In uscita il 7 aprile su Prime Video e Tim Vision, La figlia del bosco è l’esordio nel lungometraggio di Mattia Riccio, giovane regista romano che firma una favola nera dal cuore ambientalista, sospesa tra horror psicologico, inquietudini fiabesche e suggestioni fantasy. Il film si inserisce con consapevolezza nel filone dell’eco-vengeance, raccontando il dramma di un uomo che entra nella foresta da predatore e ne diventa preda.

Morte ai dissacratori

La trama ruota attorno a Bruno, cacciatore solitario che si avventura in un bosco sconosciuto senza le dovute precauzioni: niente cartina, niente cellulare, nessun sentiero tracciato. A sera inoltrata, smarrito e spaesato, viene attratto da una voce femminile eterea e incantatrice, simile al canto delle sirene. La segue, come in trance, fino a una casa immersa nel verde, misteriosamente apparecchiata ma disabitata. Da quel momento, ha inizio un incubo fatto di ripetizioni ossessive, incontri stranianti e una natura che sembra rispondere a una propria giustizia. 

Un’atmosfera potente e suggestiva

Nel suo momento migliore, La figlia del bosco eccelle nella costruzione dell’atmosfera. Riccio mette in scena un bosco che non ha più nulla di fiabesco: è un labirinto vivo, respira, cambia, inghiotte. La sensazione è simile a quella di certi videogiochi survival horror, in cui si perde il senso dell’orientamento e si continua a girare a vuoto. Ricorda The Blair Witch Project e lo stesso Blair Witch sviluppato da Bloober Team ma anche i recenti The Ritual (2017) e Gaia (2021), per come trasforma l’ambiente naturale in un luogo che osserva, giudica e agisce. Bruno stesso lo dice, sconvolto: “Questo dannato bosco non ti dà punti di riferimento. È come se avessi girato in tondo per ore. L’unico posto che ritorna sempre è questa casa”.

L’incontro con Celeste, capo scout dispersa anche lei da giorni, aggiunge un tocco surreale e quasi ironico: “Disperso nei boschi, con vitto e alloggio gratuito. Inizio a pensare che qualcuno o qualcosa si stia prendendo gioco di noi”. Ma l’ironia dura poco, perché la foresta continua a stringere il cerchio. E il film, da quel momento in poi, si immerge in un crescendo sempre più cupo.

Una denuncia ambientale che affonda nel mito

Sotto il racconto dell’uomo smarrito nella natura si nasconde un sottotesto più ampio: La figlia del bosco parla del prezzo che paghiamo per la nostra insolenza nei confronti dell’ambiente. L’idea – lasciata intendere più che spiegata – è che esista una creatura, un’entità antica nata dalle radici degli alberi, che osserva e giudica in silenzio. La sua voce è il richiamo che intrappola chi ha profanato il bosco, trasformandolo in un oggetto vacuo, privo di identità. “Il tempo della caccia è terminato… il predatore diventa preda”, sembra sussurrare lo sguardo invisibile che aleggia tra le fronde.

La leggenda, che aleggia sul film senza mai essere completamente svelata, ricorda certe mitologie nordiche o le atmosfere del cinema di Ari Aster e Robert Eggers, dove la natura non è solo sfondo ma divinità crudele, silenziosa e inflessibile. C’è qualcosa, in questa “figlia del bosco”, che riporta alla mente anche Antichrist di Lars von Trier, per il modo in cui la colpa personale si intreccia alla punizione cosmica.

Tra intuizioni efficaci e qualche debolezza

Se l’impianto visivo e l’atmosfera sospesa funzionano – grazie anche a una fotografia che alterna tonalità fredde e sprazzi fiabeschi, e a un suono curato, disturbante e stratificato – il film mostra però qualche debolezza nei dettagli. Alcune trovate, come le bambole inquietanti che ricordano i protagonisti, risultano più posticce che disturbanti. Gli effetti speciali sono limitati e, in certi momenti, poco credibili, mentre la recitazione appare spesso troppo impostata, più teatrale che naturale. Un aspetto che, nel complesso, toglie un po’ di immediatezza all’esperienza emotiva. Nonostante queste fragilità, però, la forza de La figlia del bosco risiede nella sua capacità evocativa: il bosco, con i suoi suoni, i suoi colori e il suo silenzio, è il vero protagonista. E il film, pur con qualche ingenuità, dimostra di avere un’identità precisa e una voce personale.

Una promessa da seguire

Mattia Riccio, al suo primo lungometraggio, dimostra coraggio, idee e una visione chiara. La figlia del bosco è un film che, rispetto a tante altre produzioni italiane, osa senza rinunciare a lanciare un messaggio: quello di una natura stanca di essere sfruttata, che chiede silenzio, rispetto, ascolto. Un debutto interessante, che merita attenzione e che potrebbe rappresentare l’inizio di un percorso importante per un giovane autore da tenere d’occhio. Se il cinema dell’orrore può ancora essere una forma di riflessione, La figlia del bosco è la prova che, anche con mezzi ridotti, si può parlare al cuore – e alla coscienza – dello spettatore.

“Sin dall’infanzia sono stato fedele ai mostri. Sono stato salvato e assolto da loro, perché io credo che i mostri siano i santi protettori della nostra beata imperfezione e permettono di incarnare la possibilità di fallire e vivere.”. Con queste parole Guillermo del Toro ritirava nel 2018 il Golden Globe come miglior regista, vinto per La forma dell’acqua. E ai mostri egli ha effettivamente dedicato tutta la sua carriera, da La spina del diavolo a Il labirinto del fauno, fino al titolo appena citato e che lo ha poi portato a trionfare anche agli Oscar. Ecco perché sorprende, ma fino a un certo punto, scoprire che il suo nuovo film La fiera delle illusioni – Nightmare Alley sia il primo privo di tali creature fantastiche.

Dopo il successo del suo precedente lungometraggio, del Toro sembra aver portato a compimento un percorso artistico dedicato al mostro come metafora dell’essere umano, dei suoi valori o dei suoi lati più oscuri. Se da una parte con questo nuovo film deve dunque aver avuto voglia di sperimentare qualcosa di diverso, considerando che era atteso al varco dopo il precedente successo, dall’altra egli introduce solo alcune novità nella propria poetica, rimanendo però perfettamente fedele a sé stesso e continuando a parlarci di mostri e creature diverse, meno identificabili alla vista e proprio per questo ancor più spaventose e pericolose.

La fiera delle illusioni – Nightmare Alley: la trama del film

La nuova creatura di del Toro è l’essere umano e più nello specifico l’affascinante e carismatico Stanton Carlisle (Bradley Cooper). In fuga da un passato tormentato, egli si imbatte casualmente in un luna park itinerante dove, in mezzo alle attrazioni e a strambi personaggi, troverà due cose che sembrano poter salvare la sua vita: l’abilità di mentalista e la dolce Molly (Rooney Mara), di cui si innamora perdutamente. Fuggito con lei verso una nuova vita di spettacoli per l’alta società, Stanton inizia a diventare però sempre più bramoso di fama, potere e soldi. L’occasione per ottenere tutto ciò arriverà nel momento in cui pianifica di imbrogliare il pericoloso magnate Ezra Grindle (Richard Jenkins) con l’aiuto di una misteriosa psichiatra (Cate Blanchett), intraprendendo un percorso dal quale non gli sarà più possibile tornare indietro.

“È un uomo o una bestia?”

La fiera delle illusioni – Nightmare Alley è l’adattamento cinematografico del romanzo di William Lindsay Gresham, pubblicato nel 1946 e affermatosi sempre più come uno dei maggiori esponenti in letteratura del genere noir. Già portato al cinema nel 1947, era questo un progetto su cui da tempo del Toro desiderava mettere le mani. Ad attrarre in particolare il regista è stata la natura controversa dei personaggi, vere e proprie maschere umane di mostri oggi ben radicati nella nostra società contemporanea e che all’epoca in cui è ambientato il film stavano iniziando a prendere possesso del mondo. La storia ha infatti luogo tra il 1939 e il 1941, anni per gli Stati Uniti caratterizzati dalla ripresa dalla Grande depressione e il traumatico ingresso in una nuova guerra.

Il contesto storico, in realtà, come già in La forma dell’acqua, rimane sullo sfondo e serve solamente ad inquadrare meglio l’evoluzione dei protagonisti e di ciò che li circonda. Il film d’altronde presenta una trama piuttosto semplice, la quale è quasi più un pretesto per raccontare i personaggi e la natura del loro animo. Stanton si fa principale rappresentante di questa volontà, venendo divorato dalla sua incontrollabile ambizione e andando incontro all’infrangersi del sogno americano. Con lui del Toro esplora i confini sfumati fra l’illusione e la realtà, la disperazione e il controllo, il successo e la tragedia. Si tratta di un percorso visto innumerevoli volte al cinema, che il regista affronta però con il suo inconfondibile gusto estetico.

Come già detto, non ci sono mostri né elementi fantasy in questo lungometraggio, ed è la prima volta che ciò avviene nella carriera di del Toro. Dopo aver celato per anni dietro le sue meravigliose creature i vizi e le virtù dell’essere umano, il regista le affronta ora a volto scoperto. La fiera delle illusioni – Nightmare Alley è dunque un puro noir, ricco di tutte le caratteristiche del genere ma con uno sguardo particolarmente contemporaneo ed evocativo, dove il realismo si fonde ad atmosfere magiche e gotiche, dando vita ad un connubio particolarmente prolifico di suggestioni, emozioni e timori. In assenza di mostri evidenti, l’attenzione è dunque tutta rivolta sul percorso (circolare) degli esseri umani, dei quali ci si può domandare “è un uomo o una bestia?”, quesito simbolicamente ricorrente all’interno del film.

La fiera delle illusioni – Nightmare Alley: la recensione del film

del Toro considerava il racconto alla base di La fiera delle illusioni – Nightmare Alley come una fiaba morale sul lato oscuro del capitalismo americano. Tutto punta a sottolineare questo progressivo ingresso in qualcosa di terribile, evidenziando attraverso le scenografie, i costumi e i colori un mondo tanto lussuoso quanto marcio, a cui si contrappone la genuinità dell’ambiente luna park. Sempre più una garanzia da un punto di vista estetico, il regista si avvale dei suoi fidati collaboratori per dar vita ad un mondo che è già di per sé sufficiente a comprendere l’animo dei personaggi che lo abitano, con le loro emozioni forti e i tormenti interiori pronti ad esplodere in tutta la loro malvagità. Ragionando per immagini ancor prima che per idee, del Toro dà qui vita ad alcune delle scene e composizioni più belle del suo cinema.

Se si può rimproverare qualcosa a questo suo nuovo film è probabilmente una durata forse eccessiva (2 ore e 30 minuti), che rischia di appesantire determinati passaggi. Se ci si apre alle immagini e al loro senso più profondo, non si proverà però mai noia. Nell’approcciarsi a La fiera delle illusioni – Nightmare Alley occorre infine comprendere di essere di fronte ad un’opera del regista apparentemente differente dalle sue precedenti. Lo è infatti quel tanto che potrebbe scontentare chi si aspetta un nuovo racconto intriso di fantasy ed elementi dark. Eppure di questi ultimi ve ne sono a bizzeffe, solo affrontati sotto punti di vista nuovi, che provano il talento di del Toro come narratore visionario. Un termine questo di cui troppo spesso si abusa ma che nel caso del regista messicano si applica perfettamente.

Film argentino diretto da Diego Fried, La festa silenziosa arriva nelle sale italiane. Due anni dopo la sua realizzazione, dal 25 novembre 2021 sarà possibile vederlo anche da noi. Data d’uscita non casuale per il film con protagonista l’attivista e femminista Jazmin Stuart: venerdì prossimo ricorre la Giornata Internazionale per l’eliminazione della violenza contro le donne.

La trama de La festa silenziosa

Il giorno prima delle nozze, Laura e il suo futuro sposo si recano nella villa del padre di lei per gli ultimi preparativi. Nella notte, lei decide di fare una passeggiata per rilassarsi. Camminando, raggiunge una casa in cui un gruppo di ragazzi ha organizzato una festa. Tra musica e alcool, Laura perde il controllo e si ritrova sola in una brutta situazione. Rientrata a casa nella notte, decide di vendicarsi per cosa le è accaduto, coinvolgendo anche il padre e il fidanzato.

La verità rivelata a poco a poco

La festa silenziosa è un film fatto di pause e silenzi. I dialoghi sono scarni e comunque poco esplicativi. Tutto il potere è dato alle immagini, sia quelle della pellicola che quelle di secondo livello: foto e video realizzati dai protagonisti. Il film necessita di uno spettatore attento, che riesca a comprendere le situazioni intuendo dal contesto che viene mostrato. Per buona parte del film, ciò che accade a Laura non è chiaro. Partecipa alla festa, bacia un ragazzo, i due si appartano. Nella scena successiva, lei sembra sconvolta. Manca un pezzo della storia. Il vero corso delle vicende sarà ricostruito poco alla volta durante il film, portando lo spettatore a fare continue congetture su cosa sia successo.

Una festa realmente silenziosa

Il film parte calmo, con dialoghi a bassa voce e tra poche persone, tre al massimo. Nessuna musica di sottofondo. Il silenzio occupa buona parte de La festa silenziosa: le passeggiate nel buio di Laura sono accompagnate solo dal lievissimo suono del suo respiro e dei suoi passi. La festa a cui partecipa, è un silent party: gli invitati indossano delle cuffie in cui è trasmessa la musica, uguale per tutti. Quando Laura arriva, tutti ballano nel silenzio. Mette alle orecchie anche lei un paio di cuffie, e la musica parte per Laura come per lo spettatore. Dal nulla, l’energia della canzone le fa venire voglia di ballare. Per la futura sposa è un ballo liberatorio, che cattura lo spettatore, come anche gli altri membri della festa…

L’angoscia avvolta nel buio

Un altro elemento essenziale de La festa silenziosa è il buio. Svolgendosi quasi interamente di notte, il film sfrutta l’assenza di luce ai fini della storia. Il buio del bosco intorno alle due ville, le case immerse nelle tenebre o illuminate solo da qualche piccola luce da notte trasmettono il senso d’angoscia della situazione. Una donna sola nell’oscurità (e nel silenzio), in un luogo isolato: i presagi non possono essere positivi.

La festa silenziosa è un revenge movie

Il tentativo di vendetta di una donna contro i suoi assalitori. Questo è il fulcro de La festa silenziosa. Laura sembra una donna forte e testarda che non si lascia intimorire. Rimane vittima di violenza e vuole fare giustizia da sè, ferendo a sua volta chi l’ha violentata. L’attrice Jazmin Stuart, attivista e militante del collettivo femminista Actrices Argentinas, è perfetta per il ruolo interpretato. La crudezza di alcune scene del film appare necessaria per rendere l’importanza del tema. Anche lo spettatore deve inorridire di fronte a quanto accaduto a Laura, empatizzare per lei e chiedersi: è giusto rispondere alla violenza con altra violenza?

Il film può essere definito femminista perché rende l’idea della lotta di una donna in un mondo ancora dominato dagli uomini. Jazmin Stuart è circondata da maschi di vario tipo: il padre che la elogia continuamente, il compagno che tenta di amarla e il gruppo variegato dei ragazzi alla festa. Laura è l’unico personaggio femminile del film, ma è anche la protagonista.

In conclusione, La festa silenziosa è un thriller minimal, ambientato in una notte e con pochi personaggi, ma comunque in grado di tenere con il fiato sospeso, facendo riflettere sul tema della violenza sulle donne. Un film da vedere in una giornata così importante come il 25 novembre.

E’ stato presentato al Festival di Roma La Femme du cinquième il film diretto da Pawel Pawlikowski, con Ethan Hawke e Kristin Scott Thomas.

In La Femme du Cinquième Tom (Ethan Hawke) è uno scrittore americano trasferitosi a Parigi per cercare di riconquistare l’affetto della figlia. Ma fin dal primo giorno nella capitale francese niente va come dovrebbe. Si ritrova a lavorare per un franco-marocchino come guardiano notturno mentre lotta per scrivere il suo secondo romanzo e tentare di vedere sua figlia. Una donna affascinate di nome Margit (Kristin Scott Thomas) irrompe a spezzare quel mare di tristezza offrendogli quello di cui sembra aver bisogno. Ma i segreti che porta con sè questa misteriosa donna sembrano avere a che fare con i numerosi omicidi che circondano lo scrittore.

Lavoro degno di un regista che ha passato la vita tra la natia Polonia, la Germana, l’Italia e infine l’Inghilterra riuscendo a conferire al film quella miscela di inter cultura europea che è presente nel film. Ne deriva così un inquietante sguardo ironico di un uomo che si ritrova sommerso da una serie di piccole crisi emotive da cui cerca di uscire trovando la stabilità necessaria e scrivendo il suo secondo romanzo. Il materiale a disposizione di Pawel Pawlikowski è usato in maniera sorprendente. L’immedesimazione è tale che egli stesso sembra volerci spingere a terra lasciandoci affogare nell’ansia di Tom costringendoci a reinventarci in seguito alle rivelazioni di fronte a cui si trova il protagonista.

Nel suo lavoro è stato sicuramente aiutato dalla presenza di attori come Ethan Hawke (Training Day, Onora il padre e la madre) e Kristin Scott Thomas (Nowhere Boy, L’amante inglese). La coppia è la scelta perfetta per intraprendere un viaggio introspettivo nella vita distrutta di un uomo che sembra aver perso tutto, ma che continua a combattere per ritrovare la strada. Parigi è sicuramente un’altra protagonista della pellicola. La città accompagna Tom lungo tutto il suo cammino descrivendone ancora più minuziosamente la personalità ormai sgretolata dall’esistenza. Anche se non avrà sicuramente un riscontro positivo al botteghino, la voglia di vederlo nelle sale cinematografiche italiane è alta. Conferirà spessore ad un panorama che ormai si dirige sempre di più verso il blockbuster.

I più attenti la ricorderanno nei primi film di Xavier Dolan, ma adesso l’attrice canadese Monia Chokri si “nasconde” dietro alla macchina da presa e dirige il suo primo lungometraggio, La femme de mon frere, presentato in apertura di Un Certain Regard a Cannes 2019.

La storia è quella di Sophia, una ragazza che ha appeno concluso il dottorato e si trova in una situazione di stallo, senza lavoro, senza casa, non più una ragazzina, ma ancora non abbastanza matura da essere una donna indipendente, soprattutto da un punto di vista affettivo. Sophia vive infatti con il fratello, Karim, con il quale coltiva una bella relazione, qualche volta conflittuale, come è normale che sia tra fratelli cresciuti insieme. I loro genitori sono una eccentrica coppia molto attiva e vitale, che ripone nei figli tante speranze, che Sophia, puntualmente, disattende. È proprio Karim ad accompagnare Sophia in ospedale, quando deve abortire, e in questa occasione incontra Eloise, la bella dottoressa con cui aveva passato una notte tanti anni prima. I due riprendono a frequentarsi e la vita di Sophia ne risente profondamente.

Eccessivo, esagerato, sopra le righe, La femme de mon frere è una commedia divertente e brillante, che con un umorismo rumoroso e frizzante racconta la normalità con grande efficacia. Nonostante la protagonista non abbia poi molto di normale o comune, il film si concentra nel fotografare la sua stranezza in contesti quotidiani, nei quali Sophia spicca appunto per la sua originalità. Non particolarmente bella, dotata o affascinante, la protagonista può essere una donna qualunque in un momento di stallo della propria vita.

A questa leggerezza di personaggi si accosta un occhio accogliente e colorato, che predilige le inquadrature simmetriche e che ricorda il cinema di Dolan, che ha diretto due volte la Chokri e alla quale ha trasmesso le sue suggestioni.

La femme de mon frere è un ottimo esordio, un occhio sulle donne e sul loro mondo, in un momento storico che sta ridefinendo il loro ruolo nella società e nella famiglia.

Valerio Mastrandrea e Hadas Yaron sono i protagonisti di La felicità è un sistema complesso, il nuovo film del regista di Non pensarci Gianni Zanasi che uscirà in Italia il 26 novembre. Nel cast anche Giuseppe Battiston, Filippo De Carli e Camilla Martini.

Il film, presentato al 33 Torino Film Festival, parla di Enrico Giusti (Valerio Mastrandrea) e del suo singolare lavoro: trovare persone che, per vari motivi, si trovano a guidare grandi aziende senza esserne assolutamente capaci e convincerli a cederle. Un giorno incontra Achrinoam (Hadas Yaron), una bella e sfortunata ragazza che entrerà nella sua vita con prepotenza. Così come i fratelli Lievi, Filippo (Filippo De Carli) e Camilla (Camilla Martini), rimasti orfani dopo la morte dei genitori e con il peso di una grande società da gestire.

Pellicola intensa, a tratti molto profonda, incentrata sull’esistenza difficile di quattro persone di età diverse che il destino fa incontrare e che crescono insieme prendendo esempio l’uno dall’altra. C’è Enrico, che sfugge da un passato turbolento legato alla fuga del padre e cerca di convincersi di essere utile alla società con il suo strano lavoro. Nel suo solitario e organizzato quotidiano irrompe Achrinoam, fragile sognatrice dallo sguardo profondo che con la sua semplicità lo colpirà a fondo costringendolo a riflettere su se stesso. C’è Filippo, che nonostante la giovane età rappresenta quella purezza che Enrico è convinto di perseguira ma che non ha mai veramente trovato. Da lontano li osserva Camilla, che entra in contatto con Achrinoam e le apre il suo cuore di adolescente, straziato da una parte dall’assenza dei genitori, dall’altra dal senso di colpa per la loro morte.

Una storia seria e delicata con episodi leggeri a volte anche esilaranti. Un ritmo a volte lento ma ravvivato con frequenti digressioni condite da una colonna sonora eccezionale per potenza e vitalità (firmata da Niccolò Contessa). Unita a una fotografia stupefacente e creativa messa in opera da Vladimir Radovic, confezionano un bel prodotto, gradevole e interessante. Alla fine resta la brillante recitazione di Mastrandrea, sempre in bilico tra il serio e l’ironico, a tratti un po’ goffo ma sempre vitale. Notevole interpretazione di Hadas Yaron, vincitrice della Coppa Volpi 2012 per La sposa promessa, bravissima a far arrivare tutta la potenza di Achinoam. Fragile ma determinata che come personaggio ricorda molto, anche nella voce, la Penelope Cruz di Non ti muovere. Bello e fresco il personaggio di Filippo, giovane scanzonato ma con la testa sulle spalle pronto a reagire dopo che la vita gli ha appena inferto un colpo durissimo, che avrebbe messo chiunque al tappeto.

Approda a Venezia un affresco barocco intrigante, che occhieggia alla pittura del tardo seicento con uno sguardo totalmente personale, moderno e dissacrante. Si tratta del nuovo film di Yorgos Lanthimos: La Favorita.

La storia di La Favorita è ambientata nell’Inghilterra del XVIII secolo, dove la triste Regina Anna decide le sorti del suo popolo protetta dalla sua reggia isolata nel cuore della campagna inglese. La sua corte, popolata di nobili, servi e consiglieri, sembra giocare freddamente con la vita e la morte della povera gente, in maniera distaccata e annoiata, dando più importanza ai banchetti, alle corse di anatre, alle tresche e al tiro a volo, piuttosto che alle inevitabili conseguenze belliche di quel  conflitto sanguinoso con la Francia, che si protrae ormai da lungo tempo.

La Favorita, il film

La sovrana è appesantita dalla gotta, da altri malanni  dell’epoca e da una profonda depressione, che la rende insicura e decisamente succube della subdola Sarah. La donna, approfittando del suo favore, governa in realtà al suo posto. La favorita si prende apparentemente  cura della regina, dimostrandosi disponibile e servile anche come amante, ma la sua in realtà è un’abile manfrina per ordire complessi e pericolosi giochi di potere. Un giorno però giunge dal nulla la giovane e intraprendente Abigail, che relegata a sguattera di cucina, intraprenderà un ardito quanto sfrontato gioco di intrighi e strategie, per arrivare a strappare i favori della Regina alla spietata Sarah.

Nel panorama asfittico della cinematografia odierna, le opere di Yorgos Lanthimos portano certamente una ventata di aria fresca. Certo, un aria malsana e priva di qualsiasi pulviscolo di speranza, ma certamente una brezza assai originale e stilisticamente intrigante. Dopo Dogtooth (2009) storia di un terribile esperimento che genera mostri, The Lobster (2015) ambientato in un futuro distopico dove è vietato essere single e Il Sacrificio del Cervo Sacro (2017) dove la vendetta si fa crudele, corrodendo dal cuore un’intera famiglia, La Favorita aggiunge un nuovo tassello a quell’umanità istintiva e carnivora che lotta per la sopravvivenza, nella cognizione ineluttabile che è uno sforzo vitale, ma totalmente effimero.

Le tre donne protagoniste del film, pur con posizioni sociali squilibrate tra loro, una regina, una nobile, e una dama caduta in rovina, costretta a farsi assumere come serva, non esitano di fronte a nulla, al fine di ottenere ciò che bramano. Non esitano a sacrificare la vita di altre persone, quella di poveri animali indifesi e anche se stesse, usando il proprio corpo come un oggetto o come mero strumento di caccia.

Le tre protagoniste, Emma Stone, Rachel Weisz e Olivia Colman offrono una prova assai convincente e magnificamente dipinta, giocando con le emozioni, pennellata dopo pennellata.  Offrono cambi repentini, quanto esili, di una miriade di stati d’animo, assecondando i complessi punti di vista e gli snodi narrativi. Sono personaggi primordiali, ma dotati di una carica istintiva che li rende imprevedibili, con un’intelligenza sottile e spietata, da animale selvatico. Il regista si comporta con loro come uno zoologo attento, che annota freddamente ogni sfaccettatura della loro etologia, con sguardo minuziosamente patologico, distendendo sullo schermo, a guisa di tavolo settorio, il loro corpo e la loro mente, smontandoli pezzo per pezzo.

Lanthimos gioca in maniera sfrontatamente claustrofobica con le ottiche corte, distorcendo e ampliando la percezione visiva. Arriva a fare uso insolente del fish-eye, realizzando inquadrature che mutano col movimento. Questo appare straniante, ma poi ci si rende subito conto che invece tutto ha una funzione e quello che appare anacronistico è in realtà frutto di un nostro freno inibitorio estetico, perché in fondo le sue immagini rimandano a giochi di specchi, illusioni ottiche, o antiche anamorfosi seicentesche.

Visti i riferimenti a Stanley Kubrick, a volte smaccati, ma sempre ben riusciti, inseriti nei suoi film precedenti, ci si poteva certamente aspettare una vicinanza promiscua  a Barry Lyndon (1975), ma fortunatamente Lanthimos non cade nel tranello, lasciando piuttosto intravedere altre suggestioni, come I Misteri del Giardino di Compton House (1982) di Peter Greenaway, confermate da bizzarri tableau vivant, popolati di corpi nudi, animali impagliati, oggetti allegorici ed elementi di vanitas e wunderkammer, inseriti a spezzare sapientemente la narrazione, oppure la suddivisione in capitoli, che forma una vera e propria sottostruttura, al fine di organizzare parallelamente alla trama il materiale del racconto.

La favorita è un dipinto elegante, sfarzoso, meraviglioso,  perturbante, che fa da specchio crudele, mostrando allo spettatore un passato lontano, ma che diviene sinistramente il riflesso spietato del mondo contemporaneo. Può apparire spiazzante, può divertire per il suo sarcasmo grottesco, può intenerire, commuovere o intrigare, ma certamente non può lasciare indifferenti, sottolineando quanto la speranza è molte volte un illusione, un effimera bugia che l’essere umano si racconta per andare avanti e rimanere in vita.