Doppio gioco è un thriller movie diretto da James Marsh (Man of wire, Red Riding, Project Nim) e sceneggiato da Tom Brady, un ex corrispondente nell’Irlanda del Nord negli anni caldi del terrorismo rivoluzionario irlandese. Una spy-story con qualche riferimento storico e sociale ma che cerca di mantenersi lontana da eccessivi coinvolgimenti politici. Una struttura narrativa, per buona parte del film, piuttosto semplice e lineare, che solo in un sorprendente finale sterza verso soluzioni inaspettate e impreviste.

In Doppio gioco Colette McVeigh (Andrea Riseborough) è una giovane donna irlandese che vive a Belfast con il figlioletto, la madre e i due fratelli, attivisti dell’Ira. Anche Colette è una volontaria del movimento terroristico indipendentista, e sarà proprio lei a fallire un attentato nella metropolitana di Londra. Catturata da agenti segreti del MI5 conoscerà l’agente Mac (Clive Owen) il quale le offre la libertà e la possibilità di crescere il proprio figlio in cambio di informazioni. Colette diventa così, suo malgrado, una spia all’interno della propria famiglia, costretta a rinnegare e tradire i propri ideali e le persone a lei più care per il bene del proprio figlio; ma sia lei che Mac scopriranno presto che il gioco è molto più intricato di quanto possa apparire.

Doppio gioco, il film

Colette, interpretata da una non convincentissima Andrea Riseborough, vive il dramma della guerra civile nordirlandese sin dagli anni dell’infanzia quando un suo fratellino, che andò a prendere le sigarette al padre al posto suo, venne coinvolto mortalmente in un conflitto a fuoco. Da qui la sua collaborazione con l’Ira di cui Gerry e Connor, i suoi due fratelli, sono membri operativi.

Il film di Marsh vuole incentrarsi soprattutto sul dilemma morale interiore che la protagonista si trova ad affrontare: rinunciare alla libertà e alla possibilità di crescere il proprio figlio oppure tradire la propria famiglia e i propri ideali per poter essere una madre? Doppio gioco non si presenta quindi come un film di denuncia a forte connotazione socio-politica come il celebre e bellissimo Nel nome del padre di Jim Sheridan, ma si propone come un classico thriller, una classica spy-story. A dire la verità il risultato non è eccellente, il film non è efficace né in un verso e nemmeno nell’altro. Dice poco sul contesto sociale e politico della Belfast dei primi e ancora caldi anni ’90 e non convince pienamente come thriller-movie.

Ritmi troppo lenti, dialoghi inconcludenti e una tensione emotiva troppo flebile per un film con i presupposti prima citati. Le stesse interpretazioni dei principali protagonisti seguono la scia del ritmo blando e stanco che pervade tutto il film. Andrea  Riseborough mantiene costantemente un’espressione inespressiva e sfiduciata che accentua, con risultati negativi, la figura della donna stanca del ruolo che ha all’interno dell’Ira, mentre Clive Owen si adegua ai toni bassi e dinoccolanti del film con un’interpretazione senza acuti.

Gli unici “sussulti” sono concentrati in un finale abbastanza sorprendente ma a cui è negata la giusta dose di attesa da una sceneggiatura che in precedenza aveva omesso elementi importanti e necessari a delineare tutti gli aspetti più incisivi della trama. Un film con delle buone premesse e un’ intrigante idea di base quindi ma che alla resa pratica dei fatti non convince lasciando nello spettatore un senso di inappagamento. Doppio gioco di James Marsh sarà in uscita nelle sale italiane a partire dal prossimo 27 giugno.

 

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Un’atmosfera inquietante, un cast eccezionale, una storia conturbante. Stoker arriva nei nostri cinema dal 20 giungo portando con sé un carico di turbamento profondo e folgorante e confermando il talento di Chan-wook Park, regista del cult Oldboy.

In Stoker India è una ragazza introversa e particolare, ama il padre sopra ogni cosa e con lui passa tantissimo tempo a cacciare nella tenuta di famiglia e a impagliare i begli esemplari di animali che la ragazza infallibilmente colpisce. Quando, dopo uno sfortunato incidente, il padre di India muore, la ragazza si trova rinchiusa da sola in casa con la madre, donna algida e apparentemente superficiale che non sembra comprendere a fondo i turbamenti della figlia adolescente, e con un ospite misterioso, uno zio che non aveva mai incontrato prima e che sembra avere una particolare affinità con le donne di casa Stoker.

Stoker, il film

Presentato al Sundance, Stoker di Park è penalizzato da una distribuzione un po’ esitante che avrebbe potuto vendere meglio un film potente anche se non per tutti i palati. Il regista ci fa entrare nella testa di India, nei suoi sensi che con la maggiore età sembrano acuirsi e nel suo profondo turbamento in una realtà che cambia intorno a lei e dentro di lei, e che da sola non riesce a cogliere. Nei panni dell’introversa e misteriosa India troviamo una Mia Wasikowska mai così lontana dall’immagine che il mondo ha di lei: capelli lunghi e scuri, occhi fissi e pensosi, espressione cupa e impenetrabile. L’interpretazione della giovane attrice è misurata e calma, e per questo ancora più potente, dimostrando di essere uno dei talenti più interessanti del panorama cinematografico internazionale. La Wasikowska si difende bene pur essendo messa a confronto con Nicole Kidman, che pur avendo sacrificato qualche espressione facciale sull’altare dell’eterna giovinezza, conserva uno sguardo magnetico che riesce a dire tutto, pur senza pronunciare parola. Questa inedita e splendida coppia è inframezzata dall’affascinante Matthew Goode (Match Point, The Watchmen), perfetto nel ruolo dell’intrigante e ambiguo zio venuto da lontano.

Stoker è un ritratto di famiglia inquietante e destabilizzante, che accompagna per mano lo spettatore in un torbido labirinto di impulsi repressi e di segreti inconfessabili, grazie soprattutto all’unione di un cast strepitoso e di una regia spietata ed elegante.

 

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Presentato in concorso all’ultimo Festival di Cannes, The Immigrant è un melodramma struggente scritto, prodotto e diretto da James Gray. Sogni, speranze, inevitabili illusioni e poi corruzione, immigrazione, gelosia, prostituzione: l’opera di James Gray ambisce a una rappresentazione universale di una spirale di sofferenza umana che ha radici storiche tramite il dolente ritratto di una figura femminile che lotta per sopravvivere.

In The Immigrant Ewa e Magda sono due sorelle polacche appena giunte a New York dopo essere fuggite dalla miseria della patria devastata dalla guerra. In cerca di fortuna, le due donne vengono immediatamente separate: Magda è affetta da tubercolosi ed è messa in quarantena a Ellis Island, mentre Ewa è abbandonata a se stessa. Sola e disperata, la donna viene introdotta illegalmente grazie all’intervento di Bruno Weiss, uomo misterioso che la accoglie nel suo locale di spettacoli. Ma la sopravvivenza di Ewa e la necessità di provvedere alle cure della sorella malata si pagano a caro prezzo, quando Bruno costringe Ewa a prostituirsi. Finché l’affascinante mago Orlando pare l’unico a poter aiutare Ewa a fuggire dall’incubo in cui si è tramutato un sogno americano ormai corrotto…

The Immigrant, il film

Marion Cotillard offre una splendida interpretazione, rivelando tutta la fragilità e al contempo la risolutezza di una donna costretta a scendere a compromessi pur di provvedere a se stessa e alla sorella. Figura centrale dell’opera di Gray, la Cotillard è contesa dai due personaggi maschili del film.

Se da un lato Jeremy Renner è convincente quanto basta nei panni del mago che si innamora della donna, benché il suo ruolo sia un po’ sacrificato dalla sceneggiatura, soltanto un fuoriclasse come Joaquin Phoenix, qui alla sua quarta collaborazione con il regista, avrebbe potuto regalarci tutta la complessità di un personaggio come Bruno: ambiguo, timoroso, ma anche risoluto, folle e tormentato. Non si tratta del classico ruolo negativo bidimensionale, bensì di una figura complessa e contraddittoria che acquisisce una certa centralità nella storia. Ed è soprattutto nel confronto finale tra Bruno ed Ewa che Phoenix sfodera la potenza emotiva di cui è sempre straordinario interprete.

Il trio di attori ben diretti è decisamente il cuore del film, con momenti semplicemente toccanti, come la confessione di Ewa origliata da Bruno. La calda e splendida fotografia, l’ottima cura nella ricostruzione storica, le drammatiche note della colonna sonora (insieme alle incursioni del Funeral Canticle di John Tavener che rievoca l’intimità di The Tree of Life di Malick) costituiscono ulteriori elementi di forza della pellicola, sublimata nella ricerca del perdono e della redenzione di personaggi che non riescono a fuggire dal loro inferno personale.

Se la sceneggiatura cede forse il ritmo nella seconda parte prima di risollevarsi con una svolta tutt’altro che prevedibile, The Immigrant è comunque in grado di emozionare soprattutto grazie all’interpretazione dei protagonisti e alla regia che li accompagna con discrezione. Memorabili il fotogramma di chiusura, curato come un dipinto, intimo, evocativo e bilanciato nella sua doppia rappresentazione, e l’inquadratura con cui si apre il film: la Statua della Libertà ripresa di spalle, che si carica di tutto il significato dell’opera di Gray, ossia quel sogno americano che ha illuso diverse generazioni ed etnie, quale promessa di speranza e accoglienza, rivelandosi invece un beffardo abbaglio che condanna alla solitudine. Ma se il sogno non esita a voltare le spalle, ecco una nuova illusione pronta a prendere il suo posto: il viaggio che conduce a ovest.

 

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