In La stirpe del male Zac e Samantha sono due novelli sposini che decidono di regalarsi un viaggio di nozze nella Repubblica Domenicana, documentando ogni istante della con l’ausilio di una videocamera. La coppia viene improvvisamente catapultata in un misterioso party, del quale al mattino non rammentano nulla, ma tornati a casa scoprono inaspettatamente che Samantha, malgrado le precauzioni, e’ rimasta incinta. Zac pero’ trova uno strano cambiamento nella moglie, che oltre ad improvvisi sbalzi d’umore sembra modificare totalmente le proprie abitudini. Pensando inizialmente che si tratti dello stress dovuto alla gravidanza, Zac ben presto si rende conto che qualcosa di terribile e demoniaco sembra aver sconvolto la loro esistenza.

L’inflazione di genere sembra essere diventato una moda tipica di un cinema recente ormai stanco e dedito soprattuto alla pratica della “minestra riscaldata” che nei generi viscerali come l’horror pare aver trovato terreno fertile. Se poi a questo agiungiamo l’ormai abusato tema demoniaco e la pratica casereccia del found footage, La stirpe del male è l’ennesima pellicola che, muovendo dai capisaldi del genere come L’esorcista e Omen, crede erroneamente di avere qualcosa di originale da aggiungere a un piatto ormai freddo ed insipido. La coppia di esordienti Tyler Gillet e Matt Bettinelli-Olpin, gia’ avvezzi al mokumentary con l’opera collettiva V/H/S, decidono di partire da una vera amalgama metacinematografica debitrice dell’immenso Rosmary’s Baby, muovendosi su un terreno narrativo accidentato che attinge a piene mani ai topoi del genere, compresi alcuni ammiccamenti ai più recenti esperimenti de L’ultimo esorcismo. Una trama tutto sommato solida, lineare e prevedibile, senza particolare dispendio di energie creative, come si nota fin dall’accademica prima mezzora, dedicata a narrare le tenerezze di coppia che dovrebbero preludere alla catastrofe che tarda ad arrivare.

Interessante e ben studiata la modalità stilistica che abbandona il reportage in piano sequenza in favore di riprese da diversi dispositivi, replicando un montaggio cinematografico canonico (già sperimentato abilmente in Chronicle). A fare da contrappunto alla sterilita’ del plot, al quale va comunque riconoscuta una sufficente progressione nell’arco di suspance, vi e’ la piu’ che credibile prova attoriale della coppia Allison Miller (giovane veterana della tv gia’ vista in The Last Vampire ) e Zach Gilford (reduce dal recente The Purge), capacissimi di reggere ad una genuina a crescente tensione, fino alla cruenta scena finale del parto demoniaco degna di Brood di Cronemberg. Un uso parco e mai invasivo degli effetti speciali, di fatto credibili ma comunque incapaci di nobilitare una pellicola che insiste troppo sul fattore psico-sentimentale e troppo poco su una sana dose di gore, forse temendo di essere troppo originale e rinunciando ad essere quantomeno onesta con se stessa.

L’avvicinarsi del 27 gennaio porta con sé la necessità di ricordare, di non dimenticare ciò che è accaduto per fare in modo che il male non si ripeta (o almeno questa è la speranza). In corrispondenza del Giorno della Memoria, anche il cinema diventa un’arma potente, e La stanza di Mariana ce lo dimostra ancora una volta. Il film, diretto da Emmanuel Finkiel, nasce da una collaborazione tra più paesi nella produzione, in particolare Francia, Ungheria, Belgio e Israele. La stanza di Mariana racconta uno scorcio ben preciso della Seconda guerra mondiale, attraverso gli occhi di due figure sensibili, una donna e un bambino. Il cast è formato da figure note prevalentemente nel panorama cinematografico nazionale: Mélanie Thierry (Zero Theorem) qui interpreta Mariana, una prostituta, mentre Artem Kyryk è nei panni del piccolo Hugo, bambino ebreo che viene ospitato e salvato da Mariana. Altre figure rilevanti sono interpretate da Julia Goldberg (Sorelle e delitti) e Yona Rozenkier, rispettivamente nei ruoli di Yulia e Yacov.

La stanza di Mariana: il silenzio che salva

In una piccola cittadina dell’Ucraina, nel 1942, ormai essere ebrei non è più sicuro, così Hugo e sua madre sono costretti alla fuga. A costo di mantenere il figlio al sicuro, la donna lo affida alla sua ultima amica, Mariana, una triste prostituta con dei problemi con l’alcol. Hugo passerà da vivere le sue giornate all’aria aperta a giocare con la giovane amichetta Anna, a guardare le stagioni passargli davanti attraverso le fessure nell’armadio in cui è nascosto.

Hugo continuerà ad aggrapparsi alla speranza attraverso un intreccio di ricordi felici, proiettando le persone a lui più care all’interno dello spazio angusto che è la sua nuova casa. Ma Hugo non è solo: Mariana ha promesso di proteggerlo e lo farà ad ogni costo. Ed è proprio così che tra i due si crea uno stretto legame che dona a entrambi la speranza di andare avanti. E così le stagioni continuano a susseguirsi, e la guerra a farsi sempre più aspra: la vita per Hugo e Mariana diventa sempre più complicata, e la paura che i nazisti scoprano il bambino nascosto aumenta sempre di più.

La stanza di Mariana: un legame indissolubile

Il primo elemento che emerge con maggiore dirompenza in La stanza di Mariana è certamente la crescita personale dei due personaggi principali, Hugo e Mariana. Hugo all’inizio del film è un bambino silenzioso e spaventato, abituato a una vita di agi e di spensieratezza; con l’avanzare delle vicende diventa chiara la sua crescita, nel modo in cui affronta le situazioni che gli si pongono davanti, nel coraggio che dimostra di avere.

Mariana dal canto suo è una donna chiaramente infelice, che vive un’esistenza fatta di continua finzione, senza alcun affetto vicino; l’arrivo di Hugo cambierà questo. Tra i due si crea un rapporto di fiducia e di sostegno reciproco; se da un lato inizialmente per il bambino la donna diventa una figura quasi materna, di riferimento, diventa chiaro come nel volgere verso la fine sarà Hugo a tentare di prendersi maggiormente cura di Mariana.

Dialogo tra realtà e sogno

Fin dalle prime scene di La stanza di Mariana si crea questo interessante alternarsi di realtà e sogno nella mente di Hugo. Il primo esempio si ritrova proprio nella visione della madre che torna dal figlio pochi istanti dopo averlo lasciato a Mariana, non volendo dividersi da lui. A questa seguiranno tante visioni che diverranno un modo per Hugo di convivere con la sua nuova quotidianità senza impazzire. Così si creano delle forme di dialogo tra il bambino e la madre o il padre, i parenti e gli amici.

A questi dialoghi immaginari si aggiungono i flashback del bambino, ricordi di un passato felice. Anna sembra spesso essere protagonista di queste visioni: loro che immaginano di baciarsi, o di essere in posti lontani, Anna che lo invita a giocare lanciando palle di neve alla sua finestra.

Anche lo stesso finale resta aperto tra realtà e sogno. In un dopoguerra non più roseo della guerra stessa, uno spirale di luce si apre: sarà un lieto fine o solo l’immaginazione di un bambino solo?

La stanza di Mariana ci ricorda ancora una volta di non dimenticare ciò che è accaduto, per evitare che riavvenga e questo assume certamente un’importanza anche maggiore nella realtà mondiale dilaniata da guerre e tensioni in cui viviamo oggi. La guerra non era e non è solo quella combattuta dai soldati, ma è anche la sofferenza di donne e bambini che ne subiscono solamente le conseguenze.

L’estate cinematografica del 2023 si sta rivelando ricca di novità. Fra blockbuster in prossima uscita come l’atteso Barbie di Greta Gerwig e Oppenheimer di Christopher Nolan, commedie italiane e film minori europei, ci si aspetta sale che pullulano e il botteghino che respira. Il mese di luglio in particolar modo si presenta davvero molto pieno, e tra i film da vedere al cinema per staccare la spina dall’afa urbana vi è La stanza delle meraviglie, ottavo lavoro di Liza Azuelos, che torna dietro la macchina da presa, dopo il suo autobiografico I love America, per seguire la storia di una donna che ritrova se stessa in seguito all’incidente del figlio.

Un viaggio on the road quello che compie la protagonista, Thelma, la quale cercherà di far risvegliare il figlio esaudendo tutti i desideri appuntati sul suo diario. La stanza delle meraviglie, scritto a sei mani da Juliette Sales, Fabien Suarez e Julien Sandrel, quest’ultimo autore del libro da cui è tratto. Il film è al cinema dal 13 luglio distribuito da Notorious Pictures.

La stanza delle meraviglie, la trama

Thelma (Alexandra Lamy) è una madre single che si occupa da sola del figlio Louis (Hugo Questel), dopo aver chiuso i rapporti con il padre da diverso tempo. Un giorno, mentre i due si stanno incamminando verso casa, Louis va in strada con il suo skateboard, e in un momento di distrazione della donna, viene investito da un’auto e finisce in coma. Dopo qualche mese, Thelma scopre nella stanza del figlio un diario, dentro al quale il bambino aveva scritto le dieci cose da fare prima della fine del mondo. Credendo che quella sia la strada per salvarlo, Thelma decide di realizzare tutti i desideri scritti da Louis, iniziando così a viaggiare per il mondo. Dal Giappone al Portogallo, passando per Edimburgo, la donna affronterà un percorso di rinascita ed accettazione, che la porterà anche ad affrontare un passato che, volutamente, ha voluto dimenticare.

Un simbolismo preponderante

Il cinema di Luisa Azuelos è fatto di sguardi femminili. Di storie di donne alla ricerca della felicità e del loro posto nel mondo, alle prese con amori tormentati o difficili, il cui compito è dare loro una spinta che possa farle ricongiungere con se stesse. Sposando quasi completamente il punto di vista delle sue protagoniste, a volte rendendolo autobiografico come accade per l’appunto in I love America, la regista traccia racconti di vita comuni ma dal sapore magico, dentro ai quali è possibile riflettersi e ritrovarsi. In La stanza delle meraviglie, Azuelos cerca di dare più spazio alla componente onirica e simbolica – la presenza costante del lupo come rappresentazione della determinazione vuole elevare il livello drammaturgico – per portare avanti il processo di consapevolezza e crescita di Thelma.

Decidendo di puntare l’occhio della cinepresa solo sulla sua Alexandra Lamy, per enfatizzare quanto può l’intensità emotiva di ogni scena (nonostante non ci riesca sempre), la regista vuole mettere in scena il percorso di una donna che, nella disgrazia di avere un figlio in coma, riscopre il gusto della vita e rinasce. L’incidente di Louis, infatti, è solo un pretesto che mette in moto il viaggio itinerante di Thelma, vero carburante del film, grazie al quale la protagonista riesce a trovare un punto di contatto con se stessa. Il diario da cui parte la narrazione in fondo non è che Mcguffin, il quale aiuta la donna ad esplorare culture e scorci di mondo paradisiaci, che serviranno per darle la forza di affrontare le proprie paure, fare pace con se stessa e incoraggiarla a ricongiungersi con un passato volutamente dimenticato. Oltre ad offrire delle fotografie da cartolina di paesaggi naturalistici suggestivi, come le isole della Scozia o il mare della Costa Azzurra.

Un film che funziona a metà

Per quanto il racconto così impostato possa funzionare, Azuelos si smarrisce nel suo stesso discorso. Nel tentativo di trattare il processo di rifioritura di una donna, come accade spesso nelle sue opere, la regista perde l’occasione di investigare, come sembrava voler fare all’inizio, sulla psicologia di una madre che affronta la possibile perdita del figlio lanciandosi – per lui – in un’avventura indimenticabile e sorprendente. La causa va ricercata innanzitutto in una certa frettolosità nella messa in esposizione: ogni tappa che Thelma raggiunge e spunta sul dario scorre in maniera troppo frenetica, non dando modo allo spettatore di assorbirla emotivamente al cento per cento.

In secondo luogo, c‘è una evidente carenza di dettagli nella sceneggiatura, la quale non approfondisce il personaggio di Lamy, dando alla donna solo una superficiale caratterizzazione. In La stanza delle meraviglie manca perciò quel tassello necessario per rendere veramente significativa la storia, l’esplorare per l’appunto meglio la figura materna di Thelma, che avrebbe dovuto procedere in parallelo alla sua storia di riscatto. Che, in questo caso, sarebbe servito per rendere il film ancora più impattante, mettendo in luce al contempo un coraggio, da parte della regista, di lavorare su altri costrutti narrativi, valorizzando l’intera opera e mostrando – di conseguenza – una bravura che invece, con questa scelta, rimane assopita.

di Aurelio Vindigni Ricca

L’ultimo appuntamento con Todd Haynes su grande schermo, esattamente due anni fa al Festival di Cannes, ci aveva riportato negli Stati Uniti negli anni ’50. Un’epoca tanto patinata quanto piena di preconcetti, un’atmosfera in cui due donne scoprivano il loro amore reciproco e carnale facendo scandalo e anticipando di molto i tempi. Oggi il regista di Carol fa un passo indietro e mette da parte quel cinema adulto, passionale, in favore di un racconto per ragazzi dall’alto valore sociale. Un avventuroso viaggio alla ricerca della “stanza delle meraviglie”, una La stanza delle meraviglie per l’appunto, in compagnia di Ben e Rose, due ragazzini cresciuti in epoche diverse che condividono una particolare condizione: l’essere sordi. Il primo è un bimbo degli anni ’70, la seconda una ragazza di fine anni ’20, le cui storie hanno certamente un filo rosso da spartire – ma lasciamo che sia lo stesso Todd Haynes a farvi scoprire come.

Al di là delle due storie montate in modo alternato, a colori e in bianco e nero, e raccontate come una favola della buonanotte prima di dormire, il regista lavora con minuzia con le scenografie e con il sonoro, per metterci quanto più nei panni dei due ragazzi. Le vicende di Rose diventano un vero e proprio film muto, il viaggio di Ben invece risuona come un disco Rhythm and blues, mescolando tutto si ottiene un’esperienza sensoriale da provare nel buio della sala. La stanza delle meraviglie gode infatti di una sensibilità fuori dal comune, è capace di far provare al suo pubblico ciò che i suoi giovani protagonisti provano, senza voci e suoni d’ambiente. Proprio per questo motivo il valore sociale del film è inestimabile, spiega in modo aggraziato la sordità a chi non sa minimamente cosa si prova, inoltre lo fa con un comparto tecnico impeccabile.

Chi conosce Todd Haynes del resto sa bene con quale eleganza sia solito confezionare i suoi lavori, all’interno dei quali ogni inquadratura si trasforma in diamante – anche grazie al talento di Edward Lachman, storico direttore della fotografia dello stesso Haynes. Formalmente La stanza delle meraviglie è forte di un linguaggio semplice, lineare, che va sempre al sodo delle questioni, probabilmente anche per colpire un target giovanissimo. Forse questo è l’unico vero problema dell’opera, che nella sua seconda ora diventa eccessivamente didascalica e si affida alla voce off (e alle parole scritte) per snocciolare i nodi della storia. Questo però rende accessibile il film a tutti, una favola della buonanotte – come dicevamo sopra – da raccontare ai più piccoli prima di andare a letto, utile a insegnare i valori dell’uguaglianza e del rispetto, ad accettare la diversità e a comprenderla fino in fondo. Una piccola stanza della meraviglie all’interno della quale sono raccolte le bellezze della nostra umanità interiore, il nostro smisurato amore, l’affetto dell’amicizia profonda – da attraversare in punta di piedi.

Quando il 23 luglio Alberto Barbera ha presentato il programma della 81esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia, La stanza accanto (The Room Next Door), il nuovo film di Pedro Almodóvar che concorre per il Leone d’oro, ha immediatamente suscitato grandi aspettative e un’enorme curiosità. Il motivo principale? È la prima opera del regista spagnolo realizzata interamente in lingua inglese. Almodóvar si è avventurato nel cuore di Hollywood, ma con ammirevole coerenza ha mantenuto intatti gli stilemi che caratterizzano la sua filmografia.

Quindi, alla domanda se La stanza accanto (The Room Next Door) deluda le attese, la risposta è no. Almodóvar ci conquista ancora una volta, non solo per il suo talento e l’attenzione costante alle figure femminili, ma anche per la fedeltà alla sua cifra stilistica, consegnandoci uno dei prodotti più affascinanti di questa edizione del Festival. A impreziosire la scena, troviamo due stelle eteree del cinema hollywoodiano: Tilda Swinton e Julianne Moore. Sceneggiata dallo stesso regista, la pellicola sarà distribuita da Warner Bros.

La trama di La stanza accanto (The Room Next Door)

New York. Martha è una reporter di guerra che vive un rapporto conflittuale con la figlia Michelle. La ragione è il padre di quest’ultima il quale dopo essersi trasferito a San Diego quando la madre era ancora incinta, non si è più interessato a loro. Ingrid, invece, è autrice di romanzi semi-biografici, nei quali racconta spesso la sua paura delle morte. Ed è proprio questa che bussa alla sua porta quando scopre che Martha, sua cara amica, è ricoverata in ospedale per via di un tumore. Per la donna non ci sono speranze di vita e, dopo aver riflettuto, fa una richiesta particolare a Ingrid: nel Dark Web ha acquistato una pillola che la aiuterà a morire, ma vuole farlo in un contesto che non le è familiare e soprattutto con qualcuno che le stia nella stanza accanto. Dopo diverse titubanze, Ingrid decide di accettare e si trasferisce con lei in una casa di campagna a due ore dalla Grande Mela. Ma il pensiero di sapere che l’amica le morirà vicino è qualcosa di assolutamente atroce e spaventoso.

Fra dramma e ironia

Nonostante l’essere andato oltreoceano, con La stanza accanto (The Room Next Door) Almodóvar rimane ancorato alla sua estetica e al suo inconfondibile stile narrativo, confermandosi un autore maturo e consapevole. Nessun compromesso per un regista che ha una visione chiara del cinema che intende fare, mantenendo quei tratti distintivi che lo rendono immediatamente riconoscibile anche in un diverso contesto produttivo. Al centro della storia ci sono due donne, apparentemente molto diverse ma profondamente simili, unite da un’amicizia sincera e disposte ad affrontare insieme persino la morte, che è uno dei temi portanti del film. Sono i sorrisi di Martha e Ingrid, le loro lacrime, le speranze e i turbamenti, a bucare lo schermo e a catturare l’attenzione dello spettatore sin dalla prima scena. La macchina da presa aderisce alle protagoniste con intimità, restituendoci due figure fragili ma determinate, che trovano nel loro legame la forza per far fronte al momento più doloroso della vita: il calare definitivo del sipario.

I dialoghi, ricchi di sentimenti ed emozioni, compongono una narrazione che, pur partendo da un contesto drammatico, non scivola mai nel melodramma. Il regista infatti inserisce con intelligenza sprazzi di ironia che stemperano la tensione, mantenendo un equilibrio perfetto, affrontando così il tema delicato dell’eutanasia ma senza mai cadere nell’enfasi o nella tragedia. Almodóvar trova dunque il giusto linguaggio per trattare la morte e la scelta di morire, senza appesantire il tono o risultare ridondante. Il risultato? Una leggerezza che non è mai superficiale, ma che, al contrario, sa cogliere la profondità delle emozioni senza rinunciare a un tocco di umanità.

Swinton e Moore: che coppia!

Tilda Swinton e Julianne Moore offrono due interpretazioni straordinarie, calibrate e intense, senza mai scadere nel teatrale o nell’eccessivo. La Swinton, in particolare, riesce a catturare tutte le sfumature del suo personaggio, spesso senza nemmeno bisogno di pronunciare una battuta. Basta uno sguardo, un’espressione, per rimanere affascinati dalla sua performance. Ecco perché ci viene da dire questo: insieme Swinton e Moore formano una delle coppie più memorabili viste recentemente sul grande schermo, dando vita a personaggi che rimarranno impressi nel cuore del pubblico.