Presentato in prima assoluta il 26 ottobre al MAXXI durante la diciannovesima edizione della Festa del cinema di Roma, Persone presenta il delicato tema della salute mentale, e dei trattamenti riservati ai malati. Il docufilm, diretto dal regista Carlo Augusto Bachschmidt, presenta il “Progetto Giuseppina”, insieme di attività di graduale reinserimento sociale che ha reso possibile la chiusura del manicomio di Santa Maria della Pietà a Roma. Persone è stato realizzato in collaborazione con l’Archivio Audiovisivo del Movimento Operaio e Democratico (AAMOD) e con Roma Capitale – Assessorato alla cultura – dipartimento attività culturali.

Persone: la “spersonalizzazione” dei malati

I pazienti dentro manicomi come il Santa Maria della Pietà cessavano di essere individui nel momento in cui varcavano la soglia dei cancelli. Ogni avere, che si tratti di oggetti pericolosi o semplici indumenti, gli veniva tolto: questi smettevano di essere persone e divenivano solo malati. Queste procedure venivano messe in atto per teoricamente indirizzare i soggetti verso una quotidianità diversa, inquadrata in delle precise regole istituzionali da seguire.

Ciò che sorprende da subito lo spettatore sono le testimonianze dell’ultimo direttore del manicomio di Roma. Durante un semplice giro tra i padiglioni del centro, nei primi giorni al Santa Maria della Pietà, l’uomo si ritrova di fronte a una pazienta, seminuda, legata a un termosifone: non si sta parlando però di ricordi risalenti agli anni 50 o 60 del secolo scorso, ma agli anni 90. E’ certamente incredibile pensare che circa trent’anni fa in un paese avanzato e democratico come l’Italia, con un fitto apparato normativo interno a tutela dei diritti umani e facente parte di numerose convenzioni internazionali come la stessa CEDU, fosse ancora possibile trattare dei pazienti in tal modo.  Quello è stato un momento di svolta anche per lo stesso direttore del manicomio: è così che ha inizio il Progetto Giuseppina.

La legge Basaglia e  il progetto Giuseppina

La chiusura del manicomio Santa Maria della Pietà avviene in applicazione della legge n.180/78, meglio nota come legge Basaglia, la quale prende il nome dallo psichiatra promotore della riforma. Il progetto Giuseppina si pone come obiettivo il graduale reinserimento dei pazienti in un contesto sociale. In Persone alcune infermiere che lavorarono nel progetto hanno raccontato le loro esperienze, i loro ricordi dei pazienti: i disegni di Anna, la parlata in calabrese stretto e veloce di Giuseppina.

I laboratori creativi, il totale cambiamento di abitudini e dell’atmosfera stessa all’interno del manicomio porta a dei cambiamenti radicali nei pazienti. Questi iniziano ad aprirsi, a vivere più  felici e più psicologicamente in pace con loro stessi. Fino a quel momento queste persone erano stati solamente malati, ora avevano la possibilità di potersi esprimere e di essere più della sola malattia.

La psicologia fenomenologica contro la violenza istituzionale

La teoria che sta alla base della legge Basaglia è la psicologia fenomenologica: questa corrente, con forti legami con la filosofia di Heidegger, punta a un analisi più diretta dei comportamenti e delle emozioni del paziente. Questa nuova visione ha certamente un modo di approcciarsi al soggetto e degli scopi opposti rispetto ai principi su cui si erano fondati i vecchi manicomi.

In Persone emerge come il manicomio fosse visto inizialmente come un luogo in cui il malato doveva essere raddrizzato, riformato in virtù delle dure leggi. Nel momento in cui il malato reagiva in modo violento e cercava di opporsi a ciò che gli veniva imposto, la risposta era altra violenza. Con la legge Basaglia, il paziente deve essere trattato con la stessa dignità che deve essere garantita a ogni altro essere umano. Ciò comporta anche la creazione di un legame personale tra i pazienti e gli infermieri: diventa così quasi commuovente vedere i collaboratori del Santa Maria della Pietà ricordare a distanza di anni i propri pazienti, tutti i momenti di felicità che gli sono stati regalati, avendoli accompagnati in alcuni casi fino alla morte.

Persone: l’IA per la cura dei malati

Un inquietante futuro sembra presentarsi dietro all’accattivante sorriso del presentatore. Quest’ultimo, interpretato da Gianluca Bottoni, presenta le prospettive future di cure avveniristiche per malati psichiatrici, usando lo strumento dell’Intelligenza Artificiale. Le scene che vedono il presentatore come protagonista trasmettono allo spettatore un certo senso di inquietudine. Nonostante le tecnologie avanzate, anche qui il soggetto viene visto solo come malato e non come un  individuo, il paziente sembra essere un problema che può essere risolto.

Persone riesce in poco più di un’ora a presentare la realtà dei vecchi manicomi, facendo comprendere allo spettatore quanto questi fatti non siano così tanto lontani dalla società di adesso come si potrebbe pensare. Persone racconta la storia degli individui dietro la malattia, dando gli strumenti allo spettatore di vedere oltre.

C’è un forte contrasto in Architecton. Il nuovo documentario di Victor Kossakovsky, presentato alla 19esima edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Best Of 2024, tesse la fila del suo racconto partendo ancora una volta dal pianeta. In Vivan Las Antipodas! ci ha portato a esplorare luoghi della Terra agli antipodi, in Aquarela ci ha mostrato la bellezza e la potenza dell’acqua, e ora, con Architecton, ci fa immergere nell’architettura del mondo, contrapponendo le meraviglie naturali del passato alle creazioni moderne, dove l’uomo ha abusato talmente tanto della natura fino a generare dei danni. Chi ci ha dato il diritto di dominare la natura in questo modo? Chi siamo noi per sopraffarla? È davvero questo il volere di Dio? Domande esistenziali che Kossakovsky si pone mentre avvia un discorso che, nel suo incedere, si perde nella grandiosità delle immagini che compongono l’opera.

Architecton: che fine farà il nostro pianeta?

In Architecton, le parole sono rare. I pochi e brevi dialoghi sono affidati a Michele De Lucchi, architetto italiano scelto da Kossakovsky per rappresentare simbolicamente l’intera categoria. Lo vediamo apparire fugacemente, costituendo un intermezzo continuo in una una serie di immagini potenti, avvolte da musiche dall’atmosfera apocalittica. De Lucchi ha assunto due operai per creare nel suo giardino un “cerchio della vita” fatto di pietre, il materiale più antico del mondo. Nessuno, tranne il suo cane, potrà mai entrare in quell’area. L’obiettivo? Delimitare uno spazio in cui l’uomo non ci sarà l’invasione dell’uomo, lasciando la natura come unica protagonista.

Tornare alla bellezza dei materiali naturali

Affidandosi al travelling aereo e al dolly, il regista comincia il suo racconto visivo con una serie di scene visivamente evocative. Filma prima l’architetto che posa le sue mani su un megalite nella cava di Baalbek, in Libano, per poi mostrarci i palazzi devastati dai bombardamenti in Ucraina, e concludere con le rovine lasciate dal terremoto che colpì la Turchia nel 2023. Il contrasto visivo si intensifica man mano che il film avanza: rocce, pietre grezze e sabbia, che scivolano e ruotano su se stesse in una danza ipnotica, rappresentano il passato e l’architettura ancestrale, fatta di materiali naturali. A fare da contraltare gru, cemento armato e calcestruzzo dominano le creazioni moderne, simbolo di una sofisticazione che sembra scollegata dalla natura. Un discorso che sembra più un filosofeggiare sulla nostra esistenza, ma privo di parole, che ritroviamo davvero solo alla fine, in uno scambio di battute più verboso fra lo stesso regista e l’architetto.

Architecton manca di fluidità e in molti punti diventa impegnativo da seguire con piena attenzione, ma le immagini magnetiche attraverso cui ci mostra la materia che ci circonda – quella a cui dovremmo tornare per evitare il collasso del pianeta – stregano all’istante. Al centro c’è una questione cruciale, che solo per la sua importanza merita la visione del documentario: l’impatto dei materiali moderni sull’ambiente. La sostenibilità è la chiave per invertire il disastro climatico e ambientale che si avvicina sempre più. Il pianeta soffre, ci ricorda Architecton, e ha bisogno di noi per guarire. Non dimentichiamolo, soffocati dalla nostra superficialità e indifferenza, ma facciamo il possibile per lasciare alle generazioni future un mondo migliore in cui vivere.

Presentato ad Alice nella città 2024, sezione autonoma della Festa del Cinema di Roma, L’origine del mondo è l’opera prima di Rossella Inglese, già regista dei cortometraggi Denise ed Eva, intriganti analisi di figure femminili sfaccettate. In questo senso, la sua prima incursione nel lungometraggio sembra un coerente prolungamento delle sue passate riflessioni cinematografiche, un dramma esistenziale intenso e audace, con una convincente Giorgia Faraoni – già protagonista di Eva – a guidare la narrazione.

Una relazione inaspettata

La trama segue Eva, una diciannovenne italiana, e Bruno, un uomo francese di 45 anni, le cui vite si intrecciano tragicamente quando Eva causa un incidente che porta alla morte della moglie di Bruno. In preda al senso di colpa, Eva si avvicina a Bruno sotto falsa identità, dando inizio a un viaggio emotivo che porterà entrambi a confrontarsi con i propri fantasmi. Quando la verità emerge, quello che sembrava un vicolo cieco diventa l’inizio di una rinascita, mostrando loro che il perdono può essere più forte del dolore, dell’odio e persino della morte.

L’origine del mondo esplora le complesse dinamiche di una relazione moralmente ambivalente, mettendo in luce come il sentimento amoroso possa sia distruggere che rigenerare. Inglese, che già aveva lavorato nei precedenti corti sul corpo e sull’identità, dà qui vita a una riflessione sull’importanza delle connessioni umane, attraverso un linguaggio evocativo che valorizza la fisicità e celebra la complessità e la forza del mondo femminile.

Lo studio del femminile di Rossella Inglese

In questo percorso di riscoperta del sè, che unisce due anime affrante che, in qualche modo, cercano di trovare un appiglio per sopravvivere in un ambiente a cui non appartengono più, non c’è bisogno di comunicazione verbale. Ogni interazione tra Eva e Bruno passa, in primo luogo, dalla fisicità, dalla ricerca di un contatto che, in modi diversi, serve ai nostri protagonisti per distaccarsi momentaneamente dall’aridità del luogo che abitano e dai fantasmi nella loro testa, ma non solo.

Inglese mantiene il focus sul corpo della sua protagonista femminile, continuando un’indagine iniziata nei suoi corti, ma questa volta introduce anche una spalla maschile, Bruno, interpretato da Fabrizio Rongione. La sua presenza aggiunge una dimensione ulteriore alla storia, portando in scena una figura complessa e tormentata che, con il suo dolore trattenuto e sottile, si integra perfettamente nell’universo della regista.

Giorgia Faraoni veste i panni di Eva, personaggio di grande intensità che sembra portare su di sé tutta la tensione di una vita sull’orlo di un cambiamento inesorabile. La regista esplora i suoi protagonisti in profondità, permettendo al silenzio, agli spazi vuoti e ai dettagli dell’ambiente circostante di prendere vita e raccontare ciò che le parole non riescono a esprimere. Attraverso il buio della notte e i luoghi trascurati e ruvidi delle periferie, il film crea un contrasto visivo tra spazi urbani scrostati e lussureggianti ambienti naturali, lasciando che siano le immagini a trasmettere l’emozione, mentre i dialoghi si fanno volutamente essenziali.

L’origine del mondo sceglie di raccontare il tempo di Eva

L’ambientazione stessa, con la sua atmosfera cupa e suggestiva, diventa parte integrante della narrazione, abitata da una varietà di personaggi di sfondo che accennano a storie passate, come fantasmi che riemergono dai ricordi. In questo contesto si evolve l’incontro tra Eva e Bruno, un rapporto che si costruisce attraverso sguardi e gesti lenti, dove entrambi si scoprono vulnerabili e si confrontano con le proprie cicatrici, un percorso che li porta a sfiorare un’unità temporanea, fragile ma significativa. Rossella Inglese preferisce estendere il tempo del racconto, del presente che vivono i nostri personaggi, per permettergli di aprirsi e raccontarsi; un approccio più che comprensibile dal punto di vista narrativo che, tuttavia, potrebbe frustrare alcuni spettatori, soprattutto nella parte centrale dell’opera.

Al di là del suo approccio intimista e contemplativo, L’origine del mondo si distingue anche per la scelta coraggiosa di trattare tematiche delicate e quantomai attuali come il revenge porn, senza mai cedere alla retorica o alla denuncia esplicita, piuttosto riflettendo sul tutto con grande tatto. Ciascuna interazione che Eva ha con l’esterno, sia questo inteso come paesaggi o persone in carne ed ossa, serve per farci entrare ancora di più in contatto con la sua sensibilità, a farci comprendere da chi e da cosa sia stata urtata, e di cosa avrebbe semplicemente bisogno la nostra protagonista per rialzarsi. Sospeso tra una profonda indagine introspettiva e una riflessione sul punto di vista femminile anche all’interno del panorama cinematografico italiano, il primo lungometraggio di Rossella Inglese indaga le conseguenze di incontri casuali tra due anime inquiete, portando sullo schermo un’analisi sottile e poetica della vulnerabilità umana.

A Claudio Giovannesi appartengono alcuni dei più riusciti ritratti giovanili del recente cinema italiano. Con Fiore e La paranza dei bambini si è infatti imposto all’attenzione come abile narratore di coming of age. Il suo nuovo film, Hey Joe – presentato alla Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public – propone stavolta un punto di vista adulto, che è però sempre rivolto verso le generazioni più giovani, dei figli e dei nipoti, e che si scontra con la consapevolezza di quello che potrebbe essere il loro futuro. Scritto insieme a Maurizzio Braucci e Massimo Gaudioso, il film è inoltre – come affermato dal regista – ispirato ad una vera leggenda.

Quella di un veterano americano torna a Napoli all’inizio degli anni ’70 per riprendersi il figlio avuto da una ragazza durante gli anni della guerra, scoprendo però che fa il contrabbandiere per il padre acquisito, boss della malavita. Un racconto che dunque si basa sulla nostalgia, sulla solitudine, ma anche sugli esiti che la guerra ha sull’anima oltre che sui luoghi. Il coming of age si svolge dunque stavolta al contrario, con un adulto affaticato che tenta di ritrovare la propria giovinezza e fornire gli strumenti a chi ancora la possiede ed è ancora in cerca del proprio posto nel mondo.

La trama di Hey Joe

New Jersey, Stati Uniti, 1971. Dean Barry  (James Franco), un veterano americano che ha avuto una relazione con una ragazza napoletana durante la seconda guerra mondiale, riceve una lettera partita tredici anni prima. in cui è scritto che la donna è morta ma che suo figlio è desideroso di conoscerlo. Dean decide allora di tornare in Italia, a Napoli, per conoscere suo figlio Enzo (Francesco Di Napoli). Vorrebbe recuperare venticinque anni di assenza, ma il ragazzo è ormai è un uomo, cresciuto nella malavita, ed adottato da un boss del contrabbando, don Vittorio (Aniello Arena). Non ha nessun interesse per il padre americano, ma Dean non si arrenderà facilmente.

Napoli ferita ma sempre viva

“Quando gli Angloamericani sono arrivati a Napoli nel 1943, – racconta Giovannesi – gli italiani erano un popolo vinto e Napoli una città distrutta dalle bombe. Non c’era cibo, così Napoli si è trasformata in un gigantesco bordello. C’era il problema della sifilide, di conseguenza molti soldati, per non frequentare le prostitute, sceglievano ragazze povere: la relazione tra i militari angloamericani e le donne italiane si basava sulla fame e i sentimenti nascevano dal bisogno“. È questo il contesto su cui si apre Hey Joe, già raccontato innumerevoli volte al cinema ma qui rievocato per una storia che fa della nostalgia e della ricerca di una casa le proprie fondamenta.

Sono questi i motivi che spingono il protagonista Dean ad intraprendere il suo viaggio nel passato, consapevole di non avere più nulla nel presente che lo trattenga lì dov’è. Ritorna allora nel passato, alla riscoperta di luoghi e volti che ha conosciuto e che non sono cambiati poi molti nonostante i quasi trent’anni trascorsi dalla sua ultima visita. Similmente a quanto avviene in Nostalgia, il film di Mario Martone con Pierfrancesco Favino, anche in questo caso il nostro protagonista si aggira tra i vicoli di Napoli, più precisamente nei Quartieri Spagnoli, per ritrovare quel tempo perduto che porta il nome di Enzo, il figlio avuto e mai conosciuto.

Giovannesi ci porta così ad attraversare ambienti profondamente feriti ma pullulanti di vita. Dal nightclub dove Dean conosce Bambi (Giulia Ercolini) fino al bar dove Enzo svolge le proprie losche attività, la Napoli ritratta dal regista trasmette continuamente una sensazione di ruvidezza – merito della fotografia granulosa di Daniele Ciprì – che ben restituisce il sapore di quegli anni e le difficoltà incontrate da chi cercava di uscirne vivo, facendo di necessità virtù. Prostitute, malavitosi, anziane nciucesse e ancora padri, madri e figli, personaggi dotati di voce in un film che accoglie la coralità della città partenopea per restituircela in tutto il suo chiasso e calore, riempiendocene gli occhi.

Un malinconico James Franco alla ricerca dell’umanità

In questo animato, colorato ma anche violento contesto, si muove dunque il Dean di James Franco, attore che torna ad un ruolo da protagonista dopo qualche anno trascorso nell’ombra. Massiccio e appesantito dall’età, questo personaggio si trova a doversi ambientare in un contesto che non gli è proprio, con una lingua che parla a stento e tutte le difficoltà comunicative che questo comporta. Testardamente, però, Dean tenta di inserirvisi, aiutando come può e lasciandosi passare dalle mani denaro come fosse carta straccia. Perché, naturalmente, gli Stati Uniti hanno lasciato ben più di un semplice segno del proprio passaggio su Napoli (e l’Italia tutta).

La presenza in città di una Base Nato è solo una delle manifestazioni di quella città dei consumi che gli USA stanno esportando nel vecchio continente. Prodotti – di genere alimentare e non – altrimenti introvabili fanno la loro comparsa tra i vicoli di Napoli, divenendo dimostrazione di un certo status e fonte di potere. Ma a Dean tutto questo non interessa, è anzi completamente disinteressato ai beni materiali pur sfruttandoli a sua volta per cercare di raggiungere il proprio obiettivo: recuperare l’unico vero rapporto apparentemente rimastogli al mondo.

Il percorso che compie è allora appassionante e struggente proprio per questo suo non volersi arrendere e non darsi per vinto. Cosa che non farà neanche sul finale, potenzialmente prova di un suo apparente egoismo ma – almeno per chi scrive – dimostrazione della ritrovata fede nei rapporti, che è pronto a difendere ad ogni costo. Riflessioni che emergono a partire anche dalla straordinaria prova attoriale di Franco – circondato a sua volta da un gruppo di attori altrettanto convincenti – che Giovannesi guida all’interno di un racconto ben costruito, gestito con la giusta delicatezza nei toni e capace di lasciare quel prezioso calore nello spettatore.

Ci sono atti di umanità a cui non ci si può – o non ci si dovrebbe – sottrare. Anche quando compierli può compromettere la propria posizione, come ci si potrebbe guardare poi allo specchio o sedersi tra i propri cari facendo finta di nulla? Il protagonista di Piccole cose come queste, film diretto dal regista belga Tim Mielants e scritto dall’autore irlandese Enda Walsh (sceneggiatore di Hunger), di certo non può, e non vuole. È così che il ritorno sul grande schermo di Cillian Murphy dopo l’Oscar vinto per Oppenheimer avviene in nome della fermezza d’animo, dell’umanità e del fare ciò che è giusto.

L’occasione è una storia basata sul romanzo Piccole cose da nulla (2021) di Claire Keegan, in cui si racconta dello scandalo irlandese legato alle Case Magdalene, istituti femminili religiosi per donne ritenute immorali, dove queste ultime venivano sfruttate e maltrattate. Film d’apertura al Festival di Berlino 2024 (dove Emily Watson ha vinto l’Orso d’argento per la migliore interpretazione da non protagonista), Piccole cose come queste si costruisce dunque sui silenzi e gli sguardi di un’intera comunità, attraversando toni sommessi e la rigidità data dall’atmosfera invernale, che non può però raffreddare il cuore del protagonista.

La trama di Piccole cose come queste

Il film ci porta nell’Irlanda del 1985. Bill Furlog (Cillian Murphy) è un uomo silenzioso, dall’animo semplice, che ha dedicato la vita al lavoro (commercia e distribuisce legna e carbone), alla moglie Eileen (Eileen Walsh) e alle loro cinque figlie. Nei giorni che precedono il Natale, quando Bill entra nel cortile del convento locale, diretto da Suor Mary (Emily Watson), per consegnare del carbone, fa però un incontro che riporta a galla ricordi sepolti nella sua memoria. Non può ignorarli anche perché lo portano a scoprire segreti e verità che lo sconvolgeranno. Sarà il momento per Bill di decidere se voltarsi dall’altra parte o ascoltare il proprio cuore e sfidare il silenzio di un’intera comunità.

Il conflitto di un uomo

Ha il sapore di un racconto di Charles Dickens (Canto di Natale, Oliver Twist) il film di Tim Mielants. Non a caso l’autore britannico, celebre in particolare per i suoi romanzi sociali in cui denuncia i mali della società inglese ottocentesca, viene citato in più occasioni all’interno di Piccole cose come queste. Il motivo è la somiglianza tra ciò che entrambi vogliono restituire al proprio pubblico, con racconti che mirano non solo ad evidenziare certi orrori avvenuti nell’indifferenza generale, ma anche la necessità di compiere le giuste scelte quando ci si presenta il momento di farlo.

Con questo obiettivo, il film procede sommessamente tra grandi silenzi e una certa compostezza formale che sembra essere specchio delle emozioni soffocate del protagonista. Un’ora e mezza di racconto particolarmente densa, in cui tutto ciò che avviene accade dentro il cuore e la mente di Bill, con Cillian Murphy chiamato dunque a restituire tuttò ciò attraverso i suoi sguardi dolenti. Compito in cui l’attore è notoriamente un maestro, trasmettendo un senso di disagio crescente e che si svela a poco a poco con l’esplorazione del suo passato attraverso dei flashback.

Ma quello strano non è Bill, bensì chi – per un motivo o per un altro – gli suggerisce di rimanere in silenzio, di volgere altrove lo sguardo, di convincersi delle menzogne che gli vengono offerte. Per tutto il film il protagonista è  dunque continuamente scisso tra la tentazione di ascoltare questi consigli e l’ignorarli per fare ciò che sente moralmente giusto. Non è però il periodo natalizio a fare di Bill un uomo più buono, cresciuto sin da piccolo con la consapevolezza che aiutare chi è in difficoltà – come a suo tempo lo fu sua madre – è l’unico modo per far guarire un mondo malato.

Cose che non si possono ignorare

Non bisogna dunque aspettarsi particolari colpi di scena né tantomeno improvvisi cambiamenti di registro. Piccole cose come queste trova la sua forza proprio nella delicatezza con cui propone il proprio racconto, quasi come ci venisse sussurrato. Certo, c’è un evidente prima e dopo rispetto alla sequenza in cui Bill ha finalmente l’occasione di entrare nel convento di Suor Mary. Un momento del film che vira verso un registro da horror, con gli spazi scuri e angusti, oltre ai volti minacciosi delle suore (su cui spicca una mefistofelica Emily Watson). Ma è proprio in seguito a questo momento che i dubbi di Bill iniziano a sciogliersi.

Dopo aver visto l’orrore, ogni sospetto lascia il posto alla terrificante certezza, che gli impedisce di sedersi a tavola con le sue figlie sapendo di ciò che ragazze come loro subiscono. A questo punto lo spettatore giunge al massimo del coinvolgimento possibile, desideroso di scoprire quale scelta compirà il protagonista, poiché se da un lato scegliere fare la cosa giusta sembra scontato, dall’altra i motivi per non farla sarebbero molti e tutti apparentemente validi. Di certo, è anche nel portare lo spettatore a domandarsi cosa avrebbe fatto al posto di Bill che il film si dimostra riuscito nei suoi intenti.

Sono le piccole cose come queste a fare la differenza

Piccole cose come queste, come anticipato, ci narra una storia vera, ma andando oltre di essa risulta difficile non attualizzare il conflitto di Bill all’oggi, ad una società che, davanti a terribili guerre, si divide in chi volge lo sguardo altrove e in chi invece tende una mano al prossimo. Sono le piccole cose come queste del titolo a fare la differenza, molto più di quelle “grandi”. Azioni e gesti quotidiani che infondono speranza e salvano l’umanità, come specie e come natura. Il film ce lo ricorda con grande eleganza, regalandoci un protagonista tutt’altro che perfetto, ma che proprio per questo può essere di grande esempio.

Arriva alla 19° Festa di Roma con in mano già la Palma d’oro dell’ultimo Festival di Cannes Anora, la commedia di Sean Baker che riscrive le regole del romance e porta nella contemporaneità la fiaba di quella “gran culo di Cenerentola” che nel 1990 aveva il sorriso e le gambe lunghissime di Julia Roberts e che nel 2024 ha invece il corpo minuto e sensuale di Mikey Madison, stripper e prostituta newyorkese che cerca la fortuna tra una lap dance e un privé.

La storia di Anora, Cenerentola moderna

La vita di Ani (come le piace farsi chiamare) procede in maniera abbastanza regolare, tra vita notturna nello strip-club di Manhattan, e giornate passate a dormire e a recuperare energie. Una sera al locale dove lavora, data la sua capacità di parlare russo per via delle sue origini (la nonna era un’immigrata uzbeka), le viene affidato un cliente molto ricco: il suo coetaneo Ivan, detto “Vanja”, viziatissimo rampollo di un oligarca russo, che, attratto dalla ragazza, le offre 15 000 dollari per essere la sua fidanzata per una settimana. I due trascorrono dei giorni folli, divertendosi come non mai, guidati dal brio di Ani e dai soldi di Vanja, dediti solo a soddisfare le proprie voglie, di ogni tipo.

Fino a che a Las Vegas i due decidono di sposarsi: in questo modo lui non sarà costretto a rientrare in Russia dai genitori preoccupati, e lei avrà finalmente una vita agiata e serena, che le permetterà di lasciare il suo lavoro. Sembrerebbe proprio la fiaba di Pretty Woman citata sopra, se non fosse che siamo nel 2024 in un film di Sean Baker, e quindi qualcosa va storto e per Ani e Vanja arriva il momento di pagare il conto di quella settimana di baldoria e di quel matrimonio avventato.

Dopo lo splendido Red Rocket, Sean Baker torna a raccontare uno degli aspetti del mondo della prostituzione attraverso la vita e l’indole di Anora, una giovane donna consapevole e presente a se stessa, che conosce la vita ma che si concede un piccolo spazio per sognare, nel momento in cui la sua storia personale sembra prendere una piega vantaggiosa. È pratica e diretta, capace di contrattare il prezzo del suo corpo e del suo tempo, vende se stessa con sfrontatezza e si batte per quello che ritiene suo. Una furia, una forza della natura, un involucro indistruttibile che nasconde un corpo morbido di tenerezza e fragilità e che per tutto il film cercherà di tenere nascosto.

“Quella gran culo di Cenerentola” non va più di moda

La commedia di Baker rivede il classico romantico con Julia Roberts e Richard Gere, sostituendo ai due affascinanti e intramontabili miti di Hollywood due ragazzini dal fascino contemporaneo e sbarazzino che non saranno certo fatti l’uno per l’altra ma che sono altrettanto indimenticabili. E intanto il regista continua il suo racconto fiabesco di un’umanità ai margini che cerca il suo posto in Paradiso: una gita a Disneyland, un ritorno glorioso nel mondo del cinema per adulti, una vita ricca e agiata che escluda una volta per tutte la precarietà di doversi vendere per soldi.

Sia chiaro, Anora non è mai vittima delle sue scelte di vita. Come accennato sopra, il suo modo di affrontare il suo lavoro è consapevole e divertito, approccio raccontato con riuscitissime sequenze in cui la giovane donna si confronta con una sua collega prendendosi gioco dei clienti, delle loro perversioni, dei loro versi di piacere, del loro sentirsi forti e virili quando sono costantemente loro stessi vittime del loro lombi, posizionando Anora (e le sue colleghe) in una posizione di assoluto potere. È proprio questa consapevolezza che rende la protagonista tanto irresistibile, nonostante la sua talvolta irritante sicurezza.

Jurji e Anora: travolti da un insolito destino

Sean Baker gioca con i suoi personaggi e con il genere, realizzando sequenze mozzafiato e regalando al pubblico personaggi indimenticabili, su tutti l’Igor di Jurij Borisov, che resta travolto dall’energia di Anora e crea da subito con lei un’alchimia isterica e violenta e allo stesso tempo tenera e accogliente. Igor rappresenta ciò che Anora non ha mai conosciuto e per questo non capisce mai fino in fondo, mai fino quell’ultima straziante scena che conclude la notte folle attraverso la quale è stato trascinato lo spettatore.

Se dal punto di vista formale e narrativo Anora di Sean Baker è nient’altro che una commedia convincente (anche se forse troppo dilatata nella seconda parte), con questo film il regista americano compie un passo in avanti verso l’immortalità della sua filmografia, riuscendo a tratteggiare dei personaggi indimenticabili con una precisione emotiva disarmante e tutta la bellezza delle scoperte lente e preziose: Ani si dischiude nella sua essenza di fronte allo spettatore, e pian piano, mentre il film avanza, si mette a nudo completamente, nell’intimo, facendo sentire nudo, vulnerabile e esposto anche chi la guarda e, inevitabilmente, alla fine, si innamora.