A Luca Argentero, con una carriera alle spalle di vent’anni, mancava – come lui stesso ammette – un progetto con Groenlandia. È stato questo uno dei motivi che lo ha spinto ad accettare di ricoprire il ruolo del protagonista Sante Moras in La coda del diavolo, nuovo film Sky Exclusive in arrivo sulla piattaforma dal 25 novembre. Una collaborazione partita dalla lettura del romanzo omonimo di Maurizio Maggi, nel quale è ritratto un uomo che ben si allontana dai personaggi che hanno costellato l’esperienza cinematografica dell’attore torinese, diventando così una sfida e un’occasione da cogliere. Argentero, in questo viaggio fra la ricerca di sé e la salvezza, è stato accompagnato da due ottimi comprimari, Cristiana dell’Anna e Francesco Acquaroli.

Insieme al suo Sante, sono personaggi che tessono le fila di un thriller dalle tinte noir, e definiti dal regista Domenico De Feudis come tre solitudini che cercano la propria strada, affrontando le loro più intime paure. Tre ritratti che però non emergono mai come dovrebbero nella storia, e il cui background rimane per lo più sconosciuto, faticando a dargli delle vere sfaccettature. La coda del diavolo si basa su una sceneggiatura di Nicola Ravera Rafele e Gabriele Scarfone, ed è prodotto da Matteo Rovere e Andrea Paris.

La coda del diavolo, la trama

Sante Moras è un ex poliziotto ora guardia carceraria in un carcere della Sardegna. È un uomo solo, che trascorre il suo tempo libero ad aggiustare una barca a cui è estremamente legato. Un giorno viene arrestato un uomo colpevole di aver ucciso a sangue freddo una giovane davanti a due poliziotti, e dietro questo delitto sembra celarsi una verità atroce, legata in principal modo a una sorta di tatuaggio che la ragazza porta dietro il collo e che assomiglia alla coda di un diavolo. Sante viene incaricato di sorvergliarlo, ma quando all’improvviso si addormenta, al suo ritorno il detenuto nella cella è stato ucciso. In preda alla paura di essere dichiarato colpevole, l’ex poliziotto scappa, autocondannandosi. A inseguirlo è il commissario Tommaso Lago, determinato a trovarlo e portarlo davanti alla giustizia. Sante, però, capisce che l’unico modo per tornare alla normalità è scavare fino in fondo nella verità: ad aiutarlo sarà la giornalista Fabiana Lai, che non si fermerà all’apparenza delle cose ma guarderà oltre, per stanare i veri assassini, scoprendo una realtà ancora più oscura.

Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi di Teemu Nikki è una commedia con per protagonisti due fratelli, uguali fisicamente ma opposti nel carattere, che durante le vacanze invernali in uno sperduto paese immerso nella neve si ritrovano a vivere una fantastica avventura. Prodotto da it’s alive Films questo lungometraggio va ad arricchire il “Teemu Nikki Universe”, un insieme di storie capaci di incantare un pubblico variegato e distribuite da noi in Italia da I Wonder Pictures sempre attenta e alla ricerca di novità cinematografiche.

La trama di Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi

Questo lungometraggio è basato sull’omonimo libro di Juice Leskinen, in originale Räkä ja Roiskis, su una sceneggiatura di Ilja Rautsi e segue i giovani eroi Snot e Splash ( Hugo Komaro e Urho Kuokkanen ) che devono prendersi una pausa dalle loro ferie per salvare il mondo. Il film infatti si apre con una scena in cui i due fratelli in treno, direzione di Acquainbocca e dove abita la nonna, notano guardando fuori dal finestrino che dal cielo cadono oggetti: un frigorifero e sacchi dell’immondizia. Appena incontrano l’anziana parente fanno notare questi strani fenomeni e la donna gli dice che è colpa del cambiamento climatico che ha colpito anche la Finlandia.

I giovani protagonisti però non sono convinti della spiegazione, iniziano anche a notare che gli abitanti del posto sorridono, tutti in modo molto inquietante, mostrando i denti che sono bianchissimi e innaturali. Arrivati a casa poi scoprono un altro mistero, cioè non ci sono più buchi, pure quelli delle ciambelle, ma non finisce qui perché quando Snot e Splash vanno sul ghiaccio, per pescare, il buco sparisce appena viene creato. All’improvviso appare uno strano uomo con una pistola e finalmente capiscono che è proprio lui, con quello strano oggetto, che risucchia tutte le buche dalle più piccole alle più grandi.

I due bambini quindi decidono che devo scoprire di più e inseguono di nascosto il signore che si ripara dentro una fattoria. All’interno invece troveranno una macchina, precisamente un sistema di smaltimento dei rifiuti molto fatiscente, che invece si rivelerà essere un buco nero pronto a risucchiare la cittadina. Ovviamente Snot e Splash, grazie al loro coraggio, ma anche alla genialità che si possiede solo quando si è bambini, salveranno tutti dall’imminente catastrofe.

Snot & Splash tra Roald Dahl e Doctor Who

Questo film è decisamente una storia che potrebbe benissimo uscire dalla penna di Roald Dahl, uno degli autori più famosi della letteratura per ragazzi. I due protagonisti durante la loro avventura e in missione per salvare Acquainbocca, incontrano e conoscono personaggi fantastici ma anche un pochino paurosi. L’antagonista Migren Junior, che vuole cancellare ogni forma di caos dal mondo, compresa anche la più preziosa di tutte come la fantasia, di lavoro fa proprio il dentista decisamente nell’immaginario dei piccoli, e non solo, non uno dei lavori più amati.

Uno dei tratti che il pubblico più giovane non noterà è quanto Teemu Nikki nella realizzazione di questo film sia stato molto influenzato dalla storica serie Doctor Who. Qua non c’è nessuno Dottore che appare con la sua cabina blu, Il Tardis, ma i colori, le vicende potrebbero benissimo essere estratte da uno dei numerosi episodi della serie britannica più longeva di sempre. I due gemelli protagonisti invece nei loro continui litigi e discorsi senza senso ricordano tanto i celebri gemelli Zack e Cody, interpretati da Dylan e Cole Sprouse della sit-com Zack e Cody al Grand Hotel di Disney Channel.

Un film per tutti e pieno di genialità

Il film è visivamente bello ed esplora il mistero attraverso gli occhi dei bambini e forse per gli adulti, i genitori che accompagneranno i figli, qualche battuta risulterà stupida ma non per il pubblico più giovane che riderà molto. Per concludere Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi è un ottimo esempio per far conoscere agli spettatori più piccoli che esiste anche un cinema per loro, al di fuori di Hollywood o di quello targato Disney.

Più instancabile che mai, Ridley Scott – esattamente un anno dopo aver portato al cinema il colossal Napoleon – torna sul grande schermo con Il Gladiatore II, sequel di una delle opere per cui è maggiormente ricordato. Se nel 2000 Il Gladiatore aveva risvegliato l’interesse per i film epici e consacrato la carriera di Russell Crowe con il ruolo di Massimo Decimo eridio, questo inaspettato seguito (scritto da David Scarpa, già autore di Napoleon) si fa ora promotore non solo di quella stessa epica ma anche di un forte messaggio politico che richiama alla decadenza – politica e morale – degli attuali “imperi”.

Ed è proprio in questo sguardo fortemente politico che si ritrova il meglio del film, che usa sapientemente il passato per parlare dell’oggi, attraverso la decadenza del più importante impero di tutti i tempi. L’epica di Il Gladiatore II si ritrova allora qui, non tanto negli scontri all’interno del Colosseo quanto negli intrighi di palazzo, nelle vicende politiche che inquinano l’anima di Roma e la condannano ad una fine apparentemente inevitabile. Scott trova dunque occasione qui di unire le sue due anime: la spettacolarità esagerata ed esagitata e l’esplorazione delle oscurità dell’animo umano.

La trama di Il Gladiatore II

Anni dopo aver assistito alla tragica morte del venerato eroe nonché padre Massimo Decimo Meridio per mano del suo perfido zio, Lucio (Paul Mescal) si trova costretto a combattere nel Colosseo dopo che la sua patria viene conquistata da parte delle centurie di Marco Acacio (Pedro Pascal) per ordine dei due tirannici imperatori, Geta (Joseph Quinn) e Caracalla (Fred Hechinger), che ora governano Roma. Con il cuore ardente di rabbia e il destino dell’Impero appeso a un filo, Lucio deve affrontare pericoli e nemici, riscoprendo nel suo passato la forza e l’onore necessari per riportare la gloria di Roma al suo popolo.

Bentornati nell’arena

Ci si è chiesti a lungo se fosse o meno necessario un sequel di Il Gladiatore II e con grandi probabilità c’è chi – comprensibilmente – se lo chiede anche ora che questo seguito è realtà. Partiamo subito con il dire che questo nuovo film non si discosta poi molto da quanto mostrato e compiuto dal primo. Anzi, ne segue attentamente le orme con un fare celebrativo. Non a caso, sono innumerevoli i riferimenti al titolo del 2000, che come un’ombra si aggira su questo sequel quasi a guidarne ogni passo.

Ciò significa che questo sequel propone di nuovo tutta l’epica già evocata dal primo, seppur con tutte le prodezze tecnologiche e di effetti speciali che un quarto di secolo in più ha portato a disposizione. Questo non necessariamente comporta che questo sequel sia più spettacolare, ma certamente riesce ad essere al di sopra della media degli odierni blockbuster di questo tipo. Merito della capacità di Scott – ad 87 anni – di immaginare scenari e situazioni dotati di un senso della grandiosità e della meraviglia da far invidia.

Poco – anzi nulla – importa quindi se la verosimiglianza storica non è di casa neanche stavolta, perché per quanto la rappresentazione di battaglie navali e i combattimenti con babbuini o rinoceronti possa essere forzata, possiede quel certo fascino che soddisfa la voglia di un intrattenimento, certamente folle, ma capace di far parlare di sé. Gli stessi scontri tra gladiatori o le battaglie di più ampia portata sono sempre poste in scena con una brutalità che, tra sangue, sudore e muscoli che si flettono, trasmette proprio quell’eccitazione e quella tensione che gli spettatori sugli spalti del Colosseo devono aver provato.

Il Gladiatore II tra Shakespeare e monito sul presente

Di certo, come si diceva in apertura, l’aspetto più interessante del film è la vicenda politica che porta avanti. Leader assoluto in ciò è il Macrino di Denzel Washington, perfetto Riccardo III shakespeariano che machiavellicamente trama per ribaltare completamente il proprio status. Un personaggio magnifico il suo, con cui Washington dimostra di essere un fuoriclasse. Per quanto il cast sia composto di ottimi attori, è lui a fagocitare tutte le attenzioni, rubando facilmente la scena ai suoi colleghi.

Con lui, Scarpa e Scott propongono un ritratto di quei subdoli uomini di potere che oggigiorno riescono, facendo leva sulla pancia del popolo, a raggiungere i propri loschi obiettivi, ponendo sempre più in crisi la democrazia. In questo il film diventa dunque un monito che si unisce all’intrattenimento offerto. Certo, il racconto di Lucio – l’effettivo protagonista – si muove su diverse soluzioni narrative piuttosto facili e poco convincenti ma, come valeva per Napoleon, anche con Il Gladiatore II si può chiudere un occhio quando nel complesso Scott si dimostra ancora una volta un tale maestro nello spettacolo cinematografico.

A tre anni di distanza da Cry Macho, Clint Eastwood torna in sala con Giurato numero 2, nuovo lungometraggio del leggendario regista che arriva al cinema il 14 novembre. Il film, che vede come protagonista Nicholas Hoult nei panni di un giurato alle prese con un caso controverso, riunisce un cast che include Toni Collette, Zoey Deutch, Kiefer Sutherland, Chris Messina e J. K. Simmons. Scritto dall’esordiente Jonathan Abrams, Giurato numero 2 è poi musicato da Mark Mancina e distribuito in sala da Warner Bros.

La trama di Giurato numero 2

La vita di Justin Kemp (Nicholas Hoult) un giurato in un caso di omicidio, viene sconvolta da una rivelazione scioccante: potrebbe essere stato lui l’autore del crimine. Diviso tra il senso del dovere e la paura del giudizio, l’uomo si trova di fronte a un dilemma morale che metterà alla prova la sua integrità.

Giurato numero 2: rielaborare gli immaginari

Hollywood conosce da sempre due soli modi di regolare i conti: a suon di pistolettate o all’interno di un’aula di tribunale. Vecchi cowboy e brillanti avvocati sono i due volti, le due più consuete manifestazioni, di una giustizia per lo più polverosa, ma efficace. Anime complementari della medesima astrazione che, forse inevitabilmente, convivono anche in quest’ultima creatura di Clint Eastwood. Segno di un cinema che, vissuto davanti e dietro la macchina da presa, prosegue fin dagli albori a fagocitare e rielaborare immaginari. A incarnare valori e significati alti, puntualmente offerti alla rigorosa rilettura poetica del suo autore. Implacabile, eppure immancabilmente lucida.

In quest’ottica, Giurato numero 2 non fa eccezione. Lo capiamo subito, a partire dalla didascalia – ai limiti della western-punch line – che campeggia appena sotto al titolo: “la giustizia è cieca, la colpa vede tutto”. Lo percepiamo nell’atmosfera da saloon che aleggia sul pub di periferia al centro della vicenda. E ancora nel ripetuto gioco di sguardi con cui i protagonisti sembrano a più riprese duellare nel corso della storia – o nel bicchiere di whisky (?) che, silenzioso, sfida il protagonista in uno dei frangenti di maggior tensione del racconto.

Eppure, Justin Kemp non è certo un georgiano dagli occhi di ghiaccio. Né tantomeno uno straniero senza nome – o un cavaliere solitario. Semmai un uomo dal passato torbido, anche se giovane marito e futuro padre. Tormentato da spettri e demoni interiori che bussano alla sua porta come le maschere della notte di Halloween – che guarda caso cade il primo weekend che contribuisce a ritardare il verdetto della giuria.

Giustizia e verità

Fin da subito, dall’establishing shot tematico sulla dea Themis e i suoi attributi (la bilancia e la benda sugli occhi), Clint Eastwood cede la parola al giurato. E attorno alla sua figura, attorno ai dilemmi, agli squarci etici e morali dello script di Jonathan Abrams, il cineasta edifica una complessa architettura di sguardi che si fa frontiera di riferimenti e suggestioni. A imperversare, prevedibilmente, sono innanzitutto gli spazi e le intuizioni del primo Lumet, che Eastwood si diverte a citare e insieme ad aggiornare secondo le coordinate dell’America di oggi – ragion per cui l’ostinata fermezza di Cedric Yarbrough, erede ideale del vecchio Lee J. Cobb, diviene la pur momentanea cassa di risonanza di un divario socio-economico che il regista non manca di mettere a fuoco.

Ma nel grande affresco eastwoodiano, calibrato al millimetro e al contempo quasi bulimico nelle sue vertigini citazioniste, confluiscono anche le principali istanze di molto del legal-thriller (e legal-drama) che ha costituito l’ossatura del genere fin dalle origini. Opportunamente imbevuto della filosofia del suo autore e di un’ironia che, di recente, abbiamo ritrovato solo nell’ultimo Friedkin – presentato postumo nel 2023 in occasione dell’80esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia.

“Io voglio la verità!” gridava del resto un giovane Tom Cruise nell’epilogo di Codice d’onore di Rob Reiner. Eppure, alimentando il parallelismo, il personaggio di Nicholas Hoult sembra piuttosto concretizzare l’”arringa” pronunciata dal colonnello Jessep di Jack Nicholson – lui giurato e insieme colpevole che “non può reggere” una verità che lo dilania. Epicentro non tanto dell’inevitabile e inflazionata dialettica tra verità processuale e verità storica. Quanto di una ricerca della “realtà dei fatti” che, come avveniva già in Richard Jewell, è più che altro frutto di ricostruzioni, narrazioni ad hoc e scampoli di sguardo catturati da uno smartphone – quando l’unico dispositivo in grado di fare ancora la differenza, sembra suggerirci Eastwood, rimane invece il mezzo cinematografico stesso.

Così, sebbene alla sbarra dei testimoni compaiano forse anche il Ridley Scott di The Last Duel e l’ultimo esperimento seriale di Alfonso Cuaròn – delle cui opere Clint Eastwood ripropone l’acuta frammentarietà audio-visiva – l’atteggiamento del regista classe 1930 non si impronta a un aprioristico rifiuto del valore delle immagini, ma piuttosto si colora dell’invito, premuroso, a maneggiarle con cura. Per un’opera dal respiro classico, ma perfettamente inserita nel presente, che muovendosi come di consueto tra dimensione pubblica e privata, crede ancora fermamente nell’impegno sociale – quindi umano – del singolo. Senza il quale l’intero sistema è destinato a collassare.

Spiazzante, vero, spietato. Buono, brutto e cattivo. A 94 anni inoltrati Clint Eastwood non sbaglia un colpo.

Cosa chiederesti al tuo te del futuro? E se invece potessi parlare con il te del passato, che consigli gli daresti? Nel primo caso, probabilmente, vorresti sapere come sta andando la tua vita, cosa si è concretizzato e cosa no, se sei diventato ricco, se hai una bella famiglia o se hai viaggiato tanto quanto ti eri ripromesso. Nel secondo, invece, potresti voler dare alcuni consigli, offrire una prospettiva diversa sulla vita data l’esperienza in più, come ad esempio godersi di più il tempo con le persone care. È esattamente ciò che avviene in My Old Ass, il nuovo film della regista Megan Park (meglio nota come attrice ma fattasi notare nel 2021 con la sua prima regia, La vita dopo – The Fallout). 

Da lei anche scritto (e prodotto da Margot Robbie), il film ci pone dinanzi ad entrambe queste possibilità, configurandosi come un coming of age tanto semplice e delciato quanto capace di parlare dritto al cuore. My Old Ass non è infatti interessato a fornire particolari dettagli su come le due Elliott riescano a comunicare, né ambisce ad altri possibili risvolti fantasy. Piuttosto, si muove a partire da questo incontro per poi spostarsi subito oltre, verso un racconto “piccolo” ma nel quale si racchiudono tutta una serie di emozioni, stati d’animo e atmosfere che ci portano a ricordare quelle lezioni imparate troppo tardi o quei momenti del passato che avremmo voluto stringere di più a noi, se solo ne avessimo avuto una consapevolezza diversa.

La trama di My Old Ass

Il “vecchio culo” del titolo è quello della trentanovenne Elliott (Aubrey Plaza), che appare davanti ad un’incredula Elliott diciottenne (Maisy Stella) mentre è in preda alle allucinazioni causate da alcuni funghi ingeriti insieme alle sue due migliori amiche. La giovane Elliott è infatti in procinto di partire per Toronto, lasciandosi alle spalle la famiglia per intraprendere una vita nuova e diversa da quella fino a quel momento conosciuta. La serata di svago organizzata con le sue amiche prende però una piega inaspettata quando appunto incontra la sé stessa del futuro. Ciò che questa le dirà la spingerà a riconsiderare il tempo che trascorre con i suoi cari, ma la metterà anche in guardia da un misteriso Chad (Percy Hynes White).

Come scorre veloce il tempo

Chi ricorda l’ultima volta che si è usciti a giocare con i propri amici? Viene chiesto anche nel film. Nessuno pare ricordarlo e nell’accorgersene il cuore sembra stringersi un po’ dalla malinconia. È questo il sentimento che My Old Ass evoca mentre il suo racconto progredisce, con la sua protagonista sull’orlo di un grande cambiamento di vita. Un cambiamento che, come spesso accade, oscura tutto ciò che di contorno ad esso c’è, portandoci a perdere di vista quei piccoli dettagli in cui invece andrebbe riposto il nostro cuore. Perché lì dove c’è una figlia che si affaccia alla vita adulta, ci sono anche una madre e un padre che la guardano dirigersi nel mondo e allontanarsi da loro.

Ed è dunque il tempo il principale antagonista del film, più volte menzionato, maledetto e pregatodi fermarsi o anche solo rallentare un po’. Di quanto sia crudele Elliott ne è consapevole da subito, senza che occorra nessuna sé del futuro a dirglielo, anche se la cosa le verrà ribadita ugualmente. Ma per quanto lo si supplichi il tempo continua ad ignorarci e procede dritto nella sua corsa. Ciò che si può fare, dunque, è cercare di vivere al meglio possibile ogni attimo che si ha a disposizione. Motivo per cui se prima Elliott tiene un conto alla rovescia dei giorni che la separano dalla partenza, ben presto inizierà a vivere quella scadenza con tutt’altro stato d’animo.

In particolare, su consiglio della sé del futuro, inizia a spendere del tempo con la propria famiglia, riscoprendo la gioia di quei legami che troppo spesso si riscoprono e rimpiangono quando ormai hanno “cessato” di esistere. My Old Ass si compone così dei timidi avvicinamenti di Elliott ai fratelli, al padre e in particolar modo a quella madre definita “seccante”, ma grazie alla quale si avrà quella che è senza dubbio la scena più emotivamente forte del film, nella quale si ritrova uno dei frammenti del cuore di questo racconto. Una scena che contribuisce a far emergere tutta la prorompente vitalità del film, sprigionando emozioni che investono lo spettatore rimasto nel mentre senza alcuna difesa.

Maisy Stella è un autentico dono

È dunque l’assoluto presente il campo di indagine del film, che non a caso del futuro da cui proviene l’adulta Elliott non ci dice o mostra nulla (tranne alcune allarmanti sirene e l’invito a ripararsi nel seminterrato che sentiamo durante una telefonata tra le due, nulla di buono dunque). Elliott ha l’incredibile opportunità di dare più valore al suo presente, di imparare a cogliere quell’attimo fuggente che può rendere straordinaria la sua vita. La regista, dunque, si lascia alle spalle i toni cupi e drammatici del suo precedente film per dar vita ad un’opera seconda che è tra le cose più belle successe al genere coming of age negli ultimi anni.

Un’opera semplicissima la sua, con pochi essenziali personaggi, una manciata di ambienti e nessun distraente virtuosismo, dove si lascia che siano i personaggi a portare avanti il racconto con le loro parole, le loro speranze e le inevitabili paure. Ecco perché, al termine della visione, sanno rimanere nel cuore e nella mente dello spettatore. Personaggi con i quali si sviluppa subito un’amicizia per la spontaneità con cui sono raccontati, con grande attenzione a quelle “imperfezioni” che li rendono umani. Il merito, però, sta anche nella bravura degli interpreti, dal primo all’ultimo.

Se Aubrey Plaza prosegue nel suo anno d’oro dopo Megalopolis e Agatha All Along, la vera scoperta è Maisy Stella, cantante e attrice divenuta celebre per la serie Nashville e qui al suo primo ruolo da protagonista di un film. La sua generosità nei confronti del suo personaggio è commovente, per la grazia con cui affronta i momenti più leggeri e quelli più drammatici del racconto, giungendo sempre al cuore dello spettatore con questo suo ritratto di una ragazza in cui è facilissimo potersi riconoscere. Non per nulla, è stata candidata come Miglior esordiente ai Gotham Awards 2024.

La meraviglia di essere giovani e stupidi

Si è parlato di “momenti drammatici”, perché ce ne sono e arrivano in modo così naturale e imprevisto da far rimanere spiazzati. Ma questa è la vita e il segreto per affrontarla anche nei suoi lati peggiori è quella magica combinazione di giovinezza e stupidità, che Elliott rivendica fino all’ultimo. E allora via alla frenesia, tra lo spensierato cazzeggio, una vivace colonna sonora e il susseguirsi di una serie di splendidi ambienti che si fanno specchio della libertà della protagonista. Libertà che, sappiamo, potrebbe perdersi nel momento in cui si trasferirà in città. Una frenesia che si ritrova ovviamente anche nell’amore che lentamente nasce tra Elliott e Chad e che ben rievoca la meraviglia degli amori giovanili.

Perché l’altra grande linea narrativa del film è quella che lega Elliott a Chad, che ha dunque a che fare con l’amore e ciò che questo sentimento può farci scoprire di noi. My Old Ass è, in via definitiva, un viaggio di scoperta, durante il quale si può anche incappare nel dolore, che Elliott capirà però di non voler evitare. Perché se è vero che un giorno questo dolore ti sarà utile (come recita il titolo di un bel romanzo di formazione), allora proteggersene non sarà di alcun aiuto, come si comprende in un finale rapido ma di grande impatto. Meglio aprirsi alla vita, e nel dirci ciò My Old Ass è un puro dono, una carezza allo spettatore e un grintoso, divertente e commovente invito a dare più valore al proprio tempo.

Il tema del rapimento sembra essere stato estremamente sviluppato nel corso degli anni nel panorama cinematografico. Si tratta talvolta di pellicole molto avvincenti, dense di suspense e successivamente vincitrici anche di diversi riconoscimenti, quali Il silenzio degli innocenti.

Don’t move presenta un pattern simile a molti altri film dello stesso genere: il rapimento di una giovane donna da parte di un sociopatico. Diretto da Brian Netto e Adam Schindler e prodotto da Sam Raimi (Spider man), Don’t move presenta un cast formato da attori ben noti nel panorama cinematografico internazionale: Finn Wittrock (La grande scommessa, acque profonde) interpreta qui il protagonista Richard, mentre Kelsey Asbille (Fargo, Yellowstone) è nel ruolo di Iris.

Don’t move: il rapimento

E’ mattina presto: Iris lascia il suo letto quando ancora tutti dormono con il solo scopo di dire addio a questo mondo. L’improvvisa morte de figlio Mateo ha fatto si che lei non riuscisse ad avere più alcuna gioia nel continuare a vivere. E proprio nel momento in cui sta per buttarsi giù dallo stesso dirupo da cui era caduto il suo bambino un giovane la convince a continuare a vivere.

Una volta scesi dalla  montagna però, lui la addormenta con un taser e la rapisce: qui ha inizio l’incubo di Iris. Per quanto la donna riesca a liberarsi e a scappare dal proprio aguzzino, la potente droga che lui le aveva iniettato le avrebbe bloccato le funzioni motorie in meno di venti minuti. Inizia così una terribile corsa per salvarsi la vita.

Le occasioni per scappare, salvarsi o essere salvata sembrano essere diverse per Iris, ma Richard sembra sempre avere la meglio.

Don’t move: una nuova voglia di vivere

Primo elemento interessante che si riscontra in Don’t move è come, mentre all’inizio del film Iris è sul punto di togliersi la vita, nel momento in cui Richard la rapisce per essere lui a ucciderla lei scappa. Certo, è da considerare che, trattandosi di un killer psicopatico, l’assassinio di Iris sarebbe stato solo l’atto finale. Ciononostante, la donna ha diverse occasioni per raggiungere il suo intento iniziale, ma non si suicida.

Da quando Richard la rapisce è come se Iris avesse recuperato la voglia di vivere, e proprio per questo lotta con ogni sua forza per cercare di sfuggire al terribile destino che l’assassino gli vuole riservare.

Questo diventa quindi un punto di riflessione sulla stessa psiche umana: nel vedere mettere a rischio seriamente la propria vita, lo spirito di sopravvivenza prende il sopravvento. Don’t move non si differenzia in molto da altre pellicole più o meno famose sullo stesso genere, se non per questo elemento.

Giocare a fare Dio

Don’t move si focalizza totalmente su Iris e Richard, delineando gli stati d’essere di entrambi. Di conseguenza, permette allo spettatore di comprendere meglio anche il modo di pensare di Richard. L’assassino sembra essere un chiaro esempio di psicopatia: ha un deficit della mentalizzazione altrui, ovvero non riesce a provare empatia, non è un soggetto delirante, agisce senza alcun senso di colpa, vedendo gli altri esseri umani come meri oggetti da usare a proprio piacimento.

Richard sembra agire sistematicamente, avendo un modus operandi ben chiaro: sappiamo che il suo target sono solo donne, lui stesso afferma di non aver mai ucciso un uomo. Sceglie i fine settimana per divertirsi nelle sue sevizie perché passa il resto della settimana con sua moglie e sua figlia: ciò indica che solitamente vive una vita normale, all’insaputa di tutti.

Il motivo per cui lo fa ci viene spiegato direttamente dalle sue parole. Dopo la morte di Chloe, lui si finalmente sentito “ricollegato”: vederla morire ha sbloccato qualcosa in lui, qualcosa che aveva sentito rimanere latente fino a quel momento. Poter vedere una persona morire lo aveva emozionato a tal punto da voler rivivere quello stato d’animo. Il punto focale della sua perversione è proprio “giocare a fare Dio”, ovvero avere la vita di una persona tra le proprie mani, per poi vederla morire.

Don’t move è in definitiva un thriller molto forte, caratterizzato da un clima di crescente suspense e tensione. Partendo da un silenzio quasi inquietante nei primi minuti del film, già con l’inizio dei titoli di testa il cuore degli spettatori fa un sobbalzo. Così le prime scene in cui Richard riesce a convincere Iris a non suicidarsi e i due scendono insieme come due amici giù dalla montagna restano solo un ricordo lontano.

Oggi, 7 dicembre 2024, arriva in sala un’esplosiva commedia d’azione natalizia che promette di scaldare le feste: Uno Rosso, film diretto e co-prodotto da Jake Kasdan, ci trasporta infatti in una elettrizzante avventura ai confini del Polo Nord. Un nuovo capitolo all’interno del personale universo d’avventura del regista, noto per aver diretto Jumanji – Benvenuti nella giungla e il suo sequel Jumanji: The Next Level.

La sceneggiatura, firmata da Chris Morgan, ci presenta un cast stellare guidato da Dwayne ‘The Rock’ Johnson e Chris Evans. Per la prima volta sullo stesso schermo, i due attori danno vita a un improbabile duo incaricato di salvare il Natale. Al loro fianco, un ricco ensemble di attori tra cui Lucy Liu, Kiernan Shipka, Bonnie Hunt e Wesley Kimmel. A interpretare il mitico Babbo Natale è invece J. K. Simmons, che dopo aver prestato la voce a Santa Clause nel film d’animazione Klaus, torna a vestire oggi gli stessi panni.

Prodotto da Amazon MGM Studios, Uno Rosso è distribuito da Prime Video.

La trama di Uno Rosso

Polo Nord. Vigilia di Natale. L’atmosfera festosa viene improvvisamente turbata da un evento sconvolgente: Babbo Natale è stato rapito. Conosciuto con il codename “Rosso”, il vecchio è sparito nel nulla a poche ore dalla notte della consegna dei doni. E per far fronte all’emergenza, viene attivata la Task Force dell’ELF, un’unità d’élite incaricata di proteggere il Polo Nord.

A guidare la missione di salvataggio è Callum Drift (Dwayne Johnson), un agente speciale dalla tempra d’acciaio e dalla grande esperienza in operazioni clandestine. Al suo fianco, con l’obiettivo di fornire aiuto esterno alla complicata operazione segreta, viene invece selezionato Jack O’Malley (Chris Evans), famigerato ladro, dotato di straordinarie abilità da segugio che gli consentono di rintracciare chiunque, ovunque si nasconda.

Insieme, Drift e O’Malley si imbarcheranno in un lungo viaggio in giro per il mondo e a contatto con l’ignoto. In una corsa contro il tempo che, tra indizi da scovare, ostacoli da superare e nemici da sconfiggere, li porterà a svelare l’oscuro complotto che minaccia di rovinare per sempre la festa più amata dai bambini. Riusciranno i due “eroi” a salvare Babbo Natale e a ripristinare la gioia nel mondo?

Jake Kasdan e la poetica dello sgraffignare

Era chiaro fin dai tempi di Jumanji – Benvenuti nella giungla: Jake Kasdan è sempre stato un abile borseggiatore. Quasi come il Jack O’Malley di questo suo nuovo Uno Rosso, ingaggiato con urgenza per salvaguardare il Natale. O forse addirittura più scaltro, quasi chirurgico nelle sue scelte. E se nel caso del reboot/sequel del 2017 le principali reference erano da ricercarsi all’interno del filone videoludico/avventura modellato da Tron ed eredi fin dagli anni ’80 (passando per eXistenZ e similari, ma senza dimenticare l’influenza dell’allora neonato Jurassic World), per quest’ultimo progetto il regista rivolge invece lo sguardo altrove.

Indiscutibilmente conscio del materiale a disposizione e ben consapevole del target di un’opera di questo genere – inevitabilmente destinata a un pubblico per lo più composto da famiglie e giovani o giovanissimi – Kasdan decide infatti di pescare da buona parte dell’immaginario mainstream degli ultimi trent’anni. A partire dalla celebre serie di Santa Clause a cavallo tra anni ’90 e 2000 (da cui Uno Rosso trafuga soprattutto le atmosfere del Santa Clause è nei guai di Michael Lembeck) e arrivando a mescolare con discreta naturalezza diverse componenti dello spy e del buddy movie. Per quanto l’epicentro del terremoto narrativo del film rimanga innanzitutto il solito e insostituibile The Rock – ormai quasi feticcio di Kasdan.

Uno Rosso è The Rock

A fronte di un Chris Evans che, abbandonata la purezza del Captain America del MCU, torna qui a vestire i panni del “cattivo” ed affascinante cazzone (già sondati in occasione del primo Knives Out di Rian Johnson, nel 2019), l’ipertrofia muscolare di The Rock, estesa in questo caso anche al Babbo Natale dell’ottimo J. K. Simmons, rappresenta il restante 50% della coppia. La metà che tuttavia, forse inevitabilmente, finisce per catalizzare ogni attenzione.

“Ti sembro umano?” domanda del resto il personaggio di Dwayne Johnson in uno dei rari momenti di respiro della missione. E nel quesito risiede probabilmente l’essenza di una delle icone più significative del cinema muscolare degli ultimi vent’anni. Quasi che, più che di organi, sangue e tessuti, l’indistruttibile corazza dell’attore sia più che altro frutto della fusione delle tensioni superomistiche dei tanti personaggi a cui ha prestato il corpo (dal Re Scorpione, a Luke Hobbs e Black Adam). E che dunque, memore del monologo del tarantiniano Bill – nel film che dal suo villain prende il nome, Dwayne Johnson sia il vero alter ego di The Rock, e non il contrario.

Di certo per Kasdan il Natale è questione seria, anzi serissima. E merita di essere difeso dai migliori. Sebbene il film, per lo più commedia godibile e dalle buone trovate, si perda qua e là in un discorso fin troppo prolisso ed esteticamente traballante.

Laurent Geslin è un fotografo naturalista di fama mondiale che per nove anni ha monitorato immergendosi nella natura, le linci euroasiatiche. La lince, per chi non lo sa, è un predatore fondamentale per l’ecosistema forestale, poiché la sua presenza aiuta a mantenere l’equilibrio naturale, minacciata sempre di più da fattori come i cambiamenti climatici e l’attività umana. Il documentarista alla fine ha realizzato un film intitolato Le linci selvagge che è stato presentato in anteprima durante il Locarno Film Festival 2021.

Cosa racconta Le linci selvagge

Nel corso del 19° secolo, la lince euroasiatica è stata sterminata ed è scomparsa dall’Europa occidentale. Cinquant’anni fa, il predatore però è stato reintrodotto nelle montagne della Svizzera. La lince è un animale fiero, bellissimo, con indole schiva, solitario, ma nonostante la protezione garantita a livello nazionale ed europeo, la specie resta comunque a rischio. Le sue peculiarità fisiche sono i ciuffi di peli sulle punte delle orecchie e il manto che assume varie gradazioni di colore a seconda del territorio di appartenenza. Il pelo delle linci per esempio è più chiaro nei paesi del nord e diventa più scuro man mano che si procede verso sud. Anche se è un felino usa il mimetismo per difendersi dai pericoli dell’ambiente circostante, ma anche per ingannare le sue prede, come caprioli o camosci.

Questo fiero predatore, conosciuto anche con il nome di gattopardo o lupo del Cerviere, ha un comportamento che ricorda un po’ quello di altri animali notturni delle foreste europee, preferendo prevalentemente uscire nelle ore serali e dedicarsi alla vita sociale solo durante il periodo degli accoppiamenti. Il fotografo francese ha seguito, per un lungo periodo, il ciclo della vita di una famiglia di linci euroasiatiche, documentando gli eventi cruciali come la nascita dei cuccioli, l’apprendimento della caccia e la difesa del territorio ma anche quella dagli uomini. Questo documentario, girato tra le montagne della Giura e commentato da Geslin stesso, si apre a fine Inverno dove due linci che si incontrano per riprodursi.

Il film inizia durante la stagione degli amori, quando il maschio della specie “canta” per attirare la femmina, che risponde ad essa. Proseguendo passano alcuni mesi e arriva la Primavera con il risveglio degli animali dal letargo, la rinascita con i suoi primi germogli sulle piante e l’apparizione della lince femmina in dolce attesa alla ricerca di una tana per partorire. Passa un’altra stagione e si rivede la lince madre con ben tre piccoli gattini,  ovviamente questo è un docufilm con animali selvaggi in cui è facile trovare la morte quando sei un cucciolo. Purtroppo durante il racconto due membri della famiglia delle linci vanno incontro a un triste destino. Uno dei tre cuccioli viene ucciso da un bracconiere e l’altro a sette mesi muore investito da una macchina. Il documentario si conclude con la femmina piccola cresciuta, l’unica sopravvissuta, pronta per trovare un compagno e continuare la specie.

Un film che contribuisce alla ricerca

Guardando quest’opera prima di Laurent Geslin si nota fin da subito che chi c’è dietro la telecamera è una persona esperta e appassionata di questo straordinario animale. Uno degli aspetti che meglio lo mostra è quando c’è proprio l’impressione, che la lince stia guardando dritto nell’obiettivo e questo è merito del regista che ormai li conosce bene questi straordinari predatori europei. Il regista comunque non si concentra solo sulla lince ma mostra anche tutti gli altri animali che in qualche modo diventeranno, forse, possibili prede o semplicemente abitano nello stesso habitat naturale.

Le linci selvagge si racchiude benissimo nel genere dei documentari dedicati alla natura incontaminata e alla difficile convivenza tra esseri umani e animali selvaggi. Per concludere questo docufilm è tutt’ora il primo dedicato interamente alle linci, ci sono quelli sui leoni, ghepardi, giaguari e altri grandi felini, ma niente sui gattopardi.