A distanza di quattro anni da The Bling Ring, Sofia Coppola torna dietro la macchina da presa con un richiamo alle origini con L’inganno. Come fu per la sua Opera Prima (Il Giardino delle Vergini Suicide, 1999), la regista trae nuovamente spunto dalla letteratura, e segnatamente dal romanzo The Beguiled (intitolato anche A painted Devil) di Thomas Cullinan, edito nel 1966. A farle da controcanto però stavolta, trova un precedente di tutto rispetto: quel La Notte Brava del Soldato Jonathan di Don Siegel (1971) che portava sullo schermo nientepopodimeno che la presenza di un Clint Eastwood d’annata.

Siamo nel pieno della Guerra Civile americana. In una Virginia ormai presa d’assalto dalle truppe Nordiste, solo la magione di Miss Martha (Nicole Kidman) sopravvive – a stento – nella campagna rurale. La villa è abitata da poche donne – due istitutrici e cinque alunne – uniche volenterose sopravvissute all’esodo di massa dei sudisti verso territori più pacifici. La vita delle fanciulle è però scombussolata dall’entrata in scena di un soldato nordista ferito, il Caporale John McBurney (Colin Farrell), che chiede loro asilo e assistenza medica. Col passare del tempo la presenza maschile porterà a galla i desideri sessuali sopiti delle donne più adulte, mettendole per forza di cose l’una contro l’altra. Sino al precipitare degli eventi finale.

L’inganno, il film

Sofia Coppola vince con questo film il premio per la Miglior Regia al Festival di Cannes 2017, dimostrando – se mai ce ne fosse stato ancora bisogno – di non essere solo una figlia d’arte (e autoproducendosi per la prima volta senza l’aiuto di papà Francis).

La regista svolge il suo lavoro con maestria, muovendo poco la macchina da presa come suo uso, e soffermandosi sui campi lunghi che preludono alle scene migliori.Tuttavia il difetto maggiore di questa pellicola risiede proprio nel suo essere un esercizio di stile “perfettino”. Pare che Sofia abbia fatto prendere lezioni di etichetta a tutte le protagoniste del suo film, affinché assumessero i tratti distintivi di una “vera fanciulla del Sud”. Etichetta che la stessa Coppola sembra applicare pedissequamente al suo film, e che per questo però pecca di coraggio.

La storia non azzarda abbastanza, tralasciando (volutamente o meno) tematiche spinose come la (quasi)pedofilia, la sessualità femminile e la tortura. Quel gioco “al dottore e all’ammalato” su cui ci si sofferma in diverse scene, avrebbe potuto dare l’imput per narrare un qualcosa di diverso. Invece si ha come l’impressione di trovarsi dinnanzi ad un’opera Incompiuta: un Misery Non Deve Morire senza l’infermiera psicopatica; un The Others senza fantasmi; un Via Col Vento senza Rhett.

Si conclude la 74° Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia, con la sua convincente e solida selezione di opere. In attesa della cerimonia di premiazione e di sapere chi saranno i vincitori, è stato proiettato il film di chiusura Outrage Coda, l’ultima fatica di Takeshi Kitano.

In Outrage Coda Otomo, è un sopravvissuto di una sanguinosa guerra tra organizzazioni criminali giapponesi. Ora lavora in Corea del Sud alle dipendenze di Chang, un un potente criminale che ha contatti anche con la Yakuza in Giappone. Uno sgarro in Corea nei confronti di Otomo, a opera di un inetto affiliato della lontana e potente famiglia Hanabishi, scatenerà una guerra con l’organizzazione di Chang e all’interno della gerarchia della stessa Yakuza, facendo vacillare i delicati equilibri di potere tra i vari esponenti. Il  conflitto  assume dimensioni irreparabili e sfugge completamente di mano. Quando anche la vita di Chang verrà messa in pericolo, Otomo decide di tornare in Giappone per sistemare la faccenda personalmente e definitivamente.

Kitano sostiene che in questo film non voleva  affermare la violenza, quanto piuttosto far sentire il vuoto e la tristezza che vi stanno dietro.

Outrage Coda è prodotto, diretto e interpretato, con lo psudonimo di Beat Takeshi, da Takeshi Kitano, autore di culto che ha regalato opere memorabili, come Sonatine (1993), Dolls (2002) e Zatoichi (2003). Il film è uno yakuza-movie che percorre pedissequamente tutti i canoni e gli stilemi di questo genere cinematografico nipponico. E’ sorretto da una buona interpretazione, volutamente classica e stereotipata, da parte di tutto il foltissimo cast, sormontato da tutti da un convincente Beat Takeshi.

Outrage Coda risulta comunque estremamente verboso, privo di ritmo, faticoso da seguire, soprattutto per i continui intrecci gerarchici che man mano si avvicendano in una guerra futile e già vista sullo schermo innumerevoli volte. L’azione latita, le storie dei personaggi, quella di Otomo soprattutto, risultano deboli, gli sprazzi di violenza non ce la fanno a sorreggere tutta la fragile impalcatura filmica e il finale, seppure convincente, appare debole e prevedibile.

Un Kitano di servizio, stanco e ben lontano dai capolavori di poesia o violenza che lo hanno fatto amare al pubblico di tutto il mondo.

La fine del festival si avvicina inesorabile e oggi alla Mostra del Cinema di Venezia è stato presentato l’ultimo film italiano in concorso del regista Andrea Pallaoro, dal titolo Hannah, con una protagonista d’eccellenza, la bella e talentuosa Charlotte Rampling.

Dopo l’arresto del marito, Hannah (Charlotte Rampling) si ritrova tutta sola in una casa circondata dai suoi ricordi più dolorosi, costretta ad adattarsi alla sua nuova vita. La donna così cerca di riempire le sue giornate con svariate attività, come il corso di recitazione e la piscina, che oltre al lavoro la tengano impegnata e le impediscano di pensare a tutti i suoi problemi, distaccandosi così dalla realtà. Ma ben presto i fantasmi del suo passato torneranno a presentarle un conto assai salato…

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A cinque anni di distanza dal suo esordio cinematografico con Medeas – film presentato nella sezione Orizzonti a Venezia 70 -, Andrea Pallaoro, italiano di nascita e americano d’adozione, prova stavolta a far breccia nel cuore di pubblico e critica a Venezia 74 con la sua nuova fatica cinematografica, Hannah. Nonostante la sua bellissima opera prima, quello presentato quest’anno in concorso al festival è un film che purtroppo non convince. Si tratta di un dramma psicologico, claustrofobico e forse un po’ pretenzioso, un falso film d’autore che spreca di fatto il talento di una leggenda del cinema come Charlotte Rampling facendola recitare quasi con una mano legata dietro la schiena. La protagonista è evidentemente una donna sofferente che, pur di non abbandonarsi al pianto e alla disperazione, sfogando così tutta la sua frustrazione, preferisce mostrarsi dura e quasi apatica risultando così troppo fredda per il pubblico che non riesce ad entrare in sintonia con il suo personaggio.

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La camera di Pallaoro segue pedissequamente ogni spostamento di Hannah ma di fatto non fa alcuno sforzo per rendere la storia di questa donna chiara ed appassionante. Tutto è silenzioso e incredibilmente statico, la narrazione è lenta e sembra che l’unico obiettivo del regista sia quello di sfinire il suo pubblico. Niente del passato di Hannah ci viene rivelato ma, facendo attenzione ai pochi indizi concessi da una sceneggiatura già fin troppo scarna, riusciamo a mettere insieme alcuni pezzi di questo confuso puzzle; grazie al ritrovamento di una busta misteriosa – il cui contenuto non verrà mai rivelato – nascosta in casa dal marito, intuiamo che l’arresto del suo consorte potrebbe in effetti essere collegato ai dissapori che la donna ha con il figlio che non le parla e non le permette di vedere il nipote. L’unico accenno di umanità di una Rampling brava ma fin troppo pietrificata nella sua espressione di dolore, è racchiuso infatti proprio in uno sfogo di Hannah che, dopo essere stata cacciata dalla festa del suo nipotino, sembra avere un crollo emotivo improvviso. In quel preciso istante il film sembra quasi intenzionato a prendere una direzione diversa abbandonandosi ad un finale inaspettato e drammatico ma poi ci ripensa, la Rampling si asciuga le lacrime, e torna a vagare solitaria per la città.

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Ci aveva già pensato qualche anno fa Andrea Di Stefano con il suo Escobar a raccontare la storia del famoso e temuto Pablo Escobar senza ottenere un grande successo per poi cedere il testimone alla fortunata serie targata Netflix, Narcos, ormai arrivata alla terza stagione, amatissima dal pubblico. Stavolta però è il regista Fernando León de Aranoa a tentare ancora una volta di avvicinarsi alla figura di Pablo Escobar, presentando alla Mostra del Cinema di Venezia il suo ultimo film, Loving Pablo, con Javier Bardem e Penelope Cruz.

Tratto dal romanzo Loving Pablo, Hating Escobar, il film racconta la storia dell’ascesa e del declino del signore del narcotraffico, Pablo Escobar, interpretato da Javier Bardem, dal punto di vista di una delle sue amanti, la più famosa, la giornalista Virginia Vallejo (Penelope Cruz), anche autrice del libro. La storia comincia nel 1983, anno dell’incontro di Virginia e Pablo in un’occasione mondana, data anche dell’inizio della loro lunga e travagliata relazione.

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Partendo dall’interessante punto di vista di Virginia, purtroppo il regista Aranoa non riesce a sviluppare bene la storia trasformando il suo Loving Pablo in una sorta di pessima fiction nazional popolare. Nonostante gli strepitosi Javier Bardem e Penelope Cruz – di nuovo fianco a fianco a quasi dieci anni di distanza da Vicky Cristina Barcelona di Woody Allen -, il film non riesce proprio a spiccare il volo; alla sceneggiatura raffazzonata e poco convincente si aggiunge l’interpretazione quasi macchiettistica in alcuni punti della Cruz che continua, come il suo collega Bardem per tutta la durata del film, a recitare in un inglese dal marcato e fastidioso accento spagnolo. La scelta del bilinguismo di Loving Pablo disorienta e irrita ma non è purtroppo l’unica pecca del film; nella prima parte lo spettatore viene guidato dalla voce narrante di Virginia che, con poche semplici frasi ad affetto, introduce un nuovo capitolo della storia. Tuttavia questo espediente viene poi abbandonato bruscamente quando si avvicina la fine di Pablo e quindi la storia tra lui e Virginia passa in secondo piano, rivoluzionando la struttura iniziale del film.

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Tutto è troppo esagerato e sopra le righe, dall’accento della bella Penelope, al suo look eccessivamente volgare, senza dimenticare il trucco di Bardem che, in alcune scene finali, sembra la caricatura di Pablo Escobar. Ma se i protagonisti proprio non riescono a brillare, i personaggi secondari sembrano avere una marcia in più; un esempio lampante è quello di Peter Sarsgaard che, anche se confinato ad un ruolo decisamente marginale come quello dell’Agente Neymar della DEA, riesce comunque ad avere i suoi quindici minuti di gloria e ad essere molto più incisivo della coppia Bardem-Cruz. Nonostante le buone intenzioni di Fernando León de Aranoa e di Javier Bardem – anche produttore per l’occasione – il biopic Loving Pablo risulta un film assai approssimativo, con pesanti problemi alla sceneggiatura e confusionario nella sua messa in scena. Ci dispiace dirlo ma, se davvero siete alla ricerca di un prodotto di qualità che vi racconti la storia di Pablo Escobar, Narcos è ancora la scelta migliore.

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Vincitore della Palma d’Oro a Cannes nel 2013 con l’acclamato film La Vie d’Adele, il regista tunisino Adbellatif Kechiche torna nel circuito dei festival presentando al pubblico della Laguna la sua nuova fatica cinematografica Mektoub, My Love: Canto Uno.

Un giovane scrittore in erba, Amin (Shaïn Boumédine), torna a casa per le vacanze, in visita da Parigi, nel suo paese natale, un piccolo villaggio di pescatori del sud della Francia. Durante tutta l’estate il ragazzo ha l’occasione dei riabbracciare i suoi familiari, i suoi amici più cari e di godere di tutto il divertimento e la spensieratezza di quel piccolo angolo di paradiso.

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Dopo l’emozionante La Vie d’Adele, Kechiche si perde tra le bellezza di una Francia selvaggia e serena, dove il tempo sembra essersi fermato, non esiste una sola preoccupazione al mondo e dove splende sempre il sole. Mektoub, My Love: Canto Uno è un film orizzontale, senza colpi di scena, battute d’arresto o accelerate improvvise; è il semplice racconto di un’estate spensierata fatta di mare, risate e tanto divertimento, paradigma della gioavinezza. Il giovane Amin, ‘costretto’ a vivere in una città come Parigi, definita grigia, fredda e tetra, dopo aver mollato la facoltà di medicina per inseguire il sogno di diventare uno scrittore, sembra essere alla disperata ricerca di ispirazione. Attraverso la fotografia sembra riuscire a soddisfare solo in parte le sue esigenze creative ma gli abitanti del suo piccolo paesino gli forniscono costantemente materiale per le sue sceneggiature. Il protagonista di Kechiche è un ragazzo timido e riservato ma affamato di bellezza, elemento predominante del film che pullula di donne giovani e bellissime, sia giovani che mature, che il regista non ha paura di mostrarci in tutto il loro splendore. A turbare però i sogni di Amin è Ophelie (Ophélie Bau), la sua vecchia amica d’infanzia, di cui il ragazzo è chiaramente innamorato ma che ha una tresca con suo cugino Tony (Salim Kechiouche), un don Giovanni senza scrupoli. La ragazza rappresenta, in mezzo a quel mare di carne e sensualità, in concetto stesso dell’eros, tanto caro al regista e protagonista di ogni scena.

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Mektoub, My Love: Canto Uno – primo capitolo, a detta del regista, di una trilogia sulla giovinezza – non è un film particolarmente significativo o interessante poiché non racconta una storia ma è il semplice resoconto di una vacanza estiva di giovane spensieratezza in compagnia di amici, parenti e conoscenti dell’ultimo minuto, una sorta di Spring Breakers tutto europeo. Il pubblico, un po’ come Amin, è lo spettatore passivo del divertimento degli altri che, tentano di convincerlo a partecipare ai festeggiamenti, senza riuscirci. Ma proprio come il ragazzo trae piacere nell’osservare le sue bellissime e formose amiche, straripanti di vitalità, dimenarsi sulla pista dalla ballo come se non avessero un solo problema al mondo, così anche noi non possiamo far altro che stare a guardare, quasi ipnotizzati, quel meraviglioso spettacolo offertoci da Kechiche. La forza di Mektoub è infatti proprio lo stile del regista tunisino che riesce a concretizzare la sua fame di bellezza in un film che diventa un’esperienza sensoriale completa e trascinante, uno spettacolo per gli occhi dal quale è difficile staccarsi.

Una storia d’amore diversa e delicata è al centro del nuovo film di Silvio Soldini, realizzato a diversi anni di distanza dal suo ultimo lavoro Il Comandante e la cicogna (2012).

Il colore nascosto delle cose racconta la storia di Teo, un creativo pubblicitario quarantenne, donnaiolo e scapestrato. Teo  è completamente preso dal suo lavoro e vive una relazione vaga e stanca con una donna che vorrebbe da lui delle certezze in più. Come se non bastasse ha un amante e sempre uno sguardo pronto per nuove eventuali avventure. Un giorno conosce per caso Emma, una grintosa quanto tenera osteopata che ha perso la vista all’età di sedici anni e dopo infinite difficoltà per accettare la drammatica situazione e se stessa è riuscita a costruirsi una vita normale. Teo, quasi per gioco, si innamora di Emma, entrando prepotentemente nella sua vita, senza curarsi troppo dei suoi sentimenti e delle conseguenze che ne potrebbero derivare.

Silvio Soldini dice che aveva da tempo l’idea di lavorare sul tema dei non vedenti, soprattutto dopo aver girato un documentario intitolato Per altri occhi. Durante la realizzazione di questo progetto ha avuto modo di scoprire persone piene di vita e di estrema ironia, rimanendo stupito ed entrando in un mondo sconosciuto che non si aspettava minimamente.

Ha constatato che, nonostante il loro handicap, le persone non vedenti lavorano, fanno sport, viaggiano, fruiscono di film e di cose che nell’immaginario comune sono godibili solamente di chi può vedere. Soldini afferma “Mi sono poi reso conto che al cinema non avevo mai visto niente di tutto ciò, che i ciechi erano spesso dipinti in modo drammatico, scontato, o con dei quasi super-poteri. Così ho deciso di filmare una storia d’amore con una non vedente come accade nella vita. Raccontare l’incontro tra due mondi lontanissimi, di un uomo che cambia, del coraggio di affrontare la vita, con leggerezza e profondità. E raccontare Emma e Teo come fossero due di noi, due persone amiche”.

I due protagonisti sono interpretati da Adriano Giannini e Valeria Golino. Entrambi molto bravi e perfettamente calibrati. Ma un plauso va sicuramente a lei, per essere riuscita a restituire sullo schermo la vita di tutti i giorni di una persona priva della vista, attraverso piccoli gesti, espressioni quasi impercettibili, microscopiche gaffe, alternando dolcezza e caparbietà, incertezza e sensualità.

Quello che si potrebbe obiettare è forse l’ovvietà di alcuni snodi narrativi e una costruzione un po’ stereotipata della trama, che porta purtroppo a intuire fin dalle prime battute come si concluderà la storia. Inoltre stride un’eccessiva caratterizzazione negativa del personaggio maschile. Nonostante questo, Il colore nascosto delle cose è un film garbato, che affronta il problema della diversità da handicap, in maniera non scontata e soprattutto mai lacrimevole.