In Sammy 2 – La grande fuga Amici da sempre, Sammy e Ray, due tartarughe marine, trascorrono giorni felici nella barriera corallina. Un giorno mentre guidano i primi passi verso il mare dei loro nipotini, Ricky ed Ella, si ritrovano prigionieri di una rete da pesca. Catturati dai bracconieri, Sammy e Ray vengono venduti e si ritrovano ben presto in un gigantesco acquario sottomarino di Dubai. Qui faranno la conoscenza di pesci provenienti da tutto il mondo, alcuni simpatici, altri un po’ matti, e tutti insieme tenteranno di scappare dal grande acquario, con l’aiuto di due alcuni amici molto speciali.

Il secondo lungometraggio animato della coppia Stassen e Kesteloot (il primo fu infatti Le Avventure di Sammy uscito nel 2010) riprende il filo da dove si era concluso il precedente. Sammy e Ray sono ormai cresciuti e sono addirittura diventati nonni. La nuova avventura coinvolge questa volta non solo loro ma anche i loro neonati nipotini. Dall’uscita di Alla ricerca di Nemo in poi, tutte le case produttrici di film d’animazione si sono cimentate con l’argomento delle avventure sottomarine, costruendo in alcuni casi personaggi e storie molto credibili, e in alcuni altri prodotti molto meno convincenti.

Sammy 2 – La grande fuga, il film

È purtroppo il caso di Sammy 2 – La grande fuga. La galleria di personaggi che i due incontrano durante la loro prigionia del grande acquario di Dubai è sicuramente poco convincente: un cattivo poco cattivo che non suscita quel naturale sentimento di rabbia e frustrazione, la parte dei “giullari” invece è affidata a fin troppi personaggi (addirittura tre) che si spartiscono quel tocco di pazzia e simpatia che li contraddistingue, risultando poco efficaci. Il mondo subacqueo creato dai registi olandesi a ben poco a che fare, poi con la prigione in cui le due anziane tartarughe si sentono rinchiuse: ampi spazi, cibo a volontà, e l’attenzione dei clienti del ristorante extralusso non sembrano poi così insopportabili da giustificare il frettoloso bisogno di fuga, se non fosse per i due neonati bisognosi di aiuto.

I lungometraggi di animazione ci avevano abituati, negli ultimi anni, a esempi di scrittura cinematografica e maestria tecnica ottimi (basti ricordare, tra gli altri, le prove della Pixar e della Disney), nel caso di Sammy 2 – La grande fuga, invece alla validità della proiezione 3D, che ci trasporta completamente sotto i mari, non segue un’eguale energia narrativa.

In La parte degli angeli, il giovane Robbie cerca di liberarsi dalla faida famigliare che lo tiene prigioniero e che lo ha visto entrare e uscire dal carcere diverse volte. La sua compagna, Leonie, è incinta di suo figlio Luke e non appena lo tiene in braccio per la prima volta decide di cambiare vita. Robbie deve scontare la condanna in lavori socialmente utili e qui incontra Rhino, Albert e Mo, ma soprattutto Harry il loro sorvegliante, che li porterà a conoscere il mondo del whiskey. Riuscirà Robbie ad ottenere un’altra opportunità oppure il suo destino è segnato?

In La parte degli angeli Ken Loach riflette sulla società contemporanea adottando il meccanismo della commedia caratterizzata da quei personaggi che la società chiamerebbe o reietti o fannulloni. Quindi la penna di Paul Laverty si concentra molto nel restituire i ritratti di giovani che possono sembrarci familiari, figli di una generazione in bilico tra l’incertezza della disoccupazione e situazioni esasperate, che portano i personaggi a cercare inevitabilmente la svolta.

Robbie più di tutti ha bisogno di cambiare, motivato da uno dei sentimenti più nobili, l’amore per suo figlio Luke, mentre la speranza del cambiamento arriva da Harry. Quindi, la sceneggiatura verte sulle domande inconsce riguardo al futuro e alle aspettative che generano quella spinta verso la riscoperta dei sentimenti “buoni”, come la solidarietà, ma anche sulle circostanze fortuite di come può essere un incontro o un talento nascosto. Tutto questo è il vero motore del film, e Loach lo inquadra nell’ottica del riscatto sociale dei giovani di oggi fin troppo stereotipati e punta sul successo della seconda possibilità e sulle inevitabili ricadute. Uno stile di regia pulito, senza estetismi che la fotografia di Robbie Ryan segue in ogni ambiente, togliendo la patina della finzione e restituendo un altro livello di realismo. Il regista britannico è attento ai dettagli mettendoli a confronto nel susseguirsi delle scene. La grande metafora del film, nonché sorta di contraddizione nazionale, è quella del whiskey, una bevanda che non è conosciuta dal suo popolo, ricca di tanti aspetti, profumi e sfumature.

Per arrivare alla genuinità di sentimenti e dell’empatia da parte del pubblico, con La parte degli angeli Loach sceglie la commedia, anche se non è un vero e proprio film comico, poiché non c’è la battuta ad effetto ma un vero percorso emotivo che coinvolge lo spettatore. Sin dai titoli di testa viene introdotta la vena tragicomica del film, mentre entriamo in questa realtà scozzese che è comune a molte città del nord Europa. Molto bravi sono gli attori. Primo tra tutti, Paul Branningam, nel ruolo di Robbie, ha la faccia e la gestualità giusta per convincere e coinvolgere ma soprattutto per provare a essere una persona migliore. Lo bilancia perfettamente Gary Maitland, nel ruolo di Albert, l’attore che sicuramente per comportamenti e battute riesce più a incarnare lo stereotipo locale e a far sorridere nei momenti più opportuni.

La parte degli angeli è una buona commedia, ricca di sfaccettature che viene amalgamata da una delicata linea comica, consigliato a chi vuole gustarsi una piccola ma bella storia. Dal 13 Dicembre nei cinema.

Aurora, trentenne solare ed ottimista, che fugge dal suo paesino in Puglia per trasferirsi a Roma e specializzarsi in sessuologia. Costretta a tornare a casa, poiché crede che la madre sia in fin di vita, si trova a fare i conti con la curiosità e la diffidenza dei paesani.

La professione di Aurora, nel piccolo paese, crea curiosità e scatena anche divertenti fraintendimenti, attraverso i quali vengono mostrate gli errori e l’ignoranza che molto spesso gira attorno al tema del sesso.

Si può fare l’amore vestiti? Affronta con una certa scienza una tematica che spesso è al centro di molte discussioni e di molti film. L’anno scorso Shame di Steve McQueen aveva messo in scena la malattia sessuale, si è parlato di sesso oltre la cinquantina in un’altra produzione hollywoodiana recente, Il matrimonio che vorrei, con Meryl Streep e Tommy Lee Jones. Il film italiano cerca di mettere insieme tutte queste informazioni e realizzarci intorno una storia.

E’ difficile parlare di sesso nel nostro paese senza essere ammiccanti o pudichi, la mentalità del piccolo paese, un meraviglioso Polignano a Mare in Puglia, è un po’ diffusa nell’intera nazione. Come è difficile parlare di disfunzioni legate alla sessualità.Il film è perciò una sorta di manuale pratico, sulla struttura di una storia d’amore e riscatto, che approfondisce alcune tematiche legate al sesso.

Riuniti nel film alcuni volti televisivi Bianca Guaccero, Corrado Fortuna, Marina Rocco, Maurizio Battista e Michele Venitucci, che danno un minimo di novità ad un panorama spesso fossilizzato sui nostri bravi giovani attori, ma spesso troppo presenti in diverse pellicole contemporaneamente.

Il trio di protagonisti dà una buona e naturale prova di commedia che ha come pecca l’essere un po’ troppo tecnica e nozionistica e poco coinvolgente nelle emozioni rappresentate. Comunque una buona prova di un produttore alla sua prima produzione cinematografica e un esordio senza pecche per Donato Ursitti alla sua prima prova al lungometraggio. Il film esce in sala dal 6 Dicembre prossimo, appena in tempo prima dell’arrivo dei film di Natale, anche se quest’anno senza cinepanettone.

In Qualcosa nell’aria maggio del 1968, un gruppo di ragazzi si trova a vivere il caos della rivoluzione culturale che sta attraversando l’intero paese; Gilles è un liceale di diciassette anni che in questa confusione generale cerca di trovare la sua strada divisa tra una carriera artistica e l’attivismo politico. Ben presto si ritroverà a crescere spostandosi con i suoi amici tra una città all’altra, tra Europa e Oriente per tornare a casa ed essere consapevole di sé stesso.

Olivier Assayas porta la sua esperienza autobiografica nella vita di Gilles con Qualcosa nell’aria, (Clément Métayer) raccontando con uno stile di regia sobrio che si sofferma su inquadrature essenziali e misurate la vita di questo ragazzo e del gruppo dei suoi coetanei ricercando più l’atmosfera generale del film che l’intreccio di sceneggiatura. Perciò l’autore scrive di personaggi poco empatici, coscienti e attivi in apparenza, ma soprattutto sbandati e indecisi nella sostanza delle loro idee. Si fingono rivoluzionari quando infondo si sono presi una sorta di pausa dalla loro vita borghese. La bravura del regista francese sta nel voler tinteggiare l’intero film di questa essenza di insicurezza e credere in un sogno che vorrebbero li guidasse lontano ma che in realtà sarà solo un inevitabile risveglio che li porterà a ragionare sulle loro vite.

Qualcosa nell’aria, il film

Assayas usa la camera per scrivere di una generazione che ha aspettato il grande sogno e che nel momento di viverlo si scontra con la polizia, contestano l’autorità dei genitori che li mantiene e scopre la rivoluzione sessuale e le droghe leggere. Ma la bravura del regista è stata nell’evitare sapientemente tutte le trappole e le storie parallele che si potevano tracciare, mentre si è preoccupato di rinfrescare la memoria attingendo direttamente dal proprio bagaglio personale, inquadrando volutamente gli alter ego dell’ex fidanzata drogata, il padre sceneggiatore tv e le mille citazioni che si percorrono per tutto il film tra dettagli di libri e voice over del protagonista, il tutto unito da una colonna sonora scelta accuratamente e facendo rientrare nella storia tutto ciò che lo ha colpito e segnato nella sua vita. Il montaggio di Luc Barnier collega la vita di Gilles tra tempi lineari ed ellissi che si sposano con i sogni e le idee di un epoca, riuscendo a trasmettere lo spirito, senza usare la rievocazione nostalgica, che molti film con questo tema sottolineano, ma anzi segue la vita di questi ragazzi anche negli errori, lasciando anche una porta aperta ad un ipotetica lieve critica di diventare adulti in quel modo.

Molto bravi sono gli attori, completamente a loro agio negli ambienti e nei luoghi della rievocazione e bravi nel ricordare la vita dei loro genitori visto che sono quasi tutti nati negli anni novanta. Oltre al protagonista spicca Lola Créton (Un amore di gioventù) e gli esordienti India Menuez e Carole Combes.

Qualcosa nell’aria non ha né politica né azione, forse per questo è piaciuto ma non ha entusiasmato al 69° Mostra del Cinema di Venezia, lo spettatore assiste con lo stesso umore lo scorrere del film. Pur trattando una tematica attuale, giovani che sembrano preoccupati per il loro futuro, ma quello che scelgono di fare lo spettatore attuale a non lo accetta del tutto, poiché si trova ad osservare vite piuttosto distanti nelle scelte e nel modo di intraprendere un percorso alla ricerca di sé stessi, che va bene per la memoria storica ma poco per l’emozione in sala.