Ventidue anni dopo la scomparsa degli studenti di cinema Heather, Mike e Josh mentre giravano un documentario sulla strega di Blair (almeno secondo quanto riportato dal marketing) e diciassette anni dopo che la loro storia ha spaventato il pubblico incassando 248 milioni di dollari al botteghino, un sequel a sorpresa è arrivato nelle sale: Blair Witch. Diretto da Adam Wingard, il principale legame di questo sequel con The Blair Witch Project è James (James Allen McCune), il fratello di Heather, che porta un gruppo di amici nei boschi intorno a Burkittsville alla ricerca della sorella (o, almeno, di qualche prova di ciò che le è successo) dopo che il contenuto di un nastro DV appena ritrovato è stato caricato su Internet da una coppia di abitanti del luogo.

Blair Witch approfondisce notevolmente la mitologia della minaccia che dà il titolo al film (presumibilmente Elly Kedward, una donna lasciata morire nei boschi dalla gente del posto nel 1785) e anche altri avvenimenti collegati nei boschi, in particolare le malefatte del serial killer Rustin Parr. Una delle tante storie inquietanti raccontate in The Blair Witch Project, Parr uccise sette bambini di Burkittsville negli anni ’40, e disse di averlo fatto perché “delle voci” glielo avevano ordinato. Il dettaglio raccapricciante di come Parr costringesse una delle sue vittime a stare in piedi e a guardare verso l’angolo mentre uccideva l’altra ha creato il finale spaventoso di quel film, ed è anche la colonna portante del finale di Blair Witch.

Il finale

Innanzitutto, una breve sintesi di ciò che accade alla fine di Blair Witch. I due sopravvissuti rimasti, James e Lisa (Callie Hernandez), si imbattono nella casa vista alla fine di The Blair Witch Project. James vede una luce nella casa e crede che Heather sia all’interno, quindi corre dentro per cercare di trovarla. Lisa, terrorizzata, si rifiuta di entrare, finché il frastuono e il caos nel bosco (per non parlare di una breve apparizione della strega di Blair) la spingono a farlo. James cerca freneticamente sua sorella e in una delle stanze della casa vede quello che sembra essere il suo amico Peter (Brandon Scott) in piedi in un angolo, riecheggiando i momenti finali del precedente film.

Mentre corrono per la casa, sia Lisa che James vedono la strega di Blair: una creatura alta e umanoide con arti allungati. Come notato in precedenza nel film, Elly Kedward è stata impiccata a un albero con delle pietre legate alle braccia e alle gambe, come una sorta di patibolo improvvisato, il che potrebbe spiegare l’aspetto della creatura. All’interno della casa c’è anche Lane (Wes Robinson), che era scomparso nel bosco in precedenza nel film ed è tornato meno di un giorno dopo, sostenendo di aver vagato per cinque giorni. Quando Lisa lo incontra di nuovo, Lane ha la barba folta ed è stupito dal fatto che Lisa sia esattamente uguale all’ultima volta che l’ha vista. Lane colpisce Lisa e poi la getta in una botola che conduce a un tunnel, che lei è costretta ad attraversare strisciando per fuggire.

Alla fine, il tunnel si apre in un’altra parte del seminterrato, dove Lisa incontra Lane e lo pugnala alla gola. James e Lisa si incontrano poi in soffitta, dove una luce brillante splende brevemente attraverso le finestre e le crepe nei muri, prima di svanire. I due decidono di stare in piedi e guardare verso l’angolo, poiché le leggende suggeriscono che la strega può ucciderli solo se la guardano direttamente. Tuttavia, la strega inganna James facendolo voltare parlandogli con la voce di sua sorella, e poi inganna Lisa facendola voltare parlandole con la voce di James. Il film termina così con un’inquadratura dalla telecamera caduta di Lisa, che alla fine sfuma nel nero. Allora, cosa significa tutto questo e come si collega al film originale?

Il salto temporale

L’abilità della strega di comprimere e distorcere il tempo viene introdotta a metà del film, quando Lane e Talia emergono dal bosco dopo aver trascorso cinque o sei giorni senza luce solare, mentre per il resto del gruppo è passato meno di un giorno. Questa oscurità senza fine prende poi il sopravvento per il resto del film, sia perché la notte è stata prolungata, sia (come potrebbe indicare il breve lampo di luce attraverso le finestre della soffitta) perché il giorno è stato estremamente accelerato. È chiaro che l’entità nel bosco non solo può manipolare il tempo, ma può anche intrappolare le singole persone nelle loro sacche di tempo separate.

Uno degli aspetti più discussi di Blair Witch, anche se alcuni potrebbero non averlo notato, è che il nastro trovato all’inizio del film è lo stesso che Lisa registra durante la sua ultima, fatale corsa attraverso la casa. Il nastro è stato in qualche modo rispedito indietro nel tempo e lasciato come esca per attirare James e i suoi amici verso la morte nei boschi. Da notare anche che la casa avrebbe dovuto bruciare decenni fa e non è stata trovata da nessuna delle squadre di ricerca che sono andate a cercare Heather, Mike e Josh.

Inoltre, l’albero colpito da un fulmine fuori dalla casa alla fine del film è lo stesso albero dove è stato trovato il nastro DV, ma quando Talia e Lane hanno trovato il nastro la casa non c’era. Ciò indica che la casa – e, in effetti, il resto del bosco – esistono in una dimensione separata, dove il tempo si comporta in modo diverso rispetto al mondo esterno. Si apre anche l’intrigante possibilità che i personaggi di questo film possano aver effettivamente incrociato i personaggi di The Blair Witch Project (ne parleremo più avanti).

La distorsione spaziale

In The Blair Witch Project, i tre personaggi camminano tutto il giorno verso sud, solo per ritrovarsi al punto di partenza. La spiegazione di questo fenomeno non è chiara nell’originale: la strega ha interferito con la loro bussola per farli camminare in tondo, manipolando le loro menti per confonderli sulla direzione da seguire, o ha fisicamente spostato la foresta che li circondava? Essendo più esplicito nell’uso dello spazio impossibile, Blair Witch indica che l’ultima possibilità è quella corretta.

I forti rumori di schianti, boati e scricchiolii che si sentono in tutto il film potrebbero benissimo essere i suoni della foresta che si sposta fisicamente intorno ai personaggi, per assicurarsi che non riescano a trovare la via d’uscita. La telecamera del drone, durante il suo secondo volo, mostra che la strada vicina è scomparsa e che tutt’intorno non c’è altro che alberi. Questa manipolazione dello spazio è amplificata quando James e Lisa entrano nella casa, che sembra spostarsi intorno a loro (a un certo punto si sorprendono a trovarsi in soffitta).

L’angolo non ti proteggerà

Una delle immagini iconiche di The Blair Witch Project è Mike in piedi nel seminterrato della casa, di fronte all’angolo. Il sequel chiarisce l’importanza di questa posizione aggiungendo dettagli alla leggenda: l’aspetto della strega è così terrificante che chiunque la guardi morirà immediatamente. La questione è resa un po’ più complicata dal fatto che la strega viene intravista numerose volte prima che James e Lisa si mettano in piedi nell’angolo, quindi è un po’ tardi per loro per evitare di vederla. In realtà, si potrebbe sostenere che la regola di non guardare la strega sia solo una strana credenza popolare e che stare di fronte all’angolo in realtà non serva a proteggere le persone da lei.

Le voci

Come stabilito in The Blair Witch Project, l’entità nel bosco può imitare le voci delle persone come stratagemma per attirarle e indurle a cercare di trovarla. Josh, ad esempio, viene sentito chiamare Mike e Heather dopo che loro lo hanno sentito urlare tutta la notte, e Heather ha trovato i suoi denti e il suo sangue all’interno di un fagotto legato con strisce lacere della sua camicia. Anche Rustin Parr ha detto di aver ucciso le sue vittime perché delle “voci” gli avevano detto di farlo, ma non ha detto che quelle voci erano quelle della strega.

Alla fine di Blair Witch, la strega usa questo piccolo trucco per convincere James e Lisa a voltarsi. Prima parla a James con la voce di Heather (che né Lisa né il pubblico possono sentire). Poi, dopo che James è stato presumibilmente ucciso, la strega usa la sua voce per ingannare Lisa e convincerla a voltarsi (sia Lisa che il pubblico possono sentirla, forse perché il filmato mostrato è registrato dalla telecamera di Lisa).

Chi ha ucciso Heather, Mike e Josh?

Come accennato in precedenza, gli elementi di viaggio nel tempo aggiungono una dimensione interessante nel sequel. Alcuni fan hanno teorizzato che il nuovo cast di personaggi potrebbe essere stato effettivamente nel bosco contemporaneamente a Heather, Mike e Josh. Dopotutto, se la strega può creare una notte perpetua, inviare nastri indietro nel tempo e influenzare la quantità di tempo vissuta dai diversi personaggi, allora colmare un divario di 20 anni non è certo fuori discussione. Una possibile implicazione di ciò è che le figure stilizzate trovate dal trio del primo film fossero in realtà quelle messe lì da Lane e Talia (Valorie Curry).

Il fatto che Lane appaia dopo aver trascorso un periodo di tempo considerevole alla mercé della strega e aver eseguito i suoi ordini solleva anche la possibilità che possa essere stato costretto a terrorizzare o addirittura uccidere Heather, Mike e Josh. Dopotutto, James sente la voce di sua sorella all’interno della casa e corre dentro per cercare di trovarla, il che potrebbe essere uno scherzo della strega… o potrebbe essere davvero Heather all’interno della casa. Alla fine di The Blair Witch Project, lei corre davvero al piano superiore (dove James vede la luce) e chiama Mike e Josh. Forse è questo che James ha sentito e visto.

Infine, se accettiamo la possibilità che James e Lisa fossero nella casa contemporaneamente a Heather, Mike e Josh, è anche possibile che Rustin Parr abbia avuto un ruolo nella morte di alcuni o di tutti loro. Anche se secondo la tradizione della strega di Blair il serial killer fu giustiziato nel 1941, potrebbe aver viaggiato un po’ nel tempo durante il periodo trascorso nella casa. Quale che sia la verità, Blair Witch gioca in modo evidente con i propri personaggi e anche con gli spettatori, distorcendo la percezione del reale per dar vita ad un nuovo avvincente racconto dell’orrore.

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Il finale del Jurassic Park potrebbe non essere complicato come quello di alcuni blockbuster fantascientifici, ma il thriller catastrofico di Steven Spielberg sul “parco a tema andato male” presenta diversi livelli di lettura che non tutti hanno colto alla prima visione. Uscito nel 1993, Jurassic Park è stato un enorme successo per Spielberg ed è diventato uno dei rari blockbuster ad aver ottenuto sia il plauso della critica che il successo commerciale.

Il film è infatti stato una vera e propria rivoluzione, introducendo in maniera ancor più massiccia l’utilizzo della computer grafica, qui utilizzata per ridare vita sul grande schermo a dinosauri estintisi milioni di anni fa. Con la semplice storia di un parco a tema popolato da dinosauri clonati che presto si trasforma in un incubo, il film ha saputo fondere con grande efficacia il commento sulla sperimentazione scientifica con l’azione. In questo articolo, andiamo allora ad approfondire il finale del film e il suo significato.

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Perché il T-Rex salva gli esseri umani nel finale di Jurassic Park

La ricomparsa a sorpresa del T-Rex alla fine di Jurassic Park è un momento di azione blockbuster profondamente soddisfacente, con la musica che cresce e il mostro principale del film che salva accidentalmente gli umani rimasti dai raptor. È un ottimo esempio di aspettativa sovvertita, poiché lo spettatore a questo punto ha probabilmente dimenticato il T-Rex, grazie alla tesa caccia dei raptor attraverso il centro visitatori. Ma la scena ha uno scopo che va oltre quello narrativo.

In termini tematici, l’immagine del T-Rex in piedi tra le rovine del centro visitatori mentre cade lo striscione di benvenuto è simbolicamente significativa, poiché mostra che la vita troverà davvero “una via”, con il T-Rex che sopravvive anche se il parco a tema per cui è stato creato va in rovina. La vita creata per Jurassic Park prospera, mentre l’arroganza e la presunzione che hanno cercato di contenerla vanno in frantumi.

Alan Grant cambia profondamente come personaggio

L’evoluzione del personaggio del dottor Alan Grant nel primo Jurassic Park rispecchia ciò che il film cerca di dire sul “trovare una via”. L’inquadratura di Sattler che guarda con approvazione Grant assopito mentre i bambini riposano sulla sua spalla rappresenta la sua crescita come personaggio. All’inizio del film, Grant che terrorizza un bambino in visita allo scavo archeologico dimostra di non essere bravo con i bambini, ma durante l’azione di Jurassic Park, i bambini finiscono per affidarsi a lui.

Grant, progressivamente, si dimostrerà all’altezza della sfida. Il fatto che dormano sulla sua spalla dimostra che ora è una figura paterna stabile, e il personaggio di Neill, precedentemente distaccato, ha dimostrato grande abilità nel ruolo di genitore che è stato costretto ad assumere. Quando il film lascia alle spalle le isole di Jurassic Park, la vita ha trovato un modo per maturare e sviluppare il personaggio di Grant.

Cosa succede a Ray Arnold in Jurassic Park

Sebbene la sua morte non sia mostrata sullo schermo, Ray Arnold è decisamente morto alla fine dell’azione di Jurassic Park. Il motivo per cui non lo si vede più dopo che è andato a riavviare manualmente il sistema dell’isola è che i raptor sono riusciti a dargli la caccia e ucciderlo, un destino fortemente suggerito dalla scoperta del suo braccio mozzato da parte della Sattler.

Per una strana coincidenza, una tempesta tropicale nella vita reale ha impedito alla produzione di girare la scena della morte del personaggio di Samuel L. Jackson, lasciando alcuni spettatori a interrogarsi sul suo destino. Anche se il suo smembramento non è mai stato messo in scena, il personaggio è comunque canonicamente deceduto, secondo la serie di Jurassic Park.

Il Jurassic Park è stato un fallimento (ma ha ancora un futuro)

La fine di Jurassic Park lascia in vita non solo Grant, Sattler, il dottor Ian Malcolm e i bambini, ma anche il proprietario del parco John Hammond (l’eccentrico miliardario che ha finanziato l’intera impresa). Questo è importante, poiché il film descrive il fallimento del parco come causato specificamente dalla decisione pericolosa e maliziosa di Dennis Nedry di compromettere i sistemi interni, piuttosto che dall’idea intrinsecamente letale di un parco a tema sui dinosauri.

Nedry viene ucciso dopo aver causato il fallimento del parco, e non c’è motivo di pensare che il parco non avrebbe funzionato se lui non fosse intervenuto. Le azioni di una manciata di cattivi, come Dennis Nedry e Dodgson (che ritorna in Jurassic World – Il Dominio), hanno portato al fallimento dell’omonimo parco, quindi, con Nedry neutralizzato, il finale apre decisamente alla possibilità di tornare sulle isole per cercare di rimediare ai suoi fallimenti nei sequel. Cosa che poi con i film successivi è effettivamente avvenuta.

Cosa significano gli uccelli alla fine di Jurassic Park

Lo stormo di pellicani visto dai sopravvissuti seduti nell’elicottero alla fine di Jurassic Park ha due significati metaforici. Sono i primi animali normali che il gruppo vede dopo la capra divorata da un T-Rex fuori campo all’inizio del film, quindi la loro presenza è un confortante promemoria del fatto che i personaggi stanno tornando alla normalità dopo la follia dell’omonimo parco. Tuttavia, all’inizio del film, è stato anche fatto un paragone tra i dinosauri e gli uccelli che si sono evoluti da essi.

Jurassic Park utilizza questa scena anche per illustrare che, come i pellicani, i dinosauri non sono necessariamente mostri, ma piuttosto solo un’altra delle maestose creazioni della natura (anche se una delle più pericolose) e, con gli esseri umani scomparsi e l’isola tutta per loro, presto torneranno anche loro alla “normalità”. Inoltre, in termini di narrazione pratica, vedere gli uccelli volare via dall’isola ricorda agli spettatori che l’elicottero non è l’unico mezzo in grado di lasciare Isla Nublar, preparando così il terreno per i sequel.

Il vero significato del finale di Jurassic Park

Jurassic Park affronta dunque il tema dei pericoli insiti nel tentativo dell’uomo di giocare a fare Dio, ma nel film di Spielberg l’esperimento di Hammond non viene condannato in modo esplicito quanto il suo intento di trarne profitto. La sua decisione di fidarsi di dipendenti amareggiati e sottopagati come Dennis Nedry porta al fallimento del parco a tema piuttosto che l’atto stesso di clonare i dinosauri, e la sua scelta di clonare predatori più “emozionanti” (leggi: redditizi) come il T-Rex mette in pericolo gli occupanti del parco.

La sopravvivenza dei dinosauri di Jurassic Park suggerisce che la vita “troverà una strada”, indipendentemente dal fatto che le intenzioni malvagie di Nedry o la ricerca del profitto di Hammond compromettano gli esperimenti. Sattler, Grant e il resto del cast descrivono spesso i dinosauri come bellissimi, nutrono una vera e propria venerazione per loro e sono intimoriti dalla loro presenza.

Pertanto, il film suggerisce che i dinosauri non sono mostri, ma gli esseri umani che li clonano devono stare attenti, poiché la vita sopravviverà sempre anche se gli esseri umani che cercano di controllarla non sono così fortunati. I tentativi di Hammond di trarre profitto dalla maestosità dei dinosauri vengono puniti con la distruzione del suo parco, mentre i tentativi di Nedry di rubare il DNA dei dinosauri vengono puniti in modo più diretto con la sua morte raccapricciante.

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Jane Got a Gun (2015) rappresenta un capitolo peculiare nella filmografia di Gavin O’Connor, regista noto per film come Warrior e The Accountant, in cui i protagonisti si trovano sempre a fare i conti con lealtà, conflitti personali e un contesto ostile. In questo western, O’Connor mantiene il suo interesse per i legami umani e la tensione morale, declinandoli in un’ambientazione che richiama il cinema classico americano. La produzione travagliata – con regista e cast cambiati più volte – non impedisce al film di mostrare la solidità del tocco registico di O’Connor.

Al centro della vicenda spicca la presenza di Natalie Portman, non solo protagonista ma anche produttrice del film, che interpreta una donna costretta a difendere la propria famiglia in un mondo dominato dalla violenza maschile. La sua Jane è una figura complessa, segnata dalla sofferenza e dalla determinazione, in grado di dare al western una sensibilità diversa da quella tradizionale. Accanto a lei, Joel Edgerton ed Ewan McGregor completano un cast che unisce intensità e carisma, contribuendo a rendere il film più stratificato di quanto possa apparire a prima vista.

Dal punto di vista del genere, Jane Got a Gun si colloca nella tradizione del western crepuscolare, in cui i miti della frontiera vengono rivisitati alla luce di un’umanità fragile e imperfetta. I temi della vendetta, della resilienza e della sopravvivenza si intrecciano con riflessioni su amore e fiducia tradita, richiamando opere come Gli spietati di Clint Eastwood o Il Grinta dei fratelli Coen, dove i protagonisti si muovono in una frontiera segnata dalla brutalità ma anche dalla ricerca di riscatto. Nel prosieguo dell’articolo ci soffermeremo in particolare sul finale del film, analizzandone significato e implicazioni tematiche.

La trama di Jane Got a Gun 

Jane Got a Gun è incentrato su Jane Hammond (Natalie Portman), che ha costruito una nuova vita con il marito Bill “Ham” Hammond (Noah Emmerich) dopo essere stati tormentati da una banda di fuorilegge chiamati Bishop Boys. La coppia si ritrova però ancora una volta nel mirino della banda quando Ham incappa in un duello con Colin (Ewan McGregor), capo della gang. Jane, che non ha nessuno a cui rivolgersi, chiede quindi aiuto al suo ex fidanzato Dan Frost (Joel Edgerton). Perseguitata da vecchi ricordi, il passato di Jane incontra il presente in una battaglia al cardiopalma per la sopravvivenza.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Jane Got a Gun, la tensione raggiunge il culmine quando la banda di Bishop assedia la casa di Jane e Dan. Le trappole preparate nel terreno esplodono, falciando gran parte dei fuorilegge, ma lo scontro continua feroce e senza tregua. Per proteggere Ham, ormai morente, i due lo nascondono sotto le assi del pavimento, ma le sue ferite sono troppo gravi e l’uomo muore durante l’attacco. La battaglia prosegue con Jane e Dan che, feriti ma determinati, resistono ai pochi superstiti, fino a trovarsi faccia a faccia con Bishop stesso.

Il duello finale tra Jane e Bishop segna la vera resa dei conti. Bishop riesce quasi a sopraffare Dan, ma Jane interviene alle sue spalle, ribaltando la situazione. L’uomo tenta un ultimo disperato ricatto emotivo, rivelando che Mary, la figlia che Jane credeva morta, è ancora viva e prigioniera al bordello. Dopo un confronto carico di odio e dolore, Jane lo uccide, ponendo fine a un capitolo di violenza e soprusi. Con Dan, la donna si reca quindi al bordello, libera Mary e la riporta con sé, riunendo finalmente una famiglia segnata dalle cicatrici ma pronta a ripartire.

Il finale assume una forte valenza simbolica: la morte di Ham non è solo la perdita di un marito, ma la chiusura definitiva con un passato di menzogne e colpe che non appartenevano del tutto a Jane. La sua uccisione di Bishop diventa così un atto di liberazione, un gesto che restituisce dignità a lei e alla sua famiglia. Al tempo stesso, la rivelazione su Mary trasforma una tragedia in un nuovo inizio, ribaltando il tema del lutto in quello della rinascita.

Per lo spettatore, il film suggerisce che la vera forza non risiede nella violenza, ma nella resilienza e nella capacità di sopravvivere alle ferite del destino. Jane emerge come un’eroina atipica del western: non una vendicatrice spietata, ma una donna che lotta per proteggere i propri cari, per non farsi più sopraffare da uomini e potere. Il legame ricostruito con Dan aggiunge inoltre un tocco di speranza, indicando la possibilità di guarigione emotiva anche dopo anni di dolore.

In definitiva, Jane Got a Gun lascia un messaggio chiaro: il coraggio di affrontare i propri fantasmi e la determinazione a non arrendersi possono cambiare il corso della vita. Il film trasforma un racconto di sangue e vendetta in una riflessione sulla famiglia, sull’amore ritrovato e sulla possibilità di ricominciare. Il viaggio di Jane, da vittima a protagonista della propria storia, diventa così un manifesto di resilienza e autodeterminazione femminile all’interno di un genere tradizionalmente dominato dagli uomini.

La commedia dark neo-noir di Ethan Coen Honey Don’t! mescola in modo divertente i tropi dei film polizieschi di serie B con una schiera di personaggi stravaganti per produrre una trama contorta con un finale sanguinoso. Con Margaret Qualley nel ruolo della protagonista, Honey Don’t racconta la storia della detective moderna Honey O’Donahue alle prese con un caso di omicidio a Bakersfield, in California.

In qualità di investigatrice privata, Honey non ha formalmente il compito di risolvere alcun caso, ma inizia a indagare quando una donna muore misteriosamente in un incidente stradale il giorno prima dell’appuntamento con lei. La sua ricerca della vera ragione dietro la morte della donna la porta a entrare in contatto con diversi personaggi con vari gradi di connessione.

MG Falcone, interpretata da Aubrey Plaza, lavora nella stazione di polizia che Honey frequenta quando ha bisogno di informazioni, e le due sviluppano una relazione romantica occasionale in brevissimo tempo. Honey si ritrova anche coinvolta nella strana scomparsa di sua nipote Corinne (Talia Ryder), che la porta dal leader di una setta religiosa locale, il reverendo Drew Devlin (Chris Evans).

Mentre Honey tira il filo che circonda la divina malvagità di Devlin e l’operazione di droga che gestisce nel retro della sua chiesa, scopre che lui ha approfittato di donne vulnerabili per un bel po’ di tempo, sospettando che sua nipote sia tra queste. Tuttavia, nel climax del film, Honey scopre che Devlin non è l’unica persona a Bakersfield che rappresenta una minaccia per le donne.

Perché MG Falcone uccideva le ragazze

Dopo essere andata a casa di MG (abbreviazione di Mary Grace) senza ricevere alcuna risposta tramite SMS o telefonata, Honey trova MG ansiosa e aggressiva, insieme a una tazza di tè con il rossetto di sua nipote. Honey capisce in quel momento che MG è in realtà responsabile dell’uccisione di donne vulnerabili nella zona, il che porta a uno scontro fisico che lascia Honey pugnalata allo stomaco e MG uccisa a colpi di pistola.

Come MG spiega con rabbia a Honey, in passato si era ribellata al padre militare conservatore, uccidendolo a sangue freddo dopo una vita di abusi e il rifiuto di accettare il suo orientamento sessuale. C’è una forte implicazione (basata sulla citazione dell’annuario che Honey trova a casa di MG) che MG fosse stata precedentemente legata alla chiesa, cosa che senza dubbio le era stata imposta.

La sua motivazione vaga e discutibile per rapire o uccidere donne come Mia Novotny (la presunta vittima iniziale dell’incidente d’auto e membro della chiesa di Devlin) era che le prendeva di mira specificamente perché erano vulnerabili e disposte a rivolgersi alla chiesa nei momenti di dubbio. MG le ha uccise per una rabbia pseudo-femminista fuorviante causata dalla sua infanzia traumatica.

Cosa succederà a Honey?

Il film si conclude con Honey che incontra Cher (Lera Abova), l’agente femme fatale del cartello della droga “francese” per cui lavorava Devlin, a un semaforo. In quel momento, era a conoscenza del coinvolgimento di Cher con la chiesa di Devlin, avendola vista uscire dall’edificio dopo aver sentito uno sparo. Tuttavia, flirta pesantemente con Cher al semaforo, chiedendole dove sta andando e quanto tempo ha a disposizione.Honey Don’t! – Dettagli chiave della recensioneRT TomatometerMetacritic Meta ScoreIMDB ScoreLetterboxd Score4848/1005,1

L’implicazione è che Honey intende invogliare Cher a fare sesso occasionale, aggiungendola alla lunga lista di conquiste che conserva in un Rolodex sulla sua scrivania. Tuttavia, non è chiaro se Honey stia effettivamente cercando di ottenere maggiori informazioni su Devlin e la sua chiesa. Sulla base di ciò che abbiamo visto di Honey nell’ora e venti minuti precedenti, sembra probabile che la risposta corretta sia entrambe le cose.

È certamente interessata a Cher fisicamente, ma è senza dubbio consapevole che Devlin è una sorta di predatore o almeno una persona pericolosa per le donne della zona. Honey sembra abbastanza interessata alla giustizia da perseguire forse Devlin e il suo obiettivo finale per il bene superiore, dato che non sembra eccessivamente preoccupata di essere pagata per il suo lavoro di investigatrice, quindi sembra probabile che abbia secondi fini nell’incontrare Cher.

Qualcuno sa che il reverendo Drew Devlin è morto?

Cher ha ucciso il reverendo Devlin senza che ci fosse nessuno intorno, e anche se Honey ha sentito lo sparo, l’agente Marty Metakawich (Charlie Day) non lo ha ritenuto sufficiente per entrare in chiesa e indagare ulteriormente. In teoria, nessuno sa che Devlin è stato ucciso, anche se, come detto sopra, questa potrebbe essere la motivazione principale di Honey per cercare di coinvolgersi con Cher.

Quasi tutti quelli che lavoravano per o con Devlin, da Hector e Shuggie a Big Little Joey e Little Joey, Jr., sono morti o in lutto. Non sembra esserci nessuno che sappia che Devlin è morto alla fine del film, quindi, a meno che Honey non scopra la verità sull’omicidio di Cher e sul più ampio giro di droga, Devlin rimarrà lì fino a quando uno dei suoi altri parrocchiani non lo scoprirà.

Il vero significato di Honey Don’t

Honey Don’t! fatica a mantenere la coerenza e la congruenza tra i vari filoni della trama, come sottolineato su Rotten Tomatoes, e di conseguenza la profondità tematica è relativamente superficiale. Il film si concentra principalmente sui personaggi, sull’estetica noir del deserto e sui momenti scandalosi di sesso e violenza, nessuno dei quali è problematico di per sé, ma non produce un finale soddisfacente o un messaggio da portare a casa.

L’ipocrisia della religione è certamente prevalente, dato che il viscido reverendo interpretato da Chris Evans è una caricatura dei membri del clero che approfittano del loro gregge, sia attraverso truffe che abusi sessuali. Allo stesso modo, la politica conservatrice e le conseguenti ingiustizie sociali sono sotto accusa, in quanto sono vagamente indicate come la ragione della natura omicida di MG Falcone.

In definitiva, Honey Don’t! si concentra maggiormente su quello che Coen spera sia un avvincente omaggio al film noir e ai tropi dei B-movie degli anni ’70, che sono certamente presenti e prevalenti. Tuttavia, non c’è abbastanza collegamento tra i vari elementi divertenti del film per ricavare qualsiasi tipo di metafora o morale potente dalla narrazione più ampia.