La trama e il cast di
Springsteen: Liberami dal Nulla
Prodotto dai 20th Century Studios,
il film racconta la realizzazione dell’album ”Nebraska” di Bruce
Springsteen del 1982, quando era un giovane musicista sulla soglia
della superstar mondiale, che lottava per conciliare le pressioni
del successo con i fantasmi del suo passato. Registrato su un
registratore a 4 tracce nella camera da letto di Springsteen nel
New Jersey, l’album segnò un momento cruciale della sua vita ed è
considerato uno dei suoi lavori più duraturi: un disco acustico
crudo e tormentato, popolato da anime perse alla ricerca di una
ragione per credere.
Interpretato da Jeremy
Allen White nel ruolo del Boss, il film è scritto per lo
schermo e diretto da Scott Cooper sulla base del
libro “Deliver Me from Nowhere” di Warren
Zanes. Nel cast ci sono anche Jeremy Strong nel ruolo del manager e
confidente di lunga data di Springsteen, Jon Landau; Paul
Walter Hauser nel ruolo del tecnico della chitarra Mike
Batlan; Stephen Graham nel ruolo del padre di
Springsteen, Doug; Odessa Young nel ruolo dell’amante Faye;
Gaby Hoffman nel ruolo della madre di Springsteen,
Adele; Marc Maron nel ruolo di Chuck Plotkin e
David Krumholtz nel ruolo del dirigente della
Columbia, Al Teller.
In arrivo solo nelle sale il
24 ottobre 2025, il film è prodotto da Cooper,
Ellen Goldsmith-Vein, Eric Robinson e Scott Stuber. Tracey Landon
Jon Vein e Zanes sono i produttori esecutivi.
Con la produzione ufficialmente
completata, la star di
Masters of the Universe Nicholas
Galitzine offre ai fan un emozionante sguardo dietro le
quinte.
Nella sua ultima rivelazione,
Galitzine mostra l’iconica tunica rosa del principe
Adam, un chiaro omaggio alla classica serie animata, e
sottolinea il rigoroso allenamento fisico a cui ha dovuto
sottoporsi per incarnare il muscoloso e leggendario eroe di
Eternia.
La versione live-action della
classica serie animata vedrà protagonista Nicholas
Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena
Baccarin nel ruolo della Strega, e di James
Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei
genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad
Alison Brie (GLOW, Community)
nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di
Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in
quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C.
Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap
Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di
Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio
tratto dall’amata serie animata già nel 2022, ma all’inizio di
quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo tentativo di far
decollare il progetto era fallito.
Tuttavia, in seguito avremmo appreso
che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di
Bumblebee, Travis Knight, in trattative per la
regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno 2026.
Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura da una
bozza iniziale di David Callaham
(Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In
precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La
città perduta).
Todd Black, Jason Blumenthal e Steve
Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin.
Masters of the Universe
arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.
L’estate
dei segreti perduti di Prime
Video è la storia di una diciassettenne di nome
Cadence Sinclair alla ricerca dei ricordi perduti dell’anno appena
trascorso. Il mistero ruota attorno ai ricchi Sinclair, durante la
loro vacanza estiva annuale sulla loro isola privata al largo della
costa del Massachusetts. Mentre la famiglia appare unita e perfetta
davanti alle telecamere, sotto si celano oscuri segreti e avidità,
e ogni adulto gioca i propri giochi. Le Liars – Cadence, Mirren,
Johnny Sinclair e Gat Patil – hanno trascorso ogni estate su
quest’isola, promettendosi di non lasciare mai che le cose cambino.
Ma il mistero dietro “Estate 16” di Cadence ha cambiato tutto.
Riunitasi con le altre Liars quest’estate, Cadence, ancora alle
prese con il trauma dell’incidente, ripercorre i suoi passi. I
ricordi che scopre la cambiano per sempre.
Creata da Julie Plec e Carina Adly
MacKenzie, la serie thriller psicologica vede
protagonisti Emily Alyn Lind, Shubham Maheshwari, Esther McGregor,
Joseph Zada, Candice King, Mamie Gummer, Caitlin FitzGerald e David
Morse, dando vita alla straziante realtà di Beechwood Island.
Usando la menzogna come strumento, la storia si intreccia
sapientemente con complesse dinamiche familiari, evidenziando il
prezzo che queste possono comportare per i membri di ogni età. Le
loro ansie sono catturate in modo estremamente realistico,
utilizzando l’ambiente come strumento narrativo per comprendere i
meccanismi interni della mente del protagonista.
L’estate dei segreti
perduti è un adattamento di un romanzo di fantasia
L’estate dei segreti
perduti è una storia interamente di fantasia,
adattata dall’omonimo romanzo del 2014, scritto da E. Lockhart e
sviluppata per il grande schermo dalle creatrici Julie Plec e
Carina Adly MacKenzie. Sebbene gli showrunner apportino diverse
modifiche alla narrazione, il nucleo rimane invariato. Numerose
ispirazioni tratte dalla vita reale hanno portato alla creazione
del libro, a partire dalle esperienze personali dell’autrice. Ha
affermato che il concetto di Cadence è nato come una trasposizione
delle sue ambizioni e dei suoi sentimenti di rabbia e disperazione,
nonostante l’autrice e il personaggio conducano vite molto diverse.
Altri episodi della vita di Lockhart, come il periodo in cui ha
ottenuto una borsa di studio in una scuola privata, hanno ispirato
il personaggio di Gat Patil. Il collegamento qui sembra essere un
senso di distacco e disillusione nei confronti dei privilegi e
dell’élite.
Inoltre, Lockhart ha affermato che,
pur non avendo mai sofferto di emicrania, diverse persone a lei
vicine ne hanno sofferto, e ha usato questa affermazione come base
per esplorare come il dolore e l’instabilità mentale possano
influenzare il modo in cui si percepisce il mondo e si reagisce ai
suoi stimoli. L’autrice ha spiegato che la rivalità tra fratelli
per la proprietà e la ricchezza di Harris Sinclair deriva
principalmente dal racconto di Re Lear. Tuttavia, l’inserimento di
Cime Tempestose nel racconto sorprende persino l’autrice stessa.
Questa consapevolezza le è giunta molto più tardi, il che implica
che specifiche esperienze di vita reale si siano inconsciamente
infiltrate in questo mistero. Profondamente radicate
nell’esperienza di vita reale, le emozioni di amore e disperazione
e i temi della razza e della coscienza di classe pervadono la
narrazione.
L’estate dei segreti
perduti affronta le molteplici forme di razzismo e
classismo
Gat Patil diventa il principale
portavoce della storia, sottolineando la differenza tra la vita
delle persone comuni e quella dei ricchi. Il privilegio diventa uno
dei punti chiave della discussione: i bugiardi arrivano a
disprezzare la superficialità e la vanità dei genitori, arrivando
infine a prendere misure drastiche per contrastarla. La narrazione
riflette sulle numerose ingiustizie che le persone vittime di
razzismo subiscono e su come la ricchezza venga spesso generata
sullo sfruttamento ambientale, con vite innocenti spinte ancora più
in basso nella povertà. Questi momenti di acuta consapevolezza
portano un profondo cambiamento nella mente della protagonista, che
inizia a vedere la sua vita in modo diverso. I personaggi
principali rifiutano la crudeltà che deriva dal privilegio e
mostrano una grande sensibilità alla disparità.
Uno dei motivi centrali della
narrazione è quello delle fiabe. Secondo gli autori di
L’estate dei segreti perduti, le fiabe hanno un
peso grazie alla verità umana che racchiudono. Queste storie
mitologiche e meravigliose vengono riprodotte nel corso dei secoli,
esprimendo i desideri fondamentali dell’umanità attraverso la
fantasia, raggiungendo una qualità senza tempo. Questo aspetto
della narrazione si riflette nelle invenzioni di verità di Cadence,
che ritrovano la strada per il futuro a prescindere da quante volte
tenti di seppellirle. Allo stesso modo, la protagonista,
ispirandosi alla nonna, usa le fiabe per fare un’analogia con il
mondo immaginario in cui vive e, per estensione, può fungere da
analogia per la società in generale. Certe verità possono essere
trasmesse attraverso le storie solo per attenuarne l’impatto, e
L’estate dei segreti perduti funziona come una di
queste.
I Sinclair traggono ispirazione
dalle esperienze infantili dell’autore
I Sinclair sono una famiglia
immaginaria creata appositamente per L’estate dei segreti
perduti. Tuttavia, sembrano ispirarsi a una serie di
famiglie benestanti realmente esistite che l’autrice incontrò da
bambina. Durante i suoi viaggi in traghetto di ritorno a casa, la
giovane Lockhart notò numerose isole private con lussuose case
isolate. Questo diede il via a un esercizio di fantasia che avrebbe
dato vita all’ambientazione della storia. Pertanto, le famiglie
miliardarie che possiedono intere isole in America possono fungere
da ispirazione per i Sinclair. Tra queste, grandi nomi come la
famiglia Malone, proprietaria di Samsan Clay Island alle Bahamas, e
la famiglia Ziegler, che usava le proprie proprietà a Hay Island,
nel Connecticut, come cottage estivo.
Poiché si dice che Beechwood Island
si trovi nella regione del Massachusetts, in particolare tra le
isole elisabettiane, l’ispirazione più probabile per i Sinclair è
la famiglia Forbes, che possiede la maggior parte delle isole di
quella regione. Sebbene si sappia poco altro sulle attività
commerciali della famiglia, la loro considerevole ricchezza e le
loro conoscenze sembrano implicare che abbiano messo le mani in
molte importanti industrie. Il patriarca, Harris, è descritto come
un capitalista dal profondo razzismo e arcaismo. Il suo controllo
si riflette nei disperati tentativi delle figlie di ereditare la
proprietà dei Sinclair. Ciò riflette come il potere possa
rapidamente accecare le persone, seminando caos e sfiducia, che
possono essere superati solo rafforzando i legami con i propri
cari.
Alla fine di L’estate
dei segreti perduti di Prime
Video, una rivelazione sensazionale ribalta l’intera
trama, quando Cadence finalmente capisce la verità dietro
l’incidente che le ha fatto perdere la memoria. Sebbene abbia
implicazioni scioccanti per tutti i personaggi principali della
storia, solleva anche ulteriori domande sull’ambiguità delle altre
parti della serie, in particolare perché gli elementi di mistero e
dramma familiare si intrecciano in modo complicato nelle fasi
finali. Pertanto, il destino dei Liars (Cadence,
Johnny, Mirren e Gat) dipende da come la protagonista
percepisce il suo passato e cerca di dargli un senso senza perdere
la speranza e la fiducia in se stessa. Tuttavia, l’incertezza
cresce man mano che la natura della rivelazione finale viene alla
luce alla fine, lasciando Cadence in uno stato di caduta libera.
SPOILER IN ARRIVO.
Cosa succede in L’estate
dei segreti perduti?
La serie inizia con una serie di
flashback, la maggior parte dei quali derivanti dai ricordi
frammentari di Cadence a seguito di un misterioso incidente.
Sebbene non ricordi nulla di ciò che le è successo, Cadence ricorda
che l’incidente è avvenuto verso la fine dell’estate del 2016,
l’ultima vacanza estiva che ha trascorso a Beechwood Island. Ogni
anno, la ricca famiglia di Cadence, i Sinclair, trascorre le
vacanze sull’isola privata al largo della costa del New England di
proprietà del patriarca della famiglia, Harris. I suoi ricordi
dell’isola sono puri e idilliaci perché è il luogo dove può
trascorrere le estati con i cugini Johnny e Mirren e la sua
migliore amica Gat. Nell’estate del 2016, si è riunita con tutti
loro e si è divertita per la maggior parte del tempo. Tuttavia, le
cose sono andate storte quando un incidente ha sconvolto le loro
vite e Cadence è rimasta affetta da amnesia.
Mentre si riprendeva dalle ferite e
dalle frequenti emicranie, Cadence è tornata sull’isola per
l’estate del 2017 per cercare risposte su ciò che le era successo
durante le vacanze precedenti. Tuttavia, al suo ritorno, si rende
conto che le cose non sono più le stesse sull’isola perché la villa
di suo nonno, Clairmont, è stata ricostruita dal suo originale
stile architettonico classico in una struttura moderna chiamata New
Clairmont, che sembra fredda e sprezzante. Ma soprattutto, i Liars
(Johnny, Mirren e Gat) si rifiutano di dirle cosa le è successo
durante l’estate del 2016 o perché non l’hanno mai contattata
durante il suo processo di recupero dopo l’incidente. Dopo averli
pressati incessantemente, finalmente le dicono che hanno ricevuto
l’ordine esplicito di non divulgare informazioni perché potrebbero
risvegliare ricordi traumatici.
Determinata a scoprire tutta la
verità, Cadence si allea con i Liars per ricostruire ciò che non
ricorda, anche se loro sono riluttanti ad aiutarla per paura di
causarle ulteriore dolore. Tuttavia, più tempo trascorre
sull’isola, più i ricordi iniziano a riaffiorare, la maggior parte
dei quali riguardano la sua relazione con Gat, che ha un ruolo
fondamentale nel suo passato e nel suo presente. La loro storia
d’amore in fiore rimane al centro della narrazione, soprattutto dal
punto di vista emotivo. Tuttavia, man mano che i ricordi
riaffiorano, Cadence si rende anche conto che l’estate del 2016 è
stata tormentata da drammi, segreti, bugie e inganni, molti dei
quali derivanti dalla natura disfunzionale della sua stessa
famiglia. Tutto questo porta a ciò che è realmente accaduto la
notte in cui ha perso la memoria, una notte che ha cambiato la sua
vita in meglio o in peggio.
Il finale di L’estate dei
segreti perduti: i bugiardi sono fantasmi? Cadence sta
sognando?
Dopo aver affrontato diverse prove,
tribolazioni e falsità nel corso della storia, la verità dietro
l’incidente viene finalmente rivelata alla fine della stagione,
quando le lacune nella memoria frammentaria di Cadence vengono
colmate. La notte dell’incidente, la protagonista convinse i Liars
che le ragioni principali dei dissidi e delle lotte intestine
all’interno della famiglia Sinclair derivavano in gran parte
dall’influenza di Harris su tutta la famiglia, in particolare dal
modo in cui utilizzava la prospettiva dell’eredità per tenere tutti
sotto controllo. Così, appiccarono il fuoco alla villa dei
Clairmont, sperando che distruggendola avrebbero potuto porre fine
al dramma familiare. Tuttavia, il piano fallì perché tutte le Liars
tranne Cadence finirono per morire, una tragedia che lasciò una
profonda cicatrice psicologica nel suo cervello, facendola
dimenticare come le sue azioni avessero portato alla morte dei suoi
cari.
Sebbene la rivelazione sul destino
delle Liars sia sconvolgente, solleva una domanda ancora più
grande: come fa Cadence a incontrare le Liars nell’estate del 2017
se sono morte un anno prima? La risposta arriva nelle parti finali,
quando scopriamo che Cadence li ha immaginati, sia come meccanismo
di difesa naturale della sua mente per impedirle di scoprire cosa è
successo, sia perché sono semplicemente dei fantasmi. Sebbene la
seconda spiegazione porti la storia nel territorio del
soprannaturale, il finale sembra suggerire che ci sia una
sovrapposizione tra il regno psicologico e quello spirituale.
Poiché il cervello di Cadence ha cercato di proteggerla dalle
conseguenze delle sue azioni, il che probabilmente si estende alla
creazione di una realtà in cui immagina che Johnny, Mirren e Gat
siano ancora vivi, potrebbe anche essere un modo per aiutarla ad
andare avanti, attraverso un prodotto della sua immaginazione o una
manifestazione dello spirito.
Durante tutta l’estate del 2017,
Cadence è stata completamente sola, anche se credeva di interagire
continuamente con le Liars. Nel finale, ci viene mostrato un
flashback di tutte le scene dell’estate del 2017 in cui Cadence
conversa con Johnny, Mirren o Gat. In realtà, in quel momento non
c’era nessuno intorno a lei. I segni sottili erano sempre stati
presenti, in modo implicito o esplicito, che le cose non erano come
sembravano, anche nei piccoli indizi lasciati dalle Liars quando
parlavano con lei. Nessuna di loro voleva che scoprisse la verità
perché sapevano cosa era successo la notte in cui aveva perso la
memoria, che era una piccola cosa rispetto a ciò che aveva
realmente perso quella notte. Tuttavia, allo stesso tempo, aveva
anche bisogno di sapere la verità per avere una possibilità di
andare avanti.
Cadence si riconcilia con le
Liars?
Una volta che Cadence ha accettato
il fatto che il piano che aveva ideato con le Liars alla fine è
costato loro la vita, piange la loro perdita mentre la verità
finalmente affiora. Durante tutti i suoi precedenti tentativi, ogni
volta che veniva a sapere della morte delle Liars attraverso i
social media, online o tramite i suoi parenti, il suo cervello
cancellava completamente la sua memoria, lasciandola senza alcun
ricordo di ciò che era successo. Tuttavia, dopo aver attraversato
il processo di ricordare organicamente tutto ciò che è successo
nell’estate del 2016, è in grado di assimilare le informazioni in
modo più permanente. Tuttavia, questo lascia ancora un vuoto
incolmabile nel suo cuore perché le conseguenze delle sue scelte
non potranno mai essere cancellate dalla sua psiche. A tal fine,
trova un po’ di conforto nell’ultimo incontro con i fantasmi delle
Liars (o nella sua allucinazione di loro).
Verso la fine, Cadence ha
l’opportunità di parlare individualmente con Johnny, Mirren e Gat,
che le confessano per l’ultima volta i loro rimpianti, i loro
errori, i loro difetti e le loro paure. Nonostante si sentano in
colpa per averli effettivamente condotti alla morte, i tre le
dicono di non sentirsi troppo in colpa perché tutti loro hanno
scelto di dare fuoco a Clairmont. Tuttavia, è solo che sono stati
commessi degli errori e nessuno di loro era un piromane esperto.
Tuttavia, la tragedia dell’incidente pesa ancora su tutti, anche se
le altre Liars potrebbero essere semplicemente un prodotto del
subconscio di Cadence che cerca di affrontare il proprio conflitto
interiore. Tra le cose di cui parlano, Johnny le confessa la sua
paura di bruciare, Mirren ammette che sua madre non l’ha mai vista
e Gat è triste perché la sua relazione con Cadence deve finire.
Sebbene le conversazioni con i Liars
possano essere semplicemente frutto della sua immaginazione,
offrono a Cadence un senso di chiusura e riconciliazione di cui ha
disperatamente bisogno per chiudere questo capitolo della sua vita.
Considerando la tragedia che le ha stravolto la vita, sarebbe in
una situazione ancora peggiore se non avesse i Liars a tenerle
compagnia, sia sotto forma di allucinazioni che in altro modo. Alla
fine della storia, vediamo Cadence tuffarsi in acqua con tutte
loro, ricordando come si tuffavano tutte insieme durante l’estate.
Tuttavia, questa volta non riemergono con lei, ma scompaiono
nell’oceano. Questo probabilmente simboleggia il fatto che Cadence
ha superato il trauma di averle perse ed è ora che loro se ne
vadano e tornino al nulla.
Come reagisce la famiglia Sinclair
dopo la tragedia?
Dopo il terribile incidente, in
apparenza sembra che nulla sia cambiato per i Sinclair. Tuttavia,
in realtà, il loro mondo è completamente diverso ora che Johnny,
Mirren e Gat sono morti. I cambiamenti più evidenti si notano nelle
sorelle Sinclair, Carrie, Penny e Bess, che trascorrono gran parte
della narrazione litigando continuamente tra loro. Tuttavia, dopo
la tragedia, sono meno inclini alle lotte intestine e a mettersi i
bastoni tra le ruote a vicenda per ottenere vantaggi personali e
ingraziarsi il padre, Harris. Ciò è probabilmente dovuto al fatto
che tutte e tre hanno subito perdite catastrofiche sotto forma
della morte definitiva dei propri figli. Penny è l’unica la cui
figlia è sopravvissuta, ma l’amnesia e le cicatrici psicologiche di
Cadence sono così profonde che anche lei non ne esce indenne.
La tragedia di vedere le sorelle
Sinclair cambiare in parte il loro comportamento è che ormai è
troppo tardi per salvare i loro figli. Il loro egoismo e
l’incapacità di vedere oltre i propri interessi portano i loro
figli a pagare il prezzo della loro follia. In un certo senso,
questo incarna il modo in cui gli errori di una generazione vengono
tramandati a quella successiva. Ad esempio, Bess tratta Mirren con
disprezzo e sdegno per tutta la storia perché crede che diventare
madre abbia in qualche modo limitato la sua capacità di essere
perfetta e di realizzare grandi cose nella vita. Questo punto di
vista egocentrico mostra come lei metta se stessa prima di tutti
gli altri, compresa Bess. Di conseguenza, Bess cresce sentendosi
emarginata nella sua famiglia dalla propria madre, una situazione
triste per qualsiasi bambino.
Alla fine della stagione, Bess dice
a Carrie che ha esposto tutte le opere d’arte di Mirren alla
galleria Sound’s Edge, nel disperato tentativo di garantire che la
vita e il lavoro di sua figlia siano preservati, ammirati e
apprezzati dalla gente. Prova rimorso per non aver trascorso più
tempo con Mirren, incoraggiandola e sostenendola come avrebbe
dovuto fare una madre. Se ne rende conto troppo tardi, quando non
c’è più nulla da salvare se non un piccolo ricordo di una ragazza
la cui vita è finita troppo presto. Lo stesso vale per il rapporto
di Carrie con Johnny e il legame di Penny con Cadence. I genitori
usano costantemente i propri figli per i propri scopi. Solo dopo la
tragedia si rendono conto di quanto abbiano sbagliato, soprattutto
quando si tratta di giustificare il loro comportamento.
Cadence accetterà la proposta di
Harris? Cosa le riserva il futuro?
Nonostante abbia riacquistato la
memoria, la battaglia di Cadence contro il dominio dei Sinclair
continua a causa della proposta di Harris di prendere il controllo
del suo impero come nuova figura di riferimento. Anche se la
protagonista sembra esitante ad accettare, si rende conto che
potrebbe non avere scelta, perché Harris dirà al mondo intero come
le sue azioni hanno finito per costare la vita a Johnny, Mirren e
Gat. A tal fine, sembra più che probabile che la sua decisione
finale sarà positiva. Harris la informa che presto un giornalista
passerà sull’isola per intervistarla sull’intero piano di
successione, rendendolo ufficiale. La costringe ad accettare di
mentire per lui durante l’intervista, obbligandola a dire le cose
giuste per sostenere il valore, la tradizione e l’onore del nome
Sinclair. Data la natura delle tattiche intimidatorie di Harris, le
opzioni di Cadence sembrano limitate.
Nonostante la pressione esercitata
dal nonno prepotente, alla fine della stagione la protagonista
prende la coraggiosa decisione di ignorare tutte le minacce e di
andarsene dall’isola. Questo sorprende tutti, specialmente Harris,
che si rende conto che la sua nipote maggiore ha più grinta di
quanto pensasse possibile. Nel frattempo, Penny e le sue sorelle
guardano con ammirazione la nuova generazione che mostra loro la
strada da seguire per liberarsi dal ciclo di oppressione e dominio
imposto loro dal patriarca della famiglia. Dai loro sguardi è
evidente che le tre sorelle sono orgogliose di Cadence per aver
avuto il coraggio di sfidare Harris, cosa che loro non sono mai
state in grado di fare per un motivo o per l’altro. Questo dimostra
la sua forza di carattere e il percorso che ha intrapreso nel corso
della narrazione.
Sebbene sia difficile sapere cosa
riserva il futuro a Cadence, il suo viaggio può prendere molte
direzioni ora che ha rinunciato alla responsabilità di succedere
come erede della famiglia Sinclair. Anche se accetta che sarà
sempre una Sinclair, il suo valore come essere umano sarà
determinato dalle sue azioni e non dall’eredità della sua famiglia.
A tal fine, è probabile che prenda esempio da Gat e decida di
andare alla scoperta del mondo. È innegabile che lui le abbia
aperto gli occhi in più di un modo, anche sulle ingiustizie che
avvengono nel suo stesso vicinato. Potrebbe quindi trovare
allettante l’idea di vagare per il mondo e vedere come vivono le
persone altrove e le situazioni che devono affrontare
quotidianamente. Probabilmente sarà molto diverso dalla sua
esistenza idilliaca a Beechwood Island, ma potrebbe anche fungere
da catalizzatore per un’ulteriore crescita.
Johnny è ancora vivo?
L’estate dei segreti
perduti conclude la maggior parte delle trame entro la
fine della stagione. Tuttavia, la scena finale lascia una porta
aperta che potrebbe essere esplorata in una stagione futura. Mentre
l’estate volge al termine, vediamo Carrie e Will lasciare Beechwood
Island con l’aiuto di Ed. Dopo aver detto a Ed di andare avanti,
lei torna in casa per prendere un flacone di pillole, che sembrano
farmaci. A quanto pare, è ancora in una spirale di dipendenza, che
probabilmente è peggiorata dopo la morte di Johnny. Si mette una
pillola in bocca e cerca di trovare sollievo nei suoi effetti.
Tuttavia, si spaventa quando si accorge che c’è qualcuno seduto
dietro di lei. Si gira e si rivolge a lui dicendo: “Pensavo te ne
fossi andato”. Successivamente, scopriamo che la persona con cui
sta parlando è Johnny, che le dice: “Non credo di poterlo
fare”.
L’apparizione di Johnny alla fine
suggerisce che c’è ancora una possibilità che sia vivo. Sebbene ciò
cambierebbe completamente le carte in tavola, sembra un po’
inverosimile considerando tutto ciò che abbiamo visto in
precedenza. A tal fine, la sua presenza può essere spiegata con la
tossicodipendenza di Carrie. Analogamente a Cadence, Carrie sta
probabilmente assumendo molte droghe per alleviare il suo dolore,
il che potrebbe averle provocato delle allucinazioni, proprio come
è successo alla protagonista. Questo spiegherebbe perché vediamo
Johnny alla fine. Tuttavia, esiste ancora la possibilità che Johnny
sia vivo e che la sua morte sia stata una messinscena inventata da
altre persone per alimentare Cadence con una storia falsa. Ciò
porterebbe la narrazione in un territorio molto più sinistro di
quanto sembri in superficie. Per quanto riguarda come potrebbe
essere successo, potremmo scoprire la verità in caso di un
potenziale seguito nella seconda stagione.
Motorheads
è una serie originale Prime Video che mescola
dramma
adolescenziale, mistero familiare e una forte componente
motoristica,
ambientata nella provincia americana tra officine, autodromi e
tensioni intergenerazionali. Lanciata nel maggio 2025, la serie
segue le vicende di Zac, un ragazzo appassionato di corse, che si
ritrova coinvolto in segreti più grandi di lui quando scopre
dettagli oscuri sul passato della sua famiglia e sull’assenza del
padre.
Accanto a lui ruotano personaggi altrettanto tormentati e
carismatici, come Caitlyn, Alicia e Harris, che si confrontano con
la perdita, la rabbia, l’amicizia e l’amore in un contesto in cui
i motori sono metafora di
identità e velocità di fuga. Tra competizioni clandestine
e vecchie ruggini familiari, Motorheads ha conquistato una fanbase giovane grazie al
suo stile narrativo teso e dinamico, sostenuto da una colonna
sonora energica e un’estetica a metà tra Outer Banks e Fast & Furious.
Motorheads è stata rinnovata per una Stagione 2?
Il
futuro di Motorheads, la
serie teen-drama con motori e segreti di famiglia, rimane in
sospeso. Ad oggi, Prime
Video non ha ancora ufficializzato il rinnovo o la
cancellazione della serie dopo i suoi 10 episodi, usciti
il 20 maggio 2025. Tuttavia, le parole del creatore
John A. Norris
(alias Johnny Norris) hanno ravvivato le speranze dei fan.
Rispondendo a un commento su X, ha confermato che “Season two is written“: la Stagione 2
esiste già – almeno su carta.
Il
finale della prima stagione ha lasciato diverse porte aperte:
l’oscuro destino di Christian Maddox, il padre scomparso, e il
futuro dei rapporti tra Zac, Caitlyn, Alicia e Harris sono rimasti
irrisolti.
Inoltre, Norris ha spifferato uno spoiler: nel secondo episodio
della seconda stagione, Caitlyn affronterà il test della patente,
proprio come la sua interprete Melissa Collazo dovrà fare nella
realtà.
Anche il cast sembra pronto a tornare: Mia Healey (Alicia) ha
dichiarato di aver già un’idea chiara per la stagione 2, e Michael
Cimino (Zac) ha anticipato che il suo personaggio sarà molto
cambiato sin dall’inizio.
Tra i fan, la conversazione è vivace. Su Reddit si
legge:
“It’s like… one of those shows you can just turn your brain off and
relax”reddit.com
E il Guardian, pur criticando dialoghi deboli e una regia
altalenante, ha riconosciuto la chimica tra i giovani protagonisti
come elemento trainante della serie .
Per ora non ci sono conferme ufficiali da Prime
Video, ma il fatto che la sceneggiatura sia già pronta,
unita al buon riscontro iniziale (la serie ha dominato le
classifiche U.S. tra il 22 e il 25 maggio) , lascia sperare
in un rinnovo a breve.
In attesa della
conferma, i fan possono consolarsi con la consapevolezza
che la trama è già stata scritta e pronta per decollare. Incrociamo
le dita!
Motorheads, serie
Prime
Video, segue un gruppo di adolescenti di Ironwood, in
Pennsylvania, che si dedicano alla costruzione di auto e sfogano la
loro rabbia gareggiando per le strade. La storia segue i gemelli
Zac e Caitlin che si trasferiscono con la madre Samantha dalla loro
casa di Brooklyn alla città natale di quest’ultima, per stare con
lo zio Logan Maddox. Il padre, Christian Maddox, era una leggenda
locale delle corse automobilistiche scomparso 17 anni prima durante
un inseguimento in auto dopo una rapina. Ex meccanico della NASCAR,
Logan gestisce attualmente un’officina meccanica nel suo fienile
trasformato in garage. Caitlin ama le auto ed è entusiasta di
lavorare e imparare al fianco dello zio.
Tuttavia, all’inizio Zac vuole solo
stare tranquillo e staccarsi dall’eredità del padre. Ben presto
incontrano altri adolescenti del posto, tra cui il loro vicino
Marcel Crawford, Alicia Whitaker, Kiara Gibbons, Harris Bowers e
Curtis Young, che frequentano tutti la stessa scuola. Harris e Zac
litigano subito, e Caitlin, Marcus e Curtis si schierano con
quest’ultimo. Decidono di riparare una Dodge Charger gialla di
proprietà di Christian e di sfidare Harris in una gara di
accelerazione. Questo dramma adrenalinico sul passaggio all’età
adulta affronta temi universali come l’amicizia e la rivalità,
insieme all’eccitazione sfrenata delle corse su strada.
Motorheads esplora la cultura
delle gare di accelerazione in Pennsylvania
Motorheads è ambientato nella città
immaginaria di Ironwood, vicino a Filadelfia, in Pennsylvania.
Descritto dal regista dell’episodio pilota, Neil Burger, come un
incrocio tra “The
Fast and the Furious” e “Friday Night Lights”, lo show
dipinge un quadro realistico della cultura delle corse clandestine
su strada, che risale a oltre mezzo secolo fa. Lo stato è sede
della pista abbandonata Nu-Be, inaugurata nel 1969. La pista, lunga
1/8 di miglio, è stata chiusa all’inizio degli anni ’80 dopo che i
proprietari hanno smesso di pagare le tasse. Sebbene di breve
durata, ha contribuito a promuovere lo spirito di cameratismo tra i
piloti e gli appassionati di auto di Filadelfia.
Lo stato della Pennsylvania ha
prodotto molte leggende dello sport delle gare di accelerazione,
come Kenneth Dale “Kenny” Bernstein, Russell James “Jim” Liberman,
Joe Amato e Bruce Larson, tra gli altri. Questo sport è stato
rappresentato numerose volte sul grande schermo, ad esempio in
“Snake & Mongoose” (2013), “Heart Like A Wheel” (1983), ‘Burnout’
(1979) e “Wheels of Fire” (1973).
Attualmente, Filadelfia sta
assistendo a un aumento delle corse su strada a scapito della
sicurezza pubblica. Nel settembre 2024, secondo quanto riferito,
centinaia di auto hanno partecipato a gare di accelerazione in
varie parti della città, con acrobazie che prevedevano l’uso di
lanciafiamme. Mentre molti si sono radunati per assistere agli
eventi, altri cittadini erano terrorizzati, il che ha portato a una
forte repressione da parte della polizia. Così, il mondo
immaginario di “Motorheads” sembra radicato nella realtà del suo
contesto e incarna tutti gli aspetti della sottocultura per
raccontare agli spettatori una storia ben fondata.
La storia immaginaria di
Motorheads cattura il vero amore per le auto del suo
protagonista
Sebbene
Motorheads sia un’opera di fantasia creata
dalla mente dello showrunner John A. Norris, l’attore
Michael Cimino, che interpreta Zac, incarna il
termine nel suo senso più vero. La star venticinquenne è sempre
stata un appassionato di auto e da bambino collezionava Hot Wheels.
In un’intervista al LA
Times, ha ricordato di aver costruito piste da corsa per le
macchinine con suo padre e di aver giocato insieme a lui al
videogioco di corse automobilistiche “Forza” quando era più grande.
Michael ha rivelato che i suoi zii erano piloti di dragster e che
suo nonno gli ha insegnato a lavorare sulle auto e a ricostruire i
motori, gettando così solide basi per la sua passione. “Ho
costruito una Miata del 2002 con motore sovralimentato”, ha
raccontato la star di “Love,
Victor”. “Ho una piccola serie su TikTok che sto montando, in
cui mi vedete mentre la costruisco con il mio amico Justin e mio
cugino, e che inizierò a pubblicare molto presto”.
Da quando Michael ha firmato con la
Creative Artists Agency, ha aspettato un progetto che unisse la sua
passione per le auto e la recitazione. Quindi, quando ha ricevuto
la sceneggiatura di “Motorheads”, era sicuro che avrebbe ottenuto
il ruolo. L’affinità di Michael per le auto lo ha aiutato a
ottenere la parte nella serie, ha confermato il showrunner Norris,
che ha seguito l’audizione insieme al produttore esecutivo Jason
Seagraves. Hanno ricevuto molte audizioni da persone che fingevano
di essere esperte di auto per ottenere la parte e inizialmente
hanno pensato che Michael fosse uno di loro. Tuttavia, quando
quest’ultimo ha parlato di costruire un’auto e ha mostrato loro il
suo lavoro in corso che stava portando con sé a Los Angeles su
Zoom, hanno capito che era un vero appassionato. “Quell’energia è
reale. Ogni parte di lui lo è”, ha aggiunto Norris.
Partecipare al salone
automobilistico annuale Tokyo Auto Salon ha aiutato Michael a
familiarizzare con la sottocultura della costruzione di auto e
delle corse. Ha stretto contatti e ha assistito alla scena
underground, giungendo alla conclusione che il mondo degli
appassionati di motori non è semplicemente un modo per divertirsi,
ma anche un “simbolo di espressione di sé” e di ribellione. Questo
spirito è canalizzato nel suo personaggio, Zac, che decide di
affrontare il bullo della scuola, Harris, in “Motorheads”. Mentre
nella serie originale Amazon le scene di guida sono state
interpretate da stuntman, Michael spera di dare maggiore
autenticità a questi ruoli in futuro interpretandoli lui stesso.
L’attore ha ottenuto il certificato di stuntman e spera di emulare
il suo modello, Tom
Cruise, nei prossimi giorni.
Dopo quasi tre decenni
dagli eventi di 28 Giorni Dopo, il regista
premio Oscar Danny Boyle
torna nell’universo narrativo che ha ridefinito il genere horror
post-apocalittico con 28 Anni Dopo(28 Years Later), un’opera che mescola
intrattenimento ad altissimo profilo, lucida analisi politica e un
cuore vibrante, sorprendentemente emozionante. Al suo fianco,
ancora una volta, c’è lo sceneggiatore Alex
Garland, con cui Boyle aveva già collaborato per dare vita
al virus della rabbia che ha devastato il Regno Unito sullo
schermo.
Questa nuova iterazione
non è solo un sequel: è il primo capitolo di una nuova trilogia
(il
secondo film è già stato girato!), e al tempo stesso una
riflessione profonda sui traumi collettivi del nostro presente. Il
film, prodotto da Sony Pictures e distribuito da Eagle Pictures, è
al cinema dal 18 giugno con un cast stellare che include Jodie
Comer, Aaron Taylor-Johnson, Jack O’Connell, l’esordiente Alfie
Williams e un sempre straordinario Ralph Fiennes.
La trama di 28
anni dopo: una nuova isola, una nuova missione
La storia ci porta su una
piccola isola, una specie di fortezza, collegata alla terraferma da
una singola e fortemente sorvegliata strada rialzata che è
percorribile solo con la bassa marea. In questo microcosmo
sopravvive una comunità isolata, braccata dal ricordo del passato e
dal timore costante di ciò che vive oltre il confine. Il virus
della rabbia, infatti, continua a infestare il continente e ha
trasformato gli esseri umani in creature rabbiose, predatori
instancabili. L’uomo si è adattato a vivere in comunità che
ripropongono lo stile di vita degli anni ’50, promuovendo un
machismo che diventa simbolo di forza e quindi maggiore possibilità
di sopravvivenza, mentre i ruoli di genere vengono rigorosamente
rispettati e incoraggiati seguendo un’aspirazione anacronistica. Ma
se le persone sane hanno trovato questo modo di sopravvivere, anche
gli infetti si sono adattati, non muoiono più di fame, ma si
organizzano in gruppi, cacciano, sono veloci e aggressivi e ogni
branco/tribù è capeggiato da un alpha, un esemplare maschio
particolarmente aggressivo e pericoloso. In questo mondo allo
sbaraglio, il piccolo Spike imparerà il valore della morte e quello
dell’amore.
Cortesia di Sony Pictures
La speranza è
giovane
È la coraggiosa decisione
di Spike a cambiare la sorte del film, a modellarne il genere e a
dare inizio al più classico dei viaggi di formazione. La sua
esplorazione si trasforma in una parabola generazionale, dove il
protagonista diventa un punto di rottura rispetto all’immobilismo
della sua comunità. Incontrerà segreti sepolti, testimonianze del
passato e nuovi modi di vivere, umanità e bestialità, speranza e
disperazione, e di volta in volta imparerà a forgiare il proprio
destino attraverso gli avvenimenti.
Un film profondamente
politico
Boyle dirige con mano
ferma, consapevole della tradizione visiva e concettuale da cui
proviene, ma anche intenzionato a spingersi oltre. Se 28 Giorni
Dopo era un film sulla sopravvivenza, 28 Anni Dopo è un
film sull’eredità. L’eredità dei traumi pandemici, delle divisioni
politiche, della Brexit, del lockdown, della paura, ma anche
dell’adattabilità che l’uomo ha dimostrato a questi grandi
stravolgimenti. Il film parla direttamente a chi ha vissuto gli
ultimi cinque anni in un mondo che sembrava collassare e ora fatica
a ritrovarsi. Una fotografia precisa di quello che stiamo vivendo,
un occhio lucido e all’erta su quali sono i pericoli che
l’isolamento contemporaneo genera. 28 anni dopo è un’esperienza
profondamente politica, ma mai predicatrice: la sua forza sta nel
mostrare, non nel dire. E ovviamente come mostra Boyle,
nessuno.
Estetica digitale e tensione di
altissimo livello
Il regista premio Oscar
sfrutta a suo beneficio la tecnologia leggera, per portare lo
spettatore dentro la storia. Sporca le panoramiche, fa tremare le
riprese dall’alto, mostra la meraviglia e il terrore nei confronti
di una natura splendida e insidiosa con uno stile serrato e
vibrante che usa al meglio il digitale e si fa erede di quel 28
giorni dopo che era stata la prima distribuzione worldwide in
digitale.
L’occhio di Boyle è
dinamico ma calibrato, capace di alternare momenti di pura
adrenalina a scene di profondo silenzio e tensione emotiva. Il
montaggio è teso, serrato, mai gratuito. Ogni inquadratura serve a
costruire una narrazione che è tanto viscerale quanto simbolica. La
colonna sonora, come da tradizione boyliana, è di altissimo
livello: atmosfere elettroniche e orchestrali si fondono per
accompagnare lo spettatore in un viaggio disturbante ma
affascinante, capace di evocare le emozioni più disparate nell’arco
di pochi minuti.
Un cast in stato di
grazia
Ben noto per aver
lanciato le carriere di alcuni degli interpreti più interessanti
del panorama contemporaneo, Danny Boyle affida la sua storia a dei
volti molto noti e amati del cinema:
Jodie Comer offre una performance intensa e
stratificata,
Aaron Taylor-Johnson esplode sullo schermo nel suo
ruolo patriarcale e violento ma inadeguato di fronte al nuovo,
Jack O’Connell, in un ruolo che sarà sviluppato
nei prossimi film, si conferma un attore trasformista, capace di
meraviglie. Ma è il giovane Alfie Williams a
sorprendere: il suo personaggio è il cuore del film, un simbolo
fragile ma determinato che incarna la possibilità di un futuro
diverso. Infine, completa il cast in un ruolo enigmatico e potente,
Ralph Fiennes, che aggiunge profondità e un
macabro lirismo alla narrazione.
Cortesia di Sony Pictures
La scrittura
chirurgica di Alex Garland
La sceneggiatura di
Alex Garland è chirurgica: mai dispersiva, sempre
centrata, capace di equilibrare azione e introspezione. I dialoghi
sono misurati, carichi di significato anche nei silenzi. Il mondo
di 28 Anni Dopo è costruito con coerenza, ma anche con una
vena poetica che emerge nei contrasti tra la brutalità del contesto
e l’umanità dei protagonisti.
Nonostante un finale che
prelude chiaramente a un secondo capitolo più oscuro, Boyle non
rinuncia alla speranza. E lo fa senza retorica: la fiammella della
possibilità resiste, incastonata in un mondo che ha perso tutto ma
forse può ancora trovare qualcosa di nuovo. Non è la solita storia
apocalittica: è una riflessione sul nostro tempo, travestita da
film di genere che riesce a essere anche di grande
intrattenimento.
28 Anni
Dopo è un grande ritorno. Non solo per la qualità
tecnica e la forza narrativa, ma per la capacità di parlare al
presente, anche attraverso il filtro di un futuro distopico. Boyle
ha confezionato un’opera potente, e per un attimo
consolatoria, ci ricorda che la speranza può sopravvivere. Anche se
non a lungo.
Ralph Fiennes si è
distinto come uno dei migliori interpreti della sua generazione,
mai abbastanza celebrato. L’attore, infatti, gode di un talento
raro, che gli permette di infondere grande umanità e verità in ogni
personaggio da lui interpretato. Passa con naturalezza dal cinema
autoriale a quello blockbuster, lasciando ogni volta il segno con
la sua presenza.
2. È anche doppiatore,
regista e produttore. Nel corso della sua carriera
l’attore non ha praticato solo questa professione. Infatti, ha
prestato la propria voce per il doppiaggio di film d’animazione
come Il principe d’Egitto (1998), C’era una volta
Gesù (2000), Wallace & Gromit – La
maledizione del coniglio mannaro (2005), Kubo e la spada magica
(2016), LEGO Batman – Il film
(2017) e The LEGO Movie 2 – Una nuova
avventura (2019). Inoltre, ha lavorato come regista e
produttore dei film Coriolanus (2011), The Invisible
Woman (2013) e Nureyev – The White Crow (2018).
Ralph Fiennes è Voldemort in
Harry Potter
3. Ha dato
suggerimenti sul look del personaggio. Sul set dei film,
Ralph Fiennes non era truccato per coprirsi il naso. Per rendere il
personaggio più spaventoso, questo gli è stato rimosso
digitalmente, con risultati che il trucco non poteva raggiungere.
Inoltre, gli “occhi rossi simili a serpenti” descritti nel
romanzo non sono stati aggiunti su suggerimento dell’attore che
sosteneva che l’espressione dei suoi veri occhi avrebbe fornito
un’idea migliore della follia e della malignità di Lord
Voldemort.
Ralph Fiennes in Schindler’s
List
4. È stato scelto perché
tenebroso. L’attore, per interpretare il ruolo di Amon
Goeth nel capolavoro di StevenSpielberg
Schindlers’ List, è ingrassato ben 13 chili, gran parte
dei quali assunti, stando alle dichiarazioni dell’attore, bevendo
molta Guinness. Inoltre, Spielberg ha dichiarato di averlo scelto
sia perché non era un nome molto famoso all’epoca, sia perché aveva
un aspetto intrigante, una “sessualità cattiva”, che lo rendeva
tanto attraente quanto minaccioso.
5. Ha studiato a lungo il
personaggio. Per prepararsi al personaggio, l’attore ebbe
inoltre modo di parlare con quanti conobbero realmente il nazista
Amon Goeth, arrivando a comprendere aspetti di lui che lo svelavano
come un uomo fragile e da compatire. Una sopravvissuta dei campi di
concentramento, incontrandolo sul set, ammise di essersi sentita a
disagio per l’inquietante somiglianza tra i due. La paura che
incuteva negli altri permise a Fiennes di calarsi ulteriormente nei
panni del personaggio.
Ralph Fiennes in Conclave
6. Il ruolo è stato
riscritto perlui.
Robert De Niro era stato inizialmente scritturato per
interpretare il ruolo principale, ma alla fine ha rinunciato. È
stato quindi contattato Javier Bardem, che però ha rinunciato a sua
volta. Quando alla fine è stato scelto Ralph Fiennes, il suo
personaggio è stato riscritto in modo da essere inglese (nel
romanzo è italiano), poiché Fiennes si era rifiutato di
interpretare il personaggio con un accento italiano, ritenendo che
sarebbe risultato ridicolo.
Il fisico di Ralph Fiennes per l’Ulisse di The
Return
7. Si è sottoposto ad un
rigido allenamento. Per prepararsi al ruolo di
Ulisse/Odisseo in Itaca
– Il ritorno, Fiennes ha seguito un intenso programma
fisico volto a trasformare il suo corpo in quello di un
sopravvissuto segnato da fatica e privazioni. L’attore ha lavorato
con un personal trainer per mesi, focalizzandosi su esercizi di
resistenza, mobilità e tono muscolare, evitando l’eccessivo
ingrossamento. La dieta è stata drasticamente ridotta in calorie
per ottenere un aspetto scarno e scavato, coerente con il tormento
interiore del personaggio. Il risultato è un fisico asciutto,
nervoso, che riflette perfettamente il dolore e l’umanità
trattenuta del suo ruolo nel dramma epico diretto da Uberto
Pasolini.
La moglie di Ralph Fiennes
8. Ha un matrimonio alle
spalle. Nel corso della sua vita, l’attore si è sposato
una sola volta, nel 1993: in quell’anno, infatti, è convolato a
nozze con la collega Alex Kingston, dopo dieci
anni di fidanzamento. I due si erano conosciuti nel 1983 alla Royal
Academy of Dramatic Art, quando erano ancora degli studenti.
Tuttavia, il loro matrimonio è durato poco, tanto che nel 1997
hanno divorziato. La coppia non ha avuto figli.
La pronuncia del nome di Ralph Fiennes
9. Il suo nome viene spesso
pronunciato male. Sono tanti gli attori di Hollywood con
nomi oggettivamente complessi e che vengono il più delle volte
pronunciati male. Da Saoirse Ronan a
Benedict
Cumberbatch, Jake Gyllenhaal
a Matthew
McConaughey. Tra questi si annovera anche lo stesso
Fiennes. Per sapere come pronunciare correttamente il suo nome, è
bene sapere che la L in Ralph, non si pronuncia, con un risultato
che suona dunque come “Reiph”. Mentre il cognome è da pronunciarsi
come “Fains”.
Ralph Fiennes: età e altezza
10. Ralph Fiennes è nato il
22 dicembre del 1962 a Ipswich, nel Suffolk, in
Inghilterra. La sua altezza complessiva corrisponde a 180
centimetri.
Il fatto che il suo primo film
candidato all’Oscar non abbia optato per un finale banale o
accattivante la dice lunga sulla disciplina assoluta di David Lynch. I momenti finali di The
Elephant Man sono tragici, potenti e ambigui allo stesso
tempo, ma più di ogni altra cosa, la scena finale di Lynch può
essere vista come il culmine definitivo degli eventi e della psiche
repressa del suo protagonista John Merrick (John
Hurt), alias The Elephant Man. Lynch è sempre fedele ai suoi
personaggi, e questo è particolarmente evidente nelle scene
finali.
In Blue Velvet, un uccello
animatronico che divora un verme indifeso completa il ritratto
avvincente di Lynch della realtà agrodolce del sogno americano, che
ha avvolto il protagonista Jeffrey (Kyle
MacLachlin) per tutta la durata del film. Normalmente
Lynch opta per una metafora gigantesca per culminare i suoi
racconti metaforici, ma The Elephant Man è uno dei drammi più
lineari di Lynch. Non sorprende quindi che The Elephant
Man sia più paragonabile a Twin Peaks: Fire Walk With Me,
entrambi caratterizzati dalla caduta di un personaggio immerso in
un ambiente molto reale, che sceglie il proprio addio come
manifestazione delle proprie convinzioni confuse piuttosto che
delle metafore onnipresenti di Lynch. Ma anche se paragonata alla
sequenza finale assolutamente devastante di Twin Peaks: Fire Walk
With Me, la progressione della scena finale di The Elephant Man non
è solo l’addio appropriato per un uomo afflitto dalla malattia, ma
uno dei momenti più onesti e significativi del cinema che Lynch o
chiunque altro abbia mai prodotto.
Le fredde e spietate strade vittoriane del finale di The
Elephant Man
Inoltre, il finale di The Elephant
Man può sembrare un po’ fuori luogo a prima vista. Le fredde e
spietate strade vittoriane, piene di fumo e di abitanti della
classe operaia, sembrano perfette per Lynch, reduce dal suo
incredibilmente cupo film d’esordio Eraserhead. Ma come semplice
biopic scritto da altri due aspiranti hollywoodiani (Christopher De
Vore ed Eric Bergren), il livello a cui Elephant Man era orientato
verso l’Academy non è esattamente quello di David Lynch.
Ma a parte il soggetto, gli aspetti
più raffinati di The Elephant Man sono tipicamente lynchiani, e
tutto converge nei momenti finali, quando John appoggia la testa
sul letto per andare a dormire, sapendo che potrebbe ucciderlo.
Perché, sebbene le immagini di un film di Lynch possano definire il
modo in cui viene visto il suo cinema, la pura dedizione ai suoi
personaggi avvolge l’enorme ego cinematografico di Lynch e alla
fine definisce il termine “lynchiano”: la scena inizia con John che
guarda fuori dalla finestra e poi rivolge la sua attenzione al
modello di cattedrale di cartoncino che ha costruito durante tutto
il film. Mentre John fissa la finestra, ci viene in mente quanto
fosse grave la sua situazione, non solo in termini di salute
fisica, ma anche per il suo posto nella società. Frederick (Anthony
Hopkins) nota a un certo punto che John desiderava visitare la
cattedrale di persona, ma anche che il suo aspetto grottesco
avrebbe rovinato il viaggio. È lecito supporre che lo sguardo di
John sul paesaggio vittoriano magistralmente costruito sia un
parallelo alla sua costruzione della cattedrale, che egli
immediatamente guarda dall’alto quando si rende conto che è la
vista migliore che può ottenere. John si avvicina alla cattedrale e
Lynch si concentra sulla piccola firma “John Merrick”, e ciò che
segue diventa il tour personale di John del maestoso edificio.
Lynch passa attraverso i dettagli più fini dell’edificio,
esplorandone la struttura insieme a John, realizzando il suo sogno
di visitare la cattedrale.
È un momento bellissimo che segna la realizzazione di un sogno per
John, ma serve anche come indicatore della sua mente offuscata, che
a sua volta porta alla sua morte. È una mentalità che è stata
costruita nel corso del film, in parte da John, ma anche
dall’intero ambiente che lo circonda. Frederick alla fine si rende
conto che le sue azioni filantropiche non erano del tutto
altruistiche e che il prezzo da pagare per la sua carriera medica
era la perdita della realtà da parte di John. Frederick, infatti,
si era reso perfettamente conto che John non avrebbe mai potuto
diventare un cittadino rispettabile.
John non avrebbe mai potuto
diventare un cittadino rispettabile, Frederick ha cercato di
integrarlo nella cerchia sociale, dove le persone incontravano John
per soddisfare il proprio ego pomposo e, in cambio, mentivano a
John sulla gioia di averlo con loro. Le azioni ripetute di
Frederick hanno creato una bugia che è culminata con la
partecipazione di John al Theatre Royal, dove la famosa attrice
Marge Kendal (Anne Bancroft) ha omaggiato John con una standing
ovation da parte del pubblico.
Così, dopo che John ha realizzato
il suo sogno di assistere a uno spettacolo, il viaggio attraverso
la sua cattedrale di carte sembra essere un riflesso del suo stato
d’animo. Certamente John non crede di aver davvero visitato la
cattedrale, ma la sequenza riflette il fatto che John crede di
essere pronto a visitarla. Con l’accettazione della società,
ottenuta durante l’ovazione iniziata da una delle figure più
importanti della società, si possono ipotizzare due teorie sulla
serie di eventi successivi. Mentre John si allontana dalla sua
cattedrale, osserva un quadro appeso alla parete, che raffigura una
donna che dorme profondamente nel suo letto. Il quadro era già
stato menzionato in precedenza nel film, quando John parlava del
suo desiderio di dormire come un essere umano normale, pur sapendo
che farlo avrebbe provocato l’asfissia. Così, mentre John toglie i
cuscini dal letto e appoggia la testa su di essi, le due teorie
vengono alla luce. La prima: rendendosi conto del punto più alto
che può raggiungere, John si suicida. È una teoria che sarebbe
altrettanto tragica per la storia di John, ma l’altra teoria sembra
molto più plausibile e appropriata.
Il vero Frederick Treves eseguì
l’autopsia sul signor Merrick e giunse alla conclusione definitiva
che, dopo essersi dislocato il collo a causa del peso della propria
testa, “così avvenne che la sua morte fu causata dal desiderio che
aveva dominato la sua vita: il desiderio patetico ma disperato di
essere ‘come le altre persone’”.
Per quanto patetico e disperato
potesse essere, questo desiderio era l’obiettivo più ambito e
irraggiungibile di John, alimentato solo da Frederick stesso e
dalle figure presuntuose che credevano di aiutarlo. L’accumularsi
di tale pressione, unita al desiderio di John di compiacere i suoi
elettori, ha portato a una decisione così devastante, che viene
messa in mostra nella scena in cui John finalmente appoggia la
testa sul cuscino, con il lato sinistro dell’inquadratura che
lascia intravedere la foto di Marge Kendal, la donna che ha spinto
John oltre il limite nella sua visione della propria presenza
sociale. Tutto questo dimostra la pura disciplina di Lynch nel
sezionare la morte di un uomo e nel rendersi conto che ogni momento
del film deve portare a un finale completo.
Il vero significato del finale di The Elephant Man
Ma Lynch fa un passo in più,
richiamando una visione del Paradiso che si può vedere sia in
Eraserhead che in Twin Peaks: Fire
Walk With Me, riflettendo il desiderio di Paradiso e di tutto ciò
che esso conterrà. Per Henry (Jack Nance) in Eraserhead, il
Paradiso era una rappresentazione agrodolce che catturava la
tradizionale visione angelica mescolata alla paura della sua
ambiguità. In Twin Peaks: Fire Walk With Me, era la fuga di Laura
(Sheryl Lee) da suo padre e dallo spirito fantasma Bob. E per John
in The Elephant Man, il Paradiso diventa l’accettazione da
parte di sua madre. All’inizio del film, John parlava della
vergogna che avrebbe provato se sua madre lo avesse guardato.
A causa del suo aspetto, che era
stato ripetutamente guardato con disgusto e disprezzo, era arrivato
a considerarsi un’anomalia del genere umano. Ma dopo essere
stato accettato da Frederick, Marge Kendal e dal resto dell’élite
vittoriana, la fuga di John tra le braccia di sua madre non solo
riflette la luce compassionevole che ha sempre nutrito per lei, ma
anche la sua accettazione di sé, sia per il suo posto nella società
che per il suo aspetto. Mentre Lynch vola tra le stelle e entra in
un alone luminoso, il fumo grigio che ha avvolto John fisicamente e
mentalmente per tutto il film si dissolve invece di espandersi,
rappresentando la sua fuga dal marchio di approvazione della
società e svanendo in una vaga immagine di sua madre, che pronuncia
le parole di accettazione che John ha sempre cercato di
sentire.
Attenzione: SPOILER su
Nuestros tiempos – Il futuro è ora di Netflix.
La commedia romantica di NetflixNuestros
tiempos – Il futuro è ora è un approccio ambizioso al
genere dei viaggi nel tempo e giunge a un finale sorprendente per i
suoi protagonisti. Nuestros tiempos – Il futuro è
ora segue Nora (Lucero) e Héctor (Benny Ibarra), una
coppia sposata, entrambi fisici e professori all’UNAM di Città del
Messico nel 1966. A Nora non vengono mai concesse le stesse
opportunità o privilegi dei suoi colleghi maschi, ma si accontenta
di collaborare con Héctor a ricerche innovative. Questo finché lei
e Héctor non saltano accidentalmente in avanti nel tempo fino
all’anno 2025.
Il cammino incerto di Nora e Héctor
nel XXI secolo diventa più facile quando fanno squadra rapidamente
con un ex studente che ora è il preside, così come con alcuni
membri della famiglia. Tuttavia, Nuestros
tiempos diventa un dramma profondo quando inizia a
formarsi una frattura tra Nora e Héctor, a causa dei progressi nei
diritti delle donne che i due incontrano nel futuro e della
rivelazione del sessismo implicito di Héctor.
Nora intraprende una carriera nel
2025 mentre Héctor torna al 1966
La coppia decide di avere priorità
diverse
Nora decolla immediatamente nel
2025, guadagnandosi l’ammirazione della comunità scientifica e una
prestigiosa offerta di lavoro presso la stessa università che
l’aveva ostacolata negli anni ’60. Diventa improvvisamente chiaro
quanto Héctor dipendesse dalla mentalità del suo tempo per sentirsi
convalidato, e si sente minacciato dal fatto che sua moglie venga
trattata come la scienziata responsabile del loro progetto. A
quanto pare, Héctor sembrava progressista e solidale solo sullo
sfondo del 1966, quando tutti gli altri non avrebbero mai voluto
Nora nel mondo accademico STEM.
Nora alla fine decide di rimanere,
il che ha il vantaggio di non rischiare di rovinare la linea
temporale tornando. Dopo aver litigato con Héctor, fa un esame di
coscienza e sa di voler ancora far funzionare le cose tra loro.
Tuttavia, Héctor ha già ripreso la macchina del tempo; anche la
finestra del portale nello spazio e nel tempo si è chiusa,
impedendo a chiunque di provarci di nuovo per altri 30 anni. Se è
chiaro che Héctor si sarebbe sempre sentito inadeguato nel 2025,
nel suo biglietto d’addio a Nora afferma anche di non volerla
ostacolare.
Cosa fa Héctor nel suo tempo?
Le cose potrebbero non essere
andate così bene per Héctor
Nuestros tiempos – Il
futuro è ora non racconta cosa fa Héctor una volta
tornato nel 1966. Supponendo che sia riuscito a trovare un modo per
spiegare la scomparsa della moglie, avrebbe potuto tornare al suo
lavoro all’università. Tuttavia, se Nora fosse stata davvero il
genio dell’operazione, la sua ricerca avrebbe potuto risentirne
senza di lei. Inoltre, avrebbe saputo che la sorella di Nora,
Rebeca (Claudia Lobo), sarebbe morta e avrebbe dovuto prendere la
straziante decisione di non tentare di impedirlo. Infine, Héctor
stesso afferma che Nora è la sua unica famiglia, quindi si sarebbe
trovato molto solo.
Perché Nora non cerca di salvare
sua sorella e rimane con le sue nipoti
Nora accetta la morte di sua
sorella, che potrebbe essere stata inevitabile
Nora stessa decide di non cercare di
salvare Rebeca, che è l’unica vera ragione per cui crede ancora di
che sarebbe dovuta tornare nel passato, a un certo punto. Tuttavia,
sua nipote Rebequita (Ana Ortizharo) la assolve
sostanzialmente da questa responsabilità, sottolineando che ogni
giorno potrebbe essere l’ultimo. Rebequita e sua figlia Alondra
(Renata Vaca) hanno fatto pace e stanno vivendo
una vita migliore, e ora vogliono che Nora ne faccia parte. Così,
Nora decide di dedicare il suo tempo ai suoi nuovi familiari,
onorando l’eredità di sua sorella.
Nora può viaggiare di nuovo nel
tempo decenni dopo e ritrova Héctor
Nora può scegliere l’amore una
volta intrapresa la carriera che desiderava
Per tre decenni, Nora si
è dedicata al lavoro scientifico, aiutata dalle condizioni
relativamente migliori per le donne nel settore STEM. Julia (Ofelia
Medina/Carolina Villamil) era un tempo un’allieva ammirata di Nora
e ora usa la sua posizione di preside per promuoverla. Il pubblico
medio non conoscerà molto di fisica avanzata, ma a quanto pare Nora
è un talento unico nel suo campo. Probabilmente ha compiuto
scoperte scientifiche che non sarebbero mai state possibili in
un’epoca in cui il sistema le remava apertamente contro.
Probabilmente Nora ha anche fatto da mentore ad Alondra nei suoi
studi e nelle sue ricerche.
Tuttavia, una volta che la finestra
si riapre, Nora torna indietro nel tempo e si riunisce a Héctor.
L’aspetto positivo che questo film vuole trasmettere è che ora che
Nora ha realizzato tutto ciò che desiderava e Héctor ha avuto il
tempo di riflettere, possono stare insieme senza conflitti. Sono
entrambi più grandi e si incontrano di nuovo nel 1996 (30 anni dopo
la loro separazione). È difficile dire se Tutti i loro problemi
siano davvero scomparsi, ma se sono stati separati per così tanto
tempo e vogliono ancora stare insieme, sono disposti a
impegnarsi.
Eddie Redmayne ha stuzzicato i fan con un
nuovo entusiasmante aggiornamento sul suo imminente ritorno nella
seconda stagione di The Day of the Jackal. Basato
sull’omonimo romanzo di Frederick Forsyth del 1971, Redmayne è il
terzo attore a interpretare il misterioso assassino noto come lo
Sciacallo, dopo che i precedenti adattamenti cinematografici hanno
visto il personaggio interpretato da Edward Fox nel 1973 e Bruce
Willis nel The Jackal del 1997. Accolto con recensioni
largamente positive e valse a Redmayne numerose nomination, The Day
of the Jackal è stato rinnovato per una seconda stagione poco dopo
il suo debutto in streaming nel novembre 2024.
In un’intervista a The Hollywood Reporter, Redmayne ha espresso il suo
entusiasmo per il ruolo in Il giorno dello sciacallo.
Descrivendo la serie come un “parco giochi per attori”, la
star ha spiegato che sono stati la natura clandestina del
personaggio e la sua propensione ad adottare travestimenti e
accenti diversi a rendere il ruolo così attraente per lui. Ecco
i suoi commenti:
È il sogno di ogni attore. Descrivo questa serie come una
sorta di parco giochi per attori, tutte quelle cose che quando sei
piccolo e ti fanno appassionare alla recitazione, come cambiare
voce, usare accenti diversi, parlare altre lingue, cambiare
aspetto, truccarsi, fare acrobazie, tutto questo, ma anche
un’intensità emotiva molto profonda. C’era tutto. Per me è stato
molto facile dire di sì.
Redmayne è stato anche
interrogato sui piani per la seconda stagione di The Day of the
Jackal, e sebbene non abbia potuto rivelare dove porterà il suo
personaggio, ha rivelato diaver già letto alcune
sceneggiature della nuova stagione. Ha anche suggerito
di essere entusiasta di vedere se la prossima stagione della serie
riuscirà a superare i limiti raggiunti finora. Ecco i suoi commenti
finali:
Non posso dire letteralmente nulla [sulla seconda stagione].
Sono molto orgoglioso del lavoro che abbiamo fatto e sono
entusiasta di vedere se riusciremo a portarlo a un livello
superiore.
Cosa significano i commenti
di Eddie Redmayne per la seconda stagione di The Day of the
Jackal
Con ilfinale della prima stagione di The Day of the Jackalche ha lasciato molte trame irrisolte, i recenti commenti di
Redmayne sono una buona notizia per i fan ansiosi di vedere se il
suo assassino protagonista riuscirà a vendicarsi del suo ex datore
di lavoro. Abbandonato dalla sua famiglia e tradito da Timothy
Winthrop, interpretato da Charles Dance, il potente finanziere
responsabile dell’assassinio del magnate della tecnologia Ulle Dag
Charles,il Jackal avrà probabilmente un compito arduo
davanti a séquando la serie tornerà finalmente in
onda.
Con la rivelazione di Redmayne
di aver già letto alcunesceneggiature della seconda stagione di The Day of the
Jackal, è possibile che la data ufficiale di inizio
delle riprese non sia troppo lontana. Cosa questo significhi
esattamente in termini di data di uscita è ancora incerto.
Tuttavia, dato che le riprese della prima stagione sono iniziate
nel giugno 2023,il pubblico potrebbe ancora avere la
possibilità di vedere la serie sui propri schermi entro la fine del
2026, anche se una data di uscita nel 2027 sembrerebbe
più probabile.
Arnold
Schwarzenegger riflette sui difetti del suo adattamento di
The Running Man, da noi uscito con il titolo di
L’implacabile, e sul perché il nuovo remake di
Edgar Wright con Glen Powell potrebbe
surclassarlo.
L’attesissimo remake di The
Running Man di Edgar Wright e
Glen Powell uscirà ufficialmente
nelle sale il 7 novembre 2025. Naturalmente, il nuovo film sarà
paragonato al cult del 1987 con
Arnold Schwarzenegger.
Sebbene l’adattamento originale del
romanzo distopico di Stephen King abbia una fedele
fan-base che resiste nel corso degli anni, Schwarzenegger ha
recentemente riconosciuto che il prossimo remake ha una reale
possibilità di superare la sua versione, superandone i limiti
passati.
In un’intervista con CBR,
Arnold Schwarzenegger parla del prossimo
remake, sottolineando alcuni punti deboli dell’originale che, a suo
avviso, il film di Wright e Powell potrebbe migliorare.
Schwarzenegger ha affermato: “Running Man è stato uno dei film
che… penso che sarebbe stato fantastico se fossimo stati meglio
preparati per farlo, se avessimo avuto più soldi per questo film, e
se avessimo avuto allora… gli effetti visivi, la tecnologia degli
effetti visivi che hanno oggi, tutte quelle cose che desideravo
dopo l’uscita del film, sentivo che avrebbe potuto essere
migliore”.
Ha continuato: “È stato
fantastico, ma avrebbe potuto essere migliore, e penso che ora
abbiano una buona possibilità con il nuovo ‘Running Man’ di
migliorarlo. E spero, per il loro bene e per il mio, che avranno
successo”.
Anche il film originale del 1987 con
Schwarzenegger si è preso notevoli libertà rispetto al romanzo di
Stephen King. Tuttavia, il progetto di Powell e
Wright promette un adattamento più fedele, inclusa una
rappresentazione di Ben Richards come l’uomo medio che è nel
libro.
Oltre a Powell, il remake vede la
partecipazione di Colman Domingo (Se la strada
potesse parlare), Michael Cera (Scot Pilgrim vs.
the World), Josh Brolin (Dune:
Parte 2, Avengers: Infinity War),
Emilia Jones (Locke & Key), Lee
Pace (Halt and Catch Fire, Foundation), William H.
Macy (Shameless) e Katy O’Brian (Love
Lies Bleeding).
Brolin interpreterà un produttore
dello show, Domingo il presentatore e Pace uno dei cacciatori di
demoni incaricati di dare la caccia ai concorrenti del gioco. Cera,
a quanto pare, interpreterà un ribelle che vuole rovesciare il
governo e si ritrova ad aiutare il personaggio principale di
Powell. Daniel Ezra e Karl
Glusman appariranno in ruoli secondari.
Secondo l’Instagram di Powell, le
riprese del remake sono terminate a marzo. Con il distinto talento
cinematografico di Edgar Wright e un acuto senso
dell’umorismo politicamente carico intrecciato nella classica
narrazione di Stephen King, il remake di
The Running Man ha il potenziale per essere molto
più di un semplice riavvio.
Il co-CEO di DC Studios,
James Gunn, ha rivelato se in futuro vedremo gli
stessi cattivi della “Epic Crime Saga” di Matt
Reeves comparire nel DCU. Sebbene il co-CEO di DC Studios,
James
Gunn, non abbia ancora confermato al 100% che il
BatVerse di Matt Reeves, ovvero la “Epic Crime
Saga”, non verrà inglobato nel DCU, il regista ha recentemente
affermato che è altamente improbabile che Robert Pattinson rimanga il
Cavaliere Oscuro del DCU.
“Sarebbe una possibilità.
Dovremmo rifletterci”, ha dichiarato Gunn durante una recente
intervista a Rolling Stone. “Dovremmo pensarci. Non è che non
ne abbiamo mai discusso. Non direi mai zero [probabilità], perché
non si sa mai. Ma non è probabile. Per niente probabile.”
“Direi anche che Batman Parte II
non è stato cancellato”, ha confermato il regista. “Questa
è l’altra cosa che sento dire di continuo: che Batman Parte II è
stato cancellato. Non è stato cancellato. Non abbiamo una
sceneggiatura. Matt è lento. Lasciamo che si prenda il suo tempo.
Lasciamo che faccia quello che sta facendo. Dio, la gente è
cattiva. Lasciamo che faccia quello che vuole, amico.”
Quindi, supponendo che la DC Studios
vada avanti con
Batman: The Brave and the Bold (se manterrà quel
titolo), c’è la possibilità che due franchise di Batman separati
siano in corso contemporaneamente.
Questo Batman ha già introdotto
diversi importanti nemici: L’Enigmista, Il Pinguino, Il Joker e
Catwoman, e alcuni fan si sono chiesti se questo potrebbe impedire
l’utilizzo di nuove interpretazioni di questi personaggi nel DCU. A
Gunn è stato chiesto se ci fosse un accordo tra lui e Reeves
riguardo a quali cattivi di Batman possano o meno usare in Threads,
e lui ha risposto come segue.
Per quanto riguarda il sequel di Reeves, le voci sulla trama
continuano a circolare. Abbiamo sentito che Hush e/o Mr. Freeze
potrebbero essere i cattivi. Non sembra esserci molto di vero in
queste voci, ma ci sono buone probabilità che il film sia
ambientato in inverno.
Per quanto l’entusiasmo intorno alSuperman di
James
Gunn e all’inizio del nuovo DCU sia palpabile, resta il rammarico per non
aver potuto vedereMan of Steel 2
e i suoi collegamenti conGreen Lantern,
recentemente rivelati. Invece di ricevere un sequel
tradizionale,Man of Steel
del 2013 è stato seguito daBatman v Superman: Dawn of Justice
nel 2016, un importante crossover che ha visto l’Uomo d’Acciaio e
il Cavaliere Oscuro scontrarsi, fungendo anche da preludio aJustice League
del 2017. Tuttavia, un veroMan of Steel 2
era effettivamente in fase di sviluppo, e le recenti rivelazioni
lasciano immaginare cosa avrebbe potuto essere.
Non
è un segreto che il successo complessivo del precedente DC Extended
Universe abbia iniziato a declinare dopo la ricezione tiepida di
Justice League nel
2017.
Gran parte delle
difficoltà sono state dovute alle interferenze degli studios e alle
controverse riprese successive all’allontanamento del regista Zack
Snyder, avvenuto per motivi personali durante la produzione. Questo
ha portato a un profondo cambiamento nel calendario delle uscite,
con molti film messi in stand-by o cancellati a tempo
indeterminato, fino all’annuncio del nuovo DCU nel 2023. Tra questi
progetti abbandonati c’era proprio Man of Steel 2 e, alla luce delle informazioni emerse,
è difficile non rimpiangere un sequel che avrebbe potuto rilanciare
il personaggio in un’altra direzione.
Man of Steel non ha mai avuto
un vero sequel
Dopo
aver raccontato le origini di Superman nel film L’Uomo
D’acciaio di Zack Snyder (2013), il personaggio
interpretato da Henry Cavill sarebbe tornato sul grande
schermo condividendo la scena con il Batman di Ben Affleck e la
Wonder Woman di Gal Gadot in Batman v Superman: Dawn of
Justice (2016). A causa del desiderio di Warner Bros. di
costruire un universo cinematografico paragonabile a quello del
MCU, il grande crossover
Justice League venne
anticipato, posticipando invece i film standalone dei singoli eroi,
incluso un sequel tradizionale dedicato a Superman.
Rimasto in fase di sviluppo per anni, Man of Steel 2 avrebbe dovuto vedere Superman
affrontare Brainiac, uno dei suoi più celebri nemici nei fumetti.
Inoltre, dopo essere stata accennata nel primo film, anche
Supergirl avrebbe fatto il suo debutto nel DCEU proprio in questo
sequel. Nel 2018, Henry Cavill e il regista Christopher McQuarrie
presentarono alla Warner Bros. la loro visione per Man of Steel 2. Sebbene il progetto fu
poi accantonato, McQuarrie ha recentemente condiviso alcuni
dettagli interessanti della storia rifiutata, inclusa la presenza
di Green Lantern.
La trama di Man of Steel
2 avrebbe potuto espandere davvero il DCEU
Secondo quanto dichiarato da McQuarrie in una recente intervista
con Josh Horowitz nel podcast Happy
Sad Confused, l’idea alla base del film prevedeva
l’introduzione di Green Lantern all’interno del DCEU. Sebbene non
fosse stato indicato se si trattasse di Hal Jordan o John Stewart,
McQuarrie affermò di aver individuato un modo efficace per inserire
il personaggio nel contesto narrativo e creare un conflitto
stimolante tra i due eroi, con una posta in gioco capace di
espandere significativamente l’universo cinematografico DC.
“Green Lantern è stato ciò che
mi è venuto in mente, ed è un personaggio difficile. Il suo potere
è molto impegnativo, ma sono riuscito a capirlo ed è stato
divertente, osservare come imparava a usare quel potere e dargli un
difetto, in modo che non fosse pura invincibilità.
L’intero concetto di Green
Lantern è che l’anello deve essere ricaricato. E questo non è un
difetto. È una caratteristica. È questo che lo rende speciale. Sì,
hai un potere infinito, ma la batteria ha una durata limitata e può
esaurirsi nei momenti meno opportuni. Questo, per me, ha risolto
l’intero problema di Lanterna Verde… il costume è un’altra
cosa“.
”Henry aveva un’idea al riguardo e
improvvisamente ho capito quanto questi due personaggi avessero
delle incredibili somiglianze, che permettevano anche un conflitto
incredibile e una risoluzione incredibile che espandeva
l’universo”.
Dopo
la poco brillante performance del film Lanterna Verde del 2011 con Ryan Reynolds, è
quasi struggente leggere la sicurezza con cui Christopher McQuarrie
parlava della sua idea per rendere il personaggio davvero
avvincente. La prospettiva narrativa che aveva immaginato sembrava
offrire una profondità notevole, specialmente nell’incontro tra
Lanterna Verde e Superman. Sarebbe stato anche un riconoscimento
ideale per tutti i teaser sul personaggio lasciati nel DCEU, come
la presenza di Yalan Gur nel flashback di Justice League — durante la prima resistenza
della Terra contro Steppenwolf e Darkseid — e gli accenni presenti
nella Zack Snyder’s Justice
League, inclusa la visione originaria che prevedeva Wayne T.
Carr nel ruolo di John Stewart.
Un confronto tra Superman e
Lanterna Verde avrebbe reso Man of Steel 2 ancora più
coinvolgente
Immaginare un Man of Steel
2 in cui Superman si confronta con Lanterna Verde prima di
affrontare una minaccia cosmica come Brainiac, o un altro potente
avversario, è un esercizio affascinante. L’idea che il film si
sarebbe concentrato sulle somiglianze tra i due eroi, piuttosto che
sul semplice conflitto, prometteva un approccio originale e ricco
di sfumature, anche se purtroppo non ha mai visto la luce.
Detto ciò, il nuovo Superman diretto da James Gunn si
preannuncia comunque molto promettente. C’è grande attesa anche per
la nuova incarnazione di Green Lantern, con Guy Gardner pronto a
debuttare nel prossimo film del DCU, prima dell’arrivo della serie
Lanterns, prevista per l’anno prossimo e
descritta come una versione più realistica e intensa del celebre
corpo intergalattico.
L’estate dei
segreti perduti di Prime Video vanta un cast di grande
talento, composto da attori sia emergenti che affermati, che
contribuiscono a dare forma a questo misterioso dramma
adolescenziale. Basato sull’omonimo best seller di E. Lockhart, lo
show racconta la storia di una ragazza adolescente che cerca di
recuperare i ricordi dell’estate precedente dopo aver subito un
trauma cranico. L’estate dei segreti perduti di Prime Video
doveva rispettare molti aspetti del libro, e la serie riesce a
soddisfare le alte aspettative.
La serie è perfetta per una maratona
estiva, e gran parte del merito va alle straordinarie
interpretazioni del cast. La famiglia Sinclair è un gruppo
disfunzionale e caotico, i cui membri riescono a malapena a
sopportarsi nonostante si amino. Nonostante ciò, “i bugiardi” sono
migliori amici che si sostengono a vicenda. Ogni attore rende il
proprio personaggio memorabile e contribuisce a plasmare le
dinamiche più ampie di Beechwood Island.
Emily Alyn Lind nel ruolo di
Cadence Sinclair Eastman
Data di nascita: 6
maggio
Attiva dal: 2008
Attrice: Emily Alyn Lind è
nata a Brooklyn, New York, e ha ottenuto il suo primo ruolo
importante interpretando la giovane Amanda Clarke in
Revenge, uno dei migliori ruoli della Lind. Da allora, si è
costruita una reputazione come attrice drammatica di grande
talento, apparendo spesso in film horror e serie televisive per
adolescenti.
Personaggio: In L’estate
dei segreti perduti, Emily Alyn Lind interpreta Cadence,
un’adolescente della prestigiosa e ricca famiglia Sinclair.
Trascorre ogni estate nell’isola di Beechwood della sua famiglia.
Nell’estate del 2015 subisce un trauma cranico che le causa
un’amnesia parziale e nell’estate del 2016 torna determinata a
recuperare i suoi ricordi.
Esther McGregor nel ruolo di
Mirren Sinclair
Attiva dal: 2018
Attrice: Esther McGregor è
nata a Londra, in Inghilterra, e ha ottenuto il suo primo ruolo
importante interpretando Isabel nel controverso film del 2024
Babygirl.
È la figlia dell’attore Ewan McGregor e della scenografa Eve
Mavrakis.
Personaggio: In L’estate
dei segreti perduti, Esther McGregor interpreta Mirren
Sinclair, la figlia di Bess e cugina di Johnny e Cadence. È una dei
quattro “bugiardi”.
Joseph Zada nel ruolo di Johnny
Sinclair
Attivo dal: 2019
Attore: Joseph Zada è un
attore emergente il cui ruolo più importante prima di We Were
Liars è stato quello di Charlie Roth in Invisible Boys.
Al momento dell’uscita di We Were Liars, Zada era già stato
scritturato per interpretare Cal Trask in East of Eden e
Haymitch Abernathy in The Hunger Games: Sunrise on the
Reaping.
Personaggio: In
L’estate dei segreti perduti, Joseph Zada interpreta
Johnny Sinclair, figlio di Carrie e cugino di Mirren e Cadence.
Johnny ha un atteggiamento spensierato ed è un altro dei quattro
“bugiardi”.
Shubham Maheshwari nel ruolo di
Gat Patil
Attivo dal: 2021
Attore: Shubham Maheshwari è
un attore emergente il cui unico progetto precedente è il
cortometraggio Haven Dust.
Film e serie TV di rilievo:
N/A
Personaggio: In
L’estate dei segreti perduti, Shubham Maheshwari
interpreta Gat Patil, il nipote di Ed Patil che ogni estate, fin da
bambino, viene a Beechwood Island. È il quarto “bugiardo”.
Cast secondario e personaggi di
L’estate dei segreti perduti
Caitlin FitzGerald nel ruolo di
Penny Sinclair: In L’estate dei segreti perduti,
Caitlin Fitzgerald interpreta Penny Sinclair, madre di Cadence
Sinclair e figlia di mezzo dei Sinclair. Fitzgerald ha ottenuto il
suo grande successo nel 2009, interpretando Lauren Adler nel film
It’s Complicated. Tra i suoi ruoli più importanti figurano
Libby Masters in Masters of Sex, l’agente Daphne O’Connor in
The Trial of the Chicago 7 e Serena Wolcott in
UnREAL.
Mamie Gummer nel ruolo di Carrie
Sinclair: In L’estate dei segreti perduti, Mamie
Gummer interpreta Carrie Sinclair, la figlia maggiore dei Sinclair
e madre di Johnny. Anche se la serie è durata solo una stagione,
Mamie Gummer ha ottenuto il suo grande successo interpretando il
ruolo principale in Emily Owens M.D. Tra i suoi ruoli più
importanti figurano Mel in The Lifeguard, Nancy Crozier in
The Good Wife e Julie in Ricki and the
Flash.
Wendy Crewson nel ruolo di Tipper
Sinclair: Nella serie, Wendy Crewson interpreta Tipper
Sinclair, la matriarca della famiglia Sinclair. Crewson ha ottenuto
il suo grande successo interpretando Leslie Abbott nel film del
1991 The Doctor. Tra i suoi ruoli più importanti figurano
Laura nei film Santa Clause, la dottoressa Dana Kinney in
Saving Hope e Grace Marshall in Air Force One.
Candice King nel ruolo di Bess
Sinclair: Candice King (nata Accola) interpreta Bess Sinclair,
la figlia più giovane dei Sinclair e madre di Mirren, in
L’estate dei segreti perduti. King ha ottenuto il suo
grande successo interpretando Caroline Forbes in The Vampire
Diaries. Oltre al ruolo che l’ha resa famosa, è nota
soprattutto per aver interpretato Kimberly in After We
Collided, Sharon in Love Hurts e Melanie McGuire in
Suitcase Killer: The Melanie McGuire Story.
Rahul Kohli nel ruolo di Ed
Patil: Nella serie, Rahul Kohli interpreta Ed Patil, fidanzato
di lunga data di Carrie Sinclair e zio di Gat. Kohli ha ottenuto il
suo grande successo nel 2015 quando ha interpretato Ravi
Chakrabarti in iZombie. Tra i suoi ruoli più importanti
figurano Leo Usher nel cast di The Fall of the House of
Usher, Teddy in Next Exit e Miles Watlow in The
Electric State.
David Morse nel ruolo di
Harris Sinclair: Nella serie, David Morse interpreta
Harris Sinclair, il patriarca della famiglia Sinclair e padre di
Carrie, Bess e Penny. Morse ha ottenuto il suo grande successo
quando ha interpretato il dottor Jack Morrison in St.
Elsewhere. Tra i suoi ruoli più importanti figurano Brutus
“Brutal” Howell in The Green Mile, il colonnello Reed in
The Hurt Locker e il maggiore Tom Baxter in The
Rock.
Brady Droulis nel ruolo di Will
Dennis Sinclair: Brady Droulis interpreta Will Dennis Sinclair,
il fratello minore di Johnny, in L’estate dei segreti
perduti. Il giovane attore non ha ancora avuto la sua grande
occasione, ma i suoi ruoli più importanti includono Young Dean in
Supernatural e Tommy Fife in Home Before Dark.
Emerson MacNeil nel ruolo di
Bonnie Sheffield Sinclair: Emerson MacNeil interpreta Bonnie
Sheffield Sinclair, la sorella minore di Mirren, in
L’estate dei segreti perduti. La promettente attrice
bambina non ha ancora avuto la sua grande occasione, ma i suoi
ruoli più importanti sono quelli di Alicia in The Queen of My
Dreams e Ash Lanier in The Sinner.
Manaia Wall nel ruolo di Liberty
Sheffield Sinclair: Nella serie, Manaia Wall interpreta Liberty
Sheffield Sinclair, la sorella minore di Mirren. Il primo ruolo di
Wall è quello di Liberty in We Were Liars.
Dylan Bruce nel ruolo di Brody
Sheffield: In L’estate dei segreti perduti, Dylan Bruce
interpreta Brody Sheffield, il marito di Bess. Bruce ha ottenuto il
suo grande successo interpretando Chris Hughes nella soap opera
diurna As the World Turns. Tra i suoi ruoli più importanti
figurano Paul Dierden in Orphan Black, Bobo Winthrop in
Midnight Texas e Tanner Kent in The Spiderwick
Chronicles.
Leandro Vigueras nel ruolo del
giovane Gat: Nella serie, Leandro Vigueras interpreta il
giovane Gat nelle scene flashback della prima estate di Gat a
Beechwood. Questo è il primo ruolo di Vigueras.
Quinn LeBlanc nel ruolo del
giovane Johnny: Nella serie, Quinn LeBlanc interpreta il
giovane Johnny nei flashback. We Were Liars è il suo primo
ruolo da attore con un nome.
Raewynn Martel nel ruolo della
giovane Cadence: Nella serie, Raewynn Martel interpreta la
giovane Cadence nei flashback. Questo è il suo primo ruolo.
Nikita Goold nel ruolo della
giovane Mirren: Nikita Goold interpreta la giovane Mirren nei
flashback di L’estate dei segreti perduti, il suo primo
ruolo da attrice.
Dopo sei anni, si riaccende la
speranza per la terza stagione di Mindhunter, con uno
dei protagonisti della serie che ha rivelato alcune indiscrezioni
su un possibile ritorno. La serie thriller di Netflix è prodotta e diretta dal leggendario regista
David Fincher, e la prospettiva di una terza stagione di Mindhunter è nell’aria dal 2019.
Fincher è passato ad altri progetti, con due lungometraggi usciti
nel frattempo su Netflix.
Attualmente sta anche lavorando al seguito di C’era una volta a Hollywood di Quentin Tarantino con Brad
Pitt.
Holt McCallany, che interpreta Bill
Tench in Mindhunter, ha recentemente rivelato a CBR di aver incontrato David Fincher per
discutere di un potenziale ritorno sotto forma di tre film da
due ore. Spiega che, sebbene David Fincher sia meticoloso e
debba essere soddisfatto delle sceneggiature, ci sono persone che
stanno lavorando alla scrittura. McCallany rivela che si tratta
principalmente di David Fincher che ha il tempo e la dedizione per
il progetto e che “devono aspettare il miglior attore di Broadway”,
riferendosi al co-protagonista di Mindhunter, Jonathan
Groff, che ha vinto un Tony Award nel 2024. Leggi la citazione
completa qui sotto:
“Sai, qualche mese fa ho incontrato David Fincher nel suo
ufficio e mi ha detto che c’è la possibilità che torni come tre
film da due ore, ma penso che sia solo una possibilità. So che ci
sono degli sceneggiatori al lavoro, ma David deve essere
soddisfatto delle sceneggiature”.
“Mi sono sentito molto fortunato e privilegiato ad aver
potuto partecipare a quella serie. Mi piacerebbe molto che
tornasse. Come ho detto, lui mi ha dato un po’ di speranza quando
ci siamo incontrati, ma dovrebbero allinearsi il sole, la luna e le
stelle. La buona notizia è che siamo su Netflix con The Waterfront,
e anche quei film sarebbero per Netflix. Quindi penso che in
termini di date e logistica, si potrebbe fare, ma dipende dal fatto
che David abbia davvero il tempo e la voglia di farlo e che sia
soddisfatto del materiale. E questo è un grande punto
interrogativo”.
Cosa significa
l’aggiornamento di Holt McCallany sulla terza stagione di
Mindhunter
La terza stagione di
Mindhunter è promettente, ma ancora lontana dall’essere
garantita
Sebbene l’aggiornamento di Holt
McCallany su Mindhunter sia certamente promettente per chi desidera
vedere il seguito, vale la pena ricordare che non è la prima volta
che esprime il suo rammarico per la conclusione anticipata della
serie. Come lui stesso afferma,sarà necessario che tutti
i fattori convergano, in primo luogo che David Fincher trovi il
tempo, ma anche che gli impegni degli attori principali coincidano
con quelli del regista. Dopo sei anni di attesa e
incertezza, può essere difficile riunire il cast in modo che tutti
siano d’accordo.
David Fincher ha solo un
progetto in cantiere al momento, ovvero The Adventures of Cliff
Booth. Il film è in fase di pre-produzione, ma con attori come
Yahya Abdul-Mateen II ed Elizabeth Debicki che hanno recentemente
firmato per il cast, sembra che le riprese potrebbero iniziare
prima del previsto. Tuttavia, ciòsignificherebbe
probabilmente aspettare ancora un po’ prima che Fincher possa
dedicare il temponecessario per realizzare il sequel di
Mindhunter. Questo ipotetico progetto è ancora lontano anni luce,
ammesso che venga mai realizzato.
Con James Gunn che ha annunciato ufficialmente che
la DC sta portando avanti il progetto di un film su Wonder
Woman, la domanda che tutti i fan si stanno ponendo è da dove
trarrà ispirazione. Fortunatamente, i social media di Gunn sono una
miniera di indizi creativi che offrono un’anteprima allettante dei
fumetti che potrebbero ispirare il film in uscita.
Gunn non si è tirato indietro
quando si è trattato di rivelare le sue fonti di ispirazione per i
suoi prossimi film su Superman e
Supergirl, citando fumetti come All-Star Superman di
Grant Morrison e
Supergirl: Woman of Tomorrow di Tom King come due delle
opere che hanno ispirato i rispettivi progetti.
Quindi, non è azzardato supporre
che Gunn attingerà anche ad alcuni fumetti di Wonder Woman per
trovare ispirazione per il prossimo film dedicato alla principessa
amazzone. Quindi, quali fumetti di Wonder Woman potrebbero
essere utilizzati da Gunn come fonte di ispirazione? I suoi social
media potrebbero contenere la risposta.
I fumetti di Wonder Woman che
potrebbero ispirare il film DC di James Gunn
Quando si tratta di capire quali
fumetti di Wonder Woman Gunn potrebbe utilizzare come fonte di
ispirazione, la risposta sta ovviamente in quelli che ha letto. E
quando si tratta di confermare quali titoli ha effettivamente
letto, è possibile compilare un elenco piuttosto consistente basato
su vari post sui social media in cui ha confermato direttamente di
aver letto determinati fumetti o ha fatto commenti che implicano
che abbia letto qualsiasi fumetto di cui sta parlando. Tra i
fumetti di Wonder Woman citati da Gunn nel corso degli anni ci sono
la serie Wonder Womandi Tom King, la serie Absolute
Wonder Woman di Kelly Thompson, Wonder Woman Historia: The
Amazons (2021) di Kelly Sue DeConnick, Wonder Woman (New
52) di Brian Azzarello e Wonder Woman: Dead Earth (2020) di
Daniel Warren Johnson.
Per essere chiari, James
Gunn potrebbe benissimo aver letto più dei titoli sopra citati.
Tuttavia, queste sono le storie di Wonder Woman di cui abbiamo
conferma attraverso i suoi commenti sui social media. Ad esempio,
nel 2024, Gunn ha pubblicato su Threads una foto della copertina di
Wonder Woman: Dead Earth di Daniel Warren Johnson,
accompagnata dalla didascalia: “Ieri sera ho letto questa
meravigliosa, oscura e selvaggia storia di Wonder Woman
Elseworlds”. Post come questo confermano alcune delle
storie di Wonder Woman che Gunn ha letto e, quindi, le storie che
potrebbero eventualmente servire da ispirazione per il suo prossimo
film, che è ancora in fase di sceneggiatura.
Quali fumetti di Wonder Woman
non influenzeranno il film di James Gunn?
Sebbene non ci sia ovviamente
alcuna conferma ufficiale su quali di questi fumetti (se ce ne
sono) serviranno da ispirazione per il nuovo film di Wonder Woman,
è possibile fare alcune ipotesi su quali titoli potrebbero essere
scelti e quali no. Ad esempio, anche se Gunn ha elogiato Wonder
Woman: Dead Earth, è improbabile che tragga ispirazione diretta
dalla trama. Il fumetto è una storia cupa ambientata in un universo
alternativo dopo un’apocalisse nucleare che ha devastato la Terra e
decimato la popolazione umana. Tuttavia, è chiaro che Gunn era
un fan di questa “cupa e selvaggia” versione di Wonder
Woman, quindi potrebbe comunque prendere in prestito alcune
influenze stilistiche.
Allo stesso modo, anche Absolute
Wonder Woman difficilmente potrà essere una fonte di
ispirazione primaria, poiché anche questo è un racconto in stile
Elseworlds che reimmagina completamente Diana in un mondo
più cupo e crudo plasmato da Darkseid. È anche dubbio che
Gunn attingerà dalla serie New 52 diWonder
Woman, dato che in questo periodo sono stati apportati
diversi cambiamenti controversi al personaggio che sono stati
ampiamente criticati dai fan, come l’alterazione delle sue origini
per renderla figlia di Zeus e l’accoppiamento romantico con
Superman. Inoltre, Wonder Woman Historia: The Amazons è una
fonte improbabile se le voci sono vere e influenzano pesantemente
la serie Paradise Lost della HBO incentrata sulle
Amazzoni.
Pertanto, tra i titoli sopra
citati, il candidato più probabile per ispirare il film Wonder
Woman di Gunn è l’attuale serie di Tom King. Detto questo, Gunn
potrebbe comunque attingere elementi da altri fumetti ed è molto
probabile che abbia letto altre storie incentrate su Diana che
potrebbero influenzare la sua visione. In definitiva, qualsiasi
discussione su quale materiale stia utilizzando come fonte di
ispirazione è ancora pura speculazione. Tuttavia, dato che Gunn ha
alla fine rivelato le sue ispirazioni a fumetti per
Superman e Supergirl, è probabile che
farà lo stesso per Wonder Woman in futuro.
Dopo il successo di Luca, Soul
eRed,
la Pixar torna a esplorare i temi della crescita,
dell’identità e della connessione. Diretto da Domee
Shi e Madeline
Sharafian, Elio è una nuova
avventura sci-fi dal cuore profondamente umano. Protagonista del
film è Elio Solis, un dodicenne introverso e
fantasioso che viene scambiato per il rappresentante dell’umanità
da un consiglio intergalattico. Spaventato e del tutto impreparato,
Elio viene trascinato in un universo alieno fatto
di creature strane, regole incomprensibili e – forse – nuove
amicizie.
La nascita del progetto
L’idea del film nasce da una
proposta di Adrian Molina, già co-regista di
Coco, che ha immaginato “il ragazzo più strano
della Terra” scambiato per il leader del pianeta da una civiltà
aliena. Una premessa surreale che ha subito trovato riscontro
all’interno della Pixar. La produttrice
Mary Alice Drumm ha spiegato: “C’era qualcosa
in questa storia che parlava davvero alle nostre esperienze
personali. Adrian, Domee e
Madeline sono tutti ragazzi che si sono sentiti
fuori posto, finché non hanno trovato la scuola d’arte o
d’animazione. C’è un elemento autobiografico in questo film, e
abbiamo pensato che potesse parlare anche ad altri.”
Quando Molina ha
dovuto lasciare il progetto per dedicarsi a Coco
2, la regia è passata a Domee Shi (già
regista diRed)
e Madeline Sharafian (story artist
Pixar), alla loro prima collaborazione ufficiale
come co-registe. Sharafian ha raccontato:
“Adrian ci ha detto: ‘Voi due siete perfette
per portare avanti questo film’. È stato un onore condividere
questo percorso con Domee, che è anche una mia
cara amica. Non potevo immaginare una partner migliore.”
Un tributo al cinema di genere e una risposta alla
solitudine
Elio è anche un
sentito tributo al genere fantascientifico con cui entrambe le
registe sono cresciute, come racconta Domee Shi:
“Io e Madeline siamo grandi fan della
fantascienza, soprattutto di quella degli anni ’80 e ’90. Siamo
cresciute con Spielberg, Ridley
Scott, John Carpenter… Questo film è
anche un omaggio a quei mondi alieni strani e meravigliosi. Ma più
di tutto, ci ha colpito come in molti di quei film lo spazio
rappresentasse speranza, connessione. Ed è proprio questo il cuore
di Elio.”
La dimensione spaziale di
Elio è solo la cornice: al centro c’è un ragazzino
che si sente solo e incompreso, alla ricerca di un luogo (o
qualcuno) che possa accettarlo per quello che è.
Shi riflette sul nucleo emotivo della storia:
“Ci siamo chieste: perché Elio vuole essere
rapito? Perché vuole lasciare la Terra? E alla fine ci siamo rese
conto che la risposta è: perché si sente solo. Sperava che, da
qualche parte nell’universo, esistesse qualcuno capace di capirlo.
E questo sentimento… lo abbiamo provato anche noi.”
Un racconto dal valore generazionale
Il film vuole parlare non solo ai
ragazzi, ma anche agli adulti, mostrando quanto l’empatia possa
colmare le distanze generazionali. Shi sottolinea
un momento chiave del film: “C’è una battuta nel film che mi
emoziona ogni volta: ‘Non ti capisco, ma ti amerò lo stesso’. Per
noi era importante mostrare una figura paterna capace di mettere da
parte le proprie paure per sostenere suo figlio. Anche se non
comprendiamo pienamente i nostri figli, possiamo comunque
amarli.”Elio è stato sviluppato nel pieno
dell’epoca post-pandemica, in un momento storico in cui il senso di
isolamento e disconnessione si è fatto più forte, specialmente tra
i giovani. Shi conclude: “Quando abbiamo
iniziato a lavorarci, pensavamo che finita la pandemia saremmo
tornati a sentirci uniti… invece, molte persone si sentono ancora
sole. Per questo speriamo che questo film possa arrivare al momento
giusto.”
Elio si presenta
così come un racconto di fantascienza che guarda dritto al cuore,
un viaggio nello spazio che diventa un viaggio dentro sé stessi,
nel nome dell’accettazione, della speranza e della connessione.
Le riprese del nuovo film
live-action
Masters of the Universe di Amazon MGM Studios si sono
recentemente concluse, e diversi membri del cast principale e
secondario hanno condiviso foto del dietro le quinte con
anticipazioni dei rispettivi costumi.
Questa ultima versione della
classica serie animata/linea di giocattoli presenta un cast
variegato e molti personaggi (alcuni dei quali devono ancora essere
annunciati), e sembra che potremmo vedere anche un’apparizione
dell’He-Man originale live-action, Dolph
Lundgren.
Le speculazioni sul fatto che
Lundgren, che ha interpretato il muscoloso protettore di Eternia
nel tanto bistrattato film del 1987, potesse fare un cameo nel
reboot sono iniziate quando l’attore ha condiviso alcuni post sui
social media che menzionavano un progetto “segreto” a cui stava
lavorando a Londra all’inizio della produzione, e alla star dei
film d’azione degli anni ’80 è stato chiesto di queste voci durante
un’intervista con Mensjournal.com. “È un po’ un segreto, ma non
posso dire molto”, ha detto Dolph Lundgren.
“Ma sì, forse mi farò coinvolgere in qualche modo.
Vedremo.” Sì, sicuramente apparirà nel film!
Chi interpreterà Lundgren resta
ovviamente da vedere, ma la teoria più convincente è quella di Re
D’Vann Grayskull, un antenato di He-Man. Dolph
Lundgren ha poi condiviso le sue opinioni sul nuovo
MOTU e su come, secondo lui, un personaggio come il Principe Adam
si differenzi dagli eroi che vediamo nei film Marvel e DC.
“Se pensate che un nuovo film di
He-Man vi faccia sentire vecchi, io mi sento vecchio! Ci sono
stato! Hanno cercato di rifare il film per almeno 15 anni e sono
contento che lo stiano facendo. C’è un cast fantastico, una troupe
fantastica. È un film ad alto budget con MGM/Amazon. Penso che
stiano facendo un ottimo lavoro.”
“Il principe Adam ha un
romanticismo un po’ più forte rispetto ad altri supereroi. Marvel e
DC sono un po’ più duri”, ha aggiunto Lundgren. “C’è
qualcosa di magico e infantile in lui. E anche se stanno girando un
film per adulti, c’è qualcosa di tenero e positivo in quel
personaggio.”
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un
lungometraggio tratto dall’amata serie animata nel 2022, ma
all’inizio di quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo
tentativo di far decollare il progetto era fallito.
Il live action di
Masters of the Universe
La versione live-action della
classica serie animata vedrà protagonista Nicholas
Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena
Baccarin nel ruolo della Strega, e di James
Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei
genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad
Alison Brie (GLOW, Community)
nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di
Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in
quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C.
Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap
Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di
Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.
Dopo numerose false partenze,
Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio tratto dall’amata
serie animata già nel 2022, ma all’inizio di quest’anno abbiamo
saputo che anche l’ultimo tentativo di far decollare il progetto
era fallito.
Tuttavia, in seguito avremmo appreso
che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di
Bumblebee, Travis Knight, in trattative per la
regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno 2026.
Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura da una
bozza iniziale di David Callaham
(Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In
precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La
città perduta).
Todd Black, Jason Blumenthal e Steve
Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin.
Masters of the Universe
arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.
Nel trailer, Sogno (Sturridge) lotta
non solo per la propria sopravvivenza, ma anche per quella del
Sogno stesso, mentre il mondo sembra crollargli addosso. Come dice
Morte (Kirby Howell-Baptiste) a un certo punto,
“Tutti amano una bella storia, ma tutte le storie finiscono”.
Come annunciato in precedenza, i
primi sei episodi usciranno il 6 luglio, mentre altri cinque
episodi usciranno il 24 luglio. Un episodio bonus che seguirà
“Morte” uscirà il 31 luglio.
La Stagione 2 di The
Sandman sarà l’ultima
In seguito alla controversia
riguardo le accuse di violenza sessuale e cattiva condotta contro
Neil Gaiman, che ha co-sviluppato e prodotto la
serie TV basata sui suoi fumetti DC, è stato annunciato a gennaio
che la seconda stagione di The Sandman
sarebbe stata l’ultima, anche se secondo Netflix era previsto già
da prima che emergessero le accuse contro Gaiman che il secondo
ciclo di episodi sarebbe stato conclusivo.
La seconda stagione di The
Sandman adatta infatti le trame di molti fumetti, tra cui
Season of Mists, Brief Lives, The Kindly Ones e The
Sandman: Overture, insieme a storie singole come “Tales in
the Sand”, “A Midsummer Night’s Dream”, “The Song
of Orpheus”, “Thermidor” e “The Tempest”,
tra le altre.
The Sandman è
interpretato da Tom Sturridge nel ruolo di Sogno,
Gwendoline Christie nel ruolo di Lucifero,
Vivienne Acheampong nel ruolo di Lucienne,
Kirby Howell-Baptiste nel ruolo di Morte,
Patton Oswalt nel ruolo di Matthew il Corvo,
Jenna Coleman nel ruolo di Johanna Constantine,
Mason Alexander Park nel ruolo di Desiderio,
Donna Preston nel ruolo di Disperazione e altri
ancora.
Gli altri fratelli di Sogno sono:
Destino (Adrian Lester), Delirio (Esmé
Creed-Miles) e il Prodigo (Barry Sloane),
che partecipano a una “cena di famiglia” con il resto degli
Endless, Morte (Kirby), Desiderio (Mason
Alexander Park) e Disperazione (Donna
Preston).
È dedicata a David Lynch la
locandina della dodicesima edizione del
LIFF – Lamezia International Film Fest, che si terrà a
Lamezia Terme dal 14 al 19 luglio 2025 – con una
succosa anteprima il 5 luglio che annunceremo a breve.
L’illustrazione, che omaggia una
delle scene più iconiche di The Elephant Man, è stata
realizzata appositamente per LIFF12 dall’artista
Pasquale De Sensi.
In un mondo sempre meno propenso
all’empatia, in un presente di conflitti e di disumanizzazione in
favore dei freddi numeri, il Lamezia International Film
Fest sceglie “I am a human being”
come claim ufficiale. Un grido che, nel preciso momento storico
internazionale che stiamo attraversando, si fa sempre più
universale e necessario.
Jhaleil Swaby
(The Lake) è stato scelto per interpretare Panache
in Hunger Games: l’alba sulla mietitura, il film
della Lionsgate, nel ruolo di
Panache, un crudo e aggressivo tributo del
Distretto 1, noto per la sua arroganza e spietatezza. Il film
uscirà nelle sale il 20 novembre 2026.
Basato sul romanzo bestseller di
Suzanne Collins, l’ultimo capitolo del franchise distopico per
ragazzi Hunger Games rivisita il mondo di Panem 24
anni prima degli eventi della trilogia principale, a partire dalla
mattina della mietitura dei 50esimi Hunger Games, noti anche come
Seconda Edizione della Memoria. La storia è incentrata sul
sedicenne Haymitch (Joseph Zada), un ragazzo
intelligente e intraprendente del Distretto 12, scelto
inaspettatamente per questa edizione dei giochi, che per l’edizione
speciale prevedono un colpo di scena mortale: il doppio dei
tributi, 48 bambini mandati nell’arena a combattere per la propria
vita.
Oltre a Zada, il cast
precedentemente annunciato include Whitney Peak
nel ruolo di Lenore Dove Baird, Mckenna Grace nel
ruolo di Maysilee Donner, Billy Porter nel ruolo
di Magno Stift, Jesse Plemons nel ruolo di Plutarch
Heavensbee, Kelvin Harrison Jr. nel ruolo di
Beetee, Lili Taylor nel ruolo di Mags, Elle Fanning nel ruolo di Effie Trinket,
Ralph Fiennes nel ruolo del Presidente Snow,
Glenn Close nel ruolo di Drusilla Sickle,
Kieran Culkin nel ruolo di Caesar Flickerman,
Ben Wang nel ruolo di Wyatt Callow, Maya Hawke nel ruolo di Wiress,
Whitney Peak nel ruolo di Lenore Dove Baird,
Molly McCann nel ruolo di Louella McCoy e
Iona Bell nel ruolo di Lou Lou.
Francis Lawrence (i
film del franchise di Hunger Games, La ragazza di fuoco, Il canto
della rivolta – Parte 1 e 2 e La ballata degli uccelli canterini e
dei serpenti) dirigerà il film da una sceneggiatura di
Billy Ray (Hunger Games, Terminator: Destino
oscuro). Nina Jacobson e Brad Simpson produrranno per Color Force,
con Cameron MacConomy come produttore esecutivo. Meredith Wieck e
Scott O’Brien supervisioneranno il progetto per Lionsgate.
L’Academy of Motion Picture Arts and
Sciences ha annunciato che
Tom Cruise, Debbie Allen e lo storico collaboratore di
Spike Lee e scenografo Wynn
Thomas riceveranno gli Oscar onorari ai Governors
Awards 2025. Inoltre, Dolly Parton
riceverà il Jean Hersholt Humanitarian Award dell’Academy.
Le statuette degli Oscar saranno
consegnate durante la cerimonia della 16a edizione dei Governors
Awards, il 16 novembre presso la Ray Dolby Ballroom dell’Ovation
Hollywood.
“I Governors Awards di
quest’anno celebreranno quattro personalità leggendarie le cui
straordinarie carriere e il cui impegno per la nostra comunità
cinematografica continuano a lasciare un segno duraturo”, ha
dichiarato la presidente dell’Academy Janet Yang in un comunicato
stampa. “Il Consiglio di Amministrazione dell’Academy è onorato
di riconoscere questi brillanti artisti. Debbie Allen è una
coreografa e attrice pioniera, il cui lavoro ha affascinato
generazioni e attraversato generi. L’incredibile impegno di
Tom
Cruise nei confronti della nostra comunità cinematografica,
dell’esperienza teatrale e della comunità degli stuntman ci ha
ispirato tutti. L’amata attrice Dolly Parton incarna lo spirito del
Jean Hersholt Humanitarian Award attraverso la sua incrollabile
dedizione alle iniziative benefiche. E lo scenografo Wynn Thomas ha
dato vita ad alcuni dei film più duraturi grazie al suo occhio
visionario e alla padronanza della sua arte.”
L’Oscar alla carriera è una
statuetta assegnata “per onorare una straordinaria distinzione
nel percorso professionale, contributi eccezionali allo stato delle
arti e delle scienze cinematografiche in qualsiasi disciplina, o
per il servizio eccezionale all’Academy”, secondo l’Academy
stessa.
I Governors Awards non vengono
trasmessi in televisione, ma i vincitori vengono tradizionalmente
premiati durante la cerimonia degli Oscar. Ciò accadrà per questo
gruppo alla 98a edizione degli Oscar, prevista per il 16 marzo 2026
al Dolby Theater e presentata ancora una volta da Conan
O’Brien.
Dopo aver diretto
Skyfall, Sam Mendes ha firmato
anche la regia di 007
Spectre, uscito nel 2015, il quale rappresenta il
ventiquattresimo capitolo ufficiale della saga di James
Bond e il quarto con Daniel Craig nei panni dell’agente segreto più
famoso del cinema. Il film si colloca narrativamente dopo gli
eventi del precedente e ne raccoglie l’eredità, proseguendo il
percorso di introspezione del personaggio e portando avanti il
tentativo di collegare i film di Craig in un’unica grande trama
orizzontale. Spectre segna anche il ritorno in
scena dell’organizzazione criminale omonima, già apparsa nei film
classici della saga, e introduce ufficialmente Ernst Stavro
Blofeld in questa nuova continuity, rivelandolo come
l’ombra dietro molte delle minacce affrontate da Bond fino a quel
momento.
Tra le principali novità apportate
dal film vi è proprio questo legame più esplicito tra tutti i
precedenti antagonisti del Bond di Craig, ricondotti sotto l’egida
della Spectre. Questo elemento di continuità narrativa è una scelta
atipica per la saga, solitamente più episodica, e mira a dare
profondità alla mitologia del personaggio. Visivamente, il film
mantiene invece l’estetica sofisticata e curata già apprezzata in
Skyfall, con sequenze d’azione spettacolari, tra
cui spicca l’inseguimento iniziale durante il Giorno dei Morti a
Città del Messico. Il cast arricchito dalla presenza di Léa
Seydoux, Christoph Waltz e Monica Bellucci
conferisce ulteriore fascino al racconto.
Spectre ha poi
ottenuto un grande successo commerciale, diventando uno dei film di
007 con il maggiore incasso della storia. Ha ricevuto
un’accoglienza critica più tiepida rispetto al suo predecessore, ma
ha comunque consolidato l’identità del Bond di Craig, accentuandone
i tratti emotivi e vulnerabili. Nei prossimi paragrafi,
approfondiremo la spiegazione del finale del film, svelando i colpi
di scena, i significati nascosti dietro le scelte narrative e il
modo in cui imposta il percorso verso
No Time to Die, l’ultimo capitolo della saga con Daniel Craig.
In questo episodio James
Bond (Daniel
Craig) si vede sospeso dal nuovo M, Gareth
Mallory (Ralph
Fiennes), in quanto accusato di aver causato un
incidente diplomatico per aver condotto un’operazione priva di
autorizzazioni a Città del Messico. Successivamente M viene a
sapere da C, Max Denbigh (Andrew
Scott), di un piano volto a sostituire il sistema
degli agenti segreti 00 con un progetto chiamato Nove Occhi, ma né
M né l’intelligence sembrano convinti della necessità del nuovo
sistema proposto da C. Bond nel frattempo si reca segretamente a
Roma, dove incontra e seduce la vedova dell’uomo che ha ucciso a
Città del Messico (Monica
Bellucci) per infiltrarsi nell’organizzazione
criminale chiamata SPECTRE.
La sua copertura salta però a causa
del capo Oberhauser (Christoph
Waltz) che scopre la sua vera identità. Bond è quindi
costretto quindi a fuggire, iniziando però a seguire una pista
molto pericolosa con l’intento di incastrare Oberhauser, ricevendo
anche l’aiuto di un antico nemico, Mr. White
(Jesper Christensen). In punto di morte, infatti,
l’uomo gli offre informazioni importanti in cambio della promessa
che l’agente proteggerà sua figlia Madeleine
(Léa
Seydoux). 007 mantiene fede al suo accordo e raggiunge
la ragazza giusto in tempo per salvarla da un attacco degli uomini
di Oberhauser. Continuando le sue ricerche, Bond capisce che il
criminale è in combutta con il capo dei servizi C. Dovrà dunque
sventare quel complotto prima che sia troppo tardi.
La spiegazione del finale del film
Nelle fasi finali di
Spectre, James Bond affronta il suo nemico più
personale: Ernst Stavro Blofeld, il quale rivela
finalmente la sua identità: è il figlio dell’uomo che crebbe Bond
dopo che questo rimase orfano e, invidioso delle attenzioni del
padre verso il giovane James, uccise il genitore e si finse morto
entrando nel mondo del crimine con il nome di Blofeld, il cui
obiettivo era quello di fare soffrire il fratello adottivo. È
infatti lui il burattinaio dietro le precedenti minacce affrontate
da Bond in Casino Royale, Quantum of Solace e
Skyfall. Il confronto culmina in un’azione decisiva
all’interno dell’edificio abbandonato dell’MI6 a Londra,
simbolicamente trasformato in una trappola psicologica e
fisica.
Qui Blofeld sottopone Bond a una
scelta crudele: salvare Madeleine Swann, la donna che ama, o
perseguire la vendetta. Bond riesce però a salvare lei e sé stesso,
dimostrando una maturazione del personaggio che finalmente riesce a
privilegiare l’amore sulla missione, spezzando il ciclo di morte e
vendetta che ha contraddistinto il suo percorso. Dopo aver
distrutto l’elicottero su cui fugge Blofeld sul Westminster Bridge,
Bond lo lascia vivo, affidandolo alla giustizia e rifiutando
l’omicidio come soluzione finale. Questa scelta ha un significato
cruciale: segna il rifiuto di Bond di essere solo uno strumento del
potere, e apre la possibilità di una nuova vita.
Il gesto è anche un netto contrasto
con quanto accaduto nei film precedenti, dove la violenza era
sempre la risoluzione ultima. Qui Bond sceglie la pietà,
riconoscendo la possibilità di redenzione o, quanto meno, il
bisogno di non ripetersi. Nel mentre, Q riesce a fermare
l’attivazione dei Nove Occhi mentre Denbigh muore nella
lotta contro M cade dal palazzo. Il film si chiude con Bond che
lascia l’MI6 e parte con Madeleine, apparentemente deciso a
rinunciare alla vita da agente segreto. Il finale suggerisce un
addio, o perlomeno una pausa, dalla sua esistenza fatta di missioni
e pericoli. Tuttavia, la scelta di andarsene con Madeleine è
ambigua: è un gesto d’amore, ma anche una scommessa sulla
possibilità di cambiamento.
Il simbolico recupero dell’Aston
Martin DB5, restaurata, accompagna questa uscita di scena e
rafforza il tono nostalgico ma speranzoso del finale. Dal punto di
vista narrativo, Spectre pone le basi per
No Time to Die. La decisione di Bond di ritirarsi e vivere
con Madeleine sarà al centro del conflitto del film successivo,
dove il passato tornerà a perseguitarlo. Inoltre, il fatto che
Blofeld sia sopravvissuto prepara il terreno per il suo ritorno
futuro, cosa che avverrà proprio nel capitolo successivo. Il finale
di Spectre, quindi, non chiude completamente la
storia, ma funge da ponte emotivo e tematico verso una conclusione
più definitiva, che verrà raggiunta solo con l’ultimo atto della
saga interpretata da Daniel Craig.
Diabolik – Chi sei?
(qui la nostra recensione)
rappresenta il terzo e ultimo capitolo della trilogia
cinematografica diretta dai Manetti Bros.,
dedicata al celebre ladro mascherato nato dalla penna delle sorelle
Angela e Luciana Giussani. Dopo
Diabolik (2021) e Diabolik –
Ginko all’attacco! (2022), questo film chiude l’arco
narrativo con un tono più intimo e riflessivo, scavando nelle
origini del protagonista e approfondendo il mistero della sua
identità, da sempre avvolta nel silenzio e nell’ambiguità. Con
un’estetica fedele ai fumetti originali ma anche un linguaggio
cinematografico moderno, Diabolik – Chi sei?
rappresenta un punto di arrivo maturo per una saga che ha saputo
fondere crime, noir e azione con una forte impronta autoriale.
Ispirandosi direttamente ad alcune
delle storie più emblematiche tratte dalla serie a fumetti – in
particolare agli albi incentrati sul passato di Diabolik e sul suo
primo incontro con Eva Kant – il film si prende il rischio di
abbandonare parzialmente le dinamiche del colpo perfetto per
puntare l’attenzione sull’uomo dietro la maschera. I Manetti Bros.
scelgono così di raccontare un Diabolik più vulnerabile e umano,
costretto a confrontarsi con i fantasmi del proprio passato e con
la possibilità che la sua leggenda sia costruita su fondamenta più
fragili di quanto lui stesso voglia ammettere.
Nel corso dell’articolo
approfondiremo la spiegazione del finale, che offre una rivelazione
tanto attesa quanto spiazzante per gli spettatori e i lettori di
lungo corso. Diabolik – Chi sei? chiude non solo
una trilogia, ma anche un ciclo narrativo che interroga il mito
stesso del personaggio: chi è davvero Diabolik, al di là del
travestimento, del furto e della fuga? Quali sono le radici della
sua ossessione per il controllo e della sua solitudine? Il finale
fornisce risposte importanti, pur lasciando spazio a nuove
domande.
Valerio Mastandrea e Giacomo Gianniotti in Diabolik – Chi
sei
La trama di Diabolik – Chi
sei?
Nel terzo film
Diabolik (Giacomo Gianniotti) e
la sua complice, nonché amante, Eva Kant (Miriam
Leone) sono pronti a mettere in atto un nuovo ingegnoso piano,
frutto di settimane di calcoli precisi e rischi estremi, mentre
l’ispettore Ginko (Valerio
Mastandrea) cerca ancora una volta di impedire alla
coppia di portare a termine la loro missione e riuscire finalmente
ad arrestarli. Questa volta il ladro e l’ispettore verranno però
entrambi catturati da una banda di criminali, decisa a eliminarli
senza lasciare traccia, ritrovandosi faccia a faccia intrappolati
nella stessa cella.
Non avendo alcuna via d’uscita e
sicuri di essere destinati alla morte, i due uomini avranno un
confronto intenso e inatteso, durante il quale Diabolik rivelerà a
Ginko il suo passato oscuro e doloroso, svelando segreti mai
raccontati. Nel frattempo sia Eva Kant che Altea
(Monica
Bellucci) sono alla ricerca dei loro uomini. Le due
donne uniranno le forze per salvare i loro amati, affrontando
pericoli e nemici con determinazione e intelligenza?
La spiegazione del finale del film
Nelle ultime scene di
Diabolik – Chi sei?, il mistero che ha
accompagnato l’intero film giunge finalmente a una rivelazione
sconvolgente: Diabolik rivela le sue vere origini. Si scopre che il
bambino che sarebbe poi diventato Diabolik era stato rapito e
allevato sull’isola di King, sede di un’organizzazione criminale
internazionale, dove veniva addestrato alla sopravvivenza e al
crimine fin da piccolo. A circa vent’anni aveva cominciato a
studiare un composto chimico per realizzare maschere sottili grazie
alle quali assumere l’identità di qualunque persona.
Aveva così attirato l’attenzione
dello stesso King, che pur di impadronirsi della formula segreta
gli aveva promesso di renderlo il suo braccio destro, mostrandogli
tutte le sue ricchezze tra le quali una pantera nera imbalsamata,
chiamata Diabolik, che aveva terrorizzato l’isola con la sua
spietatezza, e che solo King era stato in grado di uccidere. In
realtà il piano di King era di eliminare il giovane dopo avergli
sottratto la formula: venuto a saperlo per caso, questi aveva
ucciso King e ne aveva assunto l’identità utilizzando la prima
maschera perfettamente realizzata.
Miriam Leone e Monica Bellucci in Diabolik – Chi sei
Si è poi impadronito di tutte le sue
ricchezze ed è scappato dall’isola. Poiché aveva ucciso King con la
stessa freddezza e crudeltà della pantera, aveva assunto il nome di
Diabolik. Questa rivelazione dona una nuova profondità al
personaggio, spostando il focus dalla figura del ladro infallibile
a quella dell’uomo che porta con sé il trauma di un passato rubato.
Il titolo stesso, Chi sei?, diventa una domanda
esistenziale che accompagna Diabolik lungo tutto il film: non è
solo un interrogativo rivolto da Ginko o da Eva, ma è la domanda
che lui stesso non ha mai osato affrontare.
Mentre Diabolik racconta tutto ciò,
nel finale Altea ed Eva assaltano la villa dove sono tenuti
prigionieri i due e neutralizzano l’intera banda. Poi, però, Eva
narcotizza la duchessa e l’ispettore per fuggire indisturbata con
Diabolik dopo aver svaligiato la cassaforte della villa. In segno
di ringraziamento, però, restituisce ad Altea la collana del
Grifone Nero che le aveva rubato. In seguito, al funerale del fido
sergente Palmer, l’ispettore Ginko bacia pubblicamente Altea,
rendendo finalmente nota la loro relazione. Nel frattempo, il
Diamante Rosa viene recuperato e messo all’asta, ma Diabolik ed Eva
decidono di rubarlo.
Nel contesto della trilogia dei
Manetti Bros., questo finale rappresenta un punto di rottura
rispetto ai capitoli precedenti. Se i primi due film giocavano con
la struttura classica del noir e con l’enigma del ladro
inafferrabile, Diabolik – Chi sei? rompe il
meccanismo e mette a nudo l’uomo dietro la maschera. Laddove prima
si privilegiava l’azione e il colpo perfetto, qui il centro diventa
il passato, la memoria, il desiderio di comprendere se stessi. La
maschera, simbolo iconico di Diabolik, viene metaforicamente tolta,
rivelando un volto che è insieme vulnerabile e autentico.
Il rapporto con Eva Kant, centrale
anche in questo terzo film, viene messo alla prova da questa
scoperta. Eva, che ha sempre amato Diabolik per quello che è, si
trova ora davanti a un uomo spezzato, che deve fare i conti con chi
è davvero. Eppure, proprio in questo momento di fragilità, il loro
legame si rafforza: lei resta al suo fianco, consapevole che solo
attraverso la verità si può costruire una nuova forma di libertà.
Il finale mostra così i due pronti a ricominciare, non più come
icone del crimine perfetto, ma come individui consapevoli e
solidali.
In definitiva, il finale di
Diabolik – Chi sei? non chiude solo un’indagine
sul passato del protagonista, ma suggella una trilogia che ha
saputo evolversi da esercizio di stile a ritratto psicologico. Con
questa conclusione, i Manetti Bros. restituiscono al personaggio
un’umanità inedita e toccante, chiudendo con coerenza e profondità
una delle trasposizioni più fedeli e coraggiose del fumetto
italiano.
Nel film del 2013 Pacific
Rim, diretto dal premio Oscar Guillermo
Del Toro, prende vita la battaglia per la supremazia tra
la razza umana e gli spaventosi Kaijū. Questi sono colossali
creature, appartenenti alla cultura giapponese, qui intente a
devastare ogni cosa si trovi lungo il loro cammino, con l’obiettivo
di reclamare il dominio del pianeta. A distanza di cinque anni, nel
2018, è infine arrivato al cinema anche il sequel
Pacific Rim – La rivolta (qui la recensione), diretto ora
da Steven S.
DeKnight e da Del Toro solo prodotto. Questo riprende
le vicende del primo film, introducendo nuovi personaggi, nuovi
scontri e, soprattutto, nuovi kaijū.
Questo sequel presenta ovviamente
alcune modifiche fondamentali rispetto all’originale. Non solo un
cambio in cabina di regia, ma anche il precedente protagonista,
Charlie Hunnam, è stato qui sostituito da
John Boyega di Star
Wars, che interpreta Jake Pentecost, figlio di Stacker,
interpretato da Idris Elba nell’originale. Il film è quindi
ambientato 10 anni dopo gli eventi del precedente film, dove
l’umanità ha goduto di un periodo felice senza attacchi di mostri
giganti. Trattandosi di un sequel, quella pace ovviamente non può
durare, e presto Jake e la sua squadra devono affrontare nuove
minacce.
Ancor più grave, però, i
protagonisti si renderanno conto che qualcuno dalla loro parte
potrebbe voler favorire i mostri nel passaggio dalla loro realtà
alla terra, anche se ciò significherebbe l’estinzione della specie
umana. Pacific Rim – La rivolta si conclude poi
con una grande battaglia tra Kaiju e Jaeger in Giappone, ma lascia
intendere che la vera guerra per il futuro dell’umanità deve ancora
arrivare. Dopo aver
esplorato i vari colpi di scena del finale del precedente film,
in questo approfondimento analizziamo il finale dell’epico sequel
sui mostri ed esploriamo cosa potrebbe riservare il futuro al
franchise.
Pacific Rim ha
rivelato che i Kaiju sono stati in realtà creati da una razza di
esseri alieni chiamati Precursori. Queste creature
hanno aperto una Breccia sul fondo dell’Oceano Pacifico dal loro
mondo natale, l’Anteverso, e hanno inviato mostri sempre più grandi
con l’intento di spazzare via l’umanità e colonizzare la Terra.
Stavano andando piuttosto bene, finché Raleigh Becket, interpretato
da Charlie Hunnam, non ha sganciato una bomba
nucleare sul loro universo durante il finale, uccidendo i
Precursori presenti e sigillando la Breccia.
Si credeva che i Precursori
avrebbero continuato a inviare mostri giganti per indebolire
l’umanità al punto da poterla semplicemente conquistare, ma
Pacific Rim – La rivolta rivela che c’era un
metodo nella loro follia. Si scopre che le creature erano in realtà
dirette al Monte Fuji in Giappone, perché una volta che il sangue
iper-volatile di un Kaiju si fosse mescolato con un vulcano attivo,
avrebbe innescato un evento di estinzione che avrebbe spazzato via
ogni creatura vivente sulla Terra e avrebbe anche terraformato
l’atmosfera per i Precursori (un colpo di scena che crea una strana
incongruenza nella trama).
Come l’umanità sconfigge i
Precursori (e la loro talpa umana)
Nel film precedente, lo scienziato
Newt Geiszler (Charlie Day)
“entra in contatto” (ovvero forma una connessione psichica) con il
cervello di un Kaiju per comprenderne lo scopo e scopre il
complotto dei Precursori. Nel decennio tra i due film, Newt è
diventato il capo di un programma che sostituirà i piloti Jaeger
con droni telecomandati, insieme alla scienziata Liwan
Shao (Jing Tian). Questi droni combinano
la tecnologia Jaeger con cellule Kaiju clonate, ma a metà della
storia, questi droni ibridi lanciano un attacco alla base
principale dei Jaeger e aprono delle brecce in tutto il mondo che
consentono a tre enormi Kaiju di attraversare l’Anteverso. La
storia rivela poi che c’è Newt dietro a tutto, poiché le sue
esperienze di deriva nel film originale lo hanno reso vulnerabile
all’influenza psichica dei Precursori.
Questi lo hanno quindi usato per
elaborare un piano per porre fine al mondo una volta per tutte.
Alla fine, Jake guida la sua squadra di piloti alle prime armi in
Giappone, dove tutti e quattro i Jaeger ingaggiano un combattimento
distruttivo contro i Kaiju. Osservando il caos da un tetto, Newt
scatena uno sciame di robot che fondono i mostri feriti in un unico
Kaiju gigante, praticamente immortale. Tutti i Jaeger vengono
quindi sconfitti in combattimento tranne il Gypsy Avenger di Jake,
e la squadra escogita un piano folle per saldare un razzo gigante
al Gypsy e lanciarlo proprio sul Kaiju mentre sale sul Monte Fuji.
Jake e la sua giovane copilota Amara ce la fanno appena in tempo,
uccidendo il mostro con un pugno ad alta velocità. Nate
Lambert, interpretato da Scott Eastwood, non volendo essere da meno,
abbatte Newt.
La scena finale anticipa
un Pacific Rim 3
La scena finale di Pacific
Rim – La rivolta sembra essere stata pensata come un vero
e proprio cliffhanger post-credits, ma i realizzatori del film
hanno deciso che era un po’ troppo debole come tale e l’hanno
quindi inserita alla fine del film. In questa scena Jake affronta
Newt, che è stato catturato ed è ancora posseduto, il quale insiste
che i Precursori continueranno a provarci e alla fine
distruggeranno l’umanità. Jake allora insiste che invece di
aspettare un altro attacco, l’umanità porterà la lotta ai
Precursori. È un finale che ricorda in modo inquietante Independence Day – Rigenerazione, che prometteva
anch’esso di portare la lotta agli alieni in un terzo film che
probabilmente non vedrà mai la luce.
Questo teaser a Pacific Rim
3 promette quindi almeno un nuovo ambiente in cui i mostri
giganti e i robot potranno scatenarsi. Stando ad alcune
indiscrezioni, questo terzo capitolo avrebbe dovuto anche collegare
la serie di Pacific Rim al MonsterVerse, composto
dai film dedicati a Godzilla, il più celebre tra i kaiju.
Lo scarso successo economico del sequel ha però sospeso i progetti
a riguardo, portando soltanto nel 2021 a far rilasciare su
Netflix una serie
animata intitolata Pacific Rim – La zona oscura,
che espande la storia dei primi due film. Questa, composta ad oggi
da 7 episodi, è una co-produzione tra Stati Uniti e Giappone, molto
fedele allo spirito originale dei kaiju. Ad oggi, non ci sono piani
per un sequel diretto.
Il regista premio Palma d’Oro Nanni Moretti
torna dietro la macchina da presa con un nuovo film dal
titolo Succederà questa notte, un dramma romantico
che vedrà nel cast internazionale gli attori Louis Garrel e Jasmine Trinca.Le
riprese, attese tra Italia e Spagna entro la fine dell’anno,
racconteranno un’unica storia ispirata a Hungry Heart di Eshkol Nevo,
da cui Moretti ha adattato una serie di racconti in un unico
soggetto.
La presenza di Garrel – noto per The Dreamers e il recente Le Deuxième Acte – rappresenta una novità nel
cinema di Moretti: per anni il regista ha cercato un progetto
adatto al talento dell’attore francese e questa occasione potrebbe
siglare il loro primo lavoro insieme.
Jasmine Trinca torna invece a recitare con Nanni Moretti dopo
Il caimano
(2006).
Accanto a questi due protagonisti, nel cast figurano
Angela Finocchiaro,
Antonio De Matteo, Elena Lietti,
Hippolyte Girardot,
Andrea Lattanzi, Paolo Sassanelli
e Pietro Ragusa, mentre lo stesso Moretti dovrebbe
comparire in un cameo.
La scrittura della sceneggiatura è curata dallo stesso regista
insieme a Valia Santella e
Federica Pontremoli, che hanno fuso le storie di
Nevo in un unico filo narrativo.Succederà questa
notte si preannuncia come un’ulteriore evoluzione nel
percorso artistico di Nanni Moretti, che dopo il riuscito Il sol dell’avvenire
(2023) sembra ora puntare su un racconto dalle melodie romantiche,
con dialoghi intimi e atmosfere europee. La produzione, come già
detto, partirà nei prossimi mesi, per un possibile debutto in sala
nella primavera del 2026.
“Dopo una ricerca lunga e
incredibilmente estenuante, abbiamo finalmente trovato il nostro
Clayface della DCU in @tomrhysharries. Sia Matt Reeves che io
siamo rimasti davvero colpiti da questo ragazzo e non vediamo l’ora
che voi possiate vedere questo film, diretto da James Watkins e
scritto da Mike Flanagan“, sono le parole del regista. Uno
degli aspetti più interessanti della scelta di Harries è stata la
decisione della DC Studios di puntare su un volto nuovo per il
ruolo principale di Clayface, dimostrando ancora
una volta il proprio impegno nel cercare star meno conosciute per
il nuovo franchise DCU.
Avendo finalmente trovato il
protagonista, ora potrà iniziare il casting dei personaggi
secondari che appariranno nel film. Tuttavia, per il momento non è
ancora chiaro quali altri personaggi, in particolare quelli del
canone DC, faranno parte di Clayface. Come Gunn ha
chiarito in precedenza, nessun progetto della DC Studios andrà
avanti senza una sceneggiatura completa. Il fatto che Harries sia
stato scritturato significa che la DC Studios è soddisfatta della
sceneggiatura, che, secondo Deadline, è stata sottoposta a
“ulteriori revisioni” da parte di Hossein
Amini.
Ciò renderà anche più facile il
casting degli altri personaggi di Clayface, dato che le riprese
sono previste per l’autunno. Il film, come noto, è diretto da
James Watkins, regista di Speak No Evil,
e sarà il prossimo grande progetto della DC Studios di Gunn e
Peter Safran dopo Supergirl: Woman of
Tomorrow, in uscita l’estate prossima, previsto per l’11
settembre 2026.
In seguito alla recente notizia che
la star di The
Batman, Robert Pattinson, interpreterà il malvagio
Skytale nell’adattamento di Denis Villeneuve di
Dune:
Messiah, abbiamo un’interessante anticipazione sul
casting da Nexus Point News.
Secondo il sito, Nakoa-Wolf
Momoa e Ida Brooke interpreteranno i
figli gemelli di Paul Atreides (Timothée
Chalamet) e Chani (Zendaya),
Leto II e Ghanima.
Questi personaggi vengono introdotti
solo verso la fine del secondo romanzo di Frank
Herbert, quando Chani muore durante il parto. Interpretano
ruoli molto più importanti nei libri successivi, tanto che Leto II
che alla fine si trasforma nell’ibrido umano/verme delle sabbie (è
complicato) Dio Imperatore di Arrakis.
Resta da vedere quanto di tutto
questo verrà trattato nell’adattamento di Messiah, ma data l’età
degli attori che interpretano i gemelli, sembra chiaro che
Villeneuve intenda incorporare almeno alcuni elementi di
Children of Dune.
Momoa è il figlio della star di
Aquaman Jason Momoa, che tornerà nei panni di
Duncan Idaho. Nakoa-Wolf farà il suo debutto come attore nel terzo
capitolo, mentre Brooke è nota soprattutto per i suoi ruoli in
Silo e The Primrose Railway
Children. Per il momento dovremo considerarlo un rumor, ma
la fonte di solito è precisa, quindi ci aspettiamo una conferma
commerciale entro i prossimi giorni.
Cosa sappiamo su Dune:
Messiah
Il sequel proposto di Dune: Parte Due, un progetto cinematografico
del 2020 del regista Denis Villeneuve basato sul
secondo romanzo Dune Messiah del 1969, proposto per il
2026.
In merito alla storia Villeneuve si
è detto interessato a realizzare un terzo film basato su Dune
Messiah, il secondo romanzo della serie, osservando che la
possibilità di realizzare il film dipendeva dal successo di
Dune:Parte Due. Spaihts ha dichiarato nel marzo
2022 che Villeneuve aveva in programma un terzo film e la serie
televisiva spin-off Dune:Prophecy. Nell’agosto 2023, Villeneuve ha dichiarato che
il terzo film sarebbe servito come conclusione di una trilogia.
Nel febbraio 2024, Villeneuve ha
dichiarato che la sceneggiatura era “quasi finita”, ma non voleva
affrettare i tempi, citando la tendenza di Hollywood a concentrarsi
sulle date di uscita piuttosto che sulla qualità complessiva di un
film; “voglio essere sicuro che se torneremo lì una terza volta,
voglio che sia buono e voglio che sia ancora meglio della
seconda parte”. [Villeneuve anche preso in considerazione
l’idea di aspettare qualche anno per far invecchiare Chalamet, dato
che Dune Messiah è ambientato 12 anni dopo gli eventi del
libro originale.
“Becoming
Madonna” è il documentario Sky Exclusive in onda il 18 giugno su
Sky Documentaries e in streaming solo su NOW. Arrivata a
New York con 35 dollari, Madonna Louise Veronica Ciccone cambia la
sua vita. Attraverso interviste esclusive, registrazioni inedite e
filmati d’archivio rari e mai visti prima, questo coinvolgente
documentario d’archivio racconta l’avvincente storia di come
Madonna sia diventata la donna più potente del pop.
Dalla devastante
perdita della madre, ferventemente cattolica, a causa di un cancro
quando Madonna aveva solo cinque anni, al suo arrivo a New York nel
1978 a diciannove anni come ballerina squattrinata del Michigan, Madonna sapeva
di essere destinata alla grandezza, ma non sapeva esattamente
come.
Ambientato sullo
sfondo dell’America di Reagan e della misoginia dell’industria
musicale degli anni ’80, il film, diretto da Michael
Ogden, ripercorre la sorprendente trasformazione di
Madonna da adolescente del Midwest a paladina per le giovani donne
e per le comunità gay. Con le sue canzoni e i suoi video da sfondo,
come Like a Prayer o Material Girl, rivela come la perdita di amici
intimi a causa della pandemia di AIDS abbia rafforzato il suo
messaggio di libertà creativa, a qualunque costo.
Questa è la
storia degli eventi che hanno plasmato Madonna e di come lei, a sua
volta, ha plasmato il mondo.
Nuestros tiempos – Il
futuro è ora non racconta cosa fa Héctor una volta
tornato nel 1966. Supponendo che sia riuscito a trovare un modo per
spiegare la scomparsa della moglie, avrebbe potuto tornare al suo
lavoro all’università. Tuttavia, se Nora fosse stata davvero il
genio dell’operazione, la sua ricerca avrebbe potuto risentirne
senza di lei. Inoltre, avrebbe saputo che la sorella di Nora,
Rebeca (Claudia Lobo), sarebbe morta e avrebbe dovuto prendere la
straziante decisione di non tentare di impedirlo. Infine, Héctor
stesso afferma che Nora è la sua unica famiglia, quindi si sarebbe
trovato molto solo.
Per tre decenni, Nora si
è dedicata al lavoro scientifico, aiutata dalle condizioni
relativamente migliori per le donne nel settore STEM. Julia (Ofelia
Medina/Carolina Villamil) era un tempo un’allieva ammirata di Nora
e ora usa la sua posizione di preside per promuoverla. Il pubblico
medio non conoscerà molto di fisica avanzata, ma a quanto pare Nora
è un talento unico nel suo campo. Probabilmente ha compiuto
scoperte scientifiche che non sarebbero mai state possibili in
un’epoca in cui il sistema le remava apertamente contro.
Probabilmente Nora ha anche fatto da mentore ad Alondra nei suoi
studi e nelle sue ricerche.
