Film d’esordio del regista/sceneggiatore Bertino, che già alla sua opera prima dimostra di conoscere i meccanismi di tensione del cinema horror. The Strangers raccontata è una delle tante storie di violenza accadute realmente, lontanamente ispirata ad una vicenda personale del regista e ai massacri compiuti per mano della Charles Manson Family.

The Strangers si apre con una nota circa le statistiche dei casi di aggressione che ogni anno avvengono in America: in tal modo il regista cerca di liberarsi dal dramma personale, cercando di inserire la vicenda in un contesto più ampio, facendo in modo cha la storia sia il riflesso della violenza in generale.

A prova di ciò basti considerare il fatto che Bertino rifiuta di raccontare la storia della coppia, accennando soltanto alla loro crisi, e concentrandosi invece sugli atti brutali da loro subiti. Così facendo egli non cade nel patetico e riesce a concentrarsi sul ritmo del film , ben equilibrato tra momenti di attesa ed esplosioni di violenza.

Quando Kristen (Liv Tyler) chiede una spiegazione per quello che stanno subendo, la risposta è chiaramente assurda ed è la dichiarazione palese del rifiuto di qualsiasi forma di psicologismo e della mancanza di un reale movente che spinge gli aggressori alla violenza.

« Perché ci fate questo? Perché eravate in casa »

The Strangers diventa espressione quindi di una violenza totalmente gratuita, confermata anche dal fatto che il regista non mostra mai i volti degli assassini, presentandoli talvolta come fantasmi che vengono fuori dal nulla: sono solo l’espressione del male irrazionale; la violenza spesso non ha un volto e vien fuori dal nulla proprio come gli aggressori protagonisti di questa vicenda. Finale inusuale e spiazzante, che vede i protagonisti morire alla luce del giorno; se gran parte delle violenze raccontate nei film di questo genere si consumano durante la notte, Bertino lascia che il delitto finale venga compiuto proprio al sorgere del sole. Con un gesto simbolico, l’aggressore apre la tenda e lascia che la luce inondi la stanza e soltanto dopo provvedono all’esecuzione tanto attesa durante tutto il film.

di Bino Mariani

Ben Stiller torna a vestire i panni dell’ex guardiano notturno Larry Dailey, ma questa volta in una veste tutta nuova. Una Notte al Museo 2 ripropone le stesse tematiche del primo episodio, ma necessariamente sotto una diversa ottica, essendosi ormai esaurito l’effetto “novità” dell’idea originale. Dailey ha fatto fortuna vendendo le sue improbabili invenzioni, ma continua saltuariamente a frequentare il museo. La direzione, però, decide di sostituire molte attrazioni con degli ologrammi, condannando così Jedediah e amici all’immobilità eterna negli archivi dello Smithsonian di Washington. Inizia così per Dailey una nuova missione per salvare i suoi compagni di tante notti.

La trama di Una Notte al Museo 2 , ideata dagli stessi sceneggiatori del primo episodio Ben Garant e Thomas Lennon, si è dovuta pesantemente confrontare con l’eredità del predecessore e, soprattutto, con il fatto che l’aria fresca dell’idea originale era ormai finita. La soluzione è stata quella di “pensionare” alcuni dei personaggi principali, come il Roosevelt di Robin Williams, ridotto ad una comparsa, e di aggiungerne di nuovi, che potessero avere qualcosa da dire. Braccio destro di Stiller diventa Amelia Earhart (Amy Adams), famosissima pilota americana, dipinta come un’inarrestabile scavezzacollo determinata ad affermare il suo ruolo di pioniere femminile dell’aria persino in faccia ai fratelli Wright.

Una Notte al Museo 2, il film

Antagonista è il malvagio faraone Kah Mun Rah, fratello di Akmen Rah, ironicamente interpretato da Hank Azaria (già visto in Friends) con un difetto di pronuncia che gli fa perdere gran parte della sua carica di “cattivo”. La cosa, ovviamente, si sposa bene con l’intero film, che gioca sull’ironia e, più che nel primo episodio, con le icone della cultura americana, contrapposte ad altre non a caso straniere (un pizzico di nazionalismo filo-americano non è mai mancato in questo genere di film e, in fondo, è accettabile quando ci si può ridere sopra).

Da una parte abbiamo il mai domo Jedediah, un goffissimo generale Custer e il romanesco Ottaviano, costretti ad affrontare un Al Capone in bianco e nero, un Ivan “non così Terribile” e uno spassoso Napoleone, il quale se ne esce con alcune battute di stampo politico che faranno ridere soprattutto noi italiani. La storia scorre liscia senza particolari problemi o patemi d’animo e, infatti, non vi è mistero o impresa che occupi più di una ventina di minuti per essere risolta. Scelta forse poco drammatica, ma che contribuisce comunque a rendere il film leggero e piacevole da vedere. Vi sono alcuni grossi buchi, però, che non vengono spiegati. Se nel primo film, infatti, la baraonda creata dai reperti animati non viene notata dalle guardie in quanto esse stesse al corrente della magia, non è chiaro come in questo secondo episodio nessuno sembri accorgersi di nulla, nonostante disastri e danni che, nella realtà, avrebbero fatto scattare tutti gli allarmi della città. In definitiva i due autori e il regista Shawn Levy hanno deciso di giocare e divertirsi con tutti gli oggetti che hanno potuto trovare all’interno di un luogo come lo Smithsonian, non a caso uno dei musei più grandi del mondo.

Ne esce fuori una commedia divertente e che strapperà più di una risata, pur sforando a volte nell’esagerazione e in alcune situazioni tipiche da “vorrei girare questa scena, ma è chiaro che non posso in un film simile”. Ben Stiller interpreta il personaggio di Larry con la solita carica comica, ponendo però l’accento su come sia cambiato caratterialmente e come sia più deciso e sicuro di sé questo nuovo Dailey. Alla fine diventa un personaggio interessante, ma forse più ostico per il pubblico che volesse identificarsi in lui. I riflettori, infatti, finiscono per essere quasi tutti per Amelia Earhart, che eredita da Stiller il ruolo di eroina dolce e simpatica, seppur determinata. La regia di Levy è piuttosto frenetica in molti punti, ma ciò non è un male, in quanto conferisce un certo ritmo all’intera pellicola e riesce a comunicare la situazione fuori controllo che l’intero museo vive in questa particolare notte.

Il tutto è completato dalla colonna sonora di Alan Silvestri (Trilogia di Ritorno al Futuro) che si innesta bene nella narrazione facendo al tempo stesso il verso a produzioni più pompose e maestose. Interessante, infatti, è il contrasto in molte scene tra la goliardicità degli elementi in gioco e la conduzione della musica classica, più adatta ad un Jack Sparrow che a un Larry Dailey. Musica pop e rock si fondono ogni tanto, com’è caratteristica comune di Silvestri, con in più una comparsata solo “vocale”dei celebri Jonas Brothers nei panni di tre amorini svolazzanti a cantanti. Menzione d’onore per i responsabili degli effetti speciali, che hanno restituito alla vita un  intero museo in maniera magistrale, probabilmente divertendosi anche parecchio nel farlo.

In conclusione, Una Notte al Museo 2  è un film leggero e divertente, forse inferiore come carica al suo prequel, ma ugualmente godibile. Pollice alzato.

Quello che Ron Howard e Dan Brown sanno fare bene insieme è creare suggestioni. Dalle prime immagini di Angeli e Demoni della rottura dell’anello piscatorio, all’intricato thriller che mescola arte, scienza e religione.

Niente da dire quindi, grande sceneggiatura (la firma di David Koepp si avverte), ottima regia con una bella visione della scena, funzionale alla narrazione, e ovviamente incredibile colonna sonora, a tratti forse troppo discreta, del maestro Hanz Zimmer. Tutto comincia nella solennità delle stanze papali, e tutto lì finisce, ma nel mezzo l’adrenalina e inseguimenti si susseguono senza sosta fino all’ultimo, forse per qualcuno prevedibile, colpo di scena. Tom Hanks ritorna negli atletici e sicuramente più giovani panni di Robert Langdon, a risolvere enigmi su commissione, profondendosi in dettagliate descrizioni dei rituali che seguono la morte del pontefice.

La realtà del film, così familiare per gli italiani e in particolare per i romani, non è scontata per il pubblico americano, che copioso ha inondato le sale di tutto lo Stato (così com’è successo in tutto il Mondo a quanto dice il box-office). Ovviamente grande prova d’attore, forse migliore che ne Il Codice da Vinci, per Hanks e ben supportato dal resto del cast su tutti in Ewan McGregor in grande forme, affascinante pure con l’abito talare. Ma anche uno degli ultimi orgogli nazionali esportati all’estero, Pierfrancesco Favino, nei panni dell’ispettore Olivetti tiene alto l’onore di fronte a cotanto protagonista fregiato a suo tempo da due premi Oscar. Apparentemente messo a caso, il personaggio femminile di Ayelet Zurer sembra servire più alla par condicio che alla storia.

Ma protagonista indiscussa in tutto il suo splendore (ricostruito) è senza dubbio Roma, città caotica ma bellissima e misteriosa, perfetto scenario di un discreto intrigo che però lascia tiepido chi si aspetta qualcosa di più. Grande intrattenimento quindi, ma non bastano riprese acrobatiche, belle battute e colonna sonora superba per fare un buon film, ci vuole l’anima, ma forse quella si può comprare, basta guardare i risultati ai botteghini.

Prima di iniziare con l’analisi di San Valentino di sangue 3D, vorrei porre l’accento sul successo questo film sta avendo: le sale sono sempre piene, e in alcuni casi è doveroso prenotare i biglietti ed entrare quanto prima per godere di un buon posto; gli spettatori non sono soltanto i cultori del cinema horror,  bensì giovani d’ogni sorta curiosi di vedere la violenza in 3d. Considerato lo scarso successo di molte film horror, che al cinema vedono incassi soprattutto grazie ai cultori, viene da chiedersi cosa spinge lo spettatore a scegliere di subire la violenza in maniera così diretta.

È ovviamente tutto consequenziale all’avanzamento tecnologico che ci travolge e ci investe in maniera così distruttiva da  coinvolgere anche la dimensione emotiva: l’espressione affettiva è infatti sempre più mediata dal mezzo (che sia un PC o un telefonino cellulare); il contatto viene a mancare, ed internet impera all’insegna delle nuove relazioni virtuali. Considerando ciò, è chiaro come la terza dimensione al cinema si confaccia alle esigenza di una generazione aliena sempre di più al contatto fisico.

San Valentino di sangue 3D si inserisce direttamente nella linea dei nuovi videogames che mirano sempre più alla simulazione del reale, e all’interazione diretta tra uomo e macchina: mi riferisco in maniera specifica a tutti quei giochi che simulano attività sportive, allontanando sempre di più l’uomo dalla propria fisicità; la soddisfazione è grande le nuove generazioni impazziscono per i videogiochi di calcio al punto da preferire la finzione dallo sport reale. Tenendo conto di tutto ciò, è chiaro il motivo che spinge i giovani ad affollare le sale che proiettano San Valentino di sangue in 3d piuttosto che un “banale” horror movie che si limita a mostrare la violenza entro le due dimensioni: la terza dimensione colloca lo spettatore direttamente dentro la violenza, sempre però tenendolo al sicuro da qualsiasi contatto fisico. La violenza è quindi sempre più realistica ma non reale, e rispetta le esigenze di un pubblico portato alla ricerche di esperienze virtuali. Le due dimensioni non ci bastano più. Sempre più dentro lo schermo e sempre più fuori dal corpo.  Ora, dopo questa piccola digressione, passiamo all’analisi del film.

San valentino di sangue 3D, remake di un film culto

Dedito al genere horror, Patrick Lussier, già regista di Dracula’s legacy e White Noise the light, si prodiga in un remake di un film di culto degli anni ’80 molto amato da Tarantino. Assistiamo ad uno dei rari casi in cui il rifacimento supera l’originale, non solo dal punto di vista tecnico- visto l’uso del 3d – ma anche e soprattutto grazie ad una sceneggiatura più solida. Il prodotto non potrebbe essere più classico di questo, presentando quelli che sono i topoi  del genere slasher: scene di nudo esplicito; efferati omicidi ai danni di coppie indifese; corse ed inseguimenti per  il bosco; un killer che ritorna a sconvolgere un piccolo centro dopo molti anni; e naturalmente la final girl, al centro del dramma e superstite alla strage dell’assassino.

Un horror piuttosto standard, che non sovverte le regole, né sperimenta nuovi meccanismi di tensione, ma che però riesce in ogni caso a catturare in maniera prepotente l’attenzione dello spettatore, grazie ovviamente all’uso della tecnologia 3d: la violenza è tanta, e si protende fino a quasi toccare lo spettatore, divertendo ed entusiasmando i sadici fautori del cinema estremo, impressionando e soddisfacendo le pulsioni masochiste dei più timorosi, e le curiosità dei meno vicini al cinema di questo genere.

Arriva al cinema distribuito da Medusa Film, Disastro a Hollywood, la commedia direttada Barry Levinson, e con protagonisti Robert De Niro, Stanley Tucci, Robin Wright, Stanley Tucci, Kristen Stewart, Catherine Keener, John Turturro.

In Disastro a Hollywood Un produttore cinematografico d’eccezione (Robert De Niro) ci accompagna per una settimana nel difficile mondo di Hollywood. Lo seguiamo nelle varie tappe delle sue giornate, tra figli, ex mogli amiche e ex mogli ancora amate che però non riescono ad avere la meglio sul proprio lavoro, tra star capricciose, festival imminenti e major tiranne.

Un affresco asciutto e a tratti eccessivo del mondo del cinema, quello dell’industria, che si nasconde agli occhi del pubblico, quello delle star capricciose (un inedito e divertente Bruce Willis nella parte di se stesso), dei registi divisi tra l’arte e il mercato, della produttrice rigida che ‘o fai come dico, o mi prendo il tuo film’, delle piccole grandi tragedie di quelli che lo star system proprio non lo reggono e decidono di uscirne definitivamente (vedi il produttore suicida) … e tra tutti il produttore, diventato quasi atarassico a tutte le sue incombenze, che si barcamena tra tutti cercando di non soccombere.

Disastro a Hollywood – Un affresco asciutto e a tratti eccessivo del mondo del cinema

Film ironico ma distaccato, il punto di vista è quello di un osservatore superiore, che guarda i personaggi alle prese con i loro meschini problemi, trattandoli con freddezza, senza scendere nel dettaglio psicologico, ma semplicemente raccontando quello che succede quasi in maniera documentaristica. E meno male. Il film scorre via, senza pretese, e senza una storia di fondo, solo problemi su difficoltà dai quali il nostro eroe alla fine verrà sopraffatto. Cast d’eccezione: oltre a De Niro, Sean Penn e Bruce Willis nei panni di se stessi, Robin Wright, Stanley Tucci, Kristen Stewart, Catherine Keener, John Turturro.

“Voglio il sangue…” adrenalinico e a tratti malinconico X-Men le origini – Wolverine di Gavin Hood, perfettamente interpretato da Hugh Jackman, è uno dei film più attesi della stagione, e finalmente dal 29 maggio abbiamo potuto vederlo in tutto il suo ruvido splendore.

Una storia triste quella di Jimmy Logan, alias Wolverine, costretto all’esilio e alla fuga, in continua ricerca di se stesso e di una sua nemesi che potrà forse un giorno liberarlo dal suo senso di colpa. Una Nemesi che ben presto scoprirà essere sempre stata al suo fianco, impersonata Victor Creed/Sabretooth, suo simile ma completamente abbandonato ai suoi istinti, che Logan tenta costantemente di domare.

X-Men le origini – Wolverine – “Voglio il sangue…” adrenalinico e a tratti malinconico il Wolverine di Gavin Hood

Un lunga ricerca, interiore ed esteriore, che porterà Logan lontano dal Mondo, solo per rientrarvi bruscamente quando la sua tranquillità verrà compromessa dagli intrighi del villain di turno, il colonnello Striker, già visto in X2, principale fautore del mito che diventerà Wolverine, l’uomo bestia indistruttibile munito di scintillanti artigli di adamantio.

Difficile però parlare di controllo tra esplosioni colossali e scontri leggendari, doti sovrumane, brama di vendetta e di potere. E proprio così che X-Men le origini – Wolverine si presenta, un grande blockbuster di intrattenimento con un grande potenziale purtroppo inespresso per fare spazio al glamour di muscoli e frasi un po’ costruite.

Un Hugh Jackman in forma smagliante (anche troppo) da volto e voce ad un anti-eroe fondamentalmente buono, che ha sentimenti ed umanità ma che ha anche una forte dose di sensi ed istinto da animale, un anti-eroe indistruttibile in maniera indirettamente proporzionale alla sua anima lacerata dalle guerre, dalla sofferenza, dal rimorso, dalla voglia di fuggire ma quella ancora più grande di trovare un posto nel mondo. Un film che si pone a metà tra cine-fumettone e a film più ambizioso, una bella storia ma che non lascia traccia. Niente di serio insomma, ma allo stesso tempo niente di faceto, in piena corrispondenza con la dualità di un personaggio che Jackman interpreta con diligenza.

La regia di Gavin Hood in X-Men le origini – Wolverine si fa sentire e funziona per il genere, cerca di conciliare il momento drammatico con quello più spettacolare che grazie a lui è spettacolarizzato. Interessante la cerchia di comprimari che si stringono intorno all’eroe di adamantio, spicca su tutti Victor Creed/ Sabretooth, interpretato da un ottimo Liev Schreiber, che qualche volta mette ko il collega artigliato non solo letteralmente ma anche sulla scena, ma belli sono i personaggi di Silver Fox (Lynn Collins) e dello scarmigliato Gambit (Taylor Kitsch), sicuramente il più coreografico ma anche meno credibile. Lavoro di routine invece per Danny Huston, alias Colonnello Striker, l’algida disumanità dell’uomo fa contrasto con le emozioni del mutante introducendo un tema che è caro agli X-Men e che è stato ampiamente dispiegato nella trilogia dedicata agli uomini straordinari (specialmente nel primo e secondo capitolo).

Arriva al cinema distribuito da Universal Pictures State of Play – scopri la verità, il film drammatico diretto da Kevin Macdonald, e con protagonisti un cast d’eccezione composto da Russell Crowe e Ben Affleck.

In State of Play – scopri la verità Crowe interpreta il reporter Cal McCaffrey che, grazie alla sua scaltrezza, si ritrova a risolvere un mistero di delitti e collusione nel quale sono coinvolti alcuni dei politici e degli uomini d’affari più promettenti del paese. Il membro del congresso degli Stati Uniti Stephen Collins (Ben Affleck), bello e imperturbabile, è il futuro del suo partito politico: onorevole eletto, è il presidente di un comitato che supervisiona la spesa della difesa. Tutti gli occhi sono puntati su questo astro nascente che dovrebbe rappresentare il suo partito nella prossima corsa alla Casa Bianca. Tutto questo finché la sua assistente/addetta alle ricerche ed amante viene brutalmente assassinata e segreti seppelliti da tempo cominciano a tornare alla luce.

 “I bravi giornalisti non hanno amici, ma solo fonti”. In questa frase della direttrice di The Washington Globe (l’attrice Helen Mirren), lo spirito del thriller al veleno “State of Play”, per l’ottima regia di Kevin McDonald, con un Russell Crowe superlativo.

L’attore Premio Oscar è un veterano reporter di Washington alle prese con una serie di omicidi collegati con un astro nascente della politica interpretato da Ben Affleck. Crowe torna a fare scintille nel suo ruolo, vero e appassionato, di un uomo comune, fuori moda, interessato a far bene il proprio lavoro, che vuole trovare il cuore della notizia senza scorciatoie. Convince Affleck, come Robin Wright  nei panni di sua moglie. Brava Rachel McAdams che nel thriller è una blogger del W. Globe, un po’ ingenua ma agguerrita, mentre si conferma fuoriclasse di sempre Helen Mirren che dirige il giornale con piglio british.

di Orietta Cicchinelli

Duplicity, cioè doppio gioco, malafede ma anche inganno spionaggio e tradimento. Questi gli ingredienti del film che, ahimè, vengono meno alle premesse. Un film scritto e diretto da Tony Girloy (Michael Clayton) promette assai più di quanto in questo caso non mantenga. Un uomo e una donna si incontrano e passano una notte insieme, senza pensare che quella sarà l’inizio di una pseudo- storia infinita che non si vede l’ora che finisca.

Girato in moltissime locations, Duplicity assume colori e sapori diversi per ogni posto che le due spie, Clive Owen e Julia Roberts (già coppia super sexy in Closer), attraversano nel corso del loro “colpo” per vivere felici e contenti, combattendo contro la connaturata forma mentis della spia che li obbliga a non fidarsi nemmeno l’uno dell’altra. I loro viaggi, nel tempo e nello spazio, sono accompagnati da un esasperato affastellamento di gap temporali e un uso dello split screen fastidioso fino all’inutile che frammenta lo sguardo come a voler economizzare il tempo mostrando più cose insieme, senza una vera e propria funzione narrativa.

Una storia complicata che in maniera complicata viene raccontata. E’ vero, lo spettatore smaliziato riesce ad entrare nei cunicoli stretti e intricati delle narrazioni più complesse, ma in questo cosa un montaggio approssimativo confonde davvero lo spettatore calibrando male il ritmo e bruciando il colpo di scena finale che pure è ad effetto. Nonostante una regia poco organica il film è scritto benissimo ed interpretato ancora meglio dagli attori, su tutti i comprimari Tom Wilkinson e Paul Giamatti.

Augurandoci che Michael Clayton sia la regola e Duplicity l’eccezione, Tony Gilroy delude come regista ma mantiene alto l’onore dello scrittore di L’Avvocato del Diavolo, la trilogia di Bourne e altri.

Gangester movie (RocknRolla) strampalato quello di Guy Ritchie dove improbabili cattivi si mescolano a traditori e a boss opportunisti. Un debito da saldare, una truffa subita, un gruppo di malviventi e una contabile molto sexy quanto determinata sono gli ingredienti di una scoppiettante commedia travestita da un action-gangster-movie, dove tutto sembra quello che alla fine non è. Abbandonate le 300 spade alle Termopili, Gerard Butler è decisamente convincente nel ruolo di One Two, seriosamente sarcastico. Nel cast anche la bella e sensuale Thandie Newton nei panni della contabile del boss doppiogiochista Tom Wilkinson/Lenny Cole.

RocknRolla: crimine e illegalità nei bassifondi londinesi

RocknRolla racconta il modo criminale e dei bassifondi della Londra contemporanea, dove il mercato immobiliare è diventato il business più importante, anche più di quello della droga e i criminali ne sono gli imprenditori più entusiasti. Ma chiunque voglia entrare in questo mercato – dal piccolo malvivente One Two (Gerard Butler), al misterioso miliardario russo Uri Obomavich (Karel Roden) – deve fare i conti con un solo uomo: Lenny Cole (Tom Wilkinson). Gangster della vecchia guardia, Lenny sa come arrivare ai suoi obiettivi e tiene per il collo tutti i burocrati, gli intermediari o i criminali che contano.

Basta solo una telefonata e Lenny può far scomparire ogni impedimento burocratico. Ma come gli dice sempre il suo braccio destro Archy (Mark Strong), Londra è a un punto di svolta nella malavita, con i grandi criminali che vengono dall’Est, i criminali affamanti e disperati della strada e tutti che vogliono cambiare le regole del commercio e del crimine. Con la quantità di soldi che circola, tutto il mondo criminale di Londra vuole prendere parte agli affari. Ma mentre i grandi nomi del mondo del crimine ed i piccoli criminali si battono per ottenere il dominio, l’affare multimilionario finisce nelle mani di una rockstar drogata (Toby Kebbell) – il figliastro di Lenny che era stato creduto morto ma che invece è assolutamente vivo.

Come è ormai segno distintivo di Guy Ritchie, il film si basa su una buona regia scandita da un montaggio che in poche battute riesce a rendere completamente il complesso di una scena. Esempio ne è la scena di sesso tra Butler e la Newton, efficace e divertente insieme. Presentato nella sezione Proiezioni Speciali del Festival Internazionale del film di Roma, la pellicola ha riscosso successo presso coloro che hanno avuto la possibilità di vederla, purtroppo messo in programma per poche repliche. Uscirà al cinema questo fine settimana, dopo un’anteprima tenutasi lunedì 20 aprile all’UGC Cinemas.

Un monumento vivente del cinema come Clint Eastwood non può sbagliare un colpo, nemmeno raccontando una storia semplice, e molto americana, come il suo ultimo Gran Torino. Clint questa volta si mette nei panni di Walt Kowalski, veterano della guerra in Corea, razzista, nazionalista, ultra-conservatore, con la bandiera americana che sventola sul suo portico, probabilmente elettore di Bush figlio per ben due volte, incompreso dai suoi figli (e nuore vipere e nipoti opportunisti), presta le sue uniche attenzioni alla sua Gran Torino del ‘72, frutto di una vita passata a lavorare per la Ford, portandolo ad un’avversione naturale verso chiunque si permetta il lusso di comprare auto che non siano americane (i figli in primis).

Ha messo su una corazza così dura che è (quasi) impossibile scalfirla, deve proteggersi in continuazione dai musi gialli che hanno messo piede nel suo quartiere e ora sono i suoi vicini di casa. Ma ecco che i due ragazzi Hmong che gli abitano accanto riescono a fare breccia nel suo animo: sebbene abbiano la stessa età dei suoi nipoti, Sue e Thao non si sono lasciati corrompere dalla civiltà consumistica occidentale, ma hanno saputo conservare e rispettare le loro tradizioni asiatiche, così come Walt avrebbe voluto facessero i suoi nipoti.

Clint Eastwood continua dunque sulla scia della sua ultima produzione, regalando agli spettatori un film essenziale, con lui al centro, protagonista incredibile che si confronta con le sue convinzioni e il suo presente, con la storia che è stata e con quello che è adesso. Ma il regista, vera e propria leggenda del cinema, riesce con un’essenzialità incredibile a portare sullo schermo pregiudizi, conflitti, relazioni, conversioni. Prende tutta l’umanità che lo circonda, nella maniera più essenziale possibile, e la trasforma in una poesia ruvida ma vibrante, concisa ma pregna di emozione.

Reduce dal trionfo di Million Dollar Baby e dal suo straordinario dittico bellico, Flags of Our Fathers e Lettere da Iwo Jima, Eastwood torna nella provincia americana, che sembra non stancarsi mai di raccontare con un occhio saggio ma spietato. Che sia poi un testamento di revisionismo personale non c’è da escluderlo, dal momento che nella vita vera, l’uomo Clint Eastwood è sempre stato un repubblicano convinto, non troppo diverso dal protagonista del film, tuttavia, forse proprio come Walt, nella sua maniera granitica e introversa, il regista sembra porsi domande anche sulla sua stessa vita, sul suo modo di affrontare le cose, sulle posizioni sempre molto nette nella sua carriera. Questo aspetto personale si è sempre scontrato con la grande sensibilità che ha dimostrato nel corso di una carriera in continuo crescendo. Un netto passo in avanti da quell’attore belloccio con “sole due espressioni”.

La narrazione di Gran Torino è seguita in maniera semplice e lineare, i dialoghi sono cuciti addosso al personaggio (gag strepitose sono quelle tra Walt e il barbiere di origini italiane) e gli eventi portano naturalmente a un climax di tensione che si scioglie in lacrime amare. Nessun effetto speciale, flashback, flashforward, nessuna inquadratura manieristica, eppure il grande cinema si riconosce in questo film: la semplicità è sempre la miglior scuola.

La verità è che non gli piaci abbastanza è il film del 2009 diretto da Ken Kwapis e con protagonisti un cast d’eccezione composto da Jennifer Connelly, Jennifer Aniston, Scarlett Johansson, Drew Barrymore, Ben Affleck, Justin Long, Bradley Cooper e Kevin Connoll.

Che vuol dire quando lui non ci chiama, non ci dice mai Ti Amo, non ci vuole sposare…? La risposta che danno Greg Behrendt e Liz Tuccillo nel loro libro “He’s Just Not That Into You: The No-Excuses Truth to Understanding Guys” è che La verità è che non gli piaci abbastanza. Su questo binario iniziale muove il film di Ken Kwapis (Licenza di matrimonio), tratto dall’omonimo best-seller degli sceneggiatori di Sex and tha City(la serie).

La verità è che non gli piaci abbastanza, la trama

La verità è che non gli piaci abbastanza è la storia di Gigi che è una frana con gli uomini e non riesce a percepire e leggere bene i “segnali” di  Conor che lungi dall’essere interessato da Gigi, corre dietro ad Anna che invece comincia una relazione adulterina con Ben, marito di Janine che è amica di Gigi e di Beth, la quale è fidanzata da 7 anni con Neil che si rifiuta di sposarla e così via. Storie parallele che si intrecciano mostrando le relazioni d’amore nel loro nascere, costruirsi, nel loro disfarsi, nella loro sostanza di compromesso armonico tra le due parti. Un film intessuto sulla regola che tutte le persone sono uguali e si comportano, davanti alle medesime situazioni, allo stesso modo. Una regola che finisce con l’essere infranta poiché alla fine della storia, chi merita un premio lo riceve, chi si ama davvero resta insieme, chi invece ha distrutto resta solo e chi invece è stato lasciato trova la forza di ricominciare e di ricostruire la propria vita.

La verità è che non gli piaci abbastanza, in 129 minuti, dipana le sue storie con freschezza senza mai eccedere nel patetismo o nel romanticismo smielato, strizzando un occhio allo spettatore che ride dei personaggi ma ride anche di sé, rispecchiandosi in alcune delle situazioni rappresentate. Il film ha il suo punto di forza in un cast stellare, dove la frangia femminile fa la parte del leone comprendendo: Jennifer Connelly, Jennifer Aniston, Scarlett Johansson, Drew Barrymore (anche produttrice), Busy Philipps. A queste bellissime si contrappongono Ben Affleck, Justin Long, Bradley Cooper, Kevin Connolly. 

Forte soprattutto di una sceneggiature brillante di Abby Kohn e Marc Silverstein, il film tira dritto per tutta la sua durata, senza stancare, risultando divertente e alla fine non troppo retorico. Interessante è la struttura simile a documentario di costume sulle esperienze sentimentali delle persone comuni, interessante soprattutto perché alla fine mopstra che lo stereotipo sociale per cui è sempre e solo la donna a soffrire per amore, viene a cadere. Il film dunque non è parziale ma paritario e mostra molte situazioni reali rendendo così persone hollywoodiane, personaggi reali. La verità è che non gli piaci abbastanza si conclude con l’implicita riflessione che non è vero che La verità è che non gli piaci abbastanza, ma che ogni storia è a se stante, ed ogni reazione umana dipende da una coscienza diversa, da un percorso individuale, che qualche volte finisce con l’essere condiviso dall’altro.

Scritto e diretto da David S. Goyer, acclamato sceneggiatore dei Batman di Nolan. Il mai nato si presenta come un horror riuscito, che a classici temi di fantasmi, della compresenza del mondo dei morti con quello dei vivi, associa volti nuovi, come quello di Odette Yustman, simbologie e credenze di connessioni tra i gemelli, e temi caratterizzanti, come il misticismo e la cabala ebraica e il tema dell’esorcismo che rimanda a ben più noti e riusciti film di genere.

La trama de Il mai nato si dipana nell’atmosfera fredda e invernale del film, dondogli insolita solidità considerando il genere che spesso e volentieri non da molte spiegazioni. Goyer cerca di dare profondità alla storia anche attraverso il tempo arrivando addirittura a scomodare un bambino morto ad Auswitz. Resta un film di non troppo ampio respiro, pieno di ogni stereotipo tipico del genere, ma si distingue dai vari Scary Movie che non danno troppo importanza alla trama.

Il mai nato si presenta come un horror riuscito

Straordinario come di consueto Gary Oldman, che tolti i panni dell’ormai commissario Gordon, indossa quelli del coraggioso rabbino esorcista. Interessante e mai scontata è l’idea del male che si nutre della paura della propria vittima, metafora, anche se un po’ troppo stiracchiata, del momento storico che vive il mondo.

E se tutte le favole che si leggono ad alta voce prendessero vita propria entrando nel nostro mondo? Questo diventa un grande problema per Mortimer Folchart, rilegatore e, si scoprirà in seguito, lingua di fata, capace di dar vita a ciò che legge. Il problema è ancora maggiore quando per ogni personaggio che viene fuori dai libri, una persona del mondo reale vi finisce dentro. Ed è questo il motore di Inkheart – La leggenda di cuore d’inchiostro: la ricerca decennale di un famigerato libro che prima ha sputato fuori buoni e cattivi, e poi ha risucchiato dentro la moglie di Mortimer, detto Mo.

Il cinema ha sempre attinto dalla letteratura, sia per quanto riguarda i soggetti da trattare, sia per le storie vere e proprie che vengono narrate, basti pensare a La Storia Infinita, e al legame che si crea tra il piccolo lettore Bastian e il regno di Fantasia. E proprio una relazione simile lega Mo e Inkheart, ma laddove Bastian è affascinato dal libro e volle continuare a leggere, per Mo la lettura diventa un peso, un fardello troppo pesante, e che infatti suo malgrado passerà alla figlia.

Inkheart La leggenda di cuore d’inchiostro il fantasy tra fiaba e narrazione

Inkheart – La leggenda di cuore d’inchiostro, pur avendo dell’ottimo materiale per una storia se non Infinita, quantomeno Fantastica, crolla su se stesso. Quando tutto è possibile, ma niente è permesso, quando il super eroe con i super poteri ha già le sue responsabilità e non deve rendersene conto durante il viaggio, il meccanismo si inceppa e si hanno risultati come Inkheart, che purtroppo per gli appassionati del genere non ha sostanza, anche se bisogna riconoscere che è la dimostrazione di come si possano realizzare begli effetti visivi senza budget astronomici.

Un cast avvero eccezionale con Brendan Fraser e Helen Mirren non basta a far decollare Inkheart – La leggenda di cuore d’inchiostro che cerca di portare lo spettatore al gran finale trascinandosi dietro stralci di tensione mal formulata e che promette di esplodere alla fine ma che invece crolla su se stesso lasciando l’ormai smaliziato spettatore a bocca asciutta.

I love Shopping – Isla Fisher interpreta Rebecca Bloomwood, shopping dipendente e giornalista in attesa del grande incarico presso una prestigiosa rivista di moda.

I love Shopping, tratto dal best seller omonimo si Sophie Kinsella, è una commedia mediamente divertente, leggera e con il lietofine romantico. Seppure ricorda Il diavolo veste Prada, per la forte presenza del mondo della moda nella storia, il film ha ben poco delle atmosfere raffinate e super griffate della pellicola di Frankel. La storia si risolve in un finale buonista in cui tutti hanno ciò che vogliono e gli errori sono ripagati a prezzo scontato, cosa che nella vita reale non esiste, ma trattandosi del meraviglioso modno della celluloide, tutto è concesso.

Isla Fisher interpreta una Shopaholic, una maniaca dello shopping, delle spese inutile e superflue che sembrano tuttavia vitali. Anche se non è tra le commedie più brillanti degli ultimi anni, il film gode di una certa freschezza per l’interpretazione della protagonista e per la rappresentazione caricaturale di Robert Stanton nei panni del funzionario che cerca in tutti i modi di far quadrare i conti della signorina Bloomwood, merito del regista P.J. Hogan (Il matrimonio del mio migliore amico) che sa bene come fare commedia.

Operazione Valchiria di Brian Singer riporta al cinema un genere di guerra che da molto tempo non si vedeva sugli schermi, un tipo di film che mette da parte ogni giudizio morale e che si fa intrattenimento, senza snaturare il genere classico. Singer mostra la sua personalità, ma lo fa con misura, lasciando andare avanti la storia, che per struttura e scrittura, corredata anche da un ottimo cast, parla da solo e lo fa decisamente bene.

Operazione Valchiria racconta di uno dei tanti colpi di stato che furono tentati dai tedeschi durante la seconda guerra mondiale. Come ha detto lo stesso regista, un film che ambisce ad intrattenere anche se se ne conosce la fine. Infatti, Singer ha fatto ironicamente riferimento al Titanic di James Cameron, che ha sbancato i botteghini di tutto il mondo pur se il pubblico sapeva come sarebbe andato a finire.

Messi da parte per una volta gli orrori contro gli ebrei il film racconta di come, seppure nella follia generale della Germania nazista, non tutti i generali (interpretati da Tom Cruise, Bill Nighy tra gli altri) di Hitler fossero come lui; proprio una battuta di Kenneth Branagh lo dice: “dobbiamo dimostrare alla storia che non tutti eravamo con lui”.

Un film gradevole, che pur svelando dall’inizio il suo finale non scarseggia di tensione e ritmo, ben costruiti dal regista che per una volta si è prostrato al genere confezionando un film che seppure non rimarrà nella storia del cinema, resta un momento godibile di intrattenimento. Operazione Valchiria è stato girato con fondi tedeschi.

Metti la strepitosa capacità espressiva di un Jim Carrey. Metti una situazione da manuale di sceneggiatura, col ribaltamento di una situazione iniziale nel suo contrario. Metti che gli americani le commedie le sanno fare con la stessa serietà di un melodramma epico. Ed ecco Yes man, film brillante, portatore di una ventata di ottimismo che rispecchia la volontà del nuovo cinema americano di lasciarsi dietro anni di terrorismo e guerre chimiche per lasciarsi andare a un sorriso a trentadue denti. La parola Sì diventa in questa pellicola simbolo di cambiamento, di una speranza riposta nel futuro, di un accettare entusiasticamente ciò che la vita propone di giorno in giorno.

Yes Man

Da impiegato divorziato che rifiuta a priori ogni occasione di vivere, mettendo addirittura a repentaglio i propri affetti, Carl (Jim Carrey) si lascia convincere da un vecchio amico (il cui incontro è però abbastanza forzato) a partecipare a una chiassosa e grottesca convention di un mezzo santone che predica la via del Sì per aprirsi al meglio alla vita. Un po’ scettico, Carl comincia il suo percorso di conversione che lo porterà a trovare l’amore, consolidare le sue amicizie, e persino ad avanzare di carriera, il tutto in una serie di situazioni comiche e paradossali, che solo la bravura di Jim Carrey riesce a sostenere.

Perfetta comprimaria risulta essere Zooey Deschanel, l’eccentrica donna di cui Jim Carrey si innamora, bislacca almeno quanto lui (i testi delle canzoni che suona con la sua band sono una piccola chicca), diventa la protagonista di un amore che non vuole essere melenso e stucchevole, ma stravagante e libero almeno quanto i due personaggi.

Ma si sa, in ogni commedia buonista che si rispetti, c’è sempre la morale sottesa a chiudere i giochi: non sempre si può dire sempre di sì a priori, rischiando di fare quel che non si vuole; le scelte si devo fare sempre con la piena consapevolezza. Solo così si può veramente dire di sì alla vita.

Cosa accadrebbe se le persone, invece di invecchiare, ringiovanissero? È proprio questa la storia di Benjamin Button, nato vecchio con gli acciacchi del tempo, ma con un animo giovane e curioso. Un film che dall’inizio annuncia la sua fine, inevitabile, anche per chi, come Benjamin, ha avuto una vita diversa, straordinaria. Tratto dal racconto di Francis Scott Fitzgerald, Il curioso caso di Benjamin Button racconta vita ed avventure di Benjamin, che pur vedendo il mondo da una prospettiva diversa, resta un essere umano, con debolezze e pregi, doti e difetti.

Diretto di David Fincher, che aveva lasciato il pubblico incollato alle poltrone dei cinema con Zodiac, bello seppur a tratti pesante, Il curioso caso di Benjamin Button esce dai canoni del regista, diventando un prodotto anonimo nelle mani della storia stessa, vero punto di forza della pellicola. Una regia impersonale quindi, che lascia un po’ a bocca asciutta i cultori dell’ottimo regista di Seven e Fight Club. Lascia indifferente anche la fotografia candidata all’Oscar di Claudio Miranda, fedelissimo di Fincher, che pure in Panic Room aveva svolto un bel lavoro, ma che in Benjamin Button osa troppo e sfiora la finzione, soprattutto nelle scene in cui si vuole ricreare la luce dell’”ora magica”.

Buona prova del cast: Brad Pitt comincia ad abituare il suo pubblico a grandi interpretazioni, anche se qui non è all’altezza del suo ruolo in Jesse James che gli fruttò la Coppa Volpi a Venezia; Cate Blanchett, semplicemente bellissima, eterea ed evanescente resta una delle regine del cinema; notevole anche l’interpretazione di Tilda Swinton che porta con sé un fascino d’altri tempi.

La sceneggiatura, nelle mani di Eric Roth, premio Oscar per Forrest Gump, mostra con misura e poesia, senza mai scadere nel romanticismo scontato, un’esistenza particolare, vite che si intrecciano per trovarsi a metà strada, attraverso un diario, un racconto che è allo stesso tempo una scoperta e una riflessione sulla vita, sul suo valore, sulla sua fugacità. Il curioso caso di Benjamin Button  ha riscontrato un notevole successo di critica, ma un entusiasmo tiepido da parte del pubblico d’Oltreoceano. Candidato a 13 premi Oscar tra cui: Miglior Film, Miglior Regia, Miglior attore protagonista, Miglior attrice non protagonista, Miglior Sceneggiatura, Miglior Fotografia.

Lasciami entrare – Dal 1897, data di uscita di Dracula di Bram Stoker, ad oggi, molti sono stati gli scrittori ed i registi che si sono lasciati ispirare dal grandissimo romanzo gotico dello scrittore irlandese. Chi più chi meno, tutti hanno mantenuto i tratti affascinanti del terribile e sanguinario conte Dracula, pur con nomi diversi e varianti tra il serio ed il faceto. Tuttavia, mai come nel caso di Lasciami Entrare (Låt den rätte komma in di Thomas Alfredson), il mito del vampiro è stato stravolto ed allo stesso tempo conservato con tali tratti di grazia e gradevolezza.

Lasciami entrare racconta la storia di una bambina, una piccola vampira, che viene accudita da un uomo (probabile che non si tatti del padre), che la notte caccia per lei, affinché possa sopravvivere. Questo piccolo gioiello svedese conserva una fedeltà quasi romantica al romanzo e, pur sembrando un film che starebbe bene nella selezione delle pellicole per il Giffoni Film Festival, assume tratti inquietanti ed allo stesso tempo misteriosi, uscendo dal genere splatter- horror che purtroppo imperversa nelle sale cinematografiche, per elevarsi ad un horror, oserei dire raffinato, raccontato con toni intimisti ma freddo nel rappresentare la ferina violenza che caratterizza la natura della piccola protagonista.

L’inquietudine del titolo (Lasciami entrare) si concentra in due scene, in cui Eli la vampira chiede ad Oscar di invitarla ad entrare, altro tratto di fedeltà letterale al romanzo originale. L’interpretazione delle conseguenze di un ingresso, per così dire, senza invito, passate sotto silenzio in Stoker, vengono interpretate qui in maniera inquietante, senza però scadere nello splatter, mantenendo ancora una volta una delicatezza più unica che rara in film con questa tematica. Anche la potenzialità sessuale e sensuale del vampiro, viene affrontata qui in toni teneri e delicati, soprattutto a causa della giovane età dei personaggi.

Lasciami entrare è godibile, anche per chi non ama l’horror, che pur distanziandosi  dal genere, vi rimane perfettamente collocabile.

Australia, il ritorno al cinema di Luhrmann è stato presentato anche come il ritorno del grande e romantico genere epico drammatico di cui esempio memorabile nella storia del cinema è Gone with the Wind.

Tuttavia, pur comprendendo tutti gli elementi necessari, quali una donna un uomo una terra selvaggia una guerra, non riesce a legare tutto in un corpus omogeneo. La storia è avvincente e ben scritta, ma presenta troppi tempi morti. In molti momenti sembra che il film sia finito, sia da un punto di vista della risoluzione della trama, che anche dalle splendide inquadrature ad allargare che Luhrmann ci somministra in alto dosaggio per tutto il film.

Splendida interpretazione è offerta dalla terra madre del regista, l’Australia, bellissima e selvaggia, ma anche crudele e fertile ossimoricamente insieme; la luce del tramonto su cui si apre il film accompagna tutta la storia con i suoi toni caldi così come l’affascinante figura del vecchio aborigeno, spirito guida del giovane protagonista, ma anche preservatore della terra e della magia di quei luoghi. Australia è sicuramente una lettera d’amore del regista alla sua patria, come già hanno detto in molti, e questo è visibile dalla presentazione del titolo che giganteggia sullo schermo e nella sala, dalla scelta di rendere personaggio narratore e filo conduttore il piccolo aborigeno “mezzo-sangue” che rappresenta l’unione delle due razze, ma anche tutti gli infiniti e insanabili strupri che l’uomo bianco ha operato sulle persone e sulle terre in tutta la storia del mondo.

L’Australia, bellissima e selvaggia, ma anche crudele e fertile ossimoricamente insieme

Leit Motiv del film è Over the Rainbow dal film The Wizard of Oz, che assume il preciso significato dei sogni che si possono realizzare così come avverrà alla fine. Dopotutto se Luhrmann ha fatto cantare a ballerine di can-can e bohemien canzoni come The Show Must Go On oppure Heros, è accettabile anche questa scelta musicale che, oltre ad accordarsi col tema, evita anche l’anacronismo, dato che i fatti del film cominciano nel 1939, anno di uscita di The Wizard of Oz. 

Assolutamente perfetti i due protagonisti, Nicole Kidman e Hugh Jackman, nei loro ruoli, ed esilarante è il dialogo iniziale riguardo ai cavalli che l’altezzosa Lady Ashley legge in doppio senso. In definitiva un film che presenta l’unica grande pecca nella regia. Luhrmann, nato come regista di teatro, dimostra di sapersi muovere decisamente bene negli spazi ristretti della sua trilogia della tenda rossa (Ballroom: gara di ballo; Romeo + Giulietta; Moulin Rouge!). Tuttavia è molto più difficile gestire una scenografia che, nel caso di Australia, diventa personaggio.

E’ stato presentato alla Festa del cinema di Roma Appaloosa, il film diretto da Ed Harris con protagonisti oltre al noto attore anche Viggo Mortensen  e  Jeremy Irons.

In Appaloosa Due amici, Viggo Mortensen e Ed Harris, vagano per il vecchio west portando la giustizia laddove ce n’è bisogno, così arrivano ad Appaloosa, una piccola città dove un cattivissimo Jeremy Irons se ne infischia delle leggi e fa a modo suo. I due pistoleri si insedieranno nella cittadina e cercheranno di portare la pace fino a che un ingresso in scena inaspettato cambierà le cose e soprattutto i rapporti tra i due personaggi.

Sulla scia dei western originari, strizzando l’occhio allo spaghetti western per l’ironia con cui è trattata la materia, Appaloosa è un film piacevole, scritto in maniera eccellente da Robert Knott e da Ed Harris e diretto in maniera classica e lineare dallo stesso Harris anche protagonista. Basandosi su una storia semplice e tradizionale il racconto viene messo in scena passando per tutti i punti classici che caratterizzano il genere: l’amicizia tra due uomini, un cattivo senza scrupoli, una donna che “si mette in mezzo”.

Appaloosa, una piccola città dove un cattivissimo Jeremy Irons se ne infischia delle leggi

L’elemento che però rende il film particolarmente appetibile è proprio l’ironia con cui è affrontata la storia, con due attori, Mortensen e Harris, come al solito in grande forma. Molto bello anche il personaggio della Zellweger, una donna indecisa e “libertina”, sicuramente un personaggio anomalo rispetto ai cliché di genere.

Il film ha aperto le sezione Proiezioni Speciali del Festival del Film di Roma, uno dei pochi film godibili che sono stati presentati alla manifestazione, fa dell’ironia e della splendida scrittura i suoi punti forti.

Dalla pièce teatrale di Noel Coward, un bel film sulle dinamiche familiari, e su come sia difficile conciliare aspetti diversi di persone che si ritrovano a convivere forzatamente. Regine della scena sono la bella Jessica Biel, novella sposina di Ben Barnes, detentrice delle easy cirtues, i facili costumi del titolo, e l’eccezionale Kristin Scott Thomas, nervosa e dittatrice madre di Barnes. A completare i quadro uno sciatto e depresso Colin Firth nei panni del padre reduce di guerra e Kris Marshall, comprimario che resta impresso in qualunque sua performance (Love Actually, Funeral Party) che qui interpreta il maggiordomo complice della bella americana trapiantata nelle fredda e nebbiosa campagna inglese.

In Un matrimonio all’inglese un giovane appartenente alla borghesia inglese, durante i suoi viaggi incontra un bellissima e giovane vedova americana, se ne innamora e la sposa, ma viene il momento di presentarla alla propria famiglia e proprio in questi casi, le cose non vanno sempre bene. Sulla scia di Ti presento i miei, un’altra sulle dinamiche familiari, questa volta però raffinata dalla postdatazione degli eventi, ambientati all’inizio del XX secolo.

Un matrimonio all’inglese, il film

Tutto sembra cominciare bene per i novelli sposi, almeno fino a che le due donne, madre e moglie, si dichiarano guerra con colpi bassi e gag esilaranti. Una commedia ironica e divertente con un finale a sorpresa che intesse nella trama una vena malinconica rappresentata da Firth, decisamente in grande forma. Da notare anche la performance della Biel, lasciate alle spalle le serie tv e le commedie demenziali, regala un bel ritratto di donna indipendente e ribelle, affiancata da una sempre splendida Kristin Scott Thomas. Barnes, reduce dalle battaglie di Narnia, e prossimamente al cinema nei panni di Dorian Grey (ancora al fianco di Firth) risulta un po’ offuscato da tanta bravura.

Un matrimonio all’inglese, scritto e girato da Stephan Elliott, che si basa soprattutto sui personaggi, su una buona scrittura e sulla campagna inglese, sempre in ottima forma. Piacevole, sicuramente tra i più belli visti a Roma nella Selezione Ufficiale del Festival Internazionale del film.

Basato sul libro di Amanda Foreman, La Duchessa è un sontuoso film che racconta le vicende private e pubbliche di Georgiana Spencer sposata duchessa del Devonshire. Regina della scena, in splendidi corsetti e eccentriche acconciature, è la regina hollywoodiana dei film in costume, Keira Knightley. Il film, diretto con classica eleganza da Saul Dibb, si basa appunto sulla vicenda storica di Georgiana, e percorre le pagine della biografia a lei dedicata dalla Foreman.

Il personaggio di questa donna moderna e forte, seppure intrappolata nelle rigide regole dell’etichetta emerge on estrema chiarezza e forza dalla splendida interpretazione della Knightley che ancora una volta si dimostra interprete sensibile e sicura, anche per personaggi complessi come era questo il caso. Parlando di Georgiana Spencer non si può non parlare della sua più illustre discendente, Lady Diana Spencer, la sfortunata principessa del Galles, che pure visse nell’amore della gente e nel disamore di chi invece avrebbe dovuto amarla di più, proprio come succede alla protagonista del film, che si trova a condividere la casa e il marito con quella che paradossalmente si rivela essere la sua migliore amica.

La Duchessa, il film

Intrappolata in un matrimonio senza amore, molto diverso da quello che lei sperava, Georgiana si rifugia nella vita pubblica, diventando be presto regina delle feste dell’alta società londinese e maestra di moda, sfoggiando abiti sempre più vistosi e sfarzosi che finiscono per dettare legge in fatto di moda. Anche nella vita politica, la duchessa diventa un personaggio di spicco, quando decide di sostenere la campagna elettorale del suo amate segreto, interpretato da Dominic Cooper, già visto in Mamma Mia! come  promesso sposo. Al fianco di Keira, un’eccezionale Ralph Finnies nei panni del Duca di Devonshire fa sfoggio della sua elegante figura e del suo sguardo di ghiaccio che gli valgono un’interpretazione eccellente, decisamente notevole.

Anche se nel complesso il film appare non pienamente compiuto per quello che riguarda la regia, classica ma a tratti quasi timida di Dibb, è notevole per l’apparato scenografico, costumi compresi di Michael O’Connor e per le interpretazioni dei due protagonisti. Nel cast anche Haley Atwell nei panni di Bess Foster, amante del duca e amica della duchessa, e la sempre splendida Charlotte Rampling che invece interpreta la madre di Georgiana.

Dalla pietra miliare del cinema di genere fantascientifico, ecco Ultimatum alla terra, di Derrickson, remake dell’omonimo film del 51 di Robert Wise.

La trama del nuovo Ultimatum alla terra

Mamma mia che musical! E’ proprio il caso di dirlo. Donna, una donna di mezza età con un passato da figlia dei fiori, sta preparando il matrimonio per la sua unica figlia della quale non si conosce il padre. La fanciulla, desiderosa di conoscere il suo genitore, invita tre possibili candidati alla carica di “padre” al matrimonio, innescando una sorta di commedia degli equivoci…

La storia è solo un pretesto abbastanza pittoresco per mettere in scena un divertentissimo, quasi pacchiano, musical scandito dalle leggendarie canzoni degli ABBA, che magari quelli della mia generazione non conoscono bene, fatta eccezione forse, solo per Mamma Mia!, ma che quelli un pochino più grandi, hanno canticchiato al cinema insieme alla spumeggiante, eccessiva, sopra le righe, sempre eccezionale  & Co.

I colori dell’isola greca di sposano con le belle e irriverenti coreografie per incorniciare numeri memorabili come quello di Mamma Mia!, oppure di Dancing Queen, o ancora la struggente e bellissima scene di The Winner takes it all.

Straordinario il cast femminile (Meryl Streep, Amanda Seyfried) che illumina la scena senza lasciare spazio ai maschietti che quasi sono relegati a grigie comparse nello sfavillante luccichio di Meryl Julie e Christine. Eccezionali Dynimite Girl.

L’ultimo lavoro di Clint Eastwood, Changeling, uscito da poco nelle sale italiane ha tutte le caratteristiche per arrivare lontano. Il film racconta la storia vera di Christine Collins (Angelina Jolie), giovane madre sola alla quale viene rapito suo figlio di 9 anni, Walter. La donna combatterà contro tutti per riavere suo figlio, e quando la polizia le restituisce un bambino che non è il suo, lei sfiderà le istituzione, e la polizia in primis, per raggiungere il suo obbiettivo. Pellicola toccante a tratti straziante ma che lascia una forte impronta nell’ultima inquadratura di una Angie/Christine che ha ritrovato la speranza di poter riabbracciare un giorno il suo Walter.

Changeling, il film

Come ormai ci ha abituati da tempo, Clint Eastwood realizza una pellicola di grande spessore umano, ma soprattutto di grande valenza tecnica supportato da una forte sceneggiatura di J. Michael Straczynski  e da un cast eccellente, su tutti la splendida protagonista Jolie che offre una performance toccante e rabbiosa, intensa ed emozionante, molto convincente, e già si parla di secondo Oscar, per lei che ha ricevuto già la statuetta per il ruolo in Ragazze Interrotte nel 1999.

In quello che può essere letto come una specie di manifesto femminista, dove una donna sola combatte contro un sistema ottuso per i propri scopi e il proprio diritto a essere madre, Clint Eastwood impianta la sua visione del mondo, dura, irreprensibile e spietata, sfoderando però una grandissima sensibilità nella rappresentazione di questa donna, appoggiandosi anche ad una interprete in stato di grazia. In una recente intervista, la Jolie ha dichiarato non senza emozione di essersi ispirata a sua madre, da poco scomparsa, per interpretare la decisa e battagliera Signora Collins. Il risultato è strepitoso a l’attrice dimostra grande padronanza del metodo per riuscire ad attingere alle proprie emozioni e trasformarle in arte in maniera così autentica.

È incredibile la versatilità dell’attrice che negli ultimi anni ha lavorato in progetti assolutamente differenti, a partire da Beowulf di Robert Zemeckis, in cui ha lavorato a stretto contatto con computer grafica ed effetti speciali, passando poi per l’action più puro e fisico di Wanted – Scegli il tuo destino, di Timur Bekmambetov. Nella sua prima collaborazione con Eastwood, la Jolie dimostra davvero di riuscire ad interpretare ogni tipo di ruolo con grande gravità e convinzione.

Clint Eastwood racconta l’America

Nonostante il film sembra discostarsi leggermente dalla sua filmografia direttamente precedente, il fatto che Changeling sia basato su una storia vera continua a collocare il regista in quel racconto della realtà, della società americana attraverso molteplici lenti: le storie, i tempi, le classi sociali e le persone comuni che, in situazioni particolari, diventano piccoli e grandi eroi nazionali.

Oltre ad Angelina Jolie nel cast anche l’ottimo John Malkovich nei panni dell’integerrimo reverendo Briegleb, Jeffrey Donovan, Jason Butler Harner. L’impronta di Clint si nota dunque, e non solo nella composizione del film ma anche nella colonna sonora, scritta da lui, che ricorda molto quella di un suo film fortunata e bellissimo film precedente, Mystic River. Con grande sorpresa per il tema trattato e la scelta narrativa, Clint Eastwood racconta la maternità, l’America, le sua contraddizioni, e in Changeling lo fa con una rinnovata delicatezza di linguaggio e stilistica.

Arriva al cinema Il Cavaliere Oscuro di Christopher Nolan con protagonisti Christian Bale, Heath Ledger, Morgan Freeman, Michael Caine e Aaron Eckhart.

Il più nero episodio della saga dell’uomo pipistrello sta imperversando nelle sale di tutto il mondo, sbriciolando record di incassi come fossero biscotti e lasciando dietro di sé una lunghissima scia di spettatori entusiasti ed ammirati. Il Cavaliere Oscuro, uscito in Italia il 23 luglio, è l’ultimo lavoro di Chris Nolan, ma chi l’avesse già visto può tranquillamente parlare di opera d’arte. Una Gotham buia e cattiva è lo sfondo della caccia al Joker, un criminale folle e terribile, che alleatosi con i clan mafiosi della città vuole distruggere l’unico baluardo di speranza che ancora resiste nella corrotta Gotham City: Batman.

Ancora una volta Nolan sradica il genere fumettistico dalle sue più profonde convenzioni e trasforma il film in un capolavoro per interpretazioni attoriali, effetti meccanici e soprattutto movimenti di macchina. La mdp vola su grattacieli attraverso la città in mezzo alla gente per raccontarci una storia di paura e di duplicità, di dubbi e di contrasti, facendoci immergere ancor di più nella oscura mente di Bruce Wayne. Se in Batman Begins infatti abbiamo scoperto le radici e le motivazioni dell’uomo, in questo nuovo capitolo riusciamo ad entrare nella mente dell’eroe, quello che non esita a farsi cattivo per salvare la sua città. Batman è l’eroe che Gotham merita, ma non quello di cui ha bisogno, queste parole pronunciate dall’ormai commissario Gordon sono il riassunto dei tormenti interiori, sono la risoluzione dell’eterno contrasto tra luce ed ombra nell’animo di wayne/batman. Un film che passerà alla storia non solo per i risultar al box office.

Il Cavaliere Oscuro, giustizia e follia secondo Christopher Nolan

Anche in questo film, come nel terzo Spiderman, i cattivi sono tre (Joker, Due facce/Dent e la mafia), ma la profonda differenza con l’uomo ragno è la perfetta funzionalità di ogni individualità a formare un disegno coerente e splendidamente scritto, teso e accattivante, mai scontato, fino alla fine. Se Christian Bale si conferma lo splendido interprete di tutte le sue performance, così come i mostri sacri Morgan Freeman, Michael Caine e Gary Oldman, è davvero interessante vedere come i cattivi, Heath Ledger e Aaron Eckhart siano magistralmente in grado di interpretare personaggi complessi e duplici nel loro squilibrio, entrambi speculari rispetto al loro nemico giurato.

Se in Harvey (due facce)Dent, la duplicità, la tendenza ad ascoltare la parte oscura di sé, emerge piano e resta alla fine non pienamente espressa anche se completamente motivata, in Joker il discorso sulla duplicità appare riduttivo. Ledger è bambino e omicida, divertente e terrificante sin dalla sua prima apparizione, dalla sua prima vittima, è un agente del caos, come egli stesso si definisce, colui che entra nel sistema per distruggerlo, colui che sovverte le regole provando piacere nella sofferenza altrui, gioca con la morte e spinge fino al limite la parte buona di Batman.

Tuttavia il suo grande errore è quello di sottovalutare l’essere umano, Joker alla fine conterà sul libero arbitrio dei cittadini, dando per scontato il loro comportamento, anche lui alla fine si baserà su una regola, e questo sancirà la sua sconfitta. Splendido e terrificante insieme, il Joker di Heath Ledger da nuova linfa, nuova immagine ad un personaggio che relegato sulle pagine dei fumetti aveva perso il suo spessore emotivamente destabilizzante.

Ancora una volta James Newton Howard e Hans Zimmer ci immergono nella Gotham dark di Nolan con una colonna sonora da brivido che lascia trasparire le personalità diverse dei due compositori e allo stesso tempo le fonde in tracce emozionanti che trasportano lo spettatore coinvolgendolo sia emotivamente che mentalmente. Il Cavaliere Oscuro è dedicato alla compianta memoria di Heath Ledger, già leggenda, e di un operatore morto durante le riprese.

Prima di recensire l’ultima fatica di M. Night Shyamalan abbiamo aspettato di sondare un po’ il terreno, e di sentire un po’ in giro cosa ne pensasse sia la critica più autorevole sia lo spettatore medio.

Le reazioni sono state molto diverse: c’è chi osanna l’ennesimo capolavoro del regista indiano, chi invece dichiara il totale fallimento dell’opera tacciando il film di banalità nei contenuti e nei pretesti drammaturgici.

E venne il giorno non è sicuramente tra i migliori di Shyamalan. I dialoghi sono abbastanza scontati, per non dire totalmente fuori luogo in più di una occasione, gli attori sono per la maggior parte monolitici. Dopo la splendida interpretazione in The Departed, che gli ha fruttato addirittura una candidatura agli Oscar, Mark Walberg delude (c’è chi dice che sia stato scelto apposta e che il suo personaggio sia volutamente “imbranato”, c’è chi invece sostiene un madornale errore nella scelta del protagonista); la bella Zooey Deschanel non fa altro che abbagliare il pubblico con il suo sguardo ceruleo, merito di madre natura e non certo di una sua particolare capacità recitativa. Spicca tra tutti John Leguizamo, che interpreti un mafioso (Carlito’s way di Brian de Palma), un nano ubriaco (Moulin Rouge! di Baz Luhrmann) o un giovane veronese violento (Romeo+Giulietta ancora di Luhrmann), quest’attore regala sempre performances intense e di alto livello.

Da un punto di vista tecnico E venne il giorno è comunque perfetto, il regista di Il sesto senso e di Signs ci da ancora una volta prova della sua profondissima conoscenza del mezzo cinematografico. Shyamalan è capace di fare appello alla parte più oscura dell’animo umano risvegliando paure che solo maestri come Hitchcock riescono tutt’oggi a smuovere.

Il vero pregio di questo film è proprio questo: un meccanismo della suspence costruito in maniera magistrale, che incolla lo spettatore alla poltrona fino alla fine e lo lascia senza respiro fino all’uscita dalla sala. Fare paura con niente, questa è stata la grande opera di Shyamalan con E venne il giorno. Non ci sono mostri, non ci sono catastrofi naturali evidenti, solo il vento d’incubo che porta con sè la più spaventosa e la più terribile delle minacce: la perdita dell’istinto di sopravvivenza. Non c’è niente di più soprannaturale, niente che fino oggi sia stato portato al cinema ha minato così nel profondo la sicurezza che si ha guardando su uno schermo una storia che non ci appartiene. Shoccante.

Arrivata La mummia – La tomba dell’Imperatore Dragone, terzo capitolo la saga moderna sui cacciatori di mummie più famosa del globo lascia l’amaro in bocca a tutti gli aficionados di Rick O’Connell e consorte.

Questo terzo episodio vede un ormai in pensione Rick O’Connell che cerca di adattarsi alla normalità della vita quotidiana, cercando di mettere da parte il suo spirito di avventura. La bella Evelyn, in questo episodio interpretata da Maria Bello che sostituisce la splendida Rachel Weisz, invece vive di ricordi, scrivendo romanzi che parlano delle sue avventure passate, e leggendoli in club per signore. A riportare nella vita dei coniugi annoiati un po’ di sale è Alex, il loro unico figlio, cresciuto con la stessa passione dei genitori per l’avventura e per i guai.

La mummia – La tomba dell’Imperatore Dragone, il film

Ricco di spunti narrativi, questo film promette assai più di quanto non mantenga. Infatti, pur basandosi su un’idea fondante buona, la scrittura del film lascia parecchio a desiderare. I personaggi non sono all’altezza dei due capitoli precedenti, né lo sforzo della Bello riesce nel suo intento. Molto brava nelle parti drammatiche, attrice di grande sensibilità, si trova a sostenere una parte che non le si addice, sia perché la Evelyn O’Connell della Weisz era più altezzosa e raffinata, meglio accostandosi così al carattere ruvido del suo partner maschile, sia perché la scrittura non le è stata d’aiuto rendendola più che ironica, a tratti ridicola.

Anche l’eroe protagonista, un Brendan Frazer/Rick O’Connell leggermente sottotono, non stupisce né colpisce come in passato, ancora una volta a causa di una storia scritta approssimativamente. Oltre alla conferma del divertente personaggio di John Hannah, ancora una volta nei panni dell’imbranato Jonathan Carnahan, che a dispetto dell’andamento globale resta una figura godibile e demenziale quanto basta, le new entry non sono da considerarsi di grande rilievo, fatta eccezione ovviamente per i Michelle Yeoh, una delle regine del cinema orientale, e per Jet Li, perfido Imperatore Dragone.

La storia d’amore tra il giovane Alex(Luke Ford) e la bella figlia immortale (Isabella Leong) della sacerdotessa/strega, seppure suggerita sin dall’inizio, non è spiegata dagli eventi, e viene messa in scena senza una vera e propria causa scatenante. Inoltre, anche il contrasto generazionale, l’astio che c’è tra genitori e figli, non viene approfondito, pur essendo uno spunto interessante, un tema originale trattandosi di un film d’azione.

E proprio l’azione sicuramente non manca. Seppure con una scrittura (di Alfred Gough e Miles Millar) lasciata quasi al caso, il film mantiene una sua godibilità estetica, essendo gli effetti speciali sapientemente utilizzati. Merito del talento del regista, Rob Cohen (The Fast and The Furious), per gli action-movies, che riesce a tenere l’attenzione desta anche con degli strumenti così poco affilati.

Stephen Sommers, regista e scrittore delle due pellicole precedenti, compare come produttore e c’è notizia di una sua sceneggiatura dal titolo La Mummia: la tomba dell’Imperatore Dragone non accreditata e datata 2001 (!).

Dopo un tremendo nubifragio, una fittissima ed anomala nebbia (mist del titolo) scende su una cittadina americana. Questo il misterioso prologo di The Mist, che vede tornare alla regia Frank Darabon (Le ali della libertà), dopo quasi dieci anni dall’uscita di Il Miglio Verde. Proprio come dieci anni fa, il regista si occupa della trasposizione di un romanzo di Stephen King, anche se ne modifica l’andamento e soprattutto il finale, con l’entusiasta approvazione di King stesso.

La pubblicità di The Mist ci ha fatto credere che il film fosse l’ennesimo splatter-horror fantascientifico con disgustosi mostri che divorano indifesi esseri umani. Tuttavia il film non si risolve affatto in questo. Con un lavoro di scrittura molto accurato, anche se a tratti didascalico, Darabon entra nel supermercato, scena principale del film, ed osserva le persone da vicino. Frequenti infatti, molto più del necessario, i primi piani. Quello che viene fuori è l’incondizionata e ingiustificabile cattiveria umana. In The Mist, oltre ai terribili mostri nascosti nella nebbia, sono gli esseri umani che mostrano la loro peggiore essenza, la loro mostruosità. Numerose le caratteristiche del racconto che ricordano la presenza di King alla base della storia, come l’esistenza di un mondo parallelo ed ostile, oppure come la figura della fanatica religiosa (una Marcia Gay Harden particolarmente in forma, inquietante), che genera il panico e che scatena la violenza degli uomini contro i loro simili, indice efficace di quello che nella cronaca quotidiana è l’integralismo religioso.

I tipi, i caratteri umani vengono messi in scena nelle loro peggiori varianti, tutti i difetti dell’uomo vengono portati a galla dalle circostanze, anche se non manca poi l’eroe, l’uomo integerrimo e coraggioso, che cerca di risolvere le cose nella maniera più ragionevole possibile. Proprio questa figura, il protagonista, sarà quello punito nella maniera più crudele alla fine del film, e non dagli extraterrestri. Finale pessimistico, quindi, per un film che pur avendo qualche momento di tensione, può essere considerato un horror perché fa paura, ma anche perché mette a nudo l’essere umano nelle sue sfaccettature peggiori, e genera appunto orrore e senso di distacco nello spettatore.

Con un discreto risultato al box office il film si posiziona al quinto posto nella classifica italiana dei film più visti. La resa del film è basata esclusivamente su inquadrature ravvicinate con cambi frequentissimi di fuoco, probabilmente con l’intento di pilotare l’attenzione dello spettatore a seguire gli spostamenti dell’azione nello stesso quadro, ma che non sono al servizio della storia.

The Mist potrebbe essere molto di più di un horror poiché mette nudo i moti dell’animo umano, prevalentemente cattivo, tuttavia il suo limite risiede nel voler spiegare attraverso i dialoghi ciò che le immagini e la storia mostrano in modo molto più efficace. La cattiveria, la violenza, mostrate nella loro crudeltà non hanno bisogno di essere spiegate, si mostrano autonomamente nella loro incomprensibilità.