Il finale di Him rivela chi è il vero GOAT, Cam o Isaiah. Him è un film horror sul football americano con molti significati nascosti, che utilizza la storia di un aspirante rookie che viene preso sotto l’ala protettrice di una leggenda esigente per esplorare il lato oscuro dell’ambizione. È una visione cupa del genere sportivo, una decostruzione avvincente di qualcuno che vuole diventare il più grande.

Il film non si accontenta però di approfondire la psicologia di Cam e Isaiah. Him ha in mente un ambito molto più ampio, toccando la storia di questo sport, il trattamento riservato ai giocatori appartenenti a minoranze nel corso della storia e il modo in cui l’élite ricca continua a prosperare grazie ai sacrifici delle persone che “possiede” attraverso i contrasti sportivi. Ecco cosa succede nel finale cruento e selvaggio di Him.

Perché Isaiah sta allenando Cam per diventare il GOAT

I colpi di scena di Him rivelano progressivamente che Cam è destinato a sostituire Isaiah come GOAT, non solo in termini di abilità atletiche, ma anche come strumento per la cricca di proprietari di squadre e agenti per continuare a governare attraverso di lui. Him non si concentra solo sugli sforzi dell’individuo per diventare il migliore, ma anche sulle persone che ne trarrebbero vantaggio.

Al centro della prima ci sono Cam e Isaiah, una nuova sensazionale matricola e una star esperta, entrambi amanti del football. Tuttavia, mentre l’amore di Cam per la sua famiglia e la lealtà verso i suoi cari resistono durante l’allenamento e le varie tentazioni, Isaiah ha da tempo abbracciato il potere che gli conferisce l’essere il migliore.

Questo non è solo un’estensione del fatto che Isaiah usa la sua fama per diventare un leader carismatico della sua squadra o per vivere per sempre grazie a medicine miracolose. È una spinta personale per Isaiah rimanere il più grande. Questo è il motivo per cui continua ad andare a “guardare i video”, che Cam scopre essere filmati di folle festanti che lo celebrano come lui vorrebbe essere celebrato.

Isaiah sta addestrando Cam perché è destinato a essere il prossimo di una lunga serie di “grandi”, un ruolo che Isaiah ha ereditato dai giocatori precedenti. Questo legame è reso ancora più evidente dal fatto che Isaiah dona a Cam parte del suo sangue attraverso una trasfusione, un riferimento al precedente paragone fatto nel film con i cacciatori delle tribù native americane che bevono il sangue dei loro anziani.

Isaiah non sembra voler rinunciare ad essere il più grande e costringe Cam a combattere fino alla morte per guadagnarsi la possibilità di diventare il più grande. Mentre l’ascesa di Cam come prossimo atleta “più grande” fa il gioco della cricca, Isaiah è un vero credente nella “grandezza”, il che spiega perché sorride quando Cam lo uccide e gli strappa il titolo.

Il culto demoniaco di Him e i loro piani per Cam, spiegati

Mentre Isaiah è un antagonista affascinante per gran parte di Him, i veri cattivi della storia si rivelano essere le persone che traggono profitto da atleti come lui e Cam. Una volta ucciso Isaiah, Cam raggiunge un campo da football dove trova i proprietari dei San Antonio Saviors, il suo agente Tom e la moglie di Isaiah, Elsie, tutti in attesa che lui firmi un contratto per sostituire formalmente Isaiah.

L’intera sequenza si basa sulle immagini demoniache che sono state presentate in altre parti del film, rivelando che c’è davvero una forza soprannaturale in gioco. Tuttavia, le vere origini, gli effetti e le motivazioni dell’accordo non vengono rivelati in Him. Cam viene invece colto di sorpresa da tutto questo e inizialmente rimane sconcertato.

È una potente metafora del mondo in cui spesso si trovano i giovani atleti, un labirinto di ricchezza, burocrazia e contratti che alla fine possono sembrare come firmare la propria condanna a morte. Questo tema si inserisce nell’esplorazione del film dello sport professionistico e del modo in cui alcuni giocatori sono disposti a stringere patti con il diavolo se questo significa ottenere ricchezza e grandezza.

Him mette in evidenza il modo in cui le persone possono diventare merce nella società, specialmente in ambiti come lo sport. I proprietari della squadra, tutti bianchi, sono sprezzanti nei confronti di Cam e lo chiamano addirittura “ragazzo”, rendendo ancora più evidente il sottotesto razziale della visione del film sui proprietari. In questo modo, i proprietari diventano il diavolo del film.

Questi proprietari traggono profitto dal duro lavoro e dal sacrificio personale dei giocatori, i cattivi principali che traggono il massimo vantaggio dal dolore che Isaiah (e ogni altro giocatore professionista) ha sofferto e causato nel corso degli anni. È una delle critiche più dure di Him al mondo dello sport, ma almeno ripaga con una sanguinosa catarsi.

Il ruolo del padre di Cam nel finale raccapricciante di Him

Il padre di Cam appare solo in una scena di Him, ma la sua influenza e la sua ombra aleggiano su gran parte dell’arco narrativo del film. Il padre di Cam viene presentato in una scena prologica come un fan di lunga data dei San Antonio Saints, una passione che trasmette al figlio. Anche se al momento della vicenda del film è già morto, Cam afferma di rendere orgoglioso suo padre diventando il GOAT.

Questo ha due significati aggiuntivi. Per Cam, diventare il GOAT è un modo per rimediare al litigio che ha avuto con suo padre. Il segreto straziante di Cam è che ha quasi smesso di giocare a football, cosa che sembra aver spezzato il cuore di suo padre. Questo aggiunge un ulteriore strato di tragedia all’impegno di Cam di diventare il più grande, come mezzo per rimediare al suo “errore”.

Tuttavia, il padre di Cam si rivela essere una figura più oscura di quanto il pubblico veda inizialmente. Nella parte finale del film, i proprietari rivelano che, oltre ad aver aggredito Cam per costringerlo a seguire la loro strada, una foto dimostra che avevano fatto un accordo con il padre di Cam anni prima per assicurarsi che Cam diventasse il GOAT.

Il padre di Cam mette in evidenza una delle motivazioni psicologiche più oscure che possono spingere le persone a impegnarsi in qualcosa: perché i loro genitori li hanno costretti a farlo. Anche se è Cam a scegliere di portare avanti la carriera atletica che suo padre aveva immaginato per lui, era un mondo in cui era stato spinto (e sembra che non avrebbe mai potuto sfuggirgli).

Perché Cam dice di no (e cosa significa)

Tutto questo porta al finale catartico di Him, in cui decide di non assecondare il piano del proprietario e si rifiuta anche di lasciarsi uccidere. Cam uccide invece l’allenatore che cerca di attaccarlo e poi usa la sua spada per eliminare tutti i proprietari della squadra. È un atto brutale di ultraviolenza, che rappresenta il culmine del rifiuto di Cam di diventare come Isaiah.

Per tutto il film Him, Cam lotta con i propri conflitti interiori e con ciò che è necessario per placare Isaiah. Diventa sempre più freddo e distaccato, ma i legami che ha con la sua famiglia e l’amicizia che sviluppa con il medico di Isaiah, Marco, rafforzano il suo impegno verso la famiglia e la fede piuttosto che verso il football.

È qui che si differenzia da Isaiah, che vede il football e il raggiungimento della grandezza in esso come le uniche cose che contano. Isaiah era disposto a sacrificare se stesso per diventare il GOAT, cosa che Cam si dimostra incapace di fare. Ha la grinta e la determinazione necessarie, ma Cam non è disposto a rinunciare a se stesso per diventarlo.

Di conseguenza, Cam resiste alla tentazione finale e si fa strada verso la libertà uccidendo, tornando a essere se stesso invece di diventare una “mascotte” di cui i ricchi possono trarre vantaggio. In questo modo, Cam impara l’ultima lezione da Isaiah, anche se rifiuta la vita che il leggendario quarterback ha cercato di preparargli.

Il vero significato del destino di Cam in Him

Him ha molto da offrire sotto la superficie. Le storie di Isaiah sui giocatori nativi americani che hanno perfezionato il passaggio in avanti e sono poi diventati “mascotte” riflettono il sottotesto razziale del film. C’è un solo personaggio bianco nel cast che cerca di aiutare Cam. Anche in questo caso, Marco è moralmente compromesso, lavora per Isaiah e viene ucciso per i suoi avvertimenti.

Il film rafforza i rischi degli sport da combattimento, sottolineando come gli infortuni gravi vengano derisi o celebrati come sacrifici onorevoli. Him lo paragona apertamente agli sport dei gladiatori e alle vecchie battute di caccia, suggerendo che il sacrificio personale è l’ideale per raggiungere la grandezza.

Soprattutto, Him tratta in definitiva dei modi in cui il mondo può prendere le passioni, i talenti e le vite delle persone e trasformarli in sacrifici fisici sull’altare del successo. Che sia per alimentare la ricerca della perfezione o per arricchire i ricchi, il costo è pagato dalle persone. È potente il fatto che Cam non solo sfugga a questo mondo, ma lo combatta attivamente, diventando il vero GOAT del finale di Him.

A rischio di essere troppo espliciti, è giusto dire che il titolo A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario prepara gli spettatori a un’epica prova che cambierà la loro vita, o almeno prepara i personaggi a viverla. Eppure, alla fine del film di Kogonada appena uscito, è davvero quello che è successo? Per Sarah (Margot Robbie) e David (Colin Farrell), è quello che siamo portati a credere.

Tuttavia, sulla base delle recensioni critiche di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, gli spettatori potrebbero non pensarla così. Il film segue i due personaggi che, dopo aver noleggiato un’auto dalla stessa compagnia (The Car Rental Agency, naturalmente) per partecipare allo stesso matrimonio, intraprendono un’avventura mistica volta a svelare il loro passato e a superare i loro blocchi emotivi.

Dopo aver attraversato insieme una serie di porte impossibili e aver rivisitato vecchi ricordi, Sarah e David si separano proprio prima delle loro prove finali, che vedono Sarah confrontarsi con la madre defunta (Lily Rabe) e David trovarsi faccia a faccia con se stesso da adolescente (Yuvi Hecht). Attraverso queste interazioni, entrambi ricevono le ultime lezioni di cui hanno bisogno per imparare a vivere finalmente una vita soddisfacente.

Il vero scopo delle porte in A Big Bold Beautiful Journey

I trailer di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario creano il mistero delle varie porte che Sarah e David attraversano. C’è la porta rossa arrotondata che li porta al faro che David ha visitato una volta, e la porta metallica ricoperta di graffiti che conduce al museo preferito di Sarah, e così via. Ognuna rappresenta un aspetto chiave della loro vita ed è spesso legata a un momento intenso e determinante.

Per quanto riguarda la provenienza delle porte, però, A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario non è esattamente esplicito. Se guardate questo film alla ricerca di risposte concrete, rimarrete delusi, poiché non si tratta tanto di come funziona il tutto, quanto piuttosto del viaggio stesso. Da qui il titolo iperbolico.

Le porte non sembrano provenire da nessuna parte, anche se sono chiaramente legate all’agenzia di noleggio auto, ai suoi strani dipendenti e al GPS simile a un angelo custode (Jodie Turner-Smith). Forse la spiegazione migliore è che sono un’estensione di una vocazione superiore, una sorta di entità spirituale che ha lo scopo di aiutare le persone a riscoprire se stesse e ad andare avanti con la loro vita.

Il mistero dell’agenzia di noleggio auto

Inizialmente, A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario inizia come un film ambientato in un mondo normale e quotidiano. Tuttavia, non passa molto tempo prima che l’eccentricità faccia la sua comparsa, con David che trova la strada per l’agenzia di noleggio auto, gestita da due dipendenti interpretati da Phoebe Waller-Bridge e Kevin Kline. Tutto ciò che riguarda l’ambientazione è strano, dall’accento tedesco dei dipendenti che va e viene al magazzino vuoto in cui hanno sede.

Proprio come le porte, l’agenzia di noleggio auto e le sue stranezze non vengono mai spiegate. I dipendenti potrebbero essere veri angeli, oppure maghi. Il film non si preoccupa molto di fornire risposte, quasi come se volesse spingere il pubblico ad accettare semplicemente un po’ di fantasia nella propria vita. Certo, ci sono messaggi peggiori che un film può trasmettere.

Una cosa mi ha colpito, però, ed è il modo in cui l’agenzia di noleggio auto sembra funzionare come un’audizione per uno spettacolo teatrale o un film. I dipendenti hanno le foto dei volti delle persone che entrano e David finisce persino per affermare di non essere un attore, cosa che il personaggio di Waller-Bridge gli fa ripetere, come un regista che guida un attore.

Questo aggiunge un livello meta a A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, anche se non sono sicuro che il resto del film si basi su questo una volta che si concentra sulle vicende di David e Sarah. Tuttavia, se seguiamo la teoria secondo cui si tratta di una sorta di intervento divino, allora forse i dipendenti dell’agenzia di noleggio auto stanno facendo un provino alle persone che entrano per scoprire chi si adatta meglio all’altra.

Sarah e David finiranno insieme?

Non credo ci fossero molti dubbi sul fatto che Sarah e David si sarebbero davvero innamorati alla fine di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, ma per soddisfare tutte le curiosità: sì, le due anime perdute ritrovano la strada l’una verso l’altra e iniziano una vera relazione romantica.

Questo avviene dopo che Sarah raggiunge una svolta con i suoi problemi di impegno mentre parla con sua madre, e David impara ad apprezzare se stesso trascorrendo del tempo con il suo io adolescente. Lui restituisce la macchina e torna a casa, dove Sarah lo trova più tardi e fa un atto di fede.

Piuttosto che lottare per la felicità, Sarah propone di provare a vivere una vita serena insieme, un consiglio che ha ricevuto da sua madre. Sarah ha passato tutta la sua vita a fuggire dal vero amore, sempre convinta che avrebbe finito per ferire l’altra persona, ma ora è pronta a provare qualcosa di reale, accettando pienamente che qualsiasi cosa possa accadere nel loro futuro.

I personaggi di Sarah e David all’inizio di A Big Bold Beautiful Journey non avrebbero potuto stare insieme, poiché non avevano fatto il lavoro introspettivo necessario per andare avanti con le loro vite. Ora che hanno intrapreso, sì, un grande viaggio, sia insieme che separatamente, sono pronti per l’amore.

Il vero significato di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario

Il messaggio finale di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario è chiaro: non abbiate paura dell’amore, non abbiate paura di voi stessi o del vostro dolore. E immagino che non dovreste scappare dai noleggi auto strani, anche se l’atmosfera non è delle migliori. A parte quest’ultimo punto, il nuovo film promuove quel tipo di sentimento edificante e positivo che molti film prima di esso hanno sostenuto.

È un messaggio facilmente riconoscibile e profondamente umano, quindi non sorprende che sia uno di quelli che ricorre abbastanza spesso. Ogni porta che Sarah e David attraversano insegna loro qualcosa di importante; David impara a godersi il momento al faro e Sarah capisce il valore di condividere qualcosa di speciale con una persona nuova al museo.

A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario è esattamente ciò che dice il suo titolo esplicito, almeno per Sarah e David. Per noi spettatori, è un viaggio piuttosto familiare che abbiamo visto intraprendere da innumerevoli personaggi, ma è anche un viaggio che potremmo rivedere di tanto in tanto. Forse, alla fine della giornata, anche noi siamo Sarah e David, che cercano di trovare la loro strada nel mondo.

O forse, come in The Car Rental Agency, è solo una strana esperienza che non richiede alcuna spiegazione. Con qualcosa come A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, ciò che si ottiene è ciò che si mette dentro. Quindi godetevi il viaggio.

Ventidue anni dopo la scomparsa degli studenti di cinema Heather, Mike e Josh mentre giravano un documentario sulla strega di Blair (almeno secondo quanto riportato dal marketing) e diciassette anni dopo che la loro storia ha spaventato il pubblico incassando 248 milioni di dollari al botteghino, un sequel a sorpresa è arrivato nelle sale: Blair Witch. Diretto da Adam Wingard, il principale legame di questo sequel con The Blair Witch Project è James (James Allen McCune), il fratello di Heather, che porta un gruppo di amici nei boschi intorno a Burkittsville alla ricerca della sorella (o, almeno, di qualche prova di ciò che le è successo) dopo che il contenuto di un nastro DV appena ritrovato è stato caricato su Internet da una coppia di abitanti del luogo.

Blair Witch approfondisce notevolmente la mitologia della minaccia che dà il titolo al film (presumibilmente Elly Kedward, una donna lasciata morire nei boschi dalla gente del posto nel 1785) e anche altri avvenimenti collegati nei boschi, in particolare le malefatte del serial killer Rustin Parr. Una delle tante storie inquietanti raccontate in The Blair Witch Project, Parr uccise sette bambini di Burkittsville negli anni ’40, e disse di averlo fatto perché “delle voci” glielo avevano ordinato. Il dettaglio raccapricciante di come Parr costringesse una delle sue vittime a stare in piedi e a guardare verso l’angolo mentre uccideva l’altra ha creato il finale spaventoso di quel film, ed è anche la colonna portante del finale di Blair Witch.

Il finale

Innanzitutto, una breve sintesi di ciò che accade alla fine di Blair Witch. I due sopravvissuti rimasti, James e Lisa (Callie Hernandez), si imbattono nella casa vista alla fine di The Blair Witch Project. James vede una luce nella casa e crede che Heather sia all’interno, quindi corre dentro per cercare di trovarla. Lisa, terrorizzata, si rifiuta di entrare, finché il frastuono e il caos nel bosco (per non parlare di una breve apparizione della strega di Blair) la spingono a farlo. James cerca freneticamente sua sorella e in una delle stanze della casa vede quello che sembra essere il suo amico Peter (Brandon Scott) in piedi in un angolo, riecheggiando i momenti finali del precedente film.

Mentre corrono per la casa, sia Lisa che James vedono la strega di Blair: una creatura alta e umanoide con arti allungati. Come notato in precedenza nel film, Elly Kedward è stata impiccata a un albero con delle pietre legate alle braccia e alle gambe, come una sorta di patibolo improvvisato, il che potrebbe spiegare l’aspetto della creatura. All’interno della casa c’è anche Lane (Wes Robinson), che era scomparso nel bosco in precedenza nel film ed è tornato meno di un giorno dopo, sostenendo di aver vagato per cinque giorni. Quando Lisa lo incontra di nuovo, Lane ha la barba folta ed è stupito dal fatto che Lisa sia esattamente uguale all’ultima volta che l’ha vista. Lane colpisce Lisa e poi la getta in una botola che conduce a un tunnel, che lei è costretta ad attraversare strisciando per fuggire.

Alla fine, il tunnel si apre in un’altra parte del seminterrato, dove Lisa incontra Lane e lo pugnala alla gola. James e Lisa si incontrano poi in soffitta, dove una luce brillante splende brevemente attraverso le finestre e le crepe nei muri, prima di svanire. I due decidono di stare in piedi e guardare verso l’angolo, poiché le leggende suggeriscono che la strega può ucciderli solo se la guardano direttamente. Tuttavia, la strega inganna James facendolo voltare parlandogli con la voce di sua sorella, e poi inganna Lisa facendola voltare parlandole con la voce di James. Il film termina così con un’inquadratura dalla telecamera caduta di Lisa, che alla fine sfuma nel nero. Allora, cosa significa tutto questo e come si collega al film originale?

Il salto temporale

L’abilità della strega di comprimere e distorcere il tempo viene introdotta a metà del film, quando Lane e Talia emergono dal bosco dopo aver trascorso cinque o sei giorni senza luce solare, mentre per il resto del gruppo è passato meno di un giorno. Questa oscurità senza fine prende poi il sopravvento per il resto del film, sia perché la notte è stata prolungata, sia (come potrebbe indicare il breve lampo di luce attraverso le finestre della soffitta) perché il giorno è stato estremamente accelerato. È chiaro che l’entità nel bosco non solo può manipolare il tempo, ma può anche intrappolare le singole persone nelle loro sacche di tempo separate.

Uno degli aspetti più discussi di Blair Witch, anche se alcuni potrebbero non averlo notato, è che il nastro trovato all’inizio del film è lo stesso che Lisa registra durante la sua ultima, fatale corsa attraverso la casa. Il nastro è stato in qualche modo rispedito indietro nel tempo e lasciato come esca per attirare James e i suoi amici verso la morte nei boschi. Da notare anche che la casa avrebbe dovuto bruciare decenni fa e non è stata trovata da nessuna delle squadre di ricerca che sono andate a cercare Heather, Mike e Josh.

Inoltre, l’albero colpito da un fulmine fuori dalla casa alla fine del film è lo stesso albero dove è stato trovato il nastro DV, ma quando Talia e Lane hanno trovato il nastro la casa non c’era. Ciò indica che la casa – e, in effetti, il resto del bosco – esistono in una dimensione separata, dove il tempo si comporta in modo diverso rispetto al mondo esterno. Si apre anche l’intrigante possibilità che i personaggi di questo film possano aver effettivamente incrociato i personaggi di The Blair Witch Project (ne parleremo più avanti).

La distorsione spaziale

In The Blair Witch Project, i tre personaggi camminano tutto il giorno verso sud, solo per ritrovarsi al punto di partenza. La spiegazione di questo fenomeno non è chiara nell’originale: la strega ha interferito con la loro bussola per farli camminare in tondo, manipolando le loro menti per confonderli sulla direzione da seguire, o ha fisicamente spostato la foresta che li circondava? Essendo più esplicito nell’uso dello spazio impossibile, Blair Witch indica che l’ultima possibilità è quella corretta.

I forti rumori di schianti, boati e scricchiolii che si sentono in tutto il film potrebbero benissimo essere i suoni della foresta che si sposta fisicamente intorno ai personaggi, per assicurarsi che non riescano a trovare la via d’uscita. La telecamera del drone, durante il suo secondo volo, mostra che la strada vicina è scomparsa e che tutt’intorno non c’è altro che alberi. Questa manipolazione dello spazio è amplificata quando James e Lisa entrano nella casa, che sembra spostarsi intorno a loro (a un certo punto si sorprendono a trovarsi in soffitta).

L’angolo non ti proteggerà

Una delle immagini iconiche di The Blair Witch Project è Mike in piedi nel seminterrato della casa, di fronte all’angolo. Il sequel chiarisce l’importanza di questa posizione aggiungendo dettagli alla leggenda: l’aspetto della strega è così terrificante che chiunque la guardi morirà immediatamente. La questione è resa un po’ più complicata dal fatto che la strega viene intravista numerose volte prima che James e Lisa si mettano in piedi nell’angolo, quindi è un po’ tardi per loro per evitare di vederla. In realtà, si potrebbe sostenere che la regola di non guardare la strega sia solo una strana credenza popolare e che stare di fronte all’angolo in realtà non serva a proteggere le persone da lei.

Le voci

Come stabilito in The Blair Witch Project, l’entità nel bosco può imitare le voci delle persone come stratagemma per attirarle e indurle a cercare di trovarla. Josh, ad esempio, viene sentito chiamare Mike e Heather dopo che loro lo hanno sentito urlare tutta la notte, e Heather ha trovato i suoi denti e il suo sangue all’interno di un fagotto legato con strisce lacere della sua camicia. Anche Rustin Parr ha detto di aver ucciso le sue vittime perché delle “voci” gli avevano detto di farlo, ma non ha detto che quelle voci erano quelle della strega.

Alla fine di Blair Witch, la strega usa questo piccolo trucco per convincere James e Lisa a voltarsi. Prima parla a James con la voce di Heather (che né Lisa né il pubblico possono sentire). Poi, dopo che James è stato presumibilmente ucciso, la strega usa la sua voce per ingannare Lisa e convincerla a voltarsi (sia Lisa che il pubblico possono sentirla, forse perché il filmato mostrato è registrato dalla telecamera di Lisa).

Chi ha ucciso Heather, Mike e Josh?

Come accennato in precedenza, gli elementi di viaggio nel tempo aggiungono una dimensione interessante nel sequel. Alcuni fan hanno teorizzato che il nuovo cast di personaggi potrebbe essere stato effettivamente nel bosco contemporaneamente a Heather, Mike e Josh. Dopotutto, se la strega può creare una notte perpetua, inviare nastri indietro nel tempo e influenzare la quantità di tempo vissuta dai diversi personaggi, allora colmare un divario di 20 anni non è certo fuori discussione. Una possibile implicazione di ciò è che le figure stilizzate trovate dal trio del primo film fossero in realtà quelle messe lì da Lane e Talia (Valorie Curry).

Il fatto che Lane appaia dopo aver trascorso un periodo di tempo considerevole alla mercé della strega e aver eseguito i suoi ordini solleva anche la possibilità che possa essere stato costretto a terrorizzare o addirittura uccidere Heather, Mike e Josh. Dopotutto, James sente la voce di sua sorella all’interno della casa e corre dentro per cercare di trovarla, il che potrebbe essere uno scherzo della strega… o potrebbe essere davvero Heather all’interno della casa. Alla fine di The Blair Witch Project, lei corre davvero al piano superiore (dove James vede la luce) e chiama Mike e Josh. Forse è questo che James ha sentito e visto.

Infine, se accettiamo la possibilità che James e Lisa fossero nella casa contemporaneamente a Heather, Mike e Josh, è anche possibile che Rustin Parr abbia avuto un ruolo nella morte di alcuni o di tutti loro. Anche se secondo la tradizione della strega di Blair il serial killer fu giustiziato nel 1941, potrebbe aver viaggiato un po’ nel tempo durante il periodo trascorso nella casa. Quale che sia la verità, Blair Witch gioca in modo evidente con i propri personaggi e anche con gli spettatori, distorcendo la percezione del reale per dar vita ad un nuovo avvincente racconto dell’orrore.

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Il finale del Jurassic Park potrebbe non essere complicato come quello di alcuni blockbuster fantascientifici, ma il thriller catastrofico di Steven Spielberg sul “parco a tema andato male” presenta diversi livelli di lettura che non tutti hanno colto alla prima visione. Uscito nel 1993, Jurassic Park è stato un enorme successo per Spielberg ed è diventato uno dei rari blockbuster ad aver ottenuto sia il plauso della critica che il successo commerciale.

Il film è infatti stato una vera e propria rivoluzione, introducendo in maniera ancor più massiccia l’utilizzo della computer grafica, qui utilizzata per ridare vita sul grande schermo a dinosauri estintisi milioni di anni fa. Con la semplice storia di un parco a tema popolato da dinosauri clonati che presto si trasforma in un incubo, il film ha saputo fondere con grande efficacia il commento sulla sperimentazione scientifica con l’azione. In questo articolo, andiamo allora ad approfondire il finale del film e il suo significato.

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Perché il T-Rex salva gli esseri umani nel finale di Jurassic Park

La ricomparsa a sorpresa del T-Rex alla fine di Jurassic Park è un momento di azione blockbuster profondamente soddisfacente, con la musica che cresce e il mostro principale del film che salva accidentalmente gli umani rimasti dai raptor. È un ottimo esempio di aspettativa sovvertita, poiché lo spettatore a questo punto ha probabilmente dimenticato il T-Rex, grazie alla tesa caccia dei raptor attraverso il centro visitatori. Ma la scena ha uno scopo che va oltre quello narrativo.

In termini tematici, l’immagine del T-Rex in piedi tra le rovine del centro visitatori mentre cade lo striscione di benvenuto è simbolicamente significativa, poiché mostra che la vita troverà davvero “una via”, con il T-Rex che sopravvive anche se il parco a tema per cui è stato creato va in rovina. La vita creata per Jurassic Park prospera, mentre l’arroganza e la presunzione che hanno cercato di contenerla vanno in frantumi.

Alan Grant cambia profondamente come personaggio

L’evoluzione del personaggio del dottor Alan Grant nel primo Jurassic Park rispecchia ciò che il film cerca di dire sul “trovare una via”. L’inquadratura di Sattler che guarda con approvazione Grant assopito mentre i bambini riposano sulla sua spalla rappresenta la sua crescita come personaggio. All’inizio del film, Grant che terrorizza un bambino in visita allo scavo archeologico dimostra di non essere bravo con i bambini, ma durante l’azione di Jurassic Park, i bambini finiscono per affidarsi a lui.

Grant, progressivamente, si dimostrerà all’altezza della sfida. Il fatto che dormano sulla sua spalla dimostra che ora è una figura paterna stabile, e il personaggio di Neill, precedentemente distaccato, ha dimostrato grande abilità nel ruolo di genitore che è stato costretto ad assumere. Quando il film lascia alle spalle le isole di Jurassic Park, la vita ha trovato un modo per maturare e sviluppare il personaggio di Grant.

Cosa succede a Ray Arnold in Jurassic Park

Sebbene la sua morte non sia mostrata sullo schermo, Ray Arnold è decisamente morto alla fine dell’azione di Jurassic Park. Il motivo per cui non lo si vede più dopo che è andato a riavviare manualmente il sistema dell’isola è che i raptor sono riusciti a dargli la caccia e ucciderlo, un destino fortemente suggerito dalla scoperta del suo braccio mozzato da parte della Sattler.

Per una strana coincidenza, una tempesta tropicale nella vita reale ha impedito alla produzione di girare la scena della morte del personaggio di Samuel L. Jackson, lasciando alcuni spettatori a interrogarsi sul suo destino. Anche se il suo smembramento non è mai stato messo in scena, il personaggio è comunque canonicamente deceduto, secondo la serie di Jurassic Park.

Il Jurassic Park è stato un fallimento (ma ha ancora un futuro)

La fine di Jurassic Park lascia in vita non solo Grant, Sattler, il dottor Ian Malcolm e i bambini, ma anche il proprietario del parco John Hammond (l’eccentrico miliardario che ha finanziato l’intera impresa). Questo è importante, poiché il film descrive il fallimento del parco come causato specificamente dalla decisione pericolosa e maliziosa di Dennis Nedry di compromettere i sistemi interni, piuttosto che dall’idea intrinsecamente letale di un parco a tema sui dinosauri.

Nedry viene ucciso dopo aver causato il fallimento del parco, e non c’è motivo di pensare che il parco non avrebbe funzionato se lui non fosse intervenuto. Le azioni di una manciata di cattivi, come Dennis Nedry e Dodgson (che ritorna in Jurassic World – Il Dominio), hanno portato al fallimento dell’omonimo parco, quindi, con Nedry neutralizzato, il finale apre decisamente alla possibilità di tornare sulle isole per cercare di rimediare ai suoi fallimenti nei sequel. Cosa che poi con i film successivi è effettivamente avvenuta.

Cosa significano gli uccelli alla fine di Jurassic Park

Lo stormo di pellicani visto dai sopravvissuti seduti nell’elicottero alla fine di Jurassic Park ha due significati metaforici. Sono i primi animali normali che il gruppo vede dopo la capra divorata da un T-Rex fuori campo all’inizio del film, quindi la loro presenza è un confortante promemoria del fatto che i personaggi stanno tornando alla normalità dopo la follia dell’omonimo parco. Tuttavia, all’inizio del film, è stato anche fatto un paragone tra i dinosauri e gli uccelli che si sono evoluti da essi.

Jurassic Park utilizza questa scena anche per illustrare che, come i pellicani, i dinosauri non sono necessariamente mostri, ma piuttosto solo un’altra delle maestose creazioni della natura (anche se una delle più pericolose) e, con gli esseri umani scomparsi e l’isola tutta per loro, presto torneranno anche loro alla “normalità”. Inoltre, in termini di narrazione pratica, vedere gli uccelli volare via dall’isola ricorda agli spettatori che l’elicottero non è l’unico mezzo in grado di lasciare Isla Nublar, preparando così il terreno per i sequel.

Il vero significato del finale di Jurassic Park

Jurassic Park affronta dunque il tema dei pericoli insiti nel tentativo dell’uomo di giocare a fare Dio, ma nel film di Spielberg l’esperimento di Hammond non viene condannato in modo esplicito quanto il suo intento di trarne profitto. La sua decisione di fidarsi di dipendenti amareggiati e sottopagati come Dennis Nedry porta al fallimento del parco a tema piuttosto che l’atto stesso di clonare i dinosauri, e la sua scelta di clonare predatori più “emozionanti” (leggi: redditizi) come il T-Rex mette in pericolo gli occupanti del parco.

La sopravvivenza dei dinosauri di Jurassic Park suggerisce che la vita “troverà una strada”, indipendentemente dal fatto che le intenzioni malvagie di Nedry o la ricerca del profitto di Hammond compromettano gli esperimenti. Sattler, Grant e il resto del cast descrivono spesso i dinosauri come bellissimi, nutrono una vera e propria venerazione per loro e sono intimoriti dalla loro presenza.

Pertanto, il film suggerisce che i dinosauri non sono mostri, ma gli esseri umani che li clonano devono stare attenti, poiché la vita sopravviverà sempre anche se gli esseri umani che cercano di controllarla non sono così fortunati. I tentativi di Hammond di trarre profitto dalla maestosità dei dinosauri vengono puniti con la distruzione del suo parco, mentre i tentativi di Nedry di rubare il DNA dei dinosauri vengono puniti in modo più diretto con la sua morte raccapricciante.

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Jane Got a Gun (2015) rappresenta un capitolo peculiare nella filmografia di Gavin O’Connor, regista noto per film come Warrior e The Accountant, in cui i protagonisti si trovano sempre a fare i conti con lealtà, conflitti personali e un contesto ostile. In questo western, O’Connor mantiene il suo interesse per i legami umani e la tensione morale, declinandoli in un’ambientazione che richiama il cinema classico americano. La produzione travagliata – con regista e cast cambiati più volte – non impedisce al film di mostrare la solidità del tocco registico di O’Connor.

Al centro della vicenda spicca la presenza di Natalie Portman, non solo protagonista ma anche produttrice del film, che interpreta una donna costretta a difendere la propria famiglia in un mondo dominato dalla violenza maschile. La sua Jane è una figura complessa, segnata dalla sofferenza e dalla determinazione, in grado di dare al western una sensibilità diversa da quella tradizionale. Accanto a lei, Joel Edgerton ed Ewan McGregor completano un cast che unisce intensità e carisma, contribuendo a rendere il film più stratificato di quanto possa apparire a prima vista.

Dal punto di vista del genere, Jane Got a Gun si colloca nella tradizione del western crepuscolare, in cui i miti della frontiera vengono rivisitati alla luce di un’umanità fragile e imperfetta. I temi della vendetta, della resilienza e della sopravvivenza si intrecciano con riflessioni su amore e fiducia tradita, richiamando opere come Gli spietati di Clint Eastwood o Il Grinta dei fratelli Coen, dove i protagonisti si muovono in una frontiera segnata dalla brutalità ma anche dalla ricerca di riscatto. Nel prosieguo dell’articolo ci soffermeremo in particolare sul finale del film, analizzandone significato e implicazioni tematiche.

La trama di Jane Got a Gun 

Jane Got a Gun è incentrato su Jane Hammond (Natalie Portman), che ha costruito una nuova vita con il marito Bill “Ham” Hammond (Noah Emmerich) dopo essere stati tormentati da una banda di fuorilegge chiamati Bishop Boys. La coppia si ritrova però ancora una volta nel mirino della banda quando Ham incappa in un duello con Colin (Ewan McGregor), capo della gang. Jane, che non ha nessuno a cui rivolgersi, chiede quindi aiuto al suo ex fidanzato Dan Frost (Joel Edgerton). Perseguitata da vecchi ricordi, il passato di Jane incontra il presente in una battaglia al cardiopalma per la sopravvivenza.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Jane Got a Gun, la tensione raggiunge il culmine quando la banda di Bishop assedia la casa di Jane e Dan. Le trappole preparate nel terreno esplodono, falciando gran parte dei fuorilegge, ma lo scontro continua feroce e senza tregua. Per proteggere Ham, ormai morente, i due lo nascondono sotto le assi del pavimento, ma le sue ferite sono troppo gravi e l’uomo muore durante l’attacco. La battaglia prosegue con Jane e Dan che, feriti ma determinati, resistono ai pochi superstiti, fino a trovarsi faccia a faccia con Bishop stesso.

Il duello finale tra Jane e Bishop segna la vera resa dei conti. Bishop riesce quasi a sopraffare Dan, ma Jane interviene alle sue spalle, ribaltando la situazione. L’uomo tenta un ultimo disperato ricatto emotivo, rivelando che Mary, la figlia che Jane credeva morta, è ancora viva e prigioniera al bordello. Dopo un confronto carico di odio e dolore, Jane lo uccide, ponendo fine a un capitolo di violenza e soprusi. Con Dan, la donna si reca quindi al bordello, libera Mary e la riporta con sé, riunendo finalmente una famiglia segnata dalle cicatrici ma pronta a ripartire.

Il finale assume una forte valenza simbolica: la morte di Ham non è solo la perdita di un marito, ma la chiusura definitiva con un passato di menzogne e colpe che non appartenevano del tutto a Jane. La sua uccisione di Bishop diventa così un atto di liberazione, un gesto che restituisce dignità a lei e alla sua famiglia. Al tempo stesso, la rivelazione su Mary trasforma una tragedia in un nuovo inizio, ribaltando il tema del lutto in quello della rinascita.

Per lo spettatore, il film suggerisce che la vera forza non risiede nella violenza, ma nella resilienza e nella capacità di sopravvivere alle ferite del destino. Jane emerge come un’eroina atipica del western: non una vendicatrice spietata, ma una donna che lotta per proteggere i propri cari, per non farsi più sopraffare da uomini e potere. Il legame ricostruito con Dan aggiunge inoltre un tocco di speranza, indicando la possibilità di guarigione emotiva anche dopo anni di dolore.

In definitiva, Jane Got a Gun lascia un messaggio chiaro: il coraggio di affrontare i propri fantasmi e la determinazione a non arrendersi possono cambiare il corso della vita. Il film trasforma un racconto di sangue e vendetta in una riflessione sulla famiglia, sull’amore ritrovato e sulla possibilità di ricominciare. Il viaggio di Jane, da vittima a protagonista della propria storia, diventa così un manifesto di resilienza e autodeterminazione femminile all’interno di un genere tradizionalmente dominato dagli uomini.