Il regista malese Brando Lee, al suo esordio nel lungometraggio, porta sullo schermo Don’t Look at the Demon (2022), un horror che unisce suggestioni occidentali e credenze spirituali radicate nella cultura del Sud-Est asiatico. Cresciuto alla periferia di Kuala Lumpur con una formazione cinematografica influenzata da classici americani come Shining e L’esorcista, Lee ha dichiarato di voler fondere le proprie radici con gli stilemi più riconoscibili dell’horror hollywoodiano, dando vita a un film che mescola possessioni, case infestate e traumi irrisolti.

All’interno della cinematografia malese, ancora poco conosciuta a livello internazionale, Don’t Look at the Demon rappresenta un esperimento importante. È uno dei primi film horror locali ad avere una distribuzione significativa fuori dai confini nazionali e a contare su un cast internazionale, con interpreti come Fiona Dourif. In questo senso, il film si colloca come ponte tra due mondi: da un lato la tradizione malese, che porta in dote rituali, simboli e riferimenti esoterici; dall’altro l’immaginario occidentale che predilige atmosfere cupe, jumpscare e dinamiche narrative di gruppo.

Il risultato è un horror che può ricordare film come L’evocazione – The Conjuring per l’uso di un’indagine paranormale al centro del racconto, ma che richiama anche suggestioni di titoli asiatici come Shutter o The Eye, per il legame con le credenze spirituali locali. In questa fusione si nasconde il tratto distintivo dell’opera: non un semplice esercizio di stile, ma un tentativo di creare un linguaggio universale dell’orrore. Nel resto dell’articolo cercheremo di capire come tutto questo confluisca nel finale del film e quale sia il suo significato più profondo.

La trama di Don’t look at the Demon

Guidata da Jules, una medium tormentata, una troupe televisiva americana di investigatori del paranormale si reca a casa di una coppia che sostiene di aver vissuto inquietanti e minacciosi disturbi inspiegabili. All’inizio, le affermazioni della coppia sembrano dubbie e la squadra investigativa sospetta che i due possano essere solo alla ricerca di pubblicità, ma Jules presto vive una sua terrificante esperienza nel seminterrato, portandoli a credere che ci sia qualcosa di più di quanto sembri.  Man mano che la squadra approfondisce il mistero, incontra possessioni e apparizioni più terrificanti di quanto abbia mai visto. Nella vecchia casa vengono scoperte stanze segrete.

Ancora più oscuri segreti vengono alla luce nella storia della casa, legati a un antico rituale thailandese proibito, bambini nati morti, spiriti femminili inquieti e una violenta forza soprannaturale che minaccia di distruggere tutti coloro che entrano in contatto con essa. La loro unica speranza è dunque Jules. Lei però rifiuta di affrontare la situazione, traumatizzata da quando il suo primo incontro soprannaturale ha causato la morte di sua sorella. Ma il suo oscuro passato, se riuscirà a svelarlo, potrebbe essere l’unica speranza per fermare il demone prima che sia troppo tardi.

La spiegazione del finale del film

Il film di Brando Lee si chiude con un epilogo cupo e inaspettato. Alla fine, Jules, la medium interpretata da Fiona Dourif, finisce per eliminare tutti i membri del gruppo, tranne una ragazza protetta da un tatuaggio rituale, elemento che la salva dalla possessione. Già in passato, come si scopre, era stata lei stessa – vittima di possessione – ad uccidere sua sorella. Per “gestire” quel ricordo traumatico il demone le aveva però fatto credere che la sorella fosse morta in quanto era lei ad essere stata posseduta. Così, per la seconda volta, la protagonista è ormai completamente dominata da forze oscure e ha irrimediabilmente perso il controllo delle proprie azioni.

Molti spettatori hanno però discusso il finale online, sottolineando come resti volutamente ambiguo. Alcuni ritengono che Jules sia stata davvero posseduta da un’entità demoniaca, altri che il film voglia suggerire un crollo psicologico dovuto a traumi e ossessioni. L’elemento del tatuaggio rituale è stato poi letto come un legame con le tradizioni malesi, a dimostrazione che la conoscenza delle credenze spirituali locali può fare la differenza tra vita e morte. Come ha affermato il regista Brando Lee a proposito del film, “in tutte le mie attività c’è uno Ying e uno Yang. Credo che il mondo debba avere il Bene e il Male, sia gli Angeli che gli esseri Malvagi”.

“In sostanza, si tratta di mantenere l’equilibrio dell’Universo. Incuriosito dalle esperienze che ho vissuto, ho iniziato a esplorare il mondo che ci circonda”, ha aggiunto. Se si accetta la lettura più diffusa — ovvero Jules come strumento inconsapevole del male — allora il film mette in scena il trionfo dell’oscurità e la fragilità umana di fronte all’inspiegabile. La tragedia dell’uccisione della sorella diventa così il punto più estremo della perdita di controllo, mostrando come le forze oscure possano infrangere perfino i legami più intimi.

Cosa ci lascia il film Don’t Look at the Demon

Brando Lee, fondendo cliché hollywoodiani e credenze spirituali malesi, costruisce un horror ibrido che vive di ambivalenze. Non c’è una vera catarsi: solo un senso di inquietudine persistente e il dubbio su cosa sia reale e cosa no. Don’t Look at the Demon lascia quindi allo spettatore la riflessione che, davanti al male, la comprensione delle proprie radici culturali e spirituali può diventare l’unico argine alla distruzione.

Il diavolo veste Prada è diretto da David Frankel da una sceneggiatura di Aline Brosh McKenna basata sul libro scritto da Lauren Weisberger e presenta un cast stellare che include Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci e una serie di cameo alla moda. Il racconto ruota intorno ad Andy Sachs (Hathaway), che non riuscendo a trovare il lavoro che desidera come giornalista, accetta un posto come assistente personale della redattrice di Runway e icona del mondo della moda Miranda Priestly (Streep), affiancando l’assistente già in carica Emily Charlton (Blunt).

All’inizio Andy fatica a soddisfare le richieste estreme di Miranda e non si interessa al mondo della moda, ma dopo che l’art director Nigel Kipling (Tucci) la prende sotto la sua ala protettrice, inizia a dare il meglio di sé; tuttavia, quando il lavoro inizia a influire sulla sua vita privata e vede Miranda pugnalare Nigel alle spalle, Andy decide di andarsene prima di diventare più simile a Miranda. Nel frattempo, però, sembra essersi guadagnata il rispetto della sua ex capo.

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Come Miranda ha evitato di essere sostituita da Jacqueline

Dopo aver scoperto il piano di sostituire Miranda Priestly con Jacqueline Follet (Stephanie Szostak) come redattrice di Runway, Andy ha cercato di avvertire Miranda, ma si è scoperto che Miranda era già diversi passi avanti a lei. Il diavolo veste Prada non rivela esplicitamente come Miranda sia venuta a conoscenza del piano per sostituirla, ma il film mostra chiaramente quanto Miranda sia profondamente connessa all’interno del settore, quindi se l’accordo era abbastanza avanzato da arrivare a un prototipo di copertina di Runway, è logico che lei ne fosse a conoscenza.

La “malvagia” Miranda ha quindi usato la sua influenza per ottenere per Jacqueline un’offerta che non poteva rifiutare dalla nuova società di James Holt, rendendola indisponibile per la posizione a Runway. Una volta che Miranda ha convinto Jacqueline ad accettare la posizione con Holt, ha semplicemente dovuto convincere Irv Ravitz a mantenerla come redattrice di Runway, per cui ha escogitato un piano ancora più subdolo, ovvero “La Lista”. Essa contiene i nomi di numerosi stilisti, fotografi, redattori, scrittori e modelli che aveva portato alla rivista, i quali avevano tutti dichiarato che avrebbero lasciato Runway per seguire Miranda se lei fosse passata a un’altra testata.

Cosa è successo a Nigel?

La sera prima che Miranda annunciasse Jacqueline come nuova presidente della James Holt International, Nigel rivelò ad Andy che James Holt lo aveva scelto per la posizione e che era stata Miranda a raccomandarlo. Miranda ha ovviamente una certa influenza su Holt, motivo per cui inizialmente la posizione era stata offerta a Nigel, ma non ha esitato a sacrificarlo quando è arrivato il momento di salvarsi la pelle, spingendo invece Jacqueline per la posizione. Nigel non era a conoscenza dei piani di Miranda, quindi non ha scoperto il cambiamento di programma fino a quando Miranda non ha annunciato Jacqueline per la posizione.

Nonostante la sua profonda delusione, Nigel dice ad Andy: “Quando sarà il momento giusto, lei mi ripagherà”. Anche se non crede veramente alle sue parole, ha “speranza per il meglio”. Nigel è sempre stato un fedele sostenitore di Miranda nonostante il caos che la circonda, e finora ha funzionato bene per lui, ma il tradimento è una rivelazione per Andy, che stava cercando di aiutare Miranda a evitare di essere sostituita. È anche l’occasione per lei per decidere definitivamente di lasciare quel lavoro in cerca di una vita più sana.

Perché Andy ha finalmente lasciato Runway

Andy è inizialmente sopraffatta dalle richieste di Miranda e, anche se il lavoro non diventa necessariamente più facile con il tempo, impara ad assecondare Miranda sacrificando sempre più la sua vita personale. Nigel era stato quello che le aveva detto che ogni nuovo traguardo nella sua carriera sarebbe arrivato a costo di vedere la sua vita privata continuare a sgretolarsi, quindi vederlo pugnalato alle spalle da Miranda è stato un campanello d’allarme per lei, anche se non è stato solo questo a spingerla a licenziarsi.

È stata la conversazione con Miranda dopo ha dato il lavoro di Nigel a Jacqueline che le ha fatto perdere la pazienza. In macchina, dopo l’evento, Miranda dice infatti ad Andy di essere rimasta colpita dal suo tentativo di avvertirla che Jacqueline avrebbe preso il suo posto come redattrice di Runway. Quando Miranda le ha detto “Vedo molto di me stessa in te” dopo aver distrutto il lavoro dei sogni di Nigel, Andy ha deciso che non voleva più quel lavoro e ha finalmente trovato il coraggio di gettare il cellulare in una fontana e allontanarsi da Miranda e dal lavoro a Runway.

Perché Miranda ha sorriso alla fine

Nonostante Andy abbia lasciato Miranda a piedi a Parigi, Miranda dice comunque al direttore del New York Mirror che sarebbe un “idiota” se non assumesse Andy. Sebbene Miranda abbia mostrato occasionalmente approvazione nei confronti di Andy, il più delle volte era critica nei confronti delle sue prestazioni lavorative, anche quando Andy riusciva a portare a termine compiti impossibili come procurarsi la trascrizione inedita del romanzo di Harry Potter per le figlie gemelle di Miranda. Dice persino al New York Mirror che Andy è stata la “più grande delusione” che abbia mai avuto come assistente, eppure quando la vede per strada alla fine, sorride comunque.

Sebbene Miranda possa essere stata legittimamente delusa dalla decisione di Andy alla fine di Il diavolo veste Prada, il sorriso è probabilmente legato al fatto che lei dice ad Andy che le ricorda se stessa. Anche se ha abbandonato il lavoro nel modo meno conveniente possibile, la parte di Andy che ha difeso se stessa e ha sacrificato tutti gli altri era la stessa parte che ricordava a Miranda se stessa. Tuttavia, è anche il suo prendere una decisione così radicale come quella di uscire da quell’ambiente che fa nascere in Miranda il rispetto per la sua ormai ex dipendente.

Il diavolo veste Prada 2: il sequel è in arrivo!

Il film si conclude dunque con Andy che lascia Runway per un lavoro in un giornale di New York. Ora, a distanza di vent’anni, i fan potranno finalmente vedere cosa stanno facendo Miranda e Andy in un panorama mediatico profondamente cambiato. Nel sequel, Miranda, interpretata dalla Streep, si ritrova coinvolta in una competizione ad alto rischio per ottenere importanti introiti pubblicitari, trovandosi sorprendentemente a dover affrontare la sua ex assistente dalla lingua tagliente Emily Charlton (Emily Blunt), che ora è una potente dirigente nel settore della moda.

David Frankel, che ha diretto il primo film, è tornato alla regia di Il diavolo veste Prada 2, lavorando su una sceneggiatura di Aline Brosh McKenna, che ha scritto anche l’originale.  Oltre a Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt, nel cast si ritrovano anche Stanley Tucci, Simone Ashley, Pauline Chalamet e Helen J. Shen. Tracie Thoms e Tibor Feldman tornano sul set, mentre diversi volti nuovi si uniscono al cast, tra cui Kenneth Branagh, che interpreterà il marito di Miranda, insieme a Lucy Liu, Justin Theroux, B.J. Novak, Pauline Chalamet, Rachel Bloom e Patrick Brammall. Il film uscirà al cinema il 1° maggio 2026.

Dog Days è una commedia corale diretta da Ken Marino che porta sul grande schermo una storia leggera, intrecciata e capace di emozionare attraverso i suoi protagonisti a quattro zampe. Ambientato a Los Angeles, il film intreccia le vicende di diversi personaggi, apparentemente molto diversi tra loro, uniti dal filo conduttore rappresentato dai loro cani. La pellicola rientra in quella tipologia di film ensemble che, attraverso più storie parallele, punta a mostrare le connessioni nascoste e gli incontri casuali che possono cambiare la vita.

Il genere di appartenenza è quello della commedia romantica e familiare, arricchita da momenti di dramma e riflessione. In Dog Days non sono solo i sentimenti e le relazioni a essere al centro, ma anche il modo in cui gli animali domestici diventano parte integrante della quotidianità e catalizzatori di cambiamento. I temi principali spaziano dall’amore alla perdita, dall’amicizia alla crescita personale, passando per la ricerca di una nuova prospettiva sulla vita grazie al legame affettivo con i propri cani.

In questo senso il film si avvicina a titoli come La verità è che non gli piaci abbastanza o Capodanno a New York per la struttura corale, ma anche a opere come Qua la zampa! o Attraverso i miei occhi per il ruolo centrale affidato agli animali e alla loro capacità di incidere sulle vite umane. Dog Days si pone quindi come un mix di leggerezza e commozione, capace di unire il linguaggio della commedia romantica a quello del family drama. Nel resto dell’articolo analizzeremo come queste premesse si concretizzano nel finale e quale messaggio il film lascia allo spettatore.

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La trama di Dog Days

Elizabeth (Nina Dobrev) è un’affascinante giornalista single, che deve fare i conti con la chimica che comincia ad instaurarsi con il suo nuovo co-conduttore ed ex star della NFL Jimmy Johnston (Tone Bell), mentre chiede consigli alla terapeuta del suo cane, Danielle (Tig Notaro). Tara (Vanessa Hudgens) è una barista di tendenza che sogna una vita al di fuori della caffetteria, e ha una cotta per l’eccentrico veterinario, il Dr. Mike (Michael Cassidy,) mentre la sua amica Daisy, (Lauren Lapkus), una disperata dog sitter, è innamorata di un cliente che non ha ancora incontrato. Nel frattempo, Garrett (Jon Bass), proprietario del New Tricks Dog Rescue, si strugge d’amore per Tara, mentre cerca di mantenere a galla la sua attività lavorativa in crisi.

Ruth (Jessica St. Clair) e Greg (Thomas Lennon), coppia che sta per avere due gemelli, lasciano con riluttanza il loro dispettoso cane alle cure del fratello di Ruth, Dax (Adam Pally), ragazzo irresponsabile e immaturo, che suona in una band con la sua ex fidanzata Lola (Jasmine Cephas Jones). Grace (Eva Longoria) e Kurt (Rob Corddry) attendono con ansia l’arrivo della loro figlia adottiva Amelia (Elizabeth Caro), il cui destino inavvertitamente si lega con quello di Walter (Ron Cephas Jones), un anziano vedovo che ha perso il suo carlino in sovrappeso. Tyler (Finn Wolfhard), il ragazzo che consegna le pizze nel quartiere, fa amicizia con Walter e lo aiuta a cercare il suo amato animale.

La spiegazione del finale

Nel terzo atto di Dog Days le diverse linee narrative si intrecciano in un crescendo di emozioni, tutte legate dalla presenza dei cani come catalizzatori di cambiamento. Elizabeth, dopo la morte del cane Brandy di Jimmy, comprende quanto sia profondo il legame che li unisce e decide di mettere da parte i dubbi per seguire i propri sentimenti. Tara, intanto, si impegna per salvare il rifugio di Garrett organizzando un grande evento di beneficenza che diventa il punto di ritrovo per quasi tutti i personaggi principali. L’atmosfera, pur leggera, si carica di significati personali per ciascuno dei protagonisti.

La festa di raccolta fondi rappresenta il momento culminante in cui le diverse storie trovano il loro equilibrio. Walter decide di permettere ad Amelia di tenere con sé il cane che aveva ritrovato, comprendendo che la bambina ha bisogno di un legame forte per sentirsi davvero parte della sua nuova famiglia. Allo stesso tempo, il rifugio di Garrett trova nuova linfa vitale, poiché Walter gli offre la possibilità di ospitarlo nella sua casa, spezzando così il cerchio della sua solitudine. Dax, dal canto suo, trova una nuova responsabilità e una direzione grazie al cane della sorella, che lo aiuta a maturare.

Il film si chiude dunque con un mosaico di storie positive, dove amore, amicizia e famiglia si intrecciano con leggerezza e calore. La spiegazione di questo finale risiede nella volontà del film di mostrare come gli animali possano agire come veri e propri “pontefici” emotivi, capaci di unire persone, curare ferite e guidare verso nuove consapevolezze. Nessuno dei protagonisti avrebbe trovato il proprio equilibrio senza l’intervento dei cani, che diventano simbolo di speranza, fedeltà e cambiamento. Non è un caso che il rifugio diventi il luogo d’incontro conclusivo: rappresenta la dimensione comunitaria in cui ogni personaggio trova un posto e un legame autentico.

Allo stesso tempo, il finale vuole sottolineare l’importanza dei piccoli gesti e delle scelte personali. Walter, nel lasciare il suo cane ad Amelia, compie un sacrificio che si trasforma in un dono d’amore, non solo per la bambina ma anche per se stesso, trovando così un nuovo senso di appartenenza. Elizabeth e Jimmy, accettando le difficoltà legate alla loro carriera e ai loro caratteri opposti, dimostrano che la vulnerabilità può essere una forza. Tara e Garrett, invece, dimostrano che la dedizione verso ciò che si ama – sia una persona che una causa – può portare a risultati inaspettati e gratificanti.

In definitiva, Dog Days lascia agli spettatori un messaggio semplice ma potente: la vita è fatta di connessioni e di affetti, e i cani sono uno strumento straordinario per ricordarci di aprirci agli altri. Attraverso leggerezza, ironia e momenti di commozione, il film celebra il valore della comunità e della cura reciproca, suggerendo che anche dalle situazioni più caotiche e complesse può nascere armonia se ci si lascia guidare dall’amore e dalla solidarietà.

Alejandro Agresti ha diretto il romantico film fantasy La casa sul lago del tempo (The Lake House). La storia, un adattamento del film sudcoreano “Siworae”, segue la solitaria dottoressa Kate (Sandra Bullock). Quando i suoi tentativi di salvare una vittima di un incidente stradale il giorno di San Valentino del 2006 falliscono, Kate racconta agli spettatori di aver ereditato la casa sul lago che dà il titolo al film, ma che non abita.

Tuttavia, poiché la casa sul lago, e in particolare la cassetta postale adiacente, rimangono in uno stato di flusso temporale, Kate stabilisce una comunicazione con il misterioso Alex (Keanu Reeves), che sostiene di vivere due anni nel passato. Quando le linee temporali si intrecciano, la malinconica storia sfugge al controllo. Se non riuscite a capire bene il finale, lasciate che vi aiutiamo. SPOILER IN ARRIVO.

La trama di La casa sul lago del tempo (The Lake House)

Nella sequenza iniziale, Kate si sveglia nella casa sul lago in autunno. Durante l’inverno, Alex, il figlio del proprietario originale della casa, arriva lì e legge la lettera di Kate. Kate non vive nella casa perché non ritiene che un cottage debba avere una superficie superiore a 6000 piedi quadrati. Pertanto, cerca di cambiare l’indirizzo con quello della sua attuale residenza a Chicago. Anche se la lettera non è destinata ad Alex, lui la legge e scrive una risposta impeccabile. Nel frattempo, mentre oziava in un parco il giorno di San Valentino, Kate assiste a un incidente con omissione di soccorso.

Kate chiama i servizi di emergenza e cerca di salvare il ragazzo, ma lui sembra morire. D’altra parte, Kate chiede ad Alex di incontrarsi a casa sua, ma la posizione porta Alex in un cantiere edile. Lui pianta un albero davanti al cantiere, che è cresciuto parecchio nella linea temporale di Kate. Con la rivelazione che la cassetta postale funge da macchina del tempo, la storia d’amore epistolare di Kate con Alex raggiunge un equilibrio e i due desiderano incontrarsi.

Nel 2004, Alex gestisce un’impresa di costruzioni seguendo le orme di Simon, suo padre e grande architetto. Ha una ragazza, Mona. D’altra parte, Kate ha una relazione altalenante con Morgan. Mentre parte per Madison in treno, Kate intravede Alex, che corre accanto al treno per restituirle la sua copia di “Persuasione” di Jane Austen. Scoraggiata dal fatto di non conoscere ancora il suo ammiratore, Kate fissa un appuntamento con Alex per il 10 luglio 2006 alle 21:05. Sebbene Alex non la chiami in quel momento, Kate incontra Alex e Mona alla sua festa di compleanno più tardi. Alex e Kate non riescono a parlare molto, poiché sentono il peso del futuro. Mentre cercano di aggrapparsi al presente, il tempo scorre tra loro.

Il finale di La casa sul lago del tempo (The Lake House): Alex è vivo o morto?

Quando Kate decide di ristrutturare l’appartamento loft, porta Morgan alla Visionary Vanguard Associates, l’azienda della famiglia di Alex. Il fratello di Alex, Henry Wyler, saluta i due, ma Kate è incuriosita da una foto appesa alla parete della sala riunioni. L’immagine mostra il progetto di ristrutturazione della casa sul lago che Alex aveva ideato all’inizio del film e che aveva mostrato a Kate per ottenere la sua approvazione. Quando Kate chiede chi sia l’autore della foto, Henry le rivela che Alex è morto il 14 febbraio 2006. Anche Kate stessa conosce la verità: Alex è frutto della sua immaginazione.

Come Kate dice ad Alex all’inizio della storia, lui è morto nell’incidente, mentre lei ha creato una storia intorno a lui per affrontare il trauma. Tuttavia, questa interpretazione sarebbe naturale se non fosse per i momenti finali, in cui Alex sembra essere vivo mentre abbraccia e bacia Kate. Grazie alla premonizione della morte di Alex, Kate gli proibisce di attraversare la strada al parco in una lettera che gli scrive. Voilà, Alex non attraversa la strada e alla fine rimane vivo. Incontra Kate e abbiamo un lieto fine. Anche se un lieto fine è ciò a cui miravano gli autori creativi della storia, non hanno risolto tutti i nodi irrisolti.

Se Kate non parla con Alex prima dell’incidente del febbraio 2006, come può impedire la morte di Alex? Pertanto, con ogni probabilità, Alex è morto fin dall’inizio della storia. A quanto pare, Alex e Kate si incontrano tra il 2004 e il 2006, alla vigilia del compleanno di Kate. Dopo aver sorpreso Kate a baciare Alex, la relazione seria di Kate con Morgan attraversa un momento difficile. Poi, Kate scopre che la persona che muore per strada il 14 febbraio 2006 è la stessa che lo ha baciato alla festa. Dopo la scoperta, la mente di Kate va in tilt e lei inizia a vivere in fantasie incomplete del passato.

Kate e Alex finiscono insieme?

No, Kate e Alex non finiscono insieme, anche se gli ultimi minuti suggeriscono il contrario. Mentre Kate cerca disperatamente una risposta nella cassetta della posta, non trova nulla e scoppia in lacrime. Poco dopo, Alex attraversa il bosco e gli amanti si abbracciano per un finale da cartolina. Tuttavia, Alex non può essere vivo in quel momento perché muore la mattina di San Valentino del 2006. Pertanto, si può dire che non finiscono insieme. Tuttavia, Alex lascia diversi oggetti e ricordi nella vita di Kate. Ad esempio, Kate trova la sua copia smarrita di “Persuasione” di Jane Austen sul pavimento di legno della casa sul lago.

Inoltre, Kate prende il cane di Alex, Jack. Fino alla fine, Jack rimane con Alex. In terzo luogo, Kate visita inconsapevolmente la società immobiliare Visionary Vanguard Associates, gestita dal fratello di Alex. Soprattutto, una forza cosmica li lega insieme mentre si baciano la notte del compleanno di Kate, anche se Mona e Morgan, i loro rispettivi partner, sono con loro. Tutti i segni indicano che sono destinati a stare insieme, poiché entrambi svolgono un ruolo cruciale nella vita dell’altro. Pertanto, l’incontro con Alex alla festa contribuisce a creare la storia nella mente di Kate. Questo pensiero potrebbe portarti alla seguente domanda.

Kate sta immaginando/sognando Alex alla fine?

Kate potrebbe immaginare Alex alla fine. È almeno più plausibile dell’altra ipotesi, più diretta. Film come “The Butterfly Effect” e “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” ci dicono che non c’è nulla di semplice nei film sui viaggi nel tempo, e questo non fa eccezione. Kate potrebbe sognare nei momenti finali e anche per gran parte della storia. Verso la fine della storia, Kate cerca di sfuggire all’illusione quando racconta ad Alex come lo ha immaginato. Forse ricorderete che dopo aver mangiato con sua madre al Daley Plaza, Kate ha avuto un brutto incidente.

Era già piuttosto sola e pensava che non fosse così che avrebbe dovuto finire il giorno di San Valentino. Pertanto, più che la presenza fisica di Alex, è la sua fede nel romanticismo a far avanzare la storia. L’idea la porta alla cassetta della posta, che diventa un punto di riferimento nelle sue fantasie abituali. A poco a poco, Kate si è persa nella fantasia dove il tempo si è fermato. Tuttavia, come sottolinea verso la fine della confessione, Kate ha imparato a vivere la vita che ha (e a non pensare a ciò che si sta perdendo). Kate cerca di dimenticare Alex, ma la scoperta della copia di “Persuasione” le riporta alla mente il ricordo di Alex e la sua mente ricomincia a vagare. In questo modo, il film rende omaggio al romanzo senza tempo di Jane Austen.

In che anno finisce il film La casa sul lago del tempo (The Lake House)?

Il film finisce probabilmente nel 2008, quando Henry fa sapere a Kate che Alex è morto “due anni fa oggi”. Oscillando tra passato e futuro, il film riflette sull’atemporalità del presente. Pertanto, più che confondere il pubblico nel cercare di capire i meandri della linea temporale, il film ci incoraggia a rimanere nel presente.

Tuttavia, poiché i protagonisti vivono in linee temporali diverse (che potrebbero anche indicare i loro rispettivi stati d’animo: mentre Alex vive nel passato dei suoi ricordi, Kate vive nel futuro delle sue aspirazioni), il presente sembra difficile da cogliere. In altre parole, il passato di Kate è il futuro di Alex, così come è un presente senza tempo per il pubblico. Curiosamente, alla fine, è Kate che sembra vivere nel passato, aggrappandosi ai ricordi di Alex.

Quasi 25 anni fa, il regista Christopher Nolan, autore di Oppenheimer, ha fatto il suo ingresso nel panorama cinematografico grazie a Memento, un thriller neo-noir ricco di colpi di scena che ha posto le basi per una delle carriere più entusiasmanti del cinema moderno e ha regalato una storia di cui si parla ancora a più di vent’anni dalla sua uscita.

Memento è ancora uno dei film preferiti dagli appassionati di thriller per la trama serrata, i personaggi fantastici e le rivelazioni emozionanti, ma forse è ricordato soprattutto per la sua narrazione non lineare, presentata sotto forma di due diverse cronologie che si muovono in direzioni opposte fino a convergere. Questa convergenza, nel finale del film, ci offre una risoluzione, certo, ma lascia anche alcune domande chiave senza risposta. Diamo quindi un’occhiata più da vicino a come si conclude Memento e a cosa offre a noi spettatori

La fine di Memento spiegata

Come abbiamo già stabilito, Memento si svolge in due modi diversi, offrendoci una serie di scene in bianco e nero che scorrono in ordine cronologico, nonché scene a colori che scorrono in ordine cronologico inverso, fino a quando tutte si incontrano nel mezzo. Il protagonista del film è Leonard (Guy Pearce), un uomo affetto da amnesia anterograda, il che significa che non è in grado di formare nuovi ricordi e quindi deve tenere traccia della sua vita attraverso una serie di appunti, immagini e, soprattutto, tatuaggi che rappresentano indizi ed eventi importanti. Leonard ha perso la memoria a causa di un trauma cranico subito quando sua moglie (Jorja Fox) è stata aggredita e uccisa nella loro casa. Uno degli uomini responsabili dell’aggressione è già morto, ma l’altro è ancora latitante e Leonard ha utilizzato il suo sistema di tatuaggi per dare la caccia a quell’uomo, cercando vendetta per la sua defunta moglie.

Le sequenze cronologiche in bianco e nero rivelano tutto questo e indicano la strada verso un poliziotto di nome Teddy (Joe Pantoliano), che possiede informazioni che condurranno Leonard all’assassino di sua moglie. Nel frattempo, le sequenze a colori in ordine cronologico inverso vedono protagonista una barista di nome Natalie (Carrie-Anne Moss), che indica a Leonard Teddy stesso come l’assassino di sua moglie. Nel frattempo Leonard sta cercando qualcuno di nome “John G” o “James G”, uno dei suoi pochi indizi sull’identità dell’assassino, e sia Teddy stesso che l’uomo che Teddy manda Leonard a uccidere, Jimmy, corrispondono in qualche modo a quelle iniziali.

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Nelle sequenze a colori, Leonard finalmente sincronizza i suoi indizi con le informazioni di Teddy (con l’aiuto di Natalie) e lo uccide. Nelle sequenze in bianco e nero, Leonard segue gli indizi di Teddy e uccide Jimmy (Larry Holden), ma mentre Jimmy sta morendo, offre a Leonard un’informazione che suggerisce che lui è l’uomo sbagliato (ne parleremo meglio tra un attimo). Leonard affronta Teddy su questo punto e Teddy, rendendosi conto che in pochi minuti Leonard dimenticherà comunque l’informazione, rivela che il vero assassino della moglie di Leonard è già morto. In realtà, Leonard ha ucciso quell’uomo un anno fa e da allora Teddy ha sfruttato la condizione di Leonard a suo vantaggio, trasformando essenzialmente quell’uomo molto determinato nel suo killer a contratto personale, creando indizi che portassero Leonard al bersaglio da lui scelto. In risposta, Leonard lascia un biglietto a se stesso in cui dice che Teddy non è affidabile, mettendo a punto il suo piano per uccidere Teddy dopo che Natalie gli ha fornito gli indizi che lo portano in quella direzione. Alla fine del film, Leonard giura di continuare la sua ricerca di vendetta e rivela persino di essere disposto a seguire indizi falsi che lo guidino, se questo significa che potrà vendicarsi.

Memento e la memoria inaffidabile

Abbiamo quindi stabilito cosa è successo così come ci è stato presentato dal film. Ora è il momento di parlare un po’ del perché tutto è successo in quel modo. Per farlo, dobbiamo tornare alle informazioni che Jimmy ha sussurrato a Leonard mentre moriva. Si trattava di una sola parola, “Sammy”, che ha ricordato a Leonard i suoi giorni come perito assicurativo prima dell’aggressione che ha ucciso sua moglie. In passato, Leonard aveva incontrato un uomo di nome Sammy (Stephen Toblowsky), che sosteneva di soffrire di amnesia anterograda. Spettava a Leonard determinare la vera condizione di Sammy ai fini assicurativi, ma Leonard non credeva necessariamente alla sua malattia. Spettò alla moglie di Sammy (Harriet Sansom Harris) mettere alla prova il marito, ricordandogli ripetutamente di somministrarle le iniezioni di insulina. L’idea era, ovviamente, che se Sammy non avesse sofferto di amnesia anterograda, avrebbe ricordato di averle già fatto l’iniezione. Invece, continuava a dimenticarsene e finì per somministrarle una dose eccessiva, uccidendola.

La storia di Sammy occupa un posto importante nella memoria di Leonard, inizialmente come fonte di un certo senso di colpa, un promemoria del fatto che la sua condizione non è solo reale, ma anche qualcosa di cui deve essere costantemente consapevole, per non ferire qualcuno che non lo merita. Naturalmente, alla fine, Leonard apprende dal monologo di Teddy che ha fatto del male a persone che potevano o meno meritarselo per un bel po’ di tempo, a causa delle manipolazioni di Teddy. Ma le rivelazioni non finiscono qui.

Mentre parla con Teddy, Leonard scopre anche che la storia di Sammy e sua moglie apparentemente non è vera, ma che in realtà è una storia tratta dalla propria vita. Leonard, ovviamente, nega tutto questo, convinto che tutti i suoi ricordi precedenti alla morte della moglie siano intatti e che quindi saprebbe se sua moglie fosse diabetica o meno. Dato che ci viene detto che la sua amnesia non dovrebbe influenzare i suoi ricordi precedenti all’attacco, sembra che dovremmo credere a Leonard.

Ma dovremmo farlo? Nolan ci mostra diversi scorci della vita di Leonard che rispecchiano quella di Sammy, suggerendo che forse Sammy è più un’invenzione per fare i conti con il proprio trauma, o almeno un’invenzione parziale, che una persona reale. Se questo è vero, è anche possibile che la moglie di Leonard non sia morta in un attacco, ma in un incidente causato da Leonard.

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O è successo davvero? È stato intenzionale da parte di Leonard? È successo davvero in questo modo? È Natalie la vera burattinaia in questo gioco mortale? Non lo sappiamo davvero, ma ciò che è importante in tutto questo è la scelta che Leonard fa alla fine del film. Dopo aver ucciso Jimmy, decide di dare la caccia a Teddy e prende nota di sé stesso che Teddy sarà il suo prossimo obiettivo, sigillando di fatto il destino dell’altro uomo. Mentre si allontana in auto, riflette sulla sua visione personale della realtà ed esamina la possibilità che la sua realtà possa in realtà essere una costruzione. Medita su questo, chiudendo brevemente gli occhi per verificare se il mondo oggettivo esista ancora anche se lui non lo osserva. Alla fine, è un pensiero che svanisce nel momento in cui vede un negozio di tatuaggi e quindi la possibilità di ricordare il suo ultimo indizio nella sua incessante ricerca di vendetta.

E alla fine, questo è il vero punto cruciale di Memento. Guardiamo un uomo intrappolato in un circolo vizioso di violenza e ricerca e ci chiediamo quale sia la vera causa di tutto questo, se Leonard sia stato spinto a questa vita o se l’abbia scelta e semplicemente non riesca a ricordare quando ha fatto quella scelta. È un’idea drammatica che ci costringe a fare i conti con le nostre possibilità, per quanto passive possano essere, ed è per questo che il film rimane nella nostra mente per ore dopo la sua conclusione.