A herdade è il nuovo film di Tiago Guedes, selezionato nel Concorso di Venezia 76. Il film poteva essere a tono con la selezione dello scorso anno della Mostra, che prevedeva una serie di pellicole molto lunghe, storie importanti, che in più di un’occasione permettevano alla storia privata di incrociarsi con la grande Storia pubblica. E questo è ciò che sceglie di fare Guedes, con il suo film.

Il film racconta la storia di una famiglia portoghese che possiede una delle più grandi proprietà fondiarie d’Europa sulla riva meridionale del fiume Tago. A herdade scava nei segreti della loro proprietà, rappresentando le vicende storiche, politiche, economiche e sociali del Portogallo a partire dagli anni Quaranta, passando per la Rivoluzione dei garofani fino ad arrivare ai nostri giorni.

A herdade intreccia la storia politica e sociale del Portogallo attraverso i decenni, con quella legata all’ascesa e alla caduta di una famiglia, specchio della contemporaneità, che suo malgrado attraversa i cambiamenti che il tempo impone a tutte le cose. Questo equilibrio tra grande e piccolo, pubblico e privato, viene raccontato attraverso una lente particolarmente insolita, quasi pacifica potremmo dire, in cui la lotta di classe viene quasi annullata e perde il suo potere esplosivo.

Se alcuni momenti del film si caratterizzano per un’impostazione da soap opera, sacrificando la credibilità della messa in scena, gli scenari, le bellissime location, sono valorizzati invece da una fotografia che cattura ogni raggio di luce nei cieli tersi che dominano la maggior parte del film.

A herdade è un film che ha bisogno del suo tempo, come la sua storia, e non è una mera questione di minutaggio, anche se il film dura 164 minuti, è una questione di respiro: le storie su scala così grande hanno bisogno di inspirare ed espirare profondamente, così da riuscire a trovare spazio negli occhi e negli animi di chi li guarda.

Il problema di questo affresco così ricco e stratificato è proprio l’affollamento di temi che il film non poteva raccontare singolarmente in maniera esaustiva. E quindi il risultato è che in alcuni casi le redini del racconto sfuggono di mano al regista. Nonostante questo, il film mantiene il fascino della grande epica cinematografica, senza particolare lode, ma anche senza infamia.

Presentato in Concorso a Venezia 76, Babyteeth è diretto dall’australiana Shannon Murphy, alla sua prima volta alle prese con il lungometraggio.

Autore molto amato che da qualche tempo cerca di ritrovare la propria voce incisiva, Atom Egoyan ha presentato in Concorso a Venezia 76 il suo ultimo film, Guest of Honour, una saga familiare atipica che si trasforma in doppia indagine, una storia che presenta tutti gli elementi cari al regista e che ha raccontato più volte nella sua storie.

Jim e la figlia Veronica, una giovane insegnante di musica al liceo, cercano di dipanare le loro complicate storie e il groviglio di segreti che le avviluppano. In seguito a uno scherzo finito male, la figlia di Jim viene ingiustamente condannata per abuso di autorità nei confronti del diciassettenne Clive. Veronica è tuttavia convinta di meritare una punizione, ma per reati commessi molto tempo prima. Confuso e frustrato di fronte all’intransigenza di Veronica, l’angoscia di Jim inizia a ripercuotersi sul suo lavoro come ispettore alimentare: ha un grande potere nei confronti dei piccoli ristoranti a gestione famigliare, e lo esercita senza remore.

La storia si rivela essere un doppio racconto in cui gli indizi e le verità si dipanano man mano che la storia procede, senza però affondare dentro i personaggi. Il risultato è che il regista riesce comunque a toccare dei temi che gli sono molto cari, ma allo stesso tempo rimane in superficie, quasi svogliato di fronte all’indea di raccontare il suo stesso film.

Il thriller, che negli ultimi anni è passato alla tv come mezzo di elezione, sembra scivolare anche in questo caso alla dimensione del piccolo schermo, e così Guest of Honour si rivela anch’esso un prodotto televisivo svogliato, senza ritmo. Egoyan tratteggia con attenzione i personaggi ma poi li lascia in balia di un racconto superficiale.

A qualche anno da Belluscone – una storia siciliana, Franco Maresco, premiato a Venezia nel 2014, torna a filmare l’etologia di strambi animali autoctoni di Palermo e dintorni. Lo fa in un nuovo bizzarro oggetto cinematografico intitolato La mafia non è più quella di una volta, che si riallaccia al precedente lavoro e riporta la memoria, con tanta nostalgia, agli spiazzanti teatrini di Cinico Tv, firmati negli anni novanta insieme a Daniele Ciprì.

Questo spaccato cine-antropologico, che si spinge ai confini della bassezza della razza umana con sguaiata ironia e tanta poesia, è costruito con lo spirito di un divulgatore e l’estro del più scaltro dei commediografi. Si può con certezza affermare che in un bislacco connubio audiovisivo Piero Angela incontra Cesare Lombroso, antropologo e padre della moderna criminologia, che avrebbe sguazzato felice tra tanto materiale da studiare e collocare nelle sue classificazioni, trovando magari nuove conferme sulla sua sballata teoria dell’atavismo.

Il tema centrale di La mafia non è più quella di una volta, come si evince dal titolo è chiaramente la lotta alla mafia e il ricordo sempre vivo, affettuoso e riconoscente, di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino. Maresco lo racconta documentando varie commemorazioni delle loro uccisioni, alcune ufficiali, con tanto di partecipazioni di cariche politiche e del presidente della Repubblica, altre spontanee e discutibili. L’autore, nel presentare il suo lavoro, afferma “La mia sensazione, è di essermi spinto oltre rispetto al film precedente. In un territorio in cui la distinzione tra bene e male, tra mafia e antimafia, si è azzerata e tutto, ormai, è precipitato in uno spettacolo senza fine e senza alcun senso.”

Come un novello Dante, Franco Maresco si aggira con la sua macchina da presa tra i dannati del cuore antico di Palermo e dei moderni quartieri ZEN, sigla che potrebbe apparire come un rilassante rimando alle filosofie orientali, ma che in realtà è un freddo acronimo che significa Zona Espansione Nord. E non poteva mancare un Virgilio, impersonato in questo viaggio da Letizia Battaglia, fotografa ottantenne che con i suoi scatti ha raccontato le guerre di mafia e la gente semplice della sua amata città; è stata definita dal New York Times una delle “undici donne che hanno segnato il nostro tempo”. Anche Wim Wenders volle renderle omaggio, regalandole un prezioso cameo nel suo toccante Palermo shooting.

Ma il vero fulcro di questo bestiario strampalato è Ciccio Mira, con la sua clamorosa corte dei miracoli, popolata di cantanti neomelodici stonati e psicopatici, ballerine sguaiate col mito della Carrà, musicisti improbabili che non sanno suonare e attribuiscono la colpa all’antichità dello strumento, impresari vessati che comunicano per radio con gli alieni. Ciccio Mira, popolare showman di una becera TV locale, seguita da mafiosi, galeotti e disperati di varia natura, era anche il protagonista di Belluscone – una storia siciliana, diventando così elemento d’unione tra i due film.

La mafia non è più quella di una volta di Franco Maresco è un film raro, quanto prezioso. È costruito con sapienza, intelligenza e ironia, tanto gusto visivo e meditata teatralità. È un grido sornione di denuncia contro la mafia, sulla sua negazione e sull’omertà naturale che impone sulla gente, così strutturata da essere definita dal protagonista corredo genetico ereditato col DNA.

Unico dubbio è quanto sia labile il confine tra realtà e finzione, perché è assai difficile accettare che possano esistere delle bestie così strane, a volte stolte e a volte feroci, che vivono in branchi nei meandri invisibili e disperati delle nostre città. Le vie dell’evoluzioni sono imperscrutabili e Maresco ce ne fornisce le prove.

La serialità televisiva sta facendo passi avanti giganteschi, surclassando per budget e grandiosità progetti pensati per il cinema. Proprio nelle giornate della 76° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica si sono visti tanti film, prodotti faticosamente, con risorse che non basterebbero a realizzare neanche un singolo episodio, cosa che tuttavia non significa che venga meno l’intensità o i contenuti di un’opera filmica, ma che il mercato del cinema e della televisione si sta spostando in nuovi territori. Le piattaforme come Netflix, Amazon Studios, o Sky, hanno fatto nascere un nuovo modo di produrre, di raccontare, di comunicare, di diffondere film, contenuti e serialità. E in questo nuovo panorama non manca certo un ritorno alla ricerca espressiva e alla sperimentazione, basta pensare a The New Pope di Paolo Sorrentino, presentato al lido pochi giorni fa, ma anche a serie che rompono completamente gli schemi, come Love Death & Robots, visibile su Netflix. Zero Zero Zero di Stefano Sollima è frutto di questo positivo sconvolgimento, che tanta enfasi, clamore e anche polemica sta suscitando.

Le prime due puntate, presentate in anteprima, fuori dalla competizione ufficiale, lasciano intendere l’imponenza dello sforzo produttivo e il respiro internazionale, che nasce nel nostro paese e sconfina in altri continenti, USA, Centro e Sud America, Africa. Ed è proprio questa la grande forza della serie, mantenere sempre uno guardo italiano nonostante un cast internazionale e tante location sparse nel mondo. Tutto questo per narrare un problema tanto attuale, quanto vasto: il narcotraffico.

La sceneggiatura di Zero Zero Zero si poggia solidamente sul romanzo-inchiesta di Roberto Saviano dall’omonimo titolo, pubblicato da Feltrinelli nel 2013. Ma è stata sviluppata inventando personaggi e un solido filo narrativo che permettesse di creare una storia avvincente e credibile, che permettesse di tenere un pubblico vastissimo incollato allo schermo. Episodio dopo episodio è raccontato il viaggio di un carico di cocaina, dal momento in cui un potente clan della ‘Ndrangheta decide di acquistarlo, fino a quando viene consegnato e pagato. In questo modo è mostrato, fin nei dettagli, di come l’economia illegale diviene parte di quella legale e su come entrambe siano collegate a una spietata logica di potere e controllo che influenza le vite e le relazioni delle persone. Attraverso i personaggi e le loro singole storie si evidenziano tutti i meccanismi sconosciuti che si celano dietro il business più redditizio del pianeta, dopo quello del petrolio.

Il modo di creare immagini e di raccontare di Stefano Sollima è di enorme professionalità e bravura, riesce a costruire concitate ed efficaci scene d’azione e di combattimento, con set smisurati, veicoli, esplosioni e centinaia di comparse. La messinscena è così convincente da far sentire lo spettatore sempre al centro della baraonda, almeno sul grande schermo cinematografico. Peccato che alla fine la fruizione sarà destinata alla TV, se non addirittura a computer o dispositivi portatili. Stona però che in un prodotto così ben realizzato si avverta un vizio tutto italiano, ovvero quello di inzuppare ogni secondo del film di musica e tappeti sonori, che tolgono purtroppo verità a situazioni che dovrebbero nutrirsi solamente di rumori o suoni diegetici. La musica di Mogway risulta invadente, stancante, monotona e spesso superflua. Molto indovinati invece sono i volti dei tanti personaggi e risultano assai credibili gli attori, in particolare Dane DeHaan, Gabriel Byrne e Andrea Riseborough.

Zero Zero Zero è una serie avvincente sul traffico di narcotici, che prende vita da un libro di denuncia di grande successo e che regala spettacolarità ed emozioni, garantendo puro intrattenimento.