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Escape Room 2 – Gioco mortale: la spiegazione del finale del film

Proprio quando Zoey e Ben pensano di essersi liberati dalle grinfie della Minos Corporation, il colpo di scena finale di Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che in realtà non sono mai realmente riusciti a fuggire. Gli ultimi momenti del sequel horror preparano così il terreno per il seguito della storia, ricollegandosi anche al finale del primo Escape Room. Ma andiamo con ordine. Diretto da Adam Robitel, il sequel vede i due sopravvissuti del primo film cercare di ottenere giustizia per i loro compagni di gioco che sono stati tormentati e uccisi dalla Minos. Sfortunatamente, il loro tentativo di indagare sul quartier generale della società a New York City finisce con loro che vengono attirati in una nuova serie di escape room.

Insieme a loro, ci sono stavolta altri quattro sopravvissuti dei precedenti giochi della Minos. Dopo aver affrontato una serie di rompicapo diabolici che coinvolgono un vagone della metropolitana che diventa una bobina di Tesla, una banca piena di laser letali, una spiaggia finta ricoperta di sabbie mobili e una strada cittadina periodicamente inondata da piogge acide altamente corrosive, Zoey è scioccata dal ritorno a sorpresa di due persone che credeva morte: Amanda, morta nel primo film, e Ben, inghiottito dalle sabbie mobili. Anche Escape Room 2 – Gioco mortale riserva dunque una nuova sorpresa dietro ogni angolo. In questo approfondimento analizziamo dunque il finale, fornendone una spiegazione.

Come (e perché) Amanda è sopravvissuta alla prima Escape Room

Con un po’ di retconning tramite flashback sul primo film, Escape Room 2 – Gioco mortale rivela che Amanda Harper aveva una figlia piccola. Questo è un primo indizio di un colpo di scena nel terzo atto, quando viene rivelato che la morte di Amanda per caduta era un’illusione e che da allora è stata nelle mani di Minos. Dopo essere caduta nel lungo pozzo dalla sala della piscina con il pavimento che crollava, Amanda è atterrata su un materasso invece che sul duro pavimento. Minos ha poi rivelato di aver rapito sua figlia, Sonya, e di averla usata come leva per costringere Amanda a progettare la loro prossima serie di stanze enigmistiche.

Come rivelato nel primo film, le escape room di Minos sono fornite come intrattenimento gladiatorio di alto livello a una clientela di ricchi sadici, e i loro clienti richiedono sempre enigmi più complessi ed elaborati. Ogni gruppo di concorrenti è collegato da un tema, quindi utilizzare gli ex concorrenti per progettare nuovi puzzle potrebbe essere semplicemente un altro modo per evolvere le escape room e mantenere le cose eccitanti per i clienti. La serie di escape room di Amanda era unica nel modo in cui le utilizzava per raccontare la sua storia, forse con l’intenzione di comunicare una richiesta di aiuto.

Come Zoey capisce quando legge una lettera scritta dalla figlia di Amanda, Sonya, le escape room sono tutte collegate ai ricordi di un giorno particolare: il viaggio in metropolitana, l’andare in banca e l’andare in spiaggia. Sia il puzzle della spiaggia che quello della strada utilizzavano l’immagine di una bambina che guardava sua madre, e c’erano anche riferimenti al round precedente di escape room nascosti nel nuovo set. Come le dice il suo terapeuta, “tutto è un indizio”.

Tyler Labine, Jay Ellis, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Taylor Russell e Nik Dodani in Escape Room 2 - Gioco mortale
Tyler Labine, Jay Ellis, Logan Miller, Deborah Ann Woll, Taylor Russell e Nik Dodani in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Gli altri concorrenti potrebbero essere ancora vivi?

Uno dei temi principali di Escape Room 2 – Gioco mortale è che non tutto è come sembra, e questo concetto è ribadito dall’avvertimento di Amanda a Zoey: se non ha visto un cadavere con i propri occhi, quella morte potrebbe non essere mai avvenuta. Se Minos ha salvato Amanda dalla caduta, potrebbe aver salvato anche altri concorrenti. Danny Khan era un veterano delle escape room e ne aveva già affrontate decine, il che lo rendeva il candidato perfetto per Minos come progettista di puzzle. Danny sembrava essere annegato dopo essere caduto nel ghiaccio, ma dato che il suo corpo è scomparso nell’acqua, potrebbe benissimo tornare come ha fatto Amanda.

Il ritorno di Ben dopo essere rimasto intrappolato nelle sabbie mobili apre anche la possibilità che Nathan possa essere ancora vivo, dato che era stato risucchiato nella stessa trappola. Rachel e Brianna sembravano essere morte quando sono state catturate dalla pioggia acida, ma Zoey è stata lasciata cadere nella stanza accanto prima che la loro morte fosse confermata. E anche se il rapporto della stazione di polizia dice che quattro corpi sono stati rimossi dall’edificio Minos a New York, la notizia si rivela essere solo un’altra bugia inventata da Minos.

Il colpo di scena finale

Convinta che Minos sia stato sconfitto e che Amanda stia rilasciando una dichiarazione alla stazione di polizia che aiuterà l’FBI a dare la caccia ai colpevoli, Zoey decide finalmente di superare la sua persistente paura di volare e di prendere un aereo per tornare a Chicago. Mentre è sull’aereo, però, si rende conto che tutti i mezzi con cui pensava di ingannare Minos e risolvere i loro enigmi – come scoprire la seconda uscita dietro la luna nella stanza sulla spiaggia e usare il tubo del gas per liberare Ben nella stanza finale – erano sospettosamente facili. Quelli che pensava fossero errori nella progettazione degli enigmi erano in realtà stati inseriti deliberatamente, proprio come tutti gli altri indizi.

La “fuga” di Zoey e Ben dall’edificio Minos faceva quindi parte del piano della società. La loro esperienza alla stazione di polizia, dal rapporto della polizia in TV alla rassicurazione che Minos era sotto indagine dell’FBI, era tutta una messinscena. Era stato progettato per dare a Zoey la fiducia necessaria per salire finalmente su un aereo, il che a sua volta avrebbe dato il via al prossimo round di escape room. Il libro sul libero arbitrio che il suo terapeuta le mostra all’inizio del film era davvero un indizio: un indizio su come Minos avesse intenzione di ingannarla facendola credere che stesse agendo di sua spontanea volontà, quando in realtà stava semplicemente facendo il loro gioco.

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Holland Roden, Logan Miller, Taylor Russell, Thomas Cocquerel e Indya Moore in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Come il primo film ha preparato il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

Escape Room si è concluso con quella che all’inizio sembrava essere una escape room costruita all’interno di un aereo, con i concorrenti costretti a cercare di risolvere il puzzle prima che l’aereo si schiantasse contro una montagna. Si è poi scoperto che questo aereo era semplicemente un modello, costruito su una piattaforma inclinabile con schermi alle finestre per creare l’illusione di essere in volo. I “concorrenti” erano dipendenti di Minos che giocavano nella stanza dei puzzle per cercare difetti nel suo design.

Dopo l’ultima prova del puzzle dell’aereo, una misteriosa figura oscura su uno schermo chiede quali siano le possibilità di successo, e un ingegnere gli risponde che sono solo del 4%. Il creatore del puzzle rivela che questa stanza è stata progettata appositamente per Zoey, gongolando: “Sono così felice che Zoey abbia superato la sua paura di volare”. All’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra che Zoey sia riuscita a evitare questo puzzle; ha cancellato il volo che avrebbe dovuto prendere per New York e ha cancellato anche altri tre voli, decidendo infine di andare in città in auto con Ben.

Il creatore del puzzle si è apparentemente reso conto che Zoey non avrebbe mai avuto abbastanza fiducia in sé stessa per volare a meno che non avesse pensato che Minos fosse stata sconfitta, e così ha orchestrato un piano per far credere a Zoey di aver vinto. È possibile che l’aereo su cui Ben e Zoey salgono alla fine del film non sia nemmeno un vero aereo, ma un modello all’interno di un magazzino come quello visto alla fine del primo film. È anche possibile che Minos abbia intensificato le cose trasformando un vero aereo in una stanza enigmistica e, se Zoey non riuscirà a capire gli indizi, lei, Ben e tutti gli altri passeggeri finiranno davvero per schiantarsi. È un chiaro punto di partenza per un terzo film, ma come il resto del film amplia anche l’idea di cosa possa essere una escape room.

Logan Miller in Escape Room 2 - Gioco mortale
Logan Miller in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Il vero significato del finale di Escape Room 2 – Gioco mortale

La primissima stanza enigmistica introdotta in Escape Room ha stabilito l’idea che qualsiasi stanza potesse essere una escape room. Ai concorrenti è stato detto di andare a sedersi in una sala d’attesa, solo per rendersi conto che erano chiusi dentro e che il gioco era già iniziato. Come spiega il terapeuta di Zoey all’inizio di Escape Room 2 – Gioco mortale, la loro esperienza li ha lasciati con un tipo specifico di trauma che li porta a vedere il mondo stesso come una escape room e tutto ciò che contiene come indizi. Parlando con Screen Rant, il regista Adam Robitel ha spiegato che l’obiettivo del sequel era quello di far condividere al pubblico il dubbio su ciò che è reale e ciò che è artificiale:

Il gioco si è decisamente ampliato. Minos ha lavorato sodo, ma ciò che amo di questo film è che, ovunque tu vada, chiunque tu incontri, ti chiedi: cos’è la realtà? Non c’è nessun cucchiaio. Il gioco può essere ovunque, gli enigmi sono ovunque. E l’idea che ci sia questa forza machiavellica che controlla ogni singola scelta che facciamo, penso sia davvero spaventosa, soprattutto dopo una pandemia in cui ci sentiamo come se avessimo perso ogni controllo sulla nostra vita“.

Escape Room 2 – Gioco mortale ha alzato subito la posta in gioco trasformando un vagone della metropolitana in una escape room. Questo dà un’idea di quanto sia terrificante il potere della Minos Corporation: se può controllare la metropolitana di New York e trasformare una stazione di polizia in un’estensione del suo gioco, cos’altro potrebbe controllare? Zoey ha davvero ingannato il sistema di puzzle e ucciso il Gamesmaster nel primo film di sua spontanea volontà, o anche questo era stato pianificato come parte dell’intrattenimento da Minos? E se il sequel ha trasformato un marciapiede di New York City, una spiaggia e persino un aereo in un puzzle elaborato e attentamente controllato, come continuerà Minos a migliorare il suo gioco in Escape Room 3?

Taylor Russell in Escape Room 2 - Gioco mortale
Taylor Russell in Escape Room 2 – Gioco mortale. Foto di Sony Pictures – © 2021 CTMG, Inc.

Cosa sappiamo di Escape Room 3

Il finale di Escape Room 2 – Gioco mortale sembra dunque suggerire in modo evidente che Escape Room 3 sarebbe arrivato per trasformare la duologia in una trilogia. La premessa fondamentale ha chiaramente un potenziale franchise e, come i film della serie Saw, sembra limitata solo dal numero di trappole che i registi riescono a immaginare. Tuttavia, nonostante il secondo film sia uscito ormai nel 2021 e abbia incassato oltre 65 milioni di dollari al botteghino con un budget di soli 15 milioni di dollari, Escape Room 3 non si è ancora concretizzato.

Il regista Adam Robitel aveva accennato nello stesso 2021 alla possibilità di un terzo film. Parlando con Nightmarish Conjurings, Robitel ha suggerito che l’unica cosa che frenava un potenziale sequel era il budget e l’interesse del pubblico: “Vedremo! Dico sempre: vediamo se c’è voglia di farlo. Tutto dipende dai soldi, come si suol dire”. Tuttavia, questo risale a quattro anni fa e da allora non ci sono state notizie concrete su Escape Room 3. Adam Robitel non ha più diretto alcun film da allora. Questo potrebbe però essere un buon segno, poiché significa che non è distratto da altri progetti e potrebbe essere al lavoro sul terzo film, ma al momento mancano conferme ufficiali.

The Conjuring – Per Ordine del Diavolo: la vera storia dietro il film

The Conjuring – Per Ordine del Diavolo (qui la recensione) è basato sulla storia vera delle presunte esperienze di possessione demoniaca della famiglia Glatzel e sul processo per omicidio di Arne Cheyenne Johnson. Il terzo capitolo della celebre saga nota come Conjuring Universe ha così riportato sul grande schermo gli attori Patrick Wilson e Vera Farmiga nei panni di Ed e Lorraine Warren – ispirati ai controversi investigatori del paranormale – raccontandoci di uno dei loro casi più difficili e controversi.

Il sequel, diretto da Michael Chaves e scritto da David Leslie Johnson-McGoldrick, ha infatti suscitato alcune polemiche poiché, molto più dei precedenti film, ha affrontato una storia vera incentrata su un brutale omicidio. Tuttavia, come gli altri titoli della serie basati sui casi dei Warren, anche The Conjuring – Per Ordine del Diavolo ha mescolato realtà e finzione per rendere il tutto ancora più spaventoso della realtà. La drammatizzazione, l’aggiunta di culti satanici e le modifiche apportate alla cronologia degli eventi reali hanno così in parte nascosto la verità su ciò che è realmente accaduto a Johnson e ai Glatzel.

La spiegazione della possessione demoniaca e l’esorcismo di David Glatzel

Nel 1980, l’undicenne David Glatzel avrebbe iniziato a manifestare segni di possessione demoniaca in seguito a un incontro mentre aiutava a pulire la nuova casa di sua sorella Debbie con Johnson, il suo fidanzato. David disse di essere stato spinto da un’entità simile a un vecchio con la pelle carbonizzata e bruciata. L’apparizione minacciò di fare del male alla famiglia Glatzel per aver affittato la proprietà. David continuò poi ad avere visioni del vecchio, insieme a terrori notturni e lividi e segni inspiegabili sulla pelle. Alla fine, la famiglia credette che fosse posseduto.

La madre di David, Judy, contattò i famosi demonologi Ed e Lorraine Warren. Una volta ottenuta la benedizione della Chiesa cattolica per eseguire un esorcismo, quattro sacerdoti si unirono ai Glatzel, ai Warren e a Johnson per liberare David da quello che credevano fosse il diavolo. Judy raccontò al New York Times che durante l’esorcismo David “calciava, mordeva, sputava, imprecava con parole terribili” ed era strangolato da “mani invisibili”. Johnson iniziò così a sfidare il diavolo, dicendo all’entità di possedere lui e lasciare in pace David. Presumibilmente, il demone si trasferì nel corpo di Johnson.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo recensione
Steve Coulter in The Conjuring – Per ordine del diavolo. Foto di © 2021 Warner Bros. Entertainment Inc. All Rights Reserved

Arne Cheyenne Johnson uccide il suo padrone di casa

Johnson, allora diciannovenne, uccise poi il suo padrone di casa, Alan Bono, il 16 febbraio 1981. Secondo Global News, Johnson e Bono litigarono per la riparazione di un televisore o di uno stereo prima che Johnson lo accoltellasse. Radio Times aggiunge che Bono afferrò Mary, la cugina di nove anni di Debbie, facendo infuriare ulteriormente Johnson. L’omicidio avvenne poche ore dopo che Johnson, Bono, Debbie e alcuni suoi colleghi avevano pranzato e bevuto insieme. Più tardi, nell’appartamento di Bono, Debbie assistette alla crescente tensione e alla lite tra i due uomini prima che Johnson aggredisse Bono, pugnalandolo con un coltello tascabile da cinque pollici.

Debbie affermò che l’aggressione era iniziata all’improvviso e che era finita altrettanto rapidamente. Johnson si allontanò, fissando il vuoto, senza dire una parola. Bono morì dopo aver subito quattro o cinque coltellate mortali. La famiglia Gratzel ha affermato che, dopo l’esorcismo di David, Johnson mostrava segni di possessione, tra cui allucinazioni e ringhi casuali. Inoltre, prima dell’omicidio, si era verificato un incidente in cui Johnson aveva schiantato la sua auto contro un albero e aveva affermato che non era colpa sua, ma di un’entità demoniaca.

Poco dopo l’accoltellamento, il New York Times ha riportato che i Warren avevano contattato la polizia quando David era ancora posseduto per avvertire le forze dell’ordine che c’era il rischio di “qualche atto violento” nella casa dei Gratzel, che definivano “una tana demoniaca”. Dopo l’arresto di Johnson, Debbie ha detto al giornale che suo fratello David le aveva parlato di una visione che apparentemente aveva avuto dopo la morte di Bono: “Ha detto di aver visto la bestia entrare nel corpo di Cheyenne, ed era stata la bestia a commettere il crimine”.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo
Ruairi O’Connor in The Conjuring – Per ordine del diavolo

Il processo per omicidio di Arne Johnson e la difesa “è stato il diavolo a costringermi

Johnson fu quindi accusato di omicidio e il suo processo iniziò il 28 ottobre 1981. Il suo avvocato, Martin Minella, presentò alla corte una richiesta di “non colpevolezza per possesso”, aggiungendo che il corpo di Johnson era stato manipolato da un demone. Sebbene l’avvocato di Johnson potesse essere convinto dalla sua versione dei fatti e da quella della famiglia Gratzel sul possesso demoniaco, il giudice Robert Callahan respinse la richiesta. Poiché la corte rifiutò di riconoscere la possessione come difesa legittima e istruì la giuria a non considerarla legalmente, Minella presentò quindi una richiesta di legittima difesa.

L’avvocato di Johnson ha cercato di dimostrare che il suo cliente era cambiato dopo l’esorcismo di David. Nonostante la richiesta iniziale fosse stata respinta dal giudice Callahan, secondo cui la testimonianza sarebbe stata “irrilevante e non scientifica”, i testimoni hanno potuto parlare della presunta possessione e dell’esorcismo di David per descrivere il comportamento successivo di Johnson. Tra i testimoni c’erano Debbie e i Warren, che hanno testimoniato che il demone era stato trasferito dal ragazzo a Johnson. Il 24 novembre 1981, la giuria ha giudicato Johnson colpevole di omicidio colposo di primo grado. È stato condannato a 10-20 anni di carcere, ma è stato rilasciato dopo cinque anni.

La verità sul Culto dei Discepoli di Ram

Il Culto dei Discepoli di Ram non si basa su un gruppo reale. Tuttavia, l’ispirazione per questa setta satanica deriva dall’era del panico satanico degli anni ’70 e ’80, in cui persone male informate erano terrorizzate dal satanismo. Casi criminali violenti come gli omicidi della Famiglia Manson, organizzati dal leader della setta Charles Manson, e il serial killer Son of Sam alimentarono la paura del pubblico. Mentre in quei due decenni si verificarono migliaia di accuse infondate di rituali satanici, i Discepoli di Ram sono descritti come una setta immaginaria che adorava i demoni.

I Discepoli fanno la loro prima apparizione in Annabelle quando un membro della setta, Janice “Annabelle” Higgins, attacca Mia e John Form all’inizio del film. Higgins era posseduta da un demone quando era bambina, come si vede poi in Annabelle: Creation, e in seguito si è unita alla setta. Dopo aver ucciso i suoi genitori adottivi in Annabelle, si toglie la vita e il demone riesce a riattaccarsi alla bambola che era in possesso di Mia. In The Conjuring – Per Ordine del Diavolo, si scopre che anche la figlia di padre Kastner è membro dei Discepoli di Ram.

The Conjuring - Per Ordine del Diavolo Patrick Wilson
Vera Farmiga, Patrick Wilson, Vince Pisani, Ruairi O’Connor, and Sarah Catherine Hook in The Conjuring – Per ordine del diavolo

 

Come il processo per omicidio di Arne Cheyenne Johnson ha cambiato la storia

Il processo a Johnson è stato il primo caso in cui è stata utilizzata la difesa di non colpevolezza per possessione demoniaca in un processo per omicidio negli Stati Uniti (la morte di Bono è stata anche il primo omicidio nella città di Brookfield in 193 anni). Il giudice potrebbe non aver ammesso la difesa, ma ciò non ha impedito al processo per omicidio di diventare un circo mediatico. Il caso attirò l’attenzione nazionale quando Minella chiamò a testimoniare i Glatzel e i Warren, che tentarono di convincere la giuria dell’esistenza del diavolo, delle possessioni e di un esorcismo andato male.

Il processo per omicidio è dunque diventato uno spettacolo mediatico e alla fine ha portato alla trasformazione delle storie delle presunte possessioni di Johnson e David in libri, film, programmi televisivi e documentari. The Conjuring – Per Ordine del Diavolo e il film documentario di Netflix del 2023, The Devil on Trial, sono solo due esempi di progetti che sono emersi dal caso reale negli ultimi decenni. Dalle accuse di truffa rivolte ai Warren ai dettagli tralasciati dal documentario, la maggior parte dei media ispirati dalle esperienze dei Glatzel e dalla condanna di Johnson hanno ovviamente dato vita a controversie.

Cosa ha detto la famiglia Glatzel sulla possessione demoniaca e sui Warren

Il fratello di David, Carl Glatzel, ha espresso chiaramente la sua opinione sulla presunta possessione in The Devil on Trial. Parlando con i registi del documentario, Carl ha accusato i Warren di essere truffatori e ha affermato che le visioni di David erano in realtà allucinazioni causate dalla madre che somministrava sonniferi alla famiglia per controllarla. Carl e David hanno intentato una causa nel 2007 contro i Warren e l’autore Gerald Brittle dopo la riedizione del libro di Lorraine The Devil in Connecticut. Hanno accusato gli autori e gli editori di diffamazione, violazione della privacy e “inflizione intenzionale di stress emotivo”).

Debbie e Johnson hanno invece sostenuto le affermazioni sulla possessione, mentre il padre di David nega che sia accaduto. David concorda con Carl sul fatto che i Warren fossero dei truffatori, cosa che non viene descritta in The Conjuring – Per Ordine del Diavolo. Quando The Devil in Connecticut fu pubblicato per la prima volta nel 1983, i Warren ricevettero circa 81.000 dollari, mentre i Glatzel ne ricevettero 4.500. In The Devil on Trial, David sostiene che Lorraine gli mentì quando gli disse che sarebbe “diventato un ragazzino ricco” grazie al contratto per il libro: “I Warren hanno guadagnato molti soldi grazie a noi. Se possono trarre profitto da te, lo faranno”.

Final Destination 2: la spiegazione del finale del film

Final Destination 2: la spiegazione del finale del film

Final Destination 2, uscito nel 2003 e diretto da David R. Ellis, rappresenta uno dei casi più emblematici di come un sequel possa espandere efficacemente un concept narrativo già ben definito. Rispetto al primo film, questo secondo capitolo alza la posta in gioco sia a livello visivo che tematico, portando avanti l’idea del destino inevitabile con maggiore audacia e una regia più spettacolare. Il tono è più dinamico, il ritmo più serrato, e le sequenze legate alla “morte che reclama ciò che le è sfuggito” diventano ancora più elaborate e memorabili. Non si tratta solo di replicare un successo, ma di evolverne le potenzialità, dimostrando come la tensione e l’orrore possano trovare nuova linfa in un contesto già collaudato.

All’interno della saga, Final Destination 2 occupa dunque un posto centrale e significativo. È il film che consolida davvero le regole del gioco, introduce una mitologia più strutturata e offre chiarimenti fondamentali su come la Morte agisce e su cosa i personaggi possono fare per cercare di sfuggirle. È proprio in questo capitolo che la narrazione inizia a diventare più serializzata, aprendo la strada a collegamenti più stretti tra i film successivi e creando una sorta di “universo condiviso” in cui ogni evento passato può avere ripercussioni future. In questo senso, il film non è soltanto un seguito, ma un vero e proprio punto di snodo per l’intera serie.

Uno degli aspetti più affascinanti di Final Destination 2 è poi il modo in cui il suo finale riesce a essere tanto scioccante quanto coerente con le regole dell’universo creato dal franchise, riuscendo anche a giocare con le aspettative dello spettatore, sorprendendolo ma allo stesso tempo rispettando la logica interna della storia. Nei prossimi paragrafi, analizzeremo a fondo proprio il significato e la costruzione del finale, cercando di comprenderne le implicazioni più profonde e il modo in cui si ricollega ai temi portanti della saga.

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A.J. Cook e Michael Landes in Final Destination 2
A.J. Cook e Michael Landes in Final Destination 2. Foto di New Line – © 2003 New Line Cinema.

La trama di Final Destination 2

Un anno dopo il disastro del volo 180, Kimberly Corman sta per partire con gli amici per una vacanza in Florida. Durante il tragitto in autostrada, ha una terrificante visione: un gigantesco incidente a catena causato dal distacco di un tronco da un camion provoca la morte di numerose persone, tra cui lei stessa. Sconvolta, ferma la sua auto bloccando il traffico, impedendo ad altri veicoli di immettersi sull’autostrada. Poco dopo, l’incidente si verifica realmente, esattamente come nella premonizione, e Kimberly si rende conto di aver appena salvato delle vite. Tuttavia, la sua vittoria è solo temporanea.

Poco a poco, infatti, le persone sopravvissute all’incidente iniziano a morire in circostanze inspiegabili, seguendo un ordine preciso. Convinta che la Morte stia cercando di sistemare le cose, Kimberly si rivolge a Clear Rivers, unica superstite dell’incidente aereo del volo 180, che vive rinchiusa in una clinica psichiatrica per sfuggire al suo destino. Insieme, tentano di comprendere e infrangere il disegno letale della Morte. Scoprono che tutti i superstiti dell’autostrada erano legati indirettamente a chi era coinvolto nel volo 180 e che forse solo una “nuova vita” potrebbe spezzare il ciclo mortale. Mentre la Morte continua a colpire, Kimberly dovrà affrontare sacrifici estremi per tentare di sovvertire le sue regole.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Final Destination 2, Kimberly, convinta di poter interrompere la catena della morte, si getta in un lago con la propria auto nel tentativo estremo di “morire” e quindi ingannare il disegno della Morte. Viene però salvata all’ultimo momento dal dottor Kalarjian, che la rianima con un massaggio cardiaco e le restituisce la vita. Questo gesto, almeno in apparenza, dovrebbe segnare la fine del ciclo fatale: Kimberly è tecnicamente “morta” e poi è “resuscitata”, riuscendo così a sfuggire al proprio destino. Il film si chiude quindi con una scena apparentemente più leggera, in cui Kimberly e Burke vengono invitati a un barbecue dalla famiglia Gibbons.

Andrew Airlie, A.J. Cook, Chilton Crane, Alf Humphreys e Michael Landes in Final Destination 2
Andrew Airlie, A.J. Cook, Chilton Crane, Alf Humphreys e Michael Landes in Final Destination 2. Foto di New Line – © 2003 New Line Cinema.

Uno dei membri di questa, Brian, sembra essere scampato alla morte grazie all’intervento di Rory, che lo aveva salvato da un’esplosione. Kimberly capisce subito cosa questo vuol dire, ma prima che possa intervenire in alcun modo, il ragazzo salta in aria a causa dell’esplosione di una griglia. Una morte che lascia ovviamente i presenti sconvolti. Questo momento finale, breve ma scioccante, dimostra che la Morte non si può sconfiggere, ha semplicemente rinviato la sua pretesa e che nessun intervento umano è davvero definitivo.

La scena non solo rafforza l’idea che la Morte abbia un piano ben preciso, ma anche che il tentativo di “rompere la catena” potrebbe essere solo un’illusione temporanea. Il significato profondo di questo finale è duplice. Da un lato, illude i personaggi e lo spettatore che ci sia un controllo possibile sul destino, suggerendo che con sacrifici e strategie si possa ingannare la Morte. Dall’altro, con la morte improvvisa di Brian, il film ribadisce brutalmente la regola fondante dell’intera saga: nessuno sfugge davvero. Anche i tentativi più audaci di sovvertire l’ordine naturale vengono inesorabilmente annullati.

La tensione costante tra libero arbitrio e predestinazione, già presente nel primo film, viene quindi qui portata a un nuovo livello di complessità. Questo finale imposta le basi per i capitoli successivi della saga. Da qui in avanti, i personaggi cercheranno non solo di evitare la Morte, ma di decifrare le regole con cui essa opera, esplorando nuovi stratagemmi e interpretazioni del “disegno” fatale. Il sacrificio, l’ordine inverso della morte, e il concetto di “salto” nella catena diventano temi centrali nei film successivi, rendendo Final Destination 2 non solo un sequel riuscito, ma un punto di svolta narrativo nell’evoluzione del franchise.

The Gilded Age, la storia della vera famiglia Vanderbilt

The Gilded Age, la storia della vera famiglia Vanderbilt

La serie HBO The Gilded Age racconta le vicende delle famiglie dell’alta società newyorkese alla fine del XIX secolo, in particolare dei Russell. Proprio come altre popolari serie televisive ambientate in epoche passanti e ricche di scandali, quali Bridgerton o Downton Abbey, The Gilded Age offre uno sguardo romanzato sulla vita e gli avvenimenti delle famiglie ricche e influenti di New York, combinando realtà e finzione. La serie è stata creata dall’attore e sceneggiatore inglese Julian Fellowes, già autore di Downton Abbey. Fellowes ha iniziato a sviluppare The Gilded Age, che ha descritto come un “Downton americano”, per la NBC nel 2016, prima che la serie approdasse alla HBO nel 2019.

The Gilded Age offre uno sguardo romanzato sulla vita dei ricchi americani del XIX secolo, ma è basata su famiglie newyorkesi reali al centro della storica Gilded Age, un periodo di rapida crescita economica. I Russell sono personaggi di fantasia, ma sono ispirati alla vera famiglia Vanderbilt, che a un certo punto era la più ricca degli Stati Uniti. Molte delle altre famiglie ritratte nella serie sono famiglie newyorkesi realmente esistenti e alcuni personaggi famosi dell’età dell’oro compaiono come personaggi della serie. Sono molti i modi in cui la famiglia Vanderbilt ha ispirato The Gilded Age, anche se i personaggi reali erano piuttosto diversi da quelli della serie.

Le famiglie newyorkesi di The Gilded Age: quali sono reali?

Diverse famiglie dell’età dell’oro sono realmente esistite

I Russell di New York non sono una famiglia reale, ma il personaggio di Carrie Coon, la signora Russell, cita alcune importanti famiglie storiche di New York che vorrebbe invitare alla sua sontuosa festa. A parte la famiglia Van Rhijn, i nomi che ha menzionato sono quelli di vere famiglie dell’alta borghesia che erano importanti durante l’età dell’oro. Mamie Fish, Caroline e Carrie Astor, i Livingston, i Roosevelt e i Vanderbilt erano tutti personaggi reali.

La famiglia Astor di The Gilded Age, in particolare Caroline, era una delle famiglie più importanti della vera Gilded Age, essendo una famiglia di antica ricchezza e parte importante dell’alta società newyorkese. Il loro nome ha influenzato vari luoghi famosi di New York, tra cui il quartiere Astoria nel Queens. Caroline Astor ha avuto un’influenza determinante nel decidere chi era chi a New York, creando la Four Hundred, una lista di persone di spicco che lei considerava il meglio dell’alta società. Anche sua figlia Carrie era una mondana di New York e sconvolse la Four Hundred quando esortò la madre a invitare Alva Vanderbilt alle sue feste.

Alva Vanderbilt e Mamie Fish facevano parte dei Quattrocento, insieme a Tessie Oelrichs. Mamie Fish voleva essere vista come la “creatrice di divertimento” ed era nota per organizzare feste stravaganti. Nella serie, il figlio dei Russell, Larry (Harry Richardson), incontra Carrie Astor (Amy Forsyth) a una delle sue feste, che sua madre vuole che lui conosca per via del suo cognome. Alva Vanderbilt non compare nella serie, ma viene citata come esempio di famiglia di nuovi ricchi che è stata accettata. Alva ha contribuito a far entrare la famiglia Vanderbilt nella cerchia delle vecchie famiglie, che in precedenza la guardavano con disprezzo a causa della reputazione del patriarca come magnate senza scrupoli.

La famiglia Livingston, citata come la famiglia da cui discendono i Van Rhijn, è una famiglia importante di New York che fa risalire le sue origini al quarto Lord Livingston. Anche la famiglia Astor e la famiglia Fish sono entrambe presunte discendenti della linea Livingston. Ward McAllister, interpretato da Nathan Lane nel cast di The Gilded Age, era un creatore di tendenze e cugino della famiglia Astor, la cui protettrice era Caroline Astor. Coniò il termine “The Four Hundred” e si autoproclamò esperto della nobiltà newyorkese. McAllister pubblicò un libro intitolato Society As I Have Found It nel 1890, che rovinò la sua reputazione sociale presso le famiglie dell’alta società, che tenevano molto alla loro privacy e considerarono il libro una violazione.

La vera famiglia Vanderbilt

The Gilded Age è incentrato sui Russell e sul loro tentativo di entrare a far parte dell’alta società newyorkese. Nella vita reale, la famiglia Vanderbilt ha avuto un percorso simile. La famiglia Vanderbilt di The Gilded Age era considerata una famiglia di nuovi ricchi perché, a differenza delle famiglie di vecchia data, i Vanderbilt non erano importanti prima della Rivoluzione Americana. Cornelius Vanderbilt era il patriarca che accumulò una grande fortuna nel settore navale e ferroviario a metà del XIX secolo.

Era soprannominato “barone ladro”, un termine dispregiativo usato per indicare un uomo d’affari che ricorre a pratiche di sfruttamento per accumulare ricchezza. Cornelius è il primo “barone ladro” americano, poiché il termine fu usato per la prima volta dal New York Times nel 1859 per descrivere le sue pratiche commerciali. Era considerato rozzo e incolto dall’alta società newyorkese, anche se stava rapidamente diventando l’uomo più ricco della città.

I membri della famiglia Vanderbilt citati nella cronologia dell’età dell’oro sono il nipote di Cornelius, William Kissam Vanderbilt, e la sua prima moglie, Alva Vanderbilt. William gestì gli investimenti ferroviari della famiglia dopo la morte del nonno e ereditò 55 milioni di dollari del patrimonio dei Vanderbilt. La sua allora moglie, Alva, voleva far parte dell’alta società ed era una arrampicatrice sociale.

Non solo riuscì ad aiutare la famiglia Vanderbilt a farsi accettare dalle famiglie dell’alta borghesia di New York, ma sfidò persino il regno di Caroline Astor, le cui feste decidevano chi faceva parte dei Quattrocento dell’età dell’oro. William e Alva ebbero tre figli prima che l’infedeltà di William ponesse fine al loro matrimonio. Alva si risposò in seguito con il rappresentante degli Stati Uniti Oliver Belmont.

Il ruolo dei Vanderbilt nella serie The Gilded Age

I Vanderbilt sono personaggi che, nella serie, fungono da ispirazione per Bertha Russell per una famiglia di nuovi ricchi che viene accettata dalla società. Sono anche la famiglia della Gilded Age nella vita reale su cui sono modellati i Russell. I Russell sono una famiglia di nuovi ricchi che ha fatto fortuna grazie alla ricchezza accumulata da George Russell nell’industria ferroviaria. Il signor Russell è più simile a Cornelius Vanderbilt che a William Kissam Vanderbilt, che era in realtà una figura di spicco dell’età dell’oro.

George Russell, come Cornelius Vanderbilt, è lui stesso un magnate che sta facendo fortuna acquistando ferrovie e costruendone di nuove per superare la concorrenza di altri uomini d’affari che non vogliono vendergli le loro. Sua moglie Bertha, tuttavia, prende ispirazione dalla moglie di William Kissam Vanderbilt, Alva, che era determinata a farsi accettare dall’alta società newyorkese e alla fine è diventata così importante nella società da poter praticamente decidere chi faceva parte dell’ambita cerchia dei Quattrocento.

Nella prima stagione di The Gilded Age, la signora Russell menziona i Vanderbilt quando parla della sua ambizione di lasciare un segno nell’alta società newyorkese. La “signora Vanderbilt” a cui si riferisce nel primo episodio è Alva, a cui si attribuisce il merito di aver aiutato i Vanderbilt a farsi accettare dall’alta società newyorkese. Le famiglie dell’alta borghesia newyorkese snobbano la signora Russell nel primo episodio di The Gilded Age, il che la rende determinata a lasciare il segno nella società. Come la signora Vanderbilt, diventa un’abile arrampicatrice sociale, calcolando la sua strada per entrare nell’ambita Four Hundred.

Anche la figlia dei Russell, Gladys (Taissa Farmiga), è probabilmente ispirata a Consuelo, figlia di William Vanderbilt e Alva Belmont, che Alva aveva dato in sposa al duca di Marlborough per assicurarsi un posto nell’alta società. Il matrimonio combinato dell’ex duchessa potrebbe suggerire un possibile futuro per Gladys di The Gilded Age, che vive secondo le regole della madre opportunista.

Cosa succede alla famiglia Russell nella seconda stagione di The Gilded Age

Con la seconda stagione di The Gilded Age in corso, i Russell continuano a lottare per mantenere il loro posto nell’alta società newyorkese e ad affrontare il continuo scrutinio dei loro omologhi dell’alta borghesia. La vera famiglia Vanderbilt ha vissuto molti alti e bassi nel suo percorso verso la fama, la fortuna e la posizione sociale, quindi presumibilmente i Russell immaginari affrontano un percorso simile a quello della loro vera storia nella seconda stagione di The Gilded Age.

In particolare, la seconda stagione di The Gilded Age presenta una trama che vede Bertha entrare in guerra con la signora Astor per decidere quale teatro dell’opera fosse considerato alla moda dall’élite newyorkese. Dopo che l’Academy of Music ha snobbato i Russell rifiutandosi di vendere loro dei palchi permanenti (considerati un must dell’alta società newyorkese), Bertha offre invece il suo sostegno finanziario e sociale al rivale Metropolitan Opera House. Questa faida tra i due teatri è realmente avvenuta quando il Metropolitan aprì i battenti nel 1880.

I Vanderbilt reali erano tra le numerose famiglie benestanti che finanziarono il Metropolitan Opera House per snobbare l’aristocrazia tradizionale di New York e, per estensione, l’Academy of Music. Questo è uno dei numerosi parallelismi tra i Russell e i Vanderbilt finora emersi, e probabilmente ce ne saranno molti altri prima della conclusione della seconda stagione di The Gilded Age. Tuttavia, come sempre, la serie televisiva apporterà diverse modifiche creative agli eventi reali, mantenendo la storia dei Russell davvero unica.

Thunderbolts* ha perso milioni di dollari, nonostante le recensioni positive

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Pochi giorni dopo l’arrivo di Thunderbolts* sul grande schermo, il CEO della Disney, Bob Iger, ha pubblicamente elogiato l’avventura a fumetti come il “primo e migliore” esempio della nuova strategia cinematografica della Marvel, riferendosi all’accoglienza positiva del film da parte di pubblico e critica. Un vero e proprio sollievo dopo alcuni anni complessi.

Sei settimane dopo, Thunderbolts* ha subito un tonfo al botteghino. Con 371 milioni di dollari a livello globale, è uno dei film con gli incassi più bassi di tutto il Marvel Cinematic Universe Disney.

A differenza dei tre film Marvel che lo hanno preceduto, Thunderbolts* ha avuto un passaparola entusiasta, ma deve ancora uscire dal negativo, il che suggerisce che ci sia un nuovo limite per i film di supereroi che non sono basati su personaggi di punta.

Un mercato globale in calo e la saturazione di storie di supereroi sul grande e piccolo schermo sono in parte responsabili di questo declino. Anche le abitudini e i gusti del pubblico sono cambiati: i più grandi successi di quest’anno sono stati film per bambini come Un film Minecraft e Lilo & Stitch o titoli originali come I Peccatori.

“Questi film di fumetti di fascia bassa non sono più dei successi cinematografici”, afferma Jeff Bock, analista delle relazioni con gli espositori. “Anche il fatto che ‘Thunderbolts*’ si concluda dopo appena un mese di programmazione è motivo di preoccupazione. Questi film non stanno andando alla grande come le precedenti iterazioni”.

Arriva a un punto di svolta per l’MCU. Dopo aver inondato gli spettatori di storie complesse e interconnesse tra cinema e televisione, la Marvel sta intenzionalmente rallentando per concentrarsi sulla qualità piuttosto che sulla quantità.

Dopo I Fantastici Quattro: Gli Inizi di luglio, un’altra sorta di introduzione cinematografica, la Marvel sembra aver abbracciato una mentalità del tipo “o la va o la spacca”. Il calendario imminente è popolato solo da grandi successi con budget consistenti: Avengers: Doomsday e Spider-Man: Brand New Day nel 2026 e Avengers: Secret Wars nel 2027. Un film senza titolo è previsto per luglio 2027, e sono in lavorazione i film di “X-Men” e “Black Panther”. Ma altri progetti incentrati su un singolo personaggio, come “Blade”, sono rimasti bloccati in un limbo prolungato.

La Marvel prosperava grazie all’insolito. Quando Kevin Feige stava assemblando un universo cinematografico all’inizio degli anni Duemila, X-Men e Spider-Man, i personaggi più noti della Marvel, erano stati concessi in licenza ad altri studi. Eppure, ha creato una proprietà intellettuale di enorme successo introducendo Iron Man e Thor in avventure indipendenti e poi riunendoli in “The Avengers“. Quelle vittorie hanno incoraggiato Feige a scommettere su sinistre proposte a fumetti come “Guardiani della Galassia“, che hanno dato i loro frutti in modo spettacolare e hanno ampliato il franchise. Ma dopo troppi spin-off confusi e sequel mediocri, il pubblico sembra meno interessato alle nuove aggiunte agli Eroi più Potenti della Terra.

Robert Downey Jr. non può tornare ogni volta che l’MCU si trova in difficoltà. Se lo studio vuole rifornire il pozzo di nuovi vigilanti, deve investire meno nelle storie delle origini. Ma stringere la cinghia sta diventando sempre più difficile, dato che il costo di tutto – dagli stipendi degli attori agli effetti visivi al catering – è aumentato drasticamente. E trasformare questi film in eventi imperdibili richiede ingenti investimenti promozionali per tour stampa e anteprime in giro per il mondo.

La Marvel ha limitato gli investimenti per Thunderbolts*, consapevole che i suoi personaggi provenivano da “Black Widow”, un titolo bloccato dalla pandemia e poco visto su Disney+. In genere, i titoli di punta dello studio costano dai 200 ai 250 milioni di dollari per la produzione e altri 120-140 milioni di dollari per la commercializzazione. Thunderbolts* è stato economico, con un costo di produzione di 180 milioni di dollari e una commercializzazione vicina ai 100 milioni di dollari.

“Gli studi cinematografici stanno lavorando duramente per ridurre i budget più elevati”, afferma David A. Gross, analista di Franchise Entertainment Research. “Vedremo meno spese eccessive rispetto agli anni successivi alla pandemia”.

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M3GAN 2.0: il trailer finale!

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M3GAN 2.0: il trailer finale!

La bambola assassina che ha conquistato la cultura pop nel 2023 è tornata. E questa volta, non è sola.  Dopo il successo del primo film, il team creativo originale – guidato dai maestri dell’horror James Wan (Atomic Monster), Jason Blum (Blumhouse) e il regista Gerard Johnstone – porta sul grande schermo M3GAN 2.0 un nuovo e folle capitolo nel caos dell’intelligenza artificiale. Il film arriva il 26 giugno al cinema.

Sono passati due anni da quando M3GAN, un prodigio dell’intelligenza artificiale, si è ribellata scatenando una serie di omicidi (perfettamente coreografati) ed è stata distrutta. Nel frattempo, la sua creatrice, Gemma (Allison Williams), è diventata un’autrice di successo e una figura di spicco nella battaglia per la regolamentazione dell’intelligenza artificiale, mentre sua nipote Cady (Violet McGraw), ormai quattordicenne, disobbedisce sempre di più alle rigide regole di Gemma.

Quello che entrambe ignorano è che la tecnologia di M3GAN è stata rubata e sfruttata da una potente azienda della difesa per creare Amelia (Ivanna Sakhno, Ahsoka, Pacific Rim: La Rivolta), un’arma d’infiltrazione letale e intelligente. Ma, man mano che Amelia sviluppa autoconsapevolezza, diventa sempre meno disposta a eseguire ordini, e sempre meno incline a tollerare la presenza degli esseri umani.

Con il destino dell’umanità in bilico, Gemma capisce che l’unica speranza è riportare in vita M3GAN (Amie Donald, doppiata nella versione originale da Jenna Davis), migliorandola con nuovi aggiornamenti per renderla più veloce, più forte e ancora più letale. Ma quando le loro strade si incrociano, la Bitch si troverà ad affrontare una degna rivale.

Diretto dall’acclamato regista Gerard Johnstone, il film vede il ritorno di Brian Jordan Alvarez e Jen Van Epps nei panni dei fedeli collaboratori di Gemma, Cole e Tess, insieme a nuovi personaggi interpretati da Aristotle Athari (Saturday Night Live, Hacks), Timm Sharp (Apples Never Fall, Percy Jackson e gli dei dell’Olimpo) e Jemaine Clement (Avatar: La via dell’acqua, Vita Da Vampiro – What We Do in the Shadows), vincitore di un Grammy e nominato a undici Emmy.

Prodotto da James Wan, Jason Blum e Allison Williams, il film vede tra i produttori esecutivi Gerard Johnstone, Adam Hendricks, Greg Gilreath, Michael Clear, Judson Scott e Mark D. Katchur.

Il primo M3GAN ha sbancato il botteghino, esordendo con un incasso di 30,4 milioni di dollari negli Stati Uniti, record per un horror vietato ai minori di 13 anni dai tempi di A Quiet Place II. A fine corsa, il film ha superato i 180 milioni di dollari in tutto il mondo.

Balle Spaziali: volti noti tornano nel nuovo film!

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Balle Spaziali: volti noti tornano nel nuovo film!

Subito dopo la notizia che Mel Brooks tornerà nel ruolo di Yogurt per il nuovo film di Balle Spaziali, arriva da Deadline la conferma che anche Bill Pullman e Rick Moranis torneranno a bordo del franchise. I due attori torneranno ai rispettivi ruoli originali e a loro si unisce Keke Palmer in un ruolo inedito.

I dettagli della trama sono ancora riservati. Josh Greenbaum dirigerà il film da una sceneggiatura di Benji Samit, Dan Hernandez e Josh Gad, come annunciato a giugno dello scorso anno. Gad dovrebbe anche recitare e produrre insieme a Brian Grazer e Jeb Brody, Brooks e Greenbaum di Imagine Entertainment, con Kevin Salter, Adam Merims, Samit e Hernandez come produttori esecutivi.

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

Mel Brooks torna nel ruolo di Yogurt nel nuovo film di Balle Spaziali

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Mel Brooks riprenderà il ruolo di Yogurt nel nuovo film di Balle Spaziali di Amazon MGM Studios, come annunciato oggi dallo studio. Brooks, che ha diretto e interpretato il film originale, era già stato incaricato di produrlo. Parodia del Maestro Jedi Yoda di Star Wars, il suo personaggio Yogurt è un alieno che nell’originale ha svolto il ruolo di mentore del protagonista Lone Starr (Bill Pullman). Descritto da chi non ha ancora letto la sceneggiatura come “Un film di espansione del franchise, non prequel e non reboot, parte seconda, ma con elementi reboot”, il progetto uscirà nelle sale nel 2027.

I dettagli della trama sono ancora riservati. Josh Greenbaum dirigerà il film da una sceneggiatura di Benji Samit, Dan Hernandez e Josh Gad, come annunciato a giugno dello scorso anno. Gad dovrebbe anche recitare e produrre insieme a Brian Grazer e Jeb Brody, Brooks e Greenbaum di Imagine Entertainment, con Kevin Salter, Adam Merims, Samit e Hernandez come produttori esecutivi.

Distribuito dalla MGM nel 1987, Balle Spaziali è una parodia iconica del genere fantascientifico, che trae ispirazione dal franchise di Star Wars e da altri classici. La trama ruota attorno al malvagio Casco Nero (Rick Moranis) e al Presidente Skrocco (Brooks), che tentano di rubare l’atmosfera del pacifico pianeta Druidia, solo per essere ostacolati dall’eroe Stella Solitaria (Pullman), dal suo aiutante Barf (John Candy) e dalla principessa druisca Vespa (Daphne Zuniga). Tra gli altri attori del cast figurano Joan Rivers e Dick Van Patten. Il film ha incassato poco più di 38,1 milioni di dollari in tutto il mondo, ma è rimasto negli anni un classico di culto.

L’icona comica dietro altri classici come The Producers, Mezzogiorno e mezzo di fuoco e Frankenstein Junior, Mel Brooks ha vinto un Oscar per la sua sceneggiatura di The Producers, ricevendo un ulteriore Oscar onorario nel 2024. Nel corso degli anni, è stato anche riconosciuto con una borsa di studio BAFTA, il Life Achievement Award dell’AFI, quattro Emmy, quattro nomination ai Golden Globe, tre Grammy, numerosi WGA Awards (tra cui il Laurel Award per la sceneggiatura) e una miriade di altri riconoscimenti. Più recentemente, ha scritto, prodotto esecutivamente e narrato History of the World, Part II di Hulu, una serie sequel del suo film History of the World, Part I del 1981. Ha anche interpretato se stesso in un episodio di Only Murders in the Building ed è rappresentato dalla CAA e dall’avvocato Jay L. Cooper.

Superman: David Corenswet spiega perché l’Uomo d’Acciaio porta i boxer rossi a vista

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Alcuni fan sono preoccupati per il fatto che James Gunn abbia diretto Superman. Il regista ha un curriculum pressoché impeccabile quando si tratta di film tratti dai fumetti, ma i mondi abitati dai Guardiani della Galassia e dalla Task Force X sono ben lontani dall’angolo dell’Universo DC dedicato all’Uomo d’Acciaio.

Tuttavia, non è un segreto che Gunn ami Superman, e l’incredibile trailer di ieri ha contribuito a far cambiare idea a molti. Se siete ancora indecisi, i nuovi commenti del co-CEO dei DC Studios (e protagonista David Corenswet) potrebbero essere ciò che vi convincerà finalmente a partecipare alla gioia collettiva.

In un’intervista con Fandango, a Gunn e David Corenswet è stato chiesto dell’inclusione degli iconici, e spesso controversi, boxer rossi di Superman. La DC Comics li abbandonò per la prima volta durante il rilancio di “The New 52” nel 2011 e sono stati completamente assenti dal DCEU.

Riflettendo su una conversazione con il regista de L’Uomo d’Acciaio, Zack Snyder, Gunn ammise di essere stato sul punto di decidere di non usare i boxer in Superman. Tuttavia, una conversazione con Corenswet gli fece cambiare idea, e tutto dipese dall’attore che trovò una possibile spiegazione del perché Clark Kent avrebbe potuto aggiungere la mutanda intima al suo costume da supereroe.

Gunn: Una delle domande più importanti era: avremmo avuto i costumi o non li avremmo avuti? Ne parlai con Zack Snyder, che mi disse: “Sai, ho provato un miliardo di versioni diverse con i boxer, ma non ci sono riuscito”. E la pensavo esattamente allo stesso modo. Andai con David – lui provò senza i costumi – e io continuavo a scegliere soluzioni senza i boxer.

Corenswet: Volevi i boxer, in teoria. Ti piaceva l’idea dei boxer…

Gunn: In teoria, mi piaceva l’idea dei boxer perché, sai, è il Superman con cui sono cresciuto.

Corenswet: Il problema è che sembrano un po’ ridicoli. Stavi cercando un modo per renderli fighi o una funzione e una spiegazione. La mia idea è: “Forse dovrebbero sembrare un po’ ridicoli”. Forse il motivo per cui li indossa è per sembrare un po’ ridicolo. In pratica per sminuire la sua vera potenza.

Gunn: In questa versione del DCU, tutti sanno che è un alieno. Spara raggi dagli occhi. Può abbattere le cose con il suo respiro. È una creatura terrificante. Ma gli piacevano molto i bambini, gli esseri umani e le persone. Non vuole che i bambini abbiano paura di lui. Ed è stato questo a farmi decidere di tenere i boxer.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Edi Gathegi, che vedremo in Superman, riflette sul suo ruolo in X-Men: L’inizio: “Un’occasione persa”

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Edi Gathegi ha parlato apertamente del trattamento riservato a Darwin in X-Men: L’inizio del 2011, e condivide la sua opinione sul perché interpretare Mister Terrific di Superman “sia in un certo senso un modo per rimediare ai torti” commessi dal film Marvel.

Dopo il successo del franchise di Twilight, X-Men: L’inizio sembrava poter rappresentare la grande occasione per Edi Gathegi. Sfortunatamente, il suo periodo come membro degli X-Men fu interrotto bruscamente dall’uccisione del mutante da parte di Sebastian Shaw. All’epoca ci fu molta delusione, ma anche quattordici anni dopo, la scomparsa di Darwin rimane uno dei più grandi passi falsi del franchise degli X-Men agli occhi di molti fan.

Parlando con Entertainment Weekly, Edi Gathegi, che interpreta Mister Terrific del DCU in Superman, ha ammesso di essere d’accordo con i fan. “Non hanno torto”, ha riconosciuto l’attore. “Penso che si sia trattato solo di una cattiva rappresentazione e di un’occasione persa. C’era molto che avrebbero potuto fare con quel personaggio, probabilmente avrebbero dovuto farlo.”

“Aspettavo di essere riportato indietro [dopo L’inizio] perché, come sapete, il personaggio non muore. Il fatto che sia morto nel primo film non è poi così grave se fa quello che fa nei fumetti, ovvero tornare”, ha continuato Gathegi. “Ogni film uscito e il personaggio non è tornato, ha confermato che si è trattato di una rappresentazione distorta e di un’occasione persa.” Sebbene abbia avuto una carriera di attore di successo dal 2011, Superman sembra in un certo senso la seconda possibilità di Gathegi per un ruolo di successo.

A questo proposito, ha detto: “Questo lavoro è in un certo senso un modo per rimediare ai torti di Darwin. So che, allo stato attuale, non è l’unico progetto a cui prenderò parte”. Mister Terrific sarà un membro della “Justice Gang” insieme a Guy Gardner e Hawkgirl. Per quanto sia stato divertente far parte di un’altra squadra di supereroi, Gathegi era molto più entusiasta di immergersi a fondo in ciò che spinge Michael Holt a comportarsi in modo così sensato.

Descrivendolo come “uno degli eroi più filosoficamente avvincenti della DC“, l’attore ha aggiunto: “È un ateo che crede nella giustizia. Ha trovato un significato nella conoscenza. Ha capito che, sebbene l’universo possa essere crudele, l’intelligenza, la scienza e l’innovazione possono renderlo migliore. Ha scelto di diventare speranza piuttosto che soccombere alla disperazione di perdere sua moglie“. Il franchise degli X-Men ha deluso molti personaggi e trame, e Darwin è finito per essere un altro nome da aggiungere alla lista delle delusioni.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Stephen Adentan, l’attore di Moss Man, condivide uno sguardo dal BTS al suo costume

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L’imminente film live-action Masters of the Universe di Mattel e Amazon MGM Studios presenterà molti personaggi (probabilmente ci vorrebbe meno tempo per elencare gli eroi e i cattivi che non appariranno) tratti dalla serie animata originale, dalla linea di giocattoli e da vari fumetti, inclusi alcuni alleati piuttosto oscuri di He-Man.

Stephen Adentan interpreterà Moss Man e ora ha annunciato sui social media di aver terminato le riprese delle sue scene, condividendo anche un’anteprima del costume che indosserà come guardiano del mondo naturale di Eternia.

Moss Man è apparso solo due volte nel cartone animato degli anni ’80 come spia in grado di mimetizzarsi trasformandosi in una pianta, ma le sue origini sono state rielaborate nei fumetti e nelle successive serie animate, reinterpretando il personaggio come uno degli esseri più potenti di Eternia.

Anche l’attore di He-Man/Prince Adam, Nicholas Galitzine, ha condiviso un’altra foto dal set di Wookey Hole, nel Somerset. Si ipotizza che possa trattarsi di una silhouette di Idris Elba nei panni di Man-At-Arms, ma è impossibile dirlo con certezza.

Il live action di Masters of the Universe

La versione live-action della classica serie animata vedrà protagonista Nicholas Galitzine, ma anche la partecipazione di Morena Baccarin nel ruolo della Strega, e di James Purefoy e Charlotte Riley nei ruoli dei genitori di Adam, Re Randor e la Regina Marlena, insieme ad Alison Brie (GLOW, Community) nel ruolo del braccio destro di Skeletor, Evil-Lyn, Idris Elba (Thor, Luther) in quello di Man-At-Arms e Jared Leto (Morbius, Blade Runner 2049) in quello di Skeletor stesso. Nel frattempo, Sam C. Wilson (House of the Dragon) interpreterà Trap Jaw, con Kojo Attah (The Beekeeper) nei panni di Tri-Klops e Jon Xue Zhang (Eternals) nei panni di Ram-Man.

Dopo numerose false partenze, Netflix era pronta a sviluppare un lungometraggio tratto dall’amata serie animata già nel 2022, ma all’inizio di quest’anno abbiamo saputo che anche l’ultimo tentativo di far decollare il progetto era fallito.

Tuttavia, in seguito avremmo appreso che Amazon/MGM Studios aveva acquisito il film, con il regista di Bumblebee, Travis Knight, in trattative per la regia. L’uscita del film è ora prevista per il 5 giugno 2026. Chris Butler ha riscritto la sceneggiatura da una bozza iniziale di David Callaham (Shang-Chi e la leggenda dei dieci anelli). In precedenza, la regia era stata affidata ai fratelli Nee (La città perduta).

Todd Black, Jason Blumenthal e Steve Tisch saranno i produttori, insieme a DeVon Franklin. Masters of the Universe arriverà nelle sale il 5 giugno 2026.

Andy Serkis: come mai Kino Loy non è tornato per Andor – Stagione 2?

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Durante l’eccezionale arco narrativo Narkina 5 della prima stagione di Andor, Cassian Andor si è ritrovato incarcerato dall’Impero e, inconsapevolmente, impegnato a costruire componenti per la Morte Nera che un giorno contribuirà a distruggere.

Lì, Cassian ha incontrato Kino Loy, interpretato da Andy Serkis, il burbero responsabile del turno di giorno che alla fine ha cambiato idea e ha contribuito a guidare un’evasione dal carcere. Sfortunatamente, quando la libertà lo ha chiamato, Kino ha fatto una straziante ammissione sul perché non potesse tuffarsi nell’acqua sottostante: “Non so nuotare”.

Ci si aspettava che Serkis potesse riprendere il ruolo nella seconda stagione, ma alla fine il suo personaggio è stato dichiarato disperso. Parlando con Collider, Andy Serkis ha finalmente rotto il silenzio sul destino di Kino, rimasto incerto. “Alla fine, penso che sia la cosa migliore per il personaggio. È stato un arco narrativo fantastico, con una conclusione molto, molto definita ed eroica”, ha spiegato. “Penso che, per molti versi, tornare indietro sarebbe difficile perché ha lasciato un segno. Sono rimasto davvero sorpreso da quanto fosse emotivamente efficace quel personaggio, in realtà, e quindi penso che sia molto, molto meglio lasciarlo in Narkina 5, da solo”.

Parlando dell’impatto sorprendentemente grande del personaggio sul franchise di Star Wars, Serkis ha aggiunto: “Quest’anno ho partecipato a un sacco di convention e tutti vogliono parlare di Andor. È straordinario quanto abbia colpito le persone, il che è fantastico”. “È un bellissimo testo, un’idea meravigliosa. Tony Gilroy e tutti i registi che hanno lavorato a quegli episodi hanno semplicemente creato qualcosa di geniale”, ha concluso.

Per quanto sarebbe stato divertente scoprire che Kino era in qualche modo sopravvissuto e si era unito all’Alleanza Ribelle, è probabile che sia stato giustiziato dall’Impero per il suo ruolo nell’evasione. Se preferite guardare il lato positivo, forse alla fine è stato liberato alla fine del regno dell’Imperatore Palpatine.

Anche lo showrunner di Andor, Tony Gilroy, ha parlato dell’assenza di Kino dalla seconda stagione. “Andy ha lasciato cadere il microfono, amico. Cosa posso fare di meglio di quello che abbiamo fatto?”, ha detto. “Non fa altro che minimizzare quel momento [in cui Loy rivela ‘Non so nuotare’ dopo essere evasa dalla prigione dell’isola].” “Sapevo che molte persone stavano discutendo se avessimo un modo per [riportarlo indietro”, ha continuato Gilroy, “ma non volevo creare quel tipo di situazione casuale.”

Le stagioni 1 e 2 di Andor sono ora disponibili in streaming su Disney+.

Mister Miracle: in sviluppo la serie animata con Tom King

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Mister Miracle: in sviluppo la serie animata con Tom King

Warner Bros. Animation e DC Studios compiono un ulteriore passo avanti nel loro impegno nell’animazione con una versione televisiva della serie a fumetti Mister Miracle.

Tom King, autore dei fumetti di Mister Miracle con Mitch Gerads, è showrunner e produttore esecutivo di questa serie, attualmente in produzione, anche se la rete televisiva non è ancora stata annunciata. La serie segue Creature Commandos di James Gunn, attualmente in produzione per la seconda stagione su HBO Max. Non sono stati forniti dettagli sul cast vocale.

Mister Miracle, che Warner ha dichiarato racconterà l'”odissea” del protagonista Scott Free, alias Mister Miracle, è basato sulla serie a fumetti di 12 numeri acclamata dalla critica e vincitrice di un Eisner Award. “Nessuna prigione può trattenerlo”, recita la sinossi. “Nessuna trappola può contenerlo. Lui è Scott Free, la celebrità mondiale conosciuta come Mister Miracle, ed è il più grande artista della fuga mai esistito. Ma riuscirà a mettere a segno il trucco definitivo e a sfuggire alla morte stessa?” La sinossi prosegue dicendo che la serie inizia con “qualcosa di terribilmente sbagliato nella vita perfetta che Scott e la sua moglie guerriera Big Barda si sono costruiti sulla Terra”.

King è attualmente impegnato anche nella produzione della serie TV Lanterns della HBO.

Ballerina: recensione del film con Ana de Armas

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Ballerina: recensione del film con Ana de Armas

Sebbene il titolo rievochi un immaginario delicato e aggraziato, il film con Ana de Armas tocca solo di sfuggita il mondo fatto di tutù e scarpe a punta, e sebbene ci sia una certa grazia in esso non c’è veramente nulla di delicato in Ballerina, lo spin-off ambientato nel mondo di John Wick, un episodio collocato cronologicamente tra il terzo e il quarto capitolo della saga principale, mentre John si nasconde per guarire dalle sue ferite.

Protagonista di questa nuova incursione nell’universo al maschile di Wick è Eve Macarro, interpretata dalla magnetica Ana de Armas. Dopo la sua performance fulminante nei panni dell’agente Paloma in No Time to Die, l’attrice cubana dimostra ancora una volta di sapersi muovere con scioltezza tanto in un abito da sera quanto nel mezzo di una sparatoria, mantenendo sempre una presenza scenica solida e credibile. Il film scritto da Shay Hatten, già autore per John Wick 3, è diretto da Len Wiseman (Underworld, Die Hard 4), con la consueta efficienza artigianale che contraddistingue l’universo visivo della saga.

Ana de Armas in Ballerina
Ana de Armas in Ballerina. Courtesia di Lionsgate – © Lionsgate

La storia di Ballerina

La trama di Ballerina si fonda su elementi già noti agli appassionati: un’infanzia spezzata, l’ingresso in un’organizzazione segreta, l’addestramento combinato tra danza e combattimento, e una vendetta da perseguire. Dopo aver assistito da bambina all’omicidio del padre, Eve viene accolta dalla Ruska Roma, il clan guidato dalla Direttrice interpretata da Anjelica Huston, che l’addestra sia alla disciplina della danza classica sia all’arte letale del combattimento. La dicotomia tra grazia e brutalità è il cuore pulsante del film, un contrasto che funziona sia a livello estetico sia narrativo.

Ed è proprio nelle sequenze d’azione che Ballerina dà il meglio di sé. Le coreografie dei combattimenti sono elaborate, spettacolari, a tratti volutamente surreali, in perfetta continuità con il tono iper-stilizzato dei film di Keanu Reeves. Dall’inseguimento tra le vie di Praga ai combattimenti corpo a corpo tra specchi e vetri rotti, fino alle scene in cui Eve combatte con armi improvvisate – padelle, pattini da ghiaccio, candelabri – il film non si risparmia mai. Il ritmo è serrato e le scene d’azione, pur eccessive e spesso implausibili, sono girate con una cura che le rende sempre leggibili e coinvolgenti. Wiseman dirige con occhio sicuro, evitando il caos visivo che affligge molti action contemporanei.

Un momento particolarmente riuscito è quello ambientato in un villaggio austriaco, la resa dei conti, dove Eve affronta da sola un intero esercito di assassini. La scena ricorda i momenti migliori della saga madre, combinando estetica gotica, violenza coreografata e un’ironia visiva che sfiora il fumetto. E sebbene non vedremo mai de Armas combattere “sulle punte” come alcuni spettatori (e critici) avrebbero auspicato, il film gioca comunque con l’immaginario della danza come metafora del controllo e della disciplina, restituendo una protagonista che incarna entrambe le dimensioni con naturalezza.

Ana de Armas alla guida del cast

Accanto alla protagonista, ritroviamo alcune vecchie conoscenze: Ian McShane torna nel ruolo di Winston, freddamente affascinante e criptico come sempre; Lance Reddick, in uno dei suoi ultimi ruoli, è ancora una volta l’impeccabile concierge Charon; e lo stesso Keanu Reeves fa una breve, ma significativa apparizione nei panni di Wick. La sua presenza, sebbene limitata, conferisce al film una sensazione di continuità e legittimità all’interno della saga, anche se non mancherà di far rimpiangere il carisma quasi mitologico del suo personaggio.

Ana de Armas in Ballerina (2025)
Foto di Murray Close/Lionsgate/Murray Close/Lionsgate – © 2025 Lionsgate

Tra i nuovi volti spicca Gabriel Byrne, inquietante nel ruolo del Cancelliere, il leader del culto responsabile della morte del padre di Eve. Il suo antagonismo è più simbolico che fisico, ma contribuisce ad arricchire la mitologia già complessa del “Wickverse”. Menzione speciale anche per Norman Reedus, che interpreta un fuorilegge disilluso nascosto al Continental di Praga: il suo personaggio diventa immediatamente specchio di Eve e rispecchia quello che è accaduto alla protagonista, determinando il legame istantaneo trai due.

Le ombre di Ballerina

A fronte di una forma così scintillante e impeccabile, il contenuto è però abbastanza scarso. La sceneggiatura è più pretesto che sostanza, e le psicologie dei personaggi si appoggiano su luoghi comuni del genere, senza rappresentare veri e proprio caratteri a tutto tondo, e questo vale anche per la protagonista Eve. L’intera impalcatura narrativa sembra servire unicamente a collegare tra loro le spettacolari sequenze d’azione. Inoltre, il tono è sorprendentemente cupo, privo di quell’autoironia che avrebbe potuto alleggerire l’eccesso visivo e concettuale.

Nonostante queste criticità, Ballerina svolge perfettamente il suo lavoro e si inserisce con grazia nel solco della saga di John Wick: elegante, violento, visivamente curato. Non raggiunge i livelli iconici dei migliori momenti della serie principale, ma si distingue per una protagonista convincente e una messa in scena dell’azione di prim’ordine. E se il franchise dovesse proseguire in questa direzione, magari con uno sguardo più consapevole al lato assurdo della propria mitologia, allora Ballerina potrebbe diventare l’inizio di qualcosa di più originale di quanto non sembri.

Leopardi & Co: il trailer del film con Jeremy Irvine

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Leopardi & Co: il trailer del film con Jeremy Irvine

Leopardi & Co diretto da Federica Biondi con Jeremy Irvine, Denise Tantucci, Whoopi Goldberg, Paolo Calabresi, Paolo Camilli, Aurora CalabresiAurora Moroni e Daniele Fiengo arriva nelle sale italiane da giovedì 14 agosto distribuito da Eagle Pictures. Il film scritto da Mauro Graiani da un’idea originale di Roberto Cipullo e Nicola Barnaba è una co-produzione Camaleo e Eagle Pictures.

Leopardi & Co è una commedia romantica, girata interamente a Recanati, in cui l’amore fra i due giovani protagonisti, David e Silvia, sboccia e cresce nella cittadina marchigiana, ruotando attorno al mito senza tempo di Giacomo Leopardi. Una storia d’amore che si snoda lungo il racconto della realizzazione di un film, che affronta con il tono leggero della commedia sentimentale, temi poetici legati al grande Leopardi e che finisce per legare i due protagonisti l’uno all’altro.

La trama di Leopardi & Co

David (Jeremy Irvine) è un giovane attore americano che sogna un ruolo in grado di consacrarlo come una vera star mondiale. Ma David è talmente superficiale che nemmeno legge i copioni che gli arrivano finché la sua agente Mildred (Whoopi Goldberg) lo costringe ad accettare il ruolo di protagonista in “Giacomo in Love” film diretto dal mitico regista italiano Ruggero Mitri (Paolo Calabresi). David, convinto sia la storia di Casanova, arriva sul set a Recanati totalmente impreparato per cui viene affidato a Silvia (Denise Tantucci) una coach del luogo col compito di spiegare all’americano chi era il Sommo. Tra i due è odio a prima vista…

Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere – Stagione 3, nuovi attori nel cast

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Oggi Prime Video ha confermato che Andrew Richardson, Zubin Varla e Adam Young si sono uniti al cast di Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere per la prossima stagione della serie, che le cui riprese sono iniziate di recente nella nuova sede di produzione dello show, presso gli Shepperton Studios (Regno Unito).

Richardson farà parte del cast principale, mentre Varla e Young ricopriranno ruoli ricorrenti nel corso della stagione. La serie di successo globale, che ha attratto oltre 170 milioni di spettatori in tutto il mondo, continua ad essere uno dei principali elementi trainanti per i nuovi abbonamenti Prime.

Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere è stato un successo senza precedenti, con un vasto pubblico globale di fan appassionati. I critici hanno elogiato la serie per la sua portata epica e il suo valore produttivo; le prime due stagioni hanno ottenuto il Certificate Fresh di Rotten Tomatoes. La prima stagione rimane il più grande debutto nella storia di Prime Video, mentre la seconda stagione è la returning season più vista in assoluto in termini di ore di visione.

La terza stagione di Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere è prodotta dagli showrunner ed executive producers J.D. Payne e Patrick McKay. A loro si uniscono gli executive producers Lindsey Weber, Justin Doble, Kate Hazell e la executive producer e regista Charlotte Brändström. Matthew Penry-Davey è produttore, mentre Ally O’Leary, Tim Keene e Andrew Lee sono co-produttori della serie.

Tutti gli episodi delle prime due stagioni di Il Signore degli Anelli: Gli Anelli del Potere sono ora disponibili in esclusiva su Prime Video in oltre 240 Paesi e territori in più lingue.

Avengers: Doomsday, potrebbe esserci spazio anche per Riri Williams?

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Il recente annuncio del cast di Avengers: Doomsday ha riservato qualche sorpresa (nessuno si aspettava così tanti attori dai film sugli X-Men della 20th Century Fox), ma i fan sono rimasti probabilmente più scioccati nel non vedere nessun nome dalle serie Disney+ dei Marvel Studios sullo schienale di quelle sedie.

Il concept art “trapelato” di Doomsday/Secret Wars che ha fatto il giro del web qualche tempo fa mostrava personaggi del calibro di Kate Bishop (Hailee Steinfeld), Kamala Khan (Iman Vellani) e Billy Maximoff (Joe Locke), e si prevede che i Giovani Vendicatori – o i Campioni, come saranno probabilmente conosciuti nell’MCU – si riuniranno in uno di questi enormi film evento.

Tuttavia, i registi Joe e Anthony Russo hanno negato che il concept art abbia a che fare con i loro film, quindi finché il secondo annuncio del cast non renderà la cosa ufficiale, i piani dello studio per i suoi eroi del piccolo schermo rimangono incerti.

Agli attori dell’MCU viene detto di mantenere la bocca cucita quando parlano dei loro prossimi progetti durante le interviste, ma la star di Ironheart, Dominique Thorne, ha ora lasciato intendere (forse inavvertitamente) che prenderà parte a Doomsday e/o Secret Wars durante un’intervista con The Direct. “Oh, sapete, cosa posso dire? Le probabilità potrebbero essere a nostro favore. Chissà? Vedremo. Vedremo.” Non è proprio una conferma, ovviamente, ma ci accontenteremo di queste probabilità.

Riri Williams in Wakanda Forever

A Thorne è stato anche chiesto del trailer più recente di Ironheart, che ha confermato che Williams utilizzerà una combinazione di tecnologia avanzata e magia per alimentare la sua armatura.

“Credo che ne abbiamo già avuto qualche piccolo assaggio e anticipazione in passato. Durante, sai, le fasi che ci hanno portato fin qui. Ma questo, assolutamente, per me, sembra un territorio inesplorato in termini di come tecnologia e magia possano fondersi, come possano lavorare insieme, come possano scontrarsi.”

Cosa sappiamo di Avengers: Doomsday

Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars arriveranno in sala rispettivamente il 18 dicembre 2026, e il 17 dicembre 2027. Entrambi i film saranno diretti da Joe e Anthony Russo, che tornano anche nel MCU dopo aver diretto Captain America: The Winter Soldier, Captain America: Civil War, Avengers: Infinity War e Avengers: Endgame.

Sono confermati nel cast del film (per ora): Paul Rudd / Ant-Man, Simu Liu / Shang-Chi, Tom Hiddleston / Loki, Lewis Pullman / Bob-Sentry, Florence Pugh / Yelena, Danny Ramirez / Falcon, Ian McKellen / Magneto, Sebastian Stan / Bucky, Winston Duke / M’Baku, Chris Hemsworth / Thor, Kelsey Grammer / Beast, James Marsden / Cyclops, Channing Tatum / Gambit, Wyatt Russell / U.S. Agent, Vanessa Kirby / Sue Storm, Rebecca Romijn / Mystique, Patrick Stewart / Professor X, Alan Cumming / Nightcrawler, Letitia Wright / Black Panther, Tenoch Huerta Mejia / Namor, Pedro Pascal / Reed Richards, Hannah John-Kamen / Ghost, Joseph Quinn / Johnny Storm, David Harbour / Red Guardian, Robert Downey Jr. / Doctor Doom, Ebon Moss-Bachrach / La Cosa, Anthony Mackie / Captain America.

Superman: ecco svelato il nome della creatura bianca vista nell’ultimo trailer

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Il dietro le quinte del Superman di James Gunn, uscito ad aprile per celebrare il Superman Day, mostrava una rapida inquadratura di Lex Luthor in piedi accanto a quella che sembrava una specie di alieno prigioniero o un’altra creatura/metaumano.

I fan hanno ipotizzato che potesse trattarsi di un Marziano Bianco, o forse di un Parassita, di Metamorpho nella sua forma regredita, o forse persino di un Ultraman fuori dal costume. Ora, Gunn ha confermato l’origine di questo personaggio, rivelandone anche il sarcastico soprannome.

Nell’intervista a Big Ticket di Fandango, Gunn spiega che “Mr. Handsome” è una creazione di Luthor che “lo porta in giro su una piattaforma galleggiante”. Il regista prosegue descrivendolo come “la creatura più brutta e disgustosa del mondo”, suscitando una risposta di simpatia da parte di Nicholas Hoult.

Questo signor Handsome probabilmente si rivelerà un personaggio piuttosto secondario, ma c’è qualche speculazione sul fatto che potrebbe in realtà essere un Genomorfo, ovvero una DNAline, una forma di vita geneticamente modificata creata dall’organizzazione di ricerca finanziata da Luthor, Project Cadmus.

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Dwayne Johnson ha chiesto di rendere la sua action figure di Black Adam più… muscolosa!

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In una nuova intervista, Todd McFarlane ha rivelato che Dwayne Johnson gli ha chiesto di rendere la sua action figure di Black Adam più muscolosa. Il processo di creazione di action figure non è facile. Non si tratta solo di scolpire digitalmente un personaggio, inserirlo nella pipeline di sviluppo e guardare una macchina sfornare un nuovissimo oggetto da collezione con cui giocare. È un processo molto più complicato che richiede un’attenta pianificazione, l’approvazione del licenziatario e, se si sta adattando l’aspetto di un attore, anche l’approvazione degli attori. Ora, Black Adam del 2022 ci ha offerto uno sguardo dall’interno al meticoloso processo che sta dietro alla creazione dei giocattoli che conosciamo e amiamo.

Todd McFarlane ha concesso un’intervista ad ampio raggio a Popverse. In esso, l’imprenditore ha rivelato che, durante lo sviluppo delle action figure per il film Black Adam, Dwayne Johnson lo aveva contattato per apportare una modifica al suo personaggio da collezione. Secondo McFarlane, l’attore voleva che la sua controparte in plastica apparisse più muscolosa:

“Di recente, abbiamo dovuto ottenere l’approvazione per ‘Black Adam’, e l’unico commento di Dwayne Johnson è stato – e credo avesse ragione – ‘Potresti farmi sembrare più muscoloso?’. Sembra una domanda sciocca, ma in realtà era giusta, perché penso che tutti noi, nella nostra mente, abbiamo una visione romantica di molte persone, e il costume in sé non metteva in mostra i suoi muscoli. Eravamo estremamente fedeli al costume, solo che il costume non lo metteva in risalto, quindi voleva solo che lo mettessimo un po’ di più in risalto. Ci siamo presi una piccola licenza artistica. Penso che sia stata la mossa giusta.”

Lo stesso McFarlane ha spiegato che, in definitiva, richieste come quella di Johnson non sono un grosso problema. E, sebbene abbia scelto un esempio comico per far passare il suo messaggio, ha chiarito che, in fin dei conti, l’obiettivo è ottenere l’approvazione del giocattolo:

“Lascia che ti dica che anche se non sono d’accordo, il cliente ha sempre ragione. Cerco la sua approvazione. Ehi, se vuoi che ti dia due teste, te le do due teste. Qualsiasi cosa ti serva per ottenere il mio consenso.”

Il commento di Johnson era ancora più razionale, dato che, se si ha familiarità con il mondo del collezionismo, ci sono molte action figure che non riproducono esattamente l’aspetto muscoloso delle loro controparti reali. Un esempio lampante è la action figure di Spider-Man: No Way Home di Hot Toys raffigurante Peter Parker, interpretato da Tobey Maguire. I dettagli della action figure sono eccellenti, ma la sua corporatura è un po’ slanciata rispetto alla corporatura più robusta di Maguire.

Quindi, sì, la richiesta di Dwayne Johnson ha contribuito in ultima analisi a evitare un esito del genere e ha anche reso possibile una rappresentazione piuttosto gradevole di Black Adam in forma di action figure.

Cape Fear: le foto dal set della serie mostrano uno spaventoso Max Cady

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“Il nonno maneggiava i serpenti in chiesa. La nonna beveva stricnina. Direi che avevo un vantaggio, geneticamente parlando.” Le riprese della serie Cape Fear, in onda su Apple TV+, sono attualmente in corso alla Chevron Station di Atlanta, in Georgia, e alcune foto dal set (tramite Storage Blu tv) rivelano il nostro primo sguardo a Javier Bardem nei panni di Max Cady e Amy Adams in quelli di Amanda Bowden.

A prima vista, questa nuova interpretazione dell’assassino/stupratore psicotico sembra molto diversa dalla versione rasata e tatuata del detestabile personaggio interpretato da Robert De Niro nell’adattamento degli anni ’90 di Martin Scorsese, ma un’inquadratura più ravvicinata rivela che la star di Dune: Parte 2 sfoggia qualche tatuaggio e forse anche qualche piercing.

La serie di 10 episodi vede Nick Antosca a bordo come sceneggiatore, produttore esecutivo e showrunner. Il progetto vede anche la partecipazione di due leggende del cinema, con Steven Spielberg e Martin Scorsese come produttori esecutivi.

Con Adams in questo ruolo, ci sono buone probabilità che il suo personaggio venga messo maggiormente in risalto, e si ipotizza che Amanda, e non suo marito, sarà l’ex avvocato di Cady in questa versione della storia (la sinossi qui sotto potrebbe supportare questa ipotesi). Patrick Wilson interpreterà anche Sam Bowden.

Superman: da quanto tempo è in attività come eroe a Metropolis? La risposta di James Gunn

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Lo sceneggiatore e regista di Superman, James Gunn, ha spiegato il suo approccio alla costruzione del nuovo DCU e rivela da quanto tempo l’Uomo di Domani è attivo in un mondo pieno di metaumani riconosciuti.

Il DCU potrebbe presentare alcune somiglianze con il DCEU (principalmente grazie alla decisione di James Gunn di far riprendere i ruoli ad alcuni attori), ma è un mondo completamente nuovo, concepito come un nuovo inizio per il brand.

Superman contribuirà a stabilire questo nuovo Universo DC, ed è chiaro da tempo che si tratta di una realtà piena di eroi affermati. Sebbene questo approccio differisca da quello dell’MCU e del DCEU, permette a Gunn di saltare la maggior parte delle storie sulle origini e di portarci direttamente nel vivo dell’azione.

Superman: aperte le prevendite!

Durante una recente intervista con Fandango, James Gunn ha commentato la possibilità di ricominciare da capo con Superman e ha rivelato da quanto tempo l’Uomo di Domani è attivo a Metropolis: “Stiamo introducendo un mondo completamente nuovo, il che è molto divertente. Siamo in una realtà alternativa in cui i supereroi esistono da 300 anni, e ora stiamo solo riprendendo la storia di un supereroe in particolare tre anni dopo il suo arrivo sulla scena, che per caso è il metaumano più potente di tutti i tempi”.

David Corenswet ha 31 anni e, supponendo che interpreti Clark Kent più o meno della sua stessa età, questo significa che Superman protegge il mondo da quando aveva tra i 25 e i 30 anni. Non saremmo scioccati se prima di allora avesse salvato silenziosamente delle vite a Smallville, ovviamente.

Queste osservazioni di Gunn riecheggiano quanto detto in un’altra recente intervista con Entertainment Weekly. “Se vedessi un uomo-squalo camminare per strada, probabilmente vomiteresti e ti faresti la cacca addosso a morte”, ha spiegato. “Se ne vedessero uno, sarebbe più simile a Paul McCartney sul marciapiede di New York.”

In altre parole, gli individui dotati di superpoteri sono all’ordine del giorno nel DCU, simili all’Universo DC che vediamo sulle pagine ogni mercoledì. Questo approccio alla costruzione di un mondo a fumetti potrebbe rivelarsi persino più efficace dell’MCU, soprattutto se gestito bene.

Anche il fatto che i metaumani facciano parte della storia del mondo da 300 anni è significativo, soprattutto perché ciò avrà rimodellato questa realtà in un vero e proprio universo a fumetti, irriconoscibile dal nostro (piuttosto che un mondo come il nostro abitato da eroi e cattivi in ​​costume).

Il cast di Superman

Superman è il primo film dei DC Studios scritto e diretto da James Gunn, con David Corenswet nei panni di Superman/Clark Kent.

Nel cast anche Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince e Neva Howell. Il film sarà al cinema dal 9 luglio distribuito da Warner Bros. Pictures.

Superman”, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

Dakota Johnson su Madame Web: ecco l’aspetto positivo di aver vinto un Razzie Award

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Madame Web (la nostra recensione) della Sony Pictures è stato candidato a sei Razzie Award quest’anno, ottenendo tre “vittorie” per Peggior Film, Peggior Sceneggiatura e Peggior Attrice, con la star Dakota Johnson menzionata per la sua… interpretazione non uniforme.

La star di Material Love ha preso con filosofia questo dubbio onore e ora ha rivelato che la sua vittoria ai Razzie ha portato con sé qualcosa di positivo: è stata contattata da uno dei suoi idoli dello schermo, dal quale ha ricevuto le congratulazioni.

“Ho ricevuto un messaggio vocale da Sandra Bullock, perché non so se lo sai, ma ho vinto il Razzie come peggior attrice”, ha detto Johnson nell’ultimo episodio del podcast “Good Hang” di Amy Poehler. “Sandra Bullock mi ha mandato un messaggio vocale che diceva ‘Ho sentito che fai parte del Razzie Club e dovremmo fare un brunch, dovremmo fare un brunch mensile’. Perché immagino che abbia vinto anche l’Oscar l’anno in cui ha vinto il Razzie. Credo sia stato lo stesso anno. Mi ha fatto venire i brividi ricevere questo messaggio da lei perché per me è un’icona, una vera star del cinema. Ho pensato ‘Oh mio Dio’. È stato semplicemente pazzesco.”

Sydney Sweeney sul flop di Madame Web: “Mi sono divertita a farlo, è tutto quello che conta per me”

Sandra Bullock ha effettivamente vinto il Razzie come Peggior Attrice per la commedia romantica All About Steve, prima di vincere l’Oscar come Migliore Attrice pochi giorni dopo per la sua interpretazione in The Blind Side.

Dakota Johnson ha recentemente confermato che la versione di Madame Web per cui aveva firmato era molto diversa dal film che poi è uscito, e ha parlato delle ricadute critiche e commerciali durante una chiacchierata con Poehler.

“È una cosa folle, come un viaggio folle da intraprendere come artista, perché pensi: ‘Ok, sto facendo qualcosa con il mio corpo, la mia mente, il mio cuore, le mie emozioni. Sto usando delle cose. E vengono semplicemente prese e manipolate’. Ma non puoi farci niente. Tipo, cosa dovrei fare? Piangere per ‘Madame Web’? No.”

Gli insuccessi al botteghino di Madame Web e del più recente Kraven il Cacciatore hanno di fatto piantato l’ultimo chiodo nella bara della SSU di Sony, anche se abbiamo sentito dire che lo studio intende aggrapparsi ai diritti di questi personaggi di Spider-Man ancora per un po’ e potrebbe persino pianificare un rinnovamento del franchise.

Lanterns: Nathan Fillion anticipa un Guy Gardner “più teso” rispetto a quello di Superman

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Non c’è simpatia tra le reclute del Corpo delle Lanterne Verdi Hal Jordan e Guy Gardner, e anche John Stewart non è esattamente il più grande fan di Guy. È così che vanno le cose sulla carta, ma che dire del DCU e di Lanterns?

Interpretato da Nathan Fillion, Guy farà il suo debutto in Superman ed è confermata la sua apparizione nella seconda stagione di Peacemaker. La serie Lanterns del prossimo anno seguirà Hal e John mentre indagano su un omicidio nel cuore dell’America, e sì, Guy incontrerà i suoi compagni eroi.

Parlando con Entertainment Weekly, Fillion ha detto: “Adoro l’idea che se hai un’emergenza e hai bisogno di una Lanterna Verde – ce ne sono migliaia nella galassia – questa è l’ultima che vuoi”. “Penso che si senta un po’ più teso in Lanterns”, ha continuato l’attore. “Ho girato una scena in Lanterns, l’abbiamo già girata, in cui è compiaciuto e soddisfatto. È bello vederlo in ambienti diversi e vedere come questi influenzino un personaggio.”

Sembra quindi che il ruolo di Fillion nella serie sia abbastanza limitato rispetto a quello che vedremo al cinema.

Lanterns è la storia di una coppia di Lanterne Verdi

La produzione di Lanterns è attualmente in corso nel Regno Unito. Guy Gardner di Nathan Fillion, che farà il suo debutto nel reboot di Superman di James Gunn, dovrebbe avere un ruolo di supporto nella serie. Hal Jordan è stato precedentemente interpretato da Ryan Reynolds nel famigerato film del 2011 Lanterna Verde.

“Questa è la storia di una coppia di Lanterne Verdi John Stewart e Hal Jordan”, ha detto Gunn del progetto quando è stato annunciato per la prima volta. “Ci sono altre Lanterne Verdi sparse qua e là, ma questa è in realtà una serie TV ambientata sulla Terra, quasi come True Detective, con un paio di Lanterne Verdi che sono poliziotti spaziali che sorvegliano Precinct Earth e scoprono un terrificante mistero che si collega alla nostra più grande storia del DCU.”

Il creatore di Lost e Watchmen, vincitore di un Emmy Award, Damon Lindelof, sta lavorando alla sceneggiatura dell’episodio pilota insieme allo showrunner di Ozark Chris Mundy e all’acclamato scrittore di fumetti Tom King.

James Hawes di Slow Horses ha diretto i primi due episodi di Lanterns e, a marzo, ha lasciato intendere cosa i fan possono aspettarsi dalla serie.

Chris Mundy (True Detective: Night Country) è showrunner e produttore esecutivo e scriverà Lanterns con Damon Lindelof (Watchmen) e lo sceneggiatore di fumetti Tom King (Supergirl). Il cast include Aaron Pierre nel ruolo di John Stewart, Kyle Chandler in quello di Hal Jordan e Ulrich Thomsen in quello di Sinestro. Kelly Macdonald, Garret Dillahunt, Poorna Jagannathan, Nicole Ari Parker, Jason Ritter, J. Alphonse Nicholson e Jasmine Cephas Jones completano il cast di supporto.

Superman: aperte le prevendite!

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Superman: aperte le prevendite!

Superman, il primo film dei DC Studios in arrivo sul grande schermo, è pronto a volare nei cinema di tutto il mondo quest’estate, distribuito da Warner Bros. Pictures. Con il suo stile inconfondibile, James Gunn trasporta il supereroe originale nel nuovo universo DC reinventato, con una miscela unica di racconto epico, azione, ironia e sentimenti, consegnandoci un Superman guidato dalla compassione e da una profonda fiducia nella bontà del genere umano.

Il film è prodotto da Peter Safran e Gunn – responsabili dei DC Studios – e diretto dallo stesso Gunn su una sua sceneggiatura, basata sul personaggio della DC, Superman, ideato da Jerry Siegel e Joe Shuster.

Del film sono protagonisti David Corenswet (“Twisters”, “Hollywood”), nel duplice ruolo di Superman/Clark Kent, Rachel Brosnahan (“The Marvelous Mrs. Maisel”) come Lois Lane e Nicholas Hoult (la saga di “X-Men”, “Giurato numero 2”) nei panni di Lex Luthor. Nel film sono presenti anche Edi Gathegi (“For All Mankind”), Anthony Carrigan (“Barry”, “Gotham”), Nathan Fillion (la saga dei “Guardiani della galassia”, “The Suicide Squad”), Isabela Merced (“Alien Romulus”), Skyler Gisondo (“Licorice Pizza”, “Booksmart”), Sara Sampaio (“At Midnight”), María Gabriela de Faría (“The Moodys”), Wendell Pierce (“Selma”, il “Jack Ryan” di Tom Clancy), Alan Tudyk (“Andor”), Pruitt Taylor Vince (“Bird Box”) e Neva Howell (“Greedy People”).

Produttori esecutivi di “Superman” sono Nikolas Korda, Chantal Nong Vo e Lars Winther. Dietro la macchina da presa, Gunn si è avvalso del lavoro di suoi collaboratori fidati, tra cui il direttore della fotografia Henry Braham, la scenografa Beth Mickle, la costumista Judianna Makovsky e il compositore John Murphy, oltre al compositore David Fleming (“The Last of Us”), ai montatori William Hoy (“The Batman”) e Craig Alpert (“Deadpool 2”, “Blue Beetle”).

DC Studios presenta una produzione Troll Court Entertainment/The Safran Company, un film di James Gunn, “Superman”. Distribuito da Warner Bros. Pictures, il film arriverà al cinema il 9 luglio 2025.

Ted Lasso – Stagione 4: conferma, cast, trama e tutto quello che sappiamo

La serie comica originale di Apple TV+ Ted Lasso, grande successo di pubblico, ha avuto tre stagioni di successo e, nonostante il finale della terza fosse previsto come conclusione della serie, ci sono già notizie sulla quarta stagione di Ted Lasso. Con Jason Sudeikis, ex membro del cast di Saturday Night Live, nel ruolo del protagonista Ted, la serie segue le vicende di uno sfortunato allenatore di football americano che cerca di risollevare le sorti di una squadra di calcio inglese in difficoltà. Apprezzata fin da subito per il suo umorismo brillante e i personaggi simpatici, Ted Lasso è stata la sorpresa del 2020.

Il futuro di Ted Lasso dopo la terza stagione è sempre stato incerto e molti membri del team creativo dello show consideravano la serie come una storia in tre stagioni. Tuttavia, la possibilità di una quarta stagione di Ted Lasso non è mai stata ufficialmente esclusa e l’enorme popolarità dello show ha fatto sì che potesse continuare ben oltre le tre stagioni inizialmente previste. I personaggi di Ted Lasso sono sempre stati la sua risorsa più grande e, indipendentemente dalla trama, la serie potrebbe continuare solo grazie alla forza di questi attori. Dopo anni di voci contrastanti, è stato finalmente confermato che la quarta stagione di Ted Lasso è in arrivo.

Ultime notizie sulla quarta stagione di Ted Lasso

Lo stesso giorno in cui Jason Sudeikis ha rivelato il ritorno della serie, le ultime notizie confermano che un altro protagonista è in trattative per tornare nella quarta stagione di Ted Lasso. Insieme al rinnovo ufficiale da parte di Apple TV+, è stato anche annunciato che Juno Temple è in trattative per tornare nei panni di Keeley. Oltre a questa rivelazione, è stato annunciato che la produzione prevede di iniziare le riprese nel luglio 2025, sia a Kansas City che nel Regno Unito.

La quarta stagione di Ted Lasso è confermata

A quasi due anni dalla fine della terza stagione, la quarta stagione di Ted Lasso è stata finalmente confermata per marzo 2025. La conclusione della serie è stata diversa da qualsiasi altra nella storia della televisione e il finale previsto non è mai stato considerato un vero addio. Quasi immediatamente dopo la conclusione dello show, sono iniziate le speculazioni sulla quarta stagione, culminate finalmente con l’annuncio nel 2025. Le riprese dovrebbero iniziare nel luglio 2025 e si svolgeranno a Kansas City e nel Regno Unito.

Ted Lasso stagione 3 si è conclusa il 31 maggio 2023.

Dettagli sul cast della quarta stagione di Ted Lasso

Dopo il finale della terza stagione di Ted Lasso, potrebbe essere leggermente più facile capire quali membri del cast potrebbero tornare per la quarta stagione. Anche se il finale della terza stagione ha dato al personaggio una conclusione adeguata, Jason Sudeikis ha confermato che tornerà nei panni dell’ispirante buffone Ted Lasso. Considerando quanti membri della squadra dell’A.F.C. Richmond hanno espresso il desiderio di tornare per altri episodi, sembra probabile che una serie di star torneranno ad affiancare Sudeikis nella quarta stagione.

Dettagli della trama Ted Lasso – Stagione 4

Quando Jason Sudeikis ha annunciato la quarta stagione di Ted Lasso, ha anche rivelato alcuni dettagli interessanti sulla trama dei prossimi episodi. Ha specificato che la serie seguirà una squadra di calcio femminile, ma non ha fornito ulteriori dettagli. Non è chiaro se Sudeikis si riferisca alla squadra femminile dell’A.F.C. Richmond o se tornerà negli Stati Uniti per allenare una squadra nella sua città natale.

Ciò non significa che le trame originali potrebbero essere abbandonate e che lo status dell’A.F.C Richmond a Londra potrebbe diventare una trama secondaria.

Pur avendo mancato il titolo della Premier League, la squadra si è qualificata per il calcio europeo attraverso la Champions League, uno dei tornei più prestigiosi del calcio. Questa competizione è stata menzionata più volte nella stagione 3, episodio 12, di Ted Lasso, il che significa che una sottotrama della stagione 4 di Ted Lasso incentrata su Roy, Nate e Beard che guidano il Richmond alla gloria europea potrebbe essere una possibilità. La continuazione di quella trama senza Ted potrebbe portare alla ribalta i membri più sottovalutati della squadra dell’A.F.C. Richmond, con l’ambientazione europea che darebbe alla serie una ventata di freschezza.

Warfare – Tempo di guerra in anteprima nazionale al Taormina Film Festival

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Warfare – Tempo di guerra, il nuovo film scritto e diretto da Alex Garland e Ray Mendoza – dopo il successo di Civil War – sarà presentato in anteprima nazionale al Taormina Film Festival con la partecipazione speciale sul palco del Teatro Antico dell’interprete Taylor John Smith (Hunger Games, Sharp Objects, The Outpost, La ragazza nella palude).

Tratto da una storia vera e ispirato alle testimonianze dirette di un gruppo uomini dei corpi speciali della marina americana, i Navy SEAL – tra cui lo stesso Mendoza – il film racconta una missione ad alto rischio a Ramadi, in Iraq, nel 2006. Warfare – Tempo di guerra non è solo un film di guerra ma un film dentro la guerra: un racconto crudo, viscerale e immersivo che ridefinisce i confini del genere regalando allo spettatore un’esperienza cinematografica totale, fra azione e  adrenalina pura.

Accanto a Taylor John Smith, un cast corale di straordinari giovani talenti di Hollywood: Joseph Quinn (Stranger Things, Il Gladiatore 2, I Fantastici 4 – Gli inizi), Kit Connor (Rocketman, Heartstopper), Will Poulter (The Revenant, Midsommar, Maze Runner, Le Cronache di Narnia), Cosmo Jarvis (Lady Macbeth, Shōgun), Charles Melton (May December, Riverdale), Michael Gandolfini (I molti santi del New Jersey, Bob Marley – One love, Beau ha paura, Daredevil: Rinascita), Finn Bennett (True Detective, Le cose che non ti ho detto) solo per citarne alcuni.

Prodotto da A24, scritto e diretto da Alex Garland (Civil War, candidato all’Oscar per la sceneggiatura di Ex Machina) con Ray Mendoza (consulente militare per Civil War, Lone Survivor, Jurassic World), Warfare – Tempo di guerra arriverà nelle sale italiane il 21 agosto 2025con I Wonder Pictures.

Locarno Film Festival 2025: il Pardo d’Oro a Alexander Payne

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Locarno Film Festival 2025: il Pardo d’Oro a Alexander Payne

Voce dall’umorismo asciutto e inconfondibile dietro grandi classici moderni, Alexander Payne, regista e sceneggiatore, si è certamente assicurato un posto tra i cineasti che hanno definito il cinema americano del 21esimo secolo. I suoi film, tra cui Election (1999), A proposito di Schmidt (2002), Sideways – In viaggio con Jack (2004), Nebraska (2013) e l’ultimo, acclamato, The Holdovers – Lezioni di vita (2023), hanno vinto complessivamente tre Academy Award, tre BAFTA e otto Golden Globe in diverse categorie. Nel corso della sua carriera, Payne ha dimostrato la volontà di dedicarsi al cinema mid-budget per adulti, forma artistica mai abbastanza tutelata.

Nato in Nebraska nel 1961, con i suoi lavori attira l’attenzione di Hollywood mentre ancora studia regia all’UCLA. Nel 1996 ha già scritto e diretto Citizen Ruth – Donna americana (1996), ingegnosa commedia a sfondo politico con protagonista Laura Dern: dopo la première al Sundance, il film ottiene il plauso della critica. Da allora Payne ha realizzato sette ulteriori lungometraggi, ciascuno contraddistinto da costruzione elegante e umorismo caustico, nonché dalle indimenticabili performance tragicomiche di pesi massimi del grande schermo. Proprio in ragione dei suoi successi, il Locarno Film Festival è lieto di celebrarlo con il Pardo d’Onore.

Giona A. Nazzaro, direttore artistico del Locarno Film Festival:

“Alexander Payne è un autore colto, dalla cinefilia enciclopedica. Dotato di un infallibile senso della commedia umana, è un cineasta dalla sensibilità squisitamente classica e moderna al tempo stesso. Regista impeccabile, ha lavorato con nomi come Jack Nicholson, George Clooney, Reese Witherspoon, Laura Dern, Matt Damon, Bruce Dern e Paul Giamatti. In Payne si uniscono la conoscenza del saper fare del cinema hollywoodiano e l’unicità della sua poesia. È autore di una filmografia unica, nella quale ha affrontato sempre le complessità della condizione umana con il sorriso e in un dialogo instancabile con il pubblico.” 

Dal 2017 il Pardo d’Onore è reso possibile grazie al sostegno di Manor, Event Partner del Locarno Film Festival. Nel corso degli anni il premio onorario del Festival è stato assegnato ad alcune tra le più straordinarie personalità del mondo del cinema, tra cui Manoel de Oliveira, Bernardo Bertolucci, Ken Loach, Jean-Luc Godard, Abbas Kiarostami, Terry Gilliam, Aleksandr Sokurov, William Friedkin, Alain Tanner, Jia Zhang-ke, Leos Carax, Werner Herzog, Agnès Varda, Michael Cimino, Marco Bellocchio, Alejandro Jodorowsky, Jean-Marie Straub, Todd Haynes, Bruno Dumont, John Waters, John Landis, Kelly Reichardt, Harmony Korine, e Jane Campion.

La 78esima edizione del Locarno Film Festival si svolgerà dal 6 al 16 agosto 2025.

Collettivo Chiaroscuro: una giornata di incontri

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Collettivo Chiaroscuro: una giornata di incontri

Collettivo Chiaroscuro ha promosso sabato 7 giugno 2025 la nuova edizione di The Art of Italian Cinematography and Beyond, una giornata di incontri, riflessioni e dibattiti tenutasi nel contesto del Teatro 10 degli studi televisivi “De Paolis” e con al centro l’eccellenza tecnica ed artistica della professione di autrici e autori della fotografia. Questa seconda edizione dell’evento ha ribadito l’impegno concreto del Collettivo nel creare un luogo stabile in cui favorire uno scambio trasversale e democratico delle esperienze, incentivare il dialogo con le altre professioni del settore e individuare le sfide che oggi attraversano con urgenza l’industria cinematografica.  L’appuntamento si è distinto per la numerosa e sentita partecipazione ai molti panel articolati nel corso della giornata di lavori, introdotti dalla conduttrice, attrice e autrice radiofonica Martina Martorano e alla presenza di numerosi ospiti nazionali ed internazionali che hanno arricchito l’evento condividendo le proprie visioni.

Il panel “Equal Exposure: Let’s start from differences to work on rights: parenting, career progression and inclusion”, moderato dal giornalista Antonio Bracco, ha visto intervenire in una conversazione aperta Marco Bassano (CCS), Paolo Carnera (Presidente CCS), Irene Castrogiovanni (operatrice steadycam), Camilla Cattabriga (CCS), Eleonora Contessi (CCS), Daria D’Antonio (Vicepresidente CCS), Maita De Leonardis (operatrice steadycam), Giuditta Paolini (assistente operatore), Sara Purgatorio (CCS),  Francesca Zonars (CCS). Nel condividere le diverse tipologie di percorso individuale e professionale, dallo scambio sono emerse le criticità legate all’accesso e alla progressione di carriera dovute al gap di genere ancora presente nel panorama lavorativo italiano del settore fotografia. Da qui è stata evidenziata la necessità di affrontare più lucidamente la questione di tutela della maternità sul set, con il conseguente bisogno di sviluppare nuove politiche contrattuali che concernono l’attenzione al diritto alla genitorialità, ad una più consona distribuzione del monte ore e delle esigenze umane.

Nella masterclass “Don’t close the curtains: have a backdrop!Alessandro Pesci (CCS) ha illustrato l’importanza del fondale nel cinema, percorrendo con un’agile panoramica storica l’evoluzione di questa tecnica nel corso del tempo. Sarah Horton (Rosco backdrops Creative Specialist) ha quindi presentato alla platea il lavoro certosino che porta alla creazione dei fondali nel cinema contemporaneo, vagliandone le sfide tecniche e lodando la versatilità di uno strumento ad alta efficienza nel rapporto tra costo e beneficio. A seguire Mauro Pescetelli(Gaffer) e Giuseppe Riccobene (CCS) hanno guidato il pubblico a lasciarsi incuriosire da un esempio pratico di backdrop allestito all’interno del Teatro 10.

Il panel “The relationship between director and cinematographer” ha visto in dialogo Daria D’Antonio (Vicepresidente CCS) con il regista premio Oscar Paolo Sorrentino (Parthenope, È stata la mano di Dio, La grande bellezza). Guidati dalla moderazione del giornalista Malcolm Pagani, i due hanno condiviso tra aneddoti e ricordi i molti aspetti del rapporto professionale e personale che li lega da anni, fatto di una complicità sul set immediata ed istintiva che si traduce in una costante capacità di tradurre anche il più minimo imprevisto in una forma di stimolo creativo.

Nella roundtable “Episodic versus Features: developing stories across formatsPaolo Carnera (Presidente CCS) ha conversato assieme alla regista Francesca Comencini (Il tempo che ci vuole, Amori che non sanno stare al mondo), al regista Michele Alhaique (A.C.A.B – La serie, Romulus, Bang Bang Baby), al direttore della fotografia Vittorio Omodei Zorini (A.C.A.B. – La serie, Those About to Die, The Good Mothers), Fabrizio Lucci (CCS) e Alessandro Pesci (CCS). A moderare Massimo Intoppa (CCS), che ha condotto i partecipanti in un dibattito sul rapporto di evoluzione creativa tra l’opera filmica di origine e la sua iterazione seriale, prendendo in particolare a modello A.C.A.B.e Gomorra. Si è riflettuto su come oggi la distanza tra i due media, per resa qualitativa e pregiudizio sulla forma del racconto, non sia più quella di qualche anno fa, merito in parte dell’arrivo di nuovi player come le piattaforme streaming, il cui rovescio è stato tuttavia ravvisato in un accrescimento della mole di contenuti che stanno diluendo l’attenzione del pubblico e quindi la capacità di valorizzazione dei prodotti artistici.

Il panel intitolato “AI for Filmmakers – The new era” ha affrontato una delle questioni più calde della contemporaneità. Alessandro Chiodo(Head of CCS AI study group LUM_IA) ha moderato un confronto tra il regista Carlo Lavagna (Shadows, Arianna) con il VFX Supervisor Max Cipollina (Chromatica) e Valentina Casale (Chromatica), il colorist Jean Paul Snider (M74), il VFX supervisor Stefano Leoni (EDI), durante il quale sono stati proposti stimolanti angoli di lettura su come considerare oggi il ruolo dell’intelligenza artificiale generativa all’interno dei workflow dei reparti fotografia. In uno scenario in rapida evoluzione, centrale è il bisogno di mantenere a monte le redini sul controllo creativo nel momento in cui si utilizza questo strumento, caratterizzato da alte potenzialità ma anche soggetto a suscitare improprie fascinazioni sul fronte dell’abbattimento dei costi produttivi.

Ha chiuso la giornata il Q&A “Focus on international productions: Ula Pontikos BSC & David McFarland meet CCS”, moderato da Luca Ciuti (Vicepresidente CCS) alla presenza dell’autrice della fotografia nominata agli Emmy Ula Pontikos (BSC. Russian Doll, Weekend) e dell’autore della fotografia David McFarland (12 fantastici orfani, Mafak). Ripercorrendo le loro carriere da professionisti internazionali, Pontikos e McFarland hanno ragionato su come sia fondamentale mantenere una mentalità sempre aperta al confronto e al coinvolgimento di tutto il reparto nel processo di preparazione tecnica, sottolineando l’importanza di approccio alla visione artistica che deve lasciarsi sempre guidare dall’indirizzo impresso dal racconto, al di là del volume di budget considerato per la realizzazione.

Uno spazio tra i panel è stato riservato a Stefano Paradiso (CCS), che segue la task force inter-associativa e tutte le riunioni sindacali e per il rinnovo del contratto, assieme Dario Indelicato, fondatore e rappresentante del movimento Siamo ai titoli di coda, formato da lavoratrici e lavoratori del settore cinematografico in protesta contro lo stallo economico che sta attraversando l’industria cinematografica. Indelicato ha portato le sue impressioni riguardo l’incontro del movimento e di altre associazioni tenuto lo scorso 6 giugno con il Ministro della Cultura Alessandro Giuli presso il Ministero della Cultura a Roma, rispetto al quale segnala l’emergere di un passo in avanti per la costituzione di un nuovo dialogo tra le parti e lo spegnimento di una polemica di carattere ideologico. Tuttavia i problemi sono ancora molti, ha detto Indelicato, dove resta urgente la necessità di continuare ad affrontare la questione nel merito a partire dalla creazione di una struttura di welfare in grado di tutelare i professionisti in situazioni di crisi come questa.

La seconda edizione di The Art of Italian Cinematography and Beyond ha affermato con successo la volontà del Collettivo Chiaroscuro di costituire una piattaforma di dialogo concreta sopra la quale instaurare un dialogo culturale aperto e partecipativo, spazio di riflessione che articola un flusso organico tra stimolante iniziativa artistica, approfondita formazione tecnica e attenta condivisione professionale.

The Art of Italian Cinematography and Beyond è realizzato grazie al supporto dei partner e degli sponsor del Collettivo Chiaroscuro: ADCOM, ANGENIEUX, ARRI, ARTDIGILAND, ASC (Associazione Italiana Scenografi), BLACKANDLIGHT, CANON ITALIA, CARTONI, CONNECTA, D-VISION MOVIE PEOPLE, DZO-OPTICS, EVOL SOUND, FILLEX / MOLPASS, FLAT PARIOLI, FOTO DIEGO, FOWA / NITAL, GODOX, KIWI, LEITZ CINE, M74, MISSION DIGITAL, PANALIGHT, REC, RED, REEL-ONE, ROSCO, SAMAS, SONY, STUDIOS DE PAOLIS, TAV, TUTTO DIGITALE.

Trust: il trailer ufficiale italiano del film con Sophie Turner

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Trust: il trailer ufficiale italiano del film con Sophie Turner

Diretto da Carlson Young, Trust è il nuovo thriller psicologico con protagonista Sophie Turner che arriva nelle sale italiane a partire dal 26 giugno, distribuito da Eagle Pictures. Nel cast, insieme alla star di Game of Thrones, ci sono Rhys Coiro, Billy Campbell, Peter Mensah, Forrest Goodluck, Gianni Paolo, Renata Vaca e Katey Sagal.

La trama di Trust

Travolta da uno scandalo, una star di Hollywood (Sophie Turner) sparisce dai riflettori e si rifugia in una baita sperduta. Ma la solitudine è un’illusione. Tradita dall’uomo di cui si fidava ciecamente, è costretta a giocare la partita più crudele: quella per la propria sopravvivenza. Può nascondersi, ma non può scappare.

I Goonies sarà il “film anniversario” della 61° Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro

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I Goonies è il film che la 61° Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro sceglie di omaggiare in occasione dei 40 anni dall’uscita in sala. Come da tradizione, il festival porta sul grande schermo di Piazza del Popolo un film che ha fatto la storia: la serata di mercoledì 18 giugno sarà dedicata alle avventure di Mikey, Mouth, Data e Chunk, per celebrare un anniversario sulle ali della fantasia.

Uscito nel 1985 con Warner Bros., I Goonies vede la collaborazione di alcune delle figure cardine per lo sviluppo dei film d’avventura, action e fantasy: è diretto da Richard Donner e prodotto da Steven Spielberg, autore anche del soggetto, mentre la sceneggiatura è di Chris Columbus. Alla Mostra arriva dunque un’opera internazionale che ha fatto sognare i più piccoli, ma anche gli adulti. Il ritrovamento della mappa del tesoro del pirata Willy l’Orbo nella soffitta di Mikey dà il via alle rocambolesche imprese dei quattro amici, che vogliono salvare il loro quartiere dalle mire di una società edilizia. Ma la banda dei Fratelli, capeggiata dalla terribile Mamma Fratelli, è pronta a mettere loro i bastoni fra le ruote…

Un cult movie che è entrato nell’immaginario collettivo anche grazie ad alcune celeberrime battute, tra cui “I Goonies non dicono mai la parola morte!” (in originale: “Goonies never say die!”), che con il loro spirito umoristico hanno contribuito a rendere il film indimenticabile.

I Goonies di Richard Donner sarà proiettato mercoledì 18 giugno sul grande schermo in Piazza del Popolo alle ore 21:30 alla 61° Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro.

I Goonies, ieri e oggi: che fine hanno fatto i protagonisti del cult di Richard Donner