Stai lontana da me nasce come un remake della commedia francese campione d’incassi in patria la chance de ma vie, tradotto in italiano Per Sfortuna che ci Sei. La commedia, diretta dal semi-esordiente Alessio Maria Federici (già dietro il successo del film Lezioni di Cioccolato 2), racconta la storia surreale di Jacopo (Enrico Brignano), un consulente matrimoniale infallibile, in grado di salvare qualsiasi legame logorato e prossimo al capolinea. Ma Jacopo è afflitto da una strana maledizione lanciata da una sua fidanzatina delle elementari, che lo spinge ad essere una vera e propria “calamita per la sfiga”, la quale però si abbatte senza ritegno sulle sue partner. Ormai rassegnato alla sua condanna, vede però stravolgere la sua monotona esistenza dall’incontro imprevedibile con Sara (Ambra Angiolini), una ragazza solare, semplice, tenera ed espansiva che all’inizio accetta di buon grado la dose di sfortuna che Jacopo porta nella sua vita.

Stai lontana da me: il film

Stai lontana da me tenta di mescolare la classica rom- com con un gusto fortemente nazional-popolare legato soprattutto al tema folkloristico della sfortuna o malasorte, adattando la trama dell’originale francese ad un mercato diverso come il nostro.

in Stai lontana da me Cercando di giocarsi la partita fino in fondo, la casa di produzione Cattleya e Rai Cinema hanno puntato sulla potente verve comica di Enrico Brignano, ormai un habitué al cinema passato con disinvoltura dal tradizionale cabaret ad altre forme e a nuovi media, che qui fa da mattatore assoluto insieme alla partner femminile Ambra Angiolini, giusta e credibile in un ruolo apparentemente fin troppo “normale” per gli standard “borderline” a cui ci ha abituato. La riuscita del film è comunque subordinata alla forza dei comprimari e delle “spalle” che popolano la pellicola: Giampaolo Morelli nell’irresistibile ruolo del ricco figlio di papà playboy impenitente; l’amica zitellona un po’ inacidita; il capo architetto (Anna Galiena in un ruolo decisamente sopra le righe) stagionato e nevrotico; le varie coppie surreali e mal assortite che si alternano nello studio di Jacopo, tutti uniti e compatti per raggiungere uno scopo comune: far sì che la commedia possa riuscire.

E, commercialmente parlando, l’operazione ha funzionato: in un periodo in cui le commedie stravincono al botteghino, il cast artistico e tecnico commissiona un prodotto formalmente ineccepibile, colorato, patinato, ben confezionato, con diversi spunti divertenti e tanti momenti leggeri che faranno sorridere un pubblico in cerca d’evasione che sceglie, volontariamente, di passare un’oretta al cinema per sfuggire alla routine quotidiana, sorridere un po’ della vita e cercare un modo per reagire positivamente agli alti e bassi della fortuna.

Sta per piovere è il terzo lungometraggio di Haider Rashid, giovane regista fiorentino, di padre iracheno e madre italiana. Un film che affronta uno dei grandi temi dell’attualità, quello della cittadinanza agli stranieri nati in Italia, attraverso la piccola vita quotidiana di un giovane e della sua famiglia, originaria dell’Algeria.

Said è un ragazzo nato e cresciuto in Italia, a Firenze, città che gli ha donato anche uno spiccato accento toscano. Con lui vivono il fratello Amir e il padre Hamid, che mantiene la famiglia lavorando come operaio.  Il suicidio del direttore della fabbrica, però, porrà di fronte ai tre la spietata realtà, quella di non poter rinnovare il permesso di soggiorno, che il padre aveva sempre ottenuto nei 30 anni di residenza in Italia. Said improvvisamente si ritrova in una situazione paradossale, in cui la legge lo spinge a tornare a casa in Algeria. Una casa mai nemmeno vista. Il giovane cercherà dunque una soluzione al problema, tra avvocati e sindacati, esponendosi in prima persona con la stampa locale, cercando di attrarre l’attenzione della comunità civile sul problema. Mentre il fratello Amir è deciso a rimanere in Italia, Said cerca la soluzione migliore per mantenere tutta la famiglia unita.

Un tema profondamente attuale, entrato più volte nella discussione politica del nostro Paese. Giovani nati e cresciuti in Italia, stranieri di seconda generazione che non hanno mai visto altra patria se non quella in cui sono vissuti, costretti ad abbandonare tutto. Casa, scuola, amici, futuro. I problemi di una burocrazia restrittiva, dagli iter lunghissimi, spesso attaccata a cavilli puramente tecnici. Un’Italia ancora poco incline all’integrazione, già nelle culture di altre nazioni occidentali quali Francia, Inghilterra, Germania, Stati Uniti, per ragioni storiche legate al colonialismo e non solo. Rashid vuole proporci interessanti spunti di riflessione e ci riesce, in una storia che ha un sapore anche autobiografico, date le origini irachene del regista. Una vicenda raccontataci attraverso le parole e i volti dei personaggi, con un uso ricercato dei primi piani, soprattutto quelli di Lorenzo Baglioni (Said) e Mohamed Hanifi (Hamid), entrambi capaci di un’interpretazione convincente. Un film realizzato in modo semplice, con una sceneggiatura lineare priva di clamorosi colpi di scena che avrebbero tolto un po’ di realismo a una storia che vuole e deve raccontare un problema vero. La stessa Firenze ci appare in tutta se stessa. Una città viva, reale, non una semplice, splendida opera d’arte che fa da artistico fondale. Pur nella semplicità della rappresentazione, la pellicola riesce a coinvolgere e far riflettere lo spettatore, grazie a tematiche che sono, del resto, attuali e ormai argomento di quotidiano dibattito.

Sta per piovere si lascia guardare senza particolari problemi, un film semplice, ma capace di essere ciò che il regista vuole, spunto di riflessione e traino per la metamorfosi di un paese ancora abbastanza cristallizzato e chiuso sui temi dell’immigrazione. Un cambiamento che il regista sembra sentire nell’aria, ormai prossimo, come profumo di pioggia prima che le gocce comincino a cadere.

Theodor Melfi scrive e dirige il suo esordio alla regia, St. Vincent, storia tratta da un esperienza biografica che ha adattato sul grande schermo per dare vita ad una commedia con al centro il classico rapporto generazionale tra anziani e bambini.

In St. Vincent Maggie (Melissa McCarthy), madre single, si trasferisce a Brooklyn con il figlio dodicenne Oliver (Jaeden Lieberher). Costretta a lavorare fino a tardi, Maggie non ha altra scelta che lasciare il bambino con il vicino di casa Vincent (Bill Murray). L’uomo in compagnia di Daka (Naomi Watts), spogliarellista incinta, porta con sé Oliver nei luoghi che frequenta quotidianamente: l’ippodromo, lo strip club e il bar di fiducia.

Difatti il film di Melfi rientra ampiamente nello schema di alcune pellicole quali Il Vecchio e il bambino, Gran Torino fino ad arrivare Up in cui troviamo il vecchio burbero dal passato doloroso che è diventato diffidente e furbo nei confronti del mondo che pian piano si aprirà grazie all’innocenza e la fragilità del ragazzo che farà leva sui ricordi e i sentimenti dell’uomo.

St. Vincent: il film

Ciò che getta una luce differente in questo schema classico, è lo stile che adotta il regista, una commedia ambientata nei sobborghi americani che da ampio respiro al film e che non cerca di cadere facilmente nel sentimentalismo ma che emoziona attraverso la comicità spontanea delle maschere che sono ben descritte e che fanno nascere e crescere spontaneamente la risata del pubblico, senza ricorrere a facili forzature.

La seconda giusta intuizione arriva grazie al cast di St. Vincent: Murray riesce a tenere da solo l’intero film tagliando trasversalmente tutte le corde della pellicola, regalando così l’ennesima interpretazione, che se in qualche modo sembra già vista, è pur sempre originale e spassosa. Contemporaneamente, in ruoli invertiti, assistiamo alle trasformazioni della Watts e della McCarthy, la prima in veste comica e la seconda in quella drammatica, che riescono a confermare le indiscusse doti artistiche e a caratterizzare il film con interessanti gag. Bravi anche Chris’ODowd nel ruolo di padre Geraghty, un insolito reverendo della scuola di Oliver, ed ovviamente Lieberher che riesce a tenere la scena e i tempi comici di un mostro sacro come Murray.

St. Vincent è un film che riesce ad utilizzare una struttura nota al cinema, il divario generazionale, per parlare dei rapporti umani e di come questi siano associati ai pregiudizi e alle prime impressioni. Infatti la pellicola gioca attraverso il registro della commedia sul punto di vista, passando dalla visione generale che si ha del personaggio Murray per poi unirsi alla visione del piccolo Lieberher che senza i filtri sociali e morali riesce a dare una giusta prospettiva al suo baby-sitter lanciando definitivamente l’inevitabile l’happy ending.

Dal titolo Sr. Robert Downey Jr. con la regia di Chris Smith racconta in un documentario in bianco e nero la vita del padre Robert Sr., un eclettico pioniere del cinema sperimentale. Il documentario girato nel 2019 fino al 2021 quando il regista è venuto a mancare a causa di complicanze dovute al Parkinson. Il suo lungometraggio Putney Swope ha ricevuto dalla Biblioteca del Congresso americano il titolo “culturalmente significativo”. Il suo nome è stato di ispirazione a molti registi tra cui Paul Thomas Anderson che compare nel documentario. Sr. è disponibile su Netflix dal 2 dicembre.

Sr., la recensione

Il ritratto di un anticonformista Robert Downey Sr. e quello che propone il nuovo documentario di Netflix. Non si presenta come un’asettica linea temporale che ripercorre le date più significative del regista ma ha carattere e irriverenza tipici del protagonista. L’assenza di colore dona al formato del documentario la nostalgia di quel tempo che non c’è più. Ci imbattiamo in scene di normale quotidianità mentre Sr. Cerca di dirigere la sua versione del documentario: “Non si tratta solo dei tuoi film. Si tratta di sapere chi sei“.

Pungente, sicuramente è questo un altro aggettivo per descrivere Bob Sr. Il suo racconto come regista underground della New York degli anni ’60 viene filtrato anche dagli occhi dello stesso Downey Jr. che già nella culla ascoltava i ciak a ripetizione. La sua carriera inizia nel 1966 con Chafed Elbows (1966) un film talmente avanti con i tempi che, come ricorda lo stesso Sr., anche la madre ha odiato. La pellicola parlava di un pazzo che sposa la madre, una sindrome di Edipo amplificata. Poi sono arrivati Babo 73 e The Sweet Smell of Sex prima del successo nel 1969 con Putney Swope.

Uno dei punti nevralgici della sua carriera è stata proprio la preparazione al film. Quando il figlio gli domanda da dove aveva avuto l’idea di una trama – così attuale oggi come all’ora durante le agitazioni per i diritti civili. “Un giorno un uomo di colore che lavorava con me mi disse ‘Tu fai più soldi di me nonostante facciamo lo stesso lavoro’“. E l’irriverenza del regista non si è fermata alla pellicola ma anche alla locandina promozionale del film che sbatte a tutti un bel dito medio in primo piano.

Un uomo pieno di misteri che con l’età è stato in grado di smussare gli angoli più duri del suo carattere. Dopo il successo del 1969 il suo nome è stato notato anche dai nomi più illustri di Hollywood. Ma uno dei momenti che tiene a ricordare è l’incontro con Paul Thomas Anderson. Il regista di Boogie Night racconta dell’ammirazione dei confronti di Downey Sr. e in Sr. il sentimento nei confronti del regista viene ricambiato. Il figlio infatti scherza: “Siamo tutti d’accordo che Paul Thomas Anderson è il figlio che mio padre avrebbe voluto”. Infatti, lo stesso Anderson anni prima ha girato alcuni video amatoriali di un viaggio in treno con Sr. che sono state inserite nel documentario.

Padre e figlio uniti da un ciak

Mentre Sr. ripercorre la sua vita come regista, Robert Jr. parla della sua vita come attore, nata dalla costante presenza del cinema nella sua vita. A 5 anni, infatti, il padre – in mancanza di un baby-sitter a cui affidarlo – lo mette davanti la macchina da presa: “Sapevo che non doveva andare a scuola, ma che sarebbe diventato un attore”. Nasce così Robert Downey Jr. attore che oggi vanta il titolo di uno degli attori più pagati di Hollywood. Ma non è stato sempre facile creare un semplice rapporto padre-figlio.

Il cinema, la possibilità di sedersi l’uno accanto all’altro e poter parlare della pellicola insieme è stato uno dei motori del loro rapporto così intenso. Ma dopo il 1972 con Greaser’s Palace, dove Sr. fa una reinterpretazione comica della vita di Cristo che tutto va a rotoli. come afferma lui stesso nel documentario. “Mi facevo di cocaina e marijuana per lo più”, e questo ha portato anche alla fine del matrimonio con la prima moglie, Elsie. La madre di Robert Jr. ha lavorato al fianco di Sr. per tutta la vita – nonostante alcuni critici del momento dicessero che fosse sprecata per i suoi film. Aveva un talento straordinario e mi ha insegnato tutto su come recitare.

Mentre le due versioni del documentario prendono forma grazie a Sr.’s cut, viene mostrato l’unico lavoro diretto da Sr. sotto il controllo di uno studios hollywoodiano. E quando Robert Sr. parla dell’inizio della sua rovina intende proprio questo. Il suo rapporto con le droghe si è riversato anche sul figlio: “Tutti alteravamo la nostra coscienza attraverso l’uso di sostanze. Volevo continuare a sballarmi”. Piscine – film del 1997 con dei giovanissimi Alyssa Milano e Patrick Dempsey – racconta molto bene il suo percorso di dipendenza e successiva ripresa. Il film autobiografico mette in scena un periodo molto difficile della vita di Sr.

Una vita dedicata al cinema

Fino alla fine Sr. ci mostra Robert in preda ai suoi montaggi mentre guarda su una grande tv il figlio esibirsi in uno spettacolo in tedesco. Questo lavoro sul documentario durato un paio d’anni porta davanti l’occhio esperto della macchina da presa la vita di un uomo semplice che amava fare cinema. Era eclettico, sconsiderato e irriverente tutte qualità che ha trasmesso nelle sue opere indipendenti, molto più di quelle consacrate a Hollywood. Sr. non era fatto per la vita nella ridente e soleggiata Los Angeles ma più di ogni cosa amava la vita frenetica di New York.

Dopo aver completato il suo processo creativo ci avviciniamo al momento della morte. Questo è quello che fate nella vostra famiglia, voi attori fate della vostra vita un’arte. Si tratta di sapere chi sei. La famiglia Downey ha fatto della cinepresa l’obiettivo attraverso il quale riflettere dei propri momenti tristi e divertenti. E così come lo era stato per i filmini di famiglia anche il momento più triste nella vita di un uomo, come la scomparsa del proprio padre, è affidato simbolicamente a una 16 mm.

 “Credo in voi, credo che ce la farete. Credo che potrete aiutarvi a vicenda a rendere il mondo un posto migliore in cui vivere”.