Con il thriller fantascientifico del 2006 Déjà Vu – Corsa contro il tempo, il regista Tony Scott (noto per Top Gun, Nemico pubblico e Man on Fire) collabora nuovamente con l’attore Denzel Washington dando vita a un racconto ad alto tasso adrenalinico che mescola azione, investigazione e viaggi temporali in un intreccio narrativo che tiene incollati allo schermo fino all’ultima scena. Prodotto da Jerry Bruckheimer e scritto da Bill Marsilii e Terry Rossio (quest’ultimo autore anche della saga dei Pirati dei Caraibi), il film affronta il genere sci-fi con un’impostazione da poliziesco postmoderno, giocando con le possibilità offerte dalla tecnologia e interrogandosi sul libero arbitrio, la responsabilità individuale e le conseguenze delle nostre scelte.

Al centro della trama troviamo l’agente dell’ATF Doug Carlin (interpretato da Washington), chiamato a investigare su un devastante attentato esplosivo avvenuto a New Orleans. Le sue indagini lo conducono a scoprire un progetto governativo segreto che permette di osservare gli eventi del passato attraverso una sorta di “finestra temporale”, in grado di tornare esattamente quattro giorni e sei ore indietro nel tempo. Questa tecnologia, inizialmente pensata come strumento di sorveglianza, si rivelerà ben più potente e ambigua, trasformandosi in una vera e propria porta verso il passato. Ma se fosse possibile non solo osservare, bensì intervenire nel passato? È questa la domanda che muove la narrazione del film, spingendo Carlin a compiere scelte radicali per impedire la tragedia e salvare una vita innocente.

Attraverso un intreccio narrativo che fonde il thriller d’azione con riflessioni sulla causalità e sul destino, Déjà Vu – Corsa contro il tempo porta lo spettatore in un labirinto temporale che ribalta continuamente le certezze e rimescola le prospettive. La tensione cresce scena dopo scena, fino a un finale tanto spettacolare quanto enigmatico, che lascia aperti numerosi interrogativi su ciò che è realmente accaduto. Proprio per questo, nel prosieguo dell’articolo, ci concentreremo sull’analisi dettagliata del finale del film, per chiarirne il significato e comprendere fino in fondo le implicazioni della scelta narrativa compiuta da Tony Scott e dagli sceneggiatori.

La trama di Déjà vu – Corsa contro il tempo

Nel giorno di Martedì Grasso a New Orleans, il traghetto Sen. Alvin T. Stumpf, che trasporta lungo il Mississippi un nutrito gruppo di marinai della Marina degli Stati Uniti assieme alle loro famiglie esplode e affonda, uccidendo le 543 persone a bordo. Ad occuparsi del caso è l’agente Doug Carlin (Denzel Washington), il quale arriva a confermare la matrice terroristica dell’evento. Intanto lo sceriffo di un altro distretto contatta Carlin, a cui vengono chieste informazioni sul cadavere di una donna ripescata dal fiume. Poco dopo scopre che questa non era tra le vittime del traghetto e la sua morte, avvenuta in circostanze misteriose, ma legate all’attentato, risale a un’ora prima dell’esplosione.

Insospettito dalla cosa, Carlin decide di recarsi dal medico legale per indagare ulteriormente sulla cosa. Il nome delle vittima era Claire Kuchever (Paula Patton) ma ciò che la lega all’attentato rimane quantomai oscuro. Confrontandosi con il capo della squadra investigativa Paul Pryzwarra, Carlin viene reclutato per il progetto Biancaneve. Grazie a un impianto tecnologicamente avanzato, in grado di ricostruire avvenimenti accaduti quattro giorni prima, l’agente può mettersi sulle tracce dell’attentatore viaggiando indietro nel tempo. Durante le indagini, scoprirà però che nel suo passato potrebbe nascondersi la chiave per risolvere il caso.

La spiegazione del finale del film

Il finale di Déjà Vu – Corsa contro il tempo è il punto culminante di un intreccio complesso che fonde thriller investigativo, azione e viaggi temporali. Dopo aver utilizzato la tecnologia sperimentale nota come “Snow White” – una macchina che permette di osservare il passato con uno scarto temporale fisso di quattro giorni e sei ore – l’agente Doug Carlin arriva alla conclusione che non è sufficiente assistere agli eventi per risolvere il caso dell’attentato al traghetto. Decide quindi di rischiare il tutto per tutto: usare la macchina per viaggiare fisicamente nel passato, con l’obiettivo di sventare l’attentato e salvare Claire Kuchever, una donna che diventa cruciale nell’indagine.

Una volta tornato nel passato, Doug si impegna in una corsa contro il tempo per impedire l’attentato. Dopo essere riuscito a salvare Claire da una morte certa, la convince ad aiutarlo a localizzare e catturare l’attentatore, Carroll Oerstadt. Dopo un inseguimento e uno scontro teso, Doug riesce a sventare il piano terroristico: si impadronisce del camion imbottito di esplosivo e si sacrifica guidandolo lontano dal traghetto per impedire la strage. L’esplosione avviene lontano dalla folla, e Doug muore nell’esplosione, salvando centinaia di vite.

Nel finale, Claire – sopravvissuta e profondamente segnata – osserva le operazioni di soccorso e si allontana dalla scena, visibilmente colpita da tutto ciò che è accaduto. A sorpresa, nella scena successiva, compare un altro Doug Carlin, quello del presente (non quello tornato nel passato), che si avvicina a Claire come se la incontrasse per la prima volta. Lei, pur non avendo mai conosciuto questo “secondo” Doug, percepisce una connessione, come se una parte di lei lo riconoscesse. La scena si chiude con Doug che le dice: “È solo déjà vu?”, ricollegandosi così al titolo del film e lasciando allo spettatore la riflessione su memoria, destino e le ciclicità temporali.

Il finale suggerisce che, pur avendo alterato il passato e cambiato il corso degli eventi, l’essenza delle connessioni tra le persone resta intatta. Doug ha sacrificato la sua vita per salvare Claire e gli innocenti sul traghetto, ma una nuova versione di sé può ora vivere quel futuro che la sua controparte ha reso possibile. Tony Scott conclude così il film con un tono sospeso, malinconico ma anche profondamente umano, lasciando spazio al mistero e alla suggestione.

Diretto da Edward Zwick e uscito nel 2010, Amore & altri rimedi (qui la recensione) è una commedia romantica dai toni drammatici che affonda le radici in una storia vera. Il film è infatti liberamente ispirato al libro autobiografico Hard Sell: The Evolution of a Viagra Salesman di Jamie Reidy, ex rappresentante farmaceutico che racconta in chiave ironica e provocatoria la sua esperienza nel settore durante gli anni di lancio del celebre farmaco per la disfunzione erettile. Sebbene la pellicola prenda una direzione narrativa molto diversa rispetto alla fonte originale, mantiene il contesto critico e cinico dell’ambiente medico-commerciale statunitense, rielaborandolo in una storia d’amore intensa e sofferta.

Il film esplora con delicatezza ed empatia il rapporto tra Jamie, venditore carismatico ma superficiale, e Maggie, una giovane affetta dal morbo di Parkinson in fase iniziale. Ciò che inizia come un’avventura senza impegno si trasforma gradualmente in un legame profondo, dove entrambi i protagonisti si confrontano con i propri limiti, paure e fragilità. Temi come la malattia degenerativa, il senso di inadeguatezza, la vulnerabilità fisica ed emotiva e il significato dell’amore nella quotidianità della sofferenza sono al centro del racconto. Il tono resta bilanciato tra romanticismo e realismo, evitando eccessi melodrammatici e mostrando una sensibilità rara nei confronti delle malattie croniche e di chi le vive.

La storia, pur costruita su elementi di finzione, si ispira a vicende reali e restituisce un quadro sincero e coinvolgente delle sfide che una relazione può affrontare quando la salute è in gioco. Nel corso dell’articolo approfondiremo in che modo il libro di Reidy ha influenzato la sceneggiatura di Amore & altri rimedi e quanto la malattia della protagonista trovi riscontro nella vita reale, offrendo così uno sguardo autentico su un amore che nasce in circostanze difficili ma cresce proprio grazie alla condivisione della fragilità.

La trama e il cast di Amore & altri rimedi

Pittsburgh, 1996. L’affascinante Jamie (Jake Gyllenhaal) ha un successo strepitoso con le donne, ma dopo aver fatto sesso con la moglie del capo, perde il posto di commesso nel negozio di elettronica. Arriva quindi in suo aiuto il fratello ricco Josh, il quale gli propone di diventare un rappresentante farmaceutico. Così Jamie va a lavorare per l’azienda farmaceutica Pfizer. Dopo aver frequentato un corso, il ragazzo deve convincere i medici, in particolare il Dr. Knight (Hank Azaria), a prescrivere lo Zoloft invece del Prozac, e fa affidamento sulle sue innegabili doti di ammaliatore per riuscirci.

Mentre cerca di farsi strada nel suo nuovo lavoro, Jamie incontra all’ospedale Maggie (Anne Hathaway), un’affascinante e originale ragazza affetta dal morbo di Parkinson. Dopo un primo incontro alquanto bizzarro, tra i due nasce una fortissima passione che diventa amore. Ma mentre il lavoro procede alla grande, il rapporto con Maggie s’incrina a causa del peggioramento della sua malattia.

La storia vera dietro il film

Come anticipato, il film Amore & altri rimedi si ispira liberamente al libro autobiografico Hard Sell: The Evolution of a Viagra Salesman di Jamie Reidy. Reidy, ex rappresentante farmaceutico per Pfizer e successivamente per Eli Lilly, racconta nel suo memoir le dinamiche interne dell’industria farmaceutica negli anni ’90, offrendo uno sguardo ironico e disincantato sul mondo delle vendite di farmaci, in particolare del Viagra. Nel film, il personaggio di Jamie Randall, interpretato da Gyllenhaal, è ispirato alla figura di Reidy. Tuttavia, la pellicola introduce elementi che sono di pura finzione, come la storia d’amore con Maggie Murdock, una giovane affetta dal morbo di Parkinson, interpretata da Hathaway.

Questo elemento narrativo non è presente in nessuno nel libro di Reidy, che ha dichiarato di aver evitato di includere dettagli sulla sua vita sentimentale per rispetto della privacy e per non imbarazzare la propria famiglia. La scelta di inserire una trama romantica e drammatica nel film serve però a esplorare temi più ampi, come la vulnerabilità umana, l’empatia e la complessità delle relazioni affettive in presenza di malattie croniche. Il contrasto tra la carriera ambiziosa di Jamie e la fragilità di Maggie offre una riflessione sulle priorità della vita e sull’importanza di connessioni autentiche.

Questa narrazione, pur discostandosi dalla realtà dei fatti, arricchisce il film di una dimensione emotiva che ha contribuito al suo successo presso il pubblico. Si può dunque affermare che Amore & altri rimedi è solo parzialmente basato su una storia vera e che le parti che lo sono riguardano il settore farmaceutico, il suo funzionamento e le sue particolarità. Questo contesto è stato il là per i produttori per dare dunque vita ad un racconto ambientato in tale ambito ma che si avvalesse anche di una storia d’amore attraverso cui far ulteriormente emergere il tema della malattia e della medicina. 

Diretto da Ron Howard, Inferno (qui la recensione) è la trasposizione cinematografica dell’omonimo romanzo di Dan Brown, pubblicato nel 2013. Quarto libro con protagonista il professore di simbologia Robert Langdon, è il terzo a essere adattato per il grande schermo dopo Il codice da Vinci (2006) e Angeli e Demoni (2009). Il romanzo, come i precedenti, combina enigmi storici, arte e scienza in una narrazione densa di colpi di scena, ma rispetto ai titoli precedenti si spinge più in là nella riflessione sul presente, affrontando tematiche legate alla sovrappopolazione e alle sue conseguenze globali.

Inferno rappresenta infatti il capitolo più visionario della trilogia, con l’azione che si sposta dal mistero archeologico alla crisi globale. Rispetto ai capitoli precedenti, il film introduce una riflessione più profonda e urgente su tematiche globali. Il fulcro è il dilemma bioetico legato al destino dell’umanità in un pianeta sovrappopolato: si tratta di una minaccia astratta, ma più che mai attuale, che il film esplora attraverso un’oscura rete di simboli danteschi e teorie futuristiche. Il riferimento all’Inferno dantesco non è però soltanto scenografico o metaforico, ma funziona come struttura simbolica che richiama l’idea di un’umanità in caduta libera, in cerca di redenzione.

Inferno pone dunque lo spettatore di fronte a domande inquietanti: è giusto sacrificare parte dell’umanità per salvarne il futuro? Chi ha il diritto di decidere? In questo senso, il film si colloca in una tradizione di thriller etici che interrogano i limiti della scienza e il ruolo della responsabilità individuale. Anche se travestita da intrattenimento ad alta tensione, la narrazione del film richiama con forza la necessità di un pensiero critico e consapevole, capace di affrontare i dilemmi del presente. In questo articolo, esploriamo dunque tali dinamiche con la spiegazione del finale del film.

La trama e il cast di Inferno

Il professore di simbologia, Robert Langdon (Tom Hanks), si sveglia in un ospedale di Firenze afflitto da una grave amnesia, dopo essere stato raggiunto da un colpo d’arma da fuoco. Pochi giorni prima, il miliardario Bertrand Zobrist (Ben Foster) era stato intercettato dalla polizia italiana, prima che potesse provocare un’epidemia di peste nel capoluogo toscano. L’uomo, completamente ossessionato da Dante Alighieri e dal terrore per l’incontrollabile crescita demografica, si era gettato da un campanile pur di non cedere le fiale con il potente virus. In ospedale, la dottoressa Sierra Brooks (Felicity Jones) si prende cura di Langdon ma la quiete è interrotta dall’arrivo di una donna in uniforme che ha intenzione di uccidere lo studioso.

Sienna riesce a portare Langdon al sicuro, mentre l’uomo ha apocalittiche visioni sul futuro, incentrare sull’Inferno di Dante. Approfittando del computer di Sienna, Langdon trova una mail inviata dall’amico Ignazio Busoni, che lo informa di essere ricercato dalla polizia e nomina Zobrist, senza tuttavia spiegare le dinamiche della vicenda. Non potendo ricordare cosa accaduto, l’uomo compie una serie di ricerche che conducono all’indizio “Paradiso 25” e ad un micro-proiettore, contenente la mappa dell’inferno dantesco disegnata dal Botticelli. Confuso dalle visioni, dai ricordi che tornano a galla e dai simboli, Langdon parte per Venezia dove coglie un collegamento tra i suoi studi e Zobrist. L’uomo, tuttavia, ignora di  essere terribilmente vicino al pericolo.

La spiegazione del finale

Nel concitato atto finale di Inferno, Robert Langdon e la dottoressa Sienna Brooks arrivano infine a Istanbul, dove scoprono che il virus creato dal miliardario Bertrand Zobrist è stato nascosto all’interno della Cisterna Basilica, un antico sito sotterraneo della città. Il piano di Zobrist, già suicidatosi all’inizio del film, prevedeva la diffusione di un virus capace di sterilizzare una parte significativa della popolazione mondiale, come risposta estrema al problema della sovrappopolazione globale. La corsa contro il tempo per fermare la diffusione del virus si fa sempre più frenetica: Langdon, aiutato dall’OMS e da Elizabeth Sinskey, deve decifrare gli ultimi indizi contenuti nel poema dantesco per localizzare il virus prima che venga rilasciato.

La rivelazione decisiva avviene quando si scopre che Sienna, presentatasi inizialmente come alleata, è in realtà una seguace di Zobrist e intende completarne il piano. Convinta che l’umanità sia destinata all’autodistruzione se non si interviene drasticamente, Sienna si oppone a ogni tentativo di neutralizzare il virus. Tuttavia, il suo piano subisce una battuta d’arresto: l’intervento dell’OMS, coadiuvato da Langdon, riesce a individuare la sacca contenente il virus all’interno della cisterna, sommersa nell’acqua, dove un dispositivo a rilascio temporizzato avrebbe disperso l’agente patogeno. Dopo un confronto fisico e psicologico all’interno del sito, Langdon riesce a evitare il disastro: la borsa viene messa in sicurezza e il virus non si diffonde.

Sienna muore durante il tentativo di portare a termine la missione, sacrificandosi per una causa che riteneva giusta ma che il film, nella sua morale, condanna come estrema e disumanizzante. Il finale di Inferno pone così il dilemma morale al centro della narrazione: da una parte, la razionalità scientifica portata all’estremo, che giustifica la sterilizzazione di massa come soluzione a un problema globale; dall’altra, la fede nell’umanità e nella cooperazione internazionale come unica via etica per affrontare le crisi del presente. Langdon rappresenta la coscienza critica, la figura che, pur comprendendo la gravità del problema, rifiuta soluzioni radicali e irreversibili.

Infine, la pellicola chiude con un tono riflessivo: Langdon restituisce un oggetto simbolico – la maschera di Dante – al museo di Firenze, completando il cerchio dell’arte come memoria e monito. L’epilogo non celebra un trionfo eroico, bensì sottolinea la fragilità del nostro equilibrio globale e la necessità di affrontare i dilemmi etici con trasparenza e responsabilità. Il virus non è stato liberato, ma la minaccia resta viva sotto forma di domande aperte: come conciliare progresso scientifico e umanità? Chi decide il destino collettivo? Inferno, nel suo finale, si fa portavoce di un messaggio inquietante ma necessario: il futuro non si può salvare con la paura, ma con la consapevolezza.

Il thriller The Bank Job – La rapina perfetta, scritto da Dick Clement e Ian La Frenais e diretto da Roger Donaldson, vede  Jason Statham nel ruolo di Terry, un commerciante d’auto di Londra. Terry è una persona ambiziosa che vuole rilanciare la propria attività e quando un bel giorno, Martine Love, un’ex modella e sua vicina di casa, si presenta a lui con un piano per rubare dei contanti da una banca londinese, egli avverte di avere l’opportunità di sistemarsi una volta per tutte. Terry accetta dunque il lavoro e mette insieme una banda usando le sue conoscenze. Quello che il gruppo non sa, però, è che l’obiettivo principale di Martine è entrare in possesso di un deposito di sicurezza appartenente a Michael X, un gangster di Trinidad e attivista politico.

La cassetta di sicurezza contiene infatti un segreto che può far vacillare la monarchia britannica. Thriller ben congegnato, The Bank Job – La rapina perfetta si ispira alla vera rapina alla Lloyds Bank di Baker Street, Londra, avvenuta nel 1971. Il colpo, presumibilmente ispirato a un racconto di Sherlock Holmes, si è rivelato uno dei più grandi scandali e fonti di cospirazione della storia britannica. Il film riesce a fornire un’impressione di autenticità alla storia, grazie alla sua vivida ricostruzione degli anni ’70, presentando un finale particolarmente articolato che analizziamo meglio qui di seguito.

La trama di The Bank Job – La rapina perfetta

L’agenzia di intelligence britannica MI5 è dunque alla ricerca della cassetta di sicurezza di Michael X, attivista politico e spacciatore di droga, custodita nei caveau della Lloyds Bank di Londra. La cassetta conterrebbe alcune foto suggestive della Principessa Margaret, che potrebbero essere usate da Michael come merce di scambio per evitare la persecuzione da parte dei funzionari della legge. Martine Love, un’ex modella, viene sorpresa a contrabbandare droga in Inghilterra e, per uscire di prigione, accetta quindi di recuperare la cassetta di sicurezza per conto dell’agenzia.

Per farlo si rivolge dunque a Terry, con il piano di irrompere nella Lloyd Bank e rubare oggetti di valore e contanti. Insieme alla sua squadra, Terry affitta allora un negozio di pelletteria vicino al luogo della rapina e si introducono grazie ad un tunnel nella Lloyds Bank. Alla fine, Terry riesce a portare a termine l’operazione, anche di fronte all’imminente arrivo della polizia. Con grande sorpresa di Teddy, però, la rapina scuote alcuni grandi nomi, in particolare Michael X e un pornografo di nome Lew Vogel, che è in combutta con il gangster. Gli uomini di quest’ultimo raggiungono i rapinatori in men che non si dica e Terry si ritrova in possesso di informazioni utili per assicurarsi un’uscita sicura.

Cosa è successo ai veri colpevoli

Alla fine si scopre che il libro mastro di Vogel contenente i nomi dei funzionari di polizia a libro paga scatena una massiccia epurazione nei ranghi di Scotland Yard. Diversi funzionari di alto livello si dimettono a causa della natura delle accuse. Michael X viene catturato e impiccato per l’omicidio di Gale, che a quanto pare è un agente dell’MI5. Le altre persone coinvolte con Michael vengono arrestate o uccise e nessuno dei proprietari delle cassette di sicurezza reclama le proprie perdite. In realtà, Michael X è stato impiccato con l’accusa di aver ucciso un membro della sua comune e non Gale.

Il fatto che Gale fosse un agente dell’MI5, come mostrato nel film, non è ancora oggi suffragato da prove concrete. Anche la fotografia della Principessa Margaret nel caveau di Michael X è discutibile ed è stata fonte di numerose teorie speculative. Il film, tuttavia, cerca di stabilire che l’MI5 era la mente dietro il colpo. Sulla base delle loro fonti, gli sceneggiatori del film hanno dunque deciso di raccontare questo aspetto della storia. Ma a causa della portata dello scandalo, la vera verità fu nascosta da un ordine del 1971 che bloccò la circolazione delle informazioni nei media.

Quando il polverone si è posato, è stato accertato che Anthony Gavin, un criminale di carriera, aveva orchestrato l’intera vicenda. Benjamin Wolfe aveva firmato il contratto di locazione di Le Sac, un negozio di pelletteria a pochi metri dalla banca. Alla fine, anche Reg Tucker e Thomas Stephens furono nominati come cospiratori. Mentre Wolfe fu condannato a 8 anni, gli altri furono incarcerati per 12 anni. Anche se i funzionari cercarono (senza successo) altri membri della banda (tra cui una donna), questi quattro furono quelli che alla fine pagarono il prezzo.

Terry manda Kevin alla polizia

Quando Terry capisce il vero motivo della rapina, rimane sbalordito dalla situazione di pericolo che si trova ad affrontare. Quando intuisce che Vogel e i suoi uomini saranno difficili da gestire, invia Kevin alla polizia, in particolare a Roy Given, che Terry sa essere retto nei suoi modi. Una pagina del libro mastro serve come prova di autenticità con cui Terry può sostenere di essere in possesso di informazioni fondamentali per la sicurezza nazionale. La sua idea intelligente gli consente di fare leva su Vogel, poiché il rischio di essere scoperto è troppo grande per il pornografo. Alla fine Terry viene catturato, ma viene lasciato andare da Roy Given grazie alle sue argute trattative.

Il ruolo di Martine

La relazione sentimentale di Martine con l’agente dell’MI5 si rivela invece deleteria, in quanto viene fatta diventare un capro espiatorio se qualcosa va storto durante l’elaborata rapina. In realtà, non esiste una donna che si occupi della rapina alla Lloyd Bank. Il personaggio di Martine è stato creato sulla base delle trascrizioni delle conversazioni dei ladri registrate tramite walkie-talkie. Secondo il regista, la voce di una donna sentita nelle registrazioni è stata la base del personaggio.

Il personaggio di Martine è influente nell’intrecciare la presenza dell’MI5 nell’elaborato atto e serve come elemento della trama per tenere insieme il colpo. Recluta Terry ma non gli dice il vero motivo. L’interesse di Martine per una particolare cassetta di sicurezza stimola la curiosità di Terry, che in seguito scopre la verità e la usa a suo vantaggio. Martine funge da anello di congiunzione tra il crimine reale e le implicazioni dedotte dagli sceneggiatori del film. Alla fine, riesce a sistemarsi con la sua parte di bottino. Anche se la mente organizzativa è un’altra, il colpo e il suo sviluppo rimangono comunque coordinati da Martine stessa.

Il remake live-action Disney di Lilo & Stitch ha omesso una scena importante, cambiando radicalmente la storia di Lilo nel film del 2025. Come tutti i remake live-action Disney, Lilo & Stitch è stato incredibilmente controverso. Il remake ha omesso una parte essenziale del personaggio di Lilo, a dimostrazione del fatto che con il nuovo Lilo & Stitch si perde il cuore dell’originale.

Rispetto ad altri remake live-action Disney, Lilo & Stitch del 2025 è sorprendentemente fedele al materiale originale. Non ci sono grandi espansioni nella storia come in Biancaneve o La Sirenetta, e i personaggi assomigliano davvero a quelli che dovrebbero rappresentare. Sfortunatamente, la maggior parte dei cambiamenti nell’adattamento si presenta sotto forma di tagli di materiale dal film originale. Mentre i principali snodi della storia sono tutti presenti, il remake taglia molti momenti vitali per i temi e gli archi narrativi dei personaggi.

Il remake live-action di Lilo & Stitch ha omesso un dettaglio fondamentale sui genitori di Lilo

Non spiega come siano morti

In entrambe le versioni di Lilo & Stitch, Lilo viene cresciuta dalla sorella maggiore Nani. Nel film originale, la morte dei genitori delle due sorelle è solo accennata. I genitori vengono menzionati molto di più nel remake live-action, e vediamo anche delle loro foto. Jumba entra persino nella camera da letto dei genitori di Lilo nel momento culminante del film, dimostrando che il remake sta cercando di rendere la loro morte un elemento più emotivamente significativo.

Tuttavia, il remake non rivela come siano morti i genitori di Lilo e Nani. Nel cartone animato, in una scena Lilo dice a Stitch che i suoi genitori sono morti in un incidente d’auto a causa del maltempo. Questo dettaglio è stato omesso nel film live-action, lasciando un mistero sulla causa della loro morte. Non si sa perché il remake abbia deciso di tagliare questa scena, ma dimostra che i registi del remake hanno fondamentalmente frainteso l’importanza di questo dettaglio.

La morte dei genitori di Lilo durante una tempesta è direttamente collegata al motivo per cui lei nutre Pudge

È un meccanismo di difesa per Lilo

All’inizio di Lilo & Stitch, Lilo nuota nell’oceano. Dà un panino a un pesce, e in seguito spiega questa tradizione alla sua insegnante di hula. Lilo dà da mangiare panini a un pesce di nome Pudge perché, come dice lei, Pudge “controlla il tempo“. Sembra che voglia far contento Pudge, il che spiega perché si sforza di trovare qualcosa di diverso dal tonno per preparare il panino.

Questo dettaglio inizialmente sembra solo frutto dell’immaginazione di una bambina. Tuttavia, acquista più senso quando Lilo rivela in seguito il destino dei suoi genitori. I genitori di Lilo sono morti a causa del maltempo, quindi la convinzione di Lilo di poter accontentare un pesce che controlla il tempo è chiaramente un meccanismo di difesa. Non ha ancora superato la morte dei suoi genitori, e questo dettaglio dimostra quanto profondamente l’abbiano segnata. Nel remake, il dettaglio di Pudge che controlla il tempo è ancora presente. Senza una spiegazione della loro morte, questa gag non ha alcuno scopo tematico.

Perché il cambiamento di Lilo & Stitch è deludente

Dimostra un po’ di superficialità rispetto al modo di fare di Lilo

Il remake di Lilo & Stitch che omette questo dettaglio dimostra che, nonostante il tentativo di realizzare un film più toccante dal punto di vista emotivo, non coglie l’emozione dell’originale. L’indebolimento della battuta di Pudge è solo un esempio di come il remake utilizzi ripetutamente l’iconografia dell’originale Lilo & Stitch, ma ne annacqui lo scopo.

Nell’originale, Jumba è un cattivo all’inizio della storia, ma la sua accettazione nella famiglia di Lilo rafforza i temi del film. Nel remake, Jumba rimane un cattivo. Nell’originale, Lilo è interessata ai turisti e alla musica di Elvis perché la fanno sentire una straniera a casa sua. Nel remake, Lilo apprezza ancora Elvis, ma questa idea tematica è completamente assente. Nell’originale, Nani canta “Aloha ‘Oe” a Lilo perché il governo che porta via Lilo è il simbolo della distruzione delle famiglie da parte degli Stati Uniti quando colonizzarono le Hawaii. Nel remake di Lilo & Stitch, il lieto fine è che Nani consegna Lilo allo stato.