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13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi, la spiegazione del finale del film

Alla fine di 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi, Jack Silva e i restanti membri della squadra di sicurezza militare della CIA riescono a evacuare 25 persone dall’avamposto della CIA a Bengasi, ma quanto è accurata la rappresentazione cinematografica dell’evento reale? Diretto da Michael Bay, 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi è un film di guerra basato sul libro 13 Hours di Mitchell Zuckoff, che racconta il vero episodio dell’attacco del 2012 alle strutture statunitensi a Bengasi, oggetto di accese polemiche politiche. Il film vede la partecipazione di John Krasinski, Pablo Schreiber, James Badge Dale, David Denman e altri.

Dopo la cacciata del dittatore libico Muammar Gheddafi, la regione si è rapidamente destabilizzata a causa dell’invasione delle armi nel mercato nero. Jack Silva (John Krasinski), un appaltatore militare privato, si unisce a una squadra di altri appaltatori tra cui Kris “Tanto” Paronto (Pablo Schreiber), Tyrone “Rone” Woods (James Badge Dale), Dave “Boon” Benton (David Denman), John “Tig” Tiegen (Dominic Fumusa) e Mark ‘Oz’ Geist (Max Martini) per difendere una struttura segreta della CIA a Bengasi gestita da “Bob” (David Costabile). Quando un attacco inaspettato alle strutture del governo degli Stati Uniti a Bengasi mette in pericolo l’ambasciatore Chris Stevens (Matt Letscher) e gli aiuti non arrivano, i contractor della CIA sono l’unica linea di difesa.

Quanto è accurato 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi?

Ciò che è realmente accaduto durante l’attacco alle due sedi del governo degli Stati Uniti a Bengasi, in Libia, l’11 settembre 2012, è stato oggetto di un intenso dibattito, quindi anche l’accuratezza del film è oggetto di discussione, ma ad alto livello, 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi descrive accuratamente l’ora, il luogo e l’esito dell’attacco che ha ucciso quattro americani, tra cui l’ambasciatore Chris Stevens, il responsabile IT Sean Smith e gli ex contractor della CIA e Navy SEAL Tyrone “Rone” Woods e Glen “Bub” Doherty.

Poiché molti dei dettagli del coinvolgimento degli Stati Uniti a Bengasi erano (e sono tuttora) riservati, è difficile stabilire con precisione la veridicità del film. La maggior parte dei personaggi del film rappresentano persone note che sono state coinvolte negli eventi di Bengasi, ma alcuni, in particolare Jack Silva interpretato da John Krasinski e “Bob” interpretato da David Costabile, sono pseudonimi di persone reali la cui identità non è stata rivelata. Kris “Tanto” Paronto, John ‘Tig’ Tiegen e Mark “Oz” Geist sono stati tutti consulenti per 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi, quindi il film ha almeno potuto contare sul contributo di persone che hanno realmente vissuto l’evento.

13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi

La spiegazione della controversia politica su Bengasi

Sebbene il film si astenga dal puntare il dito contro qualcuno, il nome Bengasi è profondamente legato alla controversia politica perché segnala un grave fallimento a un certo livello del governo e si è verificato proprio prima delle elezioni negli Stati Uniti, quindi è stato immediatamente politicizzato. Poiché Hillary Clinton era Segretario di Stato all’epoca, e quindi responsabile delle ambasciate e delle sedi diplomatiche ad alto livello, Bengasi è stata oggetto di un’attenzione ancora maggiore durante la sua candidatura alla presidenza nel 2016. A causa della natura riservata di gran parte di ciò che è accaduto a Bengasi e del dibattito polarizzato che lo circonda, la verità completa su quanto accaduto potrebbe non essere mai del tutto chiarita.

13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi non è un film politico ed evita di puntare il dito o alimentare teorie cospirative, concentrandosi invece sulle azioni eroiche dei soldati sul campo. Gli aspetti più controversi della controversia su Bengasi riguardano il rifiuto da parte del governo degli Stati Uniti di fornire ulteriore sicurezza agli avamposti di Bengasi nei mesi precedenti l’attacco, il rifiuto di fornire rinforzi e la mancanza di sostegno durante l’attacco, nonché l’errata attribuzione da parte del governo e dei media statunitensi della responsabilità degli attacchi a proteste spontanee. Il film descrive tutti questi eventi dal punto di vista dei soldati sul campo a Bengasi, ma non punta il dito contro nessuno né orienta la narrazione a sostegno di una particolare narrativa politica.

Perché il governo americano non ha fornito rinforzi o supporto aereo

In una delle prime scene di 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi, Tyrone bluffa riguardo al supporto aereo, ma in seguito rivela che nelle settimane e nei mesi precedenti agli attacchi erano state respinte diverse richieste di supporto aggiuntivo. Una volta iniziati gli attacchi, i membri della squadra della CIA presenti nella base tentano freneticamente di richiedere supporto aereo da numerose basi nella regione, ma gli aiuti americani non arrivano mai. Uno dei problemi più grandi viene evidenziato da Tyrone quando torna alla sede distaccata della CIA e dice a Bob: “Di’ all’AFRICOM che stai chiamando da quella base segreta di cui non conoscevano l’esistenza fino a un’ora fa”.

Oltre al fatto che nessuno dei loro alleati vicini sapeva in anticipo della loro presenza, Bob rivela anche che si trovano fuori dalla portata di rifornimento per chiunque voglia inviare un elicottero da combattimento. Nonostante la lentezza della risposta del governo, Glen Doherty, un altro ex Navy SEAL e appaltatore militare privato della CIA di stanza nelle vicinanze di Tripoli, ha rapidamente ottenuto un trasporto su un jet privato non appena ha saputo dell’attacco, ma poi è stato trattenuto per ore all’aeroporto di Bengasi a causa della burocrazia libica.

Qual è stata la vera motivazione dell’attacco a Bengasi?

13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi descrive Bengasi come una polveriera fin dall’inizio. Dopo la destituzione del dittatore libico Muammar Gheddafi, le armi hanno invaso le strade e le bande hanno iniziato a combattere per la supremazia a Bengasi. Il film include una scena di cinque settimane prima degli attacchi in cui la squadra viene seguita da militanti, quindi è chiaro che c’è sospetto e ostilità nei confronti della presenza degli Stati Uniti nella città, anche se non c’è uno scontro diretto o una spiegazione esplicita di ciò che ha causato gli attacchi.

Quando gli attacchi hanno ricevuto per la prima volta l’attenzione dei media negli Stati Uniti, è stato riferito che gli attacchi erano scaturiti da proteste legate a un film anti-islamico, una narrazione ripetuta da numerosi funzionari governativi di alto livello, tra cui il presidente Barack Obama, il segretario di Stato Hillary Clinton e l’ambasciatrice Susan Rice, anche se il film suggerisce che non sia così. Tyrone dice: “Il capo ha detto che era sui notiziari a casa. Qualcosa riguardo a proteste di piazza. Film anti-islamici“. E Dave (Demetrius Grosse) risponde: ”Non abbiamo sentito nessuna protesta“. Dopo aver raggiunto l’aeroporto, Tig (Dominic Fumusa) dice che gli attacchi non possono essere stati spontanei: ”È impossibile che quei mortai ci abbiano trovato per caso. Devono averli preparati giorni o settimane fa”.

LEGGI ANCHE: L’intensa storia vera dietro a 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi

Vicious: I tre doni del male, la spiegazione del finale del film

Il film horror di Bryan Bertino, Vicious: I tre doni del male, la spiegazione del finale del film, con Dakota Fanning, si svolge in una notte d’inverno quando una donna anziana (Kathryn Hunter) bussa alla porta di Polly e le chiede un bicchiere d’acqua. La vita di Polly era un disastro e le condizioni della casa in cui viveva riflettevano il suo stato mentale. Il lavello della cucina era pieno di tazze e piatti sporchi. Tutte le piante d’appartamento erano morte. Probabilmente non aveva mai trovato l’energia per riordinare la spaziosa casa che aveva affittato dalla sorella a un prezzo conveniente. Aveva un lavoro che non le bastava per sentirsi soddisfatta.

Il suo capo si aspettava che facesse il doppio turno perché tutti gli altri erano occupati. Aveva iniziato a seguire un corso di ceramica e aveva già pagato le lezioni, ma non si era presentata. Sua sorella Lainie le aveva lasciato un messaggio vocale per ricordarle che doveva andare a prendere la torta di compleanno di sua figlia. La delusione nella sua voce suggeriva che Polly faceva promesse ma faticava a mantenerle. Sua madre le aveva ricordato di stampare il modulo necessario per il colloquio importante del giorno dopo, indicando che forse aveva difficoltà a ricordare le cose e aveva bisogno di continui promemoria.

Polly aveva intenzione di tornare a scuola per completare gli studi; un tempo era una studentessa promettente, un’artista di talento, ma poi era arrivata una fase difficile della sua vita dalla quale si stava ancora riprendendo. Polly era consumata da un senso di insoddisfazione, e una scatola che uno sconosciuto aveva lasciato a casa sua le fece capire quali fossero le cose veramente importanti nella sua vita.

Cosa voleva la scatola?

Polly era terrorizzata quando la vecchia signora lasciò una scatola nera e una clessidra a casa sua e le disse che sarebbe morta. Era dispiaciuta di averle trasmesso la maledizione, ma non aveva altra scelta. Aveva dovuto fare cose che non voleva per sopravvivere e credeva che anche Polly avrebbe dovuto fare scelte così difficili. Polly era terrorizzata e chiese chiaramente alla vecchia di andarsene con la sua scatola. Aveva pensato di chiamare la polizia, ma la vecchia l’aveva avvertita di non parlare mai con nessuno della maledizione della scatola. Polly chiamò sua madre e le raccontò l’accaduto, anche se in seguito scopriremo che la donna all’altro capo del telefono non era la madre di Polly, ma gli spiriti maligni che avevano iniziato a perseguitarla. Volevano che lei giocasse, e non le era permesso separarsi dalla scatola.

Doveva mettere dentro la scatola qualcosa che odiava, qualcosa di cui aveva bisogno e qualcosa che amava. Quando ha messo un pacchetto di sigarette nella scatola, questa ha rifiutato di prenderlo. Anche se tutti intorno a lei si aspettavano che smettesse di fumare, non era qualcosa che lei personalmente odiava, anche se avrebbe voluto farlo. Gli spiriti maligni le fecero capire chiaramente che se Polly avesse scelto di non essere onesta con se stessa, avrebbe perso tempo, il che significava anche che la sua vita sarebbe finita bruscamente. È interessante notare che la scatola/gli spiriti maligni la guidavano costantemente e la aiutavano a fare le offerte “giuste”.

Polly tirò fuori la chiave del cassetto dove conservava le foto di suo padre e il crocifisso che lui indossava. Il padre di Polly aveva perso la sua battaglia contro il cancro e lei ricordava come lei e suo padre avessero pregato costantemente per un miracolo fino al giorno della sua morte. Da quel giorno in poi, odiò Dio per averle portato via suo padre, anche se lui era sempre stato un fedele servitore. Quando lasciò cadere il crocifisso nella scatola, il male accettò l’offerta. La scatola costrinse Polly ad affrontare le sue paure più profonde e oscure. Forse non si era mai veramente permessa di esprimere il dolore e la rabbia che aveva provato quando suo padre era morto. A poco a poco, proprio come la vecchia, anche Polly dovette tagliarsi un dito del piede e un dito della mano per offrire alla scatola “qualcosa di cui aveva bisogno”, nella speranza che la clessidra si fermasse. Quando si trattò di offrire “qualcosa che amava”, Polly intuì che gli spiriti maligni volevano che offrisse sua nipote Aly, che amava profondamente. Supplicò la scatola di risparmiare la bambina e, in quello che sembrava essere un mix di illusioni ottiche, gli spiriti maligni convinsero Polly che Lainie e Aly erano morte e che tutto era successo perché lei aveva fallito il compito.

In modo del tutto inaspettato, Polly si svegliò a casa di sua sorella e le vide di nuovo vive. Era sollevata, ma presto si rese conto che l’incubo era lungi dall’essere finito e che gli spiriti maligni avevano ancora il controllo delle sue visioni inaffidabili. Polly offrì una ciocca di capelli di Aly e la scatola la accettò, ma la clessidra non si fermò. Polly non sapeva cosa fare; aveva offerto anche del sangue, ma il timer non si fermava. Il gioco sanguinario spinse Polly a riflettere sulle persone che contavano davvero nella sua vita. Anche se si sentiva una delusione continua e forse aveva anche pensieri suicidi, si rese conto di quanto fosse disposta a fare per le persone che amava. Scelse di infliggere dolore a se stessa piuttosto che offrire i suoi cari per la sua sopravvivenza.

Come fece Polly a uscire da quel circolo vizioso?

Dakota Fanning in Vicious: I tre doni del male

Capì che forse gli spiriti maligni volevano che la scatola fosse passata ad altri e, proprio come la vecchia, anche lei bussò alla porta di una casa a caso. Una giovane donna di nome Tara aprì la porta. Era titubante nel far entrare una sconosciuta in casa sua, ma Polly fu insistente. Anche se Polly si sentiva in colpa per quello che stava per fare, credeva di non avere scelta. Voleva che il timer si fermasse ed era spaventata per sé stessa e per i suoi cari. Sapeva che era ingiusto, ma non era stata lei a iniziare il gioco. Quando spiegò il suo scopo a Tara, la giovane donna rimase sconvolta. Chiese a Polly di andarsene e lei obbedì.

Con grande sorpresa di Polly, la scatola era tornata a casa sua; non aveva ancora finito con Polly. A quanto pare, anche dopo aver passato la scatola, nemmeno la vecchia era stata risparmiata. La scatola le aveva ingannate facendogli credere che la maledizione potesse essere fermata se fosse stata passata ad altri, ma non era vero. La sabbia continuava a scorrere e sia la vecchia che Polly stavano esaurendo il tempo a loro disposizione. La vecchia aveva perso un occhio; anche lei aveva attraversato una fase brutale, cercando di stringere un patto con il diavolo, ma nulla era davvero sufficiente per fermare il gioco.

Così, pensò che forse la scatola voleva Polly e decise di ucciderla. Polly riuscì a sopraffarla e, prima di esalare l’ultimo respiro, la vecchia affermò che era la scatola a scegliere le sue vittime. Non si era semplicemente imbattuta in Polly; la scatola l’aveva guidata lì, proprio come Polly era stata guidata a casa di Tara. La scatola prendeva di mira individui distrutti; gli spiriti conoscevano le loro debolezze e gli ricordavano costantemente i loro fallimenti. La vecchia morì a casa di Polly; si pentì delle misure estreme che aveva preso per salvarsi e alla fine ringraziò Polly, forse perché non aveva la convinzione di uccidersi, anche se sapeva che quel momento sarebbe arrivato non appena fosse entrata in casa di Polly. Alla fine, si rese conto che morire era meglio che rimanere per sempre intrappolata in quel circolo vizioso. La clessidra non si fermò, ma Polly scelse di non ballare al ritmo del diavolo. Con sua grande sorpresa, Polly era viva anche se tecnicamente il tempo era scaduto. L’unico modo per uscire dal circolo vizioso era prendere il controllo della narrazione e non cedere al male. La scatola metteva alla prova fino a che punto una persona era disposta a spingersi e quanto male era disposta a fare per sopravvivere.

Lainie e sua figlia erano morte?

Il finale di Vicious: I tre doni del male ha rivelato che Lainie e Aly erano vive. Finché Polly partecipava al gioco del diavolo, le veniva fatto credere che i suoi cari fossero già morti e che lei ne fosse responsabile. Ma quando si è rifiutata di fare del male a se stessa e a chi le stava intorno, il gioco si è interrotto e lei è stata liberata. La casa di Lainie era un po’ in disordine, il che suggerisce che non tutto ciò che Polly aveva vissuto era una bugia; in parte era reale, in una certa misura. Polly era felicissima di vedere Lainie e Aly vive. Era anche sollevata nel vedere la sua vicina portare fuori la spazzatura; aveva pensato di essersi pugnalata a morte la notte precedente, ma chiaramente la loro interazione della notte precedente non era reale. Sembrava che fosse bloccata in un mondo alternativo da cui era impossibile fuggire. Il segno sul viso di Polly e il dito della mano e del piede mancanti suggerivano che i sacrifici che aveva fatto erano molto reali, e non era solo un sogno vivido e traumatico dal quale si era svegliata. L’esperienza, per quanto straziante, permise a Polly di apprezzare la sua vita imperfetta e le persone che la circondavano.

Perché Tara si rifiutava di fidarsi di Polly?

Polly aveva decifrato il codice e sentiva il bisogno di discuterne con Tara. Le aveva rovinato la vita e credeva di esserle debitrice. Le chiese di consegnarle la scatola, ma Tara sembrava non ricordare il loro incontro. Credeva che Polly avesse commesso un errore e, vedendo la reazione confusa di Tara, Polly pensò che fosse davvero così; dopotutto, non poteva fidarsi di nulla di ciò che ricordava della notte precedente. Mentre accendeva una sigaretta durante il finale di Vicious: I tre doni del male, il suo telefono iniziò a vibrare; si chiese se la chiamata fosse del diavolo, ma questa volta rifiutò di rispondere. Non era pronta ad arrendersi e non aveva più paura. Era più in sintonia che mai con chi era e cosa voleva dalla vita.

Vicious rivela alla fine che Tara aveva la scatola e che gli spiriti maligni le avevano ordinato di non fidarsi di nessuno intorno a lei, specialmente di Polly. Tara pensava che Polly l’avrebbe ingannata, come aveva fatto in precedenza. Quindi decise di affrontare la situazione da sola, e chiaramente stava soffrendo. Aveva sacrificato i suoi genitori, si era tagliata le dita, eppure stava lottando per offrire alla scatola “qualcosa che desiderava”. Non vediamo chiaramente cosa abbia messo nella scatola, ma ormai sappiamo che, qualunque cosa avesse fatto, non c’era via di fuga. A meno che non si fosse uccisa, o fosse stata assassinata, o avesse scelto di non fare nulla e aspettare che il peggio passasse. Le condizioni per Tara sembravano essere diverse da quelle di Polly (secondo le tre cose che doveva offrire alla scatola, qualcosa che desiderava non era nella lista), quindi forse il gioco non era lo stesso per tutti; era possibile che fosse modificato in base alle debolezze individuali, ma il risultato era sempre lo stesso. Vicious non offre un finale conclusivo; si ha l’impressione che sempre più persone saranno prese di mira dal diavolo, specialmente quelle mentalmente distrutte. Il gioco metterebbe alla prova i loro limiti e la maggior parte fallirebbe. Poiché la scatola era impossibile da distruggere, sembra non esserci fine. Anche se Polly si è rifiutata di piegarsi alle regole del gioco, ciò non significa che non sarà perseguitata da chiamate inaspettate che le ricorderanno che la stanno ancora osservando. Il film, in un certo senso, può essere interpretato come un commento sulle sfide legate alla gestione dei disturbi mentali. Anche se si impara a conviverci (dando il massimo per far funzionare le cose), arrendersi sembra sempre un’alternativa più facile. Si tende anche a ricorrere all’isolamento e a perdere lentamente se stessi, spesso cedendo alle voci nella propria testa. Il finale di Vicious: I tre doni del male suggerisce che l’unico modo per raggiungere la luce alla fine del tunnel è attraversarlo.

Per te: recensione del film con Edoardo Leo – #RoFF20

Con Per te, Alessandro Aronadio torna alla regia tre anni dopo Era Ora. Un film, quest’ultimo, affermatosi come uno dei titoli italiani più visti nel mondo su Netflix e che ha posto il regista sotto numerose attenzioni, avendo dimostrato una sensibilità e un’attenzione ai dettagli non comune. Con Per te, da Aronadio scritto insieme a Ivano Fachin e Renato Sannio ispirandosi al romanzo Un tempo piccolo di Serenella Antonazzi, portano stavolta sul grande schermo una storia vera, con cui il regista da ulteriormente prova di questa sua capacità.

Per lui è anche la terza collaborazione con l’attore Edoardo Leo, che aveva già diretto in Era Ora e prima ancora in Io c’è (2018). Leo si fa così nuovamente protagonista per Aronadio, assumendo stavolta il ruolo di un padre che sente il tempo e la memoria sfuggirgli come sabbia tra le mani. Un percorso doloroso di cui Leo si fa carico, per restituirlo con umanità e sincerità. È così che, presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma, il film si dimostra una nuova riuscita esplorazione dell’umanità da parte dell’attore e del regista.

LEGGI ANCHE: Per te: la storia vera che ha ispirato il film con Edoardo Leo

La trama di Per te

Nel 2021 Mattia Piccoli viene nominato Alfiere della Repubblica dal Presidente Sergio Mattarella a soli 11 anni, per “l’amore e la cura con cui segue quotidianamente la malattia del padre”. Il film racconta dunque la sua storia e quella del papà Paolo (Edoardo Leo) che, poco più che quarantenne, comincia a perdere pezzi della sua memoria scegliendo, però, di restare vicino a ciò che conta davvero. Insieme al figlio intraprende così un percorso fatto di quotidianità condivisa, risate improvvise e silenzi che parlano più di mille parole.

PER TE film
Javier Francesco Leoni ed Edoardo Leo in Per te. Foto di LUCIA IUORIO

Storia di un padre e di un figlio

Per te. Due parole che implicano un contatto, una dedica, una cura. Aronadio non ha dubbi nell’affermare che “ne abbiamo così bisogno, in un’epoca in cui ci illudiamo di essere iperconnessi, ma in realtà non siamo mai stati più soli di così”. È a partire da questa consapevolezza e dalla volontà di sostenerla che il regista costruisce dunque un film ricco di affetto, dove i legami vincono su tutto, anche nei momenti in cui sembra impossibile possano riuscirvi. Egli non mira a raccontare Paolo e Mattia come due eroi, concentrandosi invece sul proporli per quello che sono: un padre e un figlio costretti a bruciare le tappe, a dirsi tutto prima che arrivi la nebbia.

Aronadio, Fachin e Sannio partono dunque dal romanzo per aprirsi ad un racconto che affronta aspetti universali, incasellando una dietro l’altra una serie di situazioni padre-figlio in cui è facile e naturale riconoscersi. Ma è anche il racconto dei momenti più fragili, quelli in cui si sfoga tutto il dolore, la rabbia e l’impotenza a colpire. Lo fanno perché Aronadio riesce a proporli con la delicatezza di cui si diceva in apertura, senza calcare la mano ma permettendo alle emozioni di venire fuori in modo naturale.

In questo aiuta molto la chimica tra Edoardo Leo e Javier Francesco Leoni nel ruolo del piccolo Mattia. I due attori restituiscono la necessità di contatto e presenza dei loro personaggi, riuscendo – anche per merito della sceneggiatura – a non idealizzarli ma nel restituirli a partire dalle loro fragilità. È un film dove un padre cerca di essere tale il più possibile prima che non gli sia più consentito, prima che lui e il figlio si scambino i ruoli e nulla sarà più come prima. L’urgenza di riuscire in ciò la si ritrova dunque nei due interpreti, che consentono anche al film di dotarsi di momenti di amabile leggerezza.

Javier Francesco Leoni ed Edoardo Leo in Per te
Javier Francesco Leoni ed Edoardo Leo in Per te. Foto di LUCIA IUORIO

Tra dolore e speranza

Inevitabilmente, però, Per te è un film che fa male, poiché mette in mostra una condizione – quella della malattia – che troppo spesso viene posta ai margini, lasciando chi vi combatte a farlo da solo. Tuttavia, non punta a dare riflessioni ciniche su quanto abbandono e noncuranza siano dilaganti, ma si concentra su chi invece sceglie di esserci, di essere un sostegno e di cercare di alleggerire il peso che condizioni come quella del protagonista Paolo comportano. Ancora una volta, dunque, Aronadio si dimostra regista capace di offrire un punto di vista diverso e lasciare negli spettatori anche solo un briciolo di speranza.

Perché quella di Per te, in fin dei conti, è una storia che celebra l’amore come forza resiliente, capace di illuminare anche le ombre dell’oblio e del tempo che passa. Temi e situazioni delicati ma all’ordine del giorno, che il regista con la sua squadra riesce a restituire con sincerità, lasciando nello spettatore un sentimento agrodolce, di quelli che se da un lato ci fanno rammaricare per come sono evolute o cambiate certe cose, dall’altro ci fanno gioire perché del bello e del buono c’è comunque stato.

L’Accident de piano: recensione del film con Adèle Exarchopoulos – #RoFF20

Grottesco, surreale e irriverente, il cinema di Quentin Dupieux si è scolpito un posto tutto suo nella recente cinematografia francese. Estremamente prolifico (dal 2019 ad oggi ha girato ben 8 film), Dupieux conferma tutto ciò che si è sin qui pensato e detto del suo lavoro come regista con L’Accident de piano, un film che aggiornando e ribalta il suo precedente Doppia pelle, dando vita ad uno dei suoi personaggi più inquietanti e irraggiungibili, attraverso cui ritrae un mondo ormai impazzito.

Se il protagonista di Doppia pelle, interpretato da uno spassoso Jean Dujardin, andava in giro riprendendosi mentre uccide tutti i possessori di giacche di pelle di daino (volendo essere l’unico a possedere quel capo), aizzato da un’aspirante montatrice intenzionata a guadagnare da quelle macabre riprese, in L’Accident de piano torna dunque il tema del filmare il dolore, del renderlo oggetto di spettacolo da cui trarre profitto. Una realtà ormai ampiamente diffusa, che Dupieux affronta con rinnovato cinismo e delirio.

La trama di L’Accident de piano

Protagonista del film è Magalie (Adèle Exarchopoulos), una star del web diventata ricca e famosa grazie a contenuti estremi e scioccanti diffusi sui social media. Fin dall’adolescenza ha costruito un impero mediatico mostrando al mondo le sue imprese al limite del tollerabile. Si sottopone a esperimenti di autolesionismo utilizzando oggetti come martelli, punteruoli da ghiaccio, mazze da baseball e persino una lavatrice in caduta libera. Tutto documentato, condiviso, monetizzato. A renderla unica, e a suo modo invincibile, è una rara condizione medica: l’insensibilità congenita al dolore.

Jérôme Commandeur e Adèle Exarchopoulos in L'Accident de piano
Jérôme Commandeur e Adèle Exarchopoulos in L’Accident de piano. Foto di ©2025 CHI FOU MI PRODUCTIONS

Ma durante le riprese del suo ultimo video, qualcosa va storto. L’incidente è grave. Magalie scompare dai radar e si ritira, lontano da tutto e da tutti, in un lussuoso chalet tra le montagne, accompagnata solo da Patrick (Jérôme Commandeur), il suo devoto assistente personale. La tregua però è breve. Un’ostinata giornalista, Simone Herzog (Sandrine Kiberlain), a conoscenza di un segreto legato a un incidente avvenuto con un pianoforte che potrebbe rovinare Magalie, la raggiunge con una minaccia: o concede un’intervista esclusiva o sarà denunciata alla polizia.

Dupieux ci mette di nuovo alla berlina

Di certo Dupieux sa come catturare l’attenzione dei suoi spettatori. Oltre a Doppia pelle, si ricordano anche Daaaaaalí!, descritto come un “vero falso biopic” sull’artista surrealista, oppure il più recente Le Deuxième Acte, fondato sul continuo intrecciarsi tra realtà e finzione cinematografica. Opere dunque capaci di infrangere in mille pezzi lo schermo per proporre un andare contro i canoni e contro il prevedibile che ha sempre un suo certo fascino (aiuta poi la breve durata dei film, tutti sotto i 90 minuti).

Eppure, quelli che potrebbero in apparenza sembrare dei meri giochi, esercizi di stile o sfide alla sopportazione degli spettatori, nascondono profonde e spesso lucide riflessioni sulla contemporaneità, che Dupieux mira a smascherare in tutta la sua natura caotica e perversa. Nel caso di L’Accident de piano l’obiettivo è chiaro: non tanto quella categoria di influencer e intrattenitori pronti a monetizzare il dolore, quanto gli spettatori affamati di questo tipo di contenuti ad essere oggetto di scherno.

Adèle Exarchopoulos in L'Accident de piano
Adèle Exarchopoulos in L’Accident de piano. Foto di ©2025 CHI FOU MI PRODUCTIONS

Il film è così un coerente nuovo tassello nella filmografia di Dupieux, che realizza una satira tagliente delle derive del mondo contemporaneo, esplorando l’ossessione per la condivisione, la monetizzazione delle esperienze estreme e le conseguenze sociali e psicologiche della viralità. Viene da chiedersi come sia possibile che ciò che si vede praticare alla protagonista non sia il frutto di pura invenzione, ma ispirato a realtà ormai diffuse e sostanzialmente accettate. Per questo, il tono sopra le righe adottato dal regista dunque ben si sposa con l’assurda realtà di cui narra, amplificando la portata del suo impatto.

Un tono bilanciato però da un minimalismo nelle location e nei personaggi che ricorda quello di Le Deuxième Acte, che se da un lato rafforza l’atmosfera di chiusura e predispone un terreno ideale per le situazioni assurde, dall’altra permette di costruire una crescente tensione psicologica che ricorda opere come Carnage, dove violenza, follia e orrore possono scoppiare in ogni momento. Così, Dupieux ci porta a ridere ma anche a temere per l’incolumità dei personaggi e quindi per quella di noi umani, sempre più esposti a fenomeni che non sembriamo comprendere né saper gestire.

Adèle Exarchopoulos si conferma un portento in L’Accident de Piano

A dare un preciso volto a tutta questa follia c’è la sempre bravissima Adèle Exarchopoulos. Divenuta iconica per La vita di Adele, ma distintasi anche in film come Generazione Low Cost e L’amore che non muore, l’attrice ritrova Dupieux dopo aver recitato per lui in Mandibules – Due uomini e una mosca e Fumare fa tossire. Si fa così di nuovo interprete delle folle del regista, riuscendo a restituire non solo profondità emotiva e autenticità al proprio personaggio ma all’intero film.

Diplomat: la sconvolgente decisione di Kate sul finale della terza stagione e cosa significa per la quarta stagione

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La decisione scioccante di Kate alla fine dell’ultima stagione di The Diplomat avrà importanti ripercussioni sulla quarta stagione, secondo quanto dichiarato dalla star e showrunner della serie. La terza stagione di The Diplomat è stata pubblicata oggi su Netflix ed è stata, come al solito, drammatica, ricca di colpi di scena e intrigante. La stagione riprende dopo la morte del presidente, con il vice Grace Penn che presta giuramento e sceglie Hal, il marito di Kate, come vice.

Il colpo basso è quello a cui Kate reagisce scegliendo di rimanere ambasciatrice nel Regno Unito, vivendo separata dal marito, ma mantenendo le apparenze in pubblico. Con il loro matrimonio già abbastanza complicato, le cose sono destinate a diventare ancora più difficili per la coppia nella quarta stagione di The Diplomat.

In un’intervista con Collider, la showrunner Debora Cahn e la star Kerri Russell hanno discusso della decisione di Kate e di come questa influenzerà la trama della quarta stagione. Ecco i loro commenti:

RUSSELL: È questo il bello di loro. Debora lo chiama sempre “la droga”. Credo che sia questa la loro particolarità. Per queste persone, il lavoro è la loro vita. Non hanno figli. Il Paese, il loro lavoro e aiutare le persone sono la loro vita. È questo che dà loro un senso. Essere in grado di farlo a questo livello, influenzare la politica e avere un impatto sui Paesi e sulle persone è inebriante, ed entrambi sono davvero bravi in questo. Indipendentemente da quanto possano comportarsi male a volte, quando lavorano, lavorano davvero bene insieme, ed è incredibile. Penso che lei ci abbia provato, ed era necessario, ed è difficile da battere.

Russell ha discusso di come il lavoro sia come una droga per i personaggi. Non hanno figli e vivono la difficile dicotomia di essere sposati con il loro lavoro, oltre che l’uno con l’altro.

CAHN: È bello sentire che vuoi che la storia continui. È la conclusione naturale di un’ondata di sentimenti che ti porta a pensare: “Siamo così bene insieme che devo riconoscere e accettare il bene”. L’idea che questo non comporti anche il suo opposto è un pensiero magico, ed è il tipo di pensiero magico a cui tutti ci abbandoniamo, sempre, che è bello a modo suo. Crea una certa dose di ottimismo. Hal ha una relazione diversa in questo momento. Ha una relazione molto, molto forte e importante che si sta sviluppando e avendo successo con un’altra donna che è il Presidente degli Stati Uniti. Anche l’idea che questo non avrebbe cambiato l’alchimia del matrimonio era un pensiero magico.

Cahn ha anche parlato di come sia cambiata la dinamica tra Hal e Kate, dato il ruolo di Hal che lavora a stretto contatto con un’altra donna molto potente.

CAHN: Si ha una certa percezione di questo. Ma poi, quando lo si vede svolgersi, tutto cambia immediatamente. Ogni stagione, nella scrittura di questa serie, abbiamo iniziato con un piano, ma poi, una volta che la narrazione si è sviluppata, ha completamente stravolto ciò che pensavamo sarebbe successo. Siamo certamente interessati, andando avanti, alla dinamica di cosa significhi avere due donne potenti con un uomo potente bloccato in mezzo a loro. In che modo queste relazioni si influenzano e si modificano a vicenda?

Ha concluso affermando che la dinamica della serie, con un uomo potente bloccato in mezzo a due donne potenti, è molto interessante da studiare.

The Diplomat è una serie che ha riscosso successo grazie alle sue sceneggiature serrate e intelligenti e alle storie incentrate sui personaggi. Sì, la serie è un thriller politico intelligente, con un tocco drammatico, ma è anche una serie su persone imperfette che cercano di tenere a bada i conflitti nel mondo, mentre cercano di destreggiarsi tra i propri matrimoni e la propria felicità.

Ciò che probabilmente risuonerà negli spettatori sono i personaggi di The Diplomat e le loro interazioni, e come queste possano influenzare le loro decisioni professionali. La quarta stagione sembra destinata ad andare ancora oltre, e sarà interessante vedere fino a che punto Hal e Kate imploderanno, se riusciranno a riprendersi da questo, e cosa questo significherà per entrambi i personaggi.

Il fatto che la quarta stagione di The Diplomat sia già stata rinnovata significa che ci sarà almeno un’altra opportunità per raccontare la storia e dare a tutti i personaggi il finale che meritano. Ciò che rende Hal e Kate una coppia così interessante è che si amano sinceramente, ma sono anche entrambi molto egocentrici.

Nelle prime due stagioni, Kate era in una posizione di potere e di anzianità rispetto a Hal, ma The Diplomat – stagione 3 ribalta la situazione, con suo marito che ora è la seconda persona più potente al mondo. Resta da vedere se ci sarà un ritorno di fiamma per la coppia, ma la loro relazione rimarrà centrale per il futuro di The Diplomat.

Task – Stagione 2: aggiornamento entusiasmante dal creatore del thriller HBO

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La seconda stagione di Task  ha ricevuto un entusiasmante aggiornamento dal creatore e showrunner Brad Ingelsby. Debuttata su HBO Max nel settembre 2025, la serie segue un agente dell’FBI di Filadelfia che indaga su una serie di rapine a mano armata compiute da un uomo dall’aspetto modesto, padre di famiglia, che prende di mira le bande di trafficanti di droga. La miniserie di sette episodi andrà in onda domenica con l’episodio finale.

Fin dalla sua uscita, Task ha ricevuto il plauso della critica per la caratterizzazione dei personaggi, il realismo crudo e il commento sociale, ed è stata paragonata ad un’altra acclamata serie poliziesca di Ingelsby, Omicidio a Easttown. Anche se la serie sta volgendo al termine, ci sono molti spunti che potrebbero essere sviluppati in altre stagioni.

In un’intervista con Esquire, Ingelsby ha fornito un aggiornamento promettente sul futuro di Task. Ha parlato di come gli piacerebbe realizzare un’altra stagione e raccontare altre storie in quell’universo, purché il pubblico continui a rispondere positivamente, e ha discusso del suo amore per la televisione come mezzo che permette l’esplorazione dei personaggi. Ecco i commenti di Inglesby:

Citazione: Mi piacerebbe fare un’altra stagione di Task. Se il pubblico apprezza Task e continua ad apprezzarlo, mi piacerebbe raccontare altre storie su questo posto, perché amo scrivere su questo posto. Sento di avere ancora molte storie da raccontare. Quello che amo della TV è proprio il numero di personaggi che si possono esplorare. Mi considero davvero uno scrittore di personaggi, non un grande scrittore di trame. Si possono esplorare i Grasso, i Lizzie e gli Aleah. Se dovessi fare un film, a meno che non fossi Robert Altman, non sarei in grado di attingere a così tanti personaggi.

Questi sono sicuramente commenti promettenti da parte di Ingelsby, e il fatto che stia parlando della seconda stagione di Task suggerisce che si tratti di qualcosa che ha vagamente pianificato, almeno nella sua testa. Tuttavia, vale anche la pena notare che Ingelsby ha detto qualcosa di simile in passato riguardo alla possibilità di una Mare of Easttown – stagione 2, e nulla si è concretizzato.

Task ha attualmente un indice di gradimento del 95% su Rotten Tomatoes.

Sebbene Task sia una miniserie e l’episodio 6 abbia chiuso in modo piuttosto definitivo l’arco narrativo principale della stagione, ci sono ancora molti aspetti che potrebbero essere esplorati con l’agente dell’FBI Tom Brandis, interpretato da Mark Ruffalo, e la sua task force. Molto dipenderà dal fatto che Ingelsby ritenga di avere una storia abbastanza forte da coprire un’altra stagione e renderle giustizia.

Ciò che ha reso Task così efficace è il fatto che si tratta di una serie limitata. La storia e il percorso dei personaggi sono in gran parte contenuti in una sola stagione e sembra una storia completa dall’inizio alla fine. Il pericolo di realizzare un’altra stagione è che si rischia di perdere parte della magia che caratterizza una miniserie.

C’è ancora un episodio di Task da mandare in onda, quindi c’è la possibilità che Ingelsby possa concludere la serie in modo tale da rendere sensata una seconda stagione. Questo potrebbe rendere il futuro della serie ancora più emozionante e potrebbe anche riaccendere la possibilità che altri episodi di Mare of Easttown possano essere realizzati in tempi brevi.

Le foto dal set di Harry Potter rivelano un importante cambiamento di Voldemort rispetto ai libri

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Nuove foto dal set della serie HBO Harry Potter anticipano un cambiamento fondamentale di Voldemort rispetto al primo libro. Le riprese della serie sono in pieno svolgimento e sono trapelate alcune foto dal set che rivelano scene e personaggi chiave ricreati per il grande schermo. Recentemente è stato svelato il Silente di John Lithgow, così come l’uso di King’s Crossing per il binario nove e tre quarti.

Ora, nuove immagini sembrano mostrare Godric’s Hollow, il luogo dove il giovane Harry viveva con i suoi genitori quando era bambino. Le immagini indicano che il villaggio sta festeggiando Halloween, grazie alla moltitudine di bambini che camminano per le strade in costume. Anche le auto d’epoca sono allineate lungo le strade, indicando che questa scena si svolge nel passato.

Guarda qui le foto dal set della serie Harry Potter.

Sebbene questa scena sia un elemento chiave della saga di Harry Potter, viene menzionata solo nel primo libro, La pietra filosofale, mentre il settimo e ultimo libro, I doni della morte, torna indietro nel tempo per mostrare gli eventi di quella fatidica notte in cui Voldemort tentò di uccidere Harry e riuscì a uccidere i suoi genitori, Lily e James.

Altre foto dal set hanno anche indicato dei cambiamenti rispetto al materiale originale. Lithgow nei panni di Silente è stato visto girare su una spiaggia, una scena che non è inclusa nel primo libro, ma che suggerisce il potenziale coinvolgimento degli Horcrux nelle prime fasi della serie live-action.

Questi cambiamenti impliciti suggeriscono che la serie Harry Potter avrà una portata più ampia quando uscirà nel 2026. Con ogni stagione composta da più episodi, la serie ha l’opportunità di gettare le basi per i punti salienti della trama in un modo che i film non hanno potuto fare con la loro durata ridotta.

Tuttavia, anche il primo film includeva un flashback di quella fatidica notte a Godric’s Hollow, anche se era limitato principalmente alla casa dei Potter piuttosto che a Godric’s Hollow nel suo complesso. Se queste foto indicano davvero che la prima stagione di Harry Potter della HBO amplierà ciò che sappiamo di quella notte, allora ciò confermerebbe altre prove che la serie si sta espandendo oltre le pagine dei romanzi.

Questo sicuramente attenuerebbe le critiche alla serie. Molti hanno messo in discussione il senso della costosa impresa della HBO, dato che le prime immagini della serie indicano una sorprendente somiglianza con i film. Se la serie ampliasse la storia in modi non ancora visti sullo schermo, allevierebbe le preoccupazioni che la serie possa essere solo un rifacimento di ciò che il pubblico già conosce.

DC conferma ufficialmente Bane nel prossimo film d’animazione di Batman

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Bane sarà il cattivo principale del prossimo film di Batman, ma non sarà l’unico nemico della DC Comics a dare filo da torcere al Cavaliere Oscuro. La DC ha in programma diversi progetti su Batman, con Bruce Wayne che apparirà sia in film d’animazione che live-action nei prossimi anni. The Batman – Parte 2 dovrebbe presto iniziare a dare i primi segnali.

Con la sceneggiatura già scritta, il reboot di Batman DCU The Brave and the Bold è un altro progetto che potrebbe vedere presto dei progressi. Tuttavia, nessuno dei film live-action di Batman è previsto come prossimo film dell’eroe. Batman tornerà invece in grande stile nel 2026 in un film d’animazione, con uno dei suoi migliori nemici a ricoprire un ruolo chiave.

Bane sarà il cattivo principale della nuova saga di film di Batman

Dopo l’uscita nel 2025 di un film animato su Batman, la storia Elseworlds vista in Aztec Batman: Clash of Empires, il 2026 vedrà l’inizio di una nuova saga per il personaggio, che esisterà anche al di fuori del canone dell’universo DC di James Gunn. Sorprendentemente, la DC ha annunciato non uno, ma quattro film per adattare l’arco narrativo dei fumetti Batman: Knightfall.

Il primo di questi è intitolato Batman: Knightfall Part 1: Knightfall. Il prossimo film DC è stato fissato per il 2026, anche se non è stata ancora annunciata una data precisa. Knightfall è la classica trama del fumetto che ha visto Bane spezzare la schiena a Batman. Pertanto, la DC ha confermato che Bane sarà il cattivo principale del film su Batman.

Ciò è stato chiarito nella sinossi ufficiale del film, che ha rivelato che Bane libererà “tutta la Rogue’s Gallery di Batman dall’Arkham Asylum”. La DC non ha ancora rivelato chi darà la voce a Bane e al resto dei personaggi del film. Tuttavia, l’annuncio conferma che Bane sarà ancora una volta il personaggio chiave di un film su Batman.

DC ha già reso Bane il cattivo principale di un adattamento di successo di Knightfall

Sebbene il film su Batman del 2026 sarà il primo adattamento diretto di Knightfall da parte della DC, alcuni elementi di quella trama sono stati fondamentali per l’ultimo film di Batman di Christopher Nolan, Il cavaliere oscuro – Il ritorno del 2012. Come accade nei fumetti, Bane, interpretato da Tom Hardy, ha spezzato la schiena a Batman, interpretato da Christian Bale, e ha gettato Gotham City nel caos, salendo al potere per controllarla.

Sebbene Il cavaliere oscuro – Il ritorno presenti più collegamenti con Knightfall, non si tratta di un adattamento diretto, poiché presenta molte differenze. Ad esempio, Azrael e il suo piano di sostituire Batman durante l’assenza di Bruce sono stati completamente rimossi dal film. Sono entusiasta del prossimo film Batman della DC per il potenziale che ha un adattamento completo di Knightfall, e Bane ha tutte le carte in regola per brillare.

Suburræterna – Stagione 2: al via le riprese a Roma

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La seconda stagione di Suburræterna di Netflix, l’acclamato spin-off della serie italiana poliziesca Suburra, sarà ambientata a Roma, in Italia, dal 20 ottobre di quest’anno al febbraio 2026. Ezio Abbate e Fabrizio Bettelli tornano come sceneggiatori, mentre Leonardo D’Agostini e Michele Alhaique saranno i registi degli episodi.

Nel finale della prima stagione, Angelica ritiene Alberto “Spadino” Anacleti responsabile della morte della sua migliore amica Nadia, che in realtà è stata uccisa da Victor, il nipote di Alberto. Nadia aveva pianificato di tradirla ed eliminare la famiglia Luciani una volta per tutte.

Il motivo che spinge il politico corrotto Amedeo Cinaglia a costruire il Nuovo Colosseo viene vanificato dopo che egli non riesce a partecipare all’incontro organizzato tra lui, Ercole, il cardinale Tronto e il notaio. Alla fine, il progetto finisce nelle mani di Ercole Bonatesta, un altro consigliere comunale che, proprio come Cinaglia, vuole il potere e il controllo sull’impero criminale. Bonatesta finisce per uccidere suo nonno Vito, che era stato un fedele sostenitore della famiglia Anacleti.

Il finale culmina con degli spari, mentre Damiano Luciani (fratello di Giulia Luciani) e sua moglie, Angelica Sale, ex moglie di Alberto, sono sulla spiaggia a confidarsi i loro sentimenti. Nel dramma che ne segue, il fratello di Damiano, Cesare, viene ucciso dagli uomini di Cerocchi, il luogotenente che lavora per Amedeo Cinaglia. I Luciani perdono la loro quota e il controllo sulla vendita nel loro territorio, che viene gestito da Adelaide Anacleti. Anacleti viene infine uccisa da Giulia in un attacco, e i Luciani bruciano persino le case degli Anacleti. Spadino decide di riprendersi le ville della sua famiglia e di vendicarsi dei Luciani.

Considerando come finisce la prima stagione, gli attori che dovrebbero tornare nella seconda stagione includono Giacomo Ferrara nel ruolo di Alberto “Spadino” Anacleti, Filippo Nigro nel ruolo di Amedeo Cinaglia, Carlotta Antonelli nel ruolo di Angelica Sale, Marlon Joubert nel ruolo di Damiano, Aliosha Massine nel ruolo di Ercole Bonatesta, Yamina Birmi nel ruolo di Giulia Luciani, Paola Sotgiu nel ruolo di Adelaide Anacleti ed Emmanuele Aita nel ruolo di Ferdinando Badali.

Outlander: Blood of My Blood – Stagione 1, la spiegazione del finale sospeso

La prima stagione di Outlander: Blood of My Blood ci ha lasciato con un intrigante colpo di scena. Lo spin-off di Outlander segue i genitori di Jamie e Claire, che, con nostra sorpresa, in questa versione della storia si conoscevano già. Nel corso di tutti e dieci gli episodi, abbiamo visto questi due amanti lottare contro ogni previsione per stare insieme. Nel finale di Outlander: Blood of My Blood, ci sono finalmente riusciti.

Naturalmente, il finale sospeso della prima stagione di Blood of My Blood lascia in sospeso la questione se i Fraser e i Beauchamp riusciranno a evitare di essere separati di nuovo. Anche se Ellen e Brian si sono uniti in matrimonio, non sono ancora legalmente sposati, quindi potrebbero esserci ulteriori problemi con entrambe le loro famiglie. Poi c’è Julia, che, sebbene si sia riunita con Henry, è tecnicamente sposata con Lord Simon Lovat.

Brian ed Ellen potrebbero essere fuggiti insieme ed evitare tutti i drammi familiari, ma la loro scena finale in Blood of My Blood ha visto l’accensione di croci infuocate dei clan, che segnalano l’inizio della ribellione giacobita. Allo stesso modo, Henry e Julia sarebbero al sicuro dai loro problemi nel loro tempo, ma attraversare le pietre sarà sicuramente molto più complicato di quanto sperino.

Henry, Julia e William riusciranno ad attraversare le pietre?

L’aspetto principale del cliffhanger della prima stagione di Outlander: Blood of My Blood è il tentativo di Henry e Julia di attraversare le pietre. Sono finalmente riusciti a sfuggire ai loro rispettivi rapitori e sono arrivati a Craigh na Dun, ma la grande domanda è se il loro figlio neonato, William, possa viaggiare nel tempo. Da Outlander sappiamo che c’è una possibilità molto concreta che non possa farlo.

Inizialmente, Henry e Julia hanno ideato un piano per garantire la sicurezza di William. Uno dei due avrebbe cercato di attraversare le pietre con il bambino, mentre l’altro sarebbe rimasto indietro per ogni evenienza. Tuttavia, l’avvicinarsi del signor Bug ha costretto i Beauchamp a prendere misure più drastiche. Henry ha afferrato la mano di Julia e l’ha posata sulla pietra eretta, ed è qui che si è concluso il prequel di Outlander.

Henry ha giustamente intuito che il viaggio nel tempo è genetico, il che significa che William potrebbe certamente aver ereditato il gene dai suoi genitori. Anche il neonato, tecnicamente, ha già viaggiato nel tempo, dato che Julia era incinta quando ha attraversato le pietre. Tuttavia, le regole qui sono un po’ confuse. Henry e Julia possono attraversare le pietre, mentre William viene lasciato indietro.

Una cosa che sappiamo per certo è che Henry e Julia non torneranno dalla giovane Claire. La protagonista di Outlander è cresciuta senza i suoi genitori, e questo è un fatto che non può essere cambiato. Quindi, o William viene lasciato indietro e la stagione 2 di Blood of My Blood è dedicata al ritorno di Henry e Julia da lui, oppure i tre finiscono in un’epoca completamente diversa.

Le croci infuocate alla fine della prima stagione di Blood of My Blood spiegate

Outlander: Blood of My Blood

La storia di Brian ed Ellen in Outlander: Blood of My Blood si è conclusa con un cliffhanger completamente diverso. Come Henry e Julia, Brian ed Ellen sono stati, in un certo senso, prigionieri per tutta la prima stagione. Nell’episodio finale, tuttavia, sono stati finalmente liberi di stare insieme. Il loro piano iniziale era quello di partire e trovare un posto dove stabilirsi insieme, dove le loro famiglie non potessero disturbarli.

Sebbene sappiamo che Brian ed Ellen finiranno per fondare Lollybroch, sembra che quel momento non sia ancora arrivato. Proprio mentre i due stavano per partire, Brian ha notato le croci fiammeggianti che attraversavano il paesaggio scozzese. I clan stanno chiamando i loro uomini alle armi in preparazione della loro prima significativa rivolta giacobita.

Ancora una volta, sappiamo più o meno come andrà a finire. I giacobiti sono destinati a fallire. Sappiamo anche che Brian non è destinato a morire nelle prossime battaglie (e nemmeno molti altri personaggi di spicco). Tuttavia, la necessità di Brian di rispondere alla chiamata significherà probabilmente un ritorno da Lord Simon, il che non è una buona notizia per il suo personaggio, considerando la sua drammatica uscita di scena.

È anche probabile che Brian ed Ellen dovranno separarsi di nuovo per un po’ nella seconda stagione di Outlander: Blood of My Blood. Tuttavia, situazioni del genere sono all’ordine del giorno nella serie Outlander. Sappiamo che torneranno insieme, ma il tempo trascorso lontani aggiungerà senza dubbio molta tensione. Poi c’è la questione della morte di Malcolm Grant che si aggiunge a tutto questo.

Brian ed Ellen dovranno sicuramente affrontare le conseguenze della morte di Malcolm Grant

Outlander: Blood of My Blood

Per quanto ne sappiamo, nessuno oltre a Brian ed Ellen ha assistito alla morte di Malcolm Grant. Ellen era già scomparsa dal matrimonio, quindi, per quanto ne sanno i Grant e i MacKenzie, lei non ha nulla a che fare con l’accaduto. Tuttavia, in Outlander: Blood of My Blood è evidente che lo zio di Malcolm, Malcolm MacKinnon Grant, è un uomo intelligente e molto pericoloso. Sospetterà la verità.

Malcolm MacKinnon Grant diventerà probabilmente il capo dei Grant ora che suo nipote è morto, e questa non è una buona notizia per Brian ed Ellen, per non parlare dei MacKenzie. Con Dougal sposato con Maura, l’alleanza tra i due clan rimarrà probabilmente intatta. Tuttavia, la discordia tra le famiglie è lungi dall’essere finita. Il nuovo capo dei Grant cercherà sicuramente vendetta, e non con mezzi onorevoli.

Come la stagione 1 di Blood Of My Blood potrebbe collegarsi alla stagione 8 di Outlander

Come ogni buona serie prequel, Outlander: Blood of My Blood ha cambiato retroattivamente la nostra comprensione di alcune storie di Outlander. La sopravvivenza di Henry e Julia Beauchamp e l’esistenza del loro secondo figlio sono elementi rivoluzionari e avranno sicuramente un impatto sulla prossima stagione 8 di Outlander. Dopotutto, sarebbe strano se la storia di Claire finisse senza che lei scoprisse la verità.

Se Henry, Julia e William riusciranno a superare con successo le pietre erette, è possibile che atterreranno negli anni ’70 del Settecento, dove Claire e Jamie stanno attualmente partecipando alla Rivoluzione Americana. Tuttavia, sembra più probabile che, semmai, atterreranno più o meno nel periodo in cui Claire è apparsa per la prima volta nel XVIII secolo. Questo permetterebbe alla loro storia di collegarsi al mistero di Faith in Outlander.

In Outlander: Blood of My Blood, abbiamo visto Julia cantare “I Do Like to Be Beside the Seaside” al piccolo William.

In Outlander: Blood of My Blood, abbiamo visto Julia cantare “I Do Like to Be Beside the Seaside” al piccolo William. Questa è la stessa canzone che Fanny Pocock cantava nella stagione 7 di Outlander, ispirando la teoria di Claire secondo cui sua figlia Faith era sopravvissuta. È chiaro che gli sceneggiatori stanno creando un filo conduttore. Tuttavia, non è ancora chiaro come tutto questo si ricollegherà.

Anche se probabilmente dovremo aspettare la seconda stagione di Outlander: Blood of My Blood per avere un quadro completo delle storie di Henry e Julia, anche l’ottava stagione di Outlander dovrebbe fornire alcuni indizi intriganti.

Save The Last Dance, la spiegazione del finale: cosa succede a Sara e Derek?

Save the Last Dance è stato molto più di un classico cult; è una capsula del tempo che racchiude l’essenza dei film degli anni 2000, fondendo esperienze di vita reale per raccontare una storia di formazione che rispecchia la realtà di molti adolescenti in tutta la nazione.

Questa storia parlava soprattutto di un’adolescente che cercava di trovare la sua strada durante alcuni dei suoi anni formativi.

Di cosa parla Save the Last Dance?

Save the Last Dance parla della capacità di rimanere resilienti di fronte alle avversità e di ballare via il dolore. Diretto da Thomas Carter, il film segue il viaggio di Sara Johnson (Julia Stiles), una giovane aspirante ballerina che si ritrova a trasferirsi a Chicago per vivere con suo padre dopo la morte della madre. Non solo perde la madre che le ha dato la vita, ma Sara perde anche il suo amore per la danza fino all’arrivo di Derek Reynolds (Sean Patrick Thomas).

Insieme, si ritrovano coinvolti in un amore apparentemente proibito; la gente non è felice di vedere Derek con una ragazza bianca. Eppure, la loro relazione è il catalizzatore del ritorno di Sara alla danza. Il finale del film lega insieme i temi della redenzione, dell’amore e del potere di perseguire la propria passione nonostante le difficoltà della vita.

Ecco la spiegazione del finale di Save the Last Dance:

Tormentata dal senso di colpa

Sara non è una teenager come le altre. Mentre la maggior parte delle ragazze della sua età sono prese dai compiti scolastici, dai pettegolezzi succulenti, dall’adorazione dei ragazzi o dalle gite improvvisate al centro commerciale, lei è tormentata dal senso di colpa che si è attribuita per il tragico incidente d’auto di sua madre.

Gli spettatori la incontrano durante un’audizione di danza e vengono subito colpiti dalla tragedia quando lei scopre che sua madre è rimasta coinvolta in un fatale incidente mentre stava andando a sostenere sua figlia. Invece di affrontare la perdita della madre, in breve tempo si ritrova a Chicago con il padre, che ha sempre vissuto da single.

Una storia d’amore adolescenziale

Nel mezzo del tumulto interiore ed esteriore che affligge Sara, incontra un amico, Derek, che diventa rapidamente il suo confidente più intimo grazie alle loro difficoltà nell’adattarsi alle rispettive famiglie. Derek, uno studente eccellente, capisce la pressione che Sara subisce per essere la migliore ballerina.

Non passa molto tempo prima che lui la riporti nel mondo della danza, ma con una svolta, quando i due si ritrovano sulla pista da ballo di un nightclub dove Sara è stata invitata dalla sua nuova amica, Chenille (Kerry Washington), che è la sorella di Derek. Questa esperienza offre a Sara una nuova prospettiva sulla danza rispetto ai movimenti rigidi e complessi che ha perfezionato nel corso degli anni con la speranza di diventare una ballerina professionista.

L’audizione

Il momento più cruciale del film si verifica quando Sara torna al punto di partenza, affrontando proprio ciò che l’aveva allontanata dalla danza in primo luogo. Mentre esegue il suo numero di danza per l’audizione alla Julliard, è sostenuta da Derek, che la guarda felice mentre incorpora gli stili di danza hip-hop che lui le ha insegnato durante la loro storia d’amore adolescenziale.

Come finisce Save the Last Dance?

Quando i giudici reagiscono all’audizione di Sara, la loro è una reazione di sorpresa e ammirazione, che lascia intravedere che la Julliard potrebbe benissimo essere nel futuro del personaggio.

Il finale del film trasmette un messaggio forte sul superamento delle barriere sociali e personali, dalla sua relazione con Derek, che la maggior parte dei loro cari non accetta, al superamento delle avversità e allo sguardo verso un futuro pieno di speranza.

La capacità di Sara di combinare il balletto con l’hip-hop sottolinea il messaggio del film sull’accettazione della diversità e sulla ricerca della propria voce attraverso la fusione di diverse influenze culturali. A partire da agosto 2024, Save the Last Dance è disponibile in streaming su Netflix.

The Diplomat? Ecco 8 serie che ti piaceranno sicuramente

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Immersa in decisioni che potrebbero avere un impatto su milioni di persone, The Diplomat segue Kate Wyler, ambasciatrice degli Stati Uniti nel Regno Unito. La serie thriller politica di Netflix creata da Debora Cahn vede Kate Wyler destreggiarsi non solo tra i doveri e le responsabilità ufficiali come nuova ambasciatrice. Dal dover affrontare crisi internazionali che potrebbero avere effetti di vasta portata alla formazione di alleanze strategiche con nazioni e sette a Londra, la serie fonde facilmente elementi di suspense, mistero e dramma politico.

Con Keri Russell, Rufus Sewell e Ali Ahn, la storia si concentra anche su come ogni relazione richieda qualcosa di più della semplice diplomazia. Dal dover gestire il suo matrimonio con un collega diplomatico al mantenere intatte le alleanze militari, The Diplomat offre tutta la gravità geopolitica che il pubblico desidera, avvolta nella finzione. Gli spettatori che sono stati trasportati nel regno della politica e della sicurezza attraverso la serie e vogliono godersi un’altra dose di thriller politici troveranno utile questo elenco. Ecco una lista di programmi simili che hanno tutti gli elementi che rendono una serie televisiva degna di nota.

Black Earth Rising (2018)

Black Earth Rising (2018)

Con Michaela Coel, Hugo Blick, John Goodman, Harriet Walter, Lucian Msamati e Abena Ayivor, “Black Earth Rising” segue la storia di Kate Ashby, un’investigatrice legale che lavora per Michael Ennis. Quando la sua madre adottiva Eve accetta un caso per perseguire un leader della milizia ruandese, le due vengono coinvolte in una situazione che minaccia i loro obiettivi e stravolge per sempre le loro vite.

La serie è stata creata da Hugo Blick ed è un mix perfetto di dramma, suspense psicologica e politica. Gli spettatori che hanno apprezzato gli elementi delle alleanze militari in The Diplomat apprezzeranno sicuramente i conflitti presenti in Black Earth Rising.

The Night Agent (2023-

The Night Agent
© SIVIROON SRISUWAN/NETFLIX

Questa serie Netflix con Gabriel Baao, Luciane Buchanan, Fola Evans-Akingbola, Sarah Desjardins, Eve Harlow e Phoenix Raei è basata sul romanzo di Matthew Quirk e segue la storia dell’agente dell’FBI Peter Sutherland che si ritrova coinvolto in una cospirazione su larga scala riguardante una talpa che ha contatti ai livelli più alti del governo degli Stati Uniti.

La serie segue il viaggio di Sutherland alla ricerca del traditore. La serie include elementi di cospirazione, dramma e azione, rendendo difficile per gli spettatori non rimanere affascinati, ed è stata creata da Shawn Ryan. Gli spettatori che hanno amato il dramma sui funzionari di alto rango in The Diplomat troveranno The Night Agent altrettanto avvincente.

The Honorable Woman (2014)

The Honorable Woman (2014)

Creata da Hugo Blick, la serie della BBC segue la storia di Nessa Stein, un’imprenditrice anglo-ebraica di alto rango il cui lavoro per proteggere la pace in Medio Oriente la coinvolge in omicidi, affari e cospirazioni. Con Maggie Gyllenhaal, Philip Arditti, Lubna Azabal, Andrew Buchan e Tobias Menzies, la serie mette in scena spionaggio, thriller e la ricerca di cambiamento di una donna britannico-israeliana. I colpi di scena scioccanti tengono gli spettatori con il fiato sospeso. Come The Diplomat, “The Honorable Woman” vede una donna destreggiarsi tra diversi ruoli per mantenere lo status quo, cosa che attirerà molti spettatori.

Madam Secretary (2014-2019)

Madam Secretary (2014-2019)

Questo dramma politico segue la storia di Elizabeth Adams McCord, ex Segretario di Stato e Presidente degli Stati Uniti, mentre gestisce il suo ruolo di persona di importanza politica e allo stesso tempo cerca di bilanciare le complesse questioni che derivano dalla vita familiare.

Con Tea Leoni, Tim Daly, Katherine Herzer, Wallis Currie-Wood ed Evan Roe, la serie è stata creata da Barbara Hall. Segue il percorso di trasformazione di una donna in una storia di politica e dramma. Gli spettatori che hanno amato una donna al comando in The Diplomat apprezzeranno sicuramente il personaggio di Tea Leoni in Madam Secretary.

Designated Survivor (2016-2019)

Designated Survivor (2016-2019)

La serie è incentrata sulla vita di Tom Kirkman, Segretario per l’edilizia abitativa e lo sviluppo urbano, che si ritrova a diventare Presidente degli Stati Uniti dopo che un attacco senza precedenti al Campidoglio ha ucciso tutti i membri che lo precedevano nella linea di successione. La serie segue le difficoltà di Kirkman dopo la sua entrata in carica, mentre cerca di affrontare la minaccia terroristica incombente e di scoprire la cospirazione che ha portato all’attacco.

Con Keifer Sutherland, Natascha McElhone, Adan Canto, Italia Ricci e Maggie Q, questo dramma politico cattura gli spettatori con i suoi elementi di suspense, cospirazioni e trama avvincente. Gli spettatori che hanno amato i colpi di scena di “The Diplomat” apprezzeranno altrettanto “Designated Survivor”.

Occupied (2015-2019)

Occupied (2015- 2019)

Questo dramma politico norvegese racconta la storia di un futuro immaginario in cui condizioni ambientali catastrofiche portano a problemi geopolitici che vedono la Russia occupare la Norvegia per conto dell’Unione Europea, poiché il nuovo primo ministro norvegese, attento alle questioni ambientali, ha interrotto la produzione di petrolio e gas nel Paese.

Con Ane Dahl Torp, Henrik Mestad, Eidar Skar e Ingeborga Dapkunaite, la serie creata da Jo Nesbo ed Erik Skjodbjaerg segue il brivido politico su scala monumentale. Gli spettatori che hanno trovato intriganti le scintillanti vicende militari e diplomatiche di “The Diplomat” troveranno sicuramente “Occupied” altrettanto avvincente.

Bodyguard (2018-)

Bodyguard (2018-)

Con Richard Madden, Keeley Hawes, Gina McKee, Sophie Rundle e Vincent Franklin, il dramma politico della BBC creato da Jed Mercurio segue la storia del sergente di polizia David Budd, un veterano di guerra in pensione affetto da disturbo da stress post-traumatico che lavora alla Royalty and Specialist Protection. Quando viene nominato responsabile della protezione del ministro dell’Interno, si ritrova coinvolto in questioni politiche controverse che minacciano di distruggere i suoi piani.

Dall’affrontare situazioni di alta tensione alle ricerche mozzafiato, la serie segue la trama altamente tesa di come sarebbe lavorare nelle parti più riservate del governo. Gli spettatori che hanno amato l’elemento di alta tensione in The Diplomat troveranno “Bodyguard” altrettanto interessante.

Jack Ryan (2018-)

Jack Ryan (2018-)

Seguendo la storia dell’analista della CIA Jack Ryan, la serie svela il protagonista che si allontana dalla sua scrivania per entrare in azione e scoprire le minacce più distruttive per il mondo. La serie è stata creata da Tom Clancy e si basa sui personaggi di “Ryanverse”. Con John Krasinski, Wendell Pierce, Abbie Cornish, Ali Sulimn e Dina Shihabi.

Mentre l’analista della CIA protagonista della serie si ritrova a scoprire i meccanismi più oscuri degli estremisti, il caos e il brivido che ne derivano creano la ricetta perfetta per un mix di azione, dramma e suspense. Pertanto, gli spettatori che hanno apprezzato i temi delle negoziazioni ad alto rischio in The Diplomat troveranno interessante anche Jack Ryan.

The Diplomat: la serie Netflix è ispirata alla vita reale?

Creata da Debora Cahn, The Diplomat di Netflix è una serie thriller politica che segue la storia di Kate Wyler (Keri Russell). Esperta nella gestione di crisi di importanza internazionale, Kate è pronta a partire per l’Afghanistan per la sua prossima missione. Tuttavia, viene riassegnata a Londra dopo che una nave britannica viene attaccata e il Paese diventa sospettoso e ostile nei confronti dell’Iran.

In qualità di ambasciatrice degli Stati Uniti, il suo compito è quello di mitigare la crisi che potrebbe avere gravi ripercussioni sulla nazione e sul mondo. La serie ci offre uno sguardo sulla vita dei diplomatici e sulle sfide che devono affrontare per mantenere la pace nel mondo. Fa riferimento a conflitti reali come la guerra tra Russia e Ucraina, il che potrebbe farvi chiedere se la serie sia basata su eventi reali. Scopriamolo! SPOILER IN ARRIVO

The Diplomat è una storia di fantasia

No, The Diplomat non è basato su una storia vera. È ispirato a una storia originale di Debora Cahn, nota per aver lavorato a serie televisive di argomento politico come The West Wing e Homeland che combina gli elementi politici e di spionaggio di queste serie per creare la trama avvincente di una serie thriller. L’idea per la serie le è venuta mentre lavorava come sceneggiatrice e produttrice di “Homeland”. Per la serie di spionaggio con Claire Danes, sono stati consultati molti esperti in diversi campi, tra cui alcuni ambasciatori.

Parlando della stessa cosa a Vanity Fair, Cahn ha detto: “Sono persone tranquille e senza pretese. Come questa donna che assomiglia a mia zia Ruthie: si trovava nel bel mezzo di una crisi che coinvolgeva scorie nucleari, un camion che sbandava su una strada ghiacciata della Siberia e bombe che cadevano. Nessuno sa cosa fanno queste persone. È un’attività in prima linea, e nessuno ne sa nulla”.

La sceneggiatrice ha osservato che le persone impiegate nel servizio diplomatico sono “le prime ad arrivare e le ultime ad andarsene da ogni disastro nel mondo, e nessuno sa chi sono o cosa fanno”. Voleva trasmettere quella tensione e la responsabilità di prendere decisioni immediate che potrebbero cambiare il mondo. Oltre alla vita professionale, Cahn era anche interessata ad esplorare l’idea di coppie che lavorano nello stesso campo. Definendole “coppie in tandem”, era affascinata dall’idea di due persone sposate ma anche in competizione tra loro a causa della natura del loro lavoro.

“Ti trovi in una situazione in cui la persona che ami di più è anche qualcuno con cui sei sempre in competizione”, ha osservato Cahn. È qui che entrano in gioco Kate e Hal. Il loro rapporto di amore-odio, pieno di battute, è diventato qualcosa con cui il pubblico poteva identificarsi. “È il mio modo di entrare in contatto con ciò che significa essere qualcuno in quel tipo di vita. È molto più facile per il pubblico identificarsi con una circostanza, ed è più divertente e reale che mai”, ha detto la sceneggiatrice.

Sebbene “The Diplomat” sia quasi interamente frutto di fantasia, gli sceneggiatori hanno guardato a eventi reali per generare il conflitto principale della storia. La serie inizia con l’attacco a una nave da guerra britannica nel Golfo Persico e tutte le prove puntano verso l’Iran. Questo fa aumentare la tensione tra i due paesi, portando ad altre complicazioni nella politica internazionale. Questa premessa è probabilmente un’esagerazione di un conflitto reale in cui la Gran Bretagna e l’Iran sono quasi entrati nel 2019.

Una dichiarazione rilasciata dal Ministero della Difesa ha rivelato che “tre navi iraniane hanno tentato di impedire il passaggio di una nave commerciale, la British Heritage, attraverso lo Stretto di Hormuz”. Ciò ha costretto la HMS Montrose “a posizionarsi tra le navi iraniane e la British Heritage e a lanciare avvertimenti verbali alle navi iraniane, che poi si sono allontanate”. Le autorità erano “preoccupate da questa azione” e hanno esortato “le autorità iraniane a distendere la situazione nella regione”.

Secondo quanto riferito, l’Iran ha respinto le accuse definendole “prive di valore” e “fatte per creare tensione”. Nel frattempo, le navi britanniche sono state messe in allerta. Fortunatamente, le cose non sono peggiorate. Parlando di queste cose, che devono accadere più spesso di quanto il pubblico ne senta parlare, Cahn ha detto: “Il mondo potrebbe finire martedì a causa di una decisione che prendono o non prendono”.

Oltre a sottolineare la gravità del lavoro, Cahn si è anche concentrato sulla quotidianità di queste persone che potrebbero gestire continuamente questioni delicate, “ma questo non significa che ricordino il nome della persona con cui stanno parlando, e non significa che non abbiano dimenticato di togliere l’etichetta dai pantaloni”. Considerando tutto ciò, possiamo dire che The Diplomat è un’opera di fantasia, ma attinge a eventi e personaggi reali per creare un ritratto avvincente della vita di un ambasciatore.

The Diplomat – Stagione 3: la spiegazione del finale: chi ha rapito Poseidon?

La terza stagione della serie Netflix The Diplomat riprende immediatamente dopo il finale della seconda stagione. L’ultima volta che abbiamo visto Kate Wyler, stava affrontando la vicepresidente Grace Penn riguardo alle sue azioni con la HMS Courageous, mentre parlava del proprio desiderio di diventare vicepresidente. A sua insaputa, suo marito Hal ha chiamato la Casa Bianca, mettendosi in contatto diretto con il presidente Rayburn, al quale ha raccontato tutto del tradimento di Grace. Hal sapeva che avrebbe avuto un effetto significativo sul presidente, ma non aveva previsto che la notizia sul suo vicepresidente lo avrebbe ucciso. Ora che Rayburn è morto, Grace è il nuovo presidente, il che lascia il destino di Kate e del Paese in bilico. SPOILER IN ARRIVO.

Cosa succede in The Diplomat – Stagione 3

Nonostante la loro rivalità, quando Grace diventa presidente, Kate non fa altro che aiutarla. Uno dei motivi per cui ora vuole entrare nelle grazie di Grace è perché sa che ha bisogno di qualcuno con i piedi per terra come vice, per impedirle di prendere decisioni che potrebbero portare a un altro incidente come quello dell’HMS Courageous. Tutti pensano che Kate sia la persona più adatta per questo incarico, ma Grace ribalta la situazione nominando Hal. Questo spezza il cuore a Kate, ma lei si fa forza, soprattutto ora che sa che Hal avrà bisogno di tutto l’aiuto possibile. Anche per lui la nomina è una sorpresa e promette a Kate che le troverà un lavoro all’altezza delle sue capacità. Mantiene la promessa, ma Kate non è ancora pronta a lasciare Londra.

Decide quindi di conciliare il suo lavoro di ambasciatrice con il suo ruolo di Second Lady. Questo la allontana molto da Hal, ma i due sono già così distanti che trovarsi in continenti diversi sembra una buona scelta. Entrambi concordano di mantenere viva la facciata del matrimonio per l’immagine pubblica, ma a livello personale sono separati. Tornata a Londra, Kate riprende il suo lavoro di ambasciatrice, che la mette in contatto con una spia britannica di nome Callum Ellis. Lui le racconta di un sottomarino nucleare russo abbandonato al largo delle coste britanniche, di cui bisogna occuparsi.

È interessante notare che lui ha raccontato questa notizia prima a Kate, e ora stanno lavorando insieme per risolvere questo pasticcio. La loro collaborazione professionale si trasforma in una storia d’amore, che tengono segreta agli altri, o almeno ci provano. Nel frattempo, le cose si complicano quando i segreti sull’HMS Courageous rischiano di essere rivelati da una fonte russa. Affrontare la questione si trasforma in un errore che potrebbe costare caro al Paese. Ma Kate, con la sua infinita arguzia e saggezza, escogita un piano ingegnoso. Solo molto più tardi scopre di essere stata manipolata da Hal per fare qualcosa che avrebbe potuto avere conseguenze bibliche sia per lei che per il Paese.

Trowbridge accetta l’aiuto di Grace?

L’attacco alla HMS Courageous era stato un punto critico nell’amministrazione di Nicol Trowbridge nel Regno Unito e lui, come ogni altro britannico, ne era stato infuriato e indignato. Fece tutto ciò che era in suo potere per assicurare i colpevoli alla giustizia. Quando scoprì che Margaret Roylin, che era stata sua mentore e confidente per anni, era coinvolta, decise di farla uccidere. Non arrivò mai a quel punto perché Roylin si suicidò, ma questo dimostra quanta rabbia provasse Trowbridge. Poi gli americani gli dicono che Roylin collaborava con il defunto presidente Rayburn.

Non solo, gli chiedono anche di non fare il nome di Rayburn e di attribuire tutta la colpa a Roylin, almeno per il momento. Questo ha infranto la fiducia di Trowbridge nei suoi omologhi americani. Si è sentito tradito da loro, soprattutto perché ha scoperto che ne erano a conoscenza da tempo, ma hanno fornito l’informazione solo dopo che i russi li hanno costretti a farlo. Così, nella conferenza stampa, Trowbridge dice la verità su Rayburn e interrompe ogni comunicazione con gli americani. La loro credibilità è stata così compromessa che quando gli dicono che c’è un sottomarino nucleare con il famigerato e non così mitico Poseidon a poche miglia dalla costa britannica, lui si rifiuta di credergli. Sa della presenza del sottomarino, ma pensa che Poseidon sia una bugia.

Dato che ha ancora bisogno della tecnologia di qualcuno per sbarazzarsi del sottomarino, si rivolge ai cinesi. Questo allarma gli americani, perché sanno che questa mossa metterebbe Poseidon nelle loro mani. Alla fine, Grace presenta un ramoscello d’ulivo, cercando di far ragionare Trowbridge e offrendo l’aiuto dell’America per smaltire Poseidon senza causare problemi al Regno Unito. Lui rimane fermo sulle sue posizioni e rifiuta di collaborare con loro, ma alla fine, quando gli vengono mostrate le prove dell’esistenza di Poseidon, concorda sul fatto che i cinesi non possono avvicinarsi ad esso. Tuttavia, non vuole nemmeno che lo abbiano gli americani. È allora che Hal e Kate propongono l’idea del Runit Dome. Invece di lasciare che qualcuno abbia Poseidon, dovrebbe essere sepolto sotto il cemento in fondo all’oceano. Questo soddisfa Trowbridge, che accetta una tregua.

Che fine ha fatto Poseidon? Chi l’ha preso?

Il mito di Poseidon aveva circolato negli ambienti delle agenzie di intelligence per diversi anni, ma non era ritenuto reale. Quindi, quando Trowbridge ne viene informato proprio dagli americani, crede che si tratti dell’ennesima bugia inventata per apparire indispensabili al Regno Unito. Per dimostrarlo, Kate suggerisce di inviare un drone sul fondo dell’oceano, che potrebbe scattare delle foto al Poseidon. Poiché è noto per avere uno scafo caratteristico, sarebbe inconfondibile nelle immagini. Una volta che Trowbridge capisce che la minaccia è reale, non penserebbe più di rivolgersi nuovamente ai cinesi. Il problema è che ciò richiederebbe alla Marina degli Stati Uniti di entrare nelle acque del Regno Unito senza permesso, e potrebbe essere percepito come un atto di guerra. Ma è un rischio che devono correre, e una volta provata la presenza di Poseidon, Trowbridge sarebbe troppo preso dall’affrontare la minaccia nucleare piuttosto che rimproverare l’America per aver portato le sue navi nelle acque del Regno Unito.

Il piano funziona. Quando le foto vengono posate sulla scrivania di Trowbridge, lui ripensa immediatamente alla sua strategia di andare in Cina. Quando chiede perché ci si possa fidare degli americani, e non dei cinesi, per Poseidon, Kate gli offre la possibilità di lasciare che l’arma marcisca in fondo all’oceano, poiché nessuno dovrebbe avere quel tipo di potere. Lui la ascolta e, per un attimo, tutto sembra andare per il meglio. Ma proprio mentre tutti stanno per partire, Callum dice a Kate che Poseidon è scomparso. I livelli di radioattività della zona sono diminuiti drasticamente, cosa che può accadere solo quando uno dei due dispositivi è stato rimosso. È una notizia allarmante, soprattutto se significa che i russi lo hanno preso. Kate lo riferisce immediatamente a Hal, che ne parla con Grace.

Mentre il presidente e il suo vice sono impegnati in una discussione, il marito di Grace, Todd, chiede a Kate se le sta bene il rapporto professionale di successo e un po’ stranamente intimo tra Hal e Grace. All’inizio lei respinge le sue preoccupazioni, credendo che lui stia insinuando una relazione sentimentale tra i due. Ma poi si rende conto che è più di questo. Non sono amanti segreti, ma complici, il che è peggio, perché significa che sono loro ad aver rubato Poseidon. Lei affronta immediatamente Hal al riguardo, sottolineando che, anche se Grace ha mandato un sottomarino a scattare le foto, ha detto a Trowbridge che i droni sono stati usati per ottenere le prove. Anche il momento in cui Poseidon è scomparso è molto sospetto e, senza sorpresa, Hal ammette che sono stati loro. L’America ha Poseidon, ma lei non può dirlo a nessuno.

Hal e Kate tornano insieme? Lei rompe con Callum?

All’inizio della stagione, quando Grace inizia ad avere dei ripensamenti sulla nomina di Hal a vicepresidente, Kate le dice che Hal tende a sorprenderti nei momenti più inaspettati. Anche se era inteso come un complimento, alla fine viene dimostrato nel modo più poco lusinghiero quando viene alla luce la verità su Poseidon. Kate non ha dubbi che sia stato Hal a proporre l’idea di rubare l’arma proprio sotto il naso di Trowbridge. L’avrebbe venduta come assicurazione, nel caso in cui il primo ministro britannico si fosse ancora rifiutato di collaborare con loro. In tal caso, Poseidon sarebbe sfuggito al controllo dei cinesi e gli americani non avrebbero avuto nulla di cui preoccuparsi. Se Trowbridge avesse accettato il ramoscello d’ulivo, avrebbe colmato il divario tra i due paesi.

Naturalmente, Hal, essendo Hal, non si ferma a pensare alle conseguenze delle sue azioni. Non si chiede cosa succederà quando gli inglesi lo scopriranno, cosa che inevitabilmente accadrà, prima o poi. Grace pensava che nessuno avrebbe scoperto la verità sull’HMS Courageous, ma nonostante tutti gli sforzi per insabbiare la vicenda o scaricare la colpa su qualcun altro, la verità, o almeno una parte di essa, è venuta a galla. Cosa succederà quando Trowbridge scoprirà che, con il pretesto di aiutarli, gli americani li hanno ingannati ancora una volta? Questo fa capire a Kate che, ancora una volta, potrebbe aver riposto troppa fiducia in Hal e aver dimenticato per un attimo quanto lui sia in realtà imperfetto. Pochi minuti prima di scoprire il suo tradimento, Kate ha fatto pace con lui, scusandosi per aver voluto separarsi e per la sua relazione con Callum.

Lei vuole che tornino insieme e Hal la accoglie a braccia aperte. Proprio mentre stanno per uscire, arriva Callum e si presume che Kate approfitterà di questo momento per rompere con loro. Ma poi lui le racconta di Poseidon e tutto crolla di nuovo su Kate. Ancora una volta, Hal ha sovvertito le aspettative nel peggiore dei modi. Proprio quando pensava di poterlo amare di nuovo, lui ha fatto qualcosa di così spettacolarmente stupido che lei è costretta a riconsiderare tutto, compreso il loro matrimonio. Quindi, anche se ha scelto Hal invece di Callum, la strada non sarà affatto facile per loro. Inoltre, tecnicamente non ha ancora rotto con Callum e, date le azioni di Hal, potrebbe finire per cercare conforto e un po’ di sanità mentale tra le braccia di Callum, dopotutto.

Old Money – Mondi Opposti, spiegazione del finale: ci sarà una seconda stagione?

Nihal proveniva da una famiglia benestante da generazioni, ma sfortunatamente, dopo alcuni affari andati male, suo padre si era indebitato. L’unica soluzione che avevano era vendere la loro villa sul mare alla famiglia Bulut. Erano nuovi nel mondo degli affari, ma si erano già fatti un nome. La nuova serie romantica turca di Netflix, Old Money – Mondi Opposti, è incentrata sullo scontro tra il vecchio denaro e i nuovi attori.

All’inizio Nihal era disposta a vendere la villa, ma quando il suo amico Engin le ha ricordato che era suo dovere conservarla, poiché apparteneva alla sua famiglia da generazioni e aveva un valore affettivo, ha capito che doveva lottare. Nihal ha capito che la famiglia Bulut aveva commissionato loro la costruzione di uno yacht perché sapeva che non avevano i soldi per portare a termine l’ordine. E se non fossero riusciti a consegnarlo, non avrebbero avuto altra scelta che pagare il loro debito vendendo loro la villa. Il padre di Nihal ammise di aver commesso un terribile errore accettando il lavoro; aveva l’impressione che l’ordine lo avrebbe aiutato a pagare parte del suo debito. Invece di vendere la villa, Nihal decise di consegnare lo yacht, ma non aveva idea di come farlo.

Arda e Berna finiranno insieme?

Arda, il più giovane della famiglia Bulut, era perdutamente innamorato di Berna, la direttrice finanziaria della loro azienda. Berna proveniva da una famiglia benestante, ma non esitava ad accettare il fatto che la famiglia Bulut avesse quella fame di successo che a loro mancava. Aveva costruito un curriculum impressionante dopo aver ricevuto un’istruzione presso gli istituti più prestigiosi e non le dispiaceva usare il suo talento per aiutare una nuova azienda a crescere, purché fosse trattata bene. A differenza di Engin, che ragionava sempre in termini di “noi” contro “loro”, lei non nutriva alcun pregiudizio nei confronti del suo capo.

Arda era sempre stato piuttosto aperto riguardo ai suoi sentimenti per Berna. Dopo un po’ di persuasione, Berna accettò di uscire con lui. Tra loro nacque subito un’intesa e, anche se all’inizio Berna era titubante all’idea di iniziare una relazione con il suo capo, alla fine cedette.

Arda non sentiva il bisogno di nascondere la loro relazione, ma Berna non era sicura di volerla rendere pubblica. Inizialmente lui pensò che lei non volesse che i colleghi sapessero della loro relazione perché avrebbero pensato che lei avesse un vantaggio ingiusto su di loro, ma presto capì che lei si vergognava di essere vista con lui. Pensò che lei non volesse stare con lui perché non provenivano dallo stesso ambiente. Arda decise di allontanarsi da Berna e finì per andare a letto con un’altra donna del lavoro. Vedere Arda con un’altra donna rese Berna gelosa e lei capì di essersi innamorata di lui. Considerando che era sempre stata di mentalità aperta riguardo al frequentare i “nuovi ricchi”, si rese conto di quanto fosse ingiusto allontanare qualcuno solo perché non proveniva da una famiglia privilegiata. Nell’episodio finale di Old Money – Mondi Opposti, Berna ha finalmente trovato il coraggio di rivelare i suoi sentimenti per Arda davanti ai suoi colleghi. Voleva che lui sapesse che non aveva paura, e Arda non riusciva a smettere di arrossire dopo il suo grande gesto. Berna e Arda non hanno più esitato ad ammettere al mondo che erano innamorati.

Perché Mahir aveva paura di innamorarsi?

Mahir, il più grande della famiglia Bulut, era un tipo irascibile e amante dell’adrenalina, con gli occhi che bruciavano di rabbia costante. Questo sentimento di rabbia e delusione derivava dal trauma infantile. I fratelli Mahir, Osman e Arda erano sopravvissuti a un devastante terremoto. Nonostante provenissero da famiglie diverse, il destino li aveva fatti incontrare. L’insegnante di matematica Songul Isikci era tra i quattro sopravvissuti dei 42 residenti che vivevano negli appartamenti Bulut. Lei adottò i tre ragazzi e insieme cercarono di guarire dalla tragedia.

Tra i tre ragazzi, Mahir era l’unico abbastanza grande da ricordare la sua vita prima del terremoto. Proveniva da una famiglia umile e guadagnava qualche soldo in più portando fuori la spazzatura e svolgendo altre faccende domestiche. Dopo il terremoto, la sua vita era cambiata in meglio e lui non sapeva come sentirsi al riguardo. La tragedia che aveva distrutto famiglie e ucciso persone gli aveva dato una seconda possibilità di vita, e lui si sentiva sempre a disagio per questa strana contraddizione. Avrebbe dovuto essere rimandato al suo villaggio per aiutare suo nonno dopo un altro anno di studi. E invece eccolo lì, a costruire una delle aziende in più rapida crescita a Istanbul, e non poteva fare a meno di sentirsi un impostore.

Mahir frequentava Asli, una cantante in ascesa. Era sincero riguardo ai suoi sentimenti e, sebbene lei fosse comprensiva, c’erano giorni in cui tutto ciò che desiderava era che lui restasse. Mahir aveva paura di affezionarsi: la tragedia lo aveva reso diffidente e ogni volta che Asli cercava di fare un passo avanti, lui la respingeva. Ma non riusciva a togliersela dalla testa. Quando un giornalista accusò Asli di aver rubato una delle sue canzoni, Mahir finì per aggredirlo.

La sua rabbia era mal riposta, considerando che non si era nemmeno presentato al concerto di Asli, pur sapendo quanto avrebbe significato per lei. Più tardi, quando Mahir si imbatté in un video in cui Asli e il suo arrangiatore sembravano stare insieme, ne rimase completamente distrutto. Asli aveva cercato di andare avanti, ma non riusciva a smettere di pensare a Mahir e alla fine decise di affrontarlo. Mahir ammise di essere profondamente innamorato di lei e di essere stato uno sciocco a cercare di allontanarsi da lei. Alla fine, Asli decise di dare una possibilità a Mahir e i due suggellarono il loro accordo con un bacio.

Perché Nihal ha allontanato Osman?

Nihal voleva costruire lo yacht, ma la sua azienda non aveva i soldi per farlo.  Ha provato a richiedere un prestito, ma a causa dei debiti già contratti da suo padre, nessuno era disposto a scommettere sulla sua impresa. Osman, il decisore della famiglia Bulut, si è innamorato di lei al loro primo incontro. Era un uomo d’affari spietato, ma quando si trattava di Nihal, non riusciva a essere aggressivo come al solito.

L’unico ricordo che Osman aveva di sua madre era quello di aver visto la villa sul mare durante una gita in barca con lei, e ricordava che sua madre gli aveva detto che le persone che vivevano lì erano davvero felici. Osman ricordava anche la bambina che aveva visto salutarlo con la mano e la villa sullo sfondo. Voleva comprare la stessa villa, ma non si aspettava di rimanere affascinato dalla bambina con le mollette a forma di scarabeo (Nihal) che aveva visto dalla barca. Organizzò segretamente un prestito per lei, in modo che potesse concentrarsi sulla costruzione dello yacht senza dover rinunciare alla sua casa.

Sebbene Nihal fosse inizialmente piacevolmente sorpresa dal recente sviluppo, ben presto capì che dietro c’era Osman e lo accusò di manipolarla. Non voleva essere alla sua mercé e non riusciva a immaginare di avere una relazione sentimentale con un uomo che stava già cercando di affermare la sua autorità su di lei. Osman annunciò che se lei non avesse consegnato lo yacht in tempo, avrebbe preso possesso della villa per coprire il debito che lei avrebbe avuto nei loro confronti. Erano tornati al punto di partenza e Nihal si concentrò sulla costruzione dello yacht. Accettò il prestito e si mise al lavoro.

Ben presto, Osman cercò di sistemare le cose tra loro, e funzionò solo per un breve periodo. Nihal era innamorata di Osman e non voleva che il tempo che trascorrevano insieme finisse mai. Lui non era il mostro senza cuore che tutti credevano; con Nihal era affettuoso e dolce. Ma Nihal iniziò a riflettere troppo dopo che una delle sue ex fidanzate le disse che Osman preferiva le avventure brevi e che lei non doveva prendere troppo sul serio la loro relazione.

All’inizio Nihal non ci fece caso, ma gradualmente iniziò a chiedersi se lui fosse davvero innamorato di lei o se volesse semplicemente entrare a far parte del suo mondo. Forse lui considerava la loro relazione come una partnership reciprocamente vantaggiosa, e lei non sapeva come sentirsi al riguardo. Quando lo sentì prenotare la sua camera preferita a Taormina, pensò che si trattasse della famigerata “fuga a Taormina”, dopo la quale di solito rompeva con le sue ragazze. Capì che il suo sospetto era giusto: lui non faceva sul serio con lei. Nihal scelse ancora una volta di allontanarsi da Osman, e questa volta Engin intervenne.

Nihal accettò la proposta di Engin?

Engin era innamorato di Nihal da anni. Aveva sempre pensato che, dopo tutte le sue brevi relazioni, alla fine avrebbe scelto lui. Quindi, naturalmente, era estremamente preoccupato quando Nihal si innamorò di Osman. Non era solo un concorrente in affari, ma anche una sfida per uomini come lui, provenienti da famiglie ricche da generazioni. Ma dopo aver scoperto che Nihal aveva rotto con Osman, ha deciso di chiederle di sposarlo. Per prima cosa ha parlato con il padre di Nihal e lo ha convinto che lui era l’uomo giusto per Nihal. Ha anche suggerito di vendere la villa a Osman per saldare tutti i debiti rimanenti, in modo che Nihal potesse ricominciare la sua vita senza preoccuparsi di ripagare i debiti del padre. Dopo che suo padre accettò la sua proposta, Engin finalmente trovò il coraggio di essere onesto sui suoi sentimenti verso Nihal. Lei non aveva mai preso sul serio il suo interesse per lei, ma quando lui le disse che non l’avrebbe mai lasciata, qualunque cosa fosse successa, lei pensò che un matrimonio stabile fosse meglio di una relazione senza speranza. Nihal considerò di dargli una possibilità e decisero di andare in Europa per trascorrere del tempo insieme. Nel frattempo, Osman era devastato quando ha saputo di Nihal ed Engin. Non gli importava più della villa; tutto ciò che voleva era stare con lei. Mahir gli ha suggerito di mettere da parte il suo ego e confessarle i suoi sentimenti.

Nihal e Osman tornano insieme?

Nihal si aspettava che la notizia della sua partenza avrebbe colpito Osman e che lui avrebbe finalmente cercato di parlarle, ma suo padre le disse che quando aveva discusso la proposta, Osman non si era mostrato interessato. Capì che lui non aveva mai tenuto a lei, anche se aveva scoperto che la sua ipotesi su Taormina era falsa. Lui non stava prenotando la stanza per loro, stava solo facendo da spalla ad Arda. Si aspettava che lui facesse almeno lo sforzo di parlarle un’ultima volta, mettendo da parte il suo ego, ma rimase delusa. Alla fine non vediamo Nihal ed Engin insieme all’aeroporto, ma considerando che suo padre aveva già deciso di separarsi dalla sua villa per garantire il futuro di lei con Engin, (probabilmente) non si tratta solo di un pettegolezzo diffuso da Engin e dal padre di Nihal. È probabile che la proposta del tour in Europa fosse, dopotutto, vera.

Nel frattempo, Osman si rese conto che doveva sistemare le cose con Nihal. Non solo era innamorato di lei, ma sentiva anche il bisogno di aggrapparsi all’unica persona che ricordava prima che la sua vita fosse stravolta dalla tragedia. Nihal era la ragazza a cui aveva salutato dalla barca da bambino, e credeva che fossero destinati a stare insieme. Osman salì sulla sua barca e si diresse verso la villa di Nihal. Le onde erano impietose e finì per perdere brevemente conoscenza dopo aver sbattuto la testa contro il lato della barca. In quel breve istante, Osman ricordò improvvisamente il volto di sua madre. Non aveva una sua foto e aveva trascorso gran parte della sua vita con un senso di colpa per non avere alcun ricordo dei suoi giorni d’infanzia.

Durante il finale di Old Money – Mondi Opposti, dopo aver ripreso conoscenza, Osman si recò in auto alla villa di Nihal e lì trovò suo padre. Questi consegnò a Osman la chiave della villa, pronto a separarsene per il bene di sua figlia. Osman rimase devastato quando scoprì che Nihal se n’era già andata. La serie di otto episodi si conclude con Osman che getta via la chiave della villa. Anche se aveva sempre sognato di vivere in una delle ville sul mare, non avrebbe mai pensato che ciò sarebbe avvenuto a costo di perdere l’amore della sua vita.

Ci sarà una seconda stagione?

Il tragico finale di Old Money – Mondi Opposti può anche essere interpretato come un indizio di una seconda stagione. Nella seconda stagione Nihal potrebbe rendersi conto, dopo il suo tour in Europa, che anche se volesse andare avanti e avere una relazione con Engin, una scelta sicura, non riesce davvero a togliersi Osman dalla testa. Forse anche Osman farà uno sforzo per tornare con Nihal e, nonostante gli alti e bassi, il finale più ovvio che si possa immaginare è che i due amanti finiscano insieme. La seconda stagione potrebbe anche esplorare il pregiudizio che la società nutre nei confronti delle donne di mezza età che trovano l’amore in uomini più giovani, dopo che Songul decide di rendere pubblica la sua relazione. Berda probabilmente presenterà Arda alla sua famiglia, e lui potrebbe avere difficoltà a conquistarne la fiducia. Considerando la popolarità di Asli, Mahir potrebbe trovare difficile adattarsi alla sua fama, soprattutto dopo che avranno reso pubblica la loro relazione.

Nessuno ci ha visti partire, la spiegazione del finale: Valeria ha riavuto i suoi figli?

Il finale di Nessuno ci ha visti partire (No One Saw Us Leave) di Netflix vedeva Valeria riottenere la custodia dei figli Isaac e Tamara, dopo che il marito Leo era fuggito con loro e li aveva tenuti lontani da lei per due anni. Il motivo? Leo aveva scoperto che Valeria aveva una relazione con suo cognato Carlos. Ne aveva parlato con sua sorella Gabriela, che lo aveva aiutato a portare via i figli dalla madre adultera. La destinazione finale di Leo era Israele, ma invece di seguire un percorso diretto, ha portato i bambini in un bizzarro giro del mondo che li ha portati prima in Francia, poi in Italia, poi in Sudafrica, prima di raggiungere finalmente la loro “patria”. Valeria ha deciso di inseguirli e Carlos ha abbandonato Gabriela e i loro figli per accompagnare il suo nuovo amore.

Erano sempre un passo indietro rispetto a Leo e ai bambini, ma solo dopo che si sono stabiliti in un “kibbutz” Valeria è riuscita a rintracciare il suo ex marito e i figli. Ha detto che ci sarà un processo a Gerusalemme contro Leo perché ciò che ha fatto è chiaramente illegale. Tuttavia, dato che Leo aveva passato gli ultimi due anni a riempire le menti di Isaac e Tamara di propaganda anti-Valeria, anche se avesse vinto la causa contro Leo, sarebbe stato difficile convincere i bambini ad andare con lei. Beh, Valeria ci è riuscita o ha fallito? Scopriamolo.

Valeria ha portato Leo in tribunale

Nel finale di Nessuno ci ha visti partire (No One Saw Us Leave), un avvocato che lavora presso l’Alta Corte di Gerusalemme ha spiegato a Valeria ed Elias, un collaboratore di Valeria che era stato incredibilmente utile nella ricerca di Leo e dei bambini, di aver redatto un documento molto dettagliato sulle scappatelle di Leo fino a quel momento. Il documento descriveva i numerosi modi in cui Leo aveva messo in pericolo Tamara e Isaac, come era fuggito pur sapendo che l’Interpol lo stava cercando e che era un alcolizzato. Valeria considerava quest’ultimo punto non solo falso, ma anche un colpo basso, perché Leo era molte cose, ma non un alcolizzato. Elias cercò di convincere Valeria che era giusto dipingere Leo come un alcolista perché lui e suo padre, Samuel, avevano sfruttato il potere della stampa per dipingere Valeria come una donna pazza. Tuttavia, Valeria si rifiutò di abbassarsi al suo livello. Oltre a tutto ciò, l’avvocato consigliò a Valeria di dire a Carlos di tornare in Messico, perché i giudici non si sarebbero schierati dalla sua parte se avessero visto l’uomo con cui aveva una relazione extraconiugale. Valeria riferì tutte queste informazioni a Carlos.

Nel frattempo, Leo confessò a Isaac e Tamara di aver mentito loro sul fatto che la madre li odiasse e che avrebbe dovuto affrontare un processo per averli praticamente rapiti, al termine del quale i giudici avrebbero deciso chi avrebbe ottenuto la custodia di Isaac e Tamara. Isaac disse che voleva vivere con Leo, mentre Tamara disse che voleva andare con Valeria. Leo disse che, indipendentemente dalla sentenza finale del tribunale, sarebbe venuto a prendere i suoi figli, perché li amava più di qualsiasi altra cosa al mondo. Il giorno del processo, prima di entrare in aula, Leo disse a Valeria che aveva detto ai bambini la verità su di lei e ammise loro di aver mentito sul suo amore per i figli. In risposta a ciò, Valeria rivelò che, anche se sapeva che Leo non era un alcolista, aveva testimoniato che lo era per rafforzare la sua causa. La risposta di Leo a quella rivelazione fu che gli dispiaceva che Valeria avesse avuto un aborto spontaneo dopo essere rimasta incinta di Carlos. Su questa nota, entrarono in aula e il processo non fu molto lungo.

Valeria ha ottenuto la custodia dei bambini

I giudici che presiedevano il caso intentato da Valeria contro Leo hanno semplicemente affermato che entrambe le parti avrebbero dovuto presentarsi davanti a un tribunale in Messico, poiché entrambi erano messicani, e sottoporsi a processo in quel Paese. Al fine di proteggere i bambini dal trauma del processo, sarebbe stato loro permesso di rimanere nel kibbutz Ein Tamar fino alla fine dell’anno scolastico. Ma poi i bambini sono andati comunque in Messico con Leo, violando l’ordinanza dei giudici. Dopo che Valeria, i suoi genitori e Carlos sono tornati a casa, Elias ha comunicato l’informazione a Valeria. Dato che non era riuscito a rintracciare Leo e i bambini dopo il loro atterraggio in Messico, Valeria ha iniziato a dare di matto perché pensava che Leo avesse rapito di nuovo i bambini. Ma dove erano? Erano a casa di Gabriela. Perché? Perché Samuel aveva detto loro di stare lì, permettendo così a Leo di rimanere con i bambini fino al processo.

Nel finale di Nessuno ci ha visti partire (No One Saw Us Leave), Carlos ha ricevuto una telefonata anonima sulla posizione di Isaac e Tamara. Moishe, il padre di Valeria, si è presentato a casa di Samuel e gli ha chiesto di rivelare dove fossero i bambini. Dato che Samuel era troppo spaventato per affrontare Moishe, sua moglie Galya lo ha incontrato e gli ha semplicemente detto che non avevano idea di dove fossero i bambini. E anche se Samuel avesse avuto qualche informazione, non era disposto a condividerla con Galya. Pochi istanti dopo, Elias, Carlos, Valeria e la polizia si sono presentati a casa di Gabriela. Tutti si aspettavano che Leo facesse qualcosa di drastico, ma lui ha semplicemente consegnato i bambini a Valeria. I titoli di testa prima dei titoli di coda rivelano che Isaac e Tamara non hanno più visto Leo per i successivi 20 anni. Valeria e Carlos hanno vissuto insieme e si sono presi cura dei bambini. Nel 1997 Carlos è morto. Tamara è diventata una scrittrice e nel 2020 ha pubblicato il romanzo su cui è basata questa miniserie. Bene, ottimo. Ma qual era il senso di tutta questa serie?

Aveva ragione Valeria o Leo?

Beh, suppongo che il principale punto di contesa che emergerà dal conflitto tra Valeria e Leo sia chi avesse ragione. Il problema tra Valeria e Leo è iniziato quando si sono sposati. Non si amavano. I loro genitori pensavano che fossero una coppia perfetta. Non erano abbastanza grandi per opporsi alla volontà dei genitori. Quindi si sono sposati e hanno avuto dei figli. Con il passare degli anni, Valeria e Leo si sono allontanati e Valeria si è sentita attratta proprio da Carlos. Invece di capire che un matrimonio senza amore non era una scusa per una relazione extraconiugale, Valeria ha tradito Leo con Carlos. Carlos era ugualmente responsabile del tradimento subito da Leo. Oltre a tutto ciò, sia Valeria che Carlos erano colpevoli di aver ferito Gabriela e i loro figli. Non mi interessa quanto la società diventi “progressista” e “moderna”; non giustificherò mai il tradimento, soprattutto quando si ha la possibilità di divorziare. In alcuni paesi arretrati, il divorzio o la separazione non sono così comuni. Quindi, avere una relazione extraconiugale sembra l’unica opzione praticabile. Tuttavia, se le persone vengono ferite nel processo, vale davvero la pena di amare? Non lo so.

Tornando alla trama, se la reazione di Valeria al suo matrimonio senza amore, ovvero la relazione extraconiugale, può essere considerata irrazionale, suppongo che la decisione di Leo di scappare con i figli per darle una lezione debba essere vista come una decisione altrettanto irrazionale. Insomma, sono ore che mi scervello su questo aspetto della trama e non riesco a capirlo. Ma che diavolo gli è saltato in mente? Che a un certo punto Valeria avrebbe semplicemente rinunciato e lui avrebbe potuto crescere i bambini come voleva? Non poteva restare in Messico, usare l’influenza che Samuel aveva lì e lottare per la custodia dei bambini in modo diretto? Cosa ha guadagnato da quella complicata avventura? Certo, Valeria non pensava ai bambini quando ha intrapreso quella relazione extraconiugale. E sembrava che l’unica cosa che importasse a Leo fossero i figli, motivo per cui li teneva vicini a sé ovunque andasse. Tuttavia, cosa deve essere stato più sconcertante per Tamara e Isaac? La relazione extraconiugale o la serie di shock culturali causati da quel viaggio intorno al mondo? Lascio a voi il giudizio.

Lezioni da imparare

Ora, qual è la lezione da imparare da tutto questo? Cosa dovremmo imparare noi spettatori dalla storia di Tamara Trottner? Non so se il punto centrale del romanzo non sia stato trasmesso molto bene fin dall’inizio o se sia andato perso durante l’adattamento di Maria Camila Arias, ma quello che ho capito è che le persone dovrebbero imparare ad agire in modo razionale prima di compiere passi importanti come sposarsi e avere figli. Il matrimonio e l’avere figli sono considerati così importanti per la sopravvivenza della civiltà che ogni singola cosa che facciamo sembra essere al servizio di questi due atti. Le persone costruiscono imperi e si spezzano la schiena per ottenere i beni di prima necessità, ma mentre fanno tutto questo, non si educano abbastanza per diventare persone ragionevoli. Anche adesso, alle persone tra i 20 e i 30 anni viene detto che stanno riflettendo troppo sul matrimonio e che dovrebbero semplicemente buttarsi a capofitto e tutto andrà bene. Nel frattempo, hanno davanti agli occhi una montagna di prove che dimostrano che questo approccio è profondamente sbagliato, ma che scelgono convenientemente di ignorare perché il peso del progresso della civiltà umana ricade apparentemente su di loro. Una “civiltà” deve prima essere “civilizzata”, altrimenti come possiamo essere migliori dei ratti e dei conigli che si riproducono all’infinito?

Quindi, sì, anche se non è questo il punto di Nessuno ci ha visti partire (No One Saw Us Leave), suggerisco comunque di guardare attentamente agli eventi presentati nella miniserie, di riflettere se possiamo essere fedeli in un matrimonio, di discutere con la nostra potenziale metà che la lealtà non sarà un problema, di avere figli dopo un’altra lunga discussione e poi di assicurarci che i suddetti figli abbiano la vita che meritano. Se questo è troppo complicato per voi, non dovreste sposarvi e non dovreste avere figli. Se pensate che la vostra eredità possa essere perpetuata solo se estendete la vostra discendenza e trasmettete loro la vostra ricchezza, vi sbagliate, e la lente attraverso cui guardate la vita è incredibilmente classista e casteista. Ci sono innumerevoli bambini orfani e sfollati là fuori; date loro la vostra ricchezza e la vostra eredità sarà immortalata. Inoltre, l’istruzione e il miglioramento delle condizioni di vita dei bambini orfani e sfollati gioveranno alla civiltà umana più che aumentare incautamente il numero della popolazione solo perché potete farlo. Comunque, questi sono solo i miei pensieri sul finale di Nessuno ci ha visti partire (No One Saw Us Leave). Se avete opinioni in merito, sentitevi liberi di condividerle nella sezione commenti qui sotto.

Furioza 2, la spiegazione del finale

Furioza 2 (Inside Furioza) è il sequel del film thriller d’azione polacco di Netflix del 2022 Furioza che sposta l’attenzione dal protagonista del primo film, Dawid, al braccio destro della banda Furioza, Golden. Ambientato nelle settimane successive al misterioso omicidio del leader della banda Furioza, Kaszub, il sequel affronta le conseguenze del brutale omicidio e il tradimento che lo ha preceduto, mentre nuove connessioni e traffici di droga portano i personaggi e la loro banda in Irlanda. Nel complesso, Furioza 2 (Inside Furioza) dovrebbe comunque impressionare gli appassionati di azione hardcore e sarà particolarmente divertente per coloro che hanno apprezzato il primo film alcuni anni fa.

Di cosa parla il film Furioza 2 (Inside Furioza)?

Furioza 2 (Inside Furioza) inizia nei giorni immediatamente successivi all’omicidio di Kaszub, già raccontato nel primo film, ma ribalta la prospettiva mostrando tutti gli eventi dal punto di vista di Golden. Si apre con una scena del passato, in cui Golden, uno dei membri più devoti del gruppo di tifosi di calcio hooligan polacchi Furioza, sta guidando con il suo migliore amico, Dawid, su un’autostrada polacca, chiaramente all’inseguimento di un’auto da cui sono attualmente troppo lontani. Ma la guida pericolosamente spericolata di Golden permette loro di raggiungere rapidamente l’auto che stanno inseguendo, che contiene teppisti come loro, ma appartenenti alla banda rivale, gli Antmen. Picchiano i rivali e rubano la bandiera della loro banda, che diventa una parte importante del loro incontro serale.

Mentre tutti i membri principali di Furioza si riuniscono, guidati dal loro amato leader, Kaszub, i giovani bruciano la bandiera degli Antmen e promettono di arrivare ai vertici del teppismo calcistico nel paese. È qui che Golden rivela per la prima volta ai suoi amici più cari le sue grandi ambizioni di fare qualcosa di straordinario nella vita e di costruirsi una vita di immensa ricchezza e lusso. Vuole afferrare con sicurezza tutto ciò che gli si para davanti, in modo che quando morirà, la sua eredità sarà ricordata come quella di un teppista amato e temuto da tutti. In linea con la promessa fatta a se stesso, Golden si trasferisce in un appartamento in un grattacielo solo pochi anni dopo, quando ha già guadagnato molti soldi grazie alle attività illegali della banda Furiosa.

La prima persona che Golden invita a casa sua e a cui racconta di questo importante successo è Kaszub, che è più come un fratello maggiore e una guida per lui. Kaszub è stato un sostegno molto forte nella sua vita e Golden si sente persino in debito con lui per i suoi successi. Pertanto, quando Golden alla fine uccide Kaszub, solo pochi anni dopo, solo perché eliminare il capo della banda Furiosa aiuterà enormemente la sua posizione personale, inizia a perdere la testa per questo. Con il passare delle ore, un senso di colpa estremo si impadronisce di Golden mentre cerca di venire a patti con l’orribile atto di tradimento che ha appena commesso. Continua ad avere allucinazioni di Kaszub, con il sangue che gli cola dalla testa, e queste visioni immaginarie lo spaventano, ma non c’è modo per lui di elaborare correttamente la questione. Dopotutto, Golden deve anche tenere segreto il suo tradimento al resto della banda, in particolare al fratello di Kaszub, Dawid, che è molto addolorato.

Come era morto davvero Kaszub?

Gli incidenti della notte dell’omicidio di Kaszub vengono finalmente rivelati in tutti i dettagli, ovviamente dal punto di vista di Golden, che era stato una parte significativa del piano. Era stato Dima, il sicario del traffico di droga, a ideare il piano originale per uccidere Kaszub, poiché la banda Furiosa gli impediva di contrabbandare droga in Polonia. Ma aveva bisogno di qualcuno all’interno, qualcuno che conoscesse bene Kaszub e la banda, e per questo si rivolse a Golden, che era stato il braccio destro della banda. Golden aveva sempre desiderato creare un proprio impero della droga, il che lo spinse ad accettare l’offerta di Dima, nonostante non fosse del tutto d’accordo. Pertanto, anche la notte dell’omicidio, Golden era ancora stressato e indeciso se andare avanti con il piano.

A Golden era stato affidato il compito di identificare Kaszub nel parcheggio, mentre i suoi uomini mascherati aspettavano fuori per la conferma. A causa del turbinio di emozioni che gli attraversava la mente, dominate principalmente dal senso di colpa e dalla paura, Golden mentì dicendo che l’uomo preso di mira non era Kaszub, ma Dima era sempre stato preparato a una situazione del genere. Anche lui sapeva che Golden avrebbe trovato estremamente difficile, quasi impossibile, tradire il suo caro capo, e così ordinò ai suoi uomini di agire. Kaszub fu picchiato e ferito gravemente, ma non era ancora morto quando Golden gli si avvicinò e afferrò un forcone. Probabilmente, la mente tormentata dal senso di colpa di Golden gli fece credere che Kaszub lo avesse identificato, nonostante la maschera che gli copriva il volto, e quindi lasciare in vita il boss dei Furioza non era un’opzione.

Così, Golden non esitò a usare il forcone per pugnalare a morte Kaszub, completando con successo il piano che lui e Dima avevano ideato. Avevano scelto specificatamente il forcone come arma del delitto poiché il loro rivale professionale, Antman, o Mrowka, usava sempre un forcone per commettere i suoi crimini. Volevano far sembrare che Mrowka avesse ucciso Kaszub, e questa storia sarebbe stata molto facile da vendere, dato che erano i leader di due gruppi rivali di teppisti che si odiavano con intensa passione. Il piano aveva funzionato alla perfezione, poiché tutti credevano che Mrowka fosse l’assassino, e questo aveva scatenato una guerra tra le bande Furiosa e Antmen, mentre Dima e i suoi soci erano liberi di continuare i loro affari. Golden, nel frattempo, doveva convivere con il terribile rimorso, che spesso si trasformava anche in paura, con lui che aveva allucinazioni del fantasma di Kaszub che veniva a vendicarsi di lui.

Perché Mrowka viene attaccato più volte?

I membri della banda Furiosa sono assolutamente infuriati con Mrowka e gli Antmen dopo che il loro amato leader, Kaszub, è stato ucciso con un forcone. Ma ciò che li fa infuriare ancora di più è l’improvvisa presenza di Mrowka al funerale di Kaszub, dove si erano riuniti amici e familiari, insieme a migliaia di cittadini polacchi venuti a rendere omaggio. I leader e i membri di tutte le tifoserie violente del paese, insieme a quelli delle bande criminali, si erano riuniti sul posto, mettendo da parte le loro rivalità per rispetto verso il defunto. Ma tutti si aspettavano che gli Antmen restassero lontani, dato che erano presumibilmente gli assassini di Kaszub. Pertanto, quando Mrowka si presenta e continua a sostenere di non avere nulla a che fare con la morte del suo rivale, i Furiosi lo considerano non solo un brutale assassino, ma anche un bugiardo intrigante.

Golden e Dawid seguono persino Mrowka e la sua banda dal funerale, ma decidono di non aggravare ulteriormente la situazione quando arrivano Dzika e la sua unità di polizia. Mrowka dice anche alla sua banda di ritirarsi, nel tentativo di dimostrare ulteriormente che non ha commesso né ordinato l’omicidio. Nonostante la banda avesse inizialmente deciso di non attaccare Mrowka, su consiglio di Golden, naturalmente, le Furiosas alla fine decidono di colpire dopo che Mrowka si è trasferito in Irlanda per supervisionare gli affari lì. È ancora una volta Golden a guidare questo attacco, e le Furiosas cercano di raggiungere Antman attraverso un contatto comune a Dublino, Zeta. Iniziano a smantellare le attività degli Antmen in città, culminando in uno scontro diretto tra le due bande, che coinvolge persino la polizia irlandese. È stato Golden a guidare le Furiosa nello scontro e continua a pianificare l’attacco a Mrowka, nonostante la maggior parte dei membri della banda non sia presente.

Insieme ai suoi due scagnozzi, Olo e Bula, Golden rintraccia Mrowka davanti alla chiesa che frequenta e aspetta il momento giusto per colpire. Ma Bula agisce d’impulso e spara prima che i suoi amici siano pronti, allertando Mrowka e aiutandolo a fuggire. Molto più avanti nel film, Olo e Bula fanno un altro tentativo di uccidere il leader degli Antmen, ma falliscono ancora una volta, il che significa che Mrowka sopravvive fino alla fine. Tuttavia, il colpo di scena alla fine fa capire ai membri della banda di Furiosa che non è stato Mrowka a uccidere il loro leader, ma che era Golden il vero traditore tra loro.

Perché Golden stringe un accordo con Mrowka?

La natura ambiziosa di Golden, che era già evidente in “Furiosa”, viene ulteriormente elaborata nel sequel, quando egli inizia gradualmente a sovrascrivere i suoi sensi di colpa con un’estrema avidità e passione per il successo nella vita. Due episodi specifici lo spingono anche a stringere un accordo con il nemico: il primo lo vede messo alle strette da Mrowka e dai suoi uomini un giorno, poco dopo il fallito tentativo di assassinarlo. Mrowka picchia Golden per ripicca, ed è allora che quest’ultimo gli offre la possibilità di lavorare insieme. Anche se inizialmente sembra che Golden faccia questa proposta solo per evitare di essere picchiato, in realtà è molto serio al riguardo, avendo chiaramente riflettuto sulla questione già da tempo.

Golden ha sempre desiderato diventare ricco, e avere un proprio business di traffico di droga sarebbe il mezzo più facile e appropriato per farlo. Pertanto, Mrowka, che ha un proprio traffico di droga in Irlanda e nelle nazioni insulari circostanti, può ovviamente essere un buon partner per lui. Un secondo incidente che inizia a far cambiare idea a Golden è l’incontro con una donna di nome Eli in un nightclub locale. Nonostante Eli lo respinga costantemente, Golden si innamora di lei e vuole stare con lei a tutti i costi. Oltre al bisogno di diventare ricco, ora sente anche l’urgenza di fare qualcosa di significativo nella sua vita.

Un dipinto in particolare che tiene sempre nella sua casa e che lo affascina molto è “Narciso” di Caravaggio, in cui Narciso (della mitologia classica) guarda con amore il proprio riflesso in uno specchio d’acqua. Questo dipinto riassume in realtà la trasformazione di Golden da traditore tormentato dal senso di colpa a spacciatore sicuro di sé e sfrontato, attraverso una forma contorta di amor proprio, in particolare con una versione più oscura di se stesso. Il riflesso nel dipinto mostra naturalmente Narciso più oscuro di quanto non sia nella realtà e, nel caso di Golden, l’immagine riflessa di cui si innamora gradualmente è figurativamente più oscura, molto più violenta e priva di quel senso di fratellanza che prima era la caratteristica più distintiva della sua personalità.

Come finiscono Golden e Mrowka nei guai in Irlanda?

All’inizio della loro collaborazione in Irlanda, Golden e Mrowka riescono a contrabbandare con successo scorte di droga e diventano ogni giorno più ricchi. Golden continua a conservare tutto il denaro che guadagna in un container vuoto nel porto, poiché non ha ancora trovato un modo per spendere così tanti soldi. Continua a fare acquisti e si trasferisce persino in una nuova casa lussuosa, ma finisce comunque per dover nascondere la maggior parte dei suoi guadagni illegali. Tuttavia, questo non impedisce a Golden di sognare di ottenere ancora di più, ed è per questo che convince Mrowka a entrare nel traffico di cocaina, poiché è la droga più redditizia tra tutte.

Così, i due iniziano a vendere anche cocaina, ma questo li mette nei guai con una fazione diversa, i moderni successori dell’IRA. Questi criminali incalliti sono quelli che controllano il contrabbando e la vendita di cocaina in Irlanda e naturalmente non sono contenti che questi nuovi gangster si intromettano nel loro territorio. Ma Golden è abbastanza intraprendente da riuscire a districarsi anche da questa situazione pericolosa, stringendo un accordo con l’IRA per aiutarli a vendere la loro cocaina in Polonia e nell’Europa dell’Est. Devono pagare una grossa somma di denaro per la merce e alla fine ricevono un furgone pieno di droga, che Golden alla fine riporta in Polonia, correndo un rischio estremo a cui nemmeno Mrowka vuole partecipare, solo per paura.

Come fa Golden a ingannare Mrowka?

Golden compie la mossa audace di riportare il furgone con il suo carico di cocaina in Polonia, lasciando Mrowka a Dublino. Sebbene Mrowka inizialmente pensi che Golden lo abbia tradito, si sente in qualche modo sollevato quando quest’ultimo lo contatta e riporta la cocaina alla struttura degli Antmen in Polonia. Tuttavia, Golden finisce per stringere un accordo segreto con Dima, il socio in affari che aveva conosciuto in precedenza, e gli vende la droga, lasciando Mrowka senza alcun guadagno dall’accordo con il pericoloso IRA. Alla fine, Mrowka cerca di recuperare i soldi vendendo la casa e le proprietà di Golden in Irlanda, in modo da guadagnare almeno qualcosa da tutta questa vicenda. Nel frattempo, Dima organizza un rifugio sicuro per Golden in Ucraina, dove potrà nascondersi per alcuni mesi prima di riprendere una vita normale, ma il suo senso di colpa lo raggiunge ancora una volta.

Come è morto Golden?

A questo punto, Golden era già stato arrestato dalla polizia, dopo che era stata trovata una prova video che lo ritraeva mentre uccideva Kaszub. Tuttavia, il capo della polizia, Jacek Bauer, lo aveva lasciato andare con la promessa che Golden avrebbe aiutato le autorità a catturare Mrowka e altri personaggi di spicco nel mondo del traffico di droga. Questo aveva fatto infuriare Dzika, che aveva divulgato il video al gruppo online Furiosa dopo aver lasciato andare Golden. Golden sapeva quindi che i suoi vecchi amici e fratelli stavano venendo a prenderlo, e così decise di non fuggire in Ucraina e di affrontare invece il suo destino.

Nel finale di Inside Furioza, Golden viene picchiato a morte dai membri infuriati della banda Furioza, che finalmente riescono a vendicarsi del terribile tradimento. Ma nella sua mente, Golden desidera ancora avere successo senza dover affrontare le conseguenze delle sue azioni. Finisce per non avere né amore né ricchezza nella sua vita, il che gli fa capire che alla fine ha fallito miseramente nella vita. Eli sceglie di non avere nulla a che fare con lui e sua madre non vuole più avere contatti con lui dopo aver capito cosa ha fatto. Golden decide di dare tutti i soldi che ha guadagnato in Irlanda, insieme alla sua lussuosa Lamborghini, alla vedova e alla figlia di Kaszub. Questo è quasi un atto di redenzione per lui, ed è per questo che, nonostante sia stato picchiato a morte, Golden si sente leggero e libero dal senso di colpa, come se potesse finalmente tuffarsi nelle acque blu del mare dal molo. Furioza 2 (Inside Furioza) si conclude con questa scena immaginaria in cui Golden trova finalmente la pace, purtroppo solo dopo la sua morte.

Palm Royale: svelato il trailer della seconda stagione in arrivo il 12 novembre

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È quasi ora di tornare nel club più esclusivo di Palm Beach. Oggi Apple TV+ ha presentato il trailer ricco di star della seconda stagione di Palm Royale, che farà il suo debutto il 12 novembre con il primo episodio dei dieci in totale, seguito da un episodio a settimana fino al 14 gennaio 2026.

La seconda stagione della comedy nominata agli Emmy con protagonista e produttrice esecutiva Kristen Wiig, candidata agli Emmy e agli Oscar, e Laura Dern, vincitrice di Oscar ed Emmy, riunisce il suo cast stellare con Allison Janney, Ricky Martin, Carol Burnett, Josh Lucas, Leslie Bibb, Amber Chardae Robinson, Mindy Cohn, Julia Duffy e Kaia Gerber, e dà il benvenuto alle nuove guest star John Stamos, la vincitrice del Tony Award Patti LuPone, Vicki Lawrence e Matt Rogers. Il cast include anche Claudia Ferri, Jason Canela, Jordan Bridges, James Urbaniak, Roberto Sanchez, Rick Cosnett e Ryan Dorsey. 

Cosa succede nella seconda stagione di Palm Royale

Palm Royale segue Maxine Dellacorte (interpretata da Kristen Wiig) nel tentativo di assicurarsi un posto al tavolo più esclusivo d’America: l’alta società di Palm Beach. Mentre Maxine cerca di superare quella linea invalicabile che separa chi ha tutto da chi non ha nulla, la serie pone le stesse domande che ancora oggi ci lasciano perplessi: Quanto di te stesso sei disposto a sacrificare per ottenere quello che ha qualcun altro? “Palm Royale” è una testimonianza di tutti gli outsider che lottano per garantirsi la loro opportunità di emergere e appartenere veramente a se stessi.

Nella seconda stagione, Maxine viene emarginata dalla società dopo uno scandaloso crollo nervoso in pubblico. Dovrà attingere alla sua profonda intelligenza e astuzia per dimostrare una volta per tutte che non solo appartiene a quel mondo, ma che potrebbe anche avere ciò che serve per governare questa città. Lungo il percorso scoprirà verità inconfessabili e capirà finalmente su cosa si fonda veramente questa città… segreti, bugie e qualche reato occasionale.

Attualmente disponibile in streaming su Apple TV, la prima stagione di “Palm Royale” ha ricevuto 11 nomination agli Emmy, tra cui Miglior serie comica, Miglior attrice protagonista in una serie comica (Kristen Wiig) e Miglior attrice non protagonista in una serie comica (Carol Burnett), inoltre ha vinto l’Emmy per la Miglior sigla originale.

Prodotto da Apple Studios, “Palm Royale” è scritto, prodotto e diretto da Abe Sylvia per Aunt Sylvia’s Moving Picture Company. La serie è prodotta da Dern e Jayme Lemons per Jaywalker Pictures, Wiig e Katie O’Connell Marsh.

Fuoco e Acqua: Making of dei film di Avatar dal 7 novembre su Disney+, ecco il trailer

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Disney+ ha annunciato che Fuoco e Acqua: Making of dei film di Avatar debutterà il 7 novembre 2025 in esclusiva sulla piattaforma streaming. Sono disponibili il trailer e la key art.

Il documentario in due parti prodotto da 20th Century Studios e Lightstorm Entertainment, che offre un affascinante dietro le quinte della realizzazione di Avatar: La Via dell’Acqua, il fenomeno cinematografico vincitore di un Oscar®, oltre a un’anteprima del prossimo film Avatar: Fuoco e Cenere, contiene esclusivi retroscena, concept art e interviste a cast e filmmaker. I realizzatori hanno viaggiato da Manhattan Beach, San Pedro, Shasta Lake e le isole del Canale fino alle Bahamas, le Hawaii e la Nuova Zelanda, seguendo il cast e le maestranze tecniche mentre affinavano e perfezionavano la tecnologia di performance capture subacquea e imparavano a praticare l’apnea in una gigantesca vasca d’acqua all’avanguardia da più di 2,5 milioni di litri.

James Cameron e Rae Sanchini sono gli executive producer di Fuoco e Acqua: Making of dei film di Avatar. Thomas C. Grane è il regista/produttore, Richard Brehm è lo sceneggiatore/produttore, Robert Glowacki è il direttore creativo, John Clisham è il direttore della fotografia, Steven Wacks è il direttore della fotografia – interviste, mentre Geoff Burdick è il consulente creativo.

Avatar: Fuoco e Cenere, il nuovo trailer italiano

Il documentario in due parti include interviste con (in ordine di apparizione): James Cameron (sceneggiatore/regista/produttore/editor), Sam Worthington, Zoe Saldaña, Jon Landau (produttore), Stephen Lang, Maria Battle Campbell (co-producer, 1st assistant director), Richard Baneham (executive producer, Lightstorm visual effects supervisor), Kate Winslet, Rae Sanchini (executive producer, president, Lightstorm Entertainment), Margery Simkin (casting director), Jamie Landau (co-producer), Stephen Rivkin (editor), Ryan Champney (visual production supervisor), Dylan Cole (production designer), Garrett Warren (2nd unit director, stunt coordinator), Rob Innes (founder, Jetovator, Inc.), John Rosengrant (co-founder, Legacy Effects), Chis Denison (stunts), Joey Natale (stunts, stunt driver), Steve Brown (assistant stunt coordinator), Richie Schwalm (on-set coordinator), JD Schwalm (performance capture special effects coordinator), Peter Zuccarini (underwater cinematographer), John Garvin (supervising dive master), Kirk Krack (performance free dive instructor), Sigourney Weaver, Cliff Curtis, William Trubridge (Metkayina stroke consultant), Britain Dalton, Trinity Jo-Li Bliss, Luke Freeborn (supervising art director), Ben Procter (production designer), Brigitte Yorke (co-producer, New Zealand unit production manager), Brendan Cowell, John Garvin (supervising dive master), Jack Champion, Joe Letteri (senior visual effects supervisor), Eric Saindon (Wētā FX, senior visual effects supervisor), Nick Epstein (Wētā FX, visual effects supervisor). Mob Scene è stata la casa di produzione del documentario.

Vanessa Redgrave ospite d’onore al 43° Torino Film Festival

Figura di riferimento assoluto del panorama cinematografico e teatrale internazionale, Dame Vanessa Redgrave sarà presente al 43° Torino Film Festival, in programma dal 21 al 29 novembre 2025. La pluripremiata attrice presenterà in anteprima mondiale il suo ultimo film che la vede protagonista, The Estate, e riceverà la Stella della Mole per il suo eccezionale contributo all’arte cinematografica.

Dame Vanessa Redgrave ha costruito una carriera di straordinaria intensità e coerenza artistica, collaborando con alcuni tra i più importanti registi del cinema mondiale, come Michelangelo Antonioni, James Ivory, Joe Wright e molti altri. Vincitrice di numerosi premi, tra cui un Premio Oscar (quale miglior attrice non protagonista per il film Giulia del 1977 di Fred Zinnemann), due Golden Globe, un Tony Award, un Primetime Emmy Award e un Olivier Award – oltre al Leone d’Oro alla carriera del 75° Festival di Venezia – Redgrave è da sempre interprete di ruoli profondi e complessi, oltre ad essere un’artista impegnata anche sul piano civile e umanitario.

The Estate riunisce sullo schermo l’attrice e suo marito Franco Nero in un thriller diretto dal figlio Carlo Gabriel Nero. Al centro della storia, un’aristocratica famiglia che dovrà salvare la propria dimora di campagna dai debiti e da apparizioni inquietanti.

Giulio Base, Direttore del Torino Film Festival, ha dichiarato: “Quando per sei volte vieni nominata all’Oscar non sei più soltanto una delle più grandi attrici del mondo: diventi mito. E quando una di quelle nomination diventa Oscar, la tua voce si muove come un’onda, capace di infrangersi e rinascere sempre. Vanessa Redgrave è un’icona del teatro e del cinema, ma anche un’attivista impegnata. Consegnarle la Stella della Mole significa celebrare una leggenda, un monumento vivente che continua a plasmare il nostro immaginario”.

La Stella della Mole è il riconoscimento cinematografico assegnato a figure di spicco del cinema internazionale, che hanno dato contributi significativi al mondo della settima arte. Una celebrazione del cinema d’autore e della creatività artistica che onora chi ha lasciato un’impronta indelebile nel panorama cinematografico mondiale.

Il Torino Film Festival è realizzato dal Museo Nazionale del Cinema di Torino e si svolge con il contributo del Ministero della Cultura – Direzione Generale Cinema e Audiovisivo, Regione Piemonte, Città di Torino, Fondazione Compagnia di San Paolo, Fondazione CRT.

The Iris Affair – Missione ad alto rischio: da domani su Sky e NOW il nuovo thriller di Neil Cross

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Una misteriosa tecnologia in grado di cambiare il destino del mondo, una brillante mente chiamata a decifrarne il segreto e una spietata cospirazione internazionale pronta a tutto pur di fermarla: arriva da domani, 17 ottobre, su Sky Atlantic e in streaming su NOW The Iris Affair – Missione ad alto rischio, la nuova serie Sky Original creata e diretta da Neil Cross, già autore dell’acclamato Luther con Idris Elba, vincitore del Golden Globe.

La serie, un tech thriller in otto episodi, vede protagonista Niamh Algar (Mary & George, The Virtues) nel ruolo di Iris Nixon, una donna dal talento straordinario per la risoluzione di enigmi, affiancata da Tom Hollander (The White Lotus, Feud: Capote vs. The Swans) nei panni del carismatico e ambiguo imprenditore Cameron Beck. Accanto a loro anche Maya Sansa, in un ruolo chiave che lega la vicenda all’Italia, tra segreti e rivelazioni inattese.

Diretta da Terry McDonough (Breaking Bad, Better Call Saul) e Sarah O’Gorman (Un gentiluomo a Mosca, The Witcher), The Iris Affair – Missione ad alto rischio si presenta come un thriller dal respiro cinematografico, girato tra Firenze, Roma e la Sardegna, con un’estetica elegante e internazionale.

La trama segue Iris, geniale risolutrice di codici, che dopo aver decifrato una serie di enigmi online, viene coinvolta in un progetto segreto legato a una tecnologia potenzialmente distruttiva. Quando scopre il pericolo della sua scoperta, decide di fuggire con le chiavi dell’attivazione, dando inizio a un inseguimento serrato attraverso l’Italia.

Nel cast anche Kristofer Hivju, Harry Lloyd, Sacha Dhawan, Debi Mazar, Marco Leonardi e Peter Sullivan. Prodotta da Sky Studios e Fremantle, con i servizi italiani curati da Wildside, la serie debutterà con i primi due episodi il 17 ottobre, seguiti da un nuovo episodio ogni venerdì su Sky e NOW.

Toy Story 5: la prima foto rivela il primo sguardo al ritorno di Woody e Buzz Lightyear

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Il sito ufficiale della Pixar ha rivelato il primo poster di Toy Story 5, che mostra Woody e Buzz ai lati del logo del film. Entrambi i personaggi sfoggiano il loro look iconico, ma Buzz indossa il distintivo da sceriffo che era stato originariamente consegnato a Jessie alla fine di Toy Story 4.

Il prossimo film della Pixar uscirà il 19 giugno 2026, quasi sette anni dopo il quarto capitolo. Anche se Woody ha deciso di avventurarsi in una nuova vita con Bo Peep, mentre i restanti giocattoli rimangono con la loro proprietaria, Bonnie, l’iconico cowboy tornerà per il quinto capitolo. Tom Hanks dovrebbe riprendere il suo ruolo al fianco di Tim Allen, che ha interpretato Buzz.

I dettagli sul quinto film sono stati svelati poco a poco, con la trama che finalmente si allinea al mondo tecnologico moderno. I giocattoli ora competono con i dispositivi elettronici per conquistare l’attenzione della loro proprietaria, Bonnie. La Pixar ha pubblicato alcuni bozzetti che mostrano l’attenzione di Bonnie per il suo dispositivo smart, con i giocattoli che la osservano.

Toy Story 5

Diretto da Andrew Stanton e Kenna Harris, Toy Story 5 è diventato uno dei film più attesi del 2026. È stato confermato che l’antagonista principale è Lily Pad di Bonnie, che vuole separare i giocattoli dalla loro proprietaria. Di conseguenza, Jessie chiede aiuto a Woody, il che scatena la sua riunione con i suoi vecchi amici.

Jim Carrey sarà protagonista dell’adattamento de I pronipoti (The Jetsons) per la Warner Bros

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Jim Carrey potrebbe dirigersi verso il futuro, dato che l’attore è in trattative per recitare in un film live-action della classica serie di cartoni animati The Jetsons. Questo sarebbe il primo ruolo da protagonista – e il primo ruolo in un film al di fuori della Sonic the Hedgehog franchise – per Carrey dal suo annuncio di ritiro nel 2022.

Secondo quanto riportato il 15 ottobre, Carrey sarebbe in trattative per interpretare presumibilmente George Jetson, il patriarca della famiglia futuristica al centro della classica serie animata degli anni ’60. È stato anche annunciato che Colin Trevorrow, che ha diretto i primi tre film di Jurassic World, è in trattative per dirigere The Jetsons, che sarà prodotto dalla Warner Bros.

Al momento non sono disponibili dettagli sulla trama, ma Trevorrow e Joe Epstein sono anche in trattative per scrivere la sceneggiatura, che molto probabilmente fornirà una nuova visione della famiglia protagonista mentre vive la sua vita nell’anno 2062.

The Jetsons era un cartone animato della Hanna-Barbera, lo stesso studio di animazione che ha creato The Flintstones, Yogi Bear, Scooby-Doo, Dexter’s Laboratorye The Powerpuff Girls. Oltre a George Jetson, la famiglia protagonista comprendeva suo figlio Elroy, sua figlia Judy e sua moglie Jane. Il cast originale della serie comprendeva George O’Hanlon, Penny Singleton, Daws Butler e Janet Waldo.

La serie originale è stata trasmessa per 75 episodi, ma nel corso degli anni ci sono stati diversi seguiti, tra cui un crossover tra I pronipoti e I Flintstones, oltre a un film d’animazione del 1990, I pronipoti: Il film.

Un precedente tentativo di realizzare un film live-action Jetsons di Adam Shankman non è mai andato a buon fine. Ci sono stati anche tentativi più recenti di realizzare film in CGI o animati basati sul classico cartone animato, tra cui uno di Robert Rodriguez e un altro del regista di Sausage Party Conrad Vernon.

Mentre Carrey ha anticipato che avrebbe smesso di recitare nel 2022 durante la promozione di Sonic the Hedgehog 2, due anni dopo è tornato a interpretare il ruolo del Dr. Robotnik nell’adattamento del videogioco Sonic the Hedgehog 3 del 2024. Tuttavia, The Jetsons segnerà il primo ruolo di Carrey in un film nonSonic dal 2016.

Carrey, ovviamente, ha all’attivo una miriade di interpretazioni degne di nota nel corso della sua carriera. Dal suo successo nel 1994 con la tripletta di Ace Ventura – L’acchiappanimali, Scemo & più scemo e The Mask (recentemente un successo in streaming su Netflix) alle acclamate interpretazioni drammatiche in The Truman Show e Se mi lasci ti cancello, l’attore è stato una delle più grandi star del cinema degli ultimi 30 anni.

La Warner Bros. non ha confermato la realizzazione di un film live-action sui Jetsons né il potenziale coinvolgimento di Carrey al momento della stesura di questo articolo.

In copertina: L’attore Jim Carrey arriva alla prima di Los Angeles del film “Sonic The Hedgehog 2” – Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com

Il Signore degli Anelli: il cast originale annuncia un grande evento per il 25° anniversario

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Il 25° anniversario de Il Signore degli Anelli: La compagnia dell’anello si avvicina e, per festeggiarlo, il cast originale si riunirà per un grande evento. La compagnia dell’anello, uscito nel 2001, ha presentato Elijah Wood nei panni di Frodo, Sean Astin in quelli di Sam, Billy Boyd in quelli di Pippin e Dominic Monaghan in quelli di Merry: quattro Hobbit che lasciano la Contea per intraprendere un’avventura indimenticabile.

Ora, FAN EXPO HQ ha annunciato ufficialmente An Evening With the Hobbits: In Celebration of 25 Years, un tour nordamericano in 11 città che vedrà protagonisti le star de Il Signore degli Anelli Elijah Wood, Sean Astin, Billy Boyd e Dominic Monaghan nel 2026.

Il tour inizierà alla FAN EXPO di New Orleans il 10 gennaio 2026 e toccherà città come Portland, Orlando, Calgary, Boston, Chicago e Toronto, prima di concludersi a Dallas il 12 settembre 2026.

L’evento vedrà i quattro attori condividere storie dietro le quinte, momenti divertenti sul palco e ricordi sinceri del periodo trascorso durante le riprese de Il Signore degli Anelli. Di seguito è riportato l’elenco completo delle città e delle date di An Evening With the Hobbits: In Celebration of 25 Years:

  • FAN EXPO New Orleans (9-11 gennaio 2026): sabato 10 gennaio alle 19:30 CT
  • FAN EXPO Portland (16-18 gennaio 2026): sabato 17 gennaio alle 19:30 PT
  • FAN EXPO Vancouver (14-16 febbraio 2026): da definire
  • MEGACON Orlando (19-22 marzo 2026): sabato 21 marzo alle 19:30 ET
  • Calgary Comics & Entertainment Expo (23-26 aprile 2026): sabato 25 aprile alle 19:30 MT
  • FAN EXPO Denver (28-31 maggio 2026): da definire
  • FAN EXPO Philadelphia (29-31 maggio 2026): da definire
  • FAN EXPO Boston (7-9 agosto 2026): sabato 8 agosto alle 19:30 ET
  • FAN EXPO Chicago (14-16 agosto 2026): sabato 15 agosto alle 19:30 CT
  • FAN EXPO Canada (27-30 agosto 2026): sabato 29 agosto alle 19:30 ET
  • FAN EXPO Dallas (11-13 settembre 2026): sabato 12 settembre alle 19:30 CT

I biglietti saranno disponibili a partire dal 22 ottobre alle 10:00 ora locale presso la biglietteria di ciascun evento, con ingresso alla corrispondente convention FAN EXPO. Saranno inoltre offerti pacchetti VIP che includono opportunità esclusive di scattare foto, ottenere autografi e acquistare oggetti da collezione in edizione limitata. Gli organizzatori hanno anche accennato al fatto che sono in programma ulteriori eventi a tema Il Signore degli Anelli. Visitate fanexpohq.com per tutti i dettagli sull’evento e gli ultimi aggiornamenti.

In vista del 25° anniversario de La compagnia dell’anello, Elijah Wood ha osservato che, a distanza di due decenni e mezzo, l’influenza de Il Signore degli Anelli rimane più forte che mai:

Festeggiare questo traguardo, un quarto di secolo, sembra quasi astratto. Sembra ancora che i film siano davvero presenti. Il fatto che stiamo trascorrendo questo tempo con i fan e facendo spettacoli come questo, lo mantiene così fresco per noi. È una parte così importante e continua della nostra vita.

Anche il vicepresidente di FAN EXPO HQ, Andrew Moyes, ha condiviso la seguente dichiarazione:

FAN EXPO punta a creare esperienze indimenticabili, e An Evening with the Hobbits sarà proprio questo. I fan sono entusiasti ogni volta che ospitiamo questi signori individualmente, ma insieme l’energia è elettrizzante. I loro personaggi sono amati, la loro amicizia è indelebile e la gioia che portano al pubblico è impareggiabile. Non vediamo l’ora di presentare questa speciale celebrazione dell’anniversario nel 2026.

Daniel Day-Lewis si difende dalle critiche sul metodo di recitazione: «La gente capisce poco o niente»

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Daniel Day-Lewis respinge le idee sbagliate sul metodo di recitazione, affermando che gran parte delle critiche proviene da persone che semplicemente non lo capiscono. Day-Lewis ha vinto tre Oscar per Il mio piede sinistro (1989), Il petroliere (2007) e Lincoln (2012) ed è noto per il suo approccio profondamente immersivo, che prevede di rimanere nel personaggio per tutta la durata della produzione.

Sebbene il suo impegno abbia chiaramente dato i suoi frutti, negli ultimi anni il Metodo ha ricevuto crescenti critiche da parte di coloro che lo considerano malsano o eccessivamente estremo. Durante un’ampia discussione al BFI London Film Festival (tramite Variety), Daniel Day-Lewis ha contestato queste idee dopo che un membro del pubblico gli ha chiesto del suo approccio alla recitazione, dicendo:

Tutti i commenti degli ultimi anni sul Metodo di recitazione provengono invariabilmente da persone che hanno poca o nessuna comprensione di ciò che esso comporta realmente. È quasi come se fosse una scienza speciosa quella in cui siamo coinvolti, o una setta. Ma è solo un modo per liberarsi, in modo che la spontaneità, quando si lavora con i colleghi davanti alla telecamera, sia libera di rispondere in qualsiasi modo si senta in quel momento.

Day-Lewis ha inoltre chiarito che praticare il metodo di recitazione non implica che “si sia isolati dall’esperienza” della propria vita reale. Significa invece che “si è immersi in un’esperienza autonoma”. Day-Lewis è recentemente tornato alla recitazione dopo una pausa di otto anni con Anemone, che ha co-sceneggiato con suo figlio, Ronan Day-Lewis, al suo debutto come regista.

Il film segna il suo primo ruolo dopo la sua sesta nomination all’Oscar per Il filo nascosto (2017) di Paul Thomas Anderson, dopo il quale aveva annunciato il suo ritiro. Durante la discussione, Day-Lewis ha anche ricordato My Left Foot, un film che si è rivelato un punto di svolta sia nella sua carriera che nel suo approccio alla recitazione. Nel film ha interpretato il famoso scrittore e pittore irlandese Christy Brown, affetto da paralisi cerebrale e in grado di lavorare solo con il piede sinistro.

Day-Lewis ha spiegato che My Left Foote il lungo periodo di preparazione che ha avuto a disposizione mentre si definivano i finanziamenti del film sono stati ciò che ha davvero plasmato il suo metodo di recitazione. Durante quel periodo si è immerso completamente nel mondo del personaggio, imparando a muoversi su una sedia a rotelle e esercitandosi a scrivere e dipingere esclusivamente con il piede sinistro:

Poiché quando ho firmato il contratto non c’erano soldi, mi sono trasferito a Dublino con un pugno di mosche in mano. E avevo tutto il tempo del mondo. Ho iniziato a lavorare con queste persone meravigliose, avevo una casetta, i miei colori, la mia sedia a rotelle e tutto ciò di cui avevo bisogno. Credo di aver avuto un paio di mesi prima che riuscissimo finalmente a racimolare abbastanza soldi per girare le prime scene e ho pensato: non smetterò mai di lavorare in questo modo.

Spiegando perché si dedica così intensamente alla ricerca dei suoi ruoli, Daniel Day-Lewis ha osservato: “Senti, è molto facile descrivere quello che faccio come se fossi fuori di testa. Molte persone sono state felici di farlo, ma per me ha senso… Hai l’obbligo di cercare di capire, per quanto umanamente possibile, cosa si prova a vivere quell’esperienza”.

Festa del Cinema di Roma: le immagini della cerimonia d’apertura

La 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma si è aperta con una serata ricca di fascino, stelle del cinema e attese emozioni. Sul tappeto rosso del MFX Auditorium – Parco della Musica, volti noti del cinema italiano e internazionale hanno sfilato tra flash, applausi e grandi aspettative per il cinema che verrà.

Tra gli scatti più suggestivi, spicca la foto d’ingresso di Virginia Raffaele, che con eleganza e sicurezza ha incarnato l’attesa dell’apertura sul palco. Al suo fianco, Diego Abatantuono, Aldo Baglio e Giuseppe Ignazio Loi hanno percorso il red carpet per presentare il film La vita va così di Riccardo Milani, opera scelta come film d’apertura della manifestazione.

Le immagini raccontano anche momenti informali e di convivialità: sorrisi dietro le quinte, registi e attori che si complimentano, e l’arrivo delle autorità culturali. Tra i protagonisti fotografati compaiono anche Geppi Cucciari, presente con un cameo nel film, e i membri del cast riuniti in gruppo sotto i riflettori.

Per Milani e gli interpreti italiani, questa serata segna l’inizio di un viaggio promozionale intenso. L’attesa è alta per il film, distribuito da Medusa Film e PiperFilm, che uscirà nelle sale il 23 ottobre. Le foto dell’apertura sono ora disponibili nella gallery ufficiale di Cinefilos — un racconto visivo della magia della festa, tra glamour, emozione e arte cinematografica.

Squali: la storia vera che ha ispirato il film con Lorenzo Zurzolo e James Franco

Il film Squali, diretto da Daniele Barbiero e al cinema dal 16 ottobre 2025 con Eagle Pictures, non è solo un racconto di formazione giovanile: affonda le radici in una realtà sociale molto concreta, quella dei giovani italiani alle prese con la scelta del proprio futuro, tra precarietà, opportunità digitali e sogni che spesso sembrano troppo grandi per le loro mani.

L’opera nasce da un’idea originale dello stesso regista, ma trae ispirazione da un fenomeno reale: la crescente pressione sui ragazzi nel momento in cui devono decidere “chi diventare”, in un sistema dove l’incertezza del lavoro e l’ossessione per il successo mettono a dura prova anche le generazioni più preparate. Squali diventa così un ritratto simbolico del presente, più che l’adattamento di una singola vicenda.

Cosa succede nel film Squali

Il protagonista, Max (interpretato da Lorenzo Zurzolo), ha diciannove anni e vive in un piccolo paese del Veneto. Dopo la maturità, come tanti suoi coetanei, sogna un’estate libera e spensierata prima di decidere il da farsi. Con gli amici Filippo e Anna ha in programma un viaggio in Spagna, ma il destino lo porta altrove: un imprenditore americano, Robert Price (interpretato da James Franco), scopre la sua app dedicata all’orientamento universitario e gli propone di svilupparla a Roma.

Quella che doveva essere un’occasione irripetibile si trasforma presto in una prova di maturità. Max si ritrova solo in un mondo competitivo, dove le regole del successo sembrano più spietate di quanto immaginasse. Mentre i suoi amici vivono l’estate dei sogni, lui affronta un percorso di crescita personale tra ambizione, paura e la scoperta di se stesso.

La realtà che ha ispirato il film

Lorenzo Zurzolo in Squali
Cortesia di © Eagle Pictures

Squali nasce da una lunga ricerca di Daniele Barbiero sull’universo giovanile italiano post-pandemico. L’idea dell’app creata da un ragazzo per aiutare i coetanei a scegliere la facoltà universitaria si ispira a diversi casi reali di startup nate tra i banchi di scuola o nei garage di provincia, spesso guidate da adolescenti con competenze digitali e una visione globale.

Ma al di là della trama, il film riflette anche un sentimento diffuso: la paura di non essere all’altezza e la corsa costante a dimostrare il proprio valore in una società che misura tutto in termini di risultati e visibilità. In questo senso, la storia di Max diventa universale: non quella di un singolo ragazzo, ma di un’intera generazione che vive sospesa tra l’ambizione e l’incertezza.

Dal fatto al film: cosa cambia (e cosa resta)

Nel processo di scrittura, Barbiero ha scelto di spostare il tono dal racconto sociologico a quello emotivo e simbolico. Il personaggio di Robert Price, interpretato da James Franco, incarna il fascino e la pericolosità del successo: un mentore che offre possibilità, ma anche il rischio di smarrirsi.

Il film conserva la verità del contesto — l’Italia dei giovani talenti digitali, dei piccoli paesi che si svuotano e delle opportunità che sembrano altrove — ma lo racconta con il linguaggio del cinema: ritmi serrati, dialoghi autentici, un’estetica realista che alterna luce e ombra come i sogni di Max.

James Franco in Squali
Cortesia di © Eagle Pictures

Un ritratto di generazione

Più che ispirarsi a un fatto di cronaca, Squali racconta un fatto culturale: la fatica di crescere in un’epoca di accelerazione costante. È un film sull’età delle scelte, sulle promesse non mantenute, ma anche sulla capacità dei giovani di reinventarsi.

In fondo, gli “squali” del titolo non sono solo quelli che popolano il mondo del business, ma anche le paure che ciascuno deve imparare a guardare negli occhi.

Per te: la storia vera che ha ispirato il film con Edoardo Leo

Per te, il nuovo film di Alessandro Aronadio con Edoardo Leo protagonista, è uno dei titoli italiani più attesi del 2025. Presentato in anteprima alla Festa del Cinema di Roma, il film arriverà nelle sale italiane il 17 ottobre, distribuito da PiperFilm, e promette di emozionare con un racconto intimo e autentico sul valore della cura e della famiglia.

Scritto e diretto da Aronadio, Per te prende ispirazione da una storia realmente accaduta: quella di Mattia Piccoli, un ragazzo veneto premiato come Alfiere della Repubblica per l’amore e la dedizione con cui ha assistito il padre Paolo, colpito da Alzheimer precoce.

Il film si inserisce nella recente linea del cinema italiano che affronta la malattia e la fragilità umana non come tragedie, ma come occasioni per riscoprire la tenerezza e la solidarietà familiare. Con una regia sobria e interpretazioni di grande sensibilità, Per te diventa così una riflessione sulla forza dei legami e sulla resilienza dell’amore quotidiano.

Cosa succede nel film Per te

Nel film, Edoardo Leo interpreta Paolo, un uomo di quarant’anni colpito da una forma precoce di Alzheimer che inizia lentamente a sgretolare la sua memoria e la sua autonomia. Accanto a lui c’è la moglie Elena (interpretata da Teresa Saponangelo) e il figlio adolescente Mattia, che si trova improvvisamente a dover invertire i ruoli: da figlio a custode, da bambino a punto di riferimento della famiglia.

La storia segue l’evoluzione della malattia ma anche la crescita emotiva di Mattia, interpretato da Javier Francesco Leoni, che affronta la paura di perdere il padre cercando nuovi modi per restargli accanto. La regia di Aronadio alterna momenti di vita domestica, flashback di felicità passata e silenzi carichi di affetto, costruendo un ritratto familiare che si muove tra dolore e speranza.

Nel corso del film, la famiglia lotta per mantenere un senso di normalità, tra le difficoltà burocratiche e la necessità di accettare l’inevitabile. Ma è proprio attraverso i piccoli gesti — una colazione insieme, una risata improvvisa, un abbraccio — che Per te restituisce la dignità del vivere anche dentro la fragilità.

La storia vera di Mattia e Paolo Piccoli che ha ispirato il film

Edoardo Leo in PER TE
Foto di LUCIA IUORIO

La vicenda raccontata nel film è ispirata alla storia reale di Mattia e Paolo Piccoli, padre e figlio di Castelfranco Veneto. Nel 2021, Mattia, allora dodicenne, è stato insignito del titolo di Alfiere della Repubblica dal Presidente Sergio Mattarella per “l’amore e la cura” con cui assisteva il padre Paolo, colpito da Alzheimer a soli 43 anni.

Come riportato dal Corriere della Sera, la storia della famiglia Piccoli “ha commosso il Paese per la naturalezza con cui un bambino ha assunto un ruolo da adulto, trasformando la malattia in un gesto quotidiano di amore e responsabilità”. Oggi Paolo vive in una struttura specializzata, circondato dall’affetto della moglie Michela e dei figli Mattia e Andrea.

Il caso di Mattia ha avuto una forte risonanza mediatica, non solo per la tenerezza della vicenda, ma perché ha rappresentato un esempio concreto di come la cura familiare possa diventare un atto civile, un modo per difendere la dignità umana anche nei momenti più difficili.

Dal fatto al film: cosa cambia (e cosa resta)

Pur mantenendo la fedeltà emotiva ai fatti reali, Per te sceglie una dimensione narrativa più universale. Alessandro Aronadio trasforma la cronaca in una storia di formazione, in cui la malattia non è al centro come evento medico, ma come occasione di crescita e consapevolezza.

Edoardo Leo dà vita a un personaggio complesso e autentico, lontano da ogni retorica. La sua interpretazione restituisce la fatica e la dolcezza di un uomo che, pur perdendo la memoria, conserva un filo invisibile che lo lega al figlio. Teresa Saponangelo, nel ruolo della moglie, incarna la forza silenziosa di chi deve tenere insieme la famiglia mentre tutto si disgrega.

Rispetto alla vicenda reale, il film introduce alcuni elementi di finzione — i nomi, le dinamiche familiari, alcune scelte narrative — ma conserva intatto il nucleo umano: l’amore come forma di resistenza, la cura come linguaggio, la memoria come spazio condiviso anche quando svanisce.

Un racconto di amore e resilienza

Per te è più di un film sulla malattia: è un’opera sul valore della presenza. Racconta la vita nelle sue pieghe più silenziose, quelle che raramente finiscono sui giornali ma che definiscono l’essenza di una famiglia.

Attraverso la lente di Aronadio e la sensibilità di Edoardo Leo, la storia di Mattia e Paolo Piccoli diventa un simbolo universale di come l’amore possa sopravvivere anche alla perdita, e di come – a volte – siano i figli a insegnare agli adulti cosa significa non arrendersi.

Squali, recensione del film con James Franco e Lorenzo Zurzolo – Alice nella Città

Squali, diretto da Daniele Barbiero e tratto dal romanzo Gli squali di Giacomo Mazzariol, racconta le difficoltà dei giovani nel trovare la propria strada dopo la scuola dell’obbligo. Max (Lorenzo Zurzolo), 19 anni, si trova di fronte alla scelta più difficile della sua vita: inseguire il successo professionale a Roma oppure rimanere fedele agli amici che lo hanno accompagnato fino a quel momento. Il film esplora temi complessi come la pressione sociale, le scelte obbligate, l’amicizia e il conflitto tra ambizione e affetti.

La trama di Squali – Max tra amici e opportunità

Max è un giovane brillante e appassionato di tecnologia. Dopo l’esame di maturità, insieme a un gruppo di amici, tra cui Filippo (Francesco Centorame) e Anna (Ginevra Francesconi), aveva programmato un viaggio in Spagna per celebrare la fine del percorso scolastico. Tutto cambia quando riceve un’offerta da Robert Price (James Franco), fondatore dell’azienda E-Park a Roma, interessato all’app che Max ha creato per aiutare i giovani a orientarsi nel percorso universitario. Questo incontro lo catapulta in un mondo nuovo, pieno di opportunità ma anche di compromessi e sfide morali.

Riflessioni su denaro, carriera e affetti

Il film affronta interrogativi attuali e concreti: i soldi comprano tutto, persino la felicità? Quale valore hanno l’amicizia e l’amore quando la carriera bussa alla porta? La decisione di Max di trasferirsi a Roma segna una frattura profonda non solo con la sua quotidianità, ma soprattutto con Filippo, l’amico di sempre, che vive quella scelta come un tradimento personale. Max si ritrova sospeso tra la necessità di costruire il proprio futuro e il senso di colpa per aver voltato le spalle a chi lo conosce davvero. È in questa tensione che Squali trova alcuni dei suoi momenti più sinceri, mostrando quanto possa essere difficile crescere senza perdere se stessi – o gli altri.

La battuta nel film pronunciata prima da Anna e poi ripresa da Max durante un corso sulla leadership – “Bisogna essere squali, sempre in movimento, sempre con la fame, per non essere risucchiati da questo mondo” – riassume il messaggio della storia. Essere giovani oggi significa adattarsi rapidamente, inseguire il successo e, spesso, rinunciare alle proprie idee e alla propria integrità morale in nome del “greater good” rappresentato dal mercato.

Squali film 2025

Il contrasto tra lavoro e valori personali

Il film esplora anche il confronto tra lavoro aziendale e creatività: vendere un prodotto tecnologico senza rispettare la privacy degli utenti, essere assimilati da un’azienda che trasforma le proprie idee in merci, confrontarsi con la mancanza di empatia di un boss come Robert Price. Sono tutte situazioni che mettono in discussione le scelte di Max, costringendolo a chiedersi fino a che punto sia disposto a spingersi pur di integrarsi in un mondo che premia l’astuzia e la spietatezza. Alcuni personaggi cercano di guidarlo, come Jonah (Francesco Gheghi), le cui confidenze e consigli si riveleranno fondamentali per le decisioni che Max dovrà affrontare lungo il percorso.

Non mancano momenti di riflessione sul valore dell’amicizia. Alcune scene dedicate al gruppo di amici veneti di Max, sebbene significative all’inizio, si ripetono troppo nel corso del film, attenuando l’impatto emotivo che avrebbero potuto avere. Tuttavia, questi momenti servono anche a evidenziare il contrasto tra la vita che Max lascia e il mondo frenetico e spesso cinico in cui si trova immerso.

La regia di Squali: visione e ritmo

Daniele Barbiero dirige con uno stile visivamente accattivante, alternando sequenze intime a momenti dinamici. La narrazione, però, non sempre mantiene alta la tensione: alcune scelte narrative risultano prevedibili e la ripetitività di certe scene rallenta il ritmo. I personaggi, pur interpretati da un cast valido, in alcuni frangenti appaiono stereotipati, con Max come giovane talento ingenuo e Robert Price come boss freddo e calcolatore.

Squali offre spunti interessanti sulla transizione dall’adolescenza all’età adulta, sulle scelte morali e sull’equilibrio tra affetti e carriera. Tuttavia, la storia fatica a coinvolgere pienamente lo spettatore. Nonostante le migliori intenzioni, il film non riesce sempre a raggiungere quella profondità emotiva e narrativa che avrebbe potuto valorizzare appieno i temi trattati.

After the Hunt – Dopo la Caccia, la spiegazione del finale: chi sta dicendo la verità?

After the Hunt – Dopo la Caccia porta la sua storia thriller a una conclusione forse inaspettata. Sebbene il film ruoti attorno all’accusa di violenza sessuale mossa da Maggie, interpretata da Ayo Edebiri, contro Hank, interpretato da Andrew Garfield, e all’impatto che questo ha su una complessa rete di relazioni, l’atto finale è molto più incentrato su come Alma, interpretata da Julia Roberts, sta gestendo le conseguenze.

Il dramma #MeToo ambientato a Yale ha praticamente esaurito le conseguenze della denuncia di Maggie quando è pronto per concludersi. Dopo che la denuncia è stata presentata all’università, Hank è stato licenziato e Maggie ha acquisito maggiore visibilità portando la sua storia a un giornalista. Viene convocata una riunione di tutto il corpo docente, apparentemente per affrontare la questione che sta attirando l’attenzione nazionale, ma il film sorvola su questo aspetto.

Vediamo invece i momenti successivi, quando la carriera di Alma viene compromessa quando viene sorpresa a falsificare una ricetta utilizzando il blocco di un collega. Ha scontri esplosivi sia con Maggie che con Hank, diventando il bersaglio del prossimo editoriale della prima, e alla fine rivela il suo misterioso passato al marito, Frederik, interpretato da Michael Stuhlbarg.

Nell’epilogo di After the Hunt – Dopo la Caccia (la nostra recensione), cinque anni dopo, le cose sembrano molto diverse. Alma è preside, il che suggerisce che le controversie del suo passato siano ormai svanite da tempo. Incontra Maggie, apparentemente per la prima volta dopo gli eventi principali del film, che dichiara a malincuore che Alma “ha vinto”. E dopo aver tenuto a lungo in mano la banconota da 20 dollari che Alma lascia sul conto del ristorante, si sente Luca Guadagnino gridare “Cut!” prima che inizino i titoli di coda. Cosa dovremmo dedurre da tutto questo?

Chi dice la verità non ha molta importanza

After the Hunt – Dopo la Caccia non è interessato a rispondere in modo definitivo a quella che potrebbe sembrare una domanda da un milione di dollari. In realtà, l’intero concetto di verità è qualcosa di cui il film sembra piuttosto sospettoso.

Ci sono molte prove che suggeriscono che Maggie abbia inventato la storia. Trova l’articolo tedesco sull’accusa ritirata da Alma anni fa nascosto nel bagno e fa ciò che sa fare meglio: lo plagia.

Forse ha cercato di creare una frattura tra Hank e Alma, per la quale provava dei sentimenti; forse voleva distruggere Hank prima che i suoi sospetti sulla sua tesi andassero oltre. In ogni caso, è innegabile che Maggie abbia abilmente manipolato la situazione a proprio vantaggio.

Ma il modo in cui gestisce le conseguenze non significa che stia mentendo. Quando Hank racconta ad Alma la sua versione dei fatti, lei gli chiede giustamente perché sia andato nell’appartamento di Maggie, dato che aveva chiaramente oltrepassato il limite. Quanto abbia oltrepassato il limite non è rilevante ai fini della decisione dell’università di licenziarlo.

Invece di darci delle risposte, After the Hunt – Dopo la Caccia ci offre plausibilità in entrambe le direzioni. L’attacco giornalistico di Maggie ad Alma dimostra che lei è capace di essere così calcolatrice e opportunista; l’aggressione fisica di Hank ad Alma dimostra che lui è capace di aver fatto ciò di cui è accusato. Nessuna delle due rivelazioni ci avvicina alla verità, come previsto.

Il fallimento di Alma non è una digressione (e nemmeno le sue lezioni)

After the Hunt - Dopo la Caccia

Quindi, se ciò che è realmente accaduto non ha importanza, cosa conta? Per capirlo è necessario esaminare più da vicino le trame apparentemente non correlate di Alma, così come gli argomenti delle sue lezioni.

After the Hunt – Dopo la Caccia ha la tendenza a piantare semi e ad aspettare pazientemente che quelle idee diano i loro frutti. Tra i primi ci sono le discussioni in classe di Alma sul libro del filosofo Michel Foucault Discipline and Punish: The Birth of the Modern Prison (Sorvegliare e punire: nascita della prigione moderna) – prima sulla tortura pubblica e l’esecuzione con cui il libro si apre, e poi sul panopticon. Entrambi questi riferimenti sono fondamentali per capire cosa il film sta cercando di esplorare.

Nel primo caso, si sente Alma spiegare brevemente che le esecuzioni pubbliche eccessive venivano usate per trasformare un malfattore in un esempio per gli altri. Lo scopo era quello di metterli in mostra in modo raccapricciante. Questo è un modo per capire cosa succede a Hank, e lo scontro di Alma con l’amministrazione di Yale incoraggia questa interpretazione.

All’inizio, potrebbe sembrare una decisione strana che la ricerca della cattedra da parte di Alma si riduca a qualcosa che è praticamente estraneo al dramma principale del film. Anche se lo stress di tutto questo ha sicuramente contribuito alle sue ulcere, falsificare una ricetta per gli antidolorifici è di per sé una cattiva decisione. E quando viene scoperta, ne subisce le conseguenze.

Hank è scioccato dal fatto di essere stato licenziato, e non sospeso, per la sua trasgressione; per la sua, Alma non subisce nessuna delle due cose. La sua conversazione sulla cattedra viene sospesa a tempo indeterminato, il che, come scopriremo più tardi, significa in realtà temporaneamente. Nella sua carriera, questo incidente è poco più di un ostacolo.

Perché esiti così drasticamente diversi? Si potrebbe sostenere che il presunto reato di Hank sia più grave, ma quello di Alma è comunque piuttosto allarmante e, a differenza dell’accusa di Maggie, Kim, interpretata da Chloë Sevigny, può dimostrare la sua colpevolezza. Se Kim avesse sporto denuncia, probabilmente ci sarebbero prove sufficienti per condannarla.

Ma lei non l’ha fatto: la questione rimane privata e viene gestita con discrezione. L’intero corpo studentesco sembra venire a conoscenza della situazione di Hank quasi immediatamente e, dal punto di vista della scuola, da quel momento in poi la situazione diventa sempre più rumorosa. Non solo la vittima è la figlia di un importante donatore, ma ha anche scelto di rendere la questione di dominio pubblico. Se Yale vuole salvare la faccia, deve dare un esempio.

A questa idea si affianca il richiamo del film al panopticon, un progetto architettonico, famoso soprattutto per le prigioni, ideato dal filosofo inglese Jeremy Bentham e che costituisce una parte importante del libro di Foucault. Esso dispone i piani delle celle in cerchio attorno a una torre centrale, dalla quale le guardie possono guardare in qualsiasi cella senza essere viste dai prigionieri.

Le guardie non possono sorvegliare tutte le celle in ogni momento, ma poiché i prigionieri non possono vederle, potrebbero farlo in qualsiasi momento. Questo crea una sensazione di sorveglianza costante e, in teoria, un bisogno costante di obbedienza.

Non è difficile vedere il parallelismo tra questa prigione concettuale e la rappresentazione della cultura della cancellazione nei campus universitari nel film. Tuttavia, la pressione esercitata da questo panopticon del XXI secolo non è quella di obbedire, ma di conformarsi, o forse di performare. Chiunque, in qualsiasi momento, potrebbe osservare il tuo comportamento e giudicare la sua accettabilità. Questo, suggerisce il film, crea una sorta di prigione.

Cultura del cancellare: non odiare il giocatore, odia il gioco

After the Hunt - Dopo la Caccia

Quindi, After the Hunt – Dopo la Caccia parla di provare compassione per le povere generazioni più anziane, private della libertà di commettere comportamenti cancellabili dai loro carcerieri della Generazione Z? Non esattamente: né Hank né Alma emergono da questo film come personaggi particolarmente simpatici, e nemmeno Maggie. Le invettive generazionali in entrambe le direzioni mi sembrano principalmente chiacchiere.

Guadagnino è molto più interessato a renderci consapevoli di ciò che questo “pan”-opticon non vede e a mettere in dubbio la percezione dell’osservazione in primo luogo.

Criticamente, ci viene negato l’accesso a ciò che è successo nell’appartamento di Maggie quella notte, costretti a ricostruire la verità dai racconti contrastanti delle uniche due persone che erano lì e dal modo in cui hanno scelto di comportarsi dopo l’accaduto. In ogni momento, interpretiamo le loro parole e le loro azioni, valutandole in base ai nostri standard di colpevolezza o innocenza.

Ma in una scena importante, After the Hunt – Dopo la Caccia si prende gioco dei nostri sforzi in modo trasparente. Alma va dal preside per spiegargli perché non dovrebbe essere chiamata a testimoniare nell’indagine su Hank, e nel momento in cui i due concordano che la loro conversazione è “ufficiosa”, il film taglia la scena. Il messaggio è semplice: sappiamo solo ciò che ci viene mostrato, e non tutto ciò che è importante accade in pubblico.

Ma possiamo fidarci di ciò che ci viene mostrato? Questa è la domanda che il film ci pone, richiamando l’attenzione sulla sua natura fittizia, in modo decisivo attraverso il regista che grida “Cut!” nell’ultimo fotogramma. Non ci è permesso lasciare il cinema sospendendo la nostra incredulità; siamo costretti a ricordare che si tratta solo di una rappresentazione.

Questa storia è stata costruita con cura per noi, sia in ciò che rivela che in ciò che nasconde. Stiamo vivendo la verità o semplicemente la verità di qualcuno? E nel mondo reale, quando una persona è esposta al giudizio dell’opinione pubblica, come facciamo a sapere che anche quella persona non sta recitando?

After the Hunt – Dopo la Caccia fa anche un passo in più. La confessione di Alma a suo marito, nella sua mente, è una rivelazione della verità. Da adolescente non ha subito abusi sessuali da parte dell’amico di suo padre; erano innamorati. Ha inventato l’accusa di abuso per vendicarsi dopo che lui aveva iniziato una nuova relazione e, anche se in seguito ha ritrattato, continua a incolpare se stessa per il suo successivo suicidio.

After the Hunt - Dopo la Caccia

Ma suo marito sostiene che lei non ha mentito; la loro relazione era un abuso. Lei può pensare di “essersi gettata tra le sue braccia”, ma la responsabilità di dire di no spetta sempre all’adulto, e lui si è comportato in modo sbagliato. Lei era troppo giovane per percepire la verità e ha mantenuto quella percezione distorta invece di riformularla nella sua età adulta.

Questa scena ripaga due momenti precedenti del film. Nel primo, Alma chiede a Frederik, uno psicoanalista, se sia mai in disaccordo con la comprensione che i suoi pazienti hanno dei principali eventi della loro vita. Forse una parte di lei anticipa questa conversazione e dove porterà, e quindi gliel’ha nascosta per tutto il loro matrimonio.

Il secondo è la lezione di Alma in cui si discute di un momento dell’Odissea, quando il bardo cieco Demodoco canta le gesta eroiche di Ulisse a Troia, ignaro di cantare proprio per lui. Ulisse piange quando sente raccontare la sua vita, e nel film questo viene spiegato con il fatto che Ulisse è in grado di percepire se stesso come un eroe solo dopo aver sentito la sua storia raccontata da un altro (scusate, dall’Altro) .

Al centro di After the Hunt – Dopo la Caccia non c’è né la fedeltà a chi è stato cancellato né a chi ha cancellato, ma un grande sospetto nei confronti della cancellazione come pratica. Non solo non sempre gli altri ci mostrano la verità, ma non sempre riusciamo a percepire la verità in ciò che viviamo noi stessi. Quindi come possiamo presumere di esprimere un giudizio?