Founders Day, diretto da Erik Bloomquist, è una commedia horror slasher ambientata nella cittadina americana di Fairwood, impegnata in una campagna elettorale che vede contrapposti il sindaco Gladwell e lo sfidante Harold Faulkner. Mentre gli adulti seguono la politica, gli adolescenti affrontano drammi personali. Melissa, figlia di Harold, vive una storia con Allison Chambers, ma la relazione sembra destinata a spezzarsi quando Allison deve trasferirsi a Raleigh. Una notte, però, Mellisa viene aggredita da uno sconosciuto mascherato vestito da giudice, che la uccide davanti agli occhi di Allison. Da quel momento, la comunità è scossa dalla presenza di un serial killer, mentre la tensione politica cresce.

Cosa accade in Founders Day

Adam, fratello di Melissa, è devastato dalla sua scomparsa. Profondamente legato alla sorella, cerca conforto in Allison, l’unica con cui riesce a parlare apertamente. Adam è tormentato anche dalla rottura con Lily, figlia del sindaco Gladwell, con cui aveva una relazione ostacolata dalla rivalità politica dei rispettivi genitori. Una notte, mentre Lily resta al teatro dopo una festa, viene aggredita e uccisa dal killer mascherato, che la sfigura brutalmente. Nel frattempo, Adam confessa ad Allison di aver lasciato Lily perché Melissa aveva scoperto che lo tradiva con un altro ragazzo.

Il giorno della Festa dei Fondatori, il corpo di Lily viene ritrovato e la città precipita nel caos. Poco dopo, il killer attacca altri giovani, tra cui Britt e Tyler, sorpresi a scuola. Allison, anch’essa nell’edificio, scopre Adam mentre indossa il costume del giudice e scrive sulla lavagna una delle note tipiche dell’assassino. Armato di martelletto, Adam la insegue, convinto che non gli resti altra scelta se non eliminarla. Ma Allison riesce a salvarsi grazie all’intervento del padre Thomas, che uccide Adam. La verità, però, è più complessa: Adam non era l’unico assassino. Allison era con lui quando Lily fu uccisa, quindi un altro complice doveva essere coinvolto.

La spiegazione del finale del film

La rivelazione avviene poco dopo, quando Allison si trova faccia a faccia con il vero burattinaio. Tornata a casa, Allison scopre che l’assassino era già lì ad aspettarla: si tratta di Melissa, creduta morta. La ragazza svela di aver orchestrato il piano dietro la maschera del giudice, spinta dall’odio verso il padre e dal desiderio di ribellarsi al controllo familiare e politico. Convinse poi Adam ad aiutarla dopo che lui scoprì il tradimento di Lily, spingendolo così a partecipare al piano omicida. Melissa confessa quindi di aver ucciso Lily, il sindaco Gladwell e infine il suo stesso padre, trasformando la sua vendetta personale in una carneficina.

Nonostante tutto, rivela ancora di provare amore per Allison e le chiede di tornare con lei, ma, di fronte al rifiuto, decide che deve uccidere sia lei che suo padre. Ma c’è un ulteriore colpo di scena: il vero manipolatore è il professor Jackson, insegnante e membro del consiglio scolastico. È lui ad aver spinto Melissa e Adam a compiere gli omicidi, approfittando del loro odio e delle loro fragilità. La sua ambizione era chiara: diventare sindaco di Fairwood. Uccidere solo i candidati alle elezioni sarebbe stato troppo sospetto, quindi orchestrò anche la morte di adolescenti per mascherare i delitti come opera di un serial killer casuale.

Nel finale, quando Melissa cerca di costringere Jackson a uccidere Allison, l’uomo si ribella e la attacca con il martelletto. In uno scontro sanguinoso, Allison riesce infine a sopraffare Melissa e a ucciderla. Jackson, invece, rivela di non avere intenzione di eliminarla e le offre una scelta: tacere e salvarsi, o rischiare tutto denunciandolo senza prove. Allison sceglie la sopravvivenza. Un anno dopo, è riuscita ad andare al college ed è diventata presidente dell’associazione studentesca, segno che l’esperienza le ha dato nuove capacità di leadership. Tuttavia, il trauma non l’ha abbandonata: i ricordi continuano a perseguitarla e una vita serena sembra impossibile.

Nel frattempo, il piano di Jackson ha avuto successo. Secondo le regole cittadine, il posto di sindaco vacante è toccato a lui, trasformandolo da insegnante di liceo ad affabile politico. Dietro le promesse elettorali, però, resta un uomo che ha sacrificato vite innocenti solo per ambizione personale. Melissa e Adam non erano altro che pedine, e lui non prova alcun rimorso per le loro morti. Il finale di Founders Day sottolinea così un messaggio amaro: il vero orrore non è soltanto il killer mascherato, ma la corruzione del potere e la manipolazione politica, capaci di sfruttare la fragilità delle persone per fini personali.

Cosa ci lascia il film Founders Day

Founders Day lascia dunque lo spettatore con una riflessione amara sulla manipolazione politica e sulla perdita di innocenza nelle comunità moderne. La violenza che travolge Fairwood non nasce solo dal fanatismo dei singoli, ma dall’opportunismo di chi sfrutta il caos per ottenere potere, come il signor Jackson. Il film mostra come la politica possa infiltrarsi persino nei rapporti più intimi, trasformando i giovani in pedine sacrificabili. Alla fine resta il messaggio che il potere corrotto, mascherato da leadership e promesse, spesso si alimenta delle fragilità altrui, lasciando cicatrici difficili da cancellare.

La stangata (The Sting, 1973) rappresenta uno dei momenti più iconici nella filmografia di George Roy Hill, regista noto per la sua abilità nel mescolare tensione, comicità e narrazione elegante. Dopo successi come La vita privata di Henry Orient  e Butch Cassidy, Hill conferma con questo film il suo talento nel costruire storie intricate e raffinate, capaci di combinare suspense e umorismo. Il film riflette la sua predilezione per trame sofisticate e per personaggi affascinanti che si muovono in contesti moralmente ambigui, confermando la sua maestria nella direzione attoriale e nel ritmo narrativo.

Protagonisti principali sono Robert Redford e Paul Newman, già collaudati compagni di set in Butch Cassidy. La loro chimica è fondamentale: Redford incarna il giovane e astuto truffatore, mentre Newman porta la sua eleganza e ironia nel ruolo dell’esperto del raggiro. La loro interazione rende il film brillante, conferendo carisma e profondità a una storia altrimenti complessa. Il duo attoriale, insieme alla regia di Hill, riesce a trasformare un film di genere crime in un racconto di intrighi intelligenti e di relazioni sottilmente manipolatorie.

Il film – vincitore di 7 premi Oscar – si inserisce nel filone delle commedie criminali degli anni ’70, con richiami al caper movie, ma si distingue per la sua struttura meticolosa e per il fascino nostalgico degli anni ’30, in cui è ambientata la vicenda. Temi come inganno, fiducia e vendetta sono al centro del racconto, e la precisione della regia di Hill rende ogni svolta credibile e avvincente. Oggi La stangata è considerato un classico del cinema americano, esempio perfetto di intrattenimento intelligente e stilisticamente elegante. Nel resto dell’articolo approfondiremo il finale, svelando come Hill costruisce la sorprendente rivelazione che chiude la storia.

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La trama di La stangata

In una Joliet degli anni ’30, si creano i presupposti per organizzare una delle “stangate” più famose di sempre. Johnny Hooker (Robert Redford), decide di vendicare la morte del suo amico e complice di tante imprese ai limiti della legge, Luther Coleman, il quale è stato ucciso dal boss del crimine Doyle Lonnegan, per fare questo chiede aiuto a Henry Gondorff (Paul Newman) amico di Luther e maestro dell’arte del raggiro, momentaneamente ritirato dagli affari per un colpo andato male. I due, iniziano a mettere su un piano destreggiandosi fra boss criminali, agenti FBI e poliziotti in cerca di riscatto professionale.

Il gangster Doyle Lonnegan è titubante all’idea di fidarsi proprio di Johnny, ma la prospettiva dell’elevato guadagno gli fa perdere ogni riserva e abbocca all’amo gettato dai due “artisti della truffa”. I due elaborano così un piano complicato e raffinatissimo per portar via a Lonnegan un’ingente somma di denaro che possa soddisfare Johnny senza dover usare la violenza. L’organizzazione dell’inganno è capillare ed efficiente, con una talentuosa squadra di altri truffatori perfetta e magistralmente sincronizzata, pronta a darsi da fare per aiutare Johnny in tutti i modi e a non perdere una buona fetta del ricavato della truffa.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto de La stangata, Johnny Hooker e Henry Gondorff mettono in atto il colpo finale contro Doyle Lonnegan utilizzando “the wire”, una sofisticata truffa che richiede un’ampia squadra di esperti. Gondorff si finge il grezzo bookmaker Shaw, irritando Lonnegan e convincendolo a finanziare una scommessa di mezzo milione di dollari su un cavallo, mentre Hooker, nel ruolo di Kelly, coordina le azioni e fa credere al boss di poter entrare nel mercato di Shaw. Lonnegan è ignaro che ogni mossa è pianificata e che la posta in gioco non è quella che sembra.

La tensione raggiunge l’apice durante la scommessa su Lucky Dan: Lonnegan, convinto di vincere, scopre solo alla fine che la puntata era stata manipolata per far arrivare il cavallo secondo. Nel caos apparente, “l’FBI” irrompe nella sala: Polk, Snyder e gli agenti sono in realtà complici del colpo, mentre i falsi spari servono a dare l’illusione della violenza. La truffa riesce pienamente, Lonnegan perde il denaro senza comprendere l’inganno, e Hooker e Gondorff si rialzano tra applausi e risate, liberi e vittoriosi.

Tuttavia, mentre i truffatori svuotano la stanza, Hooker rifiuta la sua parte di denaro, sostenendo che comunque lo perderebbe, e se ne va con Gondorff. Il finale sottolinea la maestria di Hill nel costruire suspense e colpi di scena. La “truffa nella truffa” mostra un gioco di inganni continuo, dove identità, ruoli e prospettive sono manipolati fino all’ultimo minuto. Lo spettatore viene guidato attraverso un climax brillante che premia astuzia, pianificazione e improvvisazione, rendendo la vittoria dei protagonisti credibile e spettacolare.

La conclusione evidenzia in modo chiaro e incisivo i temi morali e narrativi del film: fiducia, inganno e l’uso dell’intelligenza sopra la forza bruta. Johnny Hooker e Henry Gondorff operano ai margini della legge, trasformando il crimine in un vero e proprio esercizio di astuzia e strategia, dove ogni mossa conta. La storia mette in luce come abilità, collaborazione e ingegno possano ribaltare situazioni apparentemente impossibili, dimostrando che la mente può prevalere sulla forza fisica. Questo finale porta lo spettatore a riflettere sulla linea sottile tra moralità e opportunismo, suggerendo dilemmi etici universali.

La ragazza del mare (qui la recensione) è basato sulla storia vera di Gertrude “Trudy” Ederle e, pur mantenendo l’essenza di ciò che è accaduto nella realtà, il film tralascia e modifica alcuni aspetti. Diretto da Joachim Rønning e interpretato da Daisy Ridley nel ruolo di Trudy Ederle, il film biografico è tratto dal libro di Glenn Stout e segue Trudy dal momento in cui supera il morbillo fino alla sua trionfale traversata a nuoto della Manica nel 1926.

Anche i migliori film biografici modificano alcuni aspetti della vita dei personaggi per rendere la storia più avvincente o più lineare. Ciò che è accaduto nella vita reale non è mai esattamente come viene rappresentato sullo schermo, e La ragazza del mare, pur rimanendo fedele alla storia della vita di Ederle, si prende occasionalmente alcune libertà creative. Ciò significa alterare alcuni elementi della storia per adattarli alla narrazione del film o tralasciare alcune cose per rendere più intenso il finale. Vediamo allora cosa è cambiato.

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Trudy Ederle ha cambiato il suo costume da bagno

In La ragazza del mare, Meg aiuta Trudy a cambiare il suo costume da bagno prima che lei si tuffi in acqua per attraversare la Manica, cucendone una nuova versione che fosse più versatile e comoda quando Trudy nuotava. In realtà, fu Trudy a pensare di cambiare costume da bagno, indossando un costume da bagno di seta quando apparve sulla spiaggia prima del suo tentativo di attraversare la Manica. Fu anche Trudy a usare la cera di candela sugli occhialini e a spalmarsi diversi strati di grasso, olio d’oliva e vaselina, anche se probabilmente sua sorella l’aiutò.

Il cambiamento di stile del costume da bagno di Trudy fu un evento importante nel 1926, quando le donne in genere non indossavano costumi da bagno a due pezzi. Indossavano anche le scarpe per nuotare. Il fatto che a Trudy non importasse se fosse considerato scandaloso indossare un costume a due pezzi che non la soffocava né la rallentava in acqua era una cosa incredibile per l’epoca. Dimostrava che la sua ideologia non era così antiquata e che la sua scelta del costume da bagno era liberatoria tanto quanto la sua decisione di attraversare a nuoto la Manica.

Trudy Ederle tornò a New York dopo il suo primo tentativo fallito di attraversare a nuoto la Manica

La ragazza del mare ha aggiunto un tocco di drammaticità al periodo tra il suo primo tentativo (fallito) di attraversare a nuoto la Manica e il secondo. Nel film, Trudy saltò dalla nave diretta a New York per tornare in Francia e allenarsi con Bill Burgess. Lo sponsor di Trudy non fu affatto contento di questo cambiamento di programma. Tuttavia, la realtà dei fatti era che Trudy tornò davvero a New York dopo aver fallito il suo primo tentativo di attraversare a nuoto la Manica. Lasciò la Francia nel 1925 e non vi fece ritorno fino a un anno dopo, nel 1926.

Una volta tornata in Francia, Trudy trascorse settimane ad allenarsi per conoscere l’acqua e abituarsi al freddo. Solo dopo, il 26 agosto 1926, Trudy tentò nuovamente di attraversare a nuoto la Manica. In La ragazza del mare, invece, Trudy attraversa la Manica solo poche settimane dopo il suo primo tentativo fallito. Ma probabilmente è stato cambiato in modo che il film non dovesse coprire l’anno del suo ritorno a New York, soprattutto perché si avvicinava alla fine del film.

Bill Burgess allenò Trudy Ederle solo dopo il suo ritorno in Francia

La ragazza del mare descrive Trudy che licenzia Jabez Wolffe come suo allenatore di nuoto e accetta di lavorare con Bill Burgess, lui stesso un nuotatore di successo della Manica diventato allenatore, a condizione che lui non la tirasse fuori dall’acqua in nessun caso. Ma mentre Burgess la incontrò in Francia dopo che lei si era ripresa dall’avvelenamento, spingendola a mettere in discussione Wolffe nel film, in realtà non allenò Trudy fino al suo ritorno in Francia nella primavera del 1926.

Poiché la linea temporale del film è abbreviata per includere i due tentativi di Trudy nell’arco di poche settimane, Burgess viene inserito prima. Ma proprio come nel film biografico, il nuotatore si rivelò di grande aiuto per Trudy, offrendole saggi consigli sul nuoto nella Manica dopo averlo fatto più volte in precedenza. Burgess fece anche ciò che Trudy desiderava, mentre Wolffe era più incline a indirizzarla verso una direzione che non era particolarmente orientata al successo.

Il padre di Trudy Ederle le promise un’auto sportiva rossa se avesse nuotato con successo

Il padre di Trudy, Henry (interpretato da Kim Bodnia di Killing Eve), inizialmente non era d’accordo con le lezioni di nuoto della figlia. Tuttavia, alla fine di La ragazza del mare, si presentò per mostrarle il suo sostegno e incoraggiarla. Ciò che il film omette, tuttavia, è che Henry promise a Trudy che le avrebbe comprato una roadster rossa se fosse riuscita ad attraversare a nuoto la Manica. La promessa di un nuovo veicolo contribuì a motivare Trudy durante la sua traversata a nuoto della Manica.

Fedele alla sua parola, Henry ha comprato alla figlia la roadster dopo la sua trionfale traversata fino alle coste dell’Inghilterra, e lei ha ricevuto l’auto al suo ritorno a New York. Nel film, Henry è un uomo di poche parole e sostiene la tradizione, ma quando si è trattato del secondo tentativo di Trudy di attraversare la Manica a nuoto, lui era lì per lei. Anche la promessa di una nuova auto per aiutare Trudy ad andare fino in fondo non ha fatto male.

La ragazza del mare omette la tempesta che Ederle ha affrontato durante la traversata

Uno dei maggiori ostacoli che Trudy ha dovuto affrontare durante la traversata è stato il fondale basso. Si trattava di una zona che il rimorchiatore non poteva attraversare perché, appunto, troppo bassa. Trudy è rimasta sola, senza una barca che la guidasse e senza luci che le consentissero di vedere attraverso l’immenso e infinito oceano. Ciò che La ragazza del mare alla fine tralascia è la tempesta che Ederle e l’equipaggio della barca hanno affrontato durante la sua traversata. La violenta tempesta ha creato onde devastanti che hanno rallentato Trudy e costretto Burgess a cambiare direzione.

Naturalmente, la tempesta non ha impedito a Trudy di raggiungere il suo obiettivo ed è comunque riuscita a raggiungere le coste dell’Inghilterra in meno tempo di qualsiasi altro uomo che avesse completato la traversata della Manica prima di lei, ma è un momento che non è incluso nel film. Forse l’idea che Trudy si fosse persa per un po’ da sola nelle acque poco profonde ha aumentato la tensione ai fini della trama, anche se si è allontanata da alcuni dettagli della storia vera.

Il primo tentativo di Trudy Ederle sarebbe fallito a causa di un errore di valutazione delle maree

In La ragazza del mare, il primo tentativo di Trudy di attraversare la Manica viene interrotto dopo che Jabez Wolffe le ha versato delle pillole contro il mal di mare nel tè, impedendole di nuotare e costringendola a tornare in Francia. E mentre Trudy credeva che Wolffe le avesse avvelenato il tè, e si sosteneva che lui l’avesse tirata fuori perché sembrava malata, l’autore di The Great Swim, Gavin Mortimer, ha detto che secondo quanto riferito “avevano sbagliato le maree e Trudy non si era preparata abbastanza”.

Di sicuro, il primo tentativo di Trudy di attraversare a nuoto la Manica non andò come voleva, e c’è un motivo per cui finì per assumere Bill Burgess al posto di Wolffe. Che fosse colpa delle maree o meno, la stessa Ederle credeva che Wolffe avesse messo qualcosa nel suo tè ed è quello che racconta La ragazza del mare, probabilmente perché era il punto di vista di Trudy su come erano andate le cose.

La ragazza del mare non include la rubrica settimanale di Trudy Ederle

Prima del secondo tentativo di Trudy Ederle di attraversare a nuoto la Manica, la nuotatrice fu ingaggiata per scrivere una rubrica settimanale per il New York Daily News per un compenso di 5.000 dollari (più un extra se avesse effettivamente raggiunto il suo obiettivo). Oltre alla rubrica, il New York Daily News e il Chicago Tribune erano gli sponsor di Ederle, e alcuni giornalisti erano sulla barca che seguiva i progressi di Trudy in acqua, ottenendo la copertura esclusiva per i rispettivi giornali della sua traversata a nuoto della Manica.

È comprensibile il motivo per cui La ragazza del mare abbia tralasciato questa parte della storia. Concentrandosi sulla determinazione e sull’allenamento di Trudy mentre si preparava al suo secondo tentativo di attraversare la Manica, includere il fatto che avesse firmato un contratto con il New York Daily News per scrivere una rubrica avrebbe potuto rallentare lo slancio del film, soprattutto perché questo dettaglio (anche se piuttosto interessante) non era rilevante per la storia nel suo complesso.

Quattro nuotatrici tentarono di attraversare la Manica nel 1926

Prima del secondo tentativo di Trudy di attraversare la Manica, altre quattro nuotatrici tentarono di attraversarla a nuoto nel 1926. Arrivarono in Francia con l’obiettivo di superare Ederle, ma tutte e quattro fallirono nell’impresa. È interessante notare che nel 1925 anche Helen Wainright fu sponsorizzata insieme a Ederle per tentare di attraversare la Manica a nuoto, ma Wainright dovette ritirarsi a causa di un infortunio.

L’anno successivo, nel 1927, Mercedes Gleitze attraversò con successo la Manica, diventando la prima donna britannica a farlo, anche se non batté il tempo di Ederle, che rimase imbattuto per 24 anni. Il tempo record di Trudy fu superato da Florence Chadwick, che attraversò la Manica dalla Francia all’Inghilterra in 13 ore e 23 minuti nel 1950. Se le quattro donne avessero avuto successo nel 1926, l’anno in cui Ederle entrò nella storia, è possibile che lei non sarebbe stata la prima donna ad attraversare la Manica.

Trudy Ederle rischiò di annegare quando aveva 7 anni

La ragazza del mare suggerisce che fu la madre di Trudy Ederle, Gertrude Anna Ederle, a iscrivere le figlie a un corso di nuoto dopo aver sentito la notizia di alcune donne morte in un incendio su una barca perché non sapevano nuotare. Ma secondo quanto riferito, Ederle rischiò di annegare all’età di sette anni, e questo la spinse a voler imparare a nuotare. Questo episodio non è riportato in La ragazza del mare, che inizia solo dopo che Trudy sopravvisse al morbillo all’età di cinque anni.

La lotta della nuotatrice contro il morbillo è una parte centrale della narrazione, poiché ha influito sul suo udito e sulla sua capacità di nuotare nelle piscine pubbliche. Probabilmente è stata omessa perché l’incoraggiamento di sua madre e la storia dell’annegamento della sorella di Anna, che spiegava perché Anna avesse paura dell’acqua, erano sufficienti a creare tensione drammatica all’interno della storia.

La ragazza del mare tralascia tre dei fratelli di Trudy Ederle

Nel film, Trudy è una dei tre figli, la figlia di mezzo tra la sorella maggiore Meg e il fratello minore. I tre fratelli vengono spesso mostrati mentre cenano insieme, anche se il fratello non ha lo stesso spazio di Meg perché La ragazza del mare si concentra specificatamente sul rapporto stretto tra Trudy e sua sorella. Tuttavia, Trudy era in realtà una di sei fratelli.

Meg era effettivamente una delle sue sorelle e Trudy ha lasciato dieci nipoti dopo la sua morte nel 2003. Il film tralascia gli altri tre fratelli per ragioni non chiare, forse per non rendere il cast eccessivamente numeroso. Non si sa molto degli altri fratelli di Ederle, ma dato che La ragazza del mare è incentrato sul rapporto tra Meg e Trudy, la presenza costante degli altri fratelli avrebbe potuto distogliere l’attenzione da questo tema centrale.

Cosa comportano questi cambiamenti rispetto alla storia vera

Molti cambiamenti introdotti in La ragazza del mare rispetto alla realtà storica sono stati pensati per rendere la narrazione più scorrevole e accessibile. Invece di soffermarsi su ogni dettaglio della vita di Trudy Ederle, il film ha scelto di condensare gli eventi, concentrandosi soprattutto sul suo primo tentativo di attraversare la Manica e saltando passaggi come il ritorno negli Stati Uniti. Questa scelta permette di mantenere un ritmo più serrato e di focalizzare l’attenzione sul cuore della sua impresa, senza ridondanze che avrebbero rallentato la narrazione.

Alcuni episodi realmente accaduti, come il quasi annegamento da bambina o la tempesta affrontata durante una nuotata, sono stati esclusi proprio perché avrebbero rischiato di sembrare artificiosi o inventati da Hollywood, nonostante fossero autentici. Il film, quindi, privilegia un equilibrio tra verità storica e costruzione cinematografica, selezionando solo gli elementi essenziali per trasmettere la determinazione e il coraggio di Trudy. Il risultato è una sceneggiatura coinvolgente, che cattura lo spirito e l’ispirazione della sua storia senza appesantirla di dettagli superflui, rendendo La ragazza del mare un racconto emozionante e credibile.

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Quando i fan discutono sulle armi più potenti del MCU, nomi come il Guanto dell’Infinito, Mjolnir o persino i Dieci Anelli di solito sono in cima alla lista. Eppure, nascosta in bella vista fin dal primo film dell’MCU, c’è una tecnologia così devastante che, se usata strategicamente, avrebbe potuto rendere indifesi tutti gli eroi più potenti della Terra. La parte sorprendente? Non era un artefatto alieno, né era stato creato da Tony Stark in persona: era stato introdotto dal suo rivale, Obadiah Stane, in Iron Man (2008).

In una delle scene più agghiaccianti del film, Stane mostra un dispositivo portatile compatto in grado di disattivare il sistema nervoso di una persona per 15 minuti. Emettendo una frequenza acuta, l’arma paralizza chiunque si trovi nel raggio d’azione, lasciandola completamente cosciente ma completamente incapace di muoversi. A meno che l’utilizzatore non indossi tappi auricolari protettivi, le vittime sono rese prigioniere del proprio corpo.

Questo dispositivo senza nome è apparso solo una volta nell’MCU, quando Stane ha teso un’imboscata a Tony Stark nella sua casa. Ma le implicazioni del suo potenziale utilizzo sono sconcertanti. Immaginate se Stane avesse integrato la tecnologia nella sua armatura di Iron Monger e l’avesse amplificata con altoparlanti esterni. Eserciti, supereroi e persino esseri cosmici come Thanos – sì, ha le orecchie – avrebbero potuto essere immobilizzati facilmente, lasciandoli vulnerabili a un colpo di grazia.

L’arma più potente del MCU è apparsa nel primo film

A differenza di molte delle armi più complesse o mistiche dell’universo, questo paralizzatore sonico non richiede condizioni speciali, energia cosmica o materiali rari. La sua efficacia dipende esclusivamente dalla biologia: se riesci a sentire, sei vulnerabile. In un mondo in cui super soldati, dei, stregoni e alieni vagano liberamente, il fatto che una semplice arma basata sulle onde sonore possa neutralizzarli evidenzia uno squilibrio terrificante. La forza degli Avengers risiede nella loro diversità di poteri, ma questo singolo dispositivo li ignora tutti senza discriminazioni.

Da allora, l’MCU ha introdotto innumerevoli potenti artefatti, dal Darkhold alla tecnologia multiversale di Kang, ma nessuno suscita lo stesso livello di paura pragmatica dell’invenzione dimenticata di Stane. La sua assenza nei film successivi ha portato alcuni fan a ipotizzare che l’arma sia stata silenziosamente “ritirata” dalla continuity a causa della sua eccessiva potenza. Dopotutto, se un dispositivo del genere fosse esistito durante battaglie come la Battaglia di New York o Infinity War, l’esito di quei conflitti avrebbe potuto essere molto diverso.

Mentre i Marvel Studios continuano a espandere il loro universo con minacce terrestri e cosmiche, è affascinante pensare che una delle sue tecnologie più letali sia stata introdotta nel primissimo capitolo. Obadiah Stane potrebbe essere stato sconfitto, ma il potenziale del suo dispositivo sonico rimane come un agghiacciante promemoria: a volte, l’arma più pericolosa non è alimentata dalla magia o dalle Gemme dell’Infinito, ma nasce dall’ingegno umano.

Con il figlio di Stane introdotto nel MCU in Ironheart, questa “vecchia” arma verrà rivalutata e potrebbe diventare una minaccia per gli Eroi più potenti della Terra? Staremo a vedere.

Presentato al Festival di Cannes 2023, Il coraggio di Blanche (qui la recensione) segna un nuovo tassello importante nella filmografia di Valérie Donzelli, regista capace di affrontare con sensibilità e rigore temi complessi legati all’intimità, alla famiglia e alle dinamiche di potere. Il film, tratto dal romanzo di Éric Reinhardt L’amore e le foreste (2014), – ispirato da alcune vicende realmente accadute – porta sullo schermo il racconto di una donna intrappolata in una relazione tossica, e trova la sua forza proprio nel mostrare con precisione e delicatezza la progressiva perdita di libertà della protagonista.

Il genere si colloca dunque tra il dramma psicologico e il racconto sociale, con un’attenzione particolare alla violenza domestica e al processo di manipolazione affettiva che spesso precede l’emersione della violenza fisica. Temi come l’isolamento, la perdita di identità e la ricerca di riscatto vengono affrontati con uno sguardo intimo e realistico, senza cedere a facili stereotipi o soluzioni narrative consolatorie. In questo senso, l’opera dialoga idealmente con altri film recenti sul tema della violenza sulle donne, come L’amore bugiardo – Gone Girl di David Fincher.

Con Il coraggio di Blanche, Donzelli porta dunque sullo schermo un racconto che non è solo privato ma universale, capace di parlare a chiunque abbia vissuto, o conosciuto da vicino, il peso delle relazioni tossiche. La pellicola non si limita a denunciare, ma accompagna lo spettatore nel viaggio di emancipazione della protagonista, mostrando quanto sia difficile e al tempo stesso vitale affermare la propria libertà. Nel prosieguo dell’articolo ci concentreremo sul finale del film, analizzandone la risoluzione narrativa e il significato simbolico, per comprendere meglio il messaggio che questa storia potente ci lascia.

La trama di Il coraggio di Blanche

Il film racconta la storia di Blanche Renard (Virginie Efira), che dopo aver incontrato Greg Lamoureux (Melvil Poupaud), è convinta di aver trovato l’uomo della sua vita. Poco dopo, però, Greg inizierà a mostrare il suo lato possessivo e pericoloso, tant’è che i due si trasferiranno lontano dalla famiglia di Blanche. È così la donna si ritrova coinvolta in una relazione tossica e morbosa, vergognandosi di rivelare la vera natura del suo nuovo compagno. Quando però capirà che la sua vita è messa in serio pericolo, dovrà decidere se rimanere in silenzio per sempre od opporsi all’uomo da cui credeva di essere amata.

La spiegazione del finale

Nel finale de Il coraggio di Blanche, la protagonista arriva al punto di rottura con Grégoire. Dopo anni di controllo, manipolazioni e umiliazioni psicologiche, l’uomo mostra definitivamente la sua natura violenta tentando di strangolarla quando Blanche gli annuncia la volontà di divorziare. È un momento drammatico e rivelatore, che segna la presa di coscienza definitiva della donna: la sua vita e quella dei suoi figli sono in pericolo. Con il sostegno della sorella Rose, Blanche trova la forza di denunciare l’aggressione e di rivolgersi a un avvocato, entrando in un percorso legale che diventa l’ultima speranza per liberarsi dalla spirale di abusi.

La chiusura del film avviene con la scena in tribunale, dove Blanche e Grégoire si ritrovano faccia a faccia. Lui, fedele al suo atteggiamento manipolatorio, tenta di riallacciare un contatto, ma lei non cede e rifiuta persino di guardarlo. È un gesto di rottura simbolico: Blanche sceglie di non essere più vittima del suo potere psicologico. Il finale non si concentra tanto sulla condanna o sull’esito processuale, quanto sulla ritrovata autodeterminazione della protagonista, che per la prima volta afferma con chiarezza la propria indipendenza e il proprio diritto a una vita libera.

La spiegazione di questo finale passa attraverso la rappresentazione del cammino di emancipazione di Blanche. Dopo aver subito anni di manipolazioni sottili e di isolamento forzato, il tentativo di strangolamento diventa il punto di non ritorno, un atto che rende impossibile qualunque forma di ritorno al passato. Nel rifiuto dello sguardo finale a Grégoire, il film racchiude il senso della sua rinascita: non è più disposta a concedergli potere, nemmeno simbolico, scegliendo finalmente di guardare solo avanti, verso se stessa e verso i suoi figli.

Il film lascia così lo spettatore con una riflessione sulla difficoltà di riconoscere e spezzare i legami tossici. La vicenda di Blanche mostra come la violenza domestica non sia sempre fatta di gesti eclatanti, ma spesso di micro-abusi, parole, divieti e manipolazioni quotidiane che lentamente annientano l’identità della vittima. La conclusione, pur restando aperta sugli sviluppi legali, trasmette il messaggio che uscire da una relazione abusante è possibile, ma richiede consapevolezza, supporto esterno e soprattutto coraggio.

In definitiva, Il coraggio di Blanche consegna al pubblico un messaggio forte e universale: la libertà personale e la dignità non devono mai essere sacrificate. Anche nelle situazioni più opprimenti, esiste la possibilità di ribellarsi e ricostruirsi, purché si trovi la forza di guardare in faccia la verità e di chiedere aiuto. È questo il lascito più potente del film, che trasforma una vicenda intima in un monito collettivo contro l’indifferenza e un inno alla resilienza femminile.

Nella battaglia tra Jason Statham e un gigantesco squalo preistorico, il finale di Shark – Il primo squalo dimostra che c’è spazio solo per un solo predatore al vertice della catena alimentare.  Il film si apre con il soccorritore subacqueo Jonas Taylor (Statham) che perde due amici durante l’evacuazione di un sottomarino danneggiato. Tuttavia, nessuno crede alla sua storia secondo cui il sottomarino è stato attaccato da una grande creatura. Cinque anni dopo, Jonas viene reclutato per un’altra missione di soccorso che coinvolge la sua ex moglie nella Fossa delle Marianne. Nella parte più profonda della fossa, un team di ricercatori scopre una forma di vita marina mai vista prima e un megalodonte molto affamato.

Jonas, l’oceanografa Suyin Zhang (Li Bingbing) e il resto dell’equipaggio della Mana One iniziano così a dare la caccia al megalodonte, che uccide diversi membri dell’equipaggio, tra cui il viscido miliardario Jack Morris (Rainn Wilson). Il finale vede però la gigantesca bestia dirigersi verso una spiaggia, con Jonas alle calcagna. Qui la bestia viene infine uccisa in modo creativo e i sopravvissuti che festeggiano insieme. Tuttavia, Shark – Il primo squalo termina con una nota che suggerisce che un altro squalo gigante potrebbe essere fuggito dalla fossa, aprendo così le porte ad un sequel.

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Come Jonas uccide il megalodonte

Shark – Il primo squalo è basato sulla serie di romanzi omonima di Steve Alten, ma l’adattamento cinematografico ha richiesto molti anni di sviluppo. A quanto pare, tutto ciò che i produttori dovevano fare era scritturare Statham e rendere questo una sorta di film di combattimento. La sequenza iniziale stabilisce che Jonas ha un conto in sospeso con lo squalo protagonista, e il finale di Shark – Il primo squalo si concentra proprio su questo. L’equipaggio del Mana One usa un richiamo per balene per distrarre Meg dalla spiaggia locale, mentre Jonas e Suyin progettano un sommergibile e pianificano di ucciderlo con dei missili.

Naturalmente, la situazione degenera rapidamente, con il veicolo di Jonas gravemente danneggiato dallo squalo e Suyin costretta a interrompere l’operazione per salvare il resto dell’equipaggio. Jonas è così costretto a improvvisare e decide di sfruttare la natura a suo vantaggio. Taglia il Meg con alcuni detriti del sommergibile prima di uscire e pugnalarlo nell’occhio. Jonas completa l’opera conficcando la lancia profondamente nell’occhio del Meg, il che sembra risolvere la questione. Tuttavia, il sangue delle sue ferite attira uno sciame di squali normali, che banchettano con la creatura ferita mentre Jonas nuota verso la salvezza e si ricongiunge all’equipaggio.

Le vittime del megalodonte

Il primo romanzo di Alten è in realtà più violento del film. Il libro non ha problemi con il sangue e gli arti mozzati, ma poiché è stato concepito come un blockbuster estivo per ragazzi, il film è piuttosto moderato dal punto di vista dello spargimento di sangue. Detto questo, il regista Jon Turteltaub ha confessato che il film aveva morti più cruente in una versione precedente, come la testa decapitata di Jack Morris che era tutto ciò che restava di lui quando il megalodonte lo ha attaccato. Nonostante la mancanza di sangue, il film ha comunque ottenuto un numero di vittime rispettabile.

Includendo gli incidenti causati direttamente dalla bestia protagonista, lo squale uccide 16 persone nel corso della storia. Questa cifra include Morris, “The Wall” di Ólafur Darri Ólafsson e Toshi (Masi Oka). Durante il finale, due elicotteri volano poi incautamente vicini per riprendere il megalodonte e finiscono per scontrarsi, causando altre quattro vittime. Oltre agli esseri umani, il gigantesco squalo mangia anche un calamaro gigante e una balena.

La spiegazione del grande colpo di scena del film

Sembra quasi che il film abbia preso spunto da Lo squalo 3-D, con un grande colpo di scena a metà che rivela che non c’è un solo megalodonte in libertà, ma ben due. Questo viene scoperto dopo che la squadra ha preparato una trappola, che prevede che Suyin si immerga sott’acqua in una gabbia a prova di squalo con del veleno. Questa tattica è tutt’altro che sicura, poiché il megalodonte morde la gabbia e cerca di mangiare Suyin. Lei riesce però ad uscire con l’aiuto di Jonas e lo pugnala con il veleno.

Lo squalo muore poco dopo e l’equipaggio della Mana One recupera il suo corpo. Tuttavia, i festeggiamenti durano poco. Mentre stanno esaminando il corpo, un secondo megalodonte ancora più grande emerge dall’acqua, uccidendo “The Wall” e nutrendosi del cadavere dell’altro squalo. Si conferma anche che questo squalo è anche il responsabile della morte degli amici di Jonas e delle altre vittime della storia fino a quel momento.

Jonas e Suyin finiscono insieme?

Oltre a dare la caccia a uno squalo preistorico mangia-uomini, Shark – Il primo squalo trova anche il tempo per una sottotrama romantica. Jonas e Suyin inizialmente sono irritabili l’uno con l’altra, ma col passare della storia imparano a rispettarsi a vicenda, e una scena comicamente imbarazzante all’inizio del film, in cui Suyin sorprende Jonas nudo dopo la doccia, rende chiaro che tra loro c’è una certa chimica. Jonas diventa anche molto amico della giovane figlia di Suyin, Meiying (Sophia Cai), che incoraggia più che mai qualsiasi tensione romantica.

Dopo che il megalodonte è stato sconfitto, si intuisce che Jonas e Suyin proveranno almeno a frequentarsi. Nel sequel Shark 2 – L’abisso ritorna Meiying, ma Suyin, interpretata da Li Bingbing, è assente. Questo a causa di una tragedia che ha avuto luogo tra i due film. Anche se non viene mai spiegato come sia successo, Suyin muore prima di questo secondo lungometraggio e Jonas ottiene la custodia della giovane Meiying. Questo porta a una nuova dinamica padre-figlia, con Suyin che viene ricordata solo nel sequel.

Come Shark – Il primo squalo ha portato a Shark 2 – L’abisso

Shark – Il primo squalo è stato un successo sorprendente, quindi un sequel sembrava scontato. Shark 2 – L’abisso vede così il ritorno di Jonas e di alcuni altri membri del cast originale, tra cui Cliff Curtis e Page Kennedy. Tra i nuovi arrivati ci sono la star di Wolf Warrior Wu Jing e Sienna Guillory, mentre Ben Wheatley di Kill List assume il ruolo di regista. Il film ha aggiunto alla carneficina i megalodonti che cacciano in branco, un megalodonte alfa ancora più grande e altri mostri preistorici che emergono dalla fossa.

Il film mostra anche come Jonas sia cresciuto dal primo film. Mentre nel precedente capitolo non voleva avere nulla a che fare con il salvare vite umane o fare altro che bere, Jonas è ora quasi un agente segreto giramondo, che interrompe operazioni minerarie oceaniche illegali e traffici illegali con il suo affiatato gruppo di mercenari. Poiché, come accennato, Suyin è morta prima del secondo film, Jonas deve anche essere un padre per Meiying e proteggerla quando tornano i megalodonti. Shark 2 – L’abisso, in sostanza, rende tutto più grande.