Presentato alla 32esima edizione del Torino Film Festival Chi è senza colpa (titolo originale The Drop) è un noir-crime diretto da Michael R. Roskam con protagonisti Tom Hardy e il compianto James Gandolfini, qui alla sua ultima apparizione cinematografica, che offre un’efficace riflessione sull’innocenza, la redenzione e ancora una volta sulla natura umana.

Chi è senza colpa è tratto da Animal Rescue, racconto di Dennis Lehane, che qui fa il suo debutto come sceneggiatore dopo che i suoi romanzi sono stati trasposti in film eccellenti prima da Clint Eastwood con Mystic River, poi da Ben Affleck con C e da Martin Scorsese con Shutter Island.

Il film narra di due cugini, Bob Saginowski (Tom Hardy) e Marv (James Gandolfini), che gestiscono un bar utilizzato dalla mafia cecena come copertura e deposito di denaro sporco. Un giorno Bob trova un cucciolo di pitbull abbandonato in un cassonetto vicino alla casa di Nadia (Noomi Rapace) con la quale, grazie alla complicità del tenero animale, inizia un rapporto d’amicizia.

Nessuno in Chi è senza colpa è veramente innocente. E nessuno è quello che appare. Marv, che è un uomo massiccio che non possiede il bar che pure porta il suo nome, avendolo ceduto ai gangster venuti dall’est, vuole riprendersi ciò che è suo di diritto anche se ciò vuole dire andare incontro a un possibile sanguinoso fallimento. Bob vorrebbe essere il classico barman amico dei clienti quando non ci è chiara fin da subito la sua natura. Ha commesso dei peccati, gravi, e il cucciolo di cane simboleggia la possibilità di una redenzione. Nella Brooklyn di Roskam si ha come l’impressione che possa accadere il peggio subito dopo aver girato l’angolo.

Chi è senza colpa ha una prima parte necessariamente lenta perché si ha bisogno di essere avvolti nella grigia atmosfera del film e di imparare a conoscere i lati del carattere dei protagonisti e di captarne le pulsioni sotterranee e una seconda parte dove la tensione raggiunge una vetta davvero ragguardevole. L’ultimo commosso sguardo di James Gandolfini in una notte drammatica è un congedo prematuro dal mondo del cinema, ma una lunga permanenza dentro al cuore degli spettatori.

 

Powered by

 

Vincitore del Cinematography Award al Sundance Festival, il documentario sarà al Festival di Roma il 10 novembre, nella sezione Alice nella città. Chi è Dayani Cristal è l’esordio alla regia di Marc Silver, già produttore e fotografo impegnato per i diritti umani, che lo ha ideato assieme a Gael García Bernal qui anche in veste di produttore.

In Chi è Dayani Cristal un corpo in decomposizione è rinvenuto dalla polizia di frontiera. Unico segno di riconoscimento: un tatuaggio con la scritta Dayani Cristal. Tre filoni narrativi ci aiutano a ricostruire la vicenda umana dello sconosciuto. Assistiamo al lavoro dell’equipe della morgue che alla frontiera cerca di dare un’identità all’uomo. Ascoltiamo testimonianze che parlano di lui. Vediamo l’attore Gael García Bernal che ripercorre il viaggio dell’uomo, fingendosi migrante e mescolandosi a chi è  diretto in Usa dall’Honduras su rotte clandestine.

Chi è Dayani Cristal, il film

Guardandolo si hanno conferme: la migrazione è dappertutto simile, simili storie e simili problemi. Alle porte degli Stati Uniti si verifica la stessa tragedia che lungo le coste siciliane e del sud Italia. La forza della narrazione documentaristica sta nel portare lo spettatore a guardare da vicino gli aspetti più aberranti del fenomeno, a vedere la crudezza di una realtà che supera ogni più terribile immaginazione.

Il regista è preciso nello scovare particolari. Su tutti, la miriade di resti umani tra cui quotidianamente lavorano gli esperti della morgue: immagini degne di uno scavo archeologico, che invece parlano di nostri contemporanei e di viaggi della speranza divenuti disperati. Pochi elementi per tentare di ricomporre puzzle, di risalire a identità che nella maggior parte dei casi restano sconosciute. La ricostruzione è condotta abilmente, svelando la verità pian piano, aggiungendo tassello a tassello, mantenendo viva l’attenzione. Mentre a Bernal e al suo viaggio – Honduras, Guatemala, attraverso il Messico sul tetto di un treno detto “la bestia”, fino al confine del deserto – è affidato il compito di emozionare. Siamo coinvolti dai racconti dei migranti – sogni, speranze, pericoli – e presi dalle immagini di paesaggi che sembrano sconfinati, mentre l’uomo si sforza di segnarne limiti e confini.

L’obiettivo del lavoro è restituire umanità e voce agli invisibili, rovesciare la prospettiva che li vede come criminali, illegali e pericolosi. Il loro calvario per raggiungere “la terra promessa”, ossia gli Usa, è paragonato alle sofferenze di Cristo, anch’egli “migrante dal cielo alla terra”.

D’indubbia forza anche la critica alle politiche Usa in materia d’immigrazione che viene in primo luogo dai funzionari statunitensi, dal personale di frontiera costretto a vivere ogni giorno questa tragedia come la propria “routine”. Sono loro a sottolineare l’insensatezza dell’operato del proprio governo, che con leggi e muri (gli Usa hanno speso molto nella costruzione di un muro alla frontiera col Messico) non ha fermato un fenomeno inarrestabile come la migrazione; denunciano il continuo aumento delle morti di migranti al confine con l’Arizona.

Chi è Dayani Cristal  è un documentario con una sua originalità e un’occasione di riflessione. Ci suggerisce un’idea efficace per portare sotto i riflettori mondiali la questione migratoria.

 

Powered by

 

Con Cherry, ultima sfida cinematografica dei fratelli Anthony e Joe Russo al di fuori del Marvel Cinematic Universe (The Winter Soldier, Civil War, Infinity War e Endgame) Tom Holland offre una sensazionale prestazione nei panni di un veterano di guerra, affetto dal Disturbo Post Traumatico e caduto in una spirale di criminalità e droghe sintetiche.

La trama di Cherry

Disponibile su Apple Tv dal 12 Marzo, Cherry, basato sull’omonimo romanzo semi-autobiografico del 2018 di Nico Walker, narra la storia di un ragazzo senza nome (Tom Holland) che, finito il college e a seguito di una delusione amorosa – la partner di Cherry, Emily, è interpretata da una straordinaria Ciara Bravo, vera e propria rivelazione – decide di arruolarsi come cadetto ai tempi della guerra in Iraq. Il film segue il percorso di vita di Cherry dal 2002 fino al 2021, dall’inizio di un amore che risveglia intense passioni, passando per gli anni della guerra, che lo segneranno a vita, e i traumi che ne conseguiranno.

L’appellativo Cherry – nomignolo designato a chi nell’esercito non ha ancora avuto esperienza in prima linea – contraddistingue il personaggio interpretato da Tom Holland, il cui percorso di crescita e formazione è un vortice di sfide, timori, riflessioni, disorientamento e tossicità. La fine del college, le speranze future condivise con la compagna, l’innocenza della prima maturità, tutto viene schiacciato dagli orrori della guerra e dal disturbo post traumatico che ne deriva, che per Cherry è possibile contrastare solo con l’ausilio di sostanze stupefacenti.

Viene inoltre sottolineato il disinteresse di istituzioni e società nei confronti di individui come Cherry, soprattutto tramite la messa in scena e la scenografia; negli ospedali, i cartellini dei dottori recano la dicitura “Dottore qualcuno”, ed è così anche per i sergenti degli eserciti, mentre le insegne delle banche che rapina Cherry recitano “Banca del cavolo” o “Banca che frega gli americani”.

Un film romanzo caratterizzato da un nuovo sguardo registico

L’impianto narrativo di Cherry consta di prologo, cinque capitoli ed epilogo: la struttura apparentemente lineare del film viene però soppiantata da un impianto registico piuttosto innovativo, in cui l’approccio estetico, il ritmo del racconto e il montaggio mutano continuamente, a seconda della situazione in cui si trovano i personaggi e della loro condizione psichica. La cinepresa apre e chiude parentesi a discrezione dell’occhio registico, si insinua in maniera distorta e allucinata nelle insidie dei personaggi, prende tutto lo spazio necessario per farci sondare la profondità psicologica di Cherry.

Infatti, sebbene la materia narrativa possa a tratti sembrare derivativa, già vista (Full Metal Jacket, Point Break, Trainspotting… numerosi sono i film che hanno affrontato queste tematiche) è la continua variazione, anche di genere, a rendere Cherry un prodotto vincente ed originale : si oscilla dal war movie al dramma, con qualche tocco di love story e perfino di heist movie, declinato anche in chiave comica; Cherry è un ibrido che riesce ad ergersi a nuova modalità di racconto di una vita intera, un film-romanzo che si innesta su diverse sfumature cromatiche e di vita, nonostante una scrittura che rivela, a tratti, qualche incertezza. “Ancora non capisco che cosa fanno le persone. È come se tutto questo fosse costruito sul nulla, e non ci sia niente a tenerlo insieme”: questa battuta pronunciata da Cherry ha una chiave di lettura personale, inerente la storia del protagonista, ma si pone anche come cifra stilistica del film. Cherry è, infatti, imprevedibile, un prodotto filmico non perfettamente incasellabile, tanto quanto il suo protagonista, che viene guidato dal momento.

I capitoli dell’esistenza di Cherry si colorano di tonalità più o meno vivide di rosso, il colore della ciliegia, e la tonalità si intensifica in base ai cambiamenti interiori e temporali. E lungo questo percorso di identificazione tra uomo e frutto si staglia il percorso di maturazione del nostro protagonista, da cadetto a soldato, da soldato a tossico, poi a ladro e criminale, infine a prigioniero e Uomo; nel mezzo, un vortice incessante di guerra, traumi, indecisioni, droghe, amore. Le peripezie vissute da Cherry plasmano la sua identità, non solo

tramite grandi eventi esterni ma anche, e soprattutto, attraverso momenti di intimità, parentesi su cui i fratelli Russo ci tengono a soffermarsi, che mettono al centro la sensibilità del protagonista, suo tratto distintivo: anche nei momenti più bui e apparentemente senza possibilità di redenzione, Cherry mantiene intatta la sensibilità e l’innocenza di cui subito veniamo a conoscenza, tratto caratteriale inizialmente causa di diversi problemi, ma che poi si dimostrerà risolutivo.

Cherry: nessuno si salva da solo

Unico punto fermo nell’esistenza di Cherry è Emily. Anche Emily si presenta come un personaggio innocente – il fiocchetto bianco che porta al collo nella prima parte del film ne è il correlativo oggettivo- tuttavia viene poi risucchiata dal malessere psicofisico del compagno; anche la loro storia è una lunga ed estenuante guerra, in cui, però, la presenza dell’altro è necessaria e, sembra suggerirci il finale, potenzialmente risolutiva. Nessuno si salva da solo, e questo film ne è la conferma, fin dalla scintilla che scatta subito con Emily. I due si completano, cambiano e si smarriscono, e l’incedere della loro relazione, tanto passionale quanto disfattista, è enfatizzato da una fotografia discontinua e di grande impatto che trasmette ogni genere di emozioni percepite dai protagonisti. E, nonostante i momenti peggiori, il tunnel della droga e della criminalità, le scelte giuste o sbagliate, l’unico modo per soccombere al caos è rimanere uniti, avere una casa dove poter far ritorno.

Menzione speciale alla magnifica colonna sonora di Henry Jackman, che ci accompagna nell’iter alla scoperta della consapevolezza di Cherry fino all’ultimo brano, quel “Vissi d’arte, vissi d’amore” di Puccini, nella versione di Maria Callas, che anticipa il confronto finale fra Cherry e l’amata Emily.

 

Powered by

 

Arriva anche nelle nostre sale Chernobyl Diaries – La mutazione, nuova attesa creatura di Oren Peli, creatore del fenomeno, (poco fenomenale) Paranormal Activity.  Il film è tratto proprio da una storia originale di Oren Peli che  per l’occasione si è ispirato al più grave incidente nucleare della storia e prende spunto da i tragici eventi di Chernobyl e dalla famosa città fantasma Pripyat, nel cuore dell’Ucraina.

Chernobyl Diaries – La mutazione segue le vicende di sei giovani turisti che ingaggiano una guida specializzata in turismo estremo. La guida, ignorando tutti i segnali di pericolo, li porta a Pripyat città nella quale vivevano i dipendenti della centrale nucleare di Chernobyl, rimasta disabitata dopo il disastro di oltre 25 anni fa. Dopo una breve esplorazione, il gruppo, impossibilitato a ripartire, scopre di non essere solo…

Ricco di spunti interessanti, Chernobyl Diaries – La mutazione è sicuramente molto meglio del precedente film di Oren Peli, quel Paranormal Activity che era diventato quasi una moda più che un vero film dell’orrore. Sin da allora Peli aveva mostrato di saperci fare e in questo caso conferma tutte le sue potenzialità, superando se stesso e costruendo una storia ricca di fascino e suggestione nel cuore dell’Europa dell’Est. La pellicola seppur vittima di alcuni fastidiosi cliché del genere che proprio non vogliono scomparire, riesce nell’intento di suscitare inquietudine e tristezza, grazie alla buona messa in scena del viaggio nella città fantasma di Pripyat.

Le atmosfere spettrali e grigie, rimangono sempre credibili e realistiche. Ma la vera sorpresa è la buona costruzione drammaturgica del film che fa della suspence il suo asso nella manica. Il regista Brad Parker si dimostra abile nel costruire sequenza per sequenza il film, senza tralasciare i momenti di sospensione che carica al punto giusto la tensione, aiutato da un’apprezzabile e servizievole sceneggiatura. Forse l’unico punto debole del film è come già anticipato l’utilizzo di alcuni cliché del genere e dei personaggi poco approfonditi e completamente travolti dagli avvenimenti.

Chernobyl Diaries – La mutazione, nonostante questo, è un buon condensatore di tensione, adrenalina, che farà saltare  lo spettatore sulla poltrona a più riprese.

 

Powered by

 

Tradizionale, ricercata, tipica, all’avanguardia… quanti altri aggettivi potremmo attribuire alla cucina? Forse non c’è argomento più inflazionato al mondo: parlata ed assaggiata, la cucina è – comprensibilmente – ovunque… basti pensare agli innumerevoli programmi televisivi, e addirittura reality che ne fanno l’argomento centrale. Al cinema, dopo i vari Ricette d’amore, Ratatouille e il più recente Julia&Julie, arriva Chef, che si pone immediatamente su tutt’altro versante: inizia in una cucina e mantiene la tacita promessa di restarci.

Dunque, un’immersione inedita nel mondo dell’arte culinaria, che scopriamo competitivo come pochi altri mondi, dove si crea l’inimmaginabile, pur di non perdere una stella. Jean Reno è Alexandre Lagarde, chef pluripremiato, messo duramente alla prova dal gruppo finanziario proprietario dei suoi ristoranti. Lagarde è accusato di essere troppo retrogrado, poco aperto alle novità culinarie che invadono il mondo dell’alta cucina e totalmente inadatto ad approfittarsi del potenziale industriale della sua catena di ristoranti.

Chef, il film

La cucina che si fa business, totalmente votata al guadagno e poco attenta alla qualità dei prodotti, proprio non va d’accordo con i tradizionalisti e puristi del sapore come Lagarde, che ha passato troppo tempo teso nello sforzo di piacere a “quelli che se ne intendono”, dimenticando il piacere di cucinare per chi si ama. E’ qui che entra in gioco Jacky Bonnot (Michael Youn), trentaduenne perennemente disoccupato, devoto alla buona cucina fino all’inverosimile e dotato di un estro fuori dal comune, proprio quello necessario a salvare la fama del suo maestro. 81 minuti che scorrono tra una pietanza e l’altra, crudelmente messa sotto gli occhi dello spettatore, senza che questi possa assaporarla davvero, ma di cui si riesce quasi a sentire il profumo.

I prelibati e raffinatissimi menù del Cargo-Lagarde riempiono, dunque, l’intero film, lasciando poco spazio ai personaggi, che sembrano abbozzati e decisamente poco accattivanti. Insomma, nulla a che vedere con personalità come la Martha di Sandra Nettlebeck o Julia Child, ma una commedia di tutt’altro genere che, seppur debole nelle poche scene che non riguardano prettamente il campo culinario, scorre piacevole e perfettamente godibile. Diretto da Daniel Cohen, Chef sarà nelle sale a partire dal 22 giugno.

 

Powered by