Les Filles du Soleil è il secondo lungometraggio della regista francese Eva Husson, che ha esordito nel 2015 con Bang Gang. Il film, selezionato in concorso a Cannes 2018, sembra realizzato esattamente per i “tempi che corrono”, per l’era del Time’s Up e della rivincita femminile sulla scena mondiale.

In Kurdistan, in una zona di guerra non meglio identificata, Bahar, comandante del battaglione “Les Filles du Soleil”, si sta preparando a sferrare un attacco che dovrebbe liberare la sua città natale dalle mani degli estremisti, qui, la donna spera di ritrovare suo figlio che è tenuto in ostaggio. Una giornalista francese, Mathilde, arriva a coprire l’offensiva e testimonia la storia di questi eccezionali guerrieri. Dal momento che le loro vite sono state stravolte, hanno combattuto tutte per la stessa causa: Donne, Vita, Libertà.

Le combattenti curde, diventate il simbolo della resistenza e l’aspetto più “gradevole” di un conflitto sanguinoso, sono le protagoniste di un film che, pur con le migliori intenzioni, banalizza il carattere la grinta e la forza di queste stesse donne, il loro contributo pratico e morale alla guerra, ma anche alla percezione del valore della donna e alla libertà, a cui queste donne aspirano.

La scelta della Husson è quella di concentrare la maggior parte del racconto sui flashback. In passato le donne guerriere erano state schiave sessuali, abusate e maltrattate. Concentrando l’attenzione sulla parte della loro vita in cui le protagoniste sono state vittime, rispetto al presente in cui sono artefici della loro storia, sembra che la regista abbia fatto regredire la ribellione allo status quo di Bahar e compagnia. Il suo occhio continua a vederle come vittime e questo affossa il vitalismo che in realtà queste eroine esprimono.

Questa scelta si accompagna a una serie di ingenuità in fase di scrittura, come il parallelo tra la reporter e la comandante, tra una donna che combatte e rischia la vita come unica soluzione per andare avanti, e un’altra che volontariamente sceglie la guerra e il suo racconto.

A tre anni da Al di là delle montagne, Jia Zhang-Ke torna nel concorso di Cannes, edizione 2018, con Ash Is Purest White, una specie di epopea intima attraverso la Cina degli ultimi 20 anni.

Ash Is Purest White, il film

La storia segue la donna di un malvivente che, per amore del suo uomo, sconta cinque anni di prigione al suo posto. Uscita aspettandosi di trovarlo fuori ai cancelli, a braccia aperte, la donna scopre che lui non l’ha affatto aspettata e si mette alla sua ricerca. Da questo punto la storia si snoda in diverse fotografie di momenti ed eventi, che si dilatano nel tempo e che vedono i due incrociarsi più volte.

Mentre su di lei gli anni sembrano trascorrere senza lasciare traccia, lui li subisce nello spirito e nel corpo, diventando alla fine completamente dipendente dalle cure di lei. Il racconto è ambientato nel circolo della jianghu, ovvero quella linea di confine che calca chi opera nella microcriminalità. Il percorso dei due personaggi è speculare e segue l’ascesa della donna così come la caduta dell’uomo. Lei riesce, con la caparbietà tipica del suo sesso, a sopravvivere e a rimanere in piedi, nonostatne l’umiliazione inflittale dall’uomo che una volta amava.

Il confronto trai due rasenta il comico con la donna che si sforza di mantenere il suo contegno e lui che invece appare impotente e muto, di fronte all’incrollabile durezza di quella donna che per lui ha scontato la pena in prigione.

Nonostante l’appartenenza sociale specifica dei personaggi di Jia Zhang-Ke, il regista sembra più interessato allo sviluppo che il Paese ha attraversato dal 2001 al 2018, arco temporale durante cui si svolge la storia.

Nell’affrontare un arco narrativo esteso nel tempo, il regista si lascia andare a lungaggini che annacquano la storia principale, introducendo personaggi superflui, senza riuscire a dare densità al racconto. L’occhio resta sempre lucido e attento ma le forbici, in sala di montaggio, avrebbero potuto lavorare di più.

Mon tissu préféré, letteralmente “il mio tessuto preferito”, è l’opera prima della regista Gaya Jiji. Presentato nella sezione Un Certain Regard del Festival di Cannes 2018, il film apre una finestra sulla vita e le vicende di una giovane donna durante le prime terrificanti insurrezioni della Primavera Araba in Siria nel 2011.

Nahla (Manal Issa), commessa di un negozio di abbigliamento, vive con sua madre Salwa (Souraya Baghdadi) e le sue sorelle più piccole Myriam (Mariah Tannoury) e Line (Nathalie Issa). Mentre alla radio vengono riportate le crescenti tensioni sociali, Nahla aspetta l’arrivo di un compatriota, trasferitosi negli Stati Uniti e tornato in patria per incontrarla e concludere un matrimonio combinato che le permetterà di lasciare la Siria.

Con una scelta molto interessante, l’esordiente regista decide di parlarci del conflitto siriano e dei suoi primi effetti sulla popolazione pur tenendo sullo sfondo le tensioni belliche. Queste non sono mai le protagoniste del racconto, ma se ne possono udire o vedere solo i non lontani echi. Il nucleo centrale del racconto è tutto dedicato alla giovane protagonista, al suo convivere con il terrore che sempre più si insinua nella sua vita e in quello delle persone a lei vicine. Nahla è combattuta tra il sacrificare sé stessa per unirsi in un matrimonio che potrebbe portarla via da quella realtà così cupa, oppure restare fedele a sé stessa, ai suoi sogni, decidendo di affrontare l’incerto futuro.

Quello della Jiji è un film che a suo modo denuncia la condizione di una popolazione, e in particolare i giovani di questa, bloccata in un equilibrio tra vita e morte, tra ordine e caos. La regista cerca di indagare, senza mai giudicare, i comportamenti che ogni personaggio sviluppa in seguito al nascente clima di terrore.

Ciò che frena l’idea del film sono tuttavia una sceneggiatura e un’idea di regia che generano un ritmo incostante, che rende complesso seguire le vicende senza perdersi tra i numerosi personaggi e nei loro intricati rapporti. Con il proseguire della narrazione, e l’addentrarsi sempre più nella vita della giovane protagonista, il senso di fastidio per gli intrecci non riusciti aumenta, portando a distrarsi facilmente. Ancor più grave è il fatto che avvicinandosi alla sua conclusione il film sembra allontanarsi fin troppo dalle sue intenzioni iniziali, sprecando l’occasione di fornire un interessante punto di vista e riducendosi ad essere un dramma dai risvolti poco incisivi.

Torna in concorso al Festival di Cannes 2018 il celebre autore della Nouvelle Vague, Jean-Luc Godard con il suo nuovo film dal titolo Le livre d’image. Dopo aver vinto il Premio della Giuria al medesimo Festival nel 2014 con Adieu au Langage, Godard prosegue con la sua ricerca sul linguaggio cinematografico, cercando come sempre di stupire per i suoi tentativi di innovazione e allo stesso tempo di fornire uno sguardo nuovo sul mondo e sull’umanità.

Difficile ridurre Le livre d’image ad una trama esplicativa dell’idea dell’autore. Il film non è altro che un costante found footage con immagini, spezzoni di video presi dall’internet o di celebri film del passato. Un libro di immagini, appunto, che tenta attraverso un filo logico di evidenziare la morte del linguaggio, come già teorizzato nel precedente film, e la morte di un’umanità che soccombe sempre più alla guerra e al terrorismo.

È un discorso fortemente politico quello che porta avanti Godard, criticando e domandando in forma retorica dove sia finita l’umanità, in tutte le sue forme. Attacca i testi sacri delle principali religioni, attacca la morte del pensiero, attacca tutto ciò che sta portando sempre più ad una spersonalizzazione dell’essere umano dal suo contesto naturale. Attraverso la giustapposizione di numerose immagini, è il montaggio il vero protagonista, che ci conduce attraverso un percorso criptico che tenta di stimolare riflessioni e fornire domande alle quali non sembra avere risposta neanche l’autore stesso.

Le immagini, i suoni, le parole, tutto viene da Godard decontestualizzato per essere riadattato a nuova forma, per ricercare sempre nuovi e infiniti significati al materiale su cui lavora. Egli tenta di dar vita ad una storia globale che possa colpire lo spettatore su più punti facendo risvegliare la sua coscienza.

Nel suo perseguire un linguaggio di questo tipo, così provocatorio così anti narrativo, Godard ottiene però l’effetto di rimaner bloccato nel passato. In un passato in cui il linguaggio da lui inventato poteva essere novità di estrema attrattiva, ma che oggi si rivela essere un modo di comunicare stanco e affatto innovativo. Il messaggio che ne deriva è privato di una reale forza, e sembra in ogni caso aver ben poco da comunicare realmente.

Il risultato finale di questo Le livre d’image è così quello di frastornare lo spettatore, di infastidirlo, con la conseguenza che si arriva a chiedersi quale sia il valore, oggi, di un’opera e di un linguaggio di questo tipo. Il nuovo film di Godard appare così come un’opera dall’indiscussa complessità di ideazione e realizzazione, ma che suscita nello spettatore numerose perplessità.

Selezionato per la Quinzaine des Réalisateurs al Festival di Cannes 2018, Joueurs (Treat Me Like Fire) è il debutto cinematografico di Marie Monge, giovane e promettente regista francese. Il film è una pura storia d’amore, che ha per interpreti principali l’attrice Stacy Martin, famosa per il ruolo di protagonista in Nymphomaniac di Lars Von Trier, e Tahar Rahim, celebre invece per il suo ruolo ne Il profeta, Jacques Audiard.

Quando Ella (Stacy Martin) incontra Abel (Tahar Rahim) la sua vita viene irreversibilmente sconvolta. Attratta in modo irresistibile dal modo di fare di lui, la giovane ragazza lo seguirà alla scoperta del mondo segreto del gioco d’azzardo di Parigi, dove soldi e adrenalina la fanno da padroni. La loro storia d’amore a sua volta diventa una scommessa, che evolve sempre più in una passione divorante.

È una vera e propria inversione dei ruoli quella che la regista sottopone ai suoi personaggi, assegnando il punto di vista principale alla protagonista femminile. Benché il film parli di dipendenza, in questo caso dal gioco d’azzardo, l’interesse è focalizzato su coloro che vivono accanto al dipendente. Attraverso gli occhi di Ella seguiamo infatti i vani e disperati tentativi di un’innocente ragazza che cerca in tutti i modi di salvare la sua storia d’amore. Assistiamo al suo cadere sempre più in un vortice che la allontana da tutto e tutti, ma proprio qui sta l’elemento che rende interessante il suo personaggio, salvandolo da una possibile banalizzazione.

Nel caso di questa storia è Ella la figura che si prende su di sé tutte le responsabilità, è consapevole di ciò che accade, scegliendo di addentrarsi nel pericoloso mondo di Abel e anzi dimostrandosi più in grado di lui nel gestirlo. Il personaggio di Stacy Martin risulta essere un vero e proprio catalizzatore di attenzioni e motore della narrazione. La brava attrice aggiunge poi del suo, riuscendo a far convivere in Ella fragilità e forza d’animo. Non da meno è il protagonista maschile, interpretato da un sempre bravo Tahar Rahim, che riesce a rendere umano un uomo prigioniero dei suoi vizi. L’attore non scade mai nel macchiettistico, ma dona al suo Abel una profondità d’animo che lo differenzia da tanti altri simili personaggi visti sullo schermo. Entrambi sono dei veri e propri giocatori, come suggerisce il titolo francese, pronti a mettere in palio ogni cosa, perfino sé stessi.

Joueurs affida inoltre molto della narrazione all’ambiente che circonda i suoi personaggi, al modo in cui questo viene fotografato. I due protagonisti vengono contrapposti per colori, luci, suoni, raccontandoci così molto più di quello che le parole comunicano. È un’idea l’ambientazione parlante, quella degli esterni metropolitani, che la regista riprende su sua ammissione da fonti di ispirazione quali Martin Scorsese e i fratelli Safdie, riadattandola alle luci e ai rumori di una Parigi cupa e violenta.

Come in ogni opera prima che si rispetti, questa non è esente da difetti. Alcuni risvolti narrativi poco convincenti rallentano il ritmo e l’attrattiva del film, ma la bravura degli interpreti e una regia solida rendono Joueurs un intrigante prodotto, che indaga gli effetti di un amore tormentato, che come un gioco trascina nel suo vortice fino a lasciare chi vi ha fatto parte privo di forze, costringendolo a ricominciare da zero una nuova esistenza.

Dopo il glorioso Ida, premio FIPRESCI a Toronto e soprattutto premio Oscar per il Miglior Film Straniero nel 2015, Pawel Pawlikowski torna con Cold War (Zimna Wojna) presentato in Competizione al Festival di Cannes 2018. La storia, ambientata tra il 1949 e il 1964, racconta l’amore, ostacolato dalla storia e dal tempo, tra Zula e Wiktor, lei cantante dalla voce d’angelo e lui compositore. La loro possibilità di essere felici è quella di andare via dall’Unione Sovietica nel periodo della ricostruzione post Seconda Guerra Mondiale. La musica li tiene uniti, ma la storia li divide, e nel corso degli anni riusciranno a incontrarsi in giro per l’Europa, entrambi cercando di sopravvivere, sempre desiderosi di inseguirsi.

In un magnifico bianco e nero, come per Ida, realizzato dal direttore della fotografia Lukasz Zal, Pawlikowski racconta di un amore impossibile, tempestoso, ma non lo fa mai con scene madri o momenti cardine. Tutto scorre rimanendo immobile nel corso degli anni, eppure i protagonisti cambiano, si stratificano e tirano lo spettatore dentro al loro dramma.

Al bianco e nero Pawlikowski associa il formato 4:3, la breve durata e la citata assenza di picchi emotivi, tutti elementi che consegnano l’idea e la volontà di realizzare film “piccoli”, mentre lui si conferma una firma importante del cinema europeo. Intorno al rapporto tra la fumantina Zula e il colto Wiktor si instaura una dimensione musicale che li lega a dispetto di tutto ciò che li divide, su ogni altra cosa l’estrazione sociale. Ogni volta che i due si incontrano, negli anni, in un Paese europeo differente, cambia il loro accompagnamento sonoro, come se ogni luogo avesse una sua musica, anch’essa tesa ad accompagnare l’evoluzione dei personaggi, che restano fermi nel tempo soltanto se messi di fronte al loro amore.

Pur raccontando una storia romantica, in Cold War Pawel Pawlikowski non si lascia mai andare al romanticismo spicciolo, preferendo la poesia delle immagini, degli sguardi, delle voci e delle dita veloci sul pianoforte. Una visione malinconica di una storia in cui i protagonisti hanno il nome dei genitori, anche loro, come i protagonisti, cresciuti nella Polonia ricostruita, morti nel 1989, poco prima che crollasse il Muro. A loro il film è dedicato.