi, la tecnologia ha subito un’evoluzione senza precedenti, e con lei anche la tecnica del green screen. Dopo l’uscita di The Spirit nel 2009, l’utilizzo del green screen era più diffuso che mai, con risultati tra i migliori che fossero mai stati raggiunti. Tuttavia, il film di Frank Miller è stato uno dei più grandi flop di quell’annata cinematografica, che ha deluso i fan e scatenato la ferocia della critica. Al di là degli effetti visivi, è stato il modo in cui gli stessi sono stati utilizzati per raccontare la storia e i suoi personaggi ad aver destato le maggiori perplessità. 

Missione 3D – Game Over

La maggior parte della storia di Missione 3D – Game Over si svolge all’interno di un videogioco: per dare vita a questo mondo, è stato utilizzato il green screen. Definire il risultato finale terribile è usare un mero eufemismo. Nonostante le immagini richiamino alla memoria l’assetto visivo tipico di un videogame, al tempo stesso la loro artificialità rende la visione del film a tratti insostenibile.

Le avventure di Sharkboy e Lavagirl in 3-D

Con oltre 1000 inquadrature piene zeppe di effetti visivi, che hanno richiesto lo sforzo combinato di undici diverse società di effetti speciali, Le avventure di Sharkboy e Lavagirl in 3-D è un film che non riesce mai a risultare convincente. Nonostante presenti diversi concetti e personaggi interessanti ed elaborati che sarebbero stati impossibili da ricreare con qualsiasi altra tecnologia, al film manca completamente qualsiasi approccio realistico, senza considerare una storia talmente fiacca che forse neanche i bambini saranno in grado di digerire.

Fonte: Screen Rant

Non è un segreto che l’Academy non sia una sostenitrice accanita del genere horror. Troppo spesso, anche agli occhi dei membri della prestigiosissima organizzazione, l’horror è considerato un genere di serie b, inferiore ad altre forme di intrattenimento. Proprio per questo, nel corso di ben 92 anni, non abbiamo mai visto – salvo alcune dovute eccezioni (prendi L’esorcista o Il silenzio degli innocenti) – alcun film horror tra i grandi protagonisti della cerimonia di premiazione.

Anche oggi, in una realtà cinematografica dove il genere horror ha acquistato maggiore rilevanza rispetto al passato, gli Oscar continuano a non tributare il dovuto omaggio al genere. Ecco di seguito 10 grandi film horror che sono stati totalmente “snobbati” dall’Academy:

Hereditary – Le radici del male (2018)

Hereditary è probabilmente l’horror più acclamato dell’ultimo decennio. Su Rotten Tomatoes ha raggiunto un punteggio pari all’89%, mentre su Metascore una valutazione stellare pari ad 87. Il film è stato ampiamente apprezzato dalla critica, che ha lodato in particolar modo la straordinaria interpretazione di Toni Collette.

Erano in molti a sperare che l’attrice potesse conquistare la sua seconda candidatura agli Oscar (dopo la prima ottenuta grazie a The Sixth Sense – Il sesto senso), ma così non è stato. Un vero peccato!

Shining (1980)

Oggi, Shining di Stanley Kubrick è universalmente riconosciuto come una pietra miliare del genere horror, oltre ad essere un film che ha irreversibilmente segnato l’immaginario collettivo della pop-culture. All’epoca della sua uscita in sala, però, il film non venne accolto bene dalla critica, ed ottenne addirittura due candidature ai Razzie Awards (peggior regista e peggiore attrice a Shelley Duvall).

Anche l’Academy, l’anno successivo, snobbò totalmente il film: quantomeno, l’incredibile lavoro di Jack Nicholson doveva essere riconosciuto con una candidatura al migliore attore. Stiamo parlando di una delle performance più iconiche della storia del cinema…

Psyco (1960)

Psyco, probabilmente uno dei più grandi film horror mai realizzati, ottenne ben quattro candidature alla 33esima edizione degli Oscar: miglior regia, migliore attrice non protagonista (Janet Leigh), migliore fotografia e migliore scenografia. Tuttavia, il film non riuscì a portare a casa neanche una statuetta. Clamorosamente, non venne considerato né per il miglior film né per la miglior colonna sonora.

The Witch (2015)

The Witch è stato uno degli horror più acclamati dell’annata 2015. Ha ottenuto un punteggio pari al 90% su Rotten Tomatoes e una valutazione stellare pari a 83 su Metacritica. In particolare, la critica ne ha elogiato la sceneggiatura, la regia e la recitazione. Nonostante abbiamo ricevuto numerosi riconoscimenti a livello internazionale, inclusi il Directing Award al Sundance Film Festival e ben due Independent Spirit Awards, il film non ha ricevuto neanche una candidatura agli Oscar.

The Lighthouse (2019)

The Lighthouse è l’opera seconda di Robert Eggers, regista di The Witch. A differenze del predecessore, il film è stato considerato dall’Academy, pur sempre in minima parte: ha infatti ottenuto una candidatura all’ultima edizione degli Oscar per la miglior fotografia, ma ha perso contro 1917 di Sam Mendes.

Molti critici hanno sostenuto che anche le interpretazioni dei due protagonisti – soprattutto quella di Willem Dafoe – avrebbero meritato un doveroso riconoscimento. Per la sua performance nel film, Dafoe ha ottenuto una Satellite Award e un Independent Spirit Awards, ma nessuna nomination all’Oscar.

La cosa (1982)

Il fatto che l’Academy non abbia riconosciuto il lavoro de La cosa di John Carpenter a livello di trucco ed effetti speciali è ancora oggi uno dei più grandi misteri nella storia del premio. All’epoca della sua uscita, la critica non fu particolarmente indulgente con il film, che ottenne anche una candidatura ai Razzie Award per la peggior colonna sonora. Oggi il film è considerato a tutti gli effetti un cult del genere horror.

A Venezia… un dicembre rosso shocking (1973)

E parlando sempre di film horror che hanno ricevuto la giusta considerazione, non si può non citare A Venezia… un dicembre rosso shocking di Nicolas Roeg, da sempre considerato uno dei capisaldi del genere horrror.

E anche se il film non è stato accolto come La cosa di Carpenter, non ha comunque ricevuto dalla critica il plauso che avrebbe meritato. Il film ottene sette candidature alla 27esima edizione dei BAFTA, vincendo per la migliore fotografia. Agli Oscar di quell’anno non ottenne neanche una nomination.

Poltergeist – Demoniache presenze (1982)

Il 1982 è stato un anno veramente incredibile per Steven Spielberg, e non solo grazie all’uscita in sala del capolavoro E.T. – L’extra-terrestre, ma anche perché il celebre regista contribuì alla sceneggiatura e alla produzione di un vero e proprio classico del genere horror, Poltergeist – Demoniache presenze.

Il film ottenne tre candidature agli Oscar: miglior montaggio sonoro, migliori effetti speciali e miglior colonna sonora. Tuttavia, non riuscì a portare a casa alcun premio, nonostante in tutte e tre le categorie perse proprio contro E.T. 

Babadook (2014)

Babadook è stato uno degli horror più acclamati del 2014. Su Rotten Tomatoes ha raggiunto un punteggio pari al 98%, mentre su Metascore una valutazione stellare pari ad 86. Il film è stato universalmente acclamato, anche grazie alla performance della protagonista Essie Davis, ed ad oggi è già considerato un cult del genere. In patri il film è riuscito a conquistare numerosi riconoscimenti importanti, mentre gli Oscar hanno completamente ignorato la pellicola.

Carrie – Lo sguardo di Satana (1976)

Carrie – Lo sguardo di Satana di Brian De Palma è un altro celeberrimo horror a non aver ricevuto il giusto riconoscimento da parte dell’Academy. Nel 1977 il film ricevette soltanto due candidature: a Sissy Spacek e Piper Laurie, rispettivamente nominate come migliore attrice e migliore attrice non protagonista. Nessuna delle due riuscì però a portare a casa l’ambita statuetta, nonostante entrambi i loro ruoli sia oggi considerati assolutamente iconici.

Fonte: ScreenRant

La famiglia Weasley è sicuramente quella più amata nel mondo di Harry Potter. Sembra strano pensare che siano Purosangue, eppure lo sono eccome, anche se vogliono a tutti i costi vantare legami con i Babbani.

Sono rossi e un po’ scapestrati, tutti tranne mamma Molly, sono buoni e allegri, soprattutto sono la famiglia che Harry non ha mai conosciuto, e quindi anche la famiglia di lettori e spettatori.

Sebbene tutti, ognuno a suo modo, hanno provato di essere virtuosi e coraggiosi, qualcuno ha dimostrato di essere un po’ più goffo e noioso degli altri. Ecco quindi la Famiglia Weasley, dal più al meno noioso!

Percy Weasley

Percy Weasley è un insostenibile borioso pieno di sé. È preso in giro senza pietà dai suoi fratelli per il suo zelo, la sua passione per le regole e il suo comportamento pomposo. Tuttavia, ciò non gli impedisce mai di vivere la sua vita come vuole. Nonostante ciò, la fiducia può essere un vantaggio, e il suo lavoro con il Ministero della Magia gli offre molti vantaggi nell’alta società dei maghi, anche questo ha significato per un breve periodo, il tradimento della sua famiglia. Sappiamo però che alla fine si è pentito e ha combattuto a Hogwarts contro l’armata di Voldemort.

Arthur Weasley

Arthur Weasley, il patriarca della famiglia, si posiziona molto in basso nella scala della “ficaggine” di famiglia. È ben intenzionato ed è uno dei personaggi più buoni della serie, ma ha un sacco di aspetti che lo rendono goffo, tutti legati alla sua passione per i babbani e il loro mondo. Si eccita troppo per qualsiasi cosa legata ad essi e di conseguenza perde spesso la sua compostezza, caratteristica per lo può rendere simpatico ma anche imbarazzante.

Molly Weasley

Molly Weasley è la matriarca della famiglia e una madre meravigliosa, che tiene insieme una casa accogliente per la sua famiglia e i loro amici. Ha anche ucciso Bellatrix Lestrange, in uno dei momenti più cool della serie. Mentre ammette, in Harry Potter e il Calice di Fuoco, che era solita sgattaiolare fuori dal dormitorio dei Grifondoro dopo l’orario, cosa che la rende un po’ ribelle, è anche un personaggio molto apprensivo, e spesso perde la pazienza, oltre ad essere molto severe, come ogni madre con tanti figli un po’ ribelli.

Charlie Weasley

I fan non conoscono molto bene Charley Weasley, il secondogenito di famiglia, ma ciò che viene rivelato di lui è che è un tipo simpatico con un lavoro pericoloso ma incredibile, dato che addestra draghi in Romania. Harry e il pubblico lo incontrano ne Il Calice di Fuoco quando si unisce alla famiglia ai Mondiali di Quidditch, e si presenta di nuovo quando consegna draghi a Hogwarts per il Torneo Tremaghi. La descrizione fisica che ne abbiamo nei libri ci indica che è robusto e ha molte cicatrici da ustioni, che sono i risultati della sua professione. Sembra abbastanza cool, tutto sommato, ma lo vediamo troppo poco nei libri (e per niente nei film) per dargli una posizione più alta.

Ron Weasley

Ron Weasley è il migliore amico di Harry Potter ed è stato parte integrante e attiva della lotta a Voldemort e della distruzione dei suoi Horcrux. È il Weasley favorito dai fan, ma non è necessariamente il personaggio più fico, soprattutto rispetto ai suoi fratelli più avanti nella lista. È assolutamente terribile con le donne, non riesce a essere intenzionalmente affascinante nonostante sia un personaggio molto dolce, quando abbassa la guardia. Ad esempio, quando chiede a Fleur Delacour di andare con lui al Ballo del Ceppo, le urla in faccia l’invito, e poi scappa, senza nemmeno aspettare la sua risposta. Nel suo quinto anno, diventa una specie di eroe del Quidditch, cosa che lo fa diventare certamente più interessante.

Ginny Weasley

Ginny Weasley è l’unica femmina della cucciolata Weasley, è fichissima e sarebbe più avanti in classifica se non fosse che quelli che occupano le posizioni due e tre sono davvero i migliori. All’inizio della serie è molto goffa e innamoratissima di Harry, pur conservando l’amore per lui, cresce molto e si rivela una donna in gamba e una strega molto potente. Ha un paio di fidanzati che non appartengono a Grifondoro, dimostrando che è una persona simpatica in generale. Finisce anche per diventare una star del Quidditch ed è famosa per le sue fatture.

Fred e George Weasley

Non è possibile separare i gemelli Weasley poiché le loro gesta sono sempre intrecciate. I gemelli sono dei gran burloni e hanno la reputazione di organizzare grandi feste nella sala comune di Grifondoro. A volte però possono farsi prendere la mano. Ad esempio, quando lasciano che Dudley ingerisca delle caramelle che gli provocano seri danni emotivi. Anche se Dudley è un marmocchio viziato, ciò non scusa i gemelli che si fanno gioco di qualcuno più debole di loro poiché non può usare la magia. In più, ridono anche del trauma che gli infliggono. Tuttavia, la loro crudeltà viene bilanciata dalla loro genialità, e non si può negare che la loro uscita da Hogwarts in Harry Potter e l’Ordine della Fenice sia qualcosa che rimarrà nella memoria.

Bill Weasley

Harry lo dice meglio di qualunque altra descrizione possibile, quando incontra per la prima volta il maggiore dei fratelli Weasley, in Harry Potter e il Calice di Fuoco: “Non c’era altra parola per lui, se non fico“. È uno spezza-incantesimi per la banca Gringott, professione che lo porta a viaggiare per il mondo per affrontare compiti eccitanti e pericolosi. È incredibilmente bello e sposa la donna più bella della serie, Fleur. Inoltre, è sopravvissuto a un attacco di lupo mannaro, riuscendo a scamparla con solo qualche cicatrice. Bill è il più simpatico della famiglia Weasley, e il vincitore totale di questa classifica.

I film d’animazione sono tendenzialmente apprezzati ed amati dal pubblico di tutte le età, non soltanto dagli spettatori più giovani ai quali sembrano essere destinati in maniera esclusiva. Il processo di realizzazione di un film animato – spesso certosino e assai scrupoloso – è affascinanti e complesso, ma spesso non è conosciuto  o compreso da tutti, nonostante gli innumerevoli capolavori che l’animazione è stato in grado di regalarci in tutti questi anni di storia del cinema.

L’evoluzione della tecnologia ha permesso la realizzazione di film animati le cui immagini fossero sempre più ricche di dettagli e più vicine che mai alla realtà. Di seguito abbiamo raccolto i 10 film d’animazione più belli di tutti i tempi, classificati in base ai più eccellenti livelli di fotorealismo:

Il principe d’Egitto

L’epico racconto biblico Il principe d’Egitto fa affidamento ad un’animazione stilizzata, ma i livelli di realismo e di dettaglio catturati dal film sono davvero sorprendenti. I toni scuri del film si sposano alla perfezione con l’epoca e il mondo che vengono rappresentati.

Gli splendidi paesaggi dell’Egitto sono stati portati in vita attraverso l’impiego della migliore tecnologia che l’annata 1998 aveva da offrire. Visivamente, il film è ancora bello da guardare oggi: all’epoca della sua uscita rappresentò il film d’animazione più costoso della storia del cinema. 

Kubo e la spada magica

Realizzato attraverso la tecnica della stop-motion, Kubo e la spada magica racconta una storia fantastica in cui si mescolano streghe, mostri e fantasmi. Nonostante il forte tessuto narrativo tipico della fiaba, il film è in grado di restituire un livello di dettaglio e di realismo assai raro per una pellicola animata. Il film presenta anche uno dei modelli più grandi mai impiegati per un film in stop-motion (circa 18 piedi di altezza).

Anomalisa

Anomalisa racconta, in chiave apparentemente ironica, la storia di un esperto customer service che non è più in grado di connettersi con le persone. Il film, caratterizzato da una maturità disarmante, porta la firma inconfondibile del regista e sceneggiatore Charlie Kaufman, ed è infatti intriso di umorismo nero e di malinconia.

Attraverso lo stop-motion, Anomalisa punta al fotorealismo, con ogni dettaglio relativo ai personaggi (dalle acconciature all’abbigliamento) che rasenta la perfezione. Realizzato con un budget limitato, il film regala un livello di realismo a dir poco straordinario e viene spesso menzionato nelle classifiche dei migliori film dell’annata 2015.

Una tomba per le lucciole

Ambientato durante gli ultimi mesi della Seconda Guerra Mondiale, Una tomba per le lucciole è un racconto fortemente radicato nella realtà che racconta una bellissima storia di sopravvivenza. L’aspetto più emozionale e commovente del film si riflette anche nei suoi elementi visivi, con il mondo che circonda i personaggi rappresentato attraverso dettagli cupi ma sbalorditivi, un connubio potentissimo che non è facile trovare nei film d’animazione. Una tomba per le lucciole cattura magnificamente la tragedia di quel periodo attraverso la desaturazione dei paesaggi e delle città in rovina.

La città incantata

Anche se La città incantata presenta concetti e tematiche molto complessi per un film d’animazione tradizionale, riesce comunque a bilanciare i suoi toni surreali e fantastici con un devoto impegno al realismo che risulta comunque ineccepibile. Sebbene il film abbia quasi due decenni, risulta ancora oggi strabiliante dal punto di vista visivo.

Con paesaggi mozzafiato popolati di dettagli e sontuosi interni ricchi di particolari non sempre facili da cogliere, La città incantata è un film che sospende qualsiasi incredulità ma che riesce a non perdersi mai nella banalità, e che merita di essere visto più di una volta.

Le avventure di Tintin – Il segreto dell’Unicorno

Uscito nel 2011, Le avventure di Tintin: Il segreto dell’unicorno è stato realizzato attraverso l’utilizzo della motion capture, regalando agli spettatori un’avventura carica di realismo, sensazione che attraverso l’animazione tradizionale sarebbe stata impossibile da riprodurre. Anzi, è proprio grazie al connubio tra le tecniche dell’animazione e le interpretazioni “dal vivo” che il film è stato capace di costruire un aspetto visivo così unico. Nonostante l’eccessiva stilizzazione delle immagini, il film presenta un mondo ricco di dettagli e di personaggi elaborati.

The LEGO Movie

Sebbene The LEGO Movie non racconti di personaggi “umani”, riesce comunque ad emulare la nostra realtà in maniera sorprendente (oltre che divertente!). Gli iconici mattoncini prendono vita in modo entusiasmante, a tal punto da indurci a credere che siano “quasi” reali.

Il team creativo dietro il film si è ispirato alle varie compilation in stop-motion presenti sul canale YouTube ufficiale della LEGO per replicare le gesta e le azioni dei mattoncini. Inoltre, i personaggi del film caricati anche di una certa dose d’imperfezione, tramite graffi e impronte digitali che contribuiscono ancora di più a quel senso di realismo.

Your Name

Senza dubbio, Your Name del 2016 è uno dei film d’animazione in 2D più belli di tutti i tempi. Questo dramma incentrato sul body-swap ha dato vita ad una rappresentazione tanto della città quanto della campagna ricca di dettagli, con alcuni dei paesaggi più realistici e visivamente più sbalorditivi mai visti in un film d’animazione. Il livello di dettaglio è davvero senza eguali, con la complessità del mondo che ci circonda reso in una maniera così viva come forse in passato non sarebbe mai stato possibile.

Toy Story 4

Utilizzando la migliore tecnologia disponibile, Toy Story 4 è pura avanguardia nel campo dell’animazione 3D, capace di presentare gli amati personaggi della saga attraverso dettagli più sbalorditivi che mai. Il franchise ha fatto molta strada dal lontano 1995 e le differenza, soprattutto in campo visivo, sono davvero sorprendenti.

Dalle fibre degli abiti di Woody ai personaggi umani del film, tutto appare incredibilmente mozzafiato. La lavorazione del film è stata particolarmente impegnativa, con ogni fotogramma che richiedeva dalle sessanta alle centosessanta ore per essere di lavorazione.

Il giardino delle parole

Il giardino delle parole è un film metodico e contemplativo, che affronta temi importanti come la solitudine e il senso di responsabilità. Ciò si riflette nel tono del film e nel suo aspetto visivo. Con diverse scene ambientate sotto la pioggia davvero impressionanti ambientate, il livello di dettaglio di questo film non ha davvero eguali. Inoltre, la stessa città in cui si svolge la storia è resa in una maniera davvero impressionante, dando allo spettatore la sensazione di un film che voglia travalicare i confini del fotorealismo. Il giardino delle parole è pura gioia per gli occhi; un’esperienza che tutti dovrebbero provare.

Fonte: ScreenRant