Dopo La guerra è dichiarata, film in cui Valérie Donzelli narrava con toni da commedia la lotta (vinta) contro la malattia del figlio di appena 18 mesi, la regista si dedica alla commedia pura.

In Main dans la Main Helene è un’insegnante di danza della prestigiosa Opera di Parigi, è una bella donna più sui cinquanta che sui quaranta; Joakim vive nella provincia con la sorella Vero e fa il vetraio. Un giorno i due si incontrano e si baciano. Da quel momento nulla li può separare, vivono, dormono e mangiano insieme, non si conoscono, ma si copiano, ognuno muovendosi come l’altro. Insieme a loro abita Constance, amica squattrinata e poco costante di Helene, mentre Joakim ha un rapporto controverso ma indissolubile con la sorella Vero.

Sulla scia di una certa tendenza del cinema francese, che pende per la commedia da qualche anno a questa parte (è successo anche al nostro cinema, quindi è possibile che i “cugini” siano stati contagiati), la Donzelli crea una storia a tratti sopra le righe con rimandi a molto cinema del passato, con alcune chicche cinefile come ad esempio i riferimenti alla Nouvelle Vague e a Truffaut in particolare, fino al cinema americano un po’ surreale, appunto,  di Wes Anderson,  ricordato nelle inquadrature simmetriche dedicate ai due personaggi. Main dans la Main poi racconta più di una storia d’amore, e del comportamento delle persone rispetto ad esso. Ovviamente,  in primo piano c’è il rapporto tra una donna matura ed ragazzo di dieci anni più giovane di lei, ma al fianco di questa ci sono l’amore, materializzato nell’amicizia con l’amica Constance, e il rapporto intenso e teso di Joakim con la sorella Vero.

Per alcuni aspetti, però, tutto questo interlacciare rapporti crea invece mancanze e solitudini, i personaggi sono alla fine soli, anche se inseparabili. La regista si è lasciata molte libertà nella creazione delle immagini e delle inquadrature, la storia si mescola continuamente con immagini oniriche, sequenze sgranate date dalla pellicola Super8, sovrimpressioni, e virtuosismi interessanti che però in alcuni casi possono far distogliere l’attenzione dalla storia, se si cerca appunto il senso di una storia.

L’impressione è in effetti che la regista sfrutti l’idea più vecchia del mondo, la storia d’amore,  come trampolino per sperimentare con le immagini e le sequenze, come per creare delle sensazioni  relative alla storia raccontata piuttosto ch a raccontare la stessa. Quindi, il fuoco si sposta da ciò che accade ai protagonisti, e lo scorrere del tempo c’è dato solo dall’aggravarsi della malattia di uno di loro, a quello che i protagonisti provano, alla libertà che cercano , per loro stessi e nel loro rapporto. A dimostrazione di ciò, parte del film è girato a New York, terra del sogno e soprattutto o, perlomeno sulla carta, della libertà.

Forse solo gli spettatori più ‘esperti’ ricorderanno un detective di peso come Maigret, che finalmente rivedremo al cinema – magistralmente interpretato da Gérard Depardieu – nel film omonimo diretto da Patrice Leconte e distribuito da Adler Entertainment a partire dal 15 settembre. Un’impresa niente affatto scontata, vista la concorrenza dei più saccheggiati o presenzialisti Hercule Poirot e Sherlock Holmes, e senza considerare i tanti colleghi televisivi, compresa la Miss Marple che promette di venire mitizzata nel prossimo adattamento da Agatha Christie progettato da Kenneth Branagh.

E dire che il commissario creato nel 1929 dallo scrittore belga Georges Simenon vanta un ampio curriculum cinematografico, con quindici film prodotti tra il 1932 e il 1967, e soprattutto televisivo. Numeri schiaccianti (circa duecento tra telefilm, serie, sceneggiati televisivi e film per la tv), che non temono confronti, e che non rendono giustizia a un investigatore forse troppo comune e umano rispetto allo sfoggio di superpoteri indagativi cui siamo abituati.

Un caso delicato, a lungo atteso

Lo storia che vediamo svilupparsi sullo schermo è quella tratta dal romanzo “Maigret e la giovane morta” del 1954, occasione d’incontro perfetta per due come Gérard Depardieu e Patrice Leconte (che non vedevamo dal Tutti pazzi in casa mia del 2014) che in passato si erano solo sfiorati, e che per la loro prima volta insieme approfittano della mediazione di un altro grande francofono, incurante di stereotipi e aspettative quanto amante di una narrazione ben costruita, a prescindere da ritmo e concessioni.

Poche, tutto sommato, nel caso della morte di una giovane ragazza. Non c’è niente che la identifichi, nessuno sembra conoscerla o ricordarla, ma le cinque coltellate che l’hanno uccisa, inferte in maniera disordinata, forse rabbiosa, sono il primo dettaglio che colpisce Maigret. Che seguendo le tracce incontra una delinquente, stranamente somigliante alla vittima, che risveglia in lui il ricordo di un’altra scomparsa, più antica e più intima…

Una indagine diversa, da seguire con attenzione

Dopo Gino Cervi e Jean Gabin, non è solo il physique du rôle di Depardieu a renderlo un interprete perfetto a dare corpo al protagonista. Soprattutto ai suoi tormenti esistenziali, all’interesse verso la vita altrui, e la discrezione nell’esplorarne le ferite, per la paura di dover mostrare le proprie. Ma quando si ricerca la verità non è sempre facile accettarla, o nascondersi.

In quella che ci viene presentata come “l’inchiesta più personale” di Maigret, il consiglio è di predisporsi all’attenzione – dote rara al giorno d’oggi, più della pazienza (che pure il diseguale, ma costante evolversi del caso richiederà) – e di sposare il metodo del commissario. E di usare con lui la stessa empatia che lo vediamo riservare agli altri personaggi, vittime e carnefici, più che a sé stesso. Rassegnato ad avere sempre meno certezze, come forse dovremmo fare anche noi.

Il prossimo 3 gennaio arriva al cinema, in 350 copie, l’ultima pellicola di Carlo ed Enrico Vanzina, Mai Stati Uniti. Per la terza volta nella loro carriera, dopo Vacanze in Americanegli anni ’80 e Sognando la California negli anni ‘90, i due tornano ad ambientare un film negli Stati Uniti.

La storia di Mai Stati Uniti vede protagoniste cinque persone che attraversano un momento molto critico della loro vita, tra problemi lavorativi e privati: Antonio (Vincenzo Salemme), un cameriere rovinato dalla passione per il gioco, Angela (Ambra Angiolini), una segretaria single divorata dall’ansia e dagli attacchi di panico, Nino (Ricky Memphis), un padre divorziato e senza lavoro, Carmen (Anna Foglietta), una precaria votata unicamente allo shopping e alla palestra e, infine, Michele (Giovanni Vernia), un giovanotto ingenuo che lavora da anni in un bioparco. Questi sconosciuti, che all’apparenza non hanno niente in comune, scopriranno di essere tutti figli di un uomo che, morto da poco, ha lasciato loro una grande eredità. Ovviamente, prima di incassare il denaro, dovranno fare qualcosa: andare in Arizona e gettare le ceneri del defunto padre nel Lago Powell.

In collaborazione con l’attore/sceneggiatore Edoardo Falcone, visto in entrambi i film diretti da Massimiliano Bruno, i fratelli Vanzina portano sullo schermo la semplicità della comicità italiana con l’onestà della battuta romana e la fantasia di quella napoletana, una comicità che, priva di volgarità, ma non di parolacce, ci accompagna durante tutto questo film on the road. Ci si dimentica ben presto dello scopo del viaggio, a vantaggio della scoperta dei personaggi, di quello che li divide e li unisce. La scena in cui quasi tutti i protagonisti s’imbattono in Maurizio Mattioli, un romano ricco e rozzo in vacanza a Las Vegas, è tra le poche veramente divertenti. Esilarante, forse soprattutto per noi romani, è lo scambio tra lui e Ricky Memphis. Buona prova anche per il giovanissimo Andrea Pittorino, che interpreta il figlio di Nino, Roby.

Le bellissime location americane (Gran Canyon, Las Vegas, Monte Rushmore, ecc.), le disavventure e gli equivoci, gli omaggi venati di comicità ai grandi film del passato, western e non, come Easy Riders e Intrigo Internazionale, e i riferimenti alle più recenti commedie made in USA, Una Notte da Leoni e Parto col Folle, dimostrano l’intenzione di voler proporre qualcosa di nuovo: un film che esce nel periodo festivo ma che si allontana dal genere del cinepanettone, una commedia che sfrutta i luoghi comuni americani ma con i ritmi della comicità italiana, una storia che vuol far ridere e pensare a ciò che ci può salvare in questo triste periodo di crisi, la famiglia.

Insomma, le intenzioni dei Vanzina sono delle migliori, ma il risultato non è niente di eccezionale. Non basta andare all’estero con un buon cast e una sfilza di strani, sfigati e, a volte, ridicoli personaggi per ottenere un prodotto comico originale. Per chi si accontenta, è garantita più di una risata.

Arriva al cinema distribuito da Videa Mai così vicini, la nuova commedia romantica diretto da Rob Reiner, e con protagonisti Michael Douglas e Diane Keaton.

In Mai così vicini Oren Little è un agente immobiliare indisponente verso il genere umano che non desidera altro che vendere la sua casa e andare in pensione. I suoi piani però vengono scombinati dal figlio che, inaspettatamente, gli lascia sua nipote per scontare una pena in carcere e della cui esistenza non sapeva nulla. Incapace di prendersi cura della bambina di nove anni, la affida alla risoluta ed amabile vicina di casa Leah, cantante di locali, che pian piano e incontrando una certa resistenza riuscirà a fare breccia nella vita di Oren.

Rob Reiner (Harry ti presento Sally – Non è mai troppo tardi) regista che ha fatto della commedia il suo genere ideale, torna al cinema con un film che esplora il genere sentimentale riuscendo a dosare umorismo e romanticismo in chiave “classica” ma ben riuscita. Seppur la storia possa sembrare vista e in qualche modo scontata, due vicini che si odiano in un primo momento e poi cominciano a conoscersi, qui diventa una peculiarità predominante all’interno della storia. Il vicinato è un microcosmo in cui tutti i personaggi interagiscono tra di loro con gli usuali scambi di (s)cortesie e di saluti, nonché di pettegolezzi e relazioni.  Da questa struttura la sceneggiatura di Mark Andrus (Qualcosa è cambiato) riesce a inserire due protagonisti che, come in quasi tutte le commedie del regista statunitense, si mettono in contrapposizione attraverso forti scontri caratteriali e scene molto dialogate in cui emergono uomini convinti di sapere esattamente quello che vogliono dalla vita e donne principalmente più mature e coraggiose.

Queste doti sono messe in risalto dalla qualità dei due premi Oscar, Michael Douglas e Diane Keaton, il primo ama il suo perfetto stile di vita da ricco snob fatto di una scintillante routine tra passeggiate in macchina e martini, ma soprattutto occupato a non interessarsi minimamente degli altri. Mentre la seconda, con la sua “solita interpretazione” di personaggi nervosi e insicuri che l’hanno resa la musa di Allen, riesce ad essere una donna ricca di interessi e piena di amore come ci sottolineano le scene in cui ella canta. Del cast chi riesce a ritagliarsi un posto con la forza della sua incisività, è il due volte premio Tony Award Frances Sternhagen nel ruolo di Claire, amica di Douglas e con cui condivide esilaranti scene comiche che nascondono velate “morali” di vita. Seppur la storia si concluda senza grandi peripezie, il film riesce a trasmettere la risata e l’importanza delle seconde possibilità.

Mai così vicini è un buon film, che si ritaglia un posto nelle classiche commedie sentimentali americane ma che si arricchisce del punto di vista di Renier e dall’interpretazione, per la prima volta insieme, di due mostri sacri di Hollywood quali Michael Douglas e Diane Keaton.
Al cinema dal 10 Luglio.

“Non sono mai stato bravo a parlare di me, per questo ho iniziato a scrivere canzoni”. Si apre con questa dichiarazione d’intenti il documentario Mahmood, diretto da Giorgio Testi e scritto da Virginia W. Ricci. Dedicato al celebre cantautore che a neanche trent’anni ha già vinto due volte il Festival di Sanremo, il film, che fa parte delle proiezioni speciali del Panorama Italia di Alice nella città, sezione autonoma e parallela della Festa del Cinema di Roma, ancor prima di essere un’opera celebrativa nei confronti del cantante, vuole dar prova della sua umiltà, della sua umanità e, soprattutto, della sua sensibilità.

Si ripercorrono dunque le principali tappe della sua vita e del suo percorso artistico, dai primi concorsi alla delusione di X Factor, dalla vittoria a Sanremo Giovani con Gioventù bruciata a quelle a Sanremo Big con Soldi e Brividi, dalle partecipazioni all’Eurovision Song Contest fino al recente tour europeo andato sold out. Quello di Mahmood è un percorso ricco di ostacoli, speranze, incidenti di percorso, cadute e ripartenze che hanno portato infine al successo tanto sperato, dietro il quale si nascondono profondi dolori personali da metabolizzare attraverso la musica e un forte amore, ricambiato, per la propria famiglia.

Mahmood: dallo sgabuzzino di casa ai palchi d’Europa

Quello dedicato a Mahmood è solo l’ultima di una serie di opere audiovisive dedicati a popolari star della scena musicale italiana. Da Ferro, documentario su Tiziano Ferro a Famoso, con protagonista il trapper Sfera Ebbasta, fino al più recente Laura Pausini: Piacere di conoscerti, che ripercorre la vita della celebre cantante in modo molto particolare. Di Mahmood non si può certo dire che proponga un approccio originale da un punto di vista narrativo. Il film è infatti costruito seguendo un ordine cronologico che se da un lato offre un ovvio e piacevole ordine, dall’altro rischia di rendere il progetto scontato e dimenticabile.

Se ciò non avviene del tutto lo si deve in particolare a due precisi aspetti, il cui “merito” di entrambi va prima di tutto allo stesso Alessandro Mahmoud. Il primo è relativo alle riprese dei concerti sostenuti nel 2022 dal cantante in alcune capitali europee. Come ormai risaputo, Mahmood ha molta cura per le immagini che lo riguardo, i look da sfoggiare, le luci e le scenografie con cui interagisce. La sua attenzione per questi dettagli fa sì che i suoi concerti risultino dei veri e propri spettacoli visivi e riproponendo alcuni frammenti di essi anche lo stesso film acquisisce un po’ per osmosi quel fascino.

Il secondo aspetto è dato dal vissuto di Mahmood. Non sono infatti tanto i retroscena dietro i suoi successi musicali a generare interesse, bensì i racconti che egli offre riguardo il suo ardente desiderio di fare musica nonostante le tante porte in faccia, riguardo il rapporto con l’amata madre, con quel padre assente e con quel desiderio di potersi sentire a casa. Di Mahmood si è detto che il suo sguardo sembra sempre rivolto altrove, come se ogni volta dovesse partire per una nuova meta o tornare a casa dopo un lungo viaggio, più nello specifico magari in quello sgabuzzino di casa dove da piccolo racconta di essersi sentito al sicuro, costruendo i propri mondi di fantasia.

Lo sguardo di Mahmood

Il film offre dunque un maggior approfondimento della vita di Alessandro Mahmoud prima di diventare il Mahmood cantante capace di emozionare persone proveniente di contesti diversi, infrangendo barriere linguistiche e culturali. All’interno di un documentario dalla struttura canonica, dunque, si cerca di far emergere quel mondo emotivo che Mahmood non ha mai saputo esprimere se non attraverso le proprie canzoni, svelando tutto di sé attraverso queste. Addirittura la madre, che fornisce una delle testimonianze più belle del film, racconta di aver conosciuto meglio suo figlio attraverso tali testi che non tramite le loro conversazioni quotidiane.

Si può naturalmente scegliere di credere o non credere all’umiltà che il cantante mette sul piatto con questo documentario. Mahmood è notoriamente un artista molto divisivo, controverso e spesso difficile da definire (cosa, quest’ultima, non necessariamente negativa). Il film manca di essere tutto ciò, non raggiungendo dunque quella somiglianza tra artista e opera a lui dedicata che in altri casi simili si è dimostrata vincente, ma è certamente emozionante nell’offrire il racconto di un ragazzo che ha creduto talmente tanto nei propri sogni da riuscire infine a realizzarli. Un discorso che certamente toccherà l’animo di quanti, si spera molti, coltivano i propri sogni con cura e impazienza.

Ritorna al cinema Ferzan Ozpetek, dopo il suo ultimo Mine Vaganti, e lo fa nuovamente con una storia dalle tinte grottesche, al limite del teatrale; un film, Magnifica Presenza che mescola divertimento, lacrime e dramma. Nel cast del film Elio Germano, Margherita Buy, Beppe Fiorello, Paola Minaccioni, Maria e Vittoria Puccini.

Magnifica Presenza vede protagonista Pietro, 28 anni, che arriva a Roma dalla Sicilia con un unico grande sogno, fare l’attore. Tra un provino e l’altro sbarca il lunario sfornando cornetti tutte le notti. E’ un ragazzo timido, solitario e l’unica confusionaria compagnia è quella della cugina Maria, apprendista avvocato dalla vita sentimentale troppo piena. Dividono provvisoriamente lo stesso appartamento legati da un rapporto di amore e odio in una quotidianità che fa scintille. Ma arriva il giorno in cui Pietro trova, finalmente, una casa tutta per sé, un appartamento d’epoca, dotato di un fascino molto particolare e Pietro non vede l’ora di cominciare la sua nuova esistenza da uomo libero. La felicità dura solo pochi giorni: presto cominciano ad apparire particolari inquietanti. E’ chiaro che qualcun altro vive insieme a lui. Ma chi?

Magnifica Presenza, il film

Nonostante le buone premesse e un discreto coinvolgimento iniziale, Magnifica Presenza è l’ennesima occasione persa per il nostro cinema, che rimane confinato negli evidenti limiti di racconto, che ormai, fatte pochissime eccezioni, attanagliano un po’ tutta la produzione italiana. Le buone intenzioni di Ozpetek non bastano a far decollare un film che ha nello sviluppo centrale della storia i suoi problemi più grossi. Quello che di primo acchito sembra essere un coinvolgente film dall’intricata trama e dalle innumerevoli contaminazioni di genere, via via discorrendo risulta essere l’ennesima farsa di un cinema che diventa un pretesto per raccontare se stessi ed una realtà completamente teatralizzata di una vita di disagio interiore.

Quella del regista di origine turche è inoltre l’ennesima occasione per dispiegare un cinema autoreferenziale che ripete la propria formula all’infinito, esasperandone il significato e banalizzandone i concetti. Il tutto amalgamato con un’idea un po’ presuntuosa di voler parlare di troppi temi in un’unica rappresentazione che inevitabilmente finisce per diventare un brodo dalle tinte riscaldate e mai veramente originali. L’affresco che viene fuori è quello di un’occasione troppo ghiotta per essere sprecata in malo modo, e seppur rimangono di buona fattura le ambientazione e l’atmosfera, la grande assente è proprio la capacità del regista di raccontare una storia semplice e completa, che arrivi con immediatezza allo spettatore senza appesantirne il senso e la portata. Sembra che il nostro cinema abbia in un certo senso dimenticato la capacità di sintesi e di racconto che può avere una magica sequenza, una sottile smorfia di un viso o anche un elegante piano sequenza rivelatore.

Il difetto più grande di Magnifica Presenza, è proprio quello di sottovalutare la capacità di comprensione dello spettatore e di anteporre, a sequenze e inquadrature, l’interminabile farsa di dialoghi “spiegoni” lunghi un giorno che non fanno altro che appesantire il racconto, portandolo su binari morti e difficilmente risollevabili. Su questo scenario nulla può il cast di attori di tutto rispetto, dal protagonista Germano che contribuisce all’occasione persa con una recitazione sempre enfatizzata e mai sincera, fino alla Buy, Fiorello e Puccini, che ahimè rimangono sullo sfondo, non certo aiutati da una sceneggiatura che li accenna, limitandone la comprensione e l’approfondimento.