In precedenza, la Disney aveva tre
film Marvel senza titolo in programma per il 13 febbraio 2026, il 6
novembre 2026 e il 5 novembre 2027. Tuttavia, in un nuovo
aggiornamento dello studio, la data del 13 febbraio 2026 è stata
rimossa dal calendario delle uscite Disney, mentre i progetti
Marvel previsti per il 6 novembre 2026 e il 5 novembre 2027 sono
stati trasformati in film “Disney senza titolo”.
Cosa significa la rimozione
delle date di uscita Marvel da parte della Disney
È comprensibile il motivo per cui la
data del 13 febbraio 2026 sia stata rimossa del tutto, dato che la
Marvel Studios non aveva annunciato alcun progetto per quel giorno.
A parte Avengers: Doomsday, attualmente in
fase di riprese, nessun altro film dell’MCU è attualmente in
produzione. Anche se le riprese di un film dell’MCU dovessero
iniziare a breve per poterlo distribuire nel febbraio 2026, non ci
sarebbe abbastanza tempo per la post-produzione. Questo cambiamento
significa che la Marvel Studios può evitare di pubblicare un
progetto affrettato, motivo per cui la Disney ha fatto bene a
rimuovere quella data.
Per quanto riguarda le due date di
uscita di novembre, lo slot del 6 novembre 2026 utilizzato per un
altro film Disney è giustificato, dato che Avengers:
Doomsday arriverà nel dicembre dello stesso anno. Considerando
che la Fase 6 è prevista per dicembre 2027 con Avengers:
Secret Wars invece che nel maggio 2027, la data del 5
novembre 2027 sarebbe stata probabilmente riservata a un film della
Fase 7. A causa del nuovo cambiamento della Marvel, non c’è più
motivo di mantenere quella data del 2027. Ora, la Fase 7 non
inizierà prima del 2028, poiché la Marvel Studios ha tre film
Marvel senza titolo in programma per il 18 febbraio, il 5 maggio e
il 10 novembre.
Scarlett Johansson ha recentemente parlato
della possibilità di tornare nel franchise, non come attrice, ma
come regista. Johansson ha già prodotto e
interpretato Black
Widow, l’attesissimo film dedicato al suo personaggio
fondatore degli Avengers, uscito nel 2021. Il film vedeva anche la
partecipazione di Florence Pugh, David Harbour, Rachel Weisz, Olga Kurylenko e Ray
Winstone.
In un’intervista con Deadline
per promuovere il suo debutto alla regia nel 2025 con Eleanor
the Great, l’attrice ha spiegato la sua visione del cinema, che
dà priorità alla “connettività umana”. Johansson ha
affermato che sarebbe interessata a dirigere un film Marvel perché i progetti
“grandi” che le piacciono tendono ad essere più incentrati
sui personaggi in generale.
Ha poi citato Black
Widow come esempio. Johansson ha dichiarato: “Anche
produrre Black Widow ed essere parte della produzione e dello
sviluppo della storia e della relazione tra Natasha e [sua sorella
Yelena Belova] e questo dramma familiare che [..] è questo piccolo
film […] in un mondo enorme è, credo, un modo per […] mantenere
l’integrità […] dell’idea di connessione umana.” Continuando,
ha chiarito che i film che trovano un modo per rendere una storia
personale e piccola anche in un universo più ampio “sono i
grandi film che [lei ama].”
Cosa significano i commenti di
Scarlett Johansson sul MCU
In precedenza, Johansson aveva
affrontato la possibilità di tornare nel ruolo di Natasha
Romanoff/Black Widow, ma ha smentito le voci secondo cui sarebbe
apparsa in Avengers:
Doomsday. L’attrice ha spiegato:
“Sarebbe molto difficile per
me capire in che modo [il ritorno] avrebbe senso per me, per il
personaggio che interpreto. Mi mancano i miei amici e mi piacerebbe
davvero stare con loro per sempre, ma ciò che funziona del
personaggio è che la sua storia è completa. Non voglio rovinare
tutto. Anche per i fan è importante”.
Indipendentemente dal suo
ritorno come attrice, la star poliedrica potrebbe tornare nell’MCU
in un altro ruolo.Come già detto, ha prodotto Black
Widow, quindi esiste un precedente che le consentirebbe di assumere
un ruolo di leadership in un progetto Marvel. Inoltre, ha fatto il
suo ingresso nel mondo della regia con la prima di Eleanor the
Great, dimostrando di essere in grado di dirigere un film.
L’attrice di SupermanIsabela Merced ha recentemente rivelato come
il suo personaggio, Kendra Saunders/Hawkgirl, riprende la sua
storia a fumetti nel prossimo film dell’universo DC. Insieme a
Merced, il film vede anche la partecipazione di
David Corenset,
Rachel Brosnahan,
Nicholas Hoult, Anthony Carrigan, Edi Gathegi,
Nathan Fillion, Sara Sampaio, Neva Howell e Pruitt Taylor
Vince. Diretto da James
Gunn, il film, che segna la prima apparizione importante del
personaggio sul grande schermo, vede Hawkgirl come parte della
Justice Gang, un gruppo di eroi sponsorizzati da aziende che non
condividono esattamente la morale di Superman.
Hawkgirl ha avuto diverse
incarnazioni nei fumetti, essendo un’aliena in alcuni, reincarnata
in altri e persino un’aliena reincarnata nelle serie più recenti.
Inoltre, tre diversi eroi hanno interpretato Hawkgirl: Shiera
Sanders Hall, Shayera Hol e Kendra Saunders, quest’ultima
interpretata da Merced. In un’apparizione al DC
Studios Showcase Official Podcast, Merced ha parlato di
come la storia di Kendra abbia influenzato la sua interpretazione
in Superman:
“Kendra è reincarnata, ma è reincarnata da un’aliena. Quindi
ha tutti quei ricordi. La storia è davvero molto cupa, è talmente
incasinata che mi chiedo come faranno ad affrontarla. Penso che lei
porti con sé tutti i ricordi, i traumi e gli errori delle sue vite
passate, ovunque vada, quindi ha un carattere un po’
scontroso”.
Oltre a interpretare una
supereroina, Merced ha rivelato perché essere stata scelta per
Superman è stato così importante per lei: “Uno dei miei sogni nella
mia carriera era lavorare con James Gunn. Gliel’ho detto il giorno
che l’ho incontrato […] ero una sua grande fan”. In seguito ha
scherzato dicendo che avrebbe accettato qualsiasi ruolo nel film di
Gunn, aggiungendo: “Se avesse voluto che fossi una cittadina di
Metropolis, avrei fatto anche quello”.
Cosa significano i commenti
di Isabela Merced su Hawkgirl
Il passato complicato di
Kendra Saunders la rende un’eroina più disillusa
Hawkgirl è un personaggio così
ricco di tradizioni e con diverse interpretazioni che creare una
propria versione dell’eroina sarebbe stato un compito enorme per
Merced. Sulla base delle sue dichiarazioni, sembra cheGunn abbia optato per un approccio che include tutto,
incorporando sia il ciclo di reincarnazione che le radici
thanagariane di Hawkgirl.
Per quanto riguarda Merced, non
le dispiace avere del materiale extra su cui lavorare per la sua
interpretazione. L’attrice ha spiegato: “Lo adoro.Onestamente, mi dà così tanti retroscena ed è super utile. Ma
poi, con il tocco di James Gunn, sapete, quella consapevolezza di
sé e la comicità di tutto ciò.[…] Mi dà l’opportunità
di… sdrammatizzare il mio trauma.”
Motorheads–
stagione 1 è stata pubblicata su Prime
Video il 20 maggio e, con i suoi misteri
intergenerazionali e le gare elettrizzanti, non c’è da stupirsi che
la serie sia già un successo. Dopo la sua uscita, Motorheads
è subito salita in cima alle statistiche di streaming di Amazon. La
serie segue un gruppo di quattro liceali disadattati uniti
dall’amore per le auto, le corse e un legame con il passato oscuro
della loro piccola città di Ironwood, in Pennsylvania.
Il cast di
Motorheads vede Melissa Collazo e Michael
Cimino nei panni dei gemelli Caitlyn e Zac Torres, il cui padre,
Christian Maddox (Deacon Phillippe), è scomparso dopo aver rapinato
una banca 17 anni prima. Con l’aiuto dei loro amici, riparano la
vecchia auto da corsa di Christian per partecipare alle
tradizionali gare di strada di Ironwood. Con questo mix
adrenalinico di auto veloci, corse ad alto rischio, drammi
romantici e una fortuna scomparsa, la prima stagione di
Motorheads era destinata a concludersi con il botto.
Harris Bowers muore nel finale
della prima stagione di Motorheads?
Conclude la stagione in un
incidente infuocato
Senza dubbio, Harris Bowers (Josh
Macqueen) è uno dei personaggi più interessanti della prima
stagione di Motorheads. È il figlio dell’uomo che un tempo
era il più ricco di Ironwood, ma la recente morte della madre ha
lasciato Harris come un guscio vuoto e arrabbiato all’inizio della
stagione. Ma, nei momenti finali del finale di stagione, Harris
rimane intrappolato in un incidente d’auto in fiamme: non è chiaro
se sia vivo o morto.
La recente morte di sua madre
ha lasciato Harris un guscio vuoto pieno di rabbia.
Fin dal primo episodio, Harris e Zac
si sono scontrati per l’affetto di Alicia Whitaker (Mia Healey) e
la loro rivalità è destinata a culminare in una gara. Mentre è in
viaggio, però, Harris colpisce una buca che fa esplodere una
gomma, facendolo sbandare, ribaltare e rimanere intrappolato in un
relitto in fiamme. L’unica persona che potrebbe aiutarlo è Zac,
e l’ultima immagine che abbiamo di entrambi è Zac che guarda le
fiamme con orrore.
Il modo in cui la telecamera taglia
la scena rende volutamente poco chiaro se Harris sia sopravvissuto
o se Zac tenterà di salvarlo. Harris ha trascorso la prima stagione
di Motorheads dicendo a tutti quelli che lo circondano che
non riconosce la persona che è diventato. Se Harris muore in
pista, non avrà mai la possibilità di diventare l’uomo che avrebbe
dovuto essere. Speriamo che Harris torni in qualche forma se
Motorheads verrà rinnovato per una seconda stagione.
Christian è a Spider Lake? Cosa
significa la telefonata di Caitlyn
L’ipotesi di Sam che Christian
sia morto potrebbe non essere così vera come sembrava
Il mistero più grande di
Motorheads è cosa sia successo a Christian Maddox. È
scappato dalla polizia dopo aver rapinato una banca, ma, dopo
essere stato riconosciuto, ha dovuto abbandonare la sua ragazza
incinta, Samantha Torres (Nathalie Kelley). L’ultima volta che Sam
lo ha visto, stavano seppellendo la sua fortuna, ma quando è
tornata, i soldi erano spariti e al loro posto c’era solo una foto
di Spider Lake. Ancora più strano è il fatto che il fratello di
Christian, Logan (Ryan Phillippe), riceve da anni cartoline
bianche. Christian ha dei bei ricordi di Spider Lake, quindi se
dovesse nascondersi da qualche parte, quello sarebbe il posto
giusto.
Per avere una chiara somiglianza
familiare, il figlio di Ryan Phillippe, Deacon Phillippe,
interpreta suo fratello minore, Christian Maddox, nella prima
stagione di Motorheads.
Caitlyn trascorre l’intera stagione
alla disperata ricerca di un modo per ricongiungersi con suo padre
e, nella scena finale della prima stagione di Motorheads,
riceve una chiamata da un numero sconosciuto da Spider Lake. Tutti
gli indizi indicano che Christian è vivo a Spider Lake. Avrebbe
potuto facilmente prendere i soldi e usarli per iniziare una nuova
vita. L’unico problema è che Motorheads è una serie che ha
sempre un colpo di scena, quindi, anche se sembra che Christian
sia vivo a Spider Lake, è quasi certo che le cose non andranno
esattamente così.
Come Zac ha ottenuto i codici e
perché li ha dati a Logan
Ironwood è una città con molti
problemi finanziari e, di conseguenza, Logan trascorre la prima
stagione di Motorheads cercando di mantenere a galla la sua
officina. Nell’episodio finale, la malavita di Ironwood, con
l’aiuto di Logan e Harris, ruba quattro auto di lusso all’uomo più
ricco della città. Ma poiché questi è anche il padre di Alicia, la
rapina è anche un tradimento nei confronti della ragazza, che ha
trascorso la stagione divisa tra i due ragazzi. Alla fine, è Zac
che ha dato a suo zio Logan i codici per rubare le auto del padre
di Alicia.
Zac ha tradito Alicia perché, se
Logan non fosse riuscito a procurarglieli, avrebbe dovuto fare da
autista per la fuga dopo la rapina. In un certo senso, quindi, Zac
ha dovuto tradire Alicia per salvare suo zio. Peggio ancora,
Alicia ha capito quasi subito che era stato Zac a tradirla.
Se i due avessero mai avuto la possibilità di stare insieme, le
azioni di Zac nel finale di Motorheads hanno quasi
certamente messo fine alla loro relazione.
Zac dimostra di stare diventando
suo padre nel finale della prima stagione di Motorheads
Fin dall’inizio, sia Zac che
Caitlyn hanno trascorso tutto il loro tempo a Ironwood, oscurati
dall’eredità del padre. In effetti, la rivalità di Zac con
Harris è iniziata quando Harris ha mostrato il filmato della fuga
di Christian dalla polizia durante una grande festa. Sia Zac che
Caitlyn sono profondamente consapevoli dei difetti di Christian.
Presumibilmente ha abbandonato la sua famiglia perché correva
costantemente senza curarsi della propria incolumità anche dopo che
Sam era rimasta incinta, ed è stato coinvolto in alcune rapine
piuttosto gravi.
Tutto ciò che Sam e Logan vogliono è
che Zac e Caitlyn diventino persone migliori dei loro genitori, ma
alla fine della stagione 1 di Motorheads, Zac è
praticamente diventato suo padre. La sua ossessione per le corse lo
mette ripetutamente in grave pericolo. Preferisce le auto a sua
madre, suo zio, sua sorella e la donna che sembra amare. Tradisce
Alicia in un modo che ricorda in modo inquietante il tradimento di
Christian nei confronti di Sam 17 anni fa.
Lo Zac Torres dell’episodio 1
non avrebbe esitato a cercare di salvare Harris, ma nel finale di
Motorheads, Zac rimane semplicemente lì.
La cosa peggiore è il significato
della scena finale, in cui Harris ha un incidente con l’auto. Zac
ricorda la buca che ha causato l’incidente di Harris, e non è
chiaro se abbia sterzato per evitarla o se abbia sterzato per far
sì che Zac ci finisse dentro. Allo stesso modo, il Zac Torres
dell’episodio 1 non avrebbe esitato a cercare di salvare Harris, ma
nel finale di Motorheads, Zac rimane semplicemente lì. Questo è
probabilmente il finale più cupo possibile per Zac, e ci vorrà
molto perché Zac riesca a uscire da questa oscurità in un
potenziale secondo Motorheads.
Il vero significato del finale
della prima stagione di Motorheads
Ci sono due temi principali nella
stagione 1 di Motorheads: il ciclo della ricchezza e della
povertà e la natura ciclica del tempo. Gli adolescenti del 2025
stanno vivendo le stesse storie, gli stessi drammi e gli stessi
crimini dei loro genitori negli anni 2000, anche se i dettagli
individuali sono diversi. Ma i genitori in Motorheads sono
tutti individui profondamente imperfetti.
Amazon Prime non ha ancora rinnovato
Motorheads per la stagione 2.
Persino lo sceriffo di Ironwood ha
preso parte alla rapina in banca che ha costretto Christian Maddox
a fuggire e, nel 2025, suo figlio è alle prese con le conseguenze
di quel crimine. Il finale della prima stagione di
Motorheads sembra confermare che, a meno che qualcuno
non apporti un cambiamento radicale, l’ultima generazione di
adolescenti di Ironwood è destinata a ripetere gli stessi errori
commessi dai propri genitori decenni prima.
Fountain of Youthè l’ultimo film d’avventura di Guy
Ritchie, ricco di star, e il finale è ricco di personaggi
e spunti tematici da analizzare. Il cast di Fountain of
Youth è guidato da John Krasinski e Natalie Portman, che interpretano Luke e
Charlotte, due fratelli separati. Luke coinvolge Charlotte in un
piano del miliardario Owen Carver (Domhnall
Gleeson) per trovare e utilizzare la Fontana della
Giovinezza, il mitico specchio d’acqua che presumibilmente offre
l’immortalità a chi ne beve. Owen sostiene di essere malato
terminale di cancro e desidera utilizzare la Fontana per salvarsi
la vita.
Il finale del film vede Luke e
Charlotte condurre con successo Owen Carver alla Fontana della
Giovinezza, dove Luke è il primo a provare il liquido mistico. Dopo
esservi entrato e averne intravisto il potere, decide di non berlo,
lasciando che sia Owen a farlo. Vediamo Owen trasformato dal
potere del liquido prima che Esme (Eiza
González) usi la chiave datale dall’Anziano (Stanley Tucci) per spegnerlo.
Cosa vede davvero Luke nella
Fontana della Giovinezza
Luke capisce di voler stare con
i suoi cari
Quando Luke intravede la Fontana
della Giovinezza, vede Charlotte e suo figlio Thomas in condizioni
di salute precarie e decide di non bere dalla Fontana. Come dice
l’Anziano, la Fontana contiene qualcosa che gli esseri umani non
riescono ancora a comprendere appieno e, bevendone, Luke
prosciugherebbe la vita dei suoi cari per appropriarsene. Più
tardi, Luke descrive il contenuto della Fontana come
“Tutto”.
Per quanto riguarda l’evoluzione del
personaggio di Luke, ciò che lui descrive come “tutto”
potrebbe essere un riflesso di ciò che conta veramente nella sua
vita: la sua famiglia. Vedendoli in uno stato così
decrepito, si rende conto che non ha bisogno di ottenere
l’immortalità o un potere immenso; vuole solo ricostruire il legame
con sua sorella e suo nipote. In senso metafisico, potrebbe
suggerire che la Fontana della Giovinezza contenesse qualcosa di
incomprensibile, come le risposte a domande spirituali.
La spiegazione del piano di
Charlotte per “trovare qualcosa che si è perso”
Luke, Charlotte e Thomas
continueranno le loro avventure insieme
Le ultime righe di Fountain of
Youth mostrano Luke e Charlotte che discutono del loro prossimo
film, con Charlotte che dice che dovrebbero continuare a cercare
cose perdute. Lei e suo fratello avevano delle divergenze dopo la
perdita del padre, trovandosi agli antipodi: lui voleva continuare
l’avventura e non riusciva a stabilirsi o a trovare la pace
interiore, mentre lei lottava con la vita quotidiana, finendo per
divorziare dal marito. Dopo il climax del film, raggiungono un
equilibrio.
Luke e Charlotte hanno entrambi
capito quanto hanno bisogno di queste avventure. È ciò per cui sono
stati essenzialmente cresciuti, e la loro passione è scoprire
misteriosi manufatti. Ora, con Thomas coinvolto, possono farlo in
un modo che va a vantaggio di tutti, permettendo loro di
trascorrere del tempo insieme come una famiglia, cercando tesori ed
esplorando il mondo insieme.
Il piano completo di Owen Carver
e cosa succede quando beve dalla fontana
Owen Carver voleva
commercializzare il liquido della fontana
Owen Carver inizia il film sembrando
un alleato dei protagonisti, come il benefattore dietro la ricerca
del tesoro sepolto. Ha rubato opere d’arte in tutto il mondo per
raccogliere indizi per trovare la Fontana della Giovinezza,
sostenendo di avere il cancro e di volerla usare per salvarsi la
vita. Luke crede a questa storia, ma Charlotte è scettica,
rendendosi conto che Owen è un miliardario che ha ottenuto la sua
ricchezza acquisendo spietatamente altre aziende, il che suggerisce
che potrebbe voler commercializzare il liquido della fontana.
Esme è costretta a chiudere la
Fontana usando la chiave, e il destino di Owen Carver rimane
ambiguo, dato che viene lasciato indietro mentre tutti gli altri
fuggono.
Una volta raggiunta la Fontana,
scopriamo che Owen non ha il cancro e che sta semplicemente
cercando la Fontana per ottenere potere e ricchezza, descrivendo il
liquido come il bene più prezioso al mondo. Quando ne beve un
sorso, però, il liquido inizia a prosciugare la vita dal suo corpo.
Come dice l’Anziano, se la persona che beve dalla Fontana ama se
stessa più di ogni altra cosa, l’effetto sarà più sporadico.
Esme è costretta a chiudere la Fontana usando la chiave, e il
destino di Owen Carver rimane ambiguo, dato che viene lasciato
indietro mentre tutti gli altri fuggono.
Come Esme impedisce a Carver di
usare la Fontana
Esme è un personaggio misterioso in
tutto il film Fountain of Youth. Anche se all’inizio sembra
un’antagonista, alla fine lavora per il bene dell’umanità. Mentre
Jamal Abbas (Arian Moayed) insegue i protagonisti per arrestarli
per furto d’arte, Esme li insegue per impedire loro di raggiungere
la Fontana. Non si fida di Luke, ma Owen Carver è la vera
minaccia.
Durante la conversazione di Esme con
l’Anziano, lui le consegna una chiave. Essenzialmente, questa
chiave viene utilizzata come dispositivo di sicurezza per fermare
l’attivazione della Fontana una volta che il suo potere è stato
attivato. Esme gira la chiave, racchiudendo la Fontana nel suo
guscio esterno e richiamando le scale, dando a Luke, Charlotte e
Thomas un tempo limitato per fuggire.
Cosa sta realmente facendo
l’Anziano interpretato da Stanley Tucci?
L’Anziano protegge tesori
nascosti come la Fontana
Il personaggio di Stanley Tucci,
l’Anziano, appare solo in una scena di Fountain of Youth,
anche se più avanti nel film sentiamo altre sue spiegazioni.
L’Anziano sembra essere il leader di un’organizzazione che
protegge luoghi mitici come la Fontana (supponendo che ce ne siano
altri). Come dice lui stesso, l’umanità non è pronta per il
potere della Fontana, che deve essere protetta fino a quel momento.
Il film tralascia molti dettagli su questa organizzazione, quindi è
meglio considerarla mistica quanto il luogo che protegge.
Fountain of Youth parla della
scoperta di ciò che conta davvero nella vita
Luke trascorre gran parte del film
alla ricerca della Fontana della Giovinezza, credendo che sia il
premio finale di una vita di ricerche. Mentre Charlotte ha cercato
di sistemarsi, Luke ha continuato a vivere avventure dopo
avventure, fuggendo dalla legge e da misteriose organizzazioni,
mettendo a rischio la propria vita per inseguire quello che crede
essere il suo scopo. Mentre Charlotte evidentemente non è riuscita
a rimanere in un posto, cercando di colmare i vuoti della sua vita
con un matrimonio, il carattere di Luke non gioca a suo favore,
lasciandolo costantemente insoddisfatto.
Fountain of Youth è un film
che contrappone il fascino del potere immenso e dell’immortalità ai
bisogni semplici che diamo per scontati nella vita.
Alla fine del film, i due fratelli
capiscono che il viaggio è ciò che hanno sempre cercato. Ripetono
questa frase più volte nel corso del film, ma è solo quando Luke
intravede una Charlotte molto più anziana nella Fontana della
Giovinezza che capisce che ciò che desidera veramente non è la
soluzione di un mistero archeologico, ma stare con la famiglia e le
persone care che lo circondano. Fountain of Youth
è un film che contrappone il fascino del potere immenso e
dell’immortalità ai semplici bisogni che diamo per scontati nella
vita.
Sirens giunge al
termine con una decisione importante presa da ciascuno dei
personaggi principali e la rivelazione di alcune verità più
profonde. La miniserie Netflix
riprende con Devon DeWitt, una ragazza dal carattere forte che
lavora in un fast food e si prende cura a tempo pieno del padre,
mentre parte alla volta di un’isola di lusso alla ricerca della
sorella Simone. La ragazza più giovane era praticamente scomparsa
dalla circolazione quando aveva accettato un lavoro come assistente
personale della milionaria filantropa Michaela Kell. Non appena
Devon arriva alla villa dei Kell, rimane turbata dalla strana
influenza che Michaela sembra esercitare su Simone.
Devon giunge alla conclusione,
nellaserie NetflixSirens, che Michaela è a capo
di una setta e che l’unico modo per liberare Simone dal suo
bizzarro attaccamento è quello di seguire la stessa strada. Durante
il weekend del Labor Day, però, Devon si trova di fronte solo ad
altre domande. Michaela sembrava davvero un mostro, ma Simone amava
e adorava quella donna. Tuttavia, le cose sono andate in pezzi per
Simone quando Michaela ha capito che lei e suo marito Peter avevano
una relazione. Di fronte al ritorno al trauma infantile, Simone ha
preso una decisione sorprendente alla fine di Sirens.
Perché Simone ha preso il posto
di Michaela nel finale di Sirens
Tornare al suo passato non era
un’opzione (ma la scelta di Simone era comunque egoista)
Simone era stata completamente
fedele a Michaela durante tutta la serie Sirens. Quando
Peter l’ha baciata, lei ha immediatamente fermato tutto e ha tenuto
il segreto al suo capo per non ferirla. Prima della fine della
miniserie, Simone non avrebbe mai immaginato di usurpare il posto
di Michael come signora Kell. Tuttavia, dopo essere stata
licenziata, Simone si è trovata di fronte alla realtà di tornare
alla sua vecchia vita. Suo padre, Bruce, ha visto questa situazione
come un’opportunità per rimediare alla sua negligenza nei confronti
di Simone quando era bambina, ma per Simone era come un inferno personale. In preda al panico, ha cercato di
scappare, ed è allora che ha incontrato Peter sulla spiaggia.
Ogni episodio di Sirens ha
ulteriormente sottolineato il fatto che Simone è una persona
profondamente traumatizzata. Viene sottilmente rivelato che in
passato ha preso diverse decisioni autodistruttive, tra cui quella
di andare a letto con il suo professore universitario sposato.
Simone è sinceramente gentile e ha un cuore buono, proprio come ha
detto Michaela nell’ultimo episodio di Sirens, ma spesso fa
scelte sbagliate nella sua ricerca della felicità e della
sicurezza. Alla fine, tornare alla sua vecchia vita non era
un’opzione, e Simone ha approfittato dell’opportunità che le si è
presentata. Peter era lì e disposto ad aiutarla, quindi Simone ha
varcato la soglia.
La spiegazione della scelta di
Devon di allontanarsi da Simone
Come Simone, Devon ha la tendenza a
fare scelte di vita tossiche. Entrambe le sorelle hanno vissuto il
trauma del suicidio della madre, ma lo hanno affrontato in modi
diversi. Devon ha assunto il ruolo di custode e non ha potuto fare
a meno di abbandonare tutto nella sua vita per prendersi cura di
Simone e di suo padre, Bruce. Tuttavia, il trauma di Devon ha fatto
sì che il suo ruolo responsabile all’interno della famiglia fosse
contrapposto alle sue scelte tossiche. È diventata essenzialmente
dipendente dal sedurre gli uomini ogni volta che ne aveva
l’occasione e l’alcol è diventato un vizio pericoloso nella sua
vita.
Devon avrebbe potuto
continuare a lottare per salvare Simone da se stessa, ma sarebbe
stata solo un’altra decisione tossica da parte della sorella
maggiore.
Tutto questo è profondamente legato
alla scelta di Devon di allontanarsi da Simone alla fine di
Sirens. Aveva stravolto la sua vita per cercare sua sorella
minore e salvarla da Michaela, ma alla fine Simone era un vero
problema nella sua vita. Devon avrebbe potuto continuare a lottare
per salvare Simone da se stessa, ma sarebbe stata solo un’altra
decisione tossica da parte della sorella maggiore. Simone non
era più una bambina che aveva bisogno di essere salvata. Devon
doveva lasciarla affrontare le conseguenze delle sue scelte in modo
da potersi concentrare sul miglioramento della propria situazione.
Era doloroso, ma necessario.
Michaela era davvero a capo di
una setta in Sirens?
Dal punto di vista di Devon in
Sirens, Michaela era una pericolosa leader di una setta.
Sebbene la relazione del milionario con la sua assistente fosse
davvero inappropriata, Devon alla fine si rese conto che la sua
conclusione iniziale su Michaela non era stata giusta. In realtà,
la donna era distrutta proprio come le sorelle DeWitt. Aveva
usato il proprio trauma passato per costruirsi una bellissima
armatura. Questo, insieme alla generosità radicale di Michael e
alla sua posizione di signora Kell, le conferiva un fascino
naturale che attirava verso di sé le persone ferite e distrutte.
Lei stabiliva le regole e la gente la ascoltava.
Michaela ha rivelato alla fine di
Sirens che il ritornello “hey hey” non significava
nulla, era solo qualcosa che diceva e che era diventato un
“cosa”.
La rivelazione di Devon su Michaela
è arrivata dopo la scoperta che la prima moglie di Peter non era
mai stata uccisa. Dopo il divorzio, la donna si era sottoposta a
numerosi interventi di chirurgia plastica, che le avevano causato
gravi complicazioni mediche. La precedente signora Kell era
diventata una reclusa, e questo aveva alimentato le voci in città
secondo cui Michaela l’aveva uccisa. Anche senza le accuse di
omicidio, Michaela, in quanto “altra donna”, era
considerata la cattiva della storia. Naturalmente, alla fine di
Sirens vediamo che non si tratta di un ruolo equo.
Chi era il vero mostro alla fine
di Sirens?
L’ultima battuta di Michaela in
Sirens dimostra la maturità e la consapevolezza di sé che Devon
inizialmente pensava fossero al di sopra delle sue capacità. Dopo
che Devon ha detto a Michaela che non è un mostro, la donna ha
sottolineato che nemmeno Simone lo è. Naturalmente, avrebbe potuto
facilmente pensarla diversamente. Simone aveva essenzialmente
rubato il marito a Michaela e lei avrebbe potuto considerarla una
nemica. Tuttavia, Michael ha capito che Simone aveva solo fatto la
stessa cosa che lei aveva fatto in passato. Non erano mostri, ma
solo donne traumatizzate e ferite che avevano fatto scelte
sbagliate alla ricerca di sicurezza e felicità.
È interessante notare che
Peter Kell non è mai stato identificato come un mostro, nonostante
le sue decisioni altrettanto tossiche.
Gli eventi di Sirens hanno
lentamente rivelato dettagli che hanno fatto sembrare tutte e tre
le protagoniste femminili, Michaela, Simone e Devon, dei mostri
della mitologia greca. Devon ha attirato diversi uomini da un
episodio all’altro, Michaela ha attirato Peter e Simone, e Simone
stessa ha attirato Ethan, Devon e, infine, Peter. Ognuno di loro
è stato definito un mostro in un momento o nell’altro.
Tuttavia, è interessante notare che Peter Kell non è mai stato
identificato come un mostro, nonostante le sue decisioni
altrettanto tossiche.
Ethan, Raymond e Peter hanno
incolpato Simone, Devon e Michaela per la loro infelicità,
nonostante il fatto che fossero stati loro stessi a prendere
decisioni sbagliate.
In realtà, nemmeno Peter era un
mostro. Sirens non approfondisce mai il suo trauma passato,
ma viene rivelato che soffre di attacchi di panico come Simone, il
che implica un passato altrettanto difficile. L’idea di
Sirens è che nessuno di questi personaggi è solo un mostro
che intende fare cose terribili agli altri. Le persone ferite
feriscono gli altri, indipendentemente dal sesso, ma solo le
donne sembrano essere tenute a portare la responsabilità delle loro
scelte (e di quelle degli altri).
Cosa succederà a Simone, Devon e
Michaela dopo la fine di Sirens
Michaela e Devon hanno discusso dei
loro prossimi passi alla fine di Sirens. Mentre Simone
procede verso quello che sarà sicuramente un nuovo matrimonio con
Peter Kell, Devon tornerà a Buffalo per prendersi cura di suo
padre. Tuttavia, Devon acquisterà una casa nelle vicinanze
piuttosto che vivere con l’uomo e dedicare tutta la sua sanità
mentale al suo benessere. Si tratta di una scelta rara e più
sana da parte sua, che si spera sia il primo passo per rompere una
delle abitudini più tossiche di Devon: mettere da parte i propri
bisogni per quelli della sua famiglia.
Michaela, d’altra parte, non è
sicura di cosa farà dopo la fine di Sirens. Quando Peter
procederà con il divorzio, perderà la voliera e tutto il buon
lavoro che ha fatto grazie al suo status di signora Kell. Michaela
ha rinunciato al suo studio legale quando ha sposato Peter, ma si
può presumere che abbia ancora la licenza. Potrebbe dover
ricominciare da zero, ma Michaela potrà sicuramente tornare a
esercitare la professione legale e alla fine risalire la china.
Si spera che non commetta mai più l’errore che ha commesso con
Peter.
Molto probabilmente Simone
sposerà Peter e diventerà la padrona di casa, il nuovo mostro della
costa rocciosa.
Molto probabilmente Simone sposerà
Peter e diventerà la padrona di casa, il nuovo mostro della costa
rocciosa. Probabilmente avrà ancora più difficoltà di Michaela,
dato che il personale già disprezza Simone. Tuttavia, potrebbe
prosperare per un po’, ma sappiamo che non durerà per sempre. Peter
è un uomo cronicamente infelice e incolpa le sue mogli di questa
infelicità. Alla fine, Peter deciderà che Simone è un mostro e la
lascerà per la prossima donna che spera lo farà sentire giovane e
completo. Il finale di Sirens rende chiaro che questo
circolo vizioso continuerà.
Hwang Dong-hyuk, sceneggiatore e
showrunner di Squid
Game, rivela come i giochi della terza stagione del
K-drama saranno diversi da quelli presenti nelle puntate precedenti
della serie survival di successo di Netflix. Uscito nel 2021, Squid
Game ha raggiunto la popolarità non solo per la sua
premessa unica, ma anche per la sua critica al funzionamento della
società capitalista. Mentre i K-drama di vari generi hanno avuto
diversi livelli di successo su Netflix, Squid Game è il
primo drama coreano a diventare la serie più vista del gigante
dello streaming negli Stati Uniti.
In vista dell’uscita della
terza stagione di Squid Game, Dong-hyuk ha parlato con
Entertainment Weekly della direzione che prenderanno i
giochi del thriller K-drama. Il famoso sceneggiatore ha rivelato
che vuole che i giochi della terza stagione “mostrino davvero il
fondo più basso dell’essere umano”. Le stagioni 1 e 2 di
Squid Game presentavano giochi diversi che mettevano alla
prova le capacità mentali, fisiche ed emotive dei giocatori, ma
Dong-hyuk vuole includere un lato mai visto prima dei personaggi
nella stagione finale del K-drama. Ecco i suoi commenti
completi:
“Nel caso della terza stagione, volevo introdurre giochi che
potessero davvero mostrare il lato più basso dell’essere umano,
perché la serie stessa sta raggiungendo il suo culmine. Volevo
giochi molto intensi per far emergere il lato più oscuro della
natura umana”.
La terza stagione di Squid
Game includerà nuovi giochi intensi
Mentre svelava nuovi dettagli su
cosa aspettarsi dalla terza stagione di Squid Game,Dong-hyuk ha rivelato di aver creato una lista di giochi a
cui giocava da bambino, a cui è tornato quando ha creato
le prime due stagioni della serie. Nella prima stagione di Squid
Game, Dong-hyuk ha incluso giochi che facevano emergere la paura
dell’altezza, ma che mancavano nella seconda stagione della serie.
Quindi,per la terza stagione di Squid Game, lo sceneggiatore
e creatore della serie ha voluto introdurre giochi intensi che
giocassero sulla paura dell’altezza delle persone.
Sebbene Dong-hyuk abbia dato
qualche anticipazione su come i giocatori potrebbero reagire ai
nuovi giochi, non ha rivelato il loro destino, se non che il
bambino che si sente piangere nel trailer avrà un ruolo
significativo nell’ultima stagione della serie. Il regista vuole
che la terza stagione di Squid Game sia fonte di ispirazione e
intende utilizzare i nuovi giochi per trasmettere questo messaggio.
Dong-hyuk ha inoltre spiegato che i giochi finali metteranno in
luce il lato più oscuro della natura umana, ma non ha fornito
ulteriori dettagli su come ciò avverrà.
L’adattamento di Prime Video di La Ruota del
tempoè stato ufficialmente cancellato dopo tre
stagioni. Dopo le recensioni positive della terza stagione, il
pubblico ha atteso per settimane notizie su La Ruota del
tempostagione 4, con petizioni che circolavano per
ottenere un prolungamento della serie. Sebbene la serie abbia avuto
un inizio controverso tra i fan dei libri e i telespettatori, la
terza stagione ha fatto passi da gigante in direzione positiva,
ottenendo un punteggio record del 97% su Rotten Tomatoes e l’83%
dal pubblico.
Deadline ha riportato che la serie La Ruota
del tempo è stata cancellata e che il finale della terza
stagione segna la fine definitiva dello show. L’articolo
esamina le statistiche della classifica dei 10 migliori originali
di Nielsen, spiegando come, nonostante gli ottimi risultati in
termini di audience, la serie non sia riuscita a raggiungere gli
ascolti necessari per sostenere il budget di uno show fantasy. Il
rapporto afferma inoltre che il finale della terza stagione è stato
scritto tenendo conto della possibilità di una cancellazione ed è
stato “pensato per offrire una conclusione”.
Cosa significa la cancellazione
di La Ruota del tempo
Dopo Il Trono
di Spade, tutti i servizi di streaming hanno cercato di
replicare il successo della HBO. Netflix ha The
Witcher, Prime ha Gli anelli del potere e HBO ha House of the Dragon, solo per citare
alcuni esempi. A sette anni dalla fine de Il Trono di Spade, nessuno di questi show
è riuscito ad avvicinarsi alle aspettative dei servizi di streaming
che li avevano prodotti, e La Ruota del tempo è ora
vittima del fatto di non essere all’altezza Il Trono di
Spade.
The Wheel of Time avrà anche
ottenuto buoni risultati in termini di audience, ma avrebbe avuto
bisogno di qualcosa di più per compensare i costi
elevati.
La televisione sembra il luogo
perfetto per adattare epopee fantasy di ampio respiro, con stagioni
di diverse ore che offrono una capacità narrativa maggiore rispetto
al cinema. Tuttavia, queste serie richiedono budget e risorse
ingenti, difficili da reperire, e nemmeno milioni di spettatori
sono sufficienti a coprire tali spese. The Wheel of Time
avrà anche ottenuto buoni risultati, ma ne servivano di migliori
per compensare i costi elevati. Dopo una terza stagione di
successo, gli spettatori saranno senza dubbio delusi dal fatto
che la serie non proseguirà con la serie di libri di Robert
Jordan.
The Last
of Usstagione 3 continuerà ad adattare
The Last of Us Part II, ma questo mette
anche in dubbio il ritorno di Joel, interpretato da
Pedro Pascal. The Last of Us – stagione 2 ha visto
Joel ucciso dalla nuova antagonista della serie, Abby,
nell’episodio 2. Anche se così ha vendicato la morte di suo
padre, le sue azioni hanno anche dato il via alla ricerca di
vendetta di Ellie. Mentre la seconda stagione si è concentrata
principalmente sul viaggio di Ellie e Dina verso Seattle,
l’episodio 6 della seconda stagione di The Last of Us è
stato un flashback che ha visto nuovamente protagonista Joel,
interpretato da Pascal.
L’episodio ha fornito ulteriori
dettagli sul motivo della tensione tra Ellie e Joel prima della
morte di quest’ultimo. Tra questi, l’uccisione di Eugene dopo che
questi era stato infettato dal Cordyceps, nonostante avesse
avuto il tempo di dire addio a sua moglie Gail. Ma ha anche
comportato la scoperta da parte di Ellie che Joel aveva ucciso
tutti i Fireflies alla
fine della prima stagione di The Last of Us. La loro
ultima scena insieme è stata molto emozionante, una
conversazione agrodolce sul potenziale di superare ciò che era
successo a Salt Lake City. Ma ha anche significato se Pascal
tornerà nei panni di Joel nella terza stagione.
L’episodio flashback di Joel
nella seconda stagione di The Last of Us viene definito l’ultimo
episodio di Pedro Pascal
L’episodio 6 della seconda stagione
potrebbe aver riportato Pascal nel ruolo di Joel, ma sembra che
questa sarà l’ultima volta che interpreterà l’ex protagonista sullo
schermo. Diversi media hanno definito
l’episodio 6 della seconda stagione come l’ultimo dell’attore
nella serie. Un articolo di Variety conferma che l’ultimo episodio è quello
finale di Pascal, con il creatore della serie Neil Druckmann che
parla di come è stato girare la scena d’addio dell’attore.
A questo si aggiungono diversi video
e post sui social media del cast e della troupe, che rendono
omaggio al contributo di Pascal alla serie. L’inizio del video
dietro le quinte di Max per la
stagione 2, episodio 6, vede Pascal salutare il cast e la troupe,
rivolgendosi a una grande folla di persone che hanno lavorato alla
serie. Questo commovente addio è sottolineato dalla conferma da
parte dell’attore stesso che questa sarà la fine del suo ruolo da
protagonista nella serie. Ciò conferma che, mentre altri personaggi
di The Last of Us continueranno a vivere, il tempo di
Joel è giunto al termine.
La terza stagione di The Last Of
Us non includerà alcun flashback su Joel (a meno che non ci sia una
sorpresa)
L’episodio 6 della seconda
stagione ha adattato la maggior parte dei flashback di Joel da
The Last of Us Part II, il che significa che non ce ne
sono altri che la serie possa utilizzare per riportare Pascal.
Sebbene sia possibile che ci siano delle sorprese che gli
consentano di tornare, la fine dell’ultimo episodio ha coperto il
flashback più importante del videogioco del 2020. Concludere la sua
partecipazione alla serie con un finale così definitivo è
appropriato e ha senso, vista la precedente conferma che questo è
l’ultimo episodio dell’attore.
La terza stagione di The Last
of Us avrà un focus molto diverso, con Abby sotto i
riflettori.
Inoltre, The Last of Us – stagione 3 avrà un focus molto diverso,
con Abby sotto i riflettori. È già stato confermato che la nuova
antagonista sarà al centro della terza stagione, che adatterà la
sua parte del videogioco. Ciò significa che verrà spiegata cosa
ha fatto dopo aver ucciso Joel, oltre a un focus più ampio su
Seattle. Non c’è spazio per flashback o nuove scene con Joel,
soprattutto perché sarà dal punto di vista di un personaggio che lo
ha incontrato solo una volta.
Pedro Pascal potrebbe tornare
nei panni di Joel prima che The Last of Us finisca
definitivamente?
La sua presenza nella serie è
davvero finita?
Considerando quanto la serie ha
attinto finora da The Last of Us Part II, sembra
improbabile che Joel torni prima della fine della serie. Il
finale della seconda stagione di The Last of Us, episodio
6, ha adattato un flashback che avviene alla fine del
videogioco, con altre scene tratte da vari punti del materiale
originale. Questo rende improbabile che Pascal riprenda il suo
ruolo in futuro, dato che la serie ha già trattato tutti i punti
salienti del gioco originale.
Tuttavia, dato che The Last of
Us sta già stravolgendo la struttura del suo adattamento, è
possibile che Joel faccia un ritorno a sorpresa in futuro.
Probabilmente si tratterebbe di un flashback originale, dato
che la serie ha già adattato quelli principali presenti nel
materiale originale. Per quanto riguarda il potenziale ritorno di
Pascal nei panni di Joel nella terza stagione, tuttavia, sembra che
l’attore non tornerà, rendendo l’episodio 6 della seconda stagione
il suo ultimo per ora.
Il finale della seconda
stagione di The Last of Us andrà in onda domenica 25 maggio
alle 21:00 ET su HBO e Max.
Sono stati assegnati i premi del
Festival di
Cannes 2025. Ogni anno, il prestigioso festival
cinematografico francese premia i nuovi film con una serie di premi
che celebrano il miglior regista, attore, attrice e sceneggiatura,
oltre al Premio della Giuria, al Gran Premio e all’ambita Palma
d’Oro. Tra i recenti vincitori della Palma d’Oro figurano
Anora di Sean Baker, che ha poi vinto il premio per il
miglior film agli Oscar, Parasite di Bong Joon Ho, anch’esso vincitore del
premio per il miglior film, e i film europei candidati all’Oscar
Triangle of Sadness e Anatomia
di una caduta.
Cinefilos.it ha partecipato
al Festival di Cannes 2025, che si è tenuto
dal 13 al 24 maggio e ha visto la proiezione di numerosi film in
concorso per i premi più importanti, tra cui The Phoenician
Scheme di Wes Anderson, Eddington di Ari Aster, Die My Love di Lynne Ramsay e Alpha di Julia
Ducournau. I premi sono stati assegnati durante la cerimonia di
chiusura. I vincitori sono stati scelti dalla giuria di quest’anno,
composta dalla presidente Juliette Binoche, Hong Sang-soo,
Halle Berry, Payal Kapadia, Jeremy Strong e altri. Scopri i
vincitori qui sotto:
Miglior attore: Wagner Moura
(The Secret Agent)
Miglior attrice: Nadia
Melliti (The Little Sister)
Miglior regista: Kleber
Mendonça Filho (The Secret Agent)
Miglior sceneggiatura:
Jean-Pierre e Luc Dardenne (Giovani madri)
Premio della giuria:Sound
of Falling (Mascha Schilinski) e Sirat (Oliver Laxe)
I film premiati a Cannes nel 2025
sono davvero internazionali. Dopo che gli Stati Uniti hanno
ottenuto tre vittorie con Anora e le coproduzioni Kinds
of Kindness e The Substance nel 2024, il Paese è stato
completamente escluso nonostante avesse titoli di rilievo in
concorso, come il nuovo film di Ari Aster. Quest’anno, il Paese
più rappresentato è la Francia, che ha coprodotto tutti i
vincitori tranne Sound of Falling, che è una produzione
interamente tedesca.
Nel 2024, Jesse Plemons ha vinto il
premio come miglior attore per Kinds of Kindness e Coralie
Fargeat ha vinto il premio per la migliore sceneggiatura per The
Substance.
Ciò è comprensibile, dato che il
film di Sean Baker vincitore del premio per il miglior film ha
vinto la Palma d’Oro lo scorso anno e prima di allora un film
americano non aveva vinto il premio più importante dal 2011,
quando The Tree of Life di Terrence Malick era stato il
vincitore. In generale, Cannes rappresenta gli interessi del cinema
d’autore europeo, premiando film che rappresentano una varietà di
nazioni e tradizioni narrative. Questo le permette di essere un
punto di riferimento in questo ambito, soprattutto quando si tratta
di film che potrebbero avere un appeal globale.
Holland è un thriller
misterioso con Nicole Kidman, con colpi di scena scioccanti
che cambiano completamente il destino della protagonista. Nicole Kidman ha avuto un paio d’anni di grande
successo e la sua serie positiva continua con Holland.
Diretto da Mimi Cave, Holland trasporta il pubblico nell’omonima
cittadina del Michigan, famosa per i tulipani, i mulini a vento e
per essere una piccola comunità. Holland segue Nancy Vandergroot
(Kidman), un’insegnante che vive con il marito Fred Vandergroot
(Matthew Macfadyen) e il figlio Harry (Jude Hill).
I Vandergroot vivono una vita
tranquilla a Holland fino a quando Nancy inizia a sospettare che
Fred la tradisca. Nancy si confida con il collega Dave (Gael García
Bernal), arrivato in città da poco, e lo convince ad aiutarla a
scoprire cosa sta combinando Fred. Nancy e David sviluppano forti
sentimenti l’uno per l’altra e decidono di trovare le prove del
tradimento di Fred, in modo che Nancy possa lasciarlo senza
rimorsi. Tuttavia, fanno una scoperta inquietante su Fred, che
cambia completamente i loro piani e le loro opinioni.
Cosa è successo davvero a Fred,
il marito di Nancy, in Olanda
Fred Vandergroot conduceva una
doppia vita inquietante
Fred Vandergroot è un optometrista
e, dato che Holland è una piccola città, tutti lo conoscono. Fred è
spesso fuori città per lavoro, cosa che Nancy non ha mai trovato
sospetta fino a quando non trova una ricevuta nella sua tasca che
contraddice il luogo in cui avrebbe dovuto trovarsi. Questo è
l’inizio della spirale di Nancy, convinta che Fred la tradisca,
anche se non ha prove concrete. Nancy non ottiene subito delle
risposte, rendendo Holland un mistero che si sviluppa
lentamente, ma che, una volta arrivato al terzo atto, accelera il
ritmo.
Dopo che Nancy ha lasciato i suoi
gioielli nell’ufficio di Fred mentre vi entrava di nascosto di
notte, Fred la affronta, dicendole che dovrebbero semplicemente
“ricominciare da capo” e andare avanti. Tuttavia, Nancy è già presa
da Dave, che l’ha aiutata a entrare nell’ufficio di Fred, e anche
se vuole lasciare Fred, vuole avere le prove della sua infedeltà,
in modo da avere un motivo valido per lasciarlo. In quel momento,
gli unici indizi che ha sono una scatola di pellicole Polaroid e la
prima ricevuta.
Quando Fred esce di nuovo dalla
città, Dave e Nancy lo seguono. Nancy irrompe nella sua camera
d’albergo mentre Dave tiene d’occhio Fred al bar dell’hotel, e
Nancy trova biancheria intima, manette e croccantini per cani nella
sua stanza. Questo non è ancora sufficiente per confermare che Fred
la tradisce, ma Nancy deve tornare a casa a prendere Harry, quindi
Dave rimane a seguire Fred. Nel frattempo, Nancy fa le sue ricerche
nella biblioteca della città con alcuni dettagli che trova nel
modellino della città di Fred.
Nancy scopre che molte donne sono
scomparse e sono state poi trovate morte, mentre Dave trova Fred
che incontra una giovane donna. Quando Dave irrompe nella casa,
vede i cani della donna che mangiano i biscotti, mentre in un’altra
stanza Fred viene sorpreso mentre uccide la giovane donna.
Dave e Fred iniziano a lottare e Fred viene pugnalato con il
proprio coltello e cade nel lago. Dave torna a Holland e fa sapere
a Nancy che lei e Harry sono al sicuro, ma c’è ancora una sorpresa
per loro.
Quando Nancy chiama Harry per
chiedere aiuto, lo trova fuori con Fred, che è sopravvissuto alla
lotta con Dave.
Durante il festival Tulip Time di
Holland, gli amici di Nancy le dicono di aver visto Fred poco prima
e Dave lo individua tra la folla. Nancy va nel panico e porta Harry
in un motel vicino, con Dave che li segue. Dave va nel panico e
dice a Nancy che dovrebbero avvisare la polizia, ma lei lo ferma e
una TV gli cade sulla testa. Quando Nancy chiama Harry per chiedere
aiuto, lo trova fuori con Fred, sopravvissuto alla lotta con Dave.
Come ha sempre fatto, Fred cerca di manipolare Nancy, dicendole
ancora una volta che ricominceranno da capo, ma Nancy è determinata
a lottare per sé e per Harry.
Tornati in macchina, Nancy fa
fermare Fred e dice a Harry di scappare, mentre lei si difende con
la pistola di Dave. Nancy spara a Fred ma lo manca, colpendo solo
la guancia e l’orecchio, e dopo che Harry cerca di difenderla ma
viene spinto via da Fred, Nancy prende uno zoccolo e lo picchia a
morte. Fred non paga mai per i suoi crimini, ma Nancy finalmente
gli impedisce di uccidere altre donne.
Cosa è successo a Dave nel
finale di Holland
Il destino di Dave rimane
ambiguo
Dave è arrivato da poco in Olanda e
insegna nella stessa scuola di Nancy. Dave si dimostra premuroso
nei confronti di chi lo circonda, compresi i suoi studenti, ma
essendo messicano deve affrontare il razzismo. Tuttavia, è sempre
disposto ad aiutare, tanto da mettersi in pericolo per aiutare
Nancy. Sebbene Dave voglia stare con Nancy, si trattiene perché non
lo ritiene giusto dato che Nancy è sposata e vuole proteggere i
suoi sentimenti. Tuttavia, quando Nancy gli dice che lascerà Fred,
Dave si offre di procurarle le prove di cui ha bisogno per
dimostrare l’infedeltà di Fred.
Dave ha incubi in cui vede
Fred nel lago e si sveglia, e in cui i cani della donna assassinata
leccano il suo sangue dal pavimento.
Dopo il confronto con Fred, Dave è
convinto che Fred sia morto, ma è ancora molto paranoico al
riguardo. Dave ha incubi in cui Fred è nel lago e si sveglia, e in
cui i cani della donna assassinata leccano il suo sangue dal
pavimento. Determinato a proteggere Nancy e Harry, Dave prende la
pistola e partecipa al festival dei tulipani, dove vede Fred tra la
folla. Come accennato in precedenza, Dave incontra Nancy al motel e
cerca di convincerla a chiamare la polizia, ma lei lo spinge e una
TV gli cade sulla testa, ferendolo.
Quando Nancy torna nella stanza
del motel dopo aver ucciso Fred, Dave è sparito e la voce fuori
campo finale in Holland passa da Dave a Nancy. Dave
sopravvive alle ferite e molto probabilmente lascia Holland dopo
quello che è successo con Nancy e Fred. La narrazione finale in
Holland non menziona la relazione tra Dave e Nancy, quindi
si può presumere che sia scomparso dopo quel giorno.
Cosa significa davvero il
modellino della città di Fred in Holland
Fin dall’inizio di Holland,
l’attenzione è focalizzata sul modellino della città di Fred, che
la telecamera riprende durante i titoli di testa. Fred e Harry
trascorrono del tempo insieme nel garage, dove lavorano al
modellino. Anche se lo spettatore è portato a vedere il modellino
come un semplice hobby che Fred ama condividere con Harry, c’è
qualcosa di molto più sinistro dietro di esso, che non è una
replica di Holland.
Il primo indizio che qualcosa non va
nel modellino della città è quando Nancy nota un cartello in una
delle case del modellino che ha visto in una delle Polaroid di
Fred. Una rapida ricerca porta al nome di Lacey Anne, che Nancy
scopre in seguito essere stata assassinata tre anni prima. Le
ricerche di Nancy portano alla scoperta di altre donne uccise negli
ultimi anni nella zona di Holland, e lei collega questi omicidi
alle case e alle strade del modellino di Fred. Il modellino
della città, quindi, è il registro personale di Fred di tutti gli
omicidi che ha commesso.
Nancy e Harry lasceranno
Holland?
Quando Dave dice a Nancy che è al
sicuro e che Fred non tornerà (poiché crede che sia morto), Nancy
non ha la reazione che lui sperava. Invece di accettare di lasciare
la città con Dave e Harry, Nancy gli dice che non possono farlo
perché la vita di Harry ne risentirebbe e non possono andarsene
prima del festival. Nancy dice a Dave che continueranno a
nascondere le azioni e il destino di Fred come hanno sempre fatto.
In tutto Holland, Nancy si dimostra molto tradizionale,
ma ha sempre lottato con la propria libertà di scelta.
L’Olanda è diventata il
rifugio sicuro di Nancy e, anche se suo marito è un serial killer,
non è pronta a lasciare il posto più sicuro che abbia mai
avuto.
Nancy spiega all’inizio che Fred
l’ha “salvata” e portata in Olanda, dove ha una vita perfetta, o
almeno così credeva. L’Olanda è diventata il rifugio sicuro di
Nancy e, anche se suo marito è un serial killer, lei non è pronta a
lasciare il posto più sicuro che abbia mai avuto e dove si sente
molto a suo agio. Alla fine di Holland si capisce che
Nancy e Harry non lasciano la città, ma semplicemente vanno
avanti insieme dopo tutto quello che è successo con Fred.
Spiegazione dell’ultima battuta
di Holland
Tutto quello che Dave e Nancy
hanno passato insieme è sufficiente per far loro dubitare che fosse
reale, ma non significa letteralmente che la maggior parte di
Holland non sia successo.
La voce fuori campo alla fine di
Holland inizia con Dave e si sovrappone a quella di Nancy, poiché
entrambi provano gli stessi sentimenti di paura, insicurezza e
invisibilità. Nancy dice di aver finalmente trovato una via
d’uscita, ma sia Dave che Nancy si chiedono se tutto “sia stato
reale”. Nancy trova una via d’uscita dal suo matrimonio, anche
se non proprio Holland, mentre Dave trova una via d’uscita dalla
città, una città che non lo ha mai accolto bene. Tutto ciò che Dave
e Nancy hanno vissuto insieme è sufficiente per far loro dubitare
che fosse reale, ma ciò non significa letteralmente che la maggior
parte di Holland non sia realmente accaduta.
Dave e Nancy trovano l’uno
nell’altra il conforto, il sostegno e la compagnia che mancano
loro, ma alla fine hanno visioni della vita molto diverse e
desiderano cose diverse. Dave assiste a un omicidio e quasi uccide
un uomo, mentre Nancy scopre che suo marito è un serial killer e
deve quindi lottare per la sicurezza sua e di suo figlio. È
comprensibile che Dave e Nancy si chiedano se ciò che hanno vissuto
insieme fosse reale o meno, ma lo è stato sicuramente: questo
dimostra solo come ognuno veda il mondo in modo diverso e affronti
i suoi orrori nel miglior modo possibile.
Celebrando un cinema di scoperte, la selezione di Un
Certain Regard del 2025 presentata nel corso del Festival di Cannes ha incluso 20
lungometraggi, di cui 9 opere prime in gara anche per la Caméra
d’or.
Quest’anno, il film d’apertura è stato Promised
Sky di Erige Sehiri. Presieduta dalla
regista, sceneggiatrice e direttrice della fotografia britannica
Molly Manning Walker, la giuria comprendeva la
regista e sceneggiatrice franco-svizzera Louise
Courvoisier, la direttrice croata dell’International Film
Festival Rotterdam Vanja Kaludjercic, il regista,
produttore e sceneggiatore italiano Roberto
Minervini e l’attore argentino Nahuel Pérez
Biscayart.
Un Certain Regard – miglior film
LA MISTERIOSA MIRADA DEL FLAMENCO (THE MYSTERIOUS GAZE OF THE
FLAMINGO)
Diego Céspedes
Esordio alla regia
Nel maggio 2025, è stato annunciato
che Avengers: Doomsday e Avengers:
Secret Wars erano stati rinviati, solo un mese dopo l’inizio
della produzione del primo. Ora, Avengers: Doomsday
dovrebbe uscire in tutto il mondo il 18 dicembre 2026, mentre
Avengers: Secret Wars arriverà un anno dopo, il 17 dicembre
2027. Per molte ragioni, questi ritardi non sono una grande
sorpresa. Diversi fattori hanno probabilmente contribuito alla
decisione della Marvel Studios, con la speranza che
i ritardi possano alleviare alcuni problemi che avrebbero potuto
affrontare i giganteschi
prossimi film Marvel.
Avengers: Doomsday & Secret Wars
hanno bisogno di più tempo per essere prodotti
Robert Downey Jr. sarà Dottor Destino in
Avengers: Doomsday. Gentile Concessione Disney – (Photo by Jesse
Grant/Getty Images for Disney)
Semplicemente non c’era
abbastanza tempo per rispettare le date di uscita
originali
Il primo, e forse il più semplice,
motivo per cui Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars sono
stati rinviati è quello di allungare i tempi di produzione. Film di
questa portata richiedono spesso molto tempo per essere girati e
poi un periodo altrettanto lungo per finalizzare la
post-produzione. Avengers: Infinity War, ad esempio, ha
iniziato le riprese nel gennaio 2017, il che significa che il film
ha avuto circa 16 mesi per essere completato. Avengers: Endgame ha poi iniziato le
riprese nell’agosto 2017, dando al film poco meno di due anni di
produzione completa.
Avengers: Doomsday, invece,
ha iniziato le riprese alla fine di aprile 2025, il che significa
che il film avrebbe avuto poco più di un anno per essere girato e
completato in post-produzione. Dato che il cast di Avengers:
Doomsday è molto più ampio di quello di Infinity War,
questa tempistica non sarebbe stata possibile. Concedendo al film
sette mesi in più per la preparazione, la Marvel Studios ha
garantito che Avengers: Doomsday avrà il tempo necessario
per la produzione. L’anno in più consoliderà poi lo stesso per
Avengers: Secret Wars.
I ritardi di Avengers: Doomsday
e Secret Wars possono aiutare la Marvel a evitare problemi con la
CGI
La Marvel ha avuto problemi con
la CGI negli ultimi anni
Partendo dall’ultimo punto, i
ritardi di Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars
aiuteranno la Marvel a snellire il processo di post-produzione
dello studio. Come ho accennato, dare ad Avengers: Doomsday un anno
per le riprese e finalizzare la post-produzione sarebbe stato
troppo poco, anche se le riprese finissero in sei mesi come
previsto dallo studio. Questo darebbe ai tecnici degli effetti
speciali solo sei mesi per completare il lavoro e, dati i problemi
che la Marvel Studios ha affrontato dal 2019 riguardo alla qualità
della CGI, non sarebbe fattibile.
Con le nuove date di uscita,
tuttavia, il processo di post-produzione di Avengers:
Doomsday ne trarrà sicuramente beneficio. Se Avengers:
Doomsday terminerà effettivamente in sei mesi, come hanno
indicato i Russo a Collider, la post-produzione potrà durare da ottobre
2025 a dicembre 2026, anziché da ottobre 2025 a maggio 2026. Resta
da vedere se i precedenti problemi della Marvel, che ha cambiato
troppo in fase di post-produzione invece di pianificare le cose in
modo efficiente, siano stati risolti, ma la tempistica più lunga
dovrebbe comunque andare a vantaggio di Avengers: Doomsday e
Avengers: Secret Wars.
Dicembre è tradizionalmente un
mese di grandi uscite
Il mese di dicembre ha visto in
passato alcuni grandi successi al botteghino
I film che incassano 2 miliardi di
dollari al botteghino sono rari, solo sette nella storia hanno
raggiunto questo traguardo. Di questi, quattro sono usciti a
dicembre, con Avengers: Infinity War, Avengers: Endgame e Ne Zha 2
che sono stati gli unici casi eccezionali. Titanic, Avatar, Star
Wars: Il risveglio della Forza e Avatar: La via dell’acqua sono
stati tutti distribuiti a dicembre dei rispettivi anni e si sono
rivelati grandi successi al botteghino.
Il più grande successo della MCU
dopo Endgame è Spider-Man: No Way Home, che ha sfiorato i 2
miliardi di dollari ed è uscito anch’esso a dicembre.
Tra i franchise Avengers e
Avatar, la Disney ha già prenotato il mese di dicembre per
il 2025, 2026, 2027 e 2029, il che spiega ulteriormente i ritardi
di Doomsday e Secret Wars.
Per questo motivo, ha senso che
Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars cerchino
di sfruttare questa situazione. Anche se ci sarà una forte
concorrenza per entrambi i film, che si tratti di Dune
3 per il primo o Il Signore degli Anelli: La caccia a
Gollum per il secondo, il dicembre si è dimostrato un
mese forte per i film di franchise ad alto budget. Tenendo presente
questo, è difficile contestare la scelta della Marvel di scegliere
dicembre come mese di uscita dei suoi due prossimi progetti
Avengers.
La Disney può distanziare le
uscite dei suoi film MCU
La scelta della qualità rispetto
alla quantità da parte della MCU porterà dei vantaggi
Negli ultimi anni, il ritorno di Bob
Iger come CEO della Disney ha visto l’imposizione di un mandato che
privilegia la qualità rispetto alla quantità alla Marvel dopo la
sua disastrosa Fase 4. Secondo lo stesso Iger, come riportato da
THR, Thunderbolts* del 2025 è stato il primo di
molti film Marvel in uscita che si adattano a questo formato.
Ritardando Avengers: Doomsday e Avengers: Secret
Wars, la Marvel ha ulteriormente sottolineato il suo impegno in
tal senso.
Piuttosto che avere due film MCU a
distanza di due mesi l’uno dall’altro nel 2026, data la data di uscita di Spider-Man: Brand New Day prevista per
luglio 2026, il calendario delle uscite post-2025 sembra molto meno
incentrato sulla quantità per la Marvel. Spider-Man 4 sarà l’unico film
MCU di quell’anno, consentendo un intervallo di un anno tra questo
e The Fantastic Four: First
Steps del 2025 da un lato e un intervallo di 15 mesi tra
questo e Avengers: Doomsday dall’altro. Senza altri film MCU
confermati per il 2027, Avengers: Secret Wars rimane l’unico
obiettivo (per ora).
Disney evita un conflitto tra
Marvel e Star Wars
Entrambe le franchise possono
coesistere felicemente
Uno dei fattori che ha contribuito
in modo specifico al ritardo di Avengers: Doomsday è
vantaggioso per la Disney nel suo complesso. Se il film fosse
uscito il 1° maggio 2026, come previsto inizialmente, sarebbe
entrato in conflitto con un’altra grande proprietà della Disney in
uscita il 22 maggio dello stesso anno: The
Mandalorian e Grogu. L’ultima volta che un film di Star
Wars e uno dell’MCU si sono scontrati al botteghino è stato nel
maggio 2018, quando Solo: A Star Wars Story è diventato un
famigerato flop contro Avengers: Infinity War.
The Mandalorian & Grogu potrà uscire
tranquillamente nel maggio 2026, sapendo che il franchise gemello
non sarà affatto un peso…
Quando la Marvel Studios ha
annunciato l’uscita di Doomsday nel maggio 2026, molti hanno
temuto il peggio per The Mandalorian and Grogu. Ora, però,
non c’è più alcun problema. The Mandalorian & Grogu potrà
uscire tranquillamente nel maggio 2026, sapendo che il franchise
gemello non sarà affatto un peso. Sette mesi dopo, Avengers:
Doomsday potrà fare lo stesso, risolvendo qualsiasi potenziale
conflitto che sarebbe sorto se il film MCU non fosse stato
rinviato.
I ritardi di Avengers daranno
alla Marvel più tempo per perfezionare le sceneggiature
Che potrebbero essere finite o
meno
L’ultimo motivo importante che
spiega perché Avengers: Doomsday e Avengers: Secret
Wars sono stati rinviati è legato alle sceneggiature di
entrambi i film. Quando le riprese del primo film sono iniziate
nell’aprile 2025, diverse fonti hanno affermato che la
sceneggiatura non era ancora stata completata. Ciò è stato
confermato da diversi attori del cast di Avengers: Doomsday,
come quelli coinvolti in Thunderbolts*, che hanno insistito
di non aver ancora letto la sceneggiatura completa nonostante
l’inizio delle riprese.
Se questo è il caso di Avengers:
Doomsday, attualmente in fase di riprese, significa che
Avengers: Secret Wars non sia nemmeno lontanamente vicino
alla fine. Ciò potrebbe causare problemi a chi lavora sul set, che
non avrebbe una visione chiara e definita della trama del film,
così come agli attori che devono prepararsi per i loro ruoli. Detto
questo, ora che entrambi i film sono stati rinviati, ci sono molte
più possibilità che la Marvel riesca a sistemare i problemi di
entrambe le sceneggiature e che Avengers: Doomsday e
Avengers: Secret Wars possano avere un processo di
produzione molto più snello.
Lo avevamo lasciato trionfante
Ethan Hunt, riuscito nel finale di Mission:
Impossible – Dead Reckoning a recuperare la chiave
cruciforme inseguita lungo tutto il film. Sono passati due anni da
quel momento e nel frattempo il mondo è profondamente cambiato.
L’intelligenza artificiale ha compiuto passi da gigante e le
tensioni politiche hanno raggiunto livelli insostenibili. Non
sorprende dunque che Mission: Impossible – The Final
Reckoning inizi con un Hunt che sembra tutt’altro che
reduce da una vittoria. Siamo arrivati all’ultimo capitolo della
saga, a quella “resa dei conti” enunciata dal sottotitolo.
D’altronde
ogni film di Mission: Impossible ha avuto
l’obiettivo di farsi specchio delle preoccupazioni del presente e
anche quest’ultimo non è da meno. Anzi, si nota un deciso
complicarsi della vicenda tra questo e il precedente capitolo,
coerentemente con quanto si è complicata la questione del rapporto
con l’AI in questi due anni. Tom
Cruise e il regista Christopher McQuarrie
portano dunque sullo schermo un racconto che viene ormai difficile
considerare fantascienza, concentrandosi a tal punto sulle
implicazioni di esso da sacrificare in parte lo spettacolo, che
resta però di una ricercatezza superiore di quello dei tanti
imitatori.
La trama di Mission:
Impossible – The Final Reckoning
All’inizio di Mission:
Impossible – The Final Reckoning Ethan Hunt è dunque
diventato un fantasma. Ricercatissimo per le sue abilità e le sue
conoscenza sull’Entità, egli si tiene nell’ombra indeciso su come
agire dinanzi al caos che sta infestando il mondo. Richiamato
all’azione dal fidato Benji (Simon
Pegg), Ethan accetta di non poter più sottrarsi al suo
destino: deve rintracciare il sottomarino Sevastopol, dove l’Entità
ha avuto origine, e porre fine per sempre alla sua minaccia. Ma le
forze in gioco sono tante e diventa difficile capire di chi potersi
fidare quando il mondo è sull’orlo di un olocausto nucleare.
Entriamo dunque subito nel
vivo con Mission: Impossible – The Final
Reckoning. L’Entità ha continuato a prosperare, compiendo
proprio quello che ci si aspettava facesse: distorcere la realtà.
Mission: Impossible è sempre stata una
saga che ha giocato sulla manipolazione delle immagini, sulla
distorsione del reale e il valore dell’inganno. Mentre il più delle
volte nel corso dei vari film era stato Ethan Hunt ad avvalersi di
questi stratagemmi, stavolta è lui (e l’umanità) a subirli,
trovandosi al cospetto di un’intelligenza artificiale che abbatte
il confine tra vero e falso e così facendo dando vita a profonde
crisi sociali.
Di film che hanno messo in guardia
da pericoli di questo genere provocati dalle intelligenze
artificiali ne è piena la storia del cinema, ma Mission:
Impossible – The Final Reckoning riesce comunque a
risultare particolarmente d’impatto nel suo intercettare e
raccontare ciò che serve di questa realtà ormai attuale. Ce la
propone infatti senza particolare bisogno di arricchirla più del
dovuto, basta mostrarci la facilità con cui l’AI può alterare le
immagini e con cui può impadronirsi degli armamenti e delle testate
nucleari che sono in attesa di essere utilizzate. Ed è così che
prende vita uno dei villain più temibili della saga.
Il gusto per lo spettacolo di
Mission: Impossible – The Final Reckoning
Dato questo pericolo, ha inizio una
corsa contro il tempo per porvi fine, che richiederà però ad Ethan
di cimentarsi con alcune delle sfide più complesse della sua
carriera cinematografica. In particolare, tutta la sequenza che lo
porta a doversi introdurre nel sottomarino affondato è
assolutamente da brividi. Venti minuti in cui
seguiamo Tom
Cruise muoversi tra la vastità dell’oceano e spazi
angusti, con la consapevolezza che quanto vediamo è stato girato
senza l’uso di controfigure, ricostruendo quanto più possibile sul
set la situazione poi proposta sullo schermo. Una sequenza, dunque,
al termine della quale ci si potrebbe accorgere di essere rimasti
con il fiato sospeso, il che la dice lunga sullo spettacolo
offerto.
È vero, a Mission:
Impossible – The Final Reckoning mancano sequenze come
quella tra i vicoli di Venezia o quella del salto nel vuoto con la
moto viste nel precedente film, giusto per citare il più recente.
Momenti di grande impatto sia per scelte registiche che per
capacità di sfruttare al massimo l’ambiente in cui si svolge
l’azione, che regalavano quel grande intrattenimento di cui la saga
ha sempre potuto fregiarsi. Questo ottavo capitolo non solleva mai
del tutto il piede dal freno (non che ciò sia totalmente un male) e
la sequenza nel finale con il biplano imita ma non eguaglia quella
con l’elicottero di Mission: Impossible – Fallout.
Nonostante ciò, il nuovo film ha
comunque i suoi assi nella manica e sa giocarseli bene. La grande
varietà di ambienti presenti nel film – dai sotterranei in cui
abita Luther (Ving Rhames) fino agli spazi aperti
del Sudafrica, dagli uffici governativi fino alle già citate
profondità dell’oceano – permettono al film di riproporre quella
varietà di scenari utile a non appesantire la visione, che anzi
agilmente attraverso le sue due ore e cinquanta di durata. Scenari
attraversati da Tom Cruise, qui più che mai da assumere a
last action hero, con il suo corpo pronto a farsi
strumento stesso dello spettacolo (oltre a lui, cattura anche qui
l’attenzione la Paris di Pom Klementieff).
Fidarsi di Ethan, per un’ultima
volta
Tra il suo farsi specchio della
realtà e il riaffermarsi quale saga d’azione senza eguali,
Mission: Impossible – The Final Reckoning si
afferma dunque come un ultimo (?) capitolo meno solido dei
precedenti (in più occasioni si avverte un po’ di confusione, che i
personaggi devono sciogliere rispiegando più a noi che a sé stessi
il proprio piano), ma ugualmente avvincente, entusiasmante ed
emotivamente coinvolgente. Sarà anche per il suo rendere esplicito
omaggio, sin dalle prime scene, a tutti i capitoli precedenti,
riproponendoci i loro momenti più iconici e ricordandoci perché è
una grande saga, ma fidarsi di Ethan Hunt e sospendere
l’incredulità dinanzi alle sue gesta è sempre un piacere.
Il film live-action Lilo &
Stitch apporta alcune modifiche interessanti al
materiale originale, approfondendo la morale della storia e
modificandone lo svolgimento. Basato sull’omonimo film del 2002,
Lilo & Stitch è incentrato sulla coppia protagonista, una
ragazzina hawaiana e l’alieno che lei adotta come “cane”. I due
combinaguai sviluppano un forte legame mentre affrontano sia i
servizi sociali che potrebbero separare Lilo dalla sorella Nani,
sia gli alieni che cercano di catturare Stitch e riportarlo nello
spazio.
I personaggi di Lilo & Stitch
sono in gran parte tratti dal film originale, anche se ci sono
alcune aggiunte intelligenti e importanti modifiche ai personaggi
che influenzano la trama. Tra queste c’è un cambiamento molto
importante nella trama generale, con uno dei nuovi personaggi che
apre un finale completamente diverso. Ecco come il remake di Lilo &
Stitch del 2025 differisce dal classico d’animazione e come prepara
il terreno per un potenziale sequel.
Perché Lilo & Stitch si separano
Lilo e Nani: cosa significa per il loro futuro
Lilo e Stitch vivono separati,
ma sono ancora una famiglia
Il lieto fine di Lilo &
Stitch separa le due sorelle, ma assicura che rimangano una
parte importante della vita l’una dell’altra, grazie all’aiuto
di alcuni personaggi originali di questa versione della storia.
Lilo & Stitch si concentra maggiormente sulle difficoltà che
Nani deve affrontare come tutrice della sorella di sei anni, tra
cui il sacrificio di una borsa di studio completa per il college
per seguire la sua passione per la biologia marina. L’assistente
sociale Mrs. Kekoa è ritratta come una donna incredibilmente
comprensiva e gentile, che fa del suo meglio per aiutare Nani a
rendersi conto che non è pronta per essere la principale
responsabile di Lilo.
Tuttavia, questo non significa che
debbano separarsi. Tūtū è un nuovo importante personaggio
secondario, presentato all’inizio come vicina della famiglia
Pelekai e nonna di David, il ragazzo di cui Nani è innamorata.
Offre sostegno e fa del suo meglio per prendersi cura anche di
Lilo. Alla fine del film, Tūtū riesce a diventare volontaria per
dare una casa a Lilo. Dopo aver ricostruito la casa di Lilo e
Nani, quest’ultima può persino andare a trovarle facilmente grazie
a un teletrasporto alieno rubato. Anche se sono separate, alla fine
del film la famiglia principale di Lilo & Stitch è più unita
che mai.
Jumba diventa il cattivo
principale di Lilo & Stitch, sostituendo un altro
personaggio
Jumba non ottiene il suo
classico arco di redenzione
Jumba è un personaggio importante in
entrambe le versioni di Lilo & Stitch, uno scienziato
brillante ma pericoloso che ha creato Stitch. In entrambi i film,
viene mandato sulla Terra per recuperare l’esemplare. Nel film
d’animazione originale e nei successivi spin-off, Jumba si adatta
alla Terra e alla fine diventa parte della famiglia allargata.
Tuttavia, Jumba non ottiene mai quell’arco di redenzione nel
film live-action e viene invece posizionato come l’antagonista
principale del film. Non arriva mai ad apprezzare la Terra o
Pleakley ed è molto più vendicativo nei suoi tentativi di catturare
Stitch.
Questo è probabilmente il motivo
principale per cui il cattivo del film originale, Gantu, è stato
eliminato dal nuovo Lilo & Stitch. Dato che Jumba non
diventa mai un buono, non c’era bisogno di un secondo cattivo
alieno. Jumba è un antagonista interessante, soprattutto quando
si scopre che odia il legame affettivo che Stitch ha instaurato con
Lilo. Riposizionando il personaggio come un cattivo, Lilo &
Stitch riesce a rafforzare i temi del film, sottolineando come
siano le emozioni a contare, non i beni materiali e gli elementi
superficiali della famiglia.
Come il finale di Lilo & Stitch
si confronta con il film d’animazione
Strutturalmente, i finali di
entrambe le versioni di Lilo & Stitch sono molto simili. In
entrambe le versioni, Stich e gli altri umani vengono affrontati
dalla Gran Consigliera, che permette che l’esilio di Stitch venga
commutato in esilio sulla Terra. Tuttavia, molti piccoli dettagli
sono diversi, in particolare la presenza di Tūtū che offre a Lilo
una casa più stabile mentre Nani persegue le sue ambizioni
universitarie. Il film chiarisce che il concetto di “la famiglia
non viene abbandonata” deve essere applicato anche alla cura di sé,
con Tūtū e la signora Kekoa che ricordano a Nani che deve
concentrarsi anche su se stessa.
Pleakley rimane parte della famiglia
trovata di Lilo & Stitch, mantenendo il suo ruolo nel film
originale. Un altro grande cambiamento è l’agente Bubbles, che nel
film live-action è interpretato come un personaggio della CIA più
con i piedi per terra. Nel film d’animazione era stato rivelato che
l’agente corpulento aveva già contattato gli alieni fuori dallo
schermo, ma la sua decisione di aiutare a salvare Lilo invece di
denunciare gli alieni è un momento importante per il personaggio e
lo porta a diventare anche lui parte integrante della famiglia
allargata. Queste simpatiche aggiunte aggiungono un livello di
famiglia ritrovata ai temi del film originale.
Come Lilo & Stitch prepara il
terreno per un potenziale sequel
Lilo & Stitch si conclude con
una nota piuttosto definitiva, con la risoluzione delle vicende di
Lilo, Stitch e Nani. Tuttavia, la decisione del film di mantenere
Jumba come cattivo potrebbe facilmente essere utilizzata come mezzo
per adattare un altro episodio della serie per un sequel. Dopo aver
catturato Stitch, Jumba commenta che continuerà i suoi esperimenti
e cercherà di creare una versione dell’alieno incapace di provare
emozioni. Nel frattempo, Jumba mostra rapidamente sul computer gli
altri suoi esperimenti, confermando che Stitch era ben lungi
dall’essere la sua prima creazione.
Un sequel di Lilo & Stitch
potrebbe esplorare questo concetto in modo più approfondito,
riportando anche Jumba come artefice di questo piano nel tentativo
di sopraffare Stitch.
Stitch! The Movie e il
successivo Lilo & Stitch: The Series si sono concentrati su
molti di questi altri esperimenti, seguendo anche Stitch e finendo
per schiantarsi alle Hawaii. Un sequel di Lilo & Stitch
potrebbe esplorare questo concetto in modo più approfondito,
riportando anche Jumba come artefice del piano per sopraffare
Stitch. Questo potrebbe essere un modo naturale per espandere la
storia originale e presentare i personaggi secondari di Stitch
ai nuovi fan.
Il vero significato di Lilo &
Stitch
La morale di Lilo & Stitch
è simile a quella del film originale, con un’attenzione
particolare alla redenzione e all’amore che si possono trovare
attraverso la famiglia, sia biologica che adottiva. Entrambi i film
sottolineano il concetto che “nessuno viene lasciato indietro” è
fondamentale per far parte di una famiglia, arrivando a un finale
molto simile. Tuttavia, il film live-action aggiunge alcune
sfumature moderne e rinfrescanti a questa morale. Solo perché Lilo
e Nani non vivono insieme e Nani va al college non significa che
non siano una famiglia.
È importante che Nani abbia un
ruolo più centrale in questo nuovo film, che pone maggiore
enfasi sulla sua relativa giovinezza e sulle sue ambizioni in
stallo. Essere una donna indipendente non la rende meno protettiva
e sorella per Lilo, un sentimento che alla fine del film finisce
per estendere anche a Stitch. Il vero significato di Lilo &
Stitch amplia il nucleo emotivo del film originale e gli
conferisce nuovi livelli molto avvincenti.
La miniserie noir nordica di
NetflixReservatet – La
riserva (Secrets We Keep) inizia con
una misteriosa scomparsa e termina con una rivelazione scioccante.
La serie segue la scomparsa di una ragazza alla pari, Ruby, dalla
casa della sua famiglia ospitante in un ricco quartiere di
Copenaghen. Mentre i suoi datori di lavoro sembrano non curarsi
della sua sorte, la sua vicina, Cecilie, insieme all’amica di Ruby,
Angel, e a una detective di nome Aicha, cercano di capire cosa sia
realmente successo a Ruby. Il cast di Reservatet – La
riserva offre interpretazioni fenomenali che
conferiscono profondità ai personaggi, anche nei momenti più cupi
della serie.
Man mano che la serie misteriosa si
svolge, Cecilie inizia a sospettare che qualcuno vicino a lei sia
coinvolto nella scomparsa di Ruby. Dopo aver trovato un test di
gravidanza, diventa ancora più preoccupata e confida ad Aicha che
Rasmus, il datore di lavoro di Ruby, potrebbe essere coinvolto.
Arriva persino a sospettare che suo marito possa aver avuto una
relazione con Ruby, ma la verità è ancora più inquietante. Il drama
poliziesco mette in luce quanto possa diventare oscuro il
comportamento umano e fino a che punto alcune persone siano
disposte a spingersi per mantenere il proprio potere.
Katarina ha ucciso Ruby? la
spiegazione del confronto con Cecilie nel finale di Reservatet – La
riserva
La tensione raggiunge il culmine
nell’ultimo episodio di Reservatet – La riserva, quando
Cecilie scopre la sconvolgente verità dietro la scomparsa di Ruby.
Dopo che il suo corpo è stato trovato in un porto turistico
nell’episodio precedente, la polizia è riuscita a concludere che
Ruby era incinta, come sospettava Cecilie. La polizia inizialmente
sospettava che il marito di Cecilie, Mike, che aveva una precedente
condanna per stupro, avesse aggredito Ruby e l’avesse uccisa dopo
aver scoperto che era incinta.
Tuttavia, sia Mike che il marito di
Katarina, Rasmus, si sottopongono a un test di paternità che
dimostra che non sono il padre. È interessante notare che il test
di Rasmus ha dato una corrispondenza del 24,1%, indicando che, pur
non essendo il padre, è imparentato con il padre. È proprio questo
legame che porta Katarina a farsi coinvolgere nel caso per
difendere la sua famiglia. Il finale di Reservatet – La
riserva rivela che Katarina ha scoperto questo legame da
Ruby la notte della sua scomparsa, portando Cecilie a capire che
Katarina era l’assassina di Ruby.
Infatti, mantenere implicita
la colpevolezza di Katarina sottolinea ulteriormente il punto
centrale della serie: non importa se Katarina ha ucciso Ruby,
perché sarebbe comunque riuscita a farla franca.
Nei momenti finali della serie,
Cecilie affronta Katarina per chiederle se ha ucciso Ruby e, con
suo grande orrore, Katarina risponde: “E se l’avessi fatto?”
Anche se Katarina ride di quel momento e della morte della sua
ragazza alla pari, la risposta è assolutamente terrificante.
Katarina non ammette mai completamente di aver ucciso Ruby,
anche se è la naturale supposizione a cui la serie porta gli
spettatori. Mantenere implicita la colpevolezza di Katarina
sottolinea ulteriormente il punto della serie: non importa se
Katarina ha ucciso Ruby perché sarebbe comunque riuscita a farla
franca.
Il finale di Reservatet – La
riserva rivela che Ruby era incinta dopo l’aggressione di
Oscar
Ruby era la prova del lato
oscuro di Oscar
Anche prima di scoprire il ruolo di
Katarina nella morte di Ruby, il pubblico giunge a una conclusione
sconcertante sul padre del bambino. Dato che Rasmus era compatibile
al 24,1% con il DNA del bambino di Ruby, il colpevole doveva essere
qualcuno legato a lui. L’unica opzione rimasta era il figlio
adolescente di Katarina e Rasmus, Oscar. È chiaro fin dall’inizio
che c’è qualcosa di strano in Oscar, soprattutto per via delle sue
inquietanti chat di gruppo e delle sue opinioni sulle donne, e
Reservatet – La riserva alla fine rivela che ha
violentato Ruby, che è rimasta incinta.
Il comportamento di Oscar, dalle
minacce a Viggo alle ripetute riprese di Cecilie senza il suo
consenso, era problematico fin dall’inizio, ma la rivelazione che
un ragazzo così giovane potesse commettere un atto di violenza così
orribile cambia profondamente Cecilie.
Nell’episodio finale, Oscar appare
nella cucina di Cecilie e ripete l’affermazione che Ruby è stata
pagata per amarlo, sottintendendo che non vedeva Ruby nemmeno come
un essere umano, ma come un oggetto lì per il suo divertimento.
Perché i ragazzi avevano un
messaggio esplicito nel gruppo in Reservatet – La riserva
Reservatet – La riserva
introduce abbastanza presto la sottotrama di Cecilie e Mike, il
figlio di Katarina e Rasmus, Oscar, che fanno parte di una chat di
gruppo esplicita. Le tendenze voyeuristiche di Oscar sono evidenti
fin dal primo episodio, e il contenuto esplicito della chat di
gruppo viene completamente svelato nel secondo episodio. La serie
rivela che se Viggo non pubblica una foto o un video inappropriato,
verrà espulso dalla chat di gruppo, mostrando la pressione che i
ragazzi esercitano l’uno sull’altro per essere sessisti nei
confronti delle ragazze della loro età e delle donne
adulte.
I giovani ragazzi ricchi
vedono ciò che li circonda come qualcosa che appartiene loro o, per
lo meno, qualcosa su cui hanno il controllo.
Sebbene la serie non spieghi mai
esplicitamente perché i ragazzi abbiano creato la chat di gruppo,
si può presumere che sia legato alla loro visione delle donne e del
mondo. I giovani ragazzi ricchi vedono ciò che li circonda come
qualcosa che appartiene loro o, per lo meno, qualcosa su cui hanno
il controllo. Di conseguenza, non vedono le donne e le ragazze come
persone, ma come oggetti, gettando le basi per spiegare perché
Oscar abbia finito per violentare Ruby e perché apparentemente non
abbia provato alcun rimorso per le sue azioni.
Perché Oscar non viene punito
per il crimine commesso contro Ruby
Uno degli aspetti più frustranti di
Reservatet – La riserva è la mancanza di giustizia nella
sua risoluzione, ma anche questa scelta ribadisce i temi della
serie. Nonostante la polizia abbia le prove del DNA che Oscar è il
padre del bambino di Ruby e Viggo abbia visto un video di Oscar che
stupra Ruby, Reservatet – La riserva si conclude con
la polizia che dichiara la morte di Ruby un suicidio. In gran
parte, ciò è dovuto al fatto che Katarina aveva cancellato il
filmato di Oscar, il che significa che il caso sarebbe stato la
parola di Oscar contro quella di Viggo sull’esistenza del
video.
Oltre al fatto che Katarina si era
sbarazzata delle prove contro suo figlio, la morte di Ruby
significava che lei non poteva testimoniare di essere stata
violentata. Senza alcuna prova oltre alla gravidanza di Ruby,
Katarina e Rasmus avrebbero potuto sostenere che era stata Ruby ad
aggredire Oscar, e non il contrario, dato che lui aveva meno di 15
anni. Anche se Cecilie conosce la verità, non è disposta a
sottoporre suo figlio a un processo potenzialmente traumatico,
dimostrando che il potere della famiglia di Oscar era sufficiente
per insabbiare il crimine.
Il vero significato del finale
di Reservatet – La riserva
Reservatet – La riserva
affronta molte questioni oscure con sottigliezza e sfumature, il
che è una parte importante di ciò che lo rende così interessante da
guardare. Le questioni più evidenti trattate da Reservatet – La
riserva sono quelle di genere e potere, ma anche queste
discussioni sono abilmente stratificate. Nell’esempio più evidente,
le azioni di Oscar mostrano un chiaro disprezzo per le donne di
tutte le età e una mancanza di comprensione del fatto che le
persone nella sua vita non sono lì solo per il suo tornaconto. Lo
stesso vale per Mike e Rasmus in termini di potere e ricchezza.
Persino Cecilie, l’apparente
eroina di Reservatet – La riserva, non riesce a fare i
conti con i propri privilegi licenziando Angel e impedendo al
figlio di testimoniare contro Oscar, sostenendo così la struttura
del potere.
Mike e Rasmus riescono facilmente a
proteggere se stessi e Oscar dalle accuse penali e dalla cattiva
stampa senza pensarci due volte, ma la critica di Secrets We
Keep non si ferma qui. Nonostante subisca il sessismo del
marito, Katarina è altrettanto malvagia per aver ucciso Ruby e per
le sue microaggressioni nei confronti di Aicha. Allo stesso modo,
la serie critica il sistema delle ragazze alla pari che permette a
tali disuguaglianze di perpetuarsi. Anche Cecilie, l’apparente
eroina di Reservatet – La riservaScopriilfinalediReservatet –Lariserva:cosaèdavveroaccadutoaRubyequalisegretisinascondonodietrolasuascomparsa?, non riesce a fare i conti con
i propri privilegi licenziando Angel e impedendo al figlio di
testimoniare contro Oscar, sostenendo così la struttura del
potere.
Il finale di due ore della serie
S.W.A.T. ha portato alla squadra 20 due casi
importanti e pieni di tensione da risolvere, uno dei quali con
delle vite in pericolo. Nel frattempo, bisognava prendere delle
decisioni importanti per la carriera e le finanze, mentre la serie
doveva trovare un modo per chiudere la storia, anche se era chiaro
che c’era dell’altro. Sebbene la squadra 20 abbia salvato la
situazione e chiuso la S.W.A.T. – stagione 8, è chiaro che
la vita continua e il lavoro deve andare avanti.
Ci sono stati momenti importanti per
vari personaggi nel corso dei due episodi, che hanno portato un po’
di chiusura considerando che non ci sarà una S.W.A.T.
stagione 9. Gamble (Annie Ilonzeh) ha dovuto affrontare le sue due
famiglie, mentre Deacon (Jay Harrington) e Tan (David Lim) hanno
dovuto prendere alcune decisioni importanti per il loro futuro.
Inoltre, è stata diffusa la notizia di uno spin-off di
S.W.A.T. con Shemar Moore, che ha sollevato molte domande
su cosa aspettarsi in futuro.
Gamble lotta per essere una
buona sorella e una brava poliziotta in S.W.A.T. Stagione 8,
Episodio 21
Gamble fa una scelta
discutibile
Nel finale della serie
S.W.A.T., Gamble si rivolge a suo fratello per avere
un’informazione. Si scopre che un ladro d’auto del passato di Hondo
(Shemar Moore) e Deacon è ancora vivo, nonostante fosse dato per
morto da 10 anni. Dato che il fratello di Gamble lavora nel settore
automobilistico, potrebbe aver sentito qualcosa. Lui le mente,
dicendole che non ha nulla a che fare con la faccenda, ma lei
trova una delle auto rubate di lusso nel suo cortile. La nuova
arrivata nella squadra 20 deve prendere una decisione importante,
poiché si rende conto che dovrà arrestare suo fratello.
Per quanto abbia cercato di
tenere separate le sue due famiglie, non è stato possibile, quindi
ha chiesto il trasferimento a Oakland.
Alla fine, decide di non farlo e
dice a Hondo che non può essere sia una buona sorella che una brava
poliziotta. Per quanto abbia cercato di tenere separate le sue due
famiglie, non è possibile, quindi chiede il trasferimento a
Oakland. Sebbene Hondo inizialmente sia d’accordo, poiché non può
fidarsi di lei, si rende conto che è una persona che vuole nella
sua squadra e alla fine le fa capire chiaramente che non
appoggerà il suo trasferimento.
S.W.A.T. nel mirino nel finale
della serie
Nell’episodio 22 dell’ottava
stagione di S.W.A.T., la squadra 20-Squad viene a sapere che
un gruppo di mafiosi russi ha piazzato degli ordigni esplosivi in
tutta Los Angeles durante la notte nel tentativo di far evadere uno
dei loro uomini, Dmitri Rykov, dalla prigione. Hondo capisce subito
che non si tratta affatto di un’evasione. Scoprendo che Rykov
sarebbe stato scambiato con un prigioniero statunitense in Russia,
Hondo ipotizza che questi fosse in possesso di informazioni
preziose che mettevano a rischio la mafia russa.
Con Rykov riportato al quartier
generale della S.W.A.T., l’edificio diventa l’obiettivo dei
mafiosi. Ciò ha portato a una sparatoria al quartier generale con
tutta la squadra 20 coinvolta, compresa Gamble, che era tornata per
svuotare il suo armadietto e si è trovata lì per caso quando è
scoppiata la violenza. Sebbene Ryvok inizialmente lavorasse con la
squadra 20, ha finito per tradire la squadra nel tentativo di
fuggire. È stato catturato di nuovo, mentre il resto dei mafiosi è
stato ucciso o arrestato. Sebbene il quartier generale avesse
subito dei danni, le persone all’interno erano al sicuro e Deacon
chiarì che era l’unica cosa che contava.
Come l’inaspettata ricchezza di
Deacon influisce sulla squadra di Hondo
All’inizio della stagione 8 di
S.W.A.T. e alla fine della serie, la squadra scopre che Deacon
ha donato 50.000 dollari in beneficenza. Il bonus firmato da Deacon
per il lavoro come guardia di sicurezza del centro commerciale era
abbastanza consistente da estinguere il mutuo, riempire i fondi per
il college dei figli e fare donazioni a cause meritevoli.
Ovviamente, la 20-Squad voleva che Deacon usasse una parte dei
soldi per sé, ma lui non è quel tipo di persona.
Ha scelto di acquistare
orologi Rolex per tutti i membri della squadra, ciascuno con
l’incisione “20-Squad, Stay Liquid”.
Alla fine ha trovato un modo per
fare un acquisto degno dei suoi obiettivi, e non era solo per lui.
Ha scelto di comprare orologi Rolex per tutti i membri della
squadra, con ognuno inciso con la scritta “20-Squad, Stay
Liquid”. La mia unica lamentela è che non si fa menzione
degli orologi per Luca, Chris e Street, che sono ancora membri
amati della squadra, ma è stato comunque un bel momento
Allo stesso tempo, Heather ha
portato il suo stalking a un livello superiore interagendo con i
figli di Deacon, spingendolo a richiedere un ordine restrittivo.
Con Annie e i bambini fuori città, Heather ha deciso di introdursi
in casa di Deacon, che ha chiamato i rinforzi e insieme a Hondo è
riuscito ad arrestare Heather per proteggere Deacon e la sua
famiglia.
Tan riceve una nuova offerta di
lavoro (ma inizialmente non la vuole)
Sfortunatamente per Tan, la sua
task force è stata sciolta nel finale della serie, ma non
perché stesse facendo un cattivo lavoro. Hicks ha spiegato a Tan
che il criminale che la sua squadra stava cercando era stato
catturato, il che significava che non c’era più bisogno della task
force. A quanto pare, questi normali controlli stradali metteranno
sempre in imbarazzo le task force.
Hicks ha comunque offerto a Tan un
altro lavoro, chiarendo che sarebbe stato perfetto come
collegamento con il sindaco per la S.W.A.T. All’inizio Tan non
voleva quel lavoro, sostenendo di essere più bravo sul campo e di
voler rimanere lì. Deacon alla fine convinse Tan ad accettare,
dicendogli che c’era sempre il rischio di pericolo, ma che era
anche un passo avanti importante per la sua carriera. Quindi, alla
fine della serie, scopriamo che Tan ha accettato il lavoro, ma
continua a lavorare con la squadra 20.
Come il finale dell’ottava
stagione di S.W.A.T. prepara la nona stagione e lo spin-off di
Hondo
Dopo l’uscita del finale della serie
S.W.A.T., è arrivata la notizia che ci sarebbe stato uno
spin-off a sorpresa di S.W.A.T. con
Shemar Moore. Nello spin-off, Moore riprenderà il
ruolo di Hondo, che esce dal pensionamento forzato per guidare la
prossima generazione di agenti. Il finale di S.W.A.T. ha
sicuramente preparato il terreno, mostrando che Hondo rimane
concentrato sul far crescere i nuovi membri della squadra e sul
sostenerne lo sviluppo. Il lato negativo è che Hondo non è stato
costretto al pensionamento nel finale, quindi questo dovrebbe
essere spiegato all’inizio dello spin-off.
Allo stesso tempo, il finale ha
preparato il terreno per una potenziale nona stagione di
S.W.A.T., chiarendo che c’è ancora del lavoro da fare. Il
finale della serie non ha chiuso completamente tutti gli archi
narrativi, dato che nessuno ha lasciato la squadra né è rimasto
gravemente ferito. Vediamo Miko, Powell, Gamble, Tan, Deacon e poi
Hondo lasciare il quartier generale per lavorare su un altro caso,
consentendo a chiunque di loro di tornare in qualche modo in uno
spin-off o di far rinascere S.W.A.T. nel prossimo
futuro.
Ancorando un franchise epico di
programmi sulla CBS, FBI è stato uno dei successi più
costanti della rete e ha già ottenuto il rinnovo per l’ottava
stagione. Creata dai maestri della TV Dick Wolf e Craig Turk,
FBI segue le vicende degli agenti speciali della divisione
criminale dell’ufficio di New York mentre affrontano alcuni dei
casi più importanti che la Grande Mela può offrire. Come la maggior
parte delle serie poliziesche, FBI si basa principalmente su
un formato “un caso a settimana”, ma non perde mai l’occasione di
esplorare la vita personale del numeroso cast.
Come la maggior parte delle serie TV
di Dick Wolf, FBI ha immediatamente mostrato un potenziale
spin-off, e il franchise è stato ampliato con FBI: Most
Wanted e FBI: International. Nonostante il grande
successo, la serie principale rimane il vero cuore del franchise e
ha ricevuto un’attenzione speciale da parte della CBS. Mentre tutte
le altre serie FBI hanno ottenuto rinnovi annuali, la serie
principale ha ricevuto un ordine triennale dalla CBS nel 2024.
Questo elimina ogni suspense sul futuro della popolare serie
poliziesca, e gli agenti speciali dell’FBI torneranno non
solo per l’ottava stagione, ma anche per la nona.
Ultime notizie sulla stagione 8
di FBI
Una nuova star sta già lasciando
la serie
Mentre la stagione 7 continua a
trasmettere nuovi episodi, le ultime notizie confermano che un
attore protagonista di FBI non tornerà per la stagione 8. È
stato ora riportato che la nuova arrivata Lisette Olivera, che
avrebbe dovuto unirsi alla stagione 7 nel ruolo di Syd Ortiz,
lascerà la serie dopo solo pochi episodi (via Deadline). Ortiz avrebbe dovuto essere la nuova partner
di Scola dopo l’addio di Tiffany Wallace, ma la nuova arrivata nel
team non resterà a lungo. Non è stata fornita alcuna motivazione
ufficiale, ma alcune fonti sostengono che semplicemente non fosse
adatta a un ruolo che richiede un’attrice più matura.
Confermata l’ottava stagione di
FBI
La CBS ha ordinato altre due
stagioni
A differenza di molte altre serie
televisive che ogni anno si trovano sotto i riflettori, la CBS ha
risolto la questione del futuro di FBI all’inizio del 2024.
Anche se Most Wanted e International sono stati
rinnovati per una sola stagione, la serie di punta ha ottenuto
un rinnovo per tre stagioni tutte in una volta. Questa
decisione garantisce a FBI la messa in onda fino alla nona
stagione, che andrà in onda nel palinsesto autunnale 2026-2027
(salvo eventuali chiusure a livello industriale). Pertanto,
FBI stagione 8 è già in lavorazione e non c’è dubbio
che l’ufficio di New York tornerà in azione il prossimo
autunno.
FBI va attualmente in onda il martedì alle 20:00 EST
sulla CBS.
Un ordine per tre stagioni è
estremamente raro, ma non è davvero una sorpresa considerando
l’enorme popolarità delle serie di Dick Wolf. Il leggendario
creatore televisivo raramente sbaglia e ha riscosso un successo
particolare con le serie poliziesche. Allo stato attuale, il
destino di FBI oltre la nona stagione non è ancora deciso,
ma non c’è dubbio che la rete ordinerà almeno un’altra stagione
una volta che le tre stagioni saranno terminate. Anche se le altre
serie del franchise sono meno certe, FBI ha delle basi
solide che potrebbero consentirle di durare per decenni, come
Law & Order di Wolf.
La settima stagione di FBI è
stata trasmessa per la prima volta il 15 ottobre 2024.
Dettagli sul cast della stagione
8 di FBI
Quali agenti torneranno per la
stagione 8
Come la maggior parte delle serie
procedurali di lunga durata, il cast di FBI è cambiato
diverse volte durante i suoi quasi dieci anni di vita. Ci sono
stati anche alcuni cambiamenti nella stagione 7, e questo
potrebbe suggerire che la stagione 8 sarà un po’ più stabile in
termini di cambiamenti nel cast. Katherine Renee Kane lascerà
la serie durante la settima stagione e non sarà presente
nell’ottava stagione per riprendere il ruolo dell’agente speciale
Tiffany Wallace. La sua sostituta avrebbe dovuto essere la nuova
arrivata Lisette Olivera nel ruolo di Syd Ortiz, ma è stato
confermato che Olivera non tornerà per l’ottava stagione.
D’altra parte, si prevede che
personaggi di spicco come Missy Peregrym torneranno nella stagione
8 nei panni dell’agente speciale Maggie Bell, insieme a Jeremy
Sisto nel ruolo dell’assistente SAC Jubal Valentine. È previsto
anche il ritorno del resto del team dell’ufficio di New York, e
durante tutta la stagione saranno presenti anche guest star, anche
se è impossibile indovinare chi saranno in questa fase
iniziale.
Dettagli sulla trama della
stagione 8 di FBI
Casi ancora più esplosivi per
l’ufficio di New York
È difficile prevedere esattamente
cosa accadrà nella stagione 8 di FBI per una serie di
motivi. Innanzitutto, qualsiasi trama generale sarà delineata nel
finale della stagione 7 e sarà quindi imprevedibile fino alla
conclusione della stagione. In secondo luogo, il formato “un caso a
settimana” significa che la maggior parte degli episodi non è
collegata agli altri e di solito è autonoma. Questo lascia la
stagione 8 di FBI in sospeso per ora, e solo durante
la pausa tra la stagione 7 e la stagione 8 inizieranno a emergere i
dettagli sulle trame future.
Il promo del finale della settima
stagione di FBIprometteva una minaccia
per l’ufficio di New York. La domanda era sempre se quella minaccia
fosse l’ASAC Jubal Valentine (Jeremy Sisto), come sembrava
suggerire il promo. Ovviamente conosciamo Jubal abbastanza bene da
sapere che non tradirebbe mai il suo Paese, quindi abbiamo
trascorso il finale della settima stagione di FBI alla
ricerca di indizi su chi fosse il vero traditore.
Ma non si trattava solo di un
traditore all’interno dell’FBI. Con un attacco terroristico che
minacciava tutto gli Stati Uniti, la squadra ha dovuto lavorare
sotto copertura, senza poter accedere ai propri strumenti abituali,
poiché questi erano stati disattivati. Sapendo che l’ottava
stagione dell’FBI era in lavorazione, gli sceneggiatori
della serie hanno anche avuto l’opportunità di inserire un
importante colpo di scena che avrebbe lasciato una vita in
bilico.
Chi è il cattivo del finale
della settima stagione di FBI e perché rimane una
minaccia?
C’è più di un solo
traditore
Il finale della settima stagione di
FBI inizia con Kevin (Kevin Sussman) che arriva da Jubal con
la notizia di un attacco in programma. L’attacco è chiamato “A New
Day”, ma Kevin non è disposto a rivelare tutte le informazioni in
una volta sola. Ha paura, e a quanto pare ha motivo di averne. A
causa di tutto ciò che ha ottenuto dai computer del Dipartimento di
Giustizia, è sotto sorveglianza e non ci vuole molto perché la
minaccia irrompa nella sede segreta dell’FBI e uccida tutti tranne
Jubal.
Dopo aver inviato un segnale di
soccorso, un’agente dell’FBI arriva in aiuto di Jubal, ma lui non
si fida di lei. È arrivata troppo in fretta, considerando che
avrebbe dovuto provenire dall’ufficio di New Jersey. Dopo averla
uccisa, Jubal trova un tatuaggio sul suo braccio e scopre che
dietro l’attacco c’è un gruppo terroristico chiamato Forefront, che
collabora con i cinesi e si è infiltrato nell’FBI tramite dei
traditori.
A questo punto, l’ufficio di
New York deve essere chiuso, con tutto il personale sospeso dal
servizio e senza accesso alla rete dell’FBI.
Forefront è riuscito a far
consegnare dei cellulari esplosivi ad altri membri dell’FBI,
provocando le esplosioni. A questo punto, l’ufficio di New York
deve essere chiuso, con tutto il personale sospeso dal servizio e
senza accesso alla rete dell’FBI. Tuttavia, la squadra riesce ad
arrivare al fondo della situazione e, mentre il vero traditore
viene arrestato, Forefront rimane là fuori, pronto a portare le
minacce cinesi negli Stati Uniti nella stagione 8 della serie
di Dick Wolf.
Come Jubal è diventato il capro
espiatorio più facile (ma chi era il vero traditore)
Era facile capire perché Jubal fosse
diventato rapidamente il principale sospettato di tradimento quando
il direttore Reynolds (Ben Shenkman) ha iniziato a interrogarlo. Le
decisioni sbagliate prese da Jubal in passato e il fatto di essere
stato scavalcato per una promozione potevano significare che era
disposto a collaborare con un’organizzazione terroristica o ad
accettare di essere ricattato.
Naturalmente, Jubal e Isobel (Alana
De La Garza) hanno iniziato a chiedersi se fosse stato Reynolds a
essere coinvolto nell’attacco iniziale. Questo fino a quando il suo
telefono è esploso, uccidendolo all’istante.
Fortunatamente, Maggie è riuscita a
raggiungere il pavimento e ha trovato Isobel svenuta, nascondendosi
mentre il vicedirettore Keene entrava nella stanza con uno dei suoi
tirapiedi. Maggie ha sentito una conversazione che ha chiarito che
Keene era il traditore e che aveva fatto tutto questo per prendere
il controllo dell’ufficio di New York.
Mentre l’ufficio veniva chiuso e
tutti venivano sospesi dal servizio, Maggie tornò dal gruppo per
condividere la notizia. Ora erano rimasti senza alcun accesso
al mainframe dell’FBI per arrivare al fondo dell’attacco, e
dovevano ancora provare che Keene era dietro tutto questo. Con
l’accesso alle fonti confidenziali, sapevano di poter fare dei
danni, ma solo un membro della squadra era disposto a mettersi in
pericolo per sconfiggere Keene una volta per tutte.
Il ruolo di Isobel e il colpo di
scena
Nonostante fosse stata inizialmente
dichiarata morta, Isobel è arrivata al nascondiglio dove OA (Zeeko
Zaki), Maggie, Dani (Emily Alabi), Scola (John Boyd), Elise
(Vedette Lim), Ian (James Chen) e Jubal si erano riuniti per capire
la situazione. Superato lo shock iniziale, il gruppo ha capito che
avrebbe dovuto lavorare con le proprie fonti interne per scoprire
il motivo per cui otto agenti in particolare erano stati attaccati.
Tutto riconduce agli operatori che indagavano sui casi di
influenza.
Con queste informazioni, Isobel è
tornata in ufficio e ha rivelato di essere sopravvissuta. Inoltre,
ha detto di essere d’accordo con Keene e di volerlo aiutare, e che
è disposta a rivelare dove si trovano Maggie e OA, aggiungendo che
stanno lavorando in segreto per catturare Keene. Naturalmente,
Keene le fa il gioco e manda una squadra dal gruppo, che sta
aspettando che i terroristi si facciano vivi.
Con Forefront temporaneamente fuori
gioco, Isobel rivela di aver registrato l’intera conversazione, in
cui Keene ammette di collaborare con i cinesi. Anche uno dei suoi
uomini è disposto a rilasciare una dichiarazione al riguardo.
Sembra che l’FBI abbia vinto e salvato la situazione, fino alla
fine dell’episodio. Il finale della settima stagione di FBIsi conclude con Isobel che fatica a parlare durante un
discorso, poi sviene e Maggie rivela che non ha polso.
Come il finale della settima
stagione prepara l’ottava
La domanda più importante che si
pone alla vigilia della stagione 8 della serie di punta FBI
è se Isobel sopravviverà. Durante tutta la stagione 7 c’erano già
state preoccupazioni che potesse lasciare l’ufficio di New York, ma
alla fine ha chiarito che si fidava dei suoi colleghi e che non
vedeva l’ora di lavorare con loro. Potrebbe aver subito alcune
complicazioni tardive a causa dell’esplosione all’inizio
dell’episodio, il che non sorprende considerando che non ha
ricevuto cure mediche quando avrebbe dovuto, e ora la squadra
potrebbe dover affrontare il dolore, oltre alla minaccia
terroristica ancora in atto.
Questo permetterà a Jubal di
sostituirla temporaneamente nella sua posizione, dimostrando che
non dovrebbe più essere frenato nella sua carriera.
Anche se Isobel sopravviverà,
probabilmente dovrà prendere un congedo per motivi di
salute. Questo permetterà a Jubal di assumere la sua posizione,
dimostrando che non dovrebbe essere frenato nella sua carriera. Ciò
significa anche che qualcun altro dovrà essere promosso
temporaneamente alla posizione di Jubal, che potrebbe essere Maggie
o OA.
Allo stesso tempo, c’è ancora una
minaccia nella stagione 8 di FBI. Forefront è ancora
là fuori e, anche se i terroristi avranno bisogno di tempo per
riorganizzarsi, è chiaro che le minacce internazionali sono motivo
di preoccupazione. Inoltre, ci sono persone all’interno dell’FBI
che erano d’accordo con Keene e potrebbero ancora nascondersi
nell’ombra, offrendo a Forefront una nuova possibilità.
La storia si svolge a passo di
lumaca nell’ottavo episodio di Your Friends and
Neighbors, ma prepara perfettamente il terreno per l’arco
narrativo finale della stagione. Il personaggio interpretato da
Jon Hamm, Andrew Cooper, riesce a essere rilasciato su
cauzione nell’ultima puntata della serie originale Apple TV+.
Tuttavia, il caos regna sovrano quando la maggior parte delle
persone che lo conoscono si dividono sul suo coinvolgimento
nell’omicidio di Paul. Mentre personaggi come la moglie di Choi e
Sam cambiano improvvisamente schieramento, altri come Choi, Mel e i
figli di Cooper si rifiutano di credere che lui abbia qualcosa a
che fare con l’omicidio.
Your Friends and Neighbors
non ha ancora rivelato l’identità dell’assassino, ma sembra
evidente che Andrew Cooper non abbia commesso il crimine. Tuttavia,
se il vero autore del delitto non verrà trovato presto, Cooper
potrebbe trovarsi in guai seri. I problemi di Cooper aumentano
notevolmente nell’episodio 8 di Your Friends and Neighbors,
quando scopre che qualcuno ha rubato tutti i soldi che aveva
guadagnato derubando i suoi ricchi vicini. Questo potrebbe
significare che intraprenderà un’altra avventura di furti e
rischierà di essere catturato nel finale della serie?
La spiegazione del monologo di
Cooper alla fine dell’episodio 8
Il monologo di Cooper riflette
su quanto le cose siano degenerate senza che lui se ne rendesse
conto
Nei momenti finali dell’episodio 8
di Your Friends and Neighbors, Cooper incontra la sua ex
moglie e le racconta di come le cose siano peggiorate notevolmente
negli ultimi giorni. Lei gli chiede come sono finiti in quella
situazione. Prima che inizino i titoli di coda dell’episodio,
Cooper va a correre mentre la domanda di Mel continua a risuonare
nella sua testa. Ripensando a tutto quello che gli è successo nelle
ultime settimane, anche lui si chiede come le cose siano potute
andare così male.
Ricorda tutto, dal licenziamento ai
furti nel quartiere, chiedendosi se sia ancora possibile tornare
indietro e rimediare ai propri errori. Quando capisce davvero
quanto la situazione sia degenerata, si rende conto che potrebbe
essere troppo tardi per tornare indietro e sistemare le cose.
Sebbene l’ottavo episodio di Your Friends and Neighbors non
presenti sviluppi significativi nella trama, il finale lascia
intendere che Cooper è sul punto di crollare. Una volta che ciò
accadrà, inizierà a “diventare cattivo” e supererà diversi limiti
morali per garantire la propria sopravvivenza.
Chi ha rubato i soldi di
Cooper?
Sembra che sia stata
Elena
Dopo essere tornato a casa dal
carcere, Cooper si guarda intorno nella sua casa sperando di
trovare i soldi che aveva accumulato con i suoi furti. Tuttavia,
con sua grande sorpresa, i soldi non si trovano da nessuna parte.
Inizialmente si chiede se la polizia abbia trovato il suo
nascondiglio e lo abbia confiscato. Questo pensiero non lo assilla
a lungo, però, perché si rende conto che le uniche prove concrete
che hanno trovato contro di lui sono la pistola nella sua auto e i
campioni del suo DNA a casa di Sam. Nel corso dell’episodio, una
scena mostra Elena che incontra l’uomo che chiedeva soldi a suo
fratello nell’episodio 7 di Your Friends and Neighbors.
Elena gli consegna una borsa piena
di soldi e gli chiede di stare lontano da suo fratello. L’uomo
protesta, ma Elena gli fa capire che non cambierà idea. Questa
scena rende evidente che Elena ha rubato i soldi da casa di
Cooper subito dopo il suo arresto e li ha usati per pagare il
debito di suo fratello. Cooper potrebbe non avere modo di
scoprire chi ha preso i suoi soldi, ma Elena potrebbe alla fine
dirgli la verità, a seconda che voglia collaborare di nuovo con
lui.
Perché Choi dice che non gli
importa se Cooper ha ucciso Paul
Choi lo considera il suo
migliore amico, indipendentemente dalle sue azioni
Choi, Nick e Cooper escono a
festeggiare nell’ultima parte dell’episodio. Dopo una notte di
divertimento, i tre finiscono su un campo da golf, dove Nick si
addormenta mentre Cooper e Choi parlano di tutto quello che è
successo loro fino a quel momento. Quando Cooper lo spinge a
chiedergli dell’omicidio, Choi lo liquida dicendo che non gli
importa più se ha commesso il crimine. Cooper continua a
assicurargli che non ha ucciso Paul, il che aiuta Choi a sentirsi
un po’ sollevato.
Questa sequenza stabilisce che,
anche se Choi sospetta che Cooper abbia fatto qualcosa di losco
per mantenersi a galla, crede che non arriverebbe mai al punto di
fare del male a qualcuno. Nel profondo, sembrava sapere che
Cooper non era capace di uccidere qualcuno a sangue freddo.
Tuttavia, aveva paura che Cooper non fosse più la persona che
conosceva. In un momento di spensieratezza, Cooper coglie
l’occasione per raccontare a Choi delle sue attività di ladro.
Tuttavia, con suo grande disappunto, prima che Choi possa
ascoltarlo, cade a terra e si addormenta.
La spiegazione delle analogie
tra la vita di Choi e quella di Cooper
Entrambi i personaggi mettono in
discussione lo stile di vita che si sono creati
Your Friends and Neighbors
stabilisce molte analogie tra le narrazioni di Cooper e Choi.
Cooper era il cliente più importante di Choi. Pertanto, il declino
finanziario di Cooper ha un impatto negativo anche su di lui.
Mentre Cooper lotta per stare al passo con le crescenti esigenze
della sua famiglia e trova difficile liberarsi dei lussi inutili di
cui si è circondato, anche Choi non riesce a capire come e quando
le cose siano andate così male per lui. Le crescenti richieste di
sua moglie lo opprimono e lui si chiede perché possiede così tanta
spazzatura inutile.
Forse l’unica differenza tra i due
personaggi di Your Friends and Neighbors è che Cooper ha già infranto
la legge per garantire la propria sopravvivenza. Se Choi scoprisse
cosa ha fatto, potrebbe diventare suo alleato o costringerlo a
smettere prima che sia troppo tardi. Oppure, se la moglie di Choi
lo costringesse a stare lontano da Cooper, potrebbe persino
allontanarsi dal suo migliore amico e lasciarlo affrontare da solo
le conseguenze delle sue azioni.
Perché Mel difende Cooper quando
Sam lo chiama assassino
Mel sa che Cooper non
ucciderebbe mai nessuno
Sam e Mel si incontrano in un bar
nei primi minuti dell’episodio 8 di Your Friends and
Neighbors. Sam cerca inizialmente di aprire la conversazione in
modo piacevole, riconoscendo che si trovano in una situazione
imbarazzante. Tuttavia, Mel risponde in modo sarcastico, il che
porta presto a un grave scontro tra i due. Con ciò che segue, Sam
solleva la possibilità che Cooper sia l’assassino di Paul, ma Mel
cerca di difenderlo. Ben presto, i due personaggi finiscono per
azzuffarsi prima che Nick li separi.
Il sostegno di Mel nei
confronti di Cooper nell’episodio di Your Friends and Neighbors
dimostra che, nonostante i sentimenti contrastanti verso quasi
tutto, lei conosce bene Cooper e crede che non sia capace di
uccidere qualcuno.
Il fatto che Sam cerchi di addossare
la colpa del crimine a Cooper la rende sospettosa, rendendo
difficile non chiedersi se stia cercando di proteggere se stessa. È
anche interessante vedere come Mel sostenga il suo ex marito anche
quando quasi tutti sembrano sospettare di lui. Il sostegno di Mel
nei confronti di Cooper nell’episodio Your Friends and
Neighbors dimostra che, nonostante i suoi sentimenti
contrastanti verso quasi tutto, conosce bene Cooper e crede che non
sia capace di uccidere qualcuno.
La serieBet
di Netflix
si conclude con Yumeko Kawamoto che raggiunge il suo obiettivo e le
sue vere intenzioni vengono alla luce. La scena iniziale
dell’ultimo adattamento live-action di Kakegurui inizia con
Yumeko che si iscrive all’esclusiva St. Dominic’s Prep, nota per le
scommesse ad alto rischio in cui sono coinvolti gli studenti.
Yumeko, una giocatrice compulsiva, viene coinvolta nel caotico
mondo della St. Dominic’s, battendo i migliori giocatori della
scuola e perdendo anche alcune partite durante la sua ascesa
fulminea verso la vetta.
Inizialmente, Yumeko non è vista
come una minaccia, ma la sua capacità di finire in testa anche
nelle partite che gli altri studenti sono sicuri che perderà attira
l’attenzione del presidente del consiglio studentesco della St.
Dominic’s, Kira. Mentre si lascia coinvolgere con entusiasmo dai
famigerati giochi d’azzardo, Yumeko non perde di vista il suo
obiettivo, che è quello di scoprire chi ha ucciso a sangue freddo i
suoi genitori. Quando ottiene un posto nell’ambitissimo consiglio
studentesco, Yumeko finalmente si trova faccia a faccia con
l’assassino dei suoi genitori e li vendica alla fine della
serie TV live-action di Netflix.
Cosa è successo ai genitori di
Yumeko in Bet
I genitori di Yumeko sono stati
uccisi perché hanno tradito il Kakegurui Club
Fin dall’inizio di Bet,
Yumeko aveva un solo obiettivo. Voleva uccidere chi aveva ucciso i
suoi genitori e non era troppo interessata a scoprire cosa avesse
portato alla loro morte. Per Yumeko, il fatto che fossero stati
uccisi era più importante del motivo dietro al loro omicidio. Man
mano che approfondiva il mistero, giunse erroneamente alla
conclusione che il padre della sua compagna di stanza fosse
l’assassino dei suoi genitori perché aveva lo stesso nome della
persona con cui li aveva sentiti litigare. Il piano di Yumeko per
uccidere Ray non funzionò, il che si rivelò una fortuna perché lui
non era il vero colpevole.
La persona che aveva avuto un ruolo
nella loro morte era in realtà il padre di Michael. Alla fine di
ogni trimestre, i membri del consiglio studentesco del St. Dominic
hanno la possibilità di incontrare il consiglio scolastico, il che
rappresenta un’opportunità per Yumeko di vendicare i suoi genitori.
Il giocatore compulsivo inizialmente ha cercato di avvelenare
Ray, ma ha fallito e alla fine lei e Kira hanno ingerito la
sostanza letale. Mentre i due adolescenti giocavano d’azzardo per
l’antidoto, Kira ha fornito alcune informazioni illuminanti su
Keiko e Jo Jobami.
Sebbene fosse stato Ray a dare
fuoco a Keiko e Jo, dietro il loro omicidio c’era l’intero
Kakegurui Club.
I genitori di Yumeko avevano creato
una valuta digitale che avrebbe aiutato a distribuire la ricchezza
del Kakegurui Club ad altri membri della società. Quando i loro
amici scoprirono cosa stavano progettando Keiko e Jo, mandarono Ray
a fermarli prima che perdessero tutto ciò che avevano. Sebbene sia
stato Ray a dare fuoco a Keiko e Jo, dietro l’omicidio c’era
l’intero Kakegurui Club. In un interessante colpo di scena, Ray,
prima di esalare l’ultimo respiro, ha rivelato che la madre di
Yumeko potrebbe essere ancora viva.
Come Yumeko vendica la morte dei
suoi genitori
Yumeko uccide Ray nel finale di
stagione di Bet
Sebbene Yumeko desse l’impressione
di amare semplicemente il gioco d’azzardo e il rischio, dietro
quella facciata si nascondeva un oscuro segreto. La morte dei suoi
genitori aveva lasciato un segno indelebile nella giovane Yumeko e
vendicarli era diventato lo scopo della sua vita. Anche quando
scoprì che Ray era il padre di uno dei suoi amici più cari, non si
lasciò fermare. Quindi, quando ebbe l’occasione di vendicarsi, non
ci pensò due volte.
Quando Yumeko incontrò Ray alla
riunione tra il consiglio studentesco e i membri del consiglio di
amministrazione, avvelenò il suo drink, ma lui non lo bevve perché
Kira glielo aveva portato via. Tuttavia, ebbe un’altra opportunità
quando il suo nuovo partner le porse un drink con lo stesso veleno
letale che lei aveva intenzione di dargli in un primo momento.
Yumeko pugnalò Ray con un frullatore e lui morì, ma le lasciò un
mistero riguardo al destino di sua madre.
Perché Kira si allea con Yumeko
alla fine della prima stagione di Bet
Kira vuole riconquistare il suo
posto nel consiglio studentesco
Dire che Kira e Yumeko non andavano
d’accordo sarebbe un eufemismo. Ma, cosa interessante, i due
finiscono per formare una coppia nel finale della serie. Come
Yumeko, anche la vita di Kira è stata plasmata dai suoi
genitori, solo in modo diverso. Kira voleva compiacere suo
padre e ereditare il suo impero una volta che lui l’avesse ritenuta
pronta. Ma con sua grande sorpresa, lui ha scelto sua sorella come
presidente del consiglio studentesco.
Bet è ambientato negli Stati
Uniti, mentre Kakeguri è ambientato in Giappone.
Quindi, quando Kira ha scoperto che
suo padre era coinvolto nell’omicidio di Keiko e Jo, ha
naturalmente unito le forze con Yumeko nella speranza di farlo
cadere. Sebbene abbia aiutato Yumeko a fuggire dopo che questa ha
ucciso Ray, non c’è modo di sapere se Kira rimarrà fedele alla loro
alleanza, dato che ha passato tutta la vita cercando di compiacere
suo padre. Non sarà facile per Kira spegnere quella parte di
sé, anche se questo significa ottenere ciò per cui ha lavorato
così duramente.
Ryan e Yumeko finiranno insieme
in Bet?
Ryan e Yumeko sono ancora amici
nel finale di stagione di Bet
Bet di Netflix non è una serie molto
romantica. La serie si concentra invece su Yumeko e la gerarchia al
St. Dominic’s. Tuttavia, c’è una storia d’amore che sboccia tra
Yumeko e Ryan. Ryan si è innamorato all’istante di Yumeko,
ma non sembrava che lei provasse lo stesso per lui. Anche quando
lei gli ha offerto di prendere la sua verginità, era più per
vincere una scommessa che perché provava qualcosa per lui. Quindi,
anche se Ryan ha aiutato Yumeko a scappare, i due non hanno
instaurato un legame romantico nel finale della serie
live-action.
Come il finale di Bet prepara la
seconda stagione
Bet non si è concluso con
tutte le domande risolte, il che prepara naturalmente il terreno
per una seconda stagione. Nel finale di Bet, Ray è morto,
rendendo Michael il capo dell’organizzazione criminale di suo
padre. Dato che aveva cercato di impedire a Yumeko di uccidere
Ray, potrebbe voler vendicare la sua morte, anche se non
avevano un rapporto stretto. Yumeko ha anche promesso a Kira che
l’avrebbe aiutata a ottenere il controllo del consiglio
studentesco, quindi il cambiamento nella loro dinamica gioca un
ruolo enorme in ciò che può accadere nella potenziale seconda
stagione del dramma scolastico.
Come il finale della prima
stagione di Bet cambia l’anime
Quando è stato annunciato che
Netflix avrebbe realizzato un altro adattamento live-action di
Kakegurui, era chiaro che la nuova serie sarebbe stata molto
diversa dall’anime. Bet apporta diverse modifiche a
Kakegurui, tra cui l’ambientazione, il titolo e il motivo
per cui Yumeko si trova al St. Dominic’s. Quindi, naturalmente, il
finale di Bet è leggermente diverso dall’anime.
Nel finale di Bet, Yumeko
scappa, si allea con Kira e sopravvive per combattere un altro
giorno dopo aver vendicato i suoi genitori. L’anime, invece, si
conclude con Ririka che trama per sconfiggere Yumeko. Nonostante
queste differenze, ci sono alcune somiglianze tra Bet
e Kakegurui, in quanto Kira e Yumeko non finiscono per
diventare nemici, ma conoscenti che hanno imparato a rispettarsi a
vicenda.
Il film indipendente su
NetflixFear Street, Fear Street: Prom Queen, conduce
a un finale ricco di azione che risponde alla domanda sull’identità
e le motivazioni dell’assassino. Il 2021 è stato un anno eccellente
per gli appassionati di slasher, e la trilogia Fear Street è
stata una delle ragioni principali. Quattro anni dopo, Fear
Street: Prom Queen, ambientato nella stessa città e nella
stessa linea temporale ma indipendente, continua il divertimento.
La storia, ambientata nel 1988, segue una ragazza adolescente di
nome Lori Granger che è in corsa per diventare reginetta del ballo
contro la regina del liceo Shadyside, Tiffany Falconer, e il suo
branco di lupi.
La notte prima del ballo, un killer
con un impermeabile rosso e una maschera nera inquietante uccide
una delle candidate a reginetta del ballo, il primo di una lunga
serie di omicidi. La violenza continua il giorno del ballo, quando
il killer del ballo inizia a fare a pezzi e pugnalare i personaggi
di Fear Street: Prom Queen a un ritmo allarmante,
concentrandosi sulle candidate al titolo di reginetta. Lori deve
sopravvivere alla notte sanguinosa con la speranza di vincere la
corona.
La spiegazione dell’identità e
le motivazioni del killer in Fear Street: Prom Queen
Fear Street: Prom Queen include
due killer (e un aspirante killer)
Il colpo di scena più interessante
di Fear Street: Prom Queen è il fatto che non c’è un solo killer.
Il film di R.L. Stine si è ispirato a Scream VI, rivelando che
tutti e tre i membri della famiglia Falconer sono i cattivi. Dan e
Nancy Falconer sono i due che sicuramente si nascondono sotto la
maschera del killer, dato che Tiffany è al ballo con i suoi amici
quando avvengono la maggior parte degli omicidi. Entrambi i
genitori vogliono assicurarsi che Tiffany vinca il titolo di
reginetta del ballo. Tuttavia, Nancy ha anche una motivazione
nascosta. Lei nutre rancore nei confronti della famiglia Granger,
accusandola di aver portato via tutto ciò che spetta ai
Falconer.
Alla fine del film Fear
Street, tutte le candidate al titolo di reginetta del ballo, tranne
Lori, sono morte…
D’altra parte, Tiffany molto
probabilmente non ha ucciso nessuno dei suoi compagni di classe,
considerando la tempistica degli omicidi. Tuttavia, tenta di
uccidere Lori a casa dei Falconer dopo che Lori ha vinto il titolo
di reginetta del ballo. Tiffany pensa di meritare il titolo e
incolpa Lori di averle rubato Tyler. Inoltre, il fatto di
essere stata cresciuta da un assassino probabilmente l’ha
condizionata a credere che l’omicidio sia una soluzione accettabile
alla rabbia.
Chi muore e chi sopravvive in
Fear Street: Prom Queen
Numero totale di omicidi nella
serie di film Fear Street: 129
Come la trilogia di Fear
Street, Fear Street: Prom Queen è pieno di omicidi
raccapriccianti che scioccano il pubblico. Non è una storia per i
deboli di cuore, poiché gli omicidi sono violenti e sanguinosi
proprio come quelli dei film precedenti. Alla fine del film Fear
Street, tutte le candidate a reginetta del ballo tranne Lori
sono morte, oltre a un sacco di studenti, il signor Stokeland,
Nancy e forse anche il preside.
In totale, muoiono da dodici a
quattordici persone (solo due non per mano di un Falconer) in
un’ora e mezza, il che è in linea con il numero di vittime
degli altri assassini di Fear Street. Anche se il preside
respira ancora quando arriva l’ambulanza, viene incluso nel
conteggio delle vittime perché le sue ferite lo porteranno quasi
certamente alla morte in ospedale.
La maggior parte dei liceali al
ballo riesce a scappare perché scappa non appena un assassino entra
nella palestra. Le uniche vittime specifiche e nominate che
sopravvivono ai Prom Killers sono Lori e Megan. Megan sospetta
immediatamente che le persone stiano morendo a causa della sua
conoscenza dell’horror, ma in un nuovo colpo di scena, non è la sua
conoscenza dell’horror a salvarle la vita. È invece Lori a salvare
la sua migliore amica.
Nel frattempo, Lori è la
protagonista femminile ufficiale di Fear Street: Prom Queen.
Fin dall’inizio del film, è silenziosamente resiliente, determinata
e una sopravvissuta. Tuttavia, non riconosce queste caratteristiche
di sé stessa fino a quando non sopravvive all’intero film. La sua
dichiarazione, “Sono Lori Granger, cazzo”, dimostra che
finalmente ha accettato la sua forza interiore.
Cosa è realmente successo al
padre di Lori Granger
La madre di Lori Granger è
innocente dell’omicidio del padre di Lori
La morte del padre di Lori Granger
incombe su tutto Fear Street: Prom Queen. Sua madre, Rosemary, è
stata accusata dell’omicidio del padre circa 18 anni e mezzo prima,
segnando la famiglia con una metaforica lettera scarlatta. Secondo
la leggenda di Shadyside, Rosemary si innamorò di un ragazzo
dell’altra parte della città che la voleva solo per sesso. Dopo
essere rimasta incinta, scoprì che lui non era davvero innamorato
di lei, così gli tagliò la gola vicino al fiume.
Questa cattiva reputazione spinge
Lori a cercare la perfezione, a preoccuparsi dell’opinione degli
altri e a candidarsi come reginetta del ballo. Durante tutto il
film rimane convinta che sua madre non sia colpevole, e alla fine
scopre di avere ragione.
Alla fine di Fear Street: Prom
Queen, Nancy Falconer rivela di essere stata lei a tagliare la gola
al padre di Lori. Lei usciva con lui prima di Rosemary e si era
arrabbiata perché lui non la amava. Nancy incolpava anche Rosemary
di averglielo rubato. Per questo ha ucciso il padre di Lori e ha
incastrato Rosemary, punendo l’adolescente incinta.
Come la scena dei titoli di coda
di Fear Street: Prom Queen si collega alla famiglia Goode
Nancy potrebbe essere una delle
vittime della famiglia Goode
Fin da quando R.L. Stine lo ha
annunciato, Fear Street: Prom Queen è stato etichettato come un
film a sé stante, e questo alla fine si è rivelato vero. Tuttavia,
la scena a metà dei titoli di coda del film del 2025 include un
sottile collegamento con la trilogia originale di Fear Street.
Nancy giace a terra morta con il sangue che le cola dalla testa e
si raccoglie sul pavimento, formando un simbolo che i fan
riconosceranno. Il sangue di Nancy diventa il Marchio della Strega,
noto anche come Marchio del Diavolo, dei film originali.
La famiglia Goode sacrifica ogni
dieci anni un abitante di Shadyside affinché diventi un assassino
all’interno del Marchio della Strega. Inoltre, il simbolo è
visibile sulla copertina del libro che viene preso nella scena a
metà dei titoli di coda alla fine di Fear Street: Part 3 – 1666.
Questo solleva la questione se Nancy fosse una delle vittime
sacrificali della famiglia Goode. È certamente una possibilità,
anche se sarebbe piuttosto lenta da sviluppare. Avrebbero dovuto
sceglierla come vittima prima del 1978, dato che Nancy ha ucciso il
padre di Lori 18-19 anni prima di Fear Street: Prom
Queen.
Fear Street: Prom Queen –
Spiegati gli altri collegamenti con la trilogia di Fear
Street
Fear Street: Prom Queen include
alcuni riferimenti a Fear Street: Part Two – 1978
A parte il simbolo nella scena a
metà dei titoli di coda di Fear Street: Prom Queen, il film
rimane per lo più distante dalla trilogia originale. All’inizio del
film, Lori guarda un poster del Camp Nightwing e il film passa a
dei flashback degli omicidi del 1978. Poi, alla fine di Fear
Street: Prom Queen, un primo soccorritore spiega che il massacro
al ballo scolastico è “peggio del ’78.” Nonostante
questi riferimenti, i film non sono collegati narrativamente, né ci
sono personaggi importanti della trilogia in quel film.
Ci saranno altri film di Fear
Street dopo Prom Queen?!
Gli amanti della trilogia Fear
Street e di Fear Street: Prom Queen sono fortunati. Il quarto
capitolo non sarà l’ultimo film della serie. Nel gennaio 2025,
l’autore R.L. Stine ha annunciato in un’intervista a
The Hollywood Reporter che altri tre film di Fear Street sono
in fase di sviluppo dopo Fear Street: Prom Queen.
Stine non ha fornito dettagli sui
libri da cui saranno tratti, ma ce ne sono molti tra cui scegliere.
Tuttavia, molto probabilmente non saranno collegati al film del
2025, poiché si tratta di un film a sé stante ambientato a metà
della trilogia originale. Se Fear Street: Prom Queen
avrà lo stesso successo della trilogia originale, speriamo che il
team creativo dedichi più attenzione e tempo alla realizzazione di
questi film il prima possibile.
Ci sono stati innumerevoli alti e
bassi che hanno portato al finale della prima stagione di
Doctor Odyssey, ma l’equipaggio di The
Odyssey lascia la storia in un buon punto in attesa del
rinnovo. Il cast di Doctor Odyssey è uno dei principali
punti di forza della serie per molti fan, ma la vera star dello
show è la storia stravagante che si svolge nel corso degli episodi.
Da una coppia innamorata a un attacco di orche, la serie ha
trattato argomenti che la maggior parte degli altri drammi medici
non avrebbe mai osato affrontare.
Resta da vedere se lo show verrà
rinnovato, ma sembra probabile che la storia diventerà ancora più
stravagante nella seconda stagione di Doctor Odyssey. Fino ad allora,
il finale della prima stagione di Doctor Odysseysi
conclude in modo abbastanza ottimistico da poter fungere da finale
di serie, se necessario. E sembra probabile che la serie
otterrà una seconda stagione, considerando che gli ascolti di
Doctor Odyssey hanno superato persino quelli della serie di
successo della ABC Grey’s Anatomy. Se lo show avrà un’altra
stagione, sarà divertente vedere come manterranno lo slancio dopo
alcuni importanti colpi di scena nel finale.
La decisione rivoluzionaria di
Avery spiegata
Alla fine ha dovuto scegliere
tra la scuola e Max
Sin dal triangolo amoroso tra Max,
Avery e Tristan nell’episodio 6, il triangolo amoroso di Doctor
Odyssey è stato uno degli elementi centrali della serie. Ma Max
ha gettato tutto alle ortiche quando ha confessato di essere
innamorato di Avery. Nonostante abbia avuto modo di affrontare
nuove sfide entusiasmanti, come gestire un reparto di emergenza
improvvisato e assistere a un intervento chirurgico eseguito con un
trapano elettrico, Avery ha trascorso entrambe le parti del finale
cercando di decidere se ricambiava segretamente i sentimenti di
Max. Alla fine della stagione, arriva a una risposta. Il problema
principale di Avery nell’intraprendere una relazione seria con Max
è che non crede di poter gestire una relazione a distanza mentre
cerca di superare gli esami di medicina.
Ma dopo aver inizialmente deciso di
dare la priorità alla carriera, Avery conclude nei momenti finali
che ama Max abbastanza da riuscire a conciliare carriera e amore
allo stesso tempo. È un finale di stagione fantastico, ma solleva
la questione di come riportare Avery in una seconda stagione.
Speriamo che il possibile rinnovo della serie non significhi che
Avery debba fallire gli studi per giustificare il suo ritorno.
La prima stagione di Doctor
Odyssey si conclude con Max e Massey che restano
Entrambi avevano pensato di
lasciare l’Odyssey
Il dottor Max Bankman e il capitano
Robert Massey non interagiscono molto nel finale della prima
stagione di Doctor Odyssey, ma entrambi prendono parte a una
scena particolarmente toccante verso la fine. Una delle principali
domande senza risposta dopo il finale della prima stagione di
Doctor Odyssey è se lo show tornerà, ma c’è stato un
periodo in cui sembrava che il finale avrebbe eliminato Max o
Massey. Probabilmente si sarebbe trattato di un’uscita
temporanea, pensata per aiutare il finale della prima stagione a
fungere anche da chiusura della serie nel caso in cui questa non
fosse stata rinnovata.
Ma sia che la loro uscita fosse
stata annullata nella seconda stagione di Doctor Odyssey o
fosse diventata definitiva, entrambe le ipotesi sono state evitate.
Sebbene non riuscisse a immaginare la vita sulla nave senza Avery
dopo la sua partenza per l’università, Max accetta l’Odyssey come
un’affascinante avventura a metà strada tra il paradiso e
l’inferno. E mentre Massey è stato quasi licenziato per
aver disobbedito agli ordini di aiutare i sopravvissuti allo
tsunami, l’equipaggio fa cambiare idea alla compagnia minacciando
di dimettersi in blocco se Massey non mantiene il suo posto di
lavoro. La nave non sarebbe più la stessa senza Robert o Max,
quindi tenerli entrambi è un argomento forte a favore del
rinnovo.
Tristan dimostra di essere un
medico capace
La sua dedizione al lavoro è
stata quasi messa in discussione
Sebbene sia più che qualificato
secondo la maggior parte degli standard del mondo reale, Tristan
non ha avuto la possibilità di dimostrare il suo valore come medico
allo stesso livello di Max e Avery. Ha avuto i suoi momenti di
gloria, ma Avery tende ad avere ragione quando lei e Tristan non
sono d’accordo su come procedere con un paziente. Inoltre,
Avery deve allontanare Tristan da un intervento nel finale della
prima stagione di Doctor Odyssey perché è troppo ubriaco
dalla notte precedente per essere affidabile.
Questo ovviamente solleva la
questione se la ricaduta apparente di Tristan continuerà o
addirittura peggiorerà nella seconda stagione di Doctor
Odyssey, dato che era ancora agli inizi del suo percorso di
recupero. Tuttavia, Tristan sfrutta al massimo il tempo in cui è
solo, facendo nascere un bambino senza l’aiuto di Avery o Max,
avvalendosi solo dell’assistenza di un’ostetrica di lingua spagnola
a bordo della nave. Anche se la sua assistente temporanea fa gran
parte del lavoro pesante, si spera che questo permetta a Tristan di
perseguire altri grandi traguardi come medico professionista, se la
serie continuerà.
Come il finale della prima
stagione di Doctor Odyssey prepara la seconda
La relazione a tre della serie è
finita per sempre?
Prima che l’equipaggio riaffermasse
la fiducia in lui come capitano, Massey aveva attraversato una
crisi esistenziale in seguito alla perdita del figlio avuto da
Shania Twain, che lo aveva portato a pensare di abbandonare la
nave. Ora che sembra felice del suo posto, avrà bisogno di una
nuova trama nella seconda stagione di Doctor Odyssey. Anche
il primo ufficiale Monroe è destinato a svolgere un ruolo ancora
più importante nella prossima stagione, soprattutto dopo il suo
breve periodo come capitano facente funzione nel finale.
Supponendo che non torni dalla
facoltà di medicina in cattivi rapporti, The Odyssey potrebbe
inoltre richiedere almeno un sostituto temporaneo per Avery
all’inizio della prossima stagione. Nel frattempo, il gruppo degli
Alcolisti Anonimi di Tristan potrebbe richiedere un ruolo più
sostanziale se vuole continuare a sviluppare le sue capacità di
infermiere senza ulteriori complicazioni. Ma se c’è una cosa che
Avery e Tristan hanno in comune, è che entrambi dovranno iniziare a
esplorare la loro vita sentimentale da una nuova prospettiva, ora
che il loro rapporto a tre sembra essersi dissolto in qualcosa di
più platonico sulla scia della relazione tra Avery e Max.
Cosa aspettarsi dalla seconda
stagione di Doctor Odyssey
La teoria del coma di Max
probabilmente non avrà molto seguito
Dato il finale piuttosto realistico
della prima stagione di Doctor Odyssey, sembra improbabile
aspettarsi molto dalla teoria del coma di Doctor Odyssey,
anche se alcune battute del finale continueranno inevitabilmente
a convincere alcuni fan che The Odyssey è un sogno che Max sta
vivendo in Purgatorio. Se la serie continuerà, probabilmente
risolveranno quella teoria o aggiungeranno qualche elemento
divertente per tenere i sostenitori della teoria con il fiato
sospeso. Ma la cosa principale da aspettarsi dalla seconda stagione
di Doctor Odyssey è un approfondimento delle relazioni
sviluppatesi durante la prima stagione.
Max e Avery non hanno trascorso un
solo giorno intero su The Odyssey come una coppia tradizionale,
quindi la loro relazione potrebbe incontrare qualche ostacolo
mentre cercano di navigare. Probabilmente anche Tristan troverà un
nuovo amore, avendo apparentemente dimenticato Vivian in tutti gli
episodi della seconda metà della prima stagione di Doctor
Odyssey, tranne uno. E mentre l’equipaggio affronta nuove
relazioni e obiettivi professionali, le stravaganti settimane a
tema dovrebbero diventare più folli che mai, mentre i futuri
episodi in due parti aumenteranno la posta in gioco abbastanza da
rivaleggiare con tsunami e attacchi di orche, il che equivale a una
stagione incredibilmente divertente se la serie tornerà.
La serie medica non convenzionale
della ABC Doctor Odysseyha dato una
nuova svolta al genere popolare, ma verrà rinnovata per una seconda
stagione? Creata da Ryan
Murphy (insieme a Jon Robin Baitz e Joe Baken), la serie
racconta le vicende del dottor Max Bankman (Joshua
Jackson), che guida il team medico a bordo della
lussuosa nave da crociera Odyssey. Mentre affrontano le
innumerevoli emergenze mediche che si verificano su una nave da
crociera, il dottor Bankman e il suo team stringono anche legami
intimi tra loro. Realizzato con il tipico occhio di Murphy per i
drammi sexy, Doctor Odyssey si distingue facilmente dagli
altri medical drama.
Doctor Odyssey è una delle
tante nuove serie mediche che hanno debuttato durante la stagione
autunnale 2024, ma la sua ambientazione e il suo concept lo rendono
unico. Il cast di Doctor Odyssey prevede ogni settimana
ospiti che aggiungono pepe al dramma interpersonale dei
protagonisti, ma sono in definitiva i casi medici esagerati che
rendono la serie interessante. Ryan Murphy non è nuovo ai successi
e sono poche le sue creazioni che non hanno ottenuto stagioni
aggiuntive. Detto questo, è possibile che Doctor Odyssey
torni in onda in futuro, ma la ABC non ha ancora rinnovato la
serie.
Ultime notizie su Doctor Odyssey
Stagione 2
Il medical drama potrebbe essere
cancellato
Nonostante l’ottimo inizio, le
ultime notizie confermano che Doctor Odyssey potrebbe essere
cancellato dopo la prima stagione. Anche se non c’è ancora nulla di
ufficiale, è stato riferito che la ABC starebbe valutando la
possibilità di cancellare la nuova serie dopo una sola stagione a
causa dei costi elevati e del calo degli ascolti.
È emerso tuttavia che il destino di
Doctor Odyssey non dipende interamente dalla ABC. Il
presidente della Disney Television Studios Eric Schrier ha rivelato
che la decisione di rinnovare o meno la serie è stata lasciata a
Ryan Murphy. È raro che gli studi e le reti concedano tanta libertà
a un singolo produttore esecutivo, ma Schrier ha dichiarato:
Adoro Doctor Odyssey, penso che
sia uno show estremamente creativo e stiamo facendo tutto il
possibile per sostenerlo. La decisione finale spetta a Ryan Murphy,
se vuole continuare a farlo e se ritiene che ci siano storie da
raccontare in cui crede.
Sebbene la prima stagione della
serie potrebbe facilmente rimanere una miniserie unica, c’è ancora
spazio per riportare il cast e raccontare altre storie in un
seguito.
La seconda stagione di Doctor
Odyssey non è stata confermata
Doctor Odyssey non è stato
ancora rinnovato
Nonostante il debutto
impressionante e il raggiungimento delprimo posto su Hulu
nella sua prima settimana,il destino della
seconda stagione di Doctor Odyssey non è stato ancora
deciso. La ABC ha un solido rapporto di collaborazione
con il creatore Ryan Murphy, e la serie 9-1-1
di Murphy ha ottenuto buoni risultati per il network. 9-1-1,
tuttavia, avrà uno spin-off che andrà in onda sulla ABC nell’ambito
del palinsesto autunnale del 2025, mentre il destino di Doctor
Odyssey è ancora incerto.
Doctor Odyssey ha mandato in onda
il finale della sua prima stagione il 15 maggio 2025.
La prima stagione diDoctor Odyssey è andata in pausaa metà stagione nel
novembre 2024 ed è rimasta fuori onda fino a marzo 2025.Questa lunga pausa ha aiutato la serie esordiente,
consentendo ai nuovi fan di recuperare il ritardo.Il
finale di stagione ha anche concluso la maggior parte delle trame
principali dello show, quindi sarebbe comprensibile se Murphy e la
ABC decidessero di concludere la serie.
Dettagli sul cast della seconda
stagione di Doctor Odyssey
Chi salperà nella seconda
stagione di Doctor Odyssey?
Si prevede che il cast principale di
Doctor Odyssey tornerà per la seconda stagione. Le serie
procedurali sono note per mantenere insieme il cast di stagione in
stagione, e il medical drama della ABC ha puntato molto sulle
relazioni interpersonali tra i personaggi. Tenendo conto di tutto
ciò, è quasi certo che Joshua Jackson riprenderà il ruolo del
dottor Max Bankman.
Ad affiancarlo ci sarà sicuramente
Tristan Silva, interpretato da Sean Teale, l’infermiere che fa
parte del trio protagonista della serie. Avery Morgan, interpretata
da Phillipa Soo, potrebbe invece non far parte del cast principale
se la serie dovesse tornare. L’infermiera, infatti, dopo gli eventi
della prima stagione, sta per iscriversi alla facoltà di medicina,
quindi la serie dovrebbe trovare un modo convincente per riportarla
in scena.
L’icona televisiva Don Johnson
interpreta il capitano Robert Massey, leader dell’Odyssey, e non
c’è motivo di pensare che non tornerà anche nella seconda stagione.
Anche i membri del cast ricorrente Marcus Emanuel Mitchell (nel
ruolo di Spencer Monroe) e Jacqueline Toboni (nel ruolo di Rosie)
hanno visto ampliarsi i loro ruoli nella seconda serie di episodi e
probabilmente torneranno per una seconda stagione.
Forse la prospettiva più
interessante per il cast della seconda stagione di Doctor
Odyssey è quella delle guest star, ma resta da vedere chi
apparirà nel cast stellare della serie. La prima stagione ha visto
la partecipazione di Shania Twain e John Stamos, oltre che di
Angela Bassett in un crossover con
9-1-1.
Un membro del cast che sembra
improbabile che torni è Laura Harrier nel ruolo di Vivian
Montgomery. È apparsa in quattro episodi della prima stagione e
all’inizio sembrava destinata a diventare un membro del cast
principale, ma poi è quasi scomparsa dalla trama. Se la serie
dovesse riportarla nel ruolo di chef della nave, gli sceneggiatori
dovrebbero trovare un modo per utilizzare meglio il suo personaggio
invece di farlo scomparire per sette episodi alla volta.
Mission:
Impossible – The Final Reckoning offre a Ethan Hunt una
missione finale perfetta, anche se deve risolvere il pericolo
immediato rappresentato dall’Entità. Sulla scia degli eventi di
Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One del 2023,
Ethan, interpretato da
Tom Cruise, si trova ad affrontare varie forze
malvagie in tutto il pianeta. Si va dalle macchinazioni
dell’imprevedibile Gabriel e dalle intenzioni dell’Entità digitale
ai governi mondiali disperati che sperano di sfruttare il caos a
proprio vantaggio.
Alla fine, i personaggi di
Mission: Impossible – The Final Reckoning risolvono i
pericoli dell’Entità e danno persino a Ethan Hunt un addio
tranquillo e appropriato che permetterà al personaggio di andare in
pensione. Lungo il percorso, la serie getta anche le basi affinché
l’attuale roster dell’IMF possa portare avanti le proprie
avventure, anche senza alcuni dei membri veterani della squadra.
Ecco come l’acclamato Mission: Impossible – The Final
Reckoning offre a Ethan Hunt una potenziale via d’uscita.
Dove va Ethan Hunt dopo la fine
di The Final Reckoning?
Ethan entra ufficialmente in
clandestinità dopo aver sconfitto l’Entità
Ethan Hunt entra effettivamente
in clandestinità alla fine di Mission: Impossible – The Final
Reckoning, affidandosi a un’ultima missione fondamentale
che ha anche permesso al personaggio di essere facilmente eliminato
dalla serie. Ethan è ancora preso di mira dal suo stesso governo in
The Final Reckoning, riuscendo a malapena a convincere il
presidente degli Stati Uniti a lasciargli contenere l’Entità.
Piuttosto che consegnare la tecnologia a Kitridge, Ethan raddoppia
la sua convinzione che nessuno possa essere considerato affidabile
con l’Entità e la nasconde con sé.
Questo potrebbe essere visto come
un finale appropriato per Ethan Hunt, che riesce a
intraprendere un’ultima missione diventando il guardiano
dell’Entità. Il finale del film implica che Ethan ha accettato
questa missione con una certa consapevolezza di ciò che essa
comporta. Dato che molti governi mondiali probabilmente
continueranno a volere l’Entità, Ethan potrebbe dover fuggire per
il resto della sua vita. Questo potrebbe essere il modo perfetto
per far uscire Ethan dalla serie, permettendogli di sopravvivere
nell’ombra ma rimanendo fondamentale per la sopravvivenza della
società.
Cosa succede all’Entità e a
Gabriel dopo il climax di The Final Reckoning?
Il destino di Gabriel è
inaspettatamente brutale
Le due minacce principali di
The Final Reckoning sono l’Entità e Gabriel, che nel
film precedente lavoravano di concerto. Tuttavia, dopo i fallimenti
in quella trama, Gabriel si è separato dall’Entità e ora cerca di
controllarla. La loro speranza è che Ethan aderisca ai piani
dell’Entità (che porterebbero a una guerra nucleare su tutta la
Terra) o che consegni il controllo della macchina a Gabriel (che
manterrebbe l’attuale società ma avrebbe il controllo su tutti i
principali governi).
Alla fine del film, l’IMF ha trovato
il modo di contrastare l’Entità, riuscendo a catturare
l’intelligenza artificiale all’interno di una chiavetta USB 5D.
Questa è la chiavetta che Ethan riceve alla fine del film, il che
suggerisce che l’Entità è ancora tecnicamente “viva”, ma contenuta.
Anche se potrebbe facilmente tornare nei futuri capitoli della
serie, questa potrebbe anche essere una soluzione pratica per
quella trama. Al contrario, Gabriel viene eliminato in modo
piuttosto brusco mentre cerca di saltare da un aereo durante il
climax del film, rendendo il suo ritorno molto più
improbabile.
Quali membri dell’IMF
sopravvivono agli eventi di Final Reckoning?
I nuovi membri dell’IMF
potrebbero portare avanti la serie
Per la maggior parte, l’IMF esce
indenne dagli eventi di Final Reckoning. Il team si espande
anche in modi sorprendenti, come l’ingresso di ex nemici come
l’assassina francese Paris e l’agente dei servizi segreti
statunitensi Theo Degas. La vittima più importante del film è
Luther, che è stato una presenza costante nella serie per
decenni. La salute di Luther è già precaria nelle sequenze iniziali
del film, con il camice ospedaliero e le apparecchiature mediche
che suggeriscono che sta lottando contro una grave malattia.
Nel tentativo di piegare Ethan,
Gabriel fa piazzare una bomba in una stanza con Luther rinchiuso in
una gabbia. Luther riesce a disinnescare la bomba megaton per
salvare Londra, ma è costretto ad attivare una quantità sufficiente
di esplosivo da provocare un crollo che lo uccide. Il ricordo di
Luther rimane con Ethan per il resto del film, con un messaggio
finale del suo alleato di lunga data che accompagna il successo
nell’aver fermato l’Entità. Questo sottolinea la triste realtà che
Ethan e Benji hanno perso molti dei loro alleati per la loro
causa.
Qual è lo stato del mondo di M:I
dopo The Final Reckoning?
Una Terra tesa potrebbe
facilmente ricadere in un conflitto armato
Il mondo è in uno stato fragile ma
duraturo alla fine di Mission: Impossible – The Final
Reckoning, suggerendo quanto facilmente le cose potrebbero
degenerare nuovamente nel caos. Nonostante gli sforzi delle forze
statunitensi e russe, l’Entità rimane fuori dalla loro portata.
Anche se questo sembra aver stabilito una pace tesa tra i governi
mondiali, le tensioni messe in moto dalla guerra nucleare quasi
riuscita dell’Entità potrebbero lasciare i governi mondiali
sull’orlo di un conflitto aperto.
L’IMF potrebbe non essere più
un’organizzazione formale, ma la sua missione potrebbe essere
facilmente riattivata con una nuova generazione di agenti che
sostituiscono Hunt sulla scena mondiale.
A contribuire a risolvere tutto ciò
potrebbe essere proprio l’IMF, che alla fine del film è stato
effettivamente ricostituito. Mentre Ethan sembra destinato a
nascondersi per proteggere l’Entità, Benji è sopravvissuto alle
ferite e ha accettato il ruolo di capo squadra affidatogli da
Ethan. Nel frattempo, nuove reclute come Grace, Paris e Theo
garantiscono alla squadra il talento e i mezzi necessari per
proteggere il mondo in caso di emergenza. L’IMF potrebbe non
essere più un’organizzazione formale, ma la sua missione potrebbe
essere riattivata con una nuova generazione di agenti che
sostituiscono Hunt sulla scena mondiale.
Il vero significato di Mission:
Impossible – Il destino
Ethan Hunt batte l’intelligenza
artificiale in più di un modo
Mission: Impossible – Il
destino è il finale più felice che Ethan Huntpotesse
desiderare. Ethan non muore in un ultimo momento di gloria né
se ne va al tramonto. Invece, come gli dice Luther nel suo
messaggio d’addio, era suo destino trovarsi in una situazione in
cui le sue scelte potevano avere un impatto sul mondo. Ethan che
prende l’Entità e sembra nascondersi con essa gli dà un modo per
lasciare con grazia la serie con l’idea che la missione non finisce
mai, anche se rimane invisibile e sconosciuta al grande
pubblico.
Il finale del film potrebbe anche
essere interpretato come una celebrazione della visione di Cruise
sul cinema. Campione delle acrobazie e critico aperto
dell’eccessivo ricorso all’intelligenza artificiale nell’industria
cinematografica, non è un caso che Cruise sia determinato a
sconfiggere un’intelligenza artificiale che usa algoritmi per
dettare il futuro del mondo. La vittoria di Hunt è una celebrazione
degli eroi umanisti (anche se caotici) che rischiano la vita per il
mondo. È un interessante significato secondario del finale di
Mission: Impossible – The Final Reckoning e un chiaro
riferimento alle opinioni di Cruise sull’industria
cinematografica.
La Marvel Studios ha rinviato l’uscita
di Avengers:
DoomsdayeAvengers:
Secret Wars. La Marvel Cinematic Universe‘s
Multiverse Saga non ha ancora visto l’uscita di un film degli
Avengers, anche se Thunderbolts* tecnicamente era uno sotto mentite
spoglie. I prossimi film degli Avengers della MCU porteranno nella
serie gli
X-Men originali della Fox, vedranno i Fantastici Quattro
allearsi con gli Avengers e introdurranno il Dottor Destino
interpretato da
Robert Downey Jr. Tuttavia, i fan dovranno aspettare
più a lungo per vedere quelli che dovrebbero essere due dei
migliori film della MCU, poiché entrambi i progetti hanno
subito dei ritardi.
La Marvel ha rinviato Avengers: Doomsday dal 1° maggio 2026
al 18 dicembre 2026 e Avengers: Secret Wars dal 7 maggio
2027 al 17 dicembre 2027. I ritardi arrivano proprio mentre il
primo dei due film è entrato in produzione. La Marvel ha
organizzato un grande evento per annunciare online il cast di
Avengers: Doomsday, le cui riprese sono già
iniziate, e Avengers: Doomsday ha pubblicato alcune foto dal
set che mostrano le conseguenze di uno scontro tra gli
X-Men e i Sentinels.
La Marvel Studios ha ancora
tre date per film senza titolo nel 2028: 18 febbraio, 5 maggio e 10
novembre.
I ritardi dei film degli Avengers
non sono stati gli unici cambiamenti al programma della MCU. La
Disney ha rimosso la data di febbraio 2026 per un film “Untitled
Marvel”. Lo studio ha anche apportato modifiche alle date del 6
novembre 2026 e del 5 novembre 2027, che un tempo appartenevano ai
film Marvel ma ora sono state assegnate a film “Untitled Disney”.
La Marvel Studios ha ancora tre date per film senza titolo nel
2028: 18 febbraio, 5 maggio e 10 novembre.
Cosa significano i ritardi di
Avengers: Doomsday & Secret Wars
La saga del Multiverso è stata piuttosto
travagliata per l’MCU. Con la creazione di Disney+, la Marvel Studios ha
rapidamente iniziato a rilasciare un numero elevato di progetti in
un breve lasso di tempo, aggiungendo film, serie TV, presentazioni
speciali e altro ancora al MCU. Ciò ha portato diversi progetti a
ottenere risultati deludenti al botteghino o a non essere accolti
bene dalla critica e/o dai fan. Da allora, la Marvel ha preso
provvedimenti per risolvere questi problemi, riducendo il numero di
film e serie che saranno rilasciati ogni anno e concedendo ai
progetti tempi di sviluppo più lunghi.
Le riprese di Avengers:
Doomsday sono iniziate nell’aprile 2025. La produzione dovrebbe
durare sei mesi, il che avrebbe lasciato poco tempo agli artisti
degli effetti speciali se il film avesse dovuto rispettare la data
di uscita originariamente prevista per maggio 2026. Con il rinvio
di Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars, la
Marvel Studios concede più tempo per portare i film ricchi di
effetti speciali al livello elevato che devono raggiungere. Questo
dà anche alla Marvel il tempo di chiudere i contratti con gli
attori ancora da annunciare per Avengers: Doomsday, come
Tom
Holland, protagonista di Spider-Man: Brand New Day, e
Hugh Jackman, protagonista di
Wolverine.
Resurrection di Bi Gan è un viaggio
allucinato e poetico nella memoria del cinema e nella struttura del
tempo, una riflessione meta-narrativa divisa in sei capitoli che
attraversano decenni di storia, generi, sogni e disillusioni. In
concorso a Cannes 2025, il film rappresenta una delle proposte più
radicali e visivamente audaci del festival, confermando il talento
visionario del regista cinese, già autore di Long Day’s Journey
Into Night.
Il sogno che viene dall’origine
del tempo
Il film si apre con un cartello
enigmatico che annuncia una dicotomia tra due umanità: da una parte
chi vive per sempre ma non può più sognare, dall’altra chi sogna ma
è destinato a morire. In questo futuro immaginario — o forse già
presente — una voce narrante si presenta come “resuscitatrice”,
incaricata di restituire vita e corpo a questi ultimi, cancellando
ogni traccia del loro passato. A incarnare questa funzione
salvifica è proprio questa figura femminile che torna di episodio
in episodio, come un’ombra onnipresente. Ma è soprattutto il
personaggio del Fantasmer, interpretato in molteplici versioni da
Jackson Yee, a dare coerenza a una narrazione frammentata e
pulsante.
Ogni episodio adotta uno stile
visivo e narrativo diverso, omaggiando tappe fondamentali della
storia del cinema. Dal muto e i codici dell’espressionismo tedesco
— con chiari riferimenti a Nosferatu e Frankenstein — ai chiaroscuri del noir
anni ’40, dai melodrammi provinciali alla nouvelle vague asiatica,
fino a un lungo piano sequenza ambientato nella notte del 31
dicembre 1999, Resurrection è un atlante cinefilo in forma
di racconto speculare. I riferimenti si stratificano: Orson
Welles, Wong Kar-wai, Hou
Hsiao-hsien, Tarkovskij. Ma l’ambizione
di Bi Gan non si esaurisce nella citazione: ogni stile diventa
pretesto per interrogarsi su cosa significhi guardare, sognare,
sopravvivere al tempo.
La proposta più audace e
visionaria di Cannes 78
La struttura a episodi, più che
unitaria, risulta modulare. Alcuni segmenti sembrano cortometraggi
autonomi, legati tra loro da un filo emotivo e concettuale più che
narrativo. È possibile che il film sia nato proprio come raccolta
di esperimenti, tenuti insieme successivamente da un’idea guida più
ampia. Ma nonostante questo, Resurrection non perde mai potenza:
ogni sequenza è concepita come un esercizio sensoriale estremo,
dove il suono, la luce e il corpo diventano materia viva.
I riferimenti a sogni, visioni,
illusioni e reincarnazioni sono costanti, in un gioco filosofico
che evoca più volte la natura illusoria del cinema stesso. Il
tempo, a sua volta, viene trattato come un’entità instabile: può
scorrere, arrestarsi, riavvolgersi. E proprio quando il Fantasmer
chiude le orecchie, il mondo sembra riprendere a girare.
Il segmento ambientato nel 1999
rappresenta il culmine emotivo e tecnico del film. Girato in un
unico, lunghissimo piano sequenza, segue un ragazzo in fuga e la
donna che ama attraverso una notte densa di desiderio, angoscia e
promesse mai mantenute. Le luci al neon, la musica pop, i karaoke e
le feste clandestine ricreano una dimensione sospesa tra la fine
del secolo e la fine del mondo. In questo spazio-tempo liquido, Bi
Gan riflette sul potere delle immagini di fermare ciò che è
destinato a dissolversi.
Bi Gan firma un’opera sul cinema e
per il cinema
La parte conclusiva riporta lo
spettatore al punto di partenza. Lo fa con una malinconia
struggente, mostrando come il tempo, alla fine, divori ogni cosa,
compresi i sogni stessi. Ma è proprio nel sogno che Bi Gan trova
una possibilità di resistenza, di rinascita, di resurrezione.
Resurrection è un film impossibile da riassumere, da spiegare,
forse persino da comprendere fino in fondo. Ma come accade solo con
il grande cinema, rimane addosso, nel corpo e nella mente, molto
più di quanto lasci intendere la sua superficie rarefatta.
Con questa terza regia, Bi Gan
firma un’opera di rottura, che va oltre le logiche delle
piattaforme e dell’accessibilità immediata, abbracciando un cinema
che sfida e accoglie, che chiede partecipazione e offre, in cambio,
stupore.
Con Leila
e i suoi fratelli, Saeed Roustayi ci aveva
presentato la storia di una donna dalla schiena ricurva che porta
su di sé il peso di una famiglia di soli fratelli maschi. Leila si
scontrava a gran voce con questi, tentando di risvegliarli dal
torpore di una società patriarcale che li aveva privilegiati fin
dalla nascita. Ora, il regista iraniano porta sulla Croisette un
altro carattere femminile forte, ma ancora più controverso: si
chiama Mahnaz, ed è la protagonista di Woman and
Child, in concorso a Cannes 78.
Chi è la madre e chi il
figlio?
Mahnaz (in una straordinaria
interpretazione di Parinaz Izadyar) è la madre del
titolo, una donna che si prende cura dei suoi due figli dopo la
morte del marito. La sua routine quotidiana consiste
nell’alternarsi tra casa e lavoro come infermiera, incontrare un
potenziale nuovo compagno, Hamid (interpretato da Payman
Maadi), e tornare ad accudire la sua famiglia. A darle una
mano c’è sua madre, perennemente irritata per qualcosa, la sua
adorabile figlia più piccola e, naturalmente, il figlio citato nel
titolo. Aliyar (Sinan Mohebi) è un adolescente
ribelle che sembra attratto dai guai: come se cercasse attivamente
il caos per poi tuffarcisi dentro anima e corpo. I suoi insegnanti,
i dirigenti scolastici e molti compagni non lo sopportano – anche
se alcuni lo seguono, attratti dalla sua capacità di fomentare il
disordine e persino il bullismo. È facile intuire che il suo
comportamento sia, almeno in parte, una reazione alla perdita del
padre, ma ciò non lo rende meno ingestibile. La situazione degenera
al punto che un professore, Samkhanian (Maziar
Seyedi), decide di sospenderlo.
Quel che accade dopo è tragico,
violento e del tutto inaspettato, scatenando una catena di
conflitti, incomprensioni, litigi e accuse all’interno della
famiglia. Mahnaz cerca risposte dalla scuola, dagli avvocati, dalla
giustizia e dai suoi stessi parenti, ma riceve solo porte sbattute
in faccia e una vaga empatia che non si traduce mai in vero
sostegno. Le cose peggiorano quando, a causa di alcune decisioni
drastiche prese dalla sorella, Mahnaz comincia a essere vista come
una squilibrata, quasi una nemica. Sempre più sola, senza nessuno
che le dia ascolto o creda alla sua versione dei fatti, la donna
finisce per compiere azioni via via più assurde, tanto da incarnare
– paradossalmente – ciò che gli altri pensano di lei.
Una furia femminile rara nel
cinema iraniano
Aliyar sale e scende per le case,
gioca d’azzardo, salta ovunque, marina la scuola. È un ragazzo
spigliato, che porta il caos ovunque vada e sembra attratto dai
guai come da una calamita. In famiglia gli chiedono sempre di fare
i compiti altrui, ma nessuno sembra capace di arginare la sua
inquietudine. È facile pensare che il suo comportamento sia anche
una reazione alla perdita del padre, ma ciò non lo rende meno
problematico. Dopo un tragico evento che coinvolge proprio il
ragazzo, la donna si rivolge alla scuola, agli avvocati, alla
giustizia e alla propria famiglia per ricevere risposte. Quello che
ottiene, al contrario, sono solo porte sbattute in faccia, parole
vaghe e accuse. Le cose peggiorano quando, a causa di decisioni
drastiche prese dalla sorella, Mahnaz comincia a essere percepita
come squilibrata, quasi una minaccia. Nessuno le dà ascolto,
nessuno le crede davvero. Anche la madre la rimprovera: “se non
torni a lavorare, vedrai cosa farò” e la accusa di non
prendersi abbastanza cura della figlia: “l’hai fatta
invecchiare, ha i capelli grigi”.
Il rapporto con l’uomo che
frequenta è altrettanto carico di tensione: le ha chiesto di
nascondere la sua vita precedente, lei ha accettato, ma poi non si
assume le responsabilità. Il problema, come lei stessa ammette, è
che i suoi figli capiscono troppo. E quando in un ribaltamento
inaspettato delle dinamiche, Hamid, che ha voluto restare al di
fuori della loro esistenza, sarà costretto a diventare parte della
famiglia, la situazione peggiorerà rovinosamente.
Parinaz Izadyar, una performance
devastante
Roustayi ci regala un’opera di una
ferocia implacabile, che farà molto discutere e già lo ha fatto al
Festival, e che riflette sul vittimismo come piaga della società
moderna. Si muove costantemente sul filo del melodramma, ma riesce
a restituire una rabbia femminile raramente vista in un film
iraniano. È una storia di donne contro donne: contro la madre,
contro la sorella, contro sé stessa. Mahnaz è un personaggio
respingente, che cerca disperatamente di restare in piedi mentre
tutto attorno a lei crolla: la sua è una parabola di
disintegrazione, emotiva e sociale, che non cerca giustificazioni
né assoluzioni.
La performance di Parinaz
Izadyar è devastante: il film si apre con lei in un centro
estetico, intenta a prepararsi per un incontro con il suo uomo, ma
col passare del tempo la vediamo imbruttirsi, dentro e fuori, fino
a consumarsi. La sua Mahnaz è una donna che si è uccisa ma non è
morta. In un passaggio del film, accusa bruscamente Hamid: “Tu
non volevi una donna e un bambino, volevi una donna bambina“.
Forse, nella sua solitudine, Mahnaz si allontana dai figli per
diventare lei stessa figlia di sé stessa, nel disperato tentativo
di trovare un senso a quanto di tragico accaduto.
Il regista iraniano costruisce un
film furioso, che grida e urla, dove i personaggi si insultano
costantemente – come già accadeva in Leila e i suoi
fratelli, ma qui con un’intensità ancora maggiore. È un’opera
che divide e fa discutere, e che mostra senza filtri il peso
dell’incomprensione e dell’abbandono. In questo senso, la fragilità
di Mahnaz non è il punto di partenza, ma l’esito finale di una
società che non prevede spazio per donne così arrabbiate.
La regista spagnola Carla Simón
torna in concorso a un festival dopo aver vinto l’Orso d’oro a
Berlino con Alcarràs – L’ultimo raccolto nel 2022.
Sfortunatamente Romería, suo ultimo lungometraggio
presentato sulla Croisette, non è all’altezza di quella
interessante riflessione sulla strenua resistenza di una famiglia
di contadini di fronte alla minaccia dell’installazione di pannelli
solari sui loro terreni.
Cosa sarei oggi se mi avesse
cresciuta la famiglia di mio padre?
La storia si svolge nel 2004 e ha
per protagonista Marina (Llúcia Garcia), una
studentessa di cinema che vive a Barcellona e si reca a Vigo, in
Galizia, per conoscere la famiglia del padre biologico, con la
quale non ha mai avuto contatti da quando è stata data in adozione.
Il viaggio la porta a incontrare prima uno dei suoi zii, Lois
(Tristán Ulloa), la moglie di lui e una serie di
cugini, sia coetanei sia più piccoli, che non aveva mai conosciuto.
Con loro Marina riesce a stabilire un legame, condivide storie e
momenti, ma appare subito evidente che il vero ostacolo sarà
affrontare i nonni, i quali non hanno mai davvero accettato le
scelte di vita del figlio. Al punto che, nel certificato di morte,
non è nemmeno menzionata l’esistenza di una figlia, circostanza che
causa a Marina diverse complicazioni legali.
Il film – che presenta diversi
elementi autobiografici e potrebbe essere visto quasi come un
seguito di Verano 1983 – accompagna Marina in un percorso
di scoperta, che include anche una visita alle isole Cíes, dove i
suoi genitori trascorsero del tempo insieme. Mentre ricostruisce la
storia del padre, si trova di fronte a una famiglia complessa,
carica di tensioni e segreti che il film fatica a rendere
pienamente sullo schermo.
Nascondere le vite degli
altri
Romería si configura come
un racconto marittimo, una sorta di diario di bordo scritto negli
anni ’80 e letto nei primi anni 2000, tra barche e palazzoni grigi
in cui Marina immagina la vita dei genitori vissuta in libertà,
contrapposta a quella della famiglia d’origine, benestante e
repressiva, che ha cercato di nascondere la malattia e la
sofferenza del padre perché “ci sono cose di cui non si parla
in questa famiglia”. Nel corso della narrazione si
percepiscono pesanti non detti, una sorta di scetticismo nei
confronti di Marina, come se provenisse da una pagina della storia
familiare che tutti i parenti hanno cercato di rimuovere.
“Non eravamo morti, ci avevano
solo nascosti”, dirà, in una parentesi onirica, la proiezione
del padre di Marina alla figlia. Proprio da questo sogno a occhi
aperti, in cui la ragazza incontra i genitori, prende forma una
parte più interessante del film, incentrata sull’immaginazione e
sull’interpretazione del diario della madre. Non viene raccontato
nulla della vita attuale di Marina né della sua famiglia adottiva:
si sentono solo alcune telefonate, che non lasciano intuire
insoddisfazione, quanto piuttosto il senso che questo sia davvero
un viaggio – un pellegrinaggio, come suggerisce il titolo
Romería – alla ricerca delle proprie origini.
Carla Simòn al varco:
Romería non regge il confronto con Alcarràs
Purtroppo, Romería rimane
un film piuttosto superficiale, un coming-of-age di
scoperta che non riesce a farci entrare davvero in empatia con la
protagonista e con la sua ricerca, soprattutto perché non
comprendiamo mai appieno come lei stia reagendo di fronte alle
nuove consapevolezze. La narrazione imbastita da Simòn risulta
molto manichea, forse perché vuole adottare il punto di vista della
ragazza che, nel raccogliere informazioni contraddittorie sulla
propria famiglia, cerca di costruirsi una propria idea della
gioventù dei genitori, da custodire come appiglio. Tutto rimane
sussurrato, e nel contesto di un festival ricco di grandi immagini
e storie tra loro simili, Romería finisce per passare
nettamente in secondo piano. Un vero peccato, perché Simón è una
regista interessante e, confezionando qualcosa di analogo ad
Alcarràs, avrebbe potuto davvero ambire al Palmarés.
Nello spiegare a due bambini
incontrati nel loro peregrinare tra i boschi cosa sia
effettivamente il suono, Lionel, protagonista del film di Oliver Hermanus, lo
descrive come qualcosa di invisibile ma che può avere una presenza
fisica: purtroppo The History of Sound, l’ultima
pellicola del regista di Living,
presentata in Concorso a Cannes 78, non riesce però a vivere di
questa sensuale sinestesia di una fisicità emotiva, che dovrebbe
attraversare una storia d’amore, quindi di corpi, con la voce e la
musica, qualcosa di impalpabile e che parla alle sfere più profonde
della nostra psiche.
La storia del suono negli Stati
Uniti di inizio Novecento
Tratto da un racconto breve di Ben
Shattuck (anche autore della sceneggiatura), il film intreccia il
racconto della relazione tra due giovani uomini al grande viaggio
della musica folk americana. Lionel, un ragazzo del Kentucky
cresciuto tra le canzoni popolari che suo padre cantava sul portico
di casa, nel 1917 lascia la fattoria per iscriversi al
Conservatorio di Boston. Qui conosce David, brillante studente di
composizione. Ma la guerra incombe, e David parte per il fronte. I
due si ritrovano qualche anno più tardi, nel 1920, per
intraprendere insieme un viaggio attraverso i boschi e le isole del
Maine, con l’intento di registrare e preservare le canzoni
tradizionali tramandate oralmente, destinate altrimenti a
scomparire.
La narrazione si estende su un arco
temporale che va dal 1917 agli anni ’80, attraversando non solo gli
Stati Uniti – dal New England all’America rurale – ma anche
l’Europa: Oxford, l’Italia, il Lake District inglese. Un itinerario
vasto e ambizioso, quasi da road movie storico, che
tuttavia si rivela privo di vera densità narrativa. Il film si
segue senza difficoltà, anzi con una certa scorrevolezza pensata
per un pubblico ampio. Ma proprio questa facilità è parte del
problema: la leggerezza non diventa mai profondità, il
coinvolgimento emotivo è costantemente tenuto a distanza.
Una love story che non vibra
mai
The History of Sound
poggia su un vagabondaggio tra spazi e periodi temporali diversi
sostenuti da un fastidioso voice-over che deve spiegare tutto
quello che (non) accade in scena. Un meccanismo che cozza con la
base formale del film: la narrazione e la direzione sono piuttosto
chiari – è un film che si segue senza grossi intoppi e
particolarmente adatto al grande pubblico – e che finisce per
creare esattamente quello che vorrebbe scongiurare: distacco nello
spettatore.
Così, una storia che dovrebbe fare
dell’emotività la sua forza trainante si stanzia su binari austeri
e fin troppo altisonanti: sembra paradossale da ammettere, ma non
c’è romanticismo né attrazione tra due attori che altrove,
probabilmente, l’avrebbero sprigionata molto meglio (le prove di
Paul Mescal in Estranei e
di Josh O’Connor in La terra di dio e
Challengers parlano da sole).
Due grandi interpreti sprecati per
una narrazione faticosa
“Mi sento sempre come se fossi
alla fine di qualcosa”: Lionel è un personaggio irrisolto e
inquieto, biglietto da visita perfettamente coerente con la
tipologia di personaggi che Mescal è solito interpretare. Il
problema è che manca l’espressione di questo scontro interno che
lui sente, non c’è mai un momento di rilascio e, soprattutto,
l’esplorazione di questo sentimento tramite la musica, come si
potrebbe pensare all’inizio.
Il tutto esplode in un finale
estremamente didascalico e verboso, che priva ulteriormente la
storia del suo potenziale evocativo. Qualcosa di sinceramente
inaspettato, dato che Hermanus sceglie come protagonisti due attori
che avrebbero potuto far capire tutto senza dire niente.
History of Sound rimane, purtroppo, una love story in cui
manca totalmente il linguaggio dei corpi, in cui la ricerca del
suono dovrebbe essere centrale ma non è mai affrontata in relazione
al rapporto tra i personaggi.