Il progetto Glaucocamaleo prende il via da un famoso libro di Kurt Vonnegut del 1961, “Ghiaccio 9”, in cui, tra le altre cose, si narra la storia di uno scienziato, inventore del “ghiaccio-nove”: una microparticella in grado di cristallizzare e congelare istantaneamente l’acqua (portandone il punto di fusione a 114 °F) e potenzialmente in grado, con una reazione a catena, di propagare questa proprietà a tutta l’acqua del pianeta, rendendola solida, per contatto, con conseguenze catastrofiche per la vita.

Il disastro innescato nel libro è il blocco del ciclo dell’acqua, il passaggio di stato, la mobilità delle particelle. Ed è da qui che Glaucocamaleo inizia. L’uomo nasce, si sviluppa e muore in continua relazione con la natura. Da essa trae, in un continuo lavorio, risorse volte a soddisfare le proprie esigenze.

Nel film di Luca Trevisani però, qualcosa si è rotto. Una trasformazione inaspettata e repentina ha ghiacciato il mondo. In uno scenario così inospitale, la sola soluzione è un cambio di prospettiva. Abbandonando una visione antropocentrica e geocentrica della realtà, degli uomini realizzano che la risposta al disastro è da cercare altrove, nel sole, nella sua energia. Utilizzandone i raggi, l’uomo sblocca lo stallo in cui ha messo il mondo, condannandosi a negoziare un nuovo, instabile, equilibrio.

Glaucocamaleo è un progetto molto ambizioso. All’interno della sezione a lui più adatta “CineMaxxi” dedicato al cinema innovativo e sperimentale che dialoga e soprattutto fa riferimento alle altre arti, le immagini ad alta definizione del ghiaccio, il fuoco, gli elementi che danno la vita e la morte, sono uno spettacolo a sé stante, dove la parola è di fatto superflua, ed infatti non c’è se non nel primo quarto d’ora, in cui la questione della sparizione umana viene discussa da due camerieri molto più colti di quanto il camice e il conseguente stereotipo farebbero pensare. Poi lo spazio è lasciato ad immagini e sensazioni, a panoramiche che fanno pensare agli spazi rappresentati da Godfrey Reggio nella trilogia iniziata con Koyanisqatsi e alcune sono estranianti via musica, suoni e interruzione della finzione, nel momento in cui entrano in campo i drone di cui il regista ha fatto ampio uso nella realizzazione del film, diventando un personaggio alieno che prende possesso della scena, sia con le sue soggettive che con i suoi suoni.

Un film studiato a tavolino e schematicamente, la voce narrante, Kary Mullis, scienziato premio Nobel per la chimica nel 1993 è stato scelto per le sue caratteristiche controverse. Lo scienziato infatti, che è anche un surfista senza tregua, ha più volte sostenuto che le sue scoperte sono state agevolate da un ampio uso di LSD, ha espresso grande scetticismo riguardo all’esistenza del riscaldamento globale così come ha affermato di essere stato rapito da esseri alieni.

La scelta di Kary Mullis, così come di ogni location e materiale impiegato nel film, è fondamentale. La sua figura è stata di fondamentale ispirazione e consequenziale ai significati generati dal film stesso: l’immagine di uno scienziato da sempre in grado di assecondare la propria curiosità e le proprie ossessioni, un prometeo contemporaneo che mette in discussione le gerarchie e i valori. Il film è stato introdotto da un cortometraggio dal titolo Thing, che indaga a suo modo un panorama simile: un mondo inesistente, in wireframe, a cui siamo arrivati non si sa con quale delle molte spinte distruttive. Anche il corto di Anouk DeClerq cerca un’entità aliena e molte delle immagini, desaturazioni di lunghe panoramiche urbane, sembrano paesaggi spaziali o alieni.

Presentato Fuori Concorso al Festival del Film di Roma Je Fais Le Mort , commedia poliziesca del regista Jean-Paul Salomè.

Jean Renault (Francois Damiens) è un attore fallito che viene deriso anche dai propri figli e dalla ex moglie. La sua agente , disperata quanto lui perché viene licenziato dalle varie produzioni in quanto troppo preciso e quindi rompiscatole , gli propone una parte particolare : quella del morto! Così per pochi soldi Jean parte alla volta di Mauve , un paesino in mezzo alle montagne , colpito dalla tragedia di un triplice omicidio. Lì lui dovrà aiutare la rigida magistrato donna ( Gèraldine Nakache ) e il capo della polizia del luogo il Tenente Lamy ( Lucien Jean-Baptiste ) , a ricostruire le azioni dell’assassino sulla scena del delitto per concludere le indagine giudiziarie, facendo la parte del morto. La sua eccessiva ossessione per i dettagli e esperienza recitativa lo porterà a dubitare e a far dubitare del ragazzo preso come colpevole, che risulta già dal primo sguardo poco credibile. Tra gag divertenti e antipatie che si trasformeranno in qualcos’altro , l’inesperto attore aiuterà la polizia a risolvere il caso in un modo inaspettato.

Pochi semplici ingredienti rendono la storia intrigante e leggera, e Jean-Paul Salomè manovra un cast di bravi attori che non coprono la trama con il loro protagonismo ma accompagnano bene l’allegro andare dell’indagine. L’idea è abbastanza innovativa per un film, ma non molto per la televisione. Ricorda ad esempio The Mentalist o Castle , dove un personaggio esterno e spesso eccentrico, riesce con un intuito più umano e derivante dall’esperienza in un altro campo a vedere degli indizi anche dove al momento non sono ben visibili a polizia e magistrati. Ma non è un punto a sfavore, anzi.

Con il classico humor francese e un Francois Damiens che potrebbe pure non parlare, dalle efficacissime espressioni facciali quasi da film muto, Je Fais Le Mort è un divertente parentesi di tranquillità.

La nostra foto gallery del Festival:

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Siria, Aprile 2012, Aya e Fatima sono due giovani sorelle siriane profondamente religiose. Una mattina la loro quotidianità viene spezzata dall’arrivo di Muhammad, un fiancheggiatore di quei ribelli che da mesi combattono contro il governo. Egli rivela loro che il marito di Fatima, un ufficiale, ha deciso di disertare dall’esercito e di unirsi all’Esercito Siriano Libero. La conseguenza della sua decisione pone Aya e Fatima davanti a un bivio. Continuare e vivere nella loro casa a Baniyas o rischiare di esporsi alla vendetta degli shabiha (milizia che sostiene la milizia del governo).

Border, il film di Alessio Cremonini è stato presentato nella sezione Fuori Concorso del Festival Internazionale del Film di Roma. La sceneggiatura scritta dallo stesso regista e Susan Dabbons ripercorre attraverso la storia vera di due sorelle le vite e le vicende dei rifugiati che per cercare la pace dai disordini interni viaggiano lungo i boschi che li condurrà al confine con la Turchia. La sceneggiatura seppur sviluppi bene la storia e la vita dei suoi protagonisti, che segue e riprende in diverse fasi all’interno del film, rimane piuttosto sobria non volendo ricreare alcuna atmosfera di ciò che sta accadendo nelle loro vite. Tutto questo viene affrontato come una fatto di cronaca che fa percepire l’intera vicenda lontana, ed anche se i protagonisti hanno battute fin troppo argomentate, riescono a restituire una sorta di “abitudine” agli orrori della loro vita. Raramente li vediamo sconvolti o impreparati, se non quando arrivano importanti svolte narrative che l’occhio del regista inquadra con forte evidenza.

Questa esperienza, senza profondità, è forse da imputarsi ad alcune domande non risposte sui personaggi, che seppur impariamo a conoscere nelle situazioni più disparate, non riescono a supportare tutte le idee che il film cerca di sviluppare sin dall’inizio del viaggio, dando voce a molteplici aspetti e ad diversi personaggi-ruoli che il conflitto ha coinvolto. Difatti, ciò che viene a mancare è il tema del viaggio, e le molte tensioni ed emozioni ad esse associate che se osservate da un unico punto di vista, avrebbero reso più immediato il racconto del film.
Gli attori Wasim Abo Azan, Sara El Debuch e Dana Keilani seppur siano degli esordienti riescono a caratterizzare i loro personaggi in maniera forte e decisa, facendo comprendere la cultura e l’esperienza di vita di un paese dilaniato da sempre dalla guerra.

Border è un film interamente italiano che da voce ai siriani, che parla di rifugiati e dei segni che lasciano le guerre civili sulle persone senza ricorrere a linee propagandistiche e politiche, preferendo piuttosto testimoniare, senza artifici, la contemporaneità della vita dei siriani.

The Green Inferno è stato presentato oggi al Festival Internazionale del Film di Roma 2013 nella categoria “fuori concorso”.

Un gruppo di ragazzi, capoguidati da Alejandro (Ariel Levy), partono per l’Amazzonia nel tentativo di documentare e conseguentemente fermare la distruzione di una tribù che sta avvenendo a suon di bulldozer e fucili. Justine (Lorenza Izzo) sposa la loro causa e si unisce all’impresa, convinta che si tratterà solo di qualcosa di istruttivo. Ma la situazione precipita e il gruppo diventa preda della giungla e di una tribù nativa del posto che ha una piccola peculiarità: è cannibale.

Per la prima mezz’ora, The Green Inferno è una commedia. O meglio, una “commedia preparativa”: lo spettatore è continuamente avvisato da piccoli dettagli che qualcosa non quadra, che l’inevitabile sta per arrivare. Eli Roth in questo la fa da padrone. Così, un primo piano su una bistecca cotta al sangue tagliata da un coltello, o una mannaia utilizzata per ridurre in pezzi un frutto, acquistano molto più significato di quello della mera operazione in sé. Inoltre, Roth inizia il film con una breve sequenza della giungila, titoli di testa compresi. Tutti espedienti di sceneggiatura e scelte registiche che non lasciano scampo, prima o poi l’incubo comincerà.

The Green Inferno

Quando in Amazzonia ci si arriva per davvero, è la durezza visiva a prendere il sopravvento. La paura e il senso di terrore sono generati dal disgusto dell’immagine a se stante e non da un crescendo tassello dopo tassello. Fa eccezione la prima sequenza dove il gruppo incontra la tribù, filmata con una maniacale psichedelia, capace da sola di correre sul filo della tensione, senza un ausilio sanguinoso. Se siete alla ricerca di una lezione su come mantenere viva la suspense, anche senza puntare un coltello all’altezza della gola di qualcuno, troverete poche risposte. Ma se amate Roth o un tipo di horror concentrato più sulla pagina del ribrezzo, sarà divertente immaginare quale supplizio dovrà subire la vittima prescelta. In questo secondo caso, il film vince quasi sempre.

Come il regista ci ha (ben) abituato, anche in questo capitolo sono presenti parecchi elementi splatter. Non mancano poi strizzate d’occhio ai numerosi “cannibal movie” del passato, così come una giusta dose di critica agli Stati Uniti, frecciate che dovrebbero scatenare la domanda: chi sono i veri selvaggi?

È  già stato confermato un sequel, che porterà la regia di Nicolàs Lopez, di cui si conosce persino il titolo: Beyond The Green Inferno. Una scena durante i titoli di coda chiarirà meglio il concetto.