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All Her Fault, la spiegazione del finale: chi ha rapito Milo?

Con sempre più spettatori che stanno guardando tutti gli otto episodi della nuova serie thriller di Sarah Snook, All Her Fault, stanno scoprendo cosa è successo a Milo e perché è stato portato via da un appuntamento di gioco.

La serie vede protagonista Snook, nota soprattutto per il suo ruolo in Succession, nei panni della ricca imprenditrice di Chicago Marissa Irvine, che va a prendere il figlio di 5 anni Milo e trova invece una donna che non ha mai sentito parlare di lui.

Ben presto si scopre che è stata la misteriosa tata di Jenny (Dakota Fanning), Carrie Finch (Sophia Lillis), a rapire Milo, ma il resto della stagione esplora il motivo. Il penultimo episodio ha anche preparato il terreno per un finale estremamente drammatico e teso, quando Carrie è entrata di notte nella casa di Marissa e Peter (Jake Lacy) con una pistola in mano.

Cosa è successo alla fine di All Her Fault e perché Carrie ha rapito Milo? Continua a leggere per scoprire cosa è successo nell’episodio finale di questo thriller.

Spiegazione del finale di All Her Fault: perché Carrie ha rapito Milo?

All Her Fault Serie

Mentre Carrie continua a puntare la pistola contro tutti, viene momentaneamente distratta da Milo che chiama sua madre dalla telecamera della baby-sitter. Lei ammette che non farebbe mai nulla per ferire Milo. Colin (Jay Ellis) coglie l’occasione per cercare di fare l’eroe, entrando in conflitto con Carrie, che gli spara allo stomaco.

Carrie dice che non voleva farlo e chiede a qualcuno di chiamare un’ambulanza, mentre Peter esorta Lia (Abby Elliott), sconvolta, ad andare fuori e aspettare lì i soccorsi. Brian (Daniel Monks) va a calmare Milo, ma una volta che ha lasciato la stanza, Peter conferma silenziosamente che Colin è effettivamente morto.

Marissa pone quindi a Carrie la domanda a cui tutti vorremmo una risposta: chi è lei e perché ha rapito Milo?

Carrie spiega che il suo vero nome è Josephine Murphy e Marissa capisce immediatamente chi è, ma rimane scioccata da questa confessione, affermando che Josephine deve essere morta. Carrie ammette che vorrebbe che fosse così, ma poi continua dicendo che si sente come se avesse “perso” sei anni fa. Esorta Marissa a prometterle, da madre a madre, che proteggerà Milo da Peter.

“Non sai di cosa è capace”, dice Carrie a Marissa. Carrie cerca quindi di spiegare che una notte di anni fa, prima che arrivassero le ambulanze, Peter ha fatto qualcosa di cui chiaramente non ha mai parlato a Marissa. Mentre Carrie cerca di prendere il telefono dalla tasca posteriore per far ascoltare a Marissa una registrazione, Peter si avventa su Carrie.

Riesce a puntare la pistola contro Carrie, spaventata, e la uccide. Peter cerca immediatamente di riformulare la storia, dicendo a Marissa che la pistola ha sparato accidentalmente, ma Marissa sa che ha ucciso Carrie intenzionalmente perché non voleva che lei rivelasse qualcosa.

Marissa non si tira indietro e ordina a Peter di dirle la verità su ciò che è successo in quella fatidica notte. Mentre tornavano a casa dall’ospedale con il neonato Milo, hanno avuto un incidente stradale con un veicolo che proveniva dalla direzione opposta. Peter, l’unico cosciente al momento dell’impatto, si gira e trova Milo morto e Marissa che sembra essere nella stessa situazione. Ovviamente, sappiamo che lei è sopravvissuta e vediamo un flashback della cicatrice sulla sua spalla, che ora si spiega con il tragico incidente stradale.

Nel presente, Peter dice a Marissa che in realtà loro figlio è morto nell’incidente. Ma tornando alla notte in questione, dopo aver chiamato il 911 per chiedere aiuto, Peter sente un bambino piangere. Entra nell’altra auto incidentata e recupera un neonato, cullandolo mentre sente le sirene in lontananza. Dice a Marissa che non l’aveva pianificato, ma rivela di aver scambiato i bambini, pensando che Carrie fosse morta nella sua auto.

Dice che, dato che era sola nella sua auto, sembrava che non potesse dare a Milo la vita che loro gli avevano dato e che non sembrava adatta a essere sua madre. Spiega che li ha salvati tutti da una vita di dolore e dice a Marissa che non può dirlo a nessuno perché Milo potrebbe essere portato via.

Quando arriva la polizia, conferma che gli altri due corpi trovati durante le indagini sono quelli del fidanzato di Carrie e di suo padre. Peter spiega la confusione che aveva riguardo a Carrie/Josephine e il fatto di non averla riconosciuta inizialmente dalla foto segnaletica. Ma il detective Alcaras (Michael Peña) sospetta che ci sia qualcosa che non va, soprattutto dopo che Carrie ha permesso a Lia di chiamare un’ambulanza e a Brian di prendersi cura di Milo.

Dopo aver nascosto il telefono di Carrie per ascoltare la registrazione, Marissa lo fa. La registrazione rivela che Peter è andato a trovare il padre di Carrie in un motel, il quale gli ha detto che Carrie sospettava che ci fosse qualcosa di strano nell’incidente d’auto e che Milo era in realtà suo. Peter è arrivato con una borsa piena di soldi per il riscatto per il padre di Carrie, ma lo colpisce alla testa con una lampada, dicendo al suo cadavere che ha salvato Milo e che ora è suo.

Peter spiega poi che in realtà è stato lui a recuperare Milo, ma gli ha coperto gli occhi e lo ha lasciato alla stazione di polizia in modo che non potesse implicarlo per la sua presenza al motel.

Cosa è successo a Peter in All Her Fault?

Sarah Snook and Michael Peña in All Her Fault

Man mano che la vita torna alla normalità, diventa chiaro che Marissa non si fida di Peter in generale e con Milo, con Peter che mostra chiaramente alcuni problemi di controllo. Manda un messaggio a Jenny dicendole che ha bisogno di vederla. Quando va a trovare Jenny, le racconta tutta la verità su ciò che è successo e su ciò che Peter ha fatto. Dice a Jenny che ha paura di Peter e di ciò che potrebbe accadere se decidesse di divorziare.

Quando porta suo figlio dal medico, il detective Alcaras viene a conoscenza della sinestesia, una condizione neurologica che può portare chi ne è affetto a sperimentare una fusione dei sensi. Questo gli fa tornare in mente un ricordo di Milo e quindi chiama uno degli ex insegnanti di Carrie che conferma i suoi sospetti: sembra che anche lei ne fosse affetta.

Il giorno del funerale di Colin, Peter e Brian hanno una discussione tesa quando Brian dice che si trasferirà e troverà un nuovo lavoro. Ha anche un confronto teso con Lia e più tardi viene trovato da Marissa nella cantina di Colin. I due si scambiano un bacio appassionato, ma subito dopo Peter inizia a soffocare, sentendo l’inizio di una reazione allergica.

Va a prendere l’EpiPen dalla giacca e lo usa, ma scopre che in realtà è scaduto. Marissa è responsabile dei farmaci di Peter e afferma che non li avrebbe mai scambiati. Marissa dice a Lia di chiamare il 911 e di prendere il kit di emergenza dall’auto, ma quando torna, dice loro che non c’è. L’ambulanza arriverà tra 8 minuti e nessuno tra la folla in crescita ha un EpiPen.

Mentre continua a soffocare, Peter dice a Marissa che lei ha sempre il kit di emergenza ed è allora che lei lo conferma: questo fa parte del suo piano per uccidere Peter. Abbiamo un flashback di quella mattina in cui lei rimuove di proposito il kit di emergenza dall’auto e recupera invece una penna scaduta dalla spazzatura, sigillando così il destino di Peter. Il detective Alcaras riceve poi una telefonata che conferma che Peter è effettivamente morto.

Riguardo alla morte del suo personaggio alla fine della serie, Lacy ha raccontato a RadioTimes.com la sua reazione: “Beh, ero deluso perché mi piace Peter. Ho sempre più affinità con questi personaggi sgradevoli rispetto forse al pubblico o agli altri personaggi. Ma allo stesso tempo [mi sembra] inevitabile.

”È come dire: ‘Non è possibile che continui a vivere’. Questo deve finire in un modo o nell’altro ed è davvero appagante, come una storia è davvero appagante. Inoltre, come attore, hai la possibilità di recitare una scena di morte ed è divertente. È divertente, ecco perché amo farlo fin da quando ero bambino, semplicemente fingere di fare tutte queste cose folli, semplicemente fingere”.

Cosa è successo a Marissa in All Her Fault?

Jake Lacy in All Her Fault

Il giorno seguente, Lia viene portata dalla polizia per essere interrogata e viene rivelato che Marissa deve aver consumato qualcosa che conteneva soia, a cui Peter era gravemente allergico. Lia ha fatto di tutto per assicurarsi che tutto fosse etichettato correttamente e la polizia le chiede se Marissa abbia controllato le etichette degli alimenti o se semplicemente abbia dimenticato di farlo.

Vediamo che, in realtà, Marissa aveva letto le etichette e Lia l’aveva vista farlo. Ma quando la polizia la pressa per avere una risposta, Lia ricorda il modo orribile in cui Peter le ha parlato alla veglia funebre e mente per Marissa.

È passato un po’ di tempo quando rivediamo Marissa a casa con Milo, dove sta preparando le sue cose per traslocare. Riceve la visita del detective Alcaras, che le parla della sinestesia che ha scoperto avere sia Milo che Carrie. Dice a Marissa che sa che lei era incosciente e non era a conoscenza delle decisioni prese da Peter, aggiungendo che pensa che Peter abbia ucciso il padre di Carrie e messo Milo nel bagagliaio dell’auto. Riconosce anche che Marissa avrebbe scoperto tutto questo solo quando Carrie si è presentata alla sua porta e che avrebbe dovuto prendere alcune decisioni difficili.

Sebbene abbia risolto il caso, dice a Marissa che ora è ufficialmente chiuso. Anche se non dovrebbe sentirsi a posto con se stesso, ammette di stare bene e se ne va.

Vediamo poi Marissa e Milo correre lungo la strada per andare a trovare Jenny e suo figlio, godendosi una serata insieme sorridendo e sorseggiando vino.

Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto, recensione: un film ingenuo eppure sincero

Ci sono film che abbracciano senza vergogna la loro natura melodrammatica, trasformandola quasi in un manifesto estetico. Altri, invece, tentano di nascondere il proprio cuore da soap opera sotto una patina, convinti che bastino volti noti e regia curata per elevarsi a dramma “serio”. Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto, adattamento dell’omonimo romanzo di Colleen Hoover e diretto da Josh Boone, sceglie una via a metà: riconosce il proprio DNA da melodramma sentimentale, ma allo stesso tempo cerca – forse troppo – di strizzare l’occhio a un pubblico più ampio, adulto quanto basta da aver apprezzato It Ends with Us, ma non così indulgente da lasciarsi catturare da ogni svolta implausibile.

Il risultato è un’opera in equilibrio instabile, un mix di YA romance, tragedia familiare e twist da soap che, pur con buone intenzioni, tende spesso allo scomposto. Eppure, proprio come quelle serie del cuore che guardiamo “solo per vedere come va a finire”, anche Regretting You possiede un fascino particolare, una sincerità ingenua che – pur scadendo talvolta nel kitsch – mantiene lo spettatore incollato allo schermo.

Mckenna Grace e Mason Thames in Regretting You (2025)Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto: tra lacrime e smorfie perplesse

Il film si apre con un flashback notturno sulla spiaggia, dove un Morgan e un Jonah giovanissimi (Allison Williams e Dave Franco, ringiovaniti digitalmente in modo non sempre convincente) scoprono di essere anime affini ma incastrati nelle relazioni sbagliate. È un incipit volutamente carico, quasi programmatico: Boone non ha alcun timore di mostrare subito la natura emotiva della storia. Ma il problema emerge presto: per quanto genuini e teneri, questi primi minuti portano già con sé quel pizzico di assurdità destinato a caratterizzare tutto il film.

Diciassette anni dopo, Morgan e Jonah hanno costruito vite che sembrano più frutto dell’inerzia che dell’amore: lei sposata con Chris (Scott Eastwood, in un ruolo un po’ bidimensionale), lui convivente con Jenny, la sorella ribelle di Morgan. I rapporti sono strani, sbilanciati, quasi sospesi in una dimensione parallela in cui nessuno si accorge del proprio evidente mismatch affettivo. Questo tipo di dinamica si può accettare solo all’interno di una bolla melodrammatica ben precisa: Regretting You ci si tuffa dentro senza remore.

L’ingresso in scena della nuova generazione, rappresentata da Clara (Mckenna Grace) e Miller (Mason Thames), aggiunge quel tocco YA che il film cerca per aggiornare i codici narrativi. I due giovani funzionano: hanno chimica, leggerezza, un conflitto misurato e credibile. Miller, con il suo passato difficile e l’ironia dolceamara, incarna perfettamente il teen crush pensato per far sospirare il pubblico più giovane.

Il film, fin qui, scorre in maniera lineare ma piacevole. Poi arriva il twist. La tragedia che investe due personaggi chiave appare orchestrata più per liberare il campo narrativo che per far emergere un autentico pathos. È il genere di decisione autoriale che in maniera zoppicante serve la storia alla perfezione, ma che rientra nell’universo dell’incredibilità.

Personaggi, dinamiche e limiti di un melodramma senza paura

Una volta introdotta la tragedia, Regretting You cambia ritmo: la storia prova a diventare un percorso emotivo più profondo, con Morgan e Clara costrette ad affrontare dolori, segreti e verità rimaste taciute per anni. Allison Williams costruisce una Morgan credibile nella sua fragilità, capace di oscillare tra rabbia, senso di colpa e un amore materno che rischia a volte di soffocare più che proteggere. È una performance che sorregge molte delle sequenze più complesse, ma che a tratti sembra lottare contro la sceneggiatura stessa, troppo presa dal bisogno di accumulare conflitti.

Dave Franco, d’altro canto, regala un Jonah più dork che realmente stratificato: un personaggio che avrebbe potuto rappresentare il punto emotivo più intenso del film, ma che finisce per rimanere ai margini. La sua storyline, specie nei momenti cruciali, sembra accelerata e poco curata, come se la pellicola avesse più fretta di far reagire gli altri personaggi alla sua presenza che di dedicarle il giusto spazio.

La parte teen, invece, funziona meglio. Mckenna Grace porta sullo schermo una Clara energica, espressiva, attraversata da una crescita emotiva che, pur semplificata, risulta più organica rispetto al percorso degli adulti. La relazione con Miller è probabilmente l’aspetto più riuscito del film: tenera, credibile, mai sopra le righe. È qui che Regretting You si avvicina maggiormente a quel tono stilistico che piace al pubblico YA senza cadere troppo nel ridicolo.

Mckenna Grace in Regretting You (2025)Un film imperfetto, ingenuo eppure a sorpresa sincero

Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto è un prodotto strano: imperfetto, spesso goffo, affezionato ai cliché e incapace di mantenere una coerenza tonale stabile. Ma è anche un film che non si nasconde. Accetta la propria identità da melodramma teen-adult e la porta avanti con una sincerità spavalda, quasi ostinata. È cinema emotivo nella sua forma più semplice e sfrontata, talvolta irritante, talvolta commovente.

La linea tra una buona e una cattiva soap opera, come spesso ricordato, è sottile. Regretting You cammina proprio su quel confine, inciampa più volte, ma mantiene sempre un certo calore emotivo che impedisce di abbandonarlo del tutto. Non sorprenderà, forse, lo spettatore più cinefilo. Ma chi cerca una storia di legami interrotti, segreti familiari e amori che non sanno arrendersi troverà comunque qualcosa a cui affezionarsi.

Buen Camino: il trailer del nuovo film di Checco Zalone

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Checco Zalone (nome d’arte di Luca Medici) torna al cinema, proprio nel giorno di Natale, con Buen Camino, il film che lo vede di nuovo diretto da Gennaro Nunziante, con il quale firma soggetto e sceneggiatura. Nel cast, al suo fianco, ci sono Beatriz Arjona e Letizia Arnò. Ecco il trailer del film!

La trama ufficiale di Buen Camino

Quella di Checco è una vita agiata e comodissima e non potrebbe essere altrimenti visto che è il figlio unico di Eugenio Zalone, un ricchissimo produttore di divani. Spiaggiato in piscina nelle sue ville lussuose, un numero imprecisato di filippini a servizio, una giovanissima modella messicana come fidanzata, vacanze sul suo yacht in compagnia di amici con i quali condivide la passione del non voler lavorare; si direbbe una vita davvero invidiabile visto che non gli manca niente ma proprio niente. Anzi no. Qualcosa gli manca. È la figlia minorenne Cristal, chiamata così in onore delle famose bollicine francesi, scomparsa all’improvviso senza lasciare traccia. Chiamato d’urgenza a Roma dalla ex moglie Linda si ritrova per la prima volta ad affrontare le responsabilità della sua paternità provando a cercare la ragazzina, compito parecchio complicato visto che di Cristal e della sua vita non sa assolutamente niente. In suo soccorso giunge però Corina, la migliore amica di Cristal, che Checco riesce a corrompere e farle confessare che la figlia è partita per la Spagna. Per fare cosa? Scoprirà raggiungendola che Cristal ha deciso di percorrere da pellegrina il cammino di Santiago di Compostela, 800 chilometri da camminare a piedi alla ricerca di un senso per la sua vita, una distanza immensa da percorrere che Checco giudica folle ma che suo malgrado sarà costretto ad intraprendere. Per sentieri assolati, montagne fredde e piovose, passando per piccoli paesi sperduti, mangiando quel che capita e dormendo in ostelli fatiscenti e carichi di pellegrini, Checco proverà a ricomporre la sua relazione con Cristal. L’impresa ha dell’impossibile ma un viaggio si sa può cambiare la vita e renderla ricca per davvero.

The Beauty, nuova serie di Ryan Murphy, dal 22 gennaio su Disney+

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Disney+ ha annunciato che The Beauty, una nuova serie thriller internazionale di FX, dall’executive producer Ryan Murphy, debutterà il 22 gennaio sulla piattaforma streaming in Italia con i primi 3 episodi. Composta da 11 episodi, la serie proseguirà ogni giovedì con un nuovo episodio e si concluderà, per ciascuna delle due settimane finali, con un doppio episodio. Sono disponibili la key art e le prime immagini.

Nella serie FX The Beauty, il mondo dell’alta moda viene sconvolto quando alcune top model internazionali cominciano a morire in circostanze misteriose e raccapriccianti. Gli agenti dell’FBI “Cooper Madsen” (Evan Peters) e “Jordan Bennett” (Rebecca Hall) vengono mandati a Parigi per scoprire la verità. Man mano che approfondiscono il caso, vengono a sapere di un virus sessualmente trasmissibile che trasforma le persone comuni in esseri fisicamente perfetti, ma con conseguenze terrificanti. La loro indagine li porta direttamente nel mirino di “The Corporation” (Ashton Kutcher), un oscuro miliardario del settore tecnologico che ha creato in segreto un farmaco miracoloso chiamato “The Beauty” e che è disposto a tutto pur di proteggere il suo impero da mille miliardi di dollari, persino scatenare il suo letale sicario, “The Assassin” (Anthony Ramos). Mentre l’epidemia dilaga, “Jeremy” (Jeremy Pope), un emarginato disperato, viene coinvolto nel caos in cerca di uno scopo; nel frattempo, gli agenti si precipitano a Parigi, Venezia, Roma e New York per fermare una minaccia che potrebbe alterare il futuro dell’umanità. The Beauty è un thriller globale che chiede: cosa saresti disposto a sacrificare per la perfezione?

Tra le guest star della serie ci sono Amelia Gray Hamlin, Ari Graynor, Bella Hadid, Ben Platt, Billy Eichner, Isabella Rossellini, Jaquel Spivey, Jessica Alexander, Jon Jon Briones, John Carroll Lynch, Julie Halston, Lux Pascal, Meghan Trainor, Nicola Peltz Beckham, Peter Gallagher e Vincent D’Onofrio. 

Creata e scritta da Ryan Murphy & Matthew Hodgson, la serie FX The Beauty vede come executive producer Murphy, Hodgson, Evan Peters, Anthony Ramos, Jeremy Pope, Eric Kovtun, Scott Robertson, Nissa Diederich, Michael Uppendahl, Alexis Martin Woodall, Eric Gitter, Peter Schwerin e Jeremy Haun. È basata sulla serie a fumetti scritta da Haun e Jason A. Hurley, coinvolto come consulente. The Beauty è prodotta da 20th Television.

Euphoria – Stagione 3: confermato l’arrivo a Aprile 2026

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I fan di Euphoria – Stagione 3 hanno atteso anni e ora le loro preghiere sono state esaudite: la terza stagione arriverà su HBO ad aprile. I nuovi episodi arriveranno più di quattro anni dopo il finale della seconda stagione.

Il teen drama di Sam Levinson torna con un cast variegato di volti noti e nuovi arrivati. La maggior parte del cast originale, ora di fama mondiale, è tornata, tra cui Zendaya, Hunter Schafer, Eric Dane, Jacob Elordi, Sydney Sweeney e Colman Domingo. Tornano anche Alexa Demie, Maude Apatow, Martha Kelly, Chloe Cherry, Dominic Fike e Nika King, oltre ad Alanna Ubach, Daeg Faerch, Melvin Bonez Estes, Paula Marshall, Sophia Rose Wilson e Zak Steiner.

Levinson era presente alla presentazione di HBO Max a Londra mercoledì per condividere un’anteprima dell’esplosiva terza stagione, rivelando dove alcuni dei personaggi chiave sono finiti quattro anni dopo. “Cinque anni mi è sembrato un periodo naturale, perché se fossero andati al college, a quel punto non avrebbero più finito”, ha spiegato a proposito dell’inizio della serie. “In pratica, iniziamo con Rue [Zendaya] a sud del confine con il Messico, indebitata con Laurie [Kelly], che cerca di trovare modi molto innovativi per saldare il debito.”

“E poi Cassie [Sweeney] vive in periferia con Nate [Elordi], sono fidanzati e lei è molto dipendente dai social media e invidiosa di quella che sembra essere la vita sfarzosa che tutti i suoi compagni di liceo stanno vivendo in questo momento.”

Ha promesso: “Sono fermamente convinto che questa sia la nostra migliore stagione finora… Dirò che Cassie e Nate si sposeranno davvero. Lo confermo. E prometto che sarà una notte indimenticabile”.

Levinson ha anche aggiunto che “Jules [Schafer] frequenta la scuola d’arte, è molto nervoso all’idea di intraprendere la carriera di pittore e cerca di evitare le responsabilità a tutti i costi. Maddy [Demie] lavora a Hollywood in un’agenzia di talenti per un manager, ovviamente ha i suoi lavoretti secondari. E Lexi [Apatow] è l’assistente di una showrunner interpretata da Sharon Stone, che è semplicemente deliziosa e una vera icona”.

Alla Stone in “Euphoria” si uniscono per la prima volta Rosalía, Trisha Paytas, Natasha Lyonne, Danielle Deadwyler, Eli Roth e Marshawn Lynch. Inoltre: Adewale Akinnuoye-Agbaje, Toby Wallace, Darrell Britt-Gibson, Kadeem Hardison, Priscilla Delgado, James Landry Hébert, Anna Van Patten, Asante Blackk, Bella Podaras, Bill Bodner, Cailyn Rice, Colleen Camp, Gideon Adlon, Hemky Madera, Homer Gere, Jack Topalian, Jessica Blair Herman, Kwame Patterson, Madison Thompson, Matthew Willig, Rebecca Pidgeon e Sam Trammell.

Austin Abrams e Algee Smith sono stati esclusi dal cast della HBO, così come Storm Reid, che a novembre ha dichiarato che il suo personaggio, Gia, la sorella di Rue, sarebbe stata assente dalla terza stagione. Barbie Ferreira, che interpretava Kat, ha abbandonato la serie nell’agosto 2022, e Angus Cloud, che interpretava Fezco, è morto all’età di 25 anni nel luglio 2023.

Euphoria segue un gruppo di adolescenti alle prese con un mondo difficile fatto di tossicodipendenza, sesso, criminalità e tradimenti. Euphoria è diventata un fenomeno, lanciando la carriera di molti dei suoi giovani protagonisti e diventando la serie più seguita della HBO che non include draghi o zombie (la quarta serie più popolare in assoluto della rete via cavo).

Scarlett Johansson potrebbe entrare a far parte del cast di The Batman Parte 2

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Dopo aver trascorso quasi un decennio a difendere l’Universo Cinematografico Marvel nei panni di Vedova Nera, il bat-segnale potrebbe chiamare Scarlett Johansson, l’ultimo capitolo della serie The Batman dei DC Studios. Sebbene non si sappia a che punto sia la situazione nel processo di stipulazione dell’accordo, fonti riferiscono a Deadline che Johansson, candidata all’Oscar, è nelle trattative finali con lo studio e il regista Matt Reeves per uno dei nuovi ruoli in The Batman Parte 2. Se l’accordo si chiudesse, si unirebbe a Robert Pattinson, che riprenderà il ruolo del Crociato Incappucciato nel prossimo sequel che Reeves sta scrivendo e dirigendo.

Scarlett Johansson è stata impegnata a sistemare i suoi affari in vista del suo programma di riprese del 2026, e di recente è stata confermata come protagonista di un nuovo film de L’Esorcista per Blumhouse e il regista Mike Flanagan.

Per quanto riguarda i dettagli della trama di The Batman Parte 2 e chi potrebbe interpretare Johansson, i segreti del film sono più difficili da scoprire della posizione della Batcaverna di Bruce Wayne. La produzione del film Warner Bros.-DC Studios dovrebbe iniziare in primavera e uscire nelle sale il 1° ottobre 2027.

Con i suoi giorni nell’MCU alle spalle, Scarlett Johansson è stata impegnata a creare diversi franchise che la terranno impegnata per il prossimo futuro. Oltre a L’esorcista e The Batman Parte 2, ha recentemente contribuito a rilanciare il franchise di Jurassic World con Jurassic World: La Rinascita. Il film, uscito nelle sale a luglio, ha incassato 868 milioni di dollari in tutto il mondo e ha un sequel in lavorazione.

Johansson ha recentemente debuttato alla regia con il film drammatico della Sony Pictures Classics Eleanor the Great, presentato in anteprima mondiale al Festival di Cannes. Prossimamente la vedremo nel film di James Gray Paper Tiger, al fianco di Miles Teller e Adam Driver.

Chi è senza colpa: intervista agli autori Katiuscia Magliarisi e Riccardo Alessandri – #NoirFest2025

Presentato come Evento Speciale alla 35ª edizione del Noir in Festival, il documentario Chi è senza colpa (qui la nostra recensione) esplora le molte forme che il noir assume lungo la nostra penisola, attraversando contesti, linguaggi e sensibilità narrative profondamente diverse. In questa intervista, la sceneggiatrice Katiuscia Magliarisi e il regista Riccardo Alessandri raccontano la genesi del progetto – reso possibile grazie alla Direzione Contenuti Digitali e Transmediali Rai – e il percorso che li ha portati a costruire una vera e propria mappatura del noir italiano, dando voce ad autori, territori e visioni che compongono un genere “non genere”, capace come pochi altri di interrogare le pieghe più oscure della società contemporanea.

Come è è nata l’idea di realizzare un documentario che fa sostanzialmente una mappatura del noir in Italia? Come avete scelto gli scrittori?

Magliarisi: Il documentario nasce perché gli autori di programma di nome Itaca, della Direzione Contenuti Digitali e Transmediali Rai (alla quale rivolgiamo i nostri ringraziamenti per averci dato l’occasione di lavorare con grande libertà), ci hanno chiamato assegnandoci questo progetto, che inizialmente doveva essere uno ma poi sono diventati due uniti insieme. Ne abbiamo in realtà anche un terzo, dedicato alla fantascienza. L’obiettivo era quello di diversificare e dare un ritorno allo spettatore di quelli che sono i diversi noir all’interno di un unico paese. Siamo riusciti ad unire insieme autori che sono molto diversi tra loro, proprio per dare lo specchio della realtà.

Una cosa che salta subito all’occhio è appunto come il noir del nord abbia una sorta di suo codice a parte, mentre quelli del sud sembrano molto più legati alla criminalità di quei luoghi. 

Magliarisi: Sì, le atmosfere e i luoghi del documentario accennano questo aspetto. Al nord abbiamo girato prevalentemente in interni, mentre al sud gli intervistati sono sempre in luoghi aperti, in contatto con il contesto circostante. Abbiamo scelto di sottolineare così il legame con il territorio presente al sud e invece l’industrializzazione della criminalità del nord, che ha nel tempo cambiato forma e luoghi. È una malavita molto diversa infatti. Al sud i traffici avvengono, ad esempio, più per mare, mentre al nord ci sono altre tipologie di ambienti. Visto che il noir attinge dalla realtà, inevitabilmente va su quello. Lo spiega molto bene il pezzo di Massimo Carlotto, lui lo definisce perfettamente come “il noir rispetta il luogo”.

Alessandri: Il noir trova ovunque linfa vitale. Basta aprire un giornale e trovare imbattersi in notizie che molto spesso si trasformano in una risata o un meme, mentre invece avrebbero bisogno di una maggior riflessione. Ti porta a pensare come una serie di pensieri, di deviazioni arrivino alla realtà e il noir è lo strumento perfetto per analizzarli. Credo inoltre che oggi il noir abbia ancora di più il compito di guardare a tutto questo perché ci sono delle disuguaglianze sociali che sono enormi e più è così, più ci sono città che non si lasciano abitare e più ci sono città in cui la criminalità ha maggior modo di farsi sentire. Ed è sempre peggio, perché alcune città hanno iniziato sempre di più essere gentrificate, quindi se prima alcune zone di città grandi erano solo per gli studenti, poi sono diventate per la classe media, poi per i ricchi, poi per i superricchi e poi non ci rimane più nulla. Ed è da qui che probabilmente si creano queste situazioni che poi solo il noir può raccontare.

Chi è senza colpa recensione film
Orso Tosco in Chi è senza colpa

Ogni scrittore ha una sua definizione di noir. “Il noir è lo strumento e consente di indagare la città nelle sue pieghe più profonde“, “noir è il moderno romanzo sociale“, “noir è un modo per avere pietà le mie storie della mia terra, di me stesso“. Quale è invece la vostra definizione di noir?

Magliarisi: Ci piaceva proprio l’idea di aprire il documentario con questa serie di diverse definizione, per mostrare come ognuno viva il noir in modo unico e personale. Per quanto riguarda la mia definizione, dico “noir è un genere, non è un genere, è un non genere“.

Alessandri: Io invece rimando all’ultimo album de I cani, c’è una canzone che si intitola Buio (qui per ascoltarla). Ecco, quel brano racconta proprio, anche a livello di immagini, cosa potrebbe essere il noir, che parla della vita quotidiana, di come si spazzano i primi gradini della scala per lo scantinato ma giù in fondo non ci sei andato. Quindi per me quella è una buona definizione di noir.

Un tempo il noir sembrava un genere più legato al cinema, mentre oggi sembra essersi spostato verso la televisione (Il commissario Montalbano, Le indagini di Lolita Lobosco, Imma Tataranni Sostituto Procuratore). 

Il noir, nella sua ampiezza, raccoglie in sé molti altri geni. È un non-genere, come diceva Katiuscia. Forse per questo riesce a coprire cose più sociali e quindi trova nella televisione la sua massima espressione. Le serie dedicate al noir, o al true crime, sono numerosissime ed è un fenomeno

Quali strumenti ci sono oggi nella valigetta del noir? 

Alessandri: Per me, ci gli strumenti restano il prendere la realtà e renderla fruibile in una determinata forma. Noi siamo pieni di personaggi noir, appena tu sfogli un giornale, diventa noir anche in modo in cui vedono trattati oggi determinati temi, determinati casi. Il modo in cui in media li raccontano è noir all’ennesima potenza.

Da oggi al cinema Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto

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È arrivato oggi nelle sale italiane Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto, il nuovo film diretto da Josh Boone e tratto dal bestseller internazionale di Colleen Hoover, pubblicato in Italia da Sperling & Kupfer. Distribuito da Eagle Pictures, il film porta sul grande schermo una storia intensa, emotiva e capace di esplorare i legami familiari attraverso la lente del dolore, dei segreti e delle seconde possibilità.

Protagoniste sono Allison Williams (Get Out, M3GAN) nei panni di Morgan, una madre che ha dedicato ogni scelta della sua vita alla famiglia, e Mckenna Grace (The Handmaid’s Tale, Ghostbusters: Afterlife) nel ruolo della giovane Clara, divisa tra fragilità, rabbia e il desiderio di scoprire la verità sul proprio passato. Al loro fianco un cast corale che include Dave Franco, Mason Thames, Sam Morelos, Willa Fitzgerald, Scott Eastwood e Clancy Brown.

Un adattamento fedele al romanzo, tra emozioni e rivelazioni

La storia segue il rapporto complicato tra Morgan e Clara, sconvolto da un tragico incidente che fa emergere una verità rimasta nascosta troppo a lungo. Segreti di famiglia, scelte mancate e parole mai dette diventano il cuore di un racconto che indaga la perdita, la resilienza e il difficile tentativo di ricostruire un legame quando tutto sembra crollare.

Josh Boone torna al dramma dopo Colpa delle stelle, firmando un film che mette al centro personaggi imperfetti, dialoghi intimi e un linguaggio visivo attento alle sfumature emotive. Un racconto che parla alle diverse generazioni e che affronta temi universali con sincerità e delicatezza.

Il caso box office negli Stati Uniti

Prima del debutto italiano, Regretting You ha già fatto discutere per il suo sorprendente esordio al box office americano. Nel weekend d’apertura, il film ha infatti superato Springsteen: Deliver Me from Nowhere, confermando il potere del pubblico femminile e la crescente forza degli adattamenti letterari sui mercati internazionali.

Da oggi al cinema

Regretting You – Tutto quello che non ti ho detto è da oggi disponibile nelle sale italiane, pronto a conquistare chi ama le storie emotive, le relazioni familiari complesse e i racconti di rinascita.

Chi è senza colpa: recensione del documentario di Riccardo Alessandri – #NoirFest2025

Non poteva esserci contesto migliore del Noir in Festival 2025 per presentare in anteprima il documentario Chi è senza colpa, diretto da Riccardo Alessandri, ideato da Katiuscia Magliarisi, prodotto per Rai – Contenuti Digitali e Transmediali e narrato dallo scrittore Orso Tosco. Il film si propone infatti come una mappatura accurata dell’attuale panorama – letterario in primisi, ma di conseguenza anche audiovisivo – del genere noir. Partendo da Milano e giù fino a scendere in Sicilia (quest’anno omaggiata con la presenza di Andrea Camilleri sul poster ufficiale) si compie un vero e proprio viaggio non solo attraverso la definizione del noir, ma anche della sua evoluzione e dei percorsi che oggi propone.

La trama di Chi è senza colpa

Il film è un viaggio in due tempi nel noir italiano di oggi: il Nord annegato nelle nebbie e nel cemento. E il Sud, con quel sole bastardo che ti spiattella in faccia tutto, anche ciò che dovrebbe restare sepolto. Un’Italia fragile e tagliente come ossa rotte, messa a nudo da alcune tra le voci più potenti del noir contemporaneo italiano, da chi con le parole scava nelle vene di un Paese stanco di indossare sempre la stessa maschera. Un’immersione profonda nel cuore nero di Milano, Torino, Udine, Padova fino alla Sicilia di Sciascia, ultimo approdo solo in apparenza.

Italia terra di noir

L’Italia è da sempre un terreno fertile per il genere noir. Lo prova la sua lunga tradizione letteraria, che va da Augusto de Angelis negli anni ’30 passando per le sorelle Giussani autrici di Diabolik, fino ai casi più recenti come – tanto per citarne uno – il commissario Montalbano di Andrea Camilleri. Una tradizione poi consolidatasi anche nel cinema – in particolare tra gli anni ’70 e ’80 – e recentemente estesasi alla televisione, dove ha trovato nuova linfa. Ma il noir non è solo di storie con precisi elementi, è anche una modalità di affrontare il reale e ciò è ben spiegato nel documentario di Alessandri e Magliarisi.

Il film, citando Alessandri, “nasce dal desiderio di esplorare le radici e le declinazioni del noir nella letteratura italiana, ma anche di riflettere su ciò che lo genera: la società , la colpa, la marginalità , la violenza, l’umanità che si nasconde dietro i delitti e le ossessioni dei nostri tempi“. Si costruisce così un interessante racconto di come il genere si sia trasformato nel corso del tempo, andando di pari passo con i cambiamenti della società e i suoi protagonisti. I soggetti del nori sono infatti diversi rispetto ad un tempo e il noir continua ad essere un vincente mezzo per tentare di comprenderli.

Chi è senza colpa film
Una scena di Chi è senza colpa

Un documentario noir sul noir

Chi è senza colpa dà dunque vita alla sua personale indagine, intrecciando materiali d’archivio, interviste e osservazione del paesaggio, il quale diventa egli stesso un personaggio e assume una particolare predominanza mano mano che ci si sposta verso il sud. È infatti interessante notare come il noir qui si leghi inevitabilmente alla criminalità organizzata, con l’obiettivo di analizzarla, comprenderla, forse anche un po’ smitizzarla. Un racconto dunque molto lucido a riguardo, sostenuto dalla presenza di importanti scrittori del genere come Luca CroviMaurizio Blini, Mariolina Venezia e Gabriella Genisi, come anche dall’accurata scrittura in sé del progetto.

Una scrittura che permette di approcciarsi al noir rendendolo facilmente comprensibile ma senza mai banalizzarlo. Le tante definizioni che vengono date del genere, ad esempio, offrono una panoramica chiara di quanto nella tavolozza del noir possano ritrovarsi infinite sfumature. Ma Chi è senza colpa è anche un documentario bello da vedere, con idee di regia che non si limitano a raccontare il noir ma cercano anche di metterlo in scena, che sia con ombre, giochi di luce, inquadrature insolite. Così facendo, il film risulta un’opera tanto godibile quanto stimolante.

Chad Powers di Glen Powell e Michael Waldron rinnovata per una seconda stagione

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Hulu ha rinnovato Chad Powers (qui la nostra recensione), con Glen Powell, per una seconda stagione, come ha rivelato la piattaforma di streaming. Powell tornerà a interpretare il personaggio principale. La serie è basata sul segmento “Eli’s Places” di ESPN e Omaha Productions, in cui Eli Manning si è travestito con delle protesi per partecipare a un provino per la Penn State.

Nella prima stagione di Chad Powers, co-creata da Powell e Michael Waldron, autore di Loki, l’ex quarterback dell’Oregon caduto in disgrazia, Russ Holliday, interpretato da Powell, cerca di riscattarsi otto anni dopo aver rovinato la sua carriera nel football travestendosi da Chad Powers, un talentuoso eccentrico che si unisce ai South Georgia Catfish, in difficoltà.

Il finale della prima stagione si è concluso con un cliffhanger, con Chad e i Catfish scesi in campo per affrontare i Georgia Bulldogs e, per la prima volta, potrebbero vincere. Allo stesso tempo, le barriere si stanno stringendo attorno a Russ, mentre la sua identità segreta minaccia di rivelarsi da un momento all’altro.

Il lettore video sta riproducendo una pubblicità. La scena finale è stata girata durante una vera partita di football dei Georgia Bulldogs, e Waldron aveva precedentemente dichiarato a Deadline che intende continuare a cercare di incorporare il più possibile elementi di football autentico della SEC nelle stagioni future. Afferma inoltre che lui e Powell vogliono raccontare la storia “praticamente in tempo reale”, il che significa che è probabile che la seconda stagione riprenda subito dopo gli eventi della prima.

Chad Powers, che ha debuttato il 30 settembre, si è rapidamente piazzato al 34° posto nella classifica dei 50 migliori programmi in streaming di Luminate per quella settimana, con quasi 1,6 milioni di ore di visione per un solo episodio. La settimana successiva, è salito al 19° posto con 2,2 milioni di ore di visione in due episodi. È rimasto stabilmente nella classifica di Luminate per tutta la sua durata di sei episodi.

Oltre a Powell nei panni di Chad Powers e Russ Holliday, la prima stagione vede la partecipazione di Perry Mattfeld nel ruolo di Ricky, Quentin Plair in quello di Coach Byrd, Wynn Everett in quello di Tricia Yeager, Frankie A. Rodriguez in quello di Danny e Steve Zahn in quello di Coach Jake Hudson. La prima stagione, presentata in anteprima in autunno, è disponibile in streaming su Disney+.

Hirokazu Kore-eda ha realizzato il live action di Look Back

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Hirokazu Kore-eda (Un affare di famiglia) vincitore della Palma d’Oro è in fase di post-produzione per il primo adattamento live-action del manga Look Back di Tatsuki Fujimoto, la cui uscita è prevista per la fine del 2026.

La storia di formazione segue due ragazze che inseguono con passione il loro sogno di diventare mangaka. Pubblicato su Shonen Jump+ nel 2021, il manga ha suscitato grande interesse fin dalla sua uscita in Giappone, registrando 2,5 milioni di visualizzazioni il primo giorno e vendendo un totale di 900.000 copie. È stato successivamente pubblicato in 37 paesi in tutto il mondo e ha venduto oltre 750.000 copie a livello internazionale.

Look Back di Kore-eda Hirokazu è stato girato in sordina a Nikaho City ed è attualmente in fase di post-produzione. Daiju Koide sta producendo il film per K2 Pictures, che lo distribuirà anche in Giappone. Il film ha già ottenuto la distribuzione a Taiwan e in Corea del Sud. Goodfellas si occupa delle vendite internazionali al di fuori dell’Asia. Due teaser sono stati svelati di seguito.

Kore-eda ha dichiarato: “Durante un viaggio di ritorno da Kyoto a Tokyo, sono stato attratto dalla schiena di una figura sulla copertina di un libro in una libreria alla stazione di Shinagawa. Senza pensarci due volte, ne ho preso una copia: quello è stato il mio primo incontro con Look Back. Quella sera, l’ho letto tutto d’un fiato. Sebbene manga e film siano generi diversi, come autore, ho percepito la disperata determinazione dietro quest’opera. Ho potuto percepire, quasi dolorosamente, che il signor Fujimoto semplicemente non poteva andare avanti senza creare quest’opera. Per me, Nobody Knows è stato quel tipo di lavoro”.

Kore-eda ha ricevuto un’offerta dal produttore Daiju Koide per adattare Look Back in un film live-action e gli è stata data l’opportunità di incontrare l’autore originale. Fujimoto ha aggiunto: “Se il regista Kore-eda girerà Look Back, non ho altro da dire. Non vedo l’ora!”.

Fujimoto è noto per il suo stile unico e le sue singolari storie di vendetta come Fire Punch e Chainsaw Man, che hanno venduto oltre 34 milioni di copie in tutto il mondo. L’attuale adattamento animato Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc ha incassato 173 milioni di dollari al botteghino mondiale.

Nel 2024, Look Back è stato anche adattato in un film d’animazione per il cinema, diretto da Kiyotaka Oshiyama e prodotto da Studio Durian. Il film è stato un successo, mantenendo il primo posto al botteghino giapponese per due settimane consecutive e incassando oltre 12,8 milioni di dollari durante la sua programmazione nelle sale. È stato successivamente venduto in tutto il mondo a Prime Video per i diritti esclusivi di streaming.

L’acclamato regista giapponese Kore-eda ha anche un altro lungometraggio in lavorazione. Sheep In The Box, prodotto da Fuji Television Network, Gaga, Toho Co., Ltd. e Aoi Pro., uscirà all’inizio dell’estate 2026. Goodfellas si occuperà delle vendite al di fuori dell’Asia, mentre Gaga detiene i diritti per i territori asiatici.

Il giorno del Raymond Chandler Award a Mick Herron e l’Italia in concorso con Ferine

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Il giovedì del Noir in Festival si prepara ad accogliere uno dei momenti più attesi con la cerimonia del Raymond Chandler Award, che il festival assegna quest’anno a Mick Herron, protagonista assoluto della giornata.

Voce tra le più originali e acclamate della spy fiction contemporanea, creatore dell’universo narrativo di Slow Horses, saga bestseller pubblicata in Italia da Feltrinelli e divenuta un cult internazionale anche grazie alla fortunata trasposizione seriale targata Apple TV, e autore di Down Cemetery Road, da cui è tratta la nuova serie omonima ora in visione sempre su Apple TV, Mick Herron raccoglie l’eredità dei grandi maestri britannici del genere.

L’autore britannico sarà protagonista di un doppio appuntamento nella giornata di giovedì 4 dicembre: al mattino presso l’Auditorium dell’Università IULM riceverà il prestigioso Premio Chandler e incontrerà il pubblico insieme al prof. Fabio Vittorini (Iulm Università) e Adrian Wootton (CEO di Film London), per raccontare la sua opera e i nuovi codici della spy fiction contemporanea; mentre nel pomeriggio, a partire dalle ore 18.00 a Casa Manzoni, presenterà il suo Le regole di Londra (Feltrinelli), nuovo capitolo della serie dedicata all’antieroe Jackson Lamb, in dialogo con Matteo Persivale.

Ferine in Concorso

Grande attesa anche per il concorso internazionale con l’unico film italiano in competizione: Ferine, opera prima di Andrea Corsini con protagoniste Carolyn Bracken, Caroline Goodall e Paola Lavini (ore 21.00, Cineteca Milano Arlecchino). Ferine è una storia intensa ed emozionante sul conflitto tra la parte razionale e quella animale della nostra natura, e su come il trauma possa far emergere le ombre più profonde dell’animo umano. Il regista incontrerà il pubblico al termine della proiezione. In concorso anche Hell in Paradise della regista francese Leïla Sy (ore 21.00, Cineteca Milano Arlecchino), viaggio teso e visionario nei territori più oscuri della violenza per un thriller ricco d’azione con una straordinaria protagonista che si ritrova in una spirale di bugie e manipolazioni.

Ultime proiezioni per i film in lizza per il Premio Caligari, con Elisa di Leonardo Di Costanzo (ore 15.00, Iulm 6 – sala dei 146), thriller psicologico di grande successo presentato a Venezia, e L’isola degli idealisti di Elisabetta Sgarbi (ore 17.30, Iulm 6 – sala dei 146), tratto dal romanzo di Giorgio Scerbanenco.

Nel pomeriggio, a Casa Manzoni (ore 17.00), il Noir rende omaggio al Centenario di Andrea Camilleri presentando il volume di Luca Crovi Andrea Camilleri. Una storia (Salani) in dialogo con Antonio Franchini, introdotti da Mauro Novelli, per una riflessione sulla figura e sull’eredità dello scrittore siciliano, nume tutelare del festival.

A chiudere la giornata, un evento speciale della Cineteca Milano: la proiezione del cult The Devil in Miss Jones di Gerard Damiano, in programma alle ore 22.45.

The Terminal: la storia vera che ha ispirato il film di Steven Spielberg

Reduce dal doppio successo di Minority Report  e Prova a prendermi, Steven Spielberg dichiarò di voler realizzare un film capace di far ridere, commuovere e riconciliare il pubblico con il mondo. Da questa intenzione nacque The Terminal (qui la recensione), uscito nel 2004 e accolto calorosamente da critica e spettatori. Pur essendo una commedia leggera e piena di umanità, il film contiene molte delle riflessioni care al regista: la dignità del singolo, il valore della comunità, la capacità di resilienza di chi resta intrappolato tra le crepe dei sistemi istituzionali.

Al di là del suo tono da fiaba moderna, The Terminal venne letto anche come una metafora degli Stati Uniti post-11 settembre: un Paese scosso, diffidente, irrigidito sulle procedure e sulle paure. Spielberg affronta tutto questo con ironia e delicatezza, opponendo alla paranoia la solidarietà, alla chiusura lo spirito comunitario. Ma prima ancora di essere un discorso sul presente americano, il film è diventato celebre perché ispirato – seppur molto liberamente – a una storia vera: quella del rifugiato iraniano Mehran Karimi Nasseri.

La vicenda reale: chi era Mehran Karimi Nasseri

La storia vera alla base del film è tanto affascinante quanto complessa. Mehran Karimi Nasseri nacque in Iran nel 1945 e fin da giovane partecipò attivamente alle proteste contro lo Scià Mohammad Reza Pahlavi. Per sfuggire alla repressione politica, cercò asilo in diversi Paesi europei, senza successo, fino a ottenere finalmente nel 1981 lo status ufficiale di rifugiato dal governo belga.

Con i documenti in regola, Nasseri decise di trasferirsi nel Regno Unito, dove aveva studiato anni prima. Ma nel tentativo di rientrare nel Paese venne respinto: i suoi documenti, nel frattempo inviati all’Alto Commissariato delle Nazioni Unite per alcune verifiche, non erano disponibili. Senza la tessera di rifugiato non poteva provare la sua identità né rientrare legalmente. Da quel momento la sua vita divenne un paradosso burocratico: non poteva entrare in nessun Paese, e non poteva tornare indietro a recuperarli.

Nel 1988 Nasseri fu fermato al Terminal 1 dell’aeroporto Charles de Gaulle di Parigi, mentre tentava nuovamente di imbarcarsi per Londra. Era senza documenti validi e perciò le autorità francesi non potevano né lasciarlo entrare né espellerlo. Rimase così bloccato nell’area transiti in un vero e proprio limbo giuridico, senza alcuna possibilità di uscita. In quella zona sospesa del mondo trascorse quasi 18 anni, diventando una presenza familiare per il personale dell’aeroporto.

La situazione si sbloccò solo nel 1999, quando venne accompagnato in tribunale per recuperare i documenti. Ma Nasseri, inaspettatamente, sostenne che quei documenti non erano i suoi e dichiarò di chiamarsi “Sir Alfred Mehran”. La sua permanenza al De Gaulle proseguì così ancora per anni, fino al 2006, quando venne ricoverato in ospedale. Dopo varie vicissitudini, trascorse l’ultima parte della sua vita tra centri di accoglienza e ritorni occasionali all’aeroporto. È morto nel novembre 2022 per un infarto.

The Terminal e la storia vera: cosa riprende Spielberg (e cosa cambia)

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Nonostante il legame evidente, The Terminal non è una ricostruzione fedele della vicenda di Nasseri. Spielberg e gli sceneggiatori Sacha Gervasi e Jeff Nathanson utilizzano solo il nucleo dell’idea – un uomo bloccato in aeroporto per motivi burocratici – ma costruiscono intorno ad essa una storia completamente diversa per tono, messaggio e personaggi.

Viktor Navorski, interpretato da Tom Hanks, proviene da un Paese fittizio, la Krakozhia, e vive un’avventura intrisa di speranza, romanticismo, incontri positivi e piccole magie quotidiane. La vita di Nasseri, al contrario, fu molto più solitaria, frammentata e priva di elementi da commedia. Spielberg sceglie la via della fiaba, non dell’inchiesta, trasformando una vicenda drammatica in un racconto universale sulla gentilezza e l’appartenenza.

Il cast e l’interpretazione di Tom Hanks

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Ad accompagnare Hanks nel film troviamo Stanley Tucci nel ruolo dell’inflessibile responsabile della sicurezza Frank Dixon, Catherine Zeta-Jones nei panni della hostess Amelia Warren, e un cast corale composto da Diego Luna, Zoe Saldana, Kumar Pallana e altri interpreti che contribuiscono a creare il microcosmo umano dell’aeroporto JFK.

Hanks modellò la parlata del suo personaggio su un accento dell’Europa orientale, ispirandosi al proprio padrino bulgaro e lavorando sulla musicalità della lingua. La sua interpretazione, centrale nel successo del film, restituisce un protagonista pieno di dignità, tenerezza e resistenza silenziosa.

Storia vera vs film: le differenze principali

Nel film Nella realtà
Viktor è bloccato per un colpo di stato Nasseri è bloccato per un paradosso burocratico
La Krakozhia è un Paese inventato Nasseri è iraniano, con status di rifugiato
L’aeroporto è una “comunità” accogliente La vita di Nasseri fu molto più dura e isolata
Tono da fiaba moderna Tono reale: solitudine, confusione, precarietà
Finale ottimista Nessuna chiusura narrativa: solo precarietà

Perché Spielberg ha scelto proprio questa storia

Spielberg utilizza la vicenda di Nasseri come punto di partenza per parlare di temi universali: l’identità, la gentilezza, la comunità, l’esperienza di essere “fuori posto”. In un periodo storico segnato da paura e diffidenza, The Terminal offre una risposta umanistica e luminosa, costruendo una storia che parla meno di burocrazia e più di possibilità.

Fonte: IMDb

The Terminal: la spiegazione del finale del film di Steven Spielberg

Il finale di The Terminal è uno dei momenti più emotivi e simbolici dell’intero film, perché completa l’arco narrativo di Viktor Navorski trasformando la sua lunga permanenza forzata nell’aeroporto JFK in un percorso di identità, dignità e compimento personale. Steven Spielberg costruisce un epilogo che mescola realismo e fiaba, chiudendo la storia con una nota ottimista ma non priva di malinconia, coerente con il tono agrodolce del racconto.

Il vero significato del viaggio di Viktor: dalla sospensione alla realizzazione

Per tutto il film, Viktor vive in un limbo: non può entrare negli Stati Uniti né tornare nel suo Paese, bloccato da una situazione politica che lo rende “non appartenente” a nessun luogo. Questa condizione lo trasforma in un uomo invisibile, sospeso tra corridoi e gate, destinato a esistere in una terra di mezzo dove le regole funzionano a metà e dove l’identità personale sembra annullarsi.

Nel finale, però, la situazione si ribalta: Viktor riesce finalmente a ottenere il permesso di entrare a New York e completare il viaggio che il padre non aveva mai potuto portare a termine. L’obiettivo della sua missione — farsi autografare l’ultimo nome nella collezione di firme dei grandi jazzisti — assume un valore simbolico profondo: è un atto d’amore filiale, ma anche la dimostrazione che, nonostante un sistema burocratico assurdo, l’individuo può ancora affermare il proprio senso di appartenenza e identità.

L’atto finale: il taxi e la frase che chiude il cerchio

Catherine Zeta-Jones in The Terminal (2004)
© 2004 Dreamworks LLC.

Quando Viktor esce finalmente dall’aeroporto e prende un taxi, il film rafforza l’idea che il suo viaggio non fosse solo geografico ma soprattutto esistenziale. La scena conclusiva, con lui che si accomoda sul sedile e pronuncia la frase “I’m going home”, chiude un cerchio emotivo: non sta tornando fisicamente alla Krakozhia, ma sta ritrovando profondamente se stesso.

Quella frase rappresenta la conquista di un luogo simbolico: la “casa” diventa il compimento di una promessa, l’affermazione della sua libertà e la possibilità di recuperare un’identità che gli era stata negata.

Il ruolo delle autorità e il valore politico del finale

La decisione del direttore dell’aeroporto Dixon di lasciarlo andare — seppure controvoglia — è un momento chiave che riflette uno dei temi centrali del film: la tensione tra burocrazia impersonale e umanità individuale. Dixon rappresenta il sistema che si irrigidisce, che preferisce la regola al dialogo, che non vede l’uomo dietro il caso. Il suo cedimento finale non è un gesto di liberazione, ma quasi un’ammissione che il sistema non può vincere contro chi agisce con dignità e coerenza.

Spielberg, non a caso, costruisce qui una critica gentile ma visibile alla gestione dei confini, alla disumanizzazione dei rifugiati e alle contraddizioni dei sistemi di controllo post-11 settembre.

Amelia e Viktor: un finale volutamente irrisolto

La relazione tra Viktor e Amelia non trova una risoluzione romantica piena, e questa scelta è deliberata. Spielberg sceglie un finale realistico, in equilibrio tra speranza e rinuncia: Amelia rimane una presenza importante nel cammino di Viktor, ma non è il suo punto d’arrivo. L’amore, nel film, non è l’obiettivo del viaggio — è un frammento di umanità che lo accompagna. La separazione finale sottolinea che Viktor doveva completare un percorso personale, non necessariamente trovare una relazione sentimentale.

Perché The Terminal si conclude con un tono fiabesco

Nonostante la storia reale che ha ispirato il film sia più dura e complessa, Spielberg sceglie un finale improntato alla favola moderna. Viktor non sconfigge il sistema: semplicemente riesce ad attraversarlo senza perdere la sua gentilezza, la sua integrità e la sua missione. Il finale del film suggerisce che la dignità personale può essere resistente quanto la più rigida burocrazia.

L’uscita dall’aeroporto, quindi, non è solo una liberazione fisica: è la conquista di un posto nel mondo, ottenuta non tramite forza o inganno, ma attraverso umanità, pazienza e determinazione.

Noir in Festival 2025: i vincitori del premio Giorgio Scerbanenco

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La Giuria Letteraria del Noir in Festival, composta da Cecilia Scerbanenco (Presidente), Valerio Calzolaio, Maria Teresa Carbone, Liborio Conca, Luca Crovi, Isabella Fava, Cecilia Lavopa, Sergio Pent, Alessandra Tedesco, Sebastiano Triulzi e John Vignola, insieme ai cinque giurati del Circolo dei Lettori di Milano (Bianca Battagion, Serena Caprara, Eugenio Gaslini, Christian Hill e Chiara Mariani) ha vagliato i candidati finalisti:

Barbara BaraldiGli omicidi dei tarocchi, Giunti
Giorgia LeporeForse è così che si diventa uomini, Edizioni E/O
Davide LongoLa donna della mansarda, Einaudi
Alessandro RobecchiIl tallone da killer, Sellerio
Mirko ZilahyLa stanza delle ombre, Mondadori

e ha assegnato il Premio Giorgio Scerbanenco 2025 ex aequo a:

Forse è così che si diventa uomini
di Giorgia Lepore (Edizioni E/O)
e

La donna della mansarda
di Davide Longo (Einaudi)

con la seguente motivazione:

“per affiancare due qualità di scrittura e di narrazione che affrontano tematiche sociali come la violenza sui minori, il disagio e la follia, ideando investigatori seriali non convenzionali, che riescono a risolvere i casi nonostante i traumi subiti nella loro vita personale.

In Forse è così che si diventa uomini di Giorgia Lepore, spicca la ricerca introspettiva del protagonista, che gli permette di avere una sensibilità speciale sia per le vittime che per i colpevoli.

In La donna della mansarda di Davide Longo sono lo humor nero e la cifra stilistica del narratore a colpire i lettori.

Due opere singolari che proseguono il lavoro d’indagine dei due autori all’interno dei percorsi del noir italiano”.

Omen – L’origine del presagio: la spiegazione del finale del film

Omen – L’origine del presagio (qui la recensione) è l’ultimo sequel di una longeva saga horror, che segue l’esempio di altre serie come Halloween o L’esorcista, che hanno ricevuto rivisitazioni e ampliamenti moderni. Diretto da Arkasha Stevenson, il film del 2024 è direttamente collegato alla serie e funge da prequel dell’originale The Omen. Il finale, inoltre, conduce direttamente agli eventi del primo film della serie e funge da spiegazione inaspettata dei genitori naturali di Damien Thorn.

Nel farlo, Omen – L’origine del presagio apporta silenziosamente molte modifiche alla tradizione stabilita nel film originale del 1976. Ciò include il retconning della madre di Damien e delle circostanze della sua nascita, oltre all’introduzione di una nuova svolta sotto forma di una sorella gemella. Il film rivela anche gradualmente il sorprendente gruppo che sta dietro agli eventi della serie e il motivo per cui hanno lavorato per creare l’Anticristo. Ecco allora i colpi di scena più importanti nel finale di Omen – L’origine del presagio e come hanno preparato il terreno per ulteriori sequel nella serie.

Margaret dà alla luce Damien (e sua sorella) nel finale

Il finale di Omen – L’origine del presagio rivela che Margaret è sempre stata la madre designata dell’Anticristo, portando al culmine del film in cui dà alla luce Damien e sua sorella gemella. Per gran parte del film, Margaret e padre Brennan lavorano partendo dal presupposto che Carlita sia destinata a diventare la madre dell’Anticristo. Margaret che vede il Marchio della Bestia sul palato sembra confermare questa teoria. Tuttavia, le loro indagini rivelano che Margaret è una figlia di Satana ed è il vero obiettivo del piano per dare alla luce l’Anticristo.

Cosa ha detto Nell Tiger Free sul finale e sul futuro di Margaret

Le rivelazioni che arrivano alla fine di Omen – L’origine del presagio mettono in discussione l’intera vita di Margaret (e gran parte della trama del film), comprese le visioni che ha avuto da bambina e l’affetto di lunga data del cardinale Lawrence per lei. Margaret finisce per partorire piuttosto improvvisamente nel film, dando alla luce due gemelli. Il maschio viene annunciato come l’Anticristo, poiché i precedenti tentativi di generarlo erano tutti falliti. Alla fine, la cospirazione porta via il neonato Damien e lascia morire Margaret ferita e la sua bambina. Questo spiega perché non sono mai stati menzionati nel film originale.

Penso che quello che hanno fatto alla fine sia molto intelligente, con il colpo di scena finale, e credo che apra la porta a molte altre possibilità per la storia, come ad esempio dove potrebbero andare queste altre due persone e la loro storia potrebbe essere parallela agli eventi di The Omen”, ha detto l’attrice Nell Tiger Free. Tuttavia, il loro destino non è ancora segnato. Sia Margaret che sua figlia sopravvivono alla fine del film, nascondendosi dal resto del mondo. Durante un’intervista con Radio Times, Tiger Free ha rivelato che le piacerebbe tornare a interpretare il personaggio in storie future, in cui si esplora ciò che è successo a Margaret e sua figlia durante gli eventi dei film originali.

Omen - L'Origine del Presagio

Chi ha messo incinta Margaret?

Prima di assumersi le responsabilità previste come suora, Margaret viene portata fuori dalla sua presunta amica Luz per una serata in città. Mentre è fuori, flirta con un uomo di nome Paolo e beve troppo, finendo per svenire e dimenticare gran parte della serata. Inizialmente, Luz minimizza l’evento e convince Margaret che è stata solo una serata divertente. In realtà, Paolo e Luz facevano parte della cospirazione per mettere incinta Margaret con l’Anticristo e hanno fatto la loro parte nell’attirare Margaret nella cospirazione.

Dopo essersi ubriacata mentre era fuori con Luz e Paolo in discoteca, Margaret è stata catturata dalla cospirazione e messa incinta con la forza da un demone dall’aspetto di uno sciacallo. Questo demone si rivela in seguito essere anche il padre di Margaret, rendendola capace di portare a termine la gravidanza dell’Anticristo. Questo finisce per essere il vero scopo della cospirazione nascosta all’interno di una sottosezione della Chiesa cattolica che, come viene rivelato alla fine di The First Omen, ha manipolato Margaret fin dall’inizio.

Il passato di Margaret e il ruolo della Chiesa nella creazione dell’Anticristo

Come Carlita e i suoi figli, Margaret è nata il 6 giugno alle 6:00 del mattino, data considerata nell’universo narrativo della serie The Omen come un segno del diavolo. Il primo Omen rivela che il diavolo aveva tentato di generare un erede mortale, ma continuava a fallire nel produrre l’Anticristo. Invece, l’idea divenne quella di costringere uno degli altri figli del diavolo, come Margaret o Carlita, ad accoppiarsi con il diavolo, che avrebbe poi potuto generare l’Anticristo. È una svolta oscura e terrificante degli eventi e spiega molto del misterioso passato di Margaret come orfana cresciuta dalla Chiesa.

Uno dei colpi di scena più grandi nel finale di Omen – L’origine del presagio è la motivazione dietro la nascita di Damien. Si scopre che esiste una fazione segreta della Chiesa cattolica che, temendo il proprio potere in declino nel mondo, decide di aiutare Satana nella sua missione. La loro intenzione è quella di organizzare l’ascesa dell’Anticristo come mezzo per terrorizzare il pubblico, che potrebbe poi spingerlo a tornare alla Chiesa. Suor Silvia, Luz Valez e il cardinale Lawrence fanno tutti parte di questa cospirazione. È una svolta terrificante, con i loro piani vanificati dagli altri film della serie.

Omen - L'Origine del Presagio

Come il finale di Omen – L’origine del presagio si collega al film originale

Omen – L’origine del presagio è un prequel diretto degli eventi di The Omen, che funge da storia delle origini di come Damien è stato concepito e nato. Questo collegamento con il classico horror del 1976 è rafforzato nelle scene finali del nuovo film. Dopo aver lasciato Margaret e sua figlia a morire in un incendio che serve anche a coprire le loro tracce, la cospirazione segreta dietro la nascita di Damien porta rapidamente il bambino in un ospedale vicino. Lì, organizzano di darlo alla famiglia Thorn dopo che un “tragico incidente” ha causato la morte del loro figlio neonato.

Lungo il percorso, esaminano una cartella contenente informazioni sulla famiglia Thorn. Questo permette al pubblico di dare una rapida occhiata a una foto di Robert Thorn, un ambasciatore che intendono usare come mezzo per dare a Damien una vita privilegiata e potente. Robert è stato interpretato da Gregory Peck in The Omen ed è stato il protagonista centrale del film. In particolare, Robert e Margaret condividono una caduta tematica nel finale di Omen – L’origine del presagio, poiché entrambi hanno una breve possibilità di uccidere Damien nei rispettivi climax, ma non riescono a farlo prima di essere sconfitti.

Come The First Omen stravolge l’origine di Damien

Sebbene Omen – L’origine del presagio finisca con un collegamento diretto a The Omen, stravolge anche deliberatamente la tradizione della serie. La nascita di Damien è mostrata in questo nuovo film. Rapidamente ingravidata dal diavolo e giunta a termine in modo innaturalmente rapido, Margaret viene sottoposta a un’operazione di taglio cesareo che porta alla nascita di Damien. In The Omen, invece, era stato suggerito che la madre di Damien fosse in realtà uno sciacallo. Questo ha portato a una delle rivelazioni più terrificanti del film originale, in cui Robert e il suo alleato Keith hanno scoperto lo scheletro dello sciacallo (insieme allo scheletro del vero figlio di Robert, ucciso per fare spazio a Damien).

La presenza di Margaret mette in discussione tutto ciò, anche se la sua fuga dalla chiesa in fiamme alla fine del film insieme a Carlita include l’immagine di uno sciacallo in fiamme che urla tra le fiamme. C’è anche l’esistenza della figlia di Margaret e della sorella gemella di Damien. Nei film originali di The Omen, non c’era alcuna indicazione che Damien avesse legami di sangue. La sorella di Damien potrebbe teoricamente possedere poteri simili a quelli del fratello, o potrebbe persino essere una sorta di contraltare a Damien. È un’idea interessante che potrebbe giustificare un’ulteriore espansione del franchise.

Il finale di Omen – L’origine del presagio prepara il terreno per un sequel

I momenti finali di Omen – L’origine del presagio preparano il terreno per una potenziale espansione del franchise. Sebbene Margaret sia ferita e lasciata morire dalla cospirazione per dare alla luce l’Anticristo, lei e sua figlia vengono salvate dall’intervento di Carlita. Insieme, le due si nascondono. I momenti finali si svolgono anni dopo, probabilmente nello stesso arco di tempo della trama di The Omen, data l’età della figlia di Margaret. Padre Brennan riesce a localizzarle e avverte Margeret che la sua sopravvivenza è stata scoperta dalla cospirazione.

Brennan prevede che presto verranno a cercarle, preparando il terreno per un potenziale seguito in cui Margaret, Carlita e la figlia di Margaret sono costrette a fuggire. Questo potrebbe essere un interessante spunto da esplorare in altri film, magari approfondendo le capacità soprannaturali della figlia di Margaret. Damien, in The Omen e nei sequel successivi, dimostra di possedere poteri demoniaci unici. Sarebbe anche interessante approfondire la cospirazione all’interno della Chiesa cattolica, esplorando fino a dove si estende la loro influenza e come sono andati a finire i loro sforzi per controllare Damien negli anni successivi.

Il vero significato del finale di Omen – L’origine del presagio

Omen – L’origine del presagio è in definitiva una tragica storia horror, in cui i cattivi dietro al complotto ottengono tutto ciò che desideravano. Il tema centrale del film è l’orrore crescente di Margaret di fronte alle misure estreme che istituzioni come la Chiesa sono disposte a prendere per mantenere il potere. All’inizio del film, il cardinale Lawrence esprime la sua frustrazione per il fatto che le giovani generazioni si allontanano dalla Chiesa, cosa che in seguito si rivela essere un aspetto centrale della sua motivazione ad aiutare la nascita dell’Anticristo. Margaret è stata costretta a entrare nel loro sistema e condizionata in modo tale da renderla un bersaglio perfetto per la loro cospirazione.

È solo quando Margaret inizia a ribellarsi e a pensare con la propria testa che mette in pericolo i loro piani e riesce a lottare per se stessa. Anche se è troppo tardi per fermarli, gli sforzi di Margaret per liberarsi dal loro controllo finiscono per aiutare Carlita a trovare una ragione per resistere all’influenza della Chiesa corrotta e, a sua volta, a salvare Margaret nel momento culminante del film. Sebbene Omen – L’origine del presagio possa concludersi con una nota cupa, il rifiuto di Margaret e Carlita di cedere all’autorità offre ai personaggi un futuro più luminoso in cui possono godere di libertà e felicità (almeno fino a quando quell’autorità non riuscirà a dar loro la caccia).

HBO Max arriva in Italia il 13 gennaio 2026

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HBO Max, il servizio streaming globale di Warner Bros. Discovery, sbarca in Italia il 13 gennaio 2026.  Già disponibile in oltre 100 Paesi, HBO Max ha un’offerta unica che spazia tra le più celebri serie al mondo, film campioni d’incassi, storie straordinarie tratte dalla realtà e sport in diretta. Per la prima volta, il pubblico italiano potrà accedere ai contenuti di HBO, Warner Bros. Pictures, Warner Bros. Television, DC Universe, Max Originals, Eurosport e molto altro tutto in un’unica piattaforma, tramite l’app HBO Max.

LE SERIE E I FILM PIÙ ATTESI*

Tra i titoli più attesi a livello globale, la serie HBO Original A Knight of the Seven Kingdoms, il nuovo epico capitolo dell’universo di Game of Thrones e la seconda stagione di The Pitt, il medical drama Max Original trionfatore agli Emmy Awards. HBO Max è la casa di tutte le serie più acclamate degli ultimi anni: House of The Dragon, The Last of Us, The White Lotus, Euphoria, IT: Welcome to Derry, fino ad arrivare a Industry, disponibile in Italia per la prima volta in assoluto.

Gli appassionati di cinema potranno godersi Superman, The Batman e Dune, riscoprire la magia dei film di Harry Potter e attendere l’arrivo degli ultimi successi al box office, Weapons e The Conjuring: Il rito finale. Centinaia di film, con i più amati protagonisti del cinema, sempre disponibili in qualsiasi momento.

L’offerta include intrattenimento per ogni gusto: dalle serie iconiche come Friends e The Big Bang Theory, ai titoli d’animazione cult come Rick and Morty, fino a documentari d’autore e produzioni unscripted imperdibili.

LE PRODUZIONI ORIGINALI LOCALI

Il lancio di HBO Max in Italia porterà con sé un ricco ventaglio di contenuti HBO Originals italiani, a partire da Portobello, la nuova serie di Marco Bellocchio con Fabrizio Gifuni, presentata fuori concorso alla 82esima Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, che debutterà il 20 febbraio. La serie narra la storia vera di Enzo Tortora, il celebre conduttore televisivo ingiustamente accusato di legami con la mafia negli anni ’80.
Al centro della serie, il caos mediatico, la giustizia che deraglia e la battaglia di un uomo per riprendersi la propria dignità.

Già in lavorazione c’è anche la serie sul caso di Melania Rea, con Maria Esposito, che ripercorre lo sconvolgente femminicidio del 2011, mettendo in luce le fratture di una famiglia, di una comunità e del sistema giudiziario italiano sotto l’incessante pressione dei media.

All’orizzonte si profilano anche avvincenti docuserie. Tra queste, Gina Lollobrigida: Diva Contesa, il resoconto della battaglia per l’eredità di un’icona del cinema e di un intenso melodramma familiare. E Saman, la straziante lotta per la libertà di una giovane donna pachistana assassinata dal suo stesso clan familiare per aver rifiutato un matrimonio combinato.

Al momento del lancio, HBO Max in Italia presenterà in esclusiva Nonostante, il nuovo film diretto e interpretato da Valerio Mastandrea, scelto per aprire la sezione Orizzonti dell’81esima Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, e, da febbraio, Squali, il potente debutto cinematografico di Daniele Barbiero con Lorenzo Zurzolo e James Franco, presentato alla 20esima Festa del Cinema di Roma.

COPERTURA SPORTIVA DA NON PERDERE

Gli appassionati di sport potranno seguire in diretta tutte le competizioni dei Giochi Olimpici Invernali di Milano Cortina 2026 (6-22 febbraio 2026), che saranno disponibili integralmente per tutti gli abbonati, indipendentemente dal piano scelto. I Giochi Olimpici saranno disponibili sulla piattaforma, affiancati da una copertura locale con programmi, interviste, collegamenti da Casa Italia a Milano e Cortina e da tutte le principali venue.

Per un’esperienza sportiva definitiva lungo tutto l’anno, gli abbonati potranno integrare la propria offerta con il pacchetto Sport per veder tutti i contenuti Eurosport.  Tra questi, spiccano i primi due tornei del Grande Slam di tennis (Australian Open e Roland-Garros) – che vedranno Jannik Sinner difendere il titolo a Melbourne e cercare il riscatto a Parigi – oltre 300 giorni di ciclismo con i tre Grandi Giri e le Classiche, gli sport invernali, con i Mondiali e la Coppa del mondo, la FA Cup di calcio, la UFC, l’atletica, i motorsport e molto altro.**

UN’ESPERIENZA DI INTRATTENIMENTO SENZA PRECEDENTI

JB Perrette, CEO e President of Global Streaming and Games di Warner Bros. Discovery, ha dichiarato: “Siamo entusiasti di portare HBO Max e le sue storie indimenticabili in nuovi Paesi europei a partire da gennaio. Con una delle line-up più forti di sempre con serie americane e locali targate HBO, i grandi successi cinematografici locali e internazionali e i Giochi Olimpici invernali, questo è il momento perfetto per rendere disponibile HBO Max a tutti gli spettatori. Non è mai stato così semplice accedere alle serie del momento, ai film di successo, all’imperdibile sport in diretta e alle straordinarie storie di real-life”.

PIANI FLESSIBILI PER OGNI TIPO DI SPETTATORE

HBO Max offre tre piani mensili base pensati per adattarsi a ogni esigenza***:

  • Base con pubblicità: visione su 2 dispositivi in Full HD.

Euro 5,99/mese

  • Standard: visione su 2 dispositivi in Full HD, con 30 download (con limitazioni).

Euro 11,99/mese

  • Premium: visione su 4 dispositivi in 4K Ultra HD con Dolby Atmos (dove disponibile) e 100 download (con limitazioni).

Euro 16,99/mese

  • Pacchetto aggiuntivo Sport: aggiungibile a qualsiasi piano. Il pacchetto include contenuti con pubblicità. La visione in contemporanea è limitata a due device.

Euro 3/mese

Per maggiori informazioni e per abbonarsi, visita www.hbomax.com o registrati tramite Apple App Store, Google Play Store, e altre piattaforme****. HBO Max sarà disponibile per la pre-registrazione su App Store e Google Play a partire da inizio gennaio.

GUARDA I CONTENUTI COME PREFERISCI

HBO Max è disponibile su TV selezionate, set-top box, dispositivi di streaming, smartphone e tablet, console da gioco, online su www.hbomax.com e tramite partner di distribuzione TV che verranno annunciati in seguito.

Gli abbonati possono creare fino a cinque profili personalizzati, ricevere consigli su misura e usufruire di funzionalità come Continua a guardare e, a seconda del piano scelto, dei download per la visione offline. Le famiglie possono configurare profili dedicati ai bambini con contenuti adatti all’età e parental control.

ESPANSIONE GLOBALE DI HBO Max

Sempre il 13 gennaio 2026, HBO Max debutterà anche in Germania, Austria, Svizzera, Lussemburgo e Liechtenstein, ampliando in modo significativo la presenza del brand in Europa e raggiungendo alcuni tra i mercati più rilevanti.

Lanciato per la prima volta negli Stati Uniti nel 2020, HBO Max si è progressivamente espanso in America Latina, Europa, Asia Centrale e nella regione Asia-Pacifico. Il servizio debutterà nel Regno Unito e in Irlanda all’inizio del 2026, completando così la sua presenza nel mercato europeo. Nel terzo trimestre del 2025, Warner Bros. Discovery ha registrato 128 milioni di abbonati ai propri servizi di streaming.

Finché morte non ci separi 2: trailer dell’annunciato sequel di Finché morte non ci separi

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Guarda il trailer di Finché morte non ci separi 2 di Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, in arrivo prossimamente nelle sale italiane.

Poco dopo essere sopravvissuta ad un attacco senza esclusione di colpi da parte della famiglia Le Domas, Grace (Samara Weaving) scopre di aver raggiunto il livello successivo di questo gioco da incubo, questa volta con al suo fianco la sorella Faith (Kathryn Newton) con cui non aveva più rapporti. Grace ha una sola possibilità per sopravvivere, per salvare la vita della sorella e rivendicare il Posto D’Onore del Consiglio che controlla il mondo. Quattro famiglie rivali le stanno dando la caccia per il trono, e chi vincerà governerà su tutto.

Samara Weaving (Finché morte non ci separiTre manifesti a Ebbing, Missouri) riprende il ruolo di “Grace” nel sequel Finché morte non ci separi 2 dei registi Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett (Finché morte non ci separiScream VIAbigail e il prossimo capitolo del franchise de La Mummia). Si uniscono alla serie Kathryn Newton (Ant-Man and the Wasp: QuantumaniaAbigailBig Little Lies), Sarah Michelle Gellar (Cruel Intentions – Prima regola non innamorarsiSo cosa hai fattoBuffy l’Ammazzavampiri), Shawn Hatosy (The Pitt) ed Elijah Wood (The Monkey). Néstor Carbonell (Il cavaliere oscuro), Kevin Durand (Abigail) e David Cronenberg (La mosca) completano il cast. Guy Busick (AbigailScream) e R. Christopher Murphy (Castle Rock) tornano a scrivere la sceneggiatura, insieme ai produttori Tripp Vinson (Fountain of Youth, Murder Mystery), James Vanderbilt (Zodiac, Fountain of Youth), Bradley J. Fischer (Transformers) e William Sherak (Abigail, Scream).

Playing Gracie Darling, la spiegazione del finale

Playing Gracie Darling di Paramount+ racconta una storia avvincente ricca di mistero e soprannaturale ambientata in una piccola città. La serie è incentrata su Joni, una psicologa infantile che si è trasferita dalla sua città natale dopo la tragica scomparsa della sua migliore amica, Gracie Darling. Da allora, l’adolescente scomparsa è diventata parte del folklore della città, con i bambini che hanno inventato un gioco che consiste nell’evocare lo spirito della ragazza scomparsa. Joni viene a conoscenza di questo gioco quando torna in città, proprio mentre la famiglia Darling affronta un’altra tragedia: la scomparsa del giovane Frankie Darling. Di conseguenza, mentre la psicologa approfondisce il caso insieme al suo amico d’infanzia Jay, ora poliziotto nella stessa città, deve fare i conti con i segreti e i misteri del proprio passato. A un certo punto, mentre la scomparsa di Frankie si intreccia con la morte di Gracie 27, le risposte ai due misteri si svelano in modi imprevedibili. SPOILER IN ARRIVO!

Cosa succede in Playing Gracie Darling

La prima tragedia colpisce la famiglia Darling nel 1997, quando la giovane Gracie scompare dopo una delle sedute spiritiche che lei e i suoi amici tengono nella baracca abbandonata nella foresta. All’indomani di quella notte disastrosa, Joni, la sua migliore amica, ha bisogno di un aiuto psicologico professionale prima di poter superare l’incidente. Anche così, finisce per trasferirsi dalla città con sua madre a causa del divorzio dei suoi genitori. Nella linea temporale contemporanea, è diventata lei stessa madre e psicologa infantile, abbandonando tutte le credenze spirituali della sua adolescenza. Tuttavia, il suo passato ritorna alla mente quando riceve una telefonata da Jay, uno dei suoi amici del liceo che partecipava alle sedute spiritiche insieme a lei e Gracie. A quanto pare, sua figlia Raffy ha recentemente provato a fare una seduta spiritica, che ha portato alla scomparsa di Frankie Darling. Per questo motivo, il poliziotto della piccola città vuole che il suo amico parli con sua figlia per assicurarsi che stia bene.

Questo costringe Joni a lasciare tutto e tornare nella sua città natale il giorno successivo. Anche se la sua conversazione con Raffy è poco produttiva, scopre che i ragazzi della città hanno iniziato a giocare a un gioco che prende il nome dalla sua ex migliore amica. Tuttavia, la cosa davvero preoccupante è che sembrano conoscere uno spirito di nome Levi. È lo stesso nome che Gracie e i suoi amici hanno incontrato durante le loro sedute con la tavola Ouija. Di conseguenza, Joni finisce per curiosare un po’ di più, tra i ragazzi del gruppo giovanile della città e la famiglia Darling, che sembrano avere sentimenti contrastanti nei suoi confronti a causa del suo complesso legame con Gracie. Ciononostante, Joni decide di restare e partecipa alla squadra di ricerca che viene inviata nel bosco alla ricerca di Frankie. Tuttavia, nel bosco, vede l’apparizione della sua migliore amica morta. Dopo aver inseguito lo spirito, la psicologa scopre accidentalmente un cadavere carbonizzato.

Inizialmente, la famiglia Darling rimane preoccupata che il corpo appartenga a Frankie. Pertanto, sono ancora più sorpresi e devastati nell’apprendere che in realtà si tratta del cadavere di Gracie. Di conseguenza, la permanenza di Joni in città si prolunga poiché i Darling decidono di organizzare un funerale per la sua migliore amica. Di conseguenza, sua madre finisce per portare le sue figlie, Lulu e Mina, in città. Questo porta a un’amicizia tra queste ultime e Raffy, che accende la curiosità di Mina sulla scomparsa di Frankie. Alla fine, mentre gli adolescenti della città organizzano una commemorazione con droghe e alcol facilmente reperibili, diversi ragazzi vivono un episodio di massa dopo aver giocato a Gracie Darling. Inizialmente, una volta esaminato il fenomeno, Joni sospetta che si tratti di un caso di delirio collettivo causato da recenti eventi traumatici, ulteriormente alimentato da uno degli adolescenti con deficit di attenzione. Questo provoca una frattura tra la madre e la figlia adolescente. Tuttavia, l’interesse di entrambe viene stuzzicato contemporaneamente, quando si imbattono in un possibile indizio.

A quanto pare, un tempo esisteva un certo Levi Darling, di cui la famiglia sembra essere estremamente riservata. Questa rivelazione porta la coppia madre-figlia a seguire due strade molto diverse. Mentre Mina si interessa a scoprire l’identità e la storia di Levi, Joni si ritrova a tornare alla baracca fatiscente con Jay. Crede che partecipare nuovamente a una seduta spiritica le farà riaffiorare i ricordi repressi di quella fatidica notte. Tuttavia, ciò che ricorda è ben lontano da ciò che si aspettava. A quanto pare, prima che le adolescenti conducessero la loro ultima seduta spiritica nel 1997, Joni e Gracie avevano avuto una forte lite che era diventata anche un po’ violenta. Quando la psicologa si rende conto di avere la collana della sua migliore amica, la stessa che indossava la notte in cui è scomparsa, le cose cominciano a quadrare nel modo più inimmaginabile possibile.

Come è morta Gracie? Il suo fantasma è reale?

Per molti versi, la morte di Gracie rimane al centro della narrazione, poiché ogni altro mistero ruota attorno ad essa. Nel 1997, l’adolescente scomparve dopo una seduta spiritica caotica in cui Joni e gli altri videro la loro amica posseduta da Levi, lo spirito con cui stavano conversando da tempo. All’indomani del terrificante incontro, gli altri, tra cui Joni, Jay e Anita, riuscirono a fuggire e a tornare in città. Tuttavia, Gracie non fu mai più vista. Dopo mesi di ricerche senza alcun risultato, si ipotizzò che la ragazza fosse caduta vittima di qualche assassino nei boschi. Inoltre, i suoi amici cominciarono a credere che le loro sedute con la tavola Ouija e l’esistenza di Levi fossero in realtà solo una manifestazione delle loro illusioni collettive. Così, tutti vanno avanti con la loro vita, o almeno ci provano.

Questo fino a quando la scomparsa di Jackie e il ritrovamento del cadavere di Gracie riportano il mistero al centro dell’attenzione. Le somiglianze tra i due casi – le sedute spiritiche, la baracca e la comparsa del nome Levi – suggeriscono che i due siano collegati. Tutto questo fa sì che Joni metta in discussione il suo scetticismo. Tuttavia, una volta che alcuni dei suoi ricordi repressi riaffiorano, è costretta a fare i conti con una verità molto più oscura. A quanto pare, tanti anni fa, prima dell’ultima seduta spiritica, aveva litigato con Gracie dopo aver iniziato a credere che la sua migliore amica avesse una relazione con Jay, la sua eterna cotta. Pertanto, sorge il sospetto che lei sia in qualche modo responsabile della morte dell’adolescente. Questa teoria si rafforza quando Anita le rivela che Jay si era presentato a casa sua con i vestiti sporchi di sangue dopo essere scomparso per alcune ore la notte della seduta spiritica. Tuttavia, la vera verità, come scopre Mina, è molto più minacciosa.

La notte della scomparsa di Gracie, quando lei inizia ad avere le convulsioni, i suoi amici si disperdono nel bosco. Tuttavia, Jay torna poco dopo alla ricerca dei suoi amici. In quel momento, Gracie, ancora posseduta, lo attacca. Mentre cerca di respingerla, finisce per sbattere accidentalmente la base del cranio della ragazza contro un oggetto pesante. In seguito, fugge dalla baracca in preda al panico. A sua insaputa, anche se il colpo fa sanguinare la ragazza, in realtà non la uccide. Infatti, una volta ripresasi, torna a casa. È lì che incontra suo nonno, James. In stato delirante ed esausto, inizia a tormentare suo nonno con domande su Levi, suo fratello, la cui morte era un grande segreto nella famiglia e in città. James, un uomo profondamente dispotico e violento, punisce Gracie per le sue azioni. Tuttavia, questa volta la sua punizione è molto più violenta e rabbiosa. Di conseguenza, mentre tortura sua nipote con il waterboarding, finisce per ucciderla.

Cosa è successo a Jackie? È morta?

Mina scopre la verità sulla morte di Gracie nel modo più duro quando si reca a casa dei Darling per fare alcune domande a James su Levi. Nel suo stato di demenza, finisce per scambiare l’adolescente per sua nipote, rivivendo la notte della morte di sua nipote con la figlia di Joni come sua nuova vittima. Fortunatamente, la madre riesce ad arrivare sul posto in tempo per salvare Mina dalle mani del miserabile aggressore. Diventa così evidente che Gracie non è stata uccisa da uno spirito maligno o da un assassino nel bosco, ma piuttosto da qualcuno a lei vicino, che ha approfittato degli strani eventi della notte per coprire il suo crimine. A sua volta, questa rivelazione rende la scomparsa di Jackie ancora più confusa. Finora, tutto aveva indicato che ci fosse una qualche connessione tra i due casi.

Pertanto, Jay si rende conto che, se questo deve ancora essere vero, la scomparsa di Jackie non è il risultato di una seduta spiritica, ma piuttosto dei problemi nella sua stessa casa. In precedenza, le autorità avevano scoperto lo zaino dell’adolescente e si era scoperto che Billy, il recluso della città, era responsabile di averlo gettato nella spazzatura. Non sorprende che, a quanto pare, lui abbia alcune risposte concrete sul destino della ragazza. A quanto pare, Jackie non era mai scomparsa. Era invece scappata di casa, usando la seduta spiritica e il caso di scomparsa della zia come copertura per depistare la città. Essendo una famiglia traumatizzata da generazioni, i Darling avevano molti segreti da custodire. Da Levi e la realtà della morte di Gracie alle apparenti relazioni tra Ruth e suo cugino Peter, che avevano portato alla nascita di Jackie, avevano molti segreti da custodire.

Proprio come Gracie, anche Jackie era stanca di questi segreti e voleva andare a fondo di tutto. Per lei, questo è iniziato con l’indagine sulla misteriosa scomparsa della zia morta. Anche se ci è voluto un po’ di tempo, l’adolescente ha presto capito che il suo bisnonno era responsabile della morte e che sua madre e suo zio gli nascondevano il segreto. Nello stesso periodo, scoprì anche che suo zio era in realtà il suo padre biologico e che Ruth e Peter avevano continuato la loro relazione incestuosa anche da adulti. Pertanto, non solo era disgustata dalla sua famiglia, ma era anche spaventata per la sua incolumità. Per lo stesso motivo, usò la seduta spiritica con Raffy come copertura per scappare, facendo credere a tutti che fosse scomparsa o peggio, mentre si nascondeva con l’aiuto di Billy.

Cosa succede a James? Perché Peter e Ruth hanno mantenuto il suo segreto?

In tutti questi anni, Jay e Joni hanno represso i loro veri ricordi della notte della scomparsa di Gracie. Questo perché entrambi avevano motivo di credere di aver contribuito a ferire la loro amica e forse anche alla sua morte. L’interazione di Jay con l’adolescente era stata molto più diretta, poiché lui aveva finito per ferirla per legittima difesa. D’altra parte, Joni credeva che la sua momentanea animosità verso la sua migliore amica si fosse manifestata in un desiderio profondo e oscuro. In quel momento, mentre Levi possedeva Gracie, l’altra ragazza non poteva fare a meno di incolpare un po’ se stessa per la terribile esperienza, poiché in parte desiderava che la sua amica non stesse bene. Per lo stesso motivo, dopo che la notte è passata, sia Joni che Jay reprimono questi ricordi a causa della paura, del trauma e della mancanza di comprensione. Tuttavia, il vero colpevole non ha fatto nulla di tutto ciò dopo aver ucciso la ragazza. James ha una lunga e variegata storia di punizioni inflitte alla sua famiglia, costringendola a pentirsi dei propri peccati in modi sempre più dannosi.

L’uomo anziano odiava la personalità ribelle di Gracie e odiava la sua tendenza a indagare su questioni familiari che lui voleva mantenere segrete. Per lo stesso motivo, finisce per uccidere la ragazza durante una punizione particolarmente brutale. Quando Ruth e Peter riescono a tirarlo via dalla ragazza, lei è già annegata. Tuttavia, invece di provare rimorso per le sue azioni, James passa immediatamente alla modalità di autoconservazione. Dopo aver mandato via Ruth, chiede l’aiuto di Peter per trascinare il corpo di Gracie nel bosco e bruciarlo. In seguito, i cugini mantengono il segreto del nonno a causa di un innato senso di paura e dell’abitudine all’obbedienza. Non avrebbero osato andare contro il patriarca e infangare il nome della famiglia, soprattutto quando avevano i propri segreti da mantenere. Tuttavia, tutto cambia quando Moira, la madre di Gracie, scopre la verità sulla morte della figlia. Moira sa che l’uomo colpevole difficilmente subirà conseguenze reali per le sue azioni, poiché la sua memoria ormai indebolita dall’età probabilmente non gli consentirà di affrontare un processo equo. Pertanto, finisce per farsi giustizia da sola e strangola l’uomo nel sonno.

Chi è Ivy? Perché Joni la vede nel suo giardino?

Una volta risolto il mistero della morte di Gracie, inflitta la punizione e Jackie tornata a casa, Joni inevitabilmente lascia la città, tornando in città con sua madre e le sue figlie. Nella sua casa, intravede un’apparizione di Ivy, una delle pazienti del reparto psichiatrico giovanile in cui lavora la psicologa. In precedenza, prima di visitare la sua città natale, Joni aveva avuto alcuni problemi con la ragazza. Ivy aveva tendenze suicide ed era quasi impossibile dissuaderla dai suoi tentativi. Infatti, il giorno in cui Joni ha ricevuto la fatidica telefonata da Jay, Ivy aveva cercato di pugnalarsi al collo. Pertanto, quando vede la ragazza nel suo giardino, la psicologa presume che sia scappata dall’istituto.

Tuttavia, Ivy scompare con la stessa rapidità con cui è apparsa, non appena Joni cerca di inseguirla. Le cose diventano ancora più confuse quando quest’ultima riceve una telefonata da Liam, uno dei suoi colleghi. A quanto pare, mentre Joni era assente, Ivy ha compiuto un altro tentativo di suicidio, e questa volta ci è riuscita. Ciò apre la forte possibilità che quando la psicologa vede l’apparizione di Ivy, in realtà stia vedendo il suo fantasma. Durante lo show, Joni ha delle visioni dello spirito di Gracie, per lo più nei sogni. Mentre questi episodi possono essere spiegati come un trauma residuo, non c’è una vera ragione per cui lei veda Ivy allo stesso modo, soprattutto perché non era nemmeno a conoscenza della morte della ragazza. Pertanto, rimane solo una spiegazione: Joni è in realtà una sensitiva che può vedere gli spiriti dei morti e dei defunti, probabilmente se avevano un forte legame con lei.

La baracca è davvero infestata? Chi è Levi?

La scena finale della serie solleva una serie di domande. Per gran parte della trama, Joni è alle prese con il soprannaturale e con una spiegazione logica della scomparsa delle ragazze Darling. Alla fine, sebbene emerga una spiegazione logica e non soprannaturale, il processo per arrivarci espone anche la psicologa a esperienze che confondono i confini tra realtà e superstizione. Quando Joni e Jay entrano nella baracca da adulti e tentano di tenere una seduta spiritica, sembra davvero che le loro azioni siano state guidate da un’interferenza spirituale. Allo stesso modo, Joni ha numerosi incontri con lo spirito di Gracie, compreso quello che ha portato alla scoperta del suo cadavere, che non può essere spiegato con nessun altro mezzo. Pertanto, la conclusione innegabile rimane: qualcosa di soprannaturale aleggia davvero intorno alla famiglia Darling.

Questo vale sia per la baracca infestata che per Levi, lo spirito che sembra infestarla. Levi era in realtà il fratello minore di James, morto in un tragico incendio nella baracca. Anche se la narrazione non lo chiarisce mai, si deduce che James abbia assistito alla morte del fratello senza muoversi per aiutarlo o salvargli la vita. Non viene mai rivelato se ciò sia stato il risultato di un’intenzione o di uno shock. In ogni caso, la morte di Levi era abbastanza confusa che i Darling decisero di insabbiarla, cancellandolo quasi completamente dalla memoria della città. Questo fino a quando Gracie non inizia a curiosare e scopre la sua esistenza. È possibile che sia lo stesso motivo per cui ha portato i suoi amici nella stessa baracca per la seduta spiritica. In definitiva, anche se Levi non è responsabile della morte di Gracie, sembra che lo spirito esista davvero e sia legato alla baracca.

Killing Eve – Stagione 4, la spiegazione del finale di serie

La storia di Eve Polastri (Sandra Oh) e Villanelle (Jodie Comer) ha raggiunto una conclusione tragica, poiché il finale di Killing Eve ha spiegato cosa è successo a tutti i suoi interessanti personaggi. Gli episodi finali della quarta stagione di Killing Eve hanno visto le tre protagoniste – Eve, Villanelle e Carolyn – perseguire il loro obiettivo di distruggere i Dodici. Eve e Villanelle sapevano che la loro destinazione finale era una riunione segreta dei Dodici a Londra. Mentre Eve ballava dopo aver officiato un matrimonio, Villanelle è scesa nelle viscere della nave e ha massacrato i Dodici (che il pubblico non ha mai visto).

Killing Eve è stato un fenomeno della cultura pop globale e la showrunner Laura Neal ha avuto il difficile compito di portare l’intera serie a una conclusione soddisfacente nella quarta stagione di Killing Eve. Dopo un inizio accidentato in cui Villanelle ha avuto visioni di se stessa come Gesù, la quarta stagione è la più forte in assoluto dopo la prima stagione, ampiamente lodata. Ma il finale di Killing Eve, sebbene significativo e logico nelle sue decisioni chiave, ha lasciato molti spettatori insoddisfatti. D’altra parte, Killing Eve è sempre stato un programma dirompente, mai pensato come televisione di intrattenimento, e il finale di Killing Eve lascia agli spettatori molto da elaborare.

Perché Carolyn ha ordinato la morte di Villanelle e come ha vinto

Villanelle muore alla fine della quarta stagione di Killing Eve, quando un assassino invisibile le spara più colpi dopo che lei ha ucciso tutti i membri dei Dodici. Anche dopo che Villanelle ed Eve si sono gettate nel Tamigi, il killer ha continuato a sparare, colpendo ripetutamente Villanelle. Lei muore alla fine della sua storia dopo aver finalmente (ma brevemente) vissuto un momento felice con Eve, la persona che ama. In un bellissimo richiamo visivo al suo battesimo, il sangue di Villanelle forma l’immagine delle ali di un angelo mentre il suo cadavere galleggia nell’acqua ed Eve nuota per raggiungerla.

Carolyn vede la possibilità di usare questo come biglietto per tornare all’MI6 e ordina l’omicidio di Villanelle.

Villanelle ed Eve incontrano Carolyn e Pam (Anjana Vasan) per l’ultima volta al pub dell’MI6 a Londra ed Eve rende chiare le sue intenzioni di uccidere i Dodici durante la loro riunione segreta. Carolyn vede la possibilità di usare questo come biglietto per tornare all’MI6 e ordina l’omicidio di Villanelle. L’eliminazione dei Dodici – e di tutti coloro che sono associati a loro, compresa Villanelle – è il passaggio di Carolyn per tornare all’MI6. Anche se Eve ha raggiunto il suo obiettivo di eliminare i Dodici, grazie a Villanelle, Carolyn manipola tutti e alla fine ne esce vincitrice.

La giornata perfetta di Villanelle ed Eve prepara il loro tragico finale

Dopo essere fuggite dall’isola scozzese di Gunn, Eve e Villanelle intraprendono un viaggio insieme a Londra che finalmente cristallizza la loro relazione. Eve confessa di voler “stare con” Villanelle e ottenere il suo aiuto per uccidere i Dodici.

Per Villanelle, è stato sufficiente come mea culpa per l’incontro di Eve con Hélène. Inoltre, quando Eve ha accecato Gunn, Villanelle ha capito che Eve era più simile a lei di quanto volesse ammettere. Lentamente, Villanelle ed Eve si avvicinano l’una all’altra. È esattamente ciò che Villanelle vuole da Eve: condividere le cose banali e quotidiane che la maggior parte delle persone trova noiose, ma che Villanelle trova “affascinanti perché sono Eve”.CorrelatiKilling Eve: perché Eve odia Villanelle nella stagione 4 (nonostante il finale della stagione 3)Dopo il finale agrodolce della stagione 3 tra Eve e Villanelle, ecco perché la stagione 4 di Killing Eve inizia con Eve arrabbiata con la bionda assassina russa.

Eve cede anche al suo desiderio di stare con Villanelle. Per la prima volta, si comportano come una coppia ed è perfetto. Tuttavia, questo è Killing Eve, e questi momenti felici sono offuscati da una minacciosa nube di disastri imminenti, che viene preannunciata quando Eve si fa leggere i tarocchi e riceve la carta della Morte.

Per il pubblico, che ha aspettato quattro stagioni per vedere Eve e Villanelle insieme, il loro viaggio on the road completa la loro relazione. La storia d’amore di Eve e Villanelle non ha avuto un lieto fine, ma sono state insieme nel modo in cui hanno sempre sperato, e avrebbe potuto funzionare nel loro modo unico e bizzarro.

Carolyn ha sempre saputo chi ha ucciso Kenny

Killing Eve non rivela mai chi ha ucciso Kenny Stowton (Sean Delaney) all’inizio della terza stagione, ma Carolyn ha sempre saputo chi è stato. Nessun altro sapeva con certezza chi avesse ucciso Kenny, ma probabilmente era stato preso di mira dai Dodici. Sfortunatamente, quando Konstantin ha detto a Kenny che era in pericolo, Kenny ha fatto un passo indietro, cadendo dal tetto dell’edificio Bitter Pill e morendo.

In un certo senso, Carolyn sa che la morte di Kenny è stata un incidente, ma usa il suo desiderio di scoprire chi “ha dato l’ordine” come motivazione per distruggere i Dodici. La vendetta è un motivo conveniente per dare la caccia ai Dodici.

Carolyn è sempre stata complice perché ha partecipato alla formazione dei Dodici nel 1979.

Come rivelato dal flashback della quarta stagione di Killing Eve, Carolyn è sempre stata complice perché ha partecipato alla formazione dei Dodici nel 1979. Da giovane spia, Carolyn (Imogen Daines) era legata alla leadership originale dei Dodici, anche se questi ultimi sono diventati un’entità diversa durante gli eventi di Killing Eve. Ma per Carolyn non esiste vita al di fuori dell’attività di spia, e la sua devozione al servizio segreto britannico costa a Martens la vita di suo figlio, che è morto, e l’allontanamento da sua figlia Geraldine. Martens deve tornare all’MI6 e usa Eve e Villanelle per distruggere i Dodici.

Perché anche Konstantin doveva morire (era giunto il momento)

Pam uccide Konstantin Vasiliev su ordine di Hélène, ma, in una commedia degli errori degna di nota, non ce n’è bisogno perché Hélène è già morta, cosa che Pam non sapeva quando ha ucciso la sua insegnante e figura paterna. Tuttavia, anche Konstantin era sorpreso di essere ancora vivo così avanti nella Killing Eve stagione 4. In verità, il supervisore di Villanelle aveva esaurito da tempo la sua utilità per i Dodici (e per la serie in generale). Tuttavia, il fatto che Vasiliev sia vissuto così a lungo è una testimonianza della popolarità di Konstantin e della performance sempre piacevole di Kim Bodnia.

Konstantin viene ucciso da un assassino dei Dodici da lui stesso addestrato, nonostante l’impressione persistente che sarebbe morto per mano di Villanelle. In un certo senso, Konstantin ha fatto il suo lavoro “correttamente” perché Pam alla fine rifiuta l’offerta di lavoro di Carolyn e la vita da assassina. Questo rompe il ciclo di reclutamento di ragazze giovani da parte dei Dodici. Purtroppo, Konstantin lascia la sua tormentata figlia Irina, che non sa che suo padre è morto nel finale di Killing Eve. Almeno Konstantin è riuscito a dire a Carolyn, tramite Pam, che l’amava. Hanno contribuito a fondare The Twelve come spie sotto copertura rivali.

Come Killing Eve ha dimostrato il titolo della serie

Nonostante Eve abbia ricevuto la carta dei tarocchi della Morte, Killing Eve alla fine ha soddisfatto il suo titolo criptico. “Killing Eve” non è mai stato inteso in senso letterale. Piuttosto, la serie ha sempre riguardato la morte metaforica di chi era Eve all’inizio della serie.

Eve era sposata e conduceva una vita monotona, ma dentro di lei c’era sempre stato “un mostro” che è stato liberato quando è diventata ossessionata da Villanelle. Killing Eve ha sempre riguardato la trasformazione di Eve nella persona che è veramente, che si completa finalmente quando balla al matrimonio mentre Villanelle uccide The Twelve.

È il battesimo di Eve che fa eco al battesimo di Villanelle all’inizio della stagione 4 di Killing Eve.

Perdere Villanelle per sempre nel Tamigi, all’ombra del Tower Bridge dove hanno deciso di separarsi alla fine della terza stagione di Killing Eve, è stato l’ultimo passo verso la “morte di Eve”. Quando Eve perde Villanelle e sale in superficie nel Tamigi per urlare di angoscia, è il battesimo di Eve che riecheggia quello di Villanelle all’inizio della quarta stagione di Killing Eve.

Non è chiaro cosa succederà a Eve in seguito, ma lei sopravvive alla serie, il che sembra corretto, anche se Villanelle incontra la sua fine. La crescita e la metamorfosi di Eve, con tutti i momenti bui e sordidi che ne derivano, sono il vero punto centrale di Killing Eve. La quarta stagione lo ribadisce con i flashback di Eve sui suoi vecchi amici come Elena e soprattutto il suo amato Bill, che Villanelle ha ucciso a Berlino. Eve è completamente cambiata dalla prima stagione di Killing Eve e il suo futuro è una questione che la serie lascia volutamente aperta all’interpretazione.

Ci sarà mai una quinta stagione di Killing Eve?

È in fase di sviluppo un prequel di Killing Eve su Carolyn e potrebbero esserci altri spin-off. Tuttavia, la serie principale Killing Eve è definitivamente terminata. I produttori e le protagoniste di Killing Eve, Sandra Oh e Jodie Comer, stanno abbandonando i loro ruoli iconici e non ci sono piani per una quinta stagione o per un film su Killing Eve. La morte di Villanelle preclude qualsiasi continuazione, poiché non esiste Killing Eve senza Eve e Villanelle al centro della trama.

Tuttavia, con così tanti film e serie TV che vengono riproposti e rivisitati, non è impensabile che Killing Eve possa tornare un giorno. Anche la morte di Villanelle potrebbe essere potenzialmente annullata, sopravvivendo miracolosamente ai colpi di pistola e all’annegamento.

Un lieto fine per Eve e Villanelle non era realisticamente possibile. Nonostante ciò che alcuni spettatori pensano dei momenti finali della quarta stagione di Killing Eve, è stata la migliore stagione complessiva della serie dopo la prima. Vale la pena assaporare il viaggio imprevedibile e affascinante che Eve e Villanelle ci hanno fatto compiere fino alla fine.

Come è stato accolto il finale di Killing Eve

Il finale di Killing Eve sarebbe stato comunque difficile da vendere. Per quattro stagioni, Eve e Villanelle hanno inseguito la loro relazione “lo faranno o non lo faranno?”. Tuttavia, mentre il finale di The Killing Eve spiegava che Villanelle aveva visto quel momento di felicità con Eve, lei muore poco dopo, il che significa che nessuno in questa serie, a parte la manipolatrice Carolyn, riceve un finale in qualche modo felice. Non è un finale veramente felice perché, anche se lei potrebbe riottenere il suo ruolo di spia, perde tutte le persone a lei care, compresi suo figlio, sua figlia e probabilmente Eve e Pam.

Le reazioni sono state feroci. La serie si è conclusa con la morte di Villanelle, Eve che urlava di dolore e Carolyn al comando. Tuttavia, il finale non mostra in alcun modo come Eve o Carolyn reagiscono a questo evento, né fa alcun accenno a Pam per suggerire un futuro. Finisce semplicemente con la morte di Villanelle. È quasi come se questa fosse la storia di Villanelle e finisse con lei. Questo ha danneggiato la serie. Anche se dal punto di vista narrativo potrebbe essere stata la migliore dalla prima stagione, ha ottenuto il punteggio più basso dalla critica, attestandosi al 53% su Rotten Tomatoes.

Un problema, sia per i critici che per il pubblico, è che presenta quello che alcuni chiamano il tropo “Bury Your Gays” (seppellisci i tuoi gay).

Un problema, sia per i critici che per il pubblico (che gli ha assegnato un punteggio estremamente basso del 30% su Rotten Tomatoes), è che presenta quello che alcuni chiamano il tropo “Bury Your Gays” (seppellisci i tuoi gay). Si tratta di un tropo in cui un personaggio di una serie TV o di un film dichiara il proprio amore e trova la felicità in una relazione LGBTQ+, solo per morire immediatamente dopo. Supernatural è stato accusato di questo quando Castiel ha ammesso il suo amore per Dean ed è morto, mentre The 100 lo ha fatto quando Lexa è morta dopo essersi ufficialmente messa insieme a Clarke. Questo accade anche in Killing Eve, quando le due donne esprimono il loro amore e Villanelle muore per concludere la serie.

Cosa hanno detto Jodie Comer e Sandra Oh sul finale di Killing Eve

Sebbene i fan possano aver trovato il finale della serie insoddisfacente, le attrici Sandra Oh e Jodie Comer hanno ritenuto che il finale della serie avesse senso per la storia raccontata. Oh, in particolare, riteneva che la serie dovesse essere insoddisfacente. Lo ha spiegato in un’intervista a Elle:

Penso che sia fedele a questa serie. Come pubblico, vuoi essere soddisfatto. Vuoi sapere. Del tipo: “Voglio essere soddisfatto. Voglio che tutto sia risolto. Voglio capirlo”. Ma non è così.

Ha anche continuato dicendo alla rivista che l’ultima scena di Eve nella serie, in cui il suo personaggio urla nell’acqua, è stata l’ultima che Oh ha girato per la serie, e non era sicura di averla interpretata bene. Nonostante ciò, l’emozione di girare la fine dello show ha probabilmente funzionato per il personaggio, lasciando il pubblico a chiedersi cosa succederà dopo per lei.

L’ultima scena di Eve nell’acqua che urla al mondo è stata in realtà l’ultima scena che ho girato. Eravamo sotto pressione per il tempo, abbiamo avuto problemi con la telecamera e hanno chiuso la giornata. Mi è sembrato ambiguo. Non sapevo se ci fossi riuscita. È stata una giornata estremamente emozionante. Penso che una delle cose speciali dello show sia, si spera, quanto sia soddisfacente non ottenere ciò che si desidera, legato con un bel fiocco. Non c’è mai stata chiarezza tra i personaggi, quindi il finale di Eve ci lascia con una domanda: come andrà avanti?

Comer ha avuto un’esperienza simile, in quanto l’ultima scena che ha girato per la serie è stata anche l’ultima ripresa di Villanelle per lo show. Anche lei ha parlato dell’esperienza con Elle, definendola surreale:

La cosa davvero surreale è stata che l’ultima scena che abbiamo girato è stata l’ultima scena in assoluto di Villanelle. È stato strano perché, una volta girata, era finita. C’era qualcosa di perfetto, in un certo senso, nel concludere con quell’ultima scena di lei. Ma è stato strano. È stato davvero strano! La cosa bella è che Sandra e io siamo state insieme per tutta l’ultima settimana, quindi abbiamo potuto vivere quell’esperienza insieme alla troupe.

Comer ha anche definito il finale della serie “inevitabile”. Credeva che la serie dovesse concludersi con il suo personaggio che salvava Eve, dimostrando quanto fosse cambiata e non riuscendo infine a sfuggire al suo destino:

Era inevitabile. È come un gatto con nove vite. Ciò che mi è piaciuto di quel momento è stato il fatto che fosse stato un gesto davvero altruista a causarlo. Mi è sembrato giusto che in quel momento lei proteggesse Eve. C’era qualcosa in quel gesto protettivo, credo, che significava quanto fosse cambiata. All’inizio cercava disperatamente di cambiare e non credo si sia mai resa conto di quanto fosse cambiata, il che è molto triste. Quel momento mostra davvero come Eve abbia cambiato la sua vita.

Entrambe le attrici concordano sul fatto che Villanelle doveva morire affinché la serie potesse concludersi, anche se il pubblico potrebbe non essere d’accordo. Oh ha rivelato nella stessa intervista che in origine era il suo personaggio a morire. Questo avrebbe probabilmente reso i fan ancora più arrabbiati. Il finale della serie ha contribuito a mostrare quanto lontano avessero portato le due protagoniste le vicende di Villanelle ed Eve e, sebbene un lieto fine per loro avrebbe sollevato i fan, non avrebbe fornito la conclusione che Killing Eve richiedeva.

Bridget Jones – Un amore di ragazzo, la spiegazione del finale

È ora di ritrovare Bridget Jones (Renée Zellweger) con Bridget Jones – Un amore di ragazzo (ora disponibile su Netflix). Molto è cambiato dall’ultima volta che l’abbiamo vista. Nel film del 2016 Bridget Jones’s Baby, Bridget dà alla luce un bambino avuto dal suo fidanzato Mark Darcy (Colin Firth), con cui ha una relazione altalenante, e scopre che lui è il padre del bambino, e non Jack (Patrick Dempsey), con cui ha avuto una relazione di una notte. Alla fine del film, Bridget e Mark si sposano. Evviva! Dopo tre film, i due sono finalmente insieme per sempre. Una trilogia soddisfacente!

Si può quindi capire che quando è stato pubblicato il trailer del quarto film, Bridget Jones – Un amore di ragazzo, i fan siano rimasti piuttosto sconvolti dal fatto che rivelasse che Mark era morto quattro anni prima. (È stato ucciso mentre lavorava come avvocato internazionale per i diritti umani, tra l’altro). Il film avrebbe raccontato la storia di Bridget vedova, che si adatta alla vita da mamma single e corteggia nuovi uomini, proprio come il romanzo di Helen Fielding da cui è tratto.

Allora, come andrà a finire per Bridget questa volta? In questo “ultimo capitolo”, come dice il trailer? Ecco come andranno le cose per Bridget, i suoi figli Billy (Casper Knopf) e Mabel (Mila Jankovic) – sì, Bridget Jones ha più di un figlio – e i suoi nuovi interessi amorosi.

Cosa succede tra Bridget e il personaggio di Leo Woodall?

Il “ragazzo” del titolo di Un amore di ragazzo è Roxster, interpretato da Leo Woodall. Lui e Bridget hanno un incontro romantico nel parco dove lui lavora come ranger. Lui la trova poi su Tinder, iniziano a flirtare via SMS e poi intraprendono una relazione appassionata. Beh, fino a quando lui, ubriaco, ammette che pensa che la loro differenza di età sia un problema. Lui ha 29 anni, lei è sulla cinquantina.

Roxster poi scompare dalla vita di Bridget – non è carino, Roxster! – per poi tornare più tardi e dirle che è innamorato di lei, al diavolo la differenza di età! Troppo tardi, amico. Bridget sarà anche ancora un po’ maldestra, ma è più matura di un tempo e non è alla disperata ricerca di un uomo. Non ha alcun problema a rifiutare gentilmente la sua offerta di riconciliazione.

Cosa succede tra Bridget e il personaggio di Chiwetel Ejiofor?

Mentre Bridget e Roxster si divertono, lei ha anche incontri imbarazzanti con l’insegnante di scienze di suo figlio Billy, il signor Walliker, interpretato da Chiwetel Ejiofor. Mentre Bridget crede nella magia dell’universo, il signor Walliker vede tutto in modo molto logico, mettendoli in contrasto nella loro visione delle cose.

Alla fine, i due stringono un legame più profondo quando Bridget fa da accompagnatrice durante una gita scolastica dopo la rottura con Roxster. A livello superficiale, lei approva molto anche quando vede il signor Walliker a torso nudo dopo un temporale improvviso.

Il signor Walliker stringe un legame con Billy e lo incoraggia a onorare il suo defunto padre nel concerto di Natale della scuola. Dopo il concerto strappalacrime, Bridget ringrazia il signor Walliker per il suo aiuto con Billy. Vedere Billy cantare le ha fatto capire che lei e i suoi figli staranno bene senza Mark, pur continuando a mantenere vivo il suo ricordo.

Bridget invita il signor Walliker a incontrarla al pub con lei e i suoi amici. Lui si presenta, ma attraverso una finestra lei lo vede decidere di non entrare. Così, Bridget lo insegue per strada – nella neve, come è sua abitudine – e lui le confessa di provare qualcosa per lei, ma di aver avuto paura che non fosse il momento giusto per dirglielo. Lei lo bacia. Lui le dice che probabilmente dovrebbe iniziare a chiamarlo Scott. Abbiamo un nome, gente!

Tutto qui?

Non proprio. Facciamo un salto in avanti fino alla vigilia di Capodanno, un anno dopo. Tutta la famiglia e gli amici di Bridget, compreso Scott, stanno festeggiando a casa di Bridget, e Scott è chiaramente diventato molto amico dei suoi cari. Dopo la festa, Bridget, Billy e Mabel vedono un gufo che è chiaramente un segno di Mark. Anche Scott lo vede e si rende conto che c’è una misteriosa magia nell’universo.

Alla fine, riprendendo una scena dell’inizio del film in cui Bridget non riesce a chiudere da sola la cerniera del vestito, Scott aiuta Bridget a chiudere la cerniera del suo vestito da festa. Lei non è più sola, ma Mark è ancora nei suoi pensieri. Fine.

Non così in fretta. E Hugh Grant?

Beh, non potevamo concludere la serie di Bridget Jones senza scoprire cosa succede a Daniel Cleaver (Hugh Grant), giusto? Lui e Bridget sono passati dal frequentarsi nel primo film al rendersi conto che il donnaiolo dalla bocca sporca è un amico migliore che un partner romantico. Ora è lo “zio Daniel” dei suoi figli e ha un figlio adolescente, Enzo, che non vede da anni. Alla festa di Capodanno, si scopre che Daniel ed Enzo si sono ritrovati… e che Enzo ha preso da suo padre quando si tratta di flirtare.

È davvero finita per Bridget Jones?

Sì, a 24 anni dall’uscita del film originale, sembra proprio che questa sia la fine. Forse. Probabilmente. Come accennato sopra, il trailer del film lo definisce “l’ultimo capitolo”. Inoltre, i titoli di coda mostrano una serie di immagini tratte dai primi tre film che sembrano un addio. Detto questo, sembra che forse la porta sia leggermente aperta.

“Dico sempre: ‘Bene, questo è l’ultimo. Ne ho abbastanza’”, ha dichiarato a Variety la Fielding, che ha anche co-sceneggiato i film. “Mi piace essere drammatica. Ma questo libro non è nato come un libro di ‘Bridget’, quindi non so mai cosa succederà… L’unica cosa che so è che non c’è nulla di cinico in questo film. Non è un reboot fatto per guadagnare soldi. È una storia che è semplicemente cresciuta, come succede alle storie dei romanzieri. Quindi lo farei solo se fosse così, non solo perché sì. Deve significare qualcosa”.

I Roses, la spiegazione del finale: Ivy e Theo muoiono?

I Roses, un film drammatico romantico, racconta la vivace storia matrimoniale di Theo, un architetto, e Ivy Rose, una chef. Dopo essersi incontrati per la prima volta in Inghilterra, tra i due nasce subito un legame che porta a un’immediata intimità. Dieci anni dopo, vivono una vita idilliaca in California come coppia sposata e genitori di un bambino e una bambina. Proprio quando la loro vita sembra tranquilla, un evento inaspettato sconvolge il loro mondo, portando a drastici cambiamenti nella loro carriera. Ivy apre un nuovo ristorante, dopo aver sacrificato a lungo la sua carriera di chef.

Mentre Theo affronta dei problemi nella sua professione, tra i due sembra crescere un’inspiegabile animosità, che diventa sempre più caotica. Con i loro ego, i loro talenti e le loro personalità in gioco, il matrimonio dei Rose raggiunge un punto di svolta, senza apparentemente alcun margine di manovra. Nei momenti finali della narrazione, Theo e Ivy si trovano ad affrontare una scelta impossibile, che potrebbe rafforzare o spezzare il loro già fragile legame.

Trama de I Roses

i roses

In I Roses Theo, un architetto in erba a Londra, incontra Ivy, una chef laboriosa. Le loro strade si incrociano quando lei esce da una frustrante riunione di architetti e va nella cucina dell’hotel per stare da sola. I due hanno un’intesa immediata, che li porta a fare sesso nel magazzino della cucina. Quando Ivy parla del suo sogno di trasferirsi in America per una carriera migliore, Theo dice immediatamente che vuole seguirla. Dieci anni dopo, vivono una vita matrimoniale felice e pittoresca a Mendocino, in California, con i loro figli, Hattie e Roy. Theo ha perseguito la sua carriera, ma Ivy ha sacrificato la sua per prendersi cura della famiglia. Sebbene lei non se ne lamenti, Theo pensa che abbia pagato un prezzo più alto per far funzionare il matrimonio. Questo lo porta a farle un regalo sorprendente.

Le compra un terreno sulla spiaggia, dove si trova un ristorante fatiscente. Le dice di seguire le sue aspirazioni professionali e di non sacrificarsi più per il bene della famiglia. Lei costruisce un nuovo ristorante sul terreno e lo chiama “We’ve Got Crabs” (Abbiamo i granchi). Una notte fatidica e tempestosa porta a cambiamenti inaspettati nelle loro carriere. La forte tempesta fa crollare un edificio costruito da Theo, causandogli un’umiliazione pubblica. La sua carriera, costruita con tanta cura, va in pezzi, lasciandolo devastato. La stessa tempesta spinge molte persone a cercare riparo nel ristorante di Ivy. Grazie al passaparola positivo di un critico gastronomico, il ristorante ottiene un successo ancora maggiore e una grande copertura mediatica. L’attività, un tempo poco redditizia, inizia a prosperare, mentre Theo è sempre più frustrato dal suo destino. Si assume la responsabilità di prendersi cura dei bambini, il che dà a Ivy più tempo e spazio per far crescere ulteriormente la sua attività.

A causa del suo nuovo ruolo nella famiglia, l’architetto sottopone i figli a diete rigorose e programmi di allenamento, nella speranza di migliorare le loro capacità atletiche. Man mano che Ivy avanza nella sua carriera, inizia a sentire che i suoi figli si stanno allontanando da lei. D’altra parte, Theo inizia a pensare di essere inutile, il che lo porta a provare risentimento per la rapida ascesa professionale di Ivy. Un viaggio a New York non va come previsto, poiché entrambi rimangono distanti. I tentativi di ricostruire il loro fragile rapporto falliscono in modo esilarante quando hanno una conversazione imbarazzante con il terapeuta. La gelosia e la negatività tra marito e moglie superano i limiti. Come ultimo tentativo per salvare il loro matrimonio, Ivy offre a Theo un appezzamento di terreno per costruire una grande casa e dimostrare le sue capacità di architetto.

Il finale di The Roses: Theo e Ivy muoiono? Come?

Olivia Colman e Benedict Cumberbatch in I Roses

Il conflitto tra Theo e Ivy raggiunge nuovi estremi dopo l’incidente con la balena. Dopo una riconciliazione apparentemente incredibile, marito e moglie si abbracciano appassionatamente, sperando di lasciarsi il passato alle spalle e ricominciare da capo. Ma il destino ha un ultimo asso nella manica. Sebbene il film non mostri esplicitamente la morte dei Roses, ci sono diversi indizi che indicano questa possibilità. Quando gli amici visitano la nuova casa, tutti ne apprezzano la bellezza, a dimostrazione del fatto che Theo è davvero un ottimo architetto. Ma un oggetto nella casa sembra in qualche modo fuori posto. Amy se ne accorge immediatamente quando visita la cucina. In una casa perfetta e moderna, la stufa “Julia Child” proveniente dalla Francia sembra vecchia e piuttosto squallida.

Si dice che appartenga alla vera Julia Child, la leggendaria chef. È stata Ivy, in qualità di chef, a scegliere di avere qualcosa di significativo nella sua cucina. Anche Ivy, che l’ha acquistata ad un’asta, nota la fragilità della stufa. C’è anche un primo piano di Ivy che accende la stufa, che aggiunge un senso di claustrofobia all’immagine. Questo dettaglio apparentemente insignificante assume un significato maggiore verso la fine della narrazione. Quando i Rose litigano verso la fine, la discussione diventa fisica e violenta. Ivy trova una pistola e Theo le lancia contro frutta e altri oggetti. Entrambi sembrano spietati nel loro disperato tentativo di ottenere la proprietà della casa prima del divorzio. Durante questo caos, Theo danneggia gravemente la stufa, usando le griglie della vecchia stufa.

Questo porta alla rottura del tubo del gas sotto la stufa, cosa che passa inosservata al marito e alla moglie. Dopo la loro riconciliazione, i loro pensieri tornano al giorno in cui si sono incontrati per la prima volta, dopo di che si promettono di non separarsi fino alla morte. Theo comanda al sistema di controllo della casa, “Hal”, di riprodurre la loro canzone e accendere il fuoco. Le immagini precedenti a questo momento rendono chiaro che il tubo del gas rotto ha effettivamente causato una fuga di gas, che si è poi diffusa in tutta la casa. L’elemento della “pistola di Chekov” diventa una parte importante della storia in questo caso. La stufa rappresenta più di un semplice oggetto strano. Riflette il passato e simboleggia l’incapacità degli esseri umani di lasciar andare il proprio ego.

Tutto il resto della casa punta verso il futuro e un nuovo inizio, ma la stufa Julia Child è l’unica cosa che mantiene vivo il passato. In questo caso, la “pistola di Chekov” si attiva, fondendo il passato e il presente. La narrazione inserisce con cura la stufa attraverso la stupidità di Amy, nascondendone il vero scopo. È interessante osservare che Ivy e Theo si sono incontrati per la prima volta in una cucina con fiamme alte. L’inizio e la fine della loro relazione sono in qualche modo fusi dall’inganno del destino e dal fuoco. Il loro destino era forse quello di morire insieme, dopo aver vissuto tutte le prove e le tribolazioni di una relazione complessa. Dopo che Theo ha ordinato al sistema della casa di accendere il fuoco, è molto probabile che questo provochi un’enorme esplosione e ponga fine alla vita dei Rose.

Nei loro ultimi momenti, muoiono come coppia, rimanendo fedeli l’uno all’altra e onorando le loro promesse. È anche possibile che i due possano in qualche modo sopravvivere all’incendio, ma sembra meno probabile rispetto al primo scenario. Anche se sopravvivessero, è probabile che non potrebbero vivere a lungo, poiché le ferite causate dall’incendio potrebbero avere un impatto negativo sulla coppia. Tutto sommato, nonostante la loro riconciliazione, il destino gioca un gioco contorto con i Rose, unendoli nella morte.

Come fanno Theo e Ivy a stabilire la pace?

La guerra dei Roses si intensifica a causa della disastrosa cena di inaugurazione della casa. Anni prima, Ivy aveva dato a Theo l’opportunità di perseguire nuovamente i suoi sogni di architetto acquistando un terreno per lui su cui costruire una nuova casa che avrebbe mostrato al mondo il suo talento. La loro fragile relazione ottiene una nuova possibilità quando Theo accetta con gioia l’offerta. Una volta completata la casa dei sogni, la coppia manda i propri figli, Hattie e Roy, a Miami per perseguire i loro obiettivi atletici. La cerimonia di inaugurazione della casa porta alla luce tutte le frustrazioni. Ivy e Theo si scambiano insulti vili davanti ad Amy e agli altri. Gli ospiti si sentono a disagio nel vedere il feroce scontro verbale tra marito e moglie. Theo inizia a credere che il suo talento non abbia alcun effetto su sua moglie, dato che lei non gli ha nemmeno dato credito per la costruzione della casa.

Durante la sua corsa mattutina, Theo vede una balena indifesa sulla spiaggia, che ha bisogno di aiuto. Raduna rapidamente delle persone e la salva dalla morte. Questo incidente si rivela decisivo per lui, poiché si rende conto che la sua vita vale la pena di essere vissuta. Una volta accettata questa idea, dice a Ivy che desidera divorziare da lei. Queste parole terrorizzano la moglie, che non si aspettava che lui arrivasse a tali estremi. Durante una trattativa tra gli avvocati, mentre procedono con il processo di divorzio, lei chiede la proprietà della casa. Entrambi i protagonisti si rifiutano di separarsi dalla casa, dopodiché si giocano a vicenda scherzi crudeli. Si sabotano a vicenda le carriere, portando alla chiusura del ristorante e all’emarginazione di Theo dal mondo degli architetti.

Quando Theo costringe Ivy a firmare l’accordo relativo alla casa, lei lo inganna firmando invece la parola “Zendaya”. Quello che segue è una battaglia finale all’ultimo sangue. Usando oggetti e parole come armi per distruggersi a vicenda, marito e moglie cercano di raggiungere i loro scopi. Ivy afferra una pistola e Theo si difende con vari utensili. Una volta che entrambi hanno sfogato la loro frustrazione, hanno un momento di consapevolezza. Theo ammette di amare ancora sua moglie, che si commuove. Si rendono conto di quanto siano stati sciocchi negli ultimi mesi e iniziano a ridere di se stessi. Theo si scusa per la sua indisponibilità emotiva e Ivy si scusa per la sua crudeltà nei suoi confronti. Capiscono che hanno rischiato di uccidersi a vicenda e sono grati di essere ancora vivi.

Questo è un momento di chiusura per la coppia, perché tutti i loro tentativi di odiarsi falliscono. Il loro amore è genuino e sopravvive ai loro ego. Nonostante condividessero un legame di amore e comprensione nei primi anni del loro matrimonio, Theo e Ivy inciampano negli anni successivi. Cominciano a vivere in due mondi diversi, con persino i figli che ne risentono. Tuttavia, trovano la strada verso la pace, poiché provano ancora qualcosa l’uno per l’altra. In definitiva, i Rose fanno parte di un matrimonio altamente stratificato che inaspettatamente resiste alla prova del tempo.

Troll 3 si farà? tutto quello che sappiamo

Diretto da Roar Uthaug, Troll 2 di Netflix continua la storia iniziata con “Troll, incentrata sulla ricerca dell’umanità di comprendere e convivere con le creature soprannaturali conosciute come troll. Quando il troll Re della Montagna emerge da una caverna dopo secoli di prigionia, nessuna forza militare è in grado di fermarlo. Tuttavia, la paleontologa Nora Tidemann, insieme al suo eterogeneo gruppo di eroi, riesce a porre fine al caos. Il secondo film inizia con il governo che rintraccia un altro troll in letargo che, al risveglio dal suo sonno, si rivela una minaccia ancora più grande. Nel frattempo, scopriamo che Nora ha stretto amicizia con il figlio del Re della Montagna, un troll che lei chiama Beautiful.

Alla fine di questo film norvegese horror fantasy, Nora e compagni, con l’aiuto di Beautiful, non solo sconfiggono il troll, ma scoprono anche la vera storia del rapporto di San Olaf con i giganti. Beautiful ora regna come nuovo re delle montagne e sembra iniziare un’era di convivenza armoniosa. In particolare, il regista Uthaug ha dichiarato il suo interesse per un “Trollverse”, con idee già pronte per un potenziale sequel. Sebbene Netflix non abbia ancora confermato Troll 3, un terzo film di “Troll”, nella migliore delle ipotesi i fan possono aspettarsi un sequel intorno al 2027.

Troll 3 potrebbe introdurre un troll creato dall’uomo nella narrazione

Poiché “Troll 2” termina con Beautiful che sembra essere l’ultimo troll vivente, un potenziale sequel del film dovrà necessariamente presentare un altro troll per aggiungere tensione alla storia. A tal fine, la serie molto probabilmente punterà sullo spettacolo dell’azione troll contro troll, riecheggiando la traiettoria del franchise “Monsterverse”, che include personaggi amati come Godzilla e Kong. In particolare, la scena a metà dei titoli di coda suggerisce che il governo ha creato un troll bambino tutto suo, destinato a crescere e raggiungere la stessa forza fisica dei suoi coetanei adulti. Tuttavia, il fatto che questo nuovo personaggio troll sia amico o nemico di Beautiful può alterare completamente il corso del terzo film. Finora nella storia, la Chiesa si è rivelata la forza antagonista silenziosa della storia, con i suoi secoli di misfatti che hanno portato alla persecuzione dei troll. Pertanto, un sequel potrebbe ampliare la sua presenza nell’epoca moderna, come forse l’unica istituzione con una conoscenza approfondita dei troll e della loro storia.

Un approccio più mirato alla costruzione del mondo può aprire le porte a diversi possibili sviluppi della trama in un colpo solo, creando una narrazione orientata alla mitologia. Mentre il troll re della montagna nel primo film emerge da una caverna, il megatroll nel secondo film viene recuperato dagli umani e riportato alla coscienza. Pertanto, al fine di mantenere fresca la trama dell’emergenza, il terzo film potrebbe optare per un’ambientazione completamente diversa, come il mare. Oltre alle sue montagne rocciose, la Norvegia è altrettanto famosa per la sua costa e i suoi fiordi, che potrebbero potenzialmente fungere da dimora perfetta per una generazione completamente diversa di troll risvegliati dalla recente serie di eventi. Sebbene esista la possibilità di una pace continuativa tra le due forme di vita, la serie “Troll” è nota per le sue scenografie su larga scala, il che rende inevitabile un’altra saga ricca di azione.

Un membro del cast principale probabilmente non riprenderà il suo ruolo in Troll 3

Il cambiamento più significativo che si prevede nel cast di “Troll 2” in vista del suo potenziale sequel è l’uscita di scena dell’attore Kim Falck, che interpreta Andreas Isaksen. Dato che il suo personaggio muore nella parte finale del film, la storia probabilmente continuerà senza di lui. Tuttavia, la serie non esita a utilizzare i flashback per ottenere un effetto narrativo, il che significa che non si può escludere la possibilità che Falck ricompaia in modo simile. D’altra parte, gli attori Ine Marie Wilmann e Mads Sjøgård Pettersen dovrebbero riprendere i loro ruoli principali rispettivamente come Nora Tidemann e Kristoffer Holm. Karoline Viktoria Sletteng Garvang, che interpreta il ruolo di Sigrid nei film, potrebbe avere un ruolo più importante nel terzo film, dato che ora è madre e membro attivo della banda di Nora.

Sebbene Gard B. Eidsvold abbia un cameo nel secondo film, non è ancora chiaro se riapparirà nei panni di Tobias Tideman per una sequenza di flashback nel sequel. L’attrice Sara Khorami, d’altra parte, ha ottime possibilità di riprendere il ruolo di Rhadani, dato il grande successo che il suo personaggio ha riscosso tra il pubblico. Inoltre, “Troll 3” potrebbe introdurre una nuova galleria di attori, dato che la portata della storia è destinata quasi certamente ad ampliarsi. Con il governo che si addentra sempre più nel mondo dei troll, potremmo vedere una presenza più importante di attori come Jon Ketil Johnsen e Dennis Storhøi, che interpretano rispettivamente il professor Møller e il capo della difesa Sverre Lunde.

Troll 3 può ampliare il rapporto di Beautiful con l’umanità

Al centro di “Troll 2” c’è il legame di Beautiful con Nora e il modo in cui i due imparano a comunicare profondamente e a fidarsi l’uno dell’altra partendo da zero. Con un potenziale sequel che introduce nuove forze antagoniste, la convivenza di Beautiful con gli umani sarà sicuramente messa alla prova ancora una volta. Anche se Rhadani si unisce al campo di Nora alla fine del film, è lei che introduce una prospettiva particolarmente cupa in una delle prime scene. Data la quasi indistruttibilità dei troll, il governo potrebbe volerli trasformare in pedine dell’esercito, il che è coerente con la creazione di un troll bambino in laboratorio. Anche se le azioni del troll bambino non sono ancora prevedibili, è improbabile che Beautiful abbandoni Nora. A tal fine, potremmo assistere a una lotta per l’umanità, che potrebbe porre fine alla serie di sfruttamenti nei confronti dei troll, che a questo punto continua da secoli.

L’eroico sacrificio di Andreas avvicina ancora di più il resto del gruppo, e l’ultima scena del secondo film mostra Nora, Kristoffer, Sigrid e Rhadani come una famiglia ritrovata. Pertanto, un potenziale seguito della storia li vedrà sicuramente affrontare qualsiasi nuova calamità a testa alta. Con Rhadani nel loro campo, Nora ha una comprensione migliore che mai delle attività segrete del governo e potrebbe già essere preparata ai loro piani loschi. C’è anche la sua battaglia in corso per far conoscere al mondo intero la verità sulla Chiesa e sui troll, in modo che i giganti non siano più oggetto di paura e ostilità. Sebbene la possibilità di un sequel indichi che Nora e compagni dovranno affrontare altre azioni e tragedie, c’è una buona probabilità che sia lei che Beautiful usciranno da questa crisi più forti che mai.

Troll 2, spiegazione del finale: ci sarà un Troll 3?

Sembra che Troll 2, il sequel del film norvegese sui mostri del 2022 Troll, stia diventando un successo per Netflix proprio come il primo film.

Il sequel è balzato in cima alla classifica dei 10 film più visti su Netflix, solo un giorno dopo la sua uscita sulla piattaforma. E non sembra che tornerà presto nella sua tana.

Diretto da Roar Uthaug, che ha anche diretto il primo film, Troll 2 è, in sostanza, Godzilla v. Kong, ma con i troll. Anche i poster sono identici! Gli attori Ine Marie Wilmann, Kim S. Falck-Jørgensen e Mads Sjøgård Pettersen riprendono tutti i loro ruoli dal primo film. La scienziata ed esperta di troll Nora (Wilmann) viene richiamata dal pensionamento quando un’altra scienziata (interpretata dalla nuova arrivata Sara Khorami) cattura un nuovo troll, un Megatroll, sulle montagne. Ma si sa come sono i troll: non restano in cattività a lungo.

Come il primo film Troll, anche Troll 2 presenta una scena a metà dei titoli di coda che sembra preparare il terreno per altri film. Cosa significa? Ci sarà un film Troll 3?

Spiegazione del finale di Troll 2

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Dopo essere fuggito dalla prigione, il Megatroll inizia a terrorizzare la Norvegia. Nora capisce che il Megatroll vuole vendicarsi del regime cristiano che ha costretto la sua specie a nascondersi. Quindi, Nora rintraccia il figlio del re dei troll, che lei chiama “Beautiful”. Diventa amica di Beautiful grazie alla sua capacità di parlare con i troll (certo) e ottiene il suo aiuto per impedire al Megatroll di distruggere una delle città della Norvegia.

Dopo alcuni tentativi, il team decide che l’unico modo per fermare Megatroll è versargli dell’acqua santa direttamente in bocca, che lo distruggerà dall’interno. Ma le bombe di acqua santa devono essere azionate manualmente, e questo richiederà che qualcuno si sacrifichi per lanciarle direttamente nella bocca di Megatroll. Andreas (Kim S. Falck-Jørgensen) si offre volontario come tributo. Andreas muore, ma il suo sacrificio permette a Beautiful di intervenire e sconfiggere Megatroll una volta per tutte.

Nell’ultima scena del film, vediamo che la moglie di Andreas ha dato alla luce suo figlio e che Nora si è trasferita in una casa in montagna, con Beautiful che vagabonda all’esterno. Riposa in pace, Andreas. Ma aspettate, c’è dell’altro!

Spiegazione della scena dopo i titoli di coda di Troll 2:

Sì, proprio come nel primo film, c’è una scena dopo i titoli di coda di Troll 2. (Beh, più che altro una scena a metà dei titoli di coda.) La scena mostra il professor Møller (Jon Ketil Johnsen), uno dei ricercatori di Vemork, in un laboratorio buio che parla al cellulare con un generale dell’esercito. Il professore informa il generale di aver raccolto un esemplare che si sta “sviluppando” e di “dargli un po’ di tempo”. Passiamo poi a un’inquadratura di un piccolo troll intrappolato in un terrario. Aww! È così carino!

Cosa significa tutto questo? Il professore venderà questo troll all’esercito per essere usato come arma? Crescerà fino a diventare una minaccia ancora più grande del Megatroll? Chiaramente, questa è una preparazione per Troll 3.

Ci sarà un film Troll 3 su Netflix?

Al momento non ci sono notizie ufficiali sulla realizzazione di un film Troll 3.

Detto questo, è chiaro che i produttori sperano che Troll 3venga realizzato. Probabilmente dipenderà dal successo del secondo film su Netflix. È passato solo un giorno, ma al momento sembra che il sequel si preannunci un successo.

Quando gli è stato chiesto del film Troll 3 in un’intervista con Variety, il regista Roar Uthaug ha scherzato: “Ne abbiamo parlato e la parola ‘trollogia’ suona davvero bene”.

L’uomo ha un ottimo punto di vista. Netflix, devi farlo anche solo per il gioco di parole.

C’è almeno una voce in Netflix che sostiene Troll 3: Larry Tanz, responsabile dei contenuti di Netflix per Europa, Medio Oriente e Africa.

Una Ballena – Creature dal profondo: recensione del film di Pablo Hernando – #NoirFest2025

Si preannunciava come il film più particolare del concorso della 35° edizione del Noir in Festival e non ha deluso. Lo spagnolo Una Ballena – Creature dal profondo, diretto da Pablo Hernando, è un affascinante pastiche che sembra guardare al cinema di David Fincher, a quello di Nicolas Widing Refn ma anche all’Under the Skin di Jonathan Glazer e a Frank Costello faccia d’angelo di Jean-Pierre Melville (dal regista citato come prima fonte d’ispirazione), riproponendo poi con un proprio linguaggio un’opera che si muove tra thriller, fantasy e messaggi ambientalisti, il tutto con un ritmo e una costruzione delle immagini ipnotici.

Specializzatosi come direttore della fotografia, Pablo Hernando ha ad oggi collaborato a più di 20 film nell’ultimo decennio, firmando poi anche la regia di numerosi cortometraggi. Una Ballena – Creature dal profondo è solo il suo quarto lungometraggio, ma già conferma quindi la presenza in Hernando di una precisa idea di cinema, che si muove tra immagini e simboli, che non offre spiegazioni ma punta a suscitare quel brivido sottopelle che risveglia sensazioni e turbamenti troppo spesso ignorati. Questo suo nuovo lavoro è ostico, indubbiamente, ma nel suo non tenere fede fino all’ultimo ai propri intenti riesce a farsi ricordare anche oltre il termine della proiezione.

La trama di Una Ballena – Creature dal profondo

Quando Ingrid (Ingrid García-Jonsson) preme il grilletto, le sue vittime non sanno chi gli ha sparato. La sua capacità di infiltrarsi e scomparire senza lasciare tracce fa di lei una killer implacabile. Ma quel potere viene da un altro mondo, un luogo abitato da creature mostruose, da cui entra ed esce, diventando sempre meno umana. Ingrid riceve poi un incarico da Melville (Ramón Barea), un contrabbandiere che usa il porto per il traffico di strane merci e che sta per perdere tutto. Abasolo, un potente uomo d’affari rivale, è infatti arrivato in città e si appresta a prendere il controllo del porto.

Ingrid García-Jonsson nel film Una Ballena - Creature dal profondo
Ingrid García-Jonsson nel film Una Ballena – Creature dal profondo

Egli vive barricato in un edificio pieno di tirapiedi e guardie del corpo armate. Ucciderlo è quindi un lavoro che solo Ingrid può fare. Così, la letale assassina inizia a studiarne i movimenti in attesa del momento giusto per colpire. Tutto però cambia quando Melville scopre il segreto di Ingrid. A quel punto la sua vera natura la rendela merce di scambio più preziosa di tutti e Melville decide di intrappolarla per impossessarsene e sfruttarla a proprio vantaggio. Così, Ingrid si ritroveràa combattere come un animale in trappola per impedire che l’oscurità la imprigioni per sempre.

Pablo Hernando alla ricerca delle ombre dell’uomo

Difficile ridurre in parole Una Ballena – Creature dal profondo. L’esperienza visiva offerta dal film è senza dubbio massimizzata se affrontata senza alcuna anticipazione. Dovendo però provare a dare alcune coordinate al film, si può partire con il riconoscere una trama che fonde magistralmente il genere noir con la fantascienza e l’horror lovecraftiano. Così facendo, la pellicola ci immerge in una realtà che si estende oltre la nostra percezione, un regno fatto di invisibile e inspiegabile, di luce e oscurità. Hernando sembra volerci condurre in una profonda esplorazione delle zone d’ombra che albergano in ogni individuo, dell’irriducibile mistero che avvolge l’altro, e della costante tensione tra la nostra natura civilizzata e l’istinto primordiale.

Allo stesso tempo, il film è anche una riflessione sull’impatto dell’uomo sulla natura e sulle nuove forme di sfruttamento che sembrano essere solo più silenziose e invisibili ma non meno subdole e pericolose. Insomma, c’è molta materia viva in Una Ballena – Creature dal profondo, che si dimostra essere un film interessato a portare dunque in primo piano il mostruoso, il fantasmatico e lo straordinario celati nel quotidiano. Hernando porta a compimento questo obiettivo senza cedere a scorciatoie e spiegazioni, ma anzi punzecchiando continuamente lo spettatore affinché partecipi attivamente alla costruzione di un senso.

Ramón Barea in Una Ballena - Creature dal profondo
Ramón Barea in Una Ballena – Creature dal profondo

Un ipnotico film d’atmosfera

Ci si trova dunque davanti ad un’opera particolarmente ambiziosa, con cui Hernando compie decisi passi in avanti e si riconferma un regista spagnolo da tenere d’occhio. A convincere di ciò è in particolare il modo in cui concepisce le immagini, in cui le arricchisce con suoni o musica, nel modo in cui gioca con i contrasti (luce e oscurità su tutti), raccontando il tutto con un ritmo calmo che sembra andare in contrasto con la tensione delle situazioni, ma che in realtà esaltano ulteriormente la loro pericolosità. Così, se anche si potrebbe sbrigativamente accusare Una Ballena – Creature dal profondo di “non far succedere nulla”, si resta comunque ammaliati dall’atmosfera che pervade il film.

Di certo, è difficile restargli emotivamente indifferenti. Si può infatti facilmente avvertire un senso di angoscia durante la visione del film, quella provata nel trovarsi di fronte al buio più totale e non sapere quali creature potrebbero annidarsi in esso. È proprio ciò che avviene nel film, con Hernando che mette a segno più di un momento in cui riesce ad evocare la paura di chi guarda, di quelle irrazionali, che non riesci a controllare neanche se ci provi. Grazie anche alla gelida interpretazione di Ingrid García-Jonsson e a quella invece più minacciosa di Ramón Barea, il regista confeziona dunque un’opera con una sua forte personalità.

Emily in Paris – Stagione 5: il trailer ufficiale anticipa il nuovo capitolo della serie Netflix

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Netflix ha rilasciato oggi il trailer ufficiale della quinta stagione di Emily in Paris, offrendo ai fan un primo sguardo esteso al nuovo capitolo della serie creata da Darren Star e diventata in pochi anni uno dei titoli più popolari e riconoscibili della piattaforma. La stagione debutterà il 18 dicembre, composta da dieci episodi, e si preannuncia come una delle uscite più attese del catalogo invernale.

Il trailer, ricco di ritmo, colori e atmosfera glamour, conferma un cambiamento significativo per la protagonista interpretata da Lily Collins. Emily, infatti, appare alle prese con una nuova vita professionale e personale a Roma, dove ora guida l’Agence Grateau. Il video alterna scorci della capitale italiana a momenti di forte tensione emotiva, anticipando una stagione che sembra voler espandere ulteriormente l’universo della serie, sia sul piano narrativo sia su quello visivo.

Le immagini mostrano Emily affrontare una serie di sfide legate al mondo del lavoro, tra pitch rischiosi, decisioni impulsive e nuove responsabilità che mettono alla prova il suo equilibrio. Il trailer suggerisce anche un ritorno a dinamiche più sentimentali, con relazioni che si evolvono, si incrinano e si riconfigurano mentre la protagonista affronta un percorso di crescita apparentemente più maturo rispetto alle stagioni precedenti.

Ampio spazio viene dato anche al cast corale, da sempre uno dei punti di forza della serie. Tornano infatti Philippine Leroy-Beaulieu nel ruolo di Sylvie, Ashley Park come Mindy, Lucas Bravo nei panni di Gabriel, insieme a Samuel Arnold, Bruno Gouery, William Abadie e Lucien Laviscount. Tra le new entry spiccano Eugenio Franceschini, Thalia Besson, Paul Forman, Minnie Driver, Bryan Greenberg e Michèle Laroque, che contribuiscono ad ampliare la rete di relazioni e conflitti attorno alla protagonista.

Prodotta da MTV Entertainment Studios, Darren Star Productions e Jax Media, la quinta stagione promette di coniugare leggerezza, romanticismo e nuove complessità personali. Il trailer offre un assaggio chiaro delle atmosfere che accompagneranno il pubblico nel nuovo arco narrativo: un mix di moda, cultura, crisi esistenziali e cambiamenti improvvisi, elementi che hanno definito l’identità della serie fin dalla sua prima stagione.

Adolescence – Stagione 2: l’aggiornamento rivela lo stato della serie di successo Netflix

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Dopo l’enorme successo della prima stagione di Adolescence su Netflix, il futuro della serie drammatica riceve un nuovo aggiornamento. Il mondo è stato conquistato da una delle serie più discusse di sempre su Netflix quando la serie TV Adolescence ha debuttato sulla piattaforma, affrontando uno dei temi più delicati della cultura attuale, ovvero l’omicidio di una compagna di classe, Katie Leonard, da parte di un giovane adolescente.

Durante un’apparizione al Content London (tramite Deadline), il regista di Adolescence Philip Barantini ha espresso la sua opinione sulla possibilità di un seguito della serie. Tuttavia, pur sperando di lavorare nuovamente con la stessa troupe, Barantini ha dichiarato quanto segue riguardo a un potenziale sequel:

Per me, si tratta in definitiva di lavorare con persone valide, persone simpatiche. Non ci sarà un sequel, ma noi come collettivo vogliamo continuare a lavorare insieme su più progetti. Abbiamo catturato un momento magico in termini di come l’abbiamo girato, ma anche per la portata che abbiamo avuto. Ciò non significa che ogni progetto futuro non possa avere lo stesso spirito.

I quattro episodi di Adolescence affrontano l’arresto di Jamie Miller, dopo che ha ucciso Katie, con la sua famiglia e le autorità che cercano di capire perché le ha tolto la vita, mentre la serie britannica esplora i temi pesanti della cultura incel e della manosphere. Mentre la prima stagione di Adolescence si è conclusa con Jamie in attesa del processo, i Miller devono adattarsi alla loro nuova difficile realtà.

In teoria, la seconda stagione di Adolescence potrebbe raccontare il processo, descrivendo come il sistema giudiziario tratta i giovani assassini, dato che Jamie ha rivelato nell’episodio 4 di aver deciso di dichiararsi colpevole. Potrebbe anche esserci un sequel incentrato su un caso completamente nuovo. Stephen Graham, co-creatore della serie e interprete del padre di Jamie, Eddie, ha parlato delle possibilità in un’intervista con Variety il 27 maggio 2025, dove ha detto quanto segue:

“Forse, vediamo come vanno i numeri. Ma sì, c’è la possibilità di sviluppare un’altra storia”.

Oltre agli ottimi risultati ottenuti su Netflix, la serie Adolescence ha ricevuto anche molti riconoscimenti, in particolare Graham, Erin Doherty, che interpreta la dottoressa Briony Ariston nell’episodio 3, e Owen Cooper, che interpreta Jamie. Cooper, Graham e Doherty hanno vinto un Emmy per le loro rispettive interpretazioni.

La stagione 1 di Adolescence è disponibile in streaming su Netflix.

Una Ballena – Creature dal profondo: intervista al regista Pablo Hernando – #NoirFest2025

Alla 35ª edizione del Noir in Festival 2025 approda Una Ballena – Creature dal profondo, sorprendente thrillerfantasy spagnolo firmato da Pablo Hernando. Il regista, già noto per la sua sensibilità visiva radicale e per l’abilità nel fondere generi e tensioni emotive, presenta qui un’opera magnetica che unisce la crudeltà del noir a un immaginario mostruoso, intimo e perturbante. Il film racconta le vicende di Ingrid, una misteriosa sicaria che ha la capacità di infiltrarsi e scomparire senza lasciare tracce, il che fa di lei una killer implacabile.

Ma quel potere viene da un altro mondo, un luogo abitato da creature mostruose, da cui entra ed esce, diventando sempre meno umana. Ingrid riceve poi un incarico da Melville, un contrabbandiere che usa il porto per il traffico di strane merci e che sta per perdere tutto, e che presto scoprirà il suo segreto. Abbiamo incontrato il regista Pablo Hernando, che ci ha raccontato la nascita del film, le influenze che hanno guidato la sua visione e il complesso lavoro dietro la creazione dell enigmatico mondo che circonda la protagonista Ingrid e la misteriosa creatura che popola il buio.

Come ti è venuta l’idea per il film? Da dove sei partito e come si è evoluta nel tempo?

La prima idea era che volevo fare un film su un sicario che ha paura del buio, perché in quel buio c’è un mostro, e quello è stato il vero seme del film. E più tardi sono arrivati tutti gli altri elementi: Melville è stata l’aggiunta più grande, perché con lui prende forma il resto del mondo, il mondo che circonda Ingrid. Si comincia a vedere la città, il cantiere navale e tutto il resto.

Hai menzionato Le Samouraï (in italiano Frank Costello faccia d’angelo) come tuo riferimento per questo film, ma ci sono state altre influenze cinematografiche? Ad esempio, ci sono elementi di Una Ballena – Creature dal profondo che ricordano il cinema di David Fincher o quello di Nicolas Winding Refn. 

Ci sono molti registi che ho come modello. Se stai realizzando un thriller moderno, David Fincher è… se cerchi una sorta di controllo, lui è il maestro. E ovviamente amo il suo lavoro, ma per fare quello che fa Fincher devi avere il budget che ha lui e il tempo. Il film invece è stato girato in 27 giorni. E probabilmente avrei avuto bisogno del doppio, tipo 50 giorni, per essere a mio agio. Ma è così. E sono contento che tu dica Nicolas Winding Refn perché in realtà è effettivamente stato un riferimento per questo film… più in termini di ritmo che altro. E se hai visto… beh, il mio film preferito suo è Solo dio perdona, ma anche la sua serie Too Old to Die Young. È molto lenta e io la adoro perché è noiosa in un certo senso, ma è completamente ipnotica. È come se… non puoi scappare. Con il mio film ho cercato di replicare quell’effetto.

Ingrid García-Jonsson in Una Ballena - Creature dal profondo
Ingrid García-Jonsson in Una Ballena – Creature dal profondo

Come hai concepito il design della creatura e del suo mondo?

Siamo partiti con un’idea diversa. Avevo l’idea del mostro, ma un’idea non esiste finché non puoi raccontarla a un’altra persona. E quando ho iniziato a descrivere il mostro e a lavorare con un designer, Andrea Chiampo, che è italiano, siamo arrivati a qualcosa che non mi rendeva davvero felice, non per colpa sua, lui è incredibile, ma perché io non stavo dando buone indicazioni. E questo è avvenuto molto presto, non eravamo neanche in pre-produzione. Stavamo ancora cercando finanziamente per il film. Poi, un anno e mezzo dopo, ho assunto un altro designer, Florent Desailly, suo amico. Lui ha fatto… hai presente Flow – Un mondo da salvare, il film d’animazione sul gatto? Beh, lui ha realizzato una delle balene.

Non l’ho mai incontrato di persona. Non ci ho mai parlato nemmeno al telefono. Abbiamo parlato solo via mail. Ma era straordinario. Gli ho dato un solo riferimento ed era un bozzetto di Goya, l’artista. Era questo… una sorta di mietitore molto… ma tipo Hulk, con un mantello, molto imponente. Ed era proprio quella, esattamente quella silhouette. E gli ho detto: “voglio quella forma, ma rendila più lovecraftiana, con tentacoli e membrane e rendila viscida e umida e tutto il resto“. Ecco, ho dovuto trovare quel riferimento per poterlo spiegare al meglio all’artista.

Oggi è difficile realizzare il design di creatura che sia nuovo o interessante. E non mi piace che ci sia una tendenza nel cinema, ora, in cui tutti i mostri sono molto spaventosi con un sacco di denti e artigli. Io non volevo quello, perché per me non è spaventoso. Meno li vedi, più sono interessanti e inoltre spesso i mostri nel cinema sono molto rumorosi, mentre se sono silenziosi li trovo ancora più interessanti.

Una Ballena - Creature dal profondo mostro
La creatura di Una Ballena – Creature dal profondo

E per i personaggi, cosa ti ha ispirato? Per esempio, il personaggio di Ingrid ricorda qualcosa di Lisbeth Salander, mentre Melville ha qualcosa de Capitano Achab di Moby Dick.

In realtà l’unico riferimento per Ingrid era Ingrid stessa, l’attrice Ingrid García-Jonsson. Voglio dire, quando lei… tipo, non fa niente, è molto magnetica per me e molto tipo: “oh mio Dio, qualcosa sta succedendo nella sua testa, e voglio saperlo“. Però in generale non lavoro pensando a precisi riferimenti, non voglio dire agli attori: “Devi guardare questo film” o “guardare questo personaggio”. So che Ingrid ha guardato molti video su YouTube sui polpi. Non so perché, non gliel’ho chiesto io…

Il film contiene molti segreti e cose non dette. Ma come pensi che si relazioni tematicamente con il nostro presente?

Stiamo ovviamente mandando in rovina la Terra, stiamo uccidendo tutte le balene e gli animali e la natura in generale. C’è molta avidità, dovuta ad un capitalismo sempre più sfrenato e questo ritorna nel film. La figura romantica che Melville rappresenta, questa sorta di vecchio trafficante con un suo codice, sta scomparendo. Voglio dire, non che lui sia innocente, ovviamente, ma ciò che viene dopo di lui, ovvero i nostri Jeff Bezos o Elon Musk, è molto peggio e dovremmo guardarci da loro.

Oh. What. Fun. recensione: una commedia che vive della luminosità di Michelle Pfeiffer

Oh. What. Fun. si inserisce nel solco delle commedie di Natale che cercano di ribaltare il punto di vista tradizionale: non più solo l’avventura rocambolesca dei figli o lo spirito salvifico delle feste, ma lo sguardo stanco, tenero e a volte esasperato di chi il Natale lo costruisce, lo impacchetta e lo tiene in piedi. Claire Clauster, interpretata da una Michelle Pfeiffer in stato di grazia, è proprio questo: il fulcro emotivo e pratico di una famiglia che, come spesso accade, dà per scontato il lavoro invisibile che c’è dietro ogni lucina perfettamente allineata.

Fin dalle prime battute il film di Michael Showalter affonda le sue radici in un immaginario natalizio tradizionale, fatto di cookie glassati, decorazioni impeccabili e aspettative altissime. Ma la storia prende subito una piega più umana e meno zuccherosa: Claire, abituata a essere la colonna portante della famiglia, attraversa una crisi identitaria tanto buffa quanto riconoscibile. È nel suo desiderio di essere vista – e magari celebrata – che il film trova la sua scintilla migliore. Pfeiffer regala un’interpretazione autentica, capace di passare in un attimo dalla frustrazione al sorriso, dal bisogno di approvazione alla tenera autoironia di chi sa di stare “esagerando”, ma non può farne a meno.

Oh. What. Fun. è una commedia che corre più veloce delle sue idee

Il problema, come spesso accade nelle commedie natalizie più ambiziose, è che il film vuole essere troppe cose contemporaneamente. Showalter sembra oscillare tra l’omaggio alla slapstick più classica – con rimandi evidenti a Mamma, ho perso l’aereo e alla tradizione screwball – e il tentativo di costruire un racconto più emotivo sul carico mentale delle festività. L’impressione è che Oh. What. Fun. sia davvero convinto di poter tenere insieme entrambi gli ingredienti senza perdere equilibrio, ma il risultato non sempre regge.

La prima parte, ambientata nella caotica quotidianità texana dei Clauster, funziona: ci sono i tre figli adulti troppo presi da loro stessi, il marito che confonde presenza con supporto, e la vicina “madre perfetta” (una Joan Chen deliziosamente imperturbabile) che incarna l’incubo di ogni mamma che si sente in difetto. Qui il film procede con passo sicuro e sorriso lieve.

È quando Claire rimane accidentalmente a casa, abbandonata dalla sua stessa famiglia nel giorno clou delle festività, che la narrazione si lancia in una serie di scelte via via più improbabili. L’idea del viaggio verso Hollywood per prendere parte allo show di Zazzy Tims ha potenzialità, anche simboliche, ma l’esecuzione scivola rapidamente verso l’inverosimile. Lo spettatore, invece di identificarsi con la sua ribellione, finisce per osservarla con un certo distacco. Non tanto per mancanza di affetto verso Claire, ma perché il film comincia a forzare la sospensione dell’incredulità fino a incrinarla.

Oh. What. Fun. Cortesia di Prime Video

Pfeiffer e un cast corale che avrebbe meritato più spazio

Il paradosso più evidente è il cast è eccezionale. Showalter chiama a raccolta nomi come Felicity Jones, Chloë Grace Moretz, Denis Leary, Dominic Sessa, Danielle Brooks, Maude Apatow, Havana Rose Liu, Jason Schwartzman, Eva Longoria e Joan Chen, eppure riesce solo in parte a sfruttarne il potenziale.

Pfeiffer resta magnetica e profondamente empatica, una madre imperfetta e a tratti sopra le righe, ma mai ridicola. Ogni suo gesto suggerisce il peso degli anni spesi a mettere gli altri al centro, e la sua esplosione natalizia, per quanto eccessiva, porta con sé una verità emotiva che spesso manca alle commedie di stagione. Accanto a lei, però, i comprimari avrebbero meritato più respiro: le dinamiche tra i tre figli, così come il rapporto con il marito Nick, sembrano promettere una coralità che il film poi abbandona a favore dell’assurdità crescente del viaggio solitario di Claire.

È un peccato, perché alcuni momenti – come la scena della vicina che la surclassa nello scambio di regali – sono tra i più efficaci, capaci di raccontare senza brutalità ma con precisione chirurgica il senso di inadeguatezza natalizia che tante madri conoscono bene.

Oh. What. Fun. Cortesia di Prime Video

Le imperfezioni di un film che, nonostante tutto, regala calore

Pur tra gli alti e bassi, Oh. What. Fun. conserva una qualità rara: sa essere accogliente anche quando inciampa. Showalter, che in passato ha dimostrato una notevole sensibilità nel tratteggiare personaggi alla ricerca di sé, tenta qui di bilanciare sentimento e comicità, anche se la miscela non raggiunge mai la coesione dei suoi lavori migliori.

Il finale, pur un po’ affrettato e prevedibile, riporta il baricentro sulla famiglia e sulle incomprensioni che la attraversano. E forse è proprio qui che il film trova il suo senso: non nell’avventura improbabile, ma nello sguardo dolce-amaro che rivolge a tutte le Claire del mondo, a quelle madri che vorrebbero solo essere viste, ringraziate, celebrate almeno un giorno all’anno.

Oh. What. Fun. è un film sincero, buffo, imperfetto, che vive della luminosità di Michelle Pfeiffer e della sua capacità di dare dignità e complessità a un personaggio che rischiava il cliché. Se si accetta di sospendere qualche perplessità narrativa, si scopre un racconto tenero sull’arte di preparare il Natale e sulla fatica invisibile di chi, ogni anno, tiene insieme tutto e tutti. A volte, per sentirsi parte della festa, basta che qualcuno finalmente si accorga di quanta luce abbiamo acceso.

Sarah Paulson rivela il vero motivo per cui ha lasciato American Horror Story dopo la decima stagione

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Sarah Paulson ha rivelato il vero motivo per cui ha lasciato American Horror Story dopo la decima stagione, spiegando perché non è più apparsa da allora. Paulson ha iniziato a recitare nella serie antologica horror nella prima stagione nel ruolo di Billie Dean Howard. La sua ultima apparizione è stata nel cast di American Horror Story: Double Feature, interpretando Karen in Red Tide e Mamie Eisenhower in Death Valley.

In un’intervista a Variety, Paulson ha spiegato di non essere più apparsa in American Horror Story dalla decima stagione perché aveva bisogno di una pausa dalla serie. L’attrice ha spiegato in particolare come gli orrori fittizi che ha vissuto durante la sua permanenza nello show abbiano reso difficile al suo corpo distinguere “tra il reale e l’immaginario”. Ecco cosa ha detto Paulson:

C’è un fenomeno di cui ho parlato con altri attori che è davvero difficile da descrivere a meno che non si corra nei boschi simulando il terrore per sei mesi all’anno, ogni anno. Il tuo corpo non conosce la differenza tra il reale e l’immaginario, almeno non nel modo in cui lavoro io. Se sono terrorizzata, iperventilo e scappo da qualcosa, allora sto davvero vivendo quella situazione.

L’esperienza di Paulson in American Horror Story è iniziata con un ruolo ricorrente in Murder House. Dopo la sua performance nella stagione di debutto, ha avuto un ruolo principale in tutte le stagioni successive fino alla stagione 10, ad eccezione della stagione 9. Questo ha incluso la ripresa di ruoli passati, come Billie e Lana Winters in Asylum, interpretando allo stesso tempo altri personaggi principali.

Paulson è al primo posto ex aequo come attrice che è apparsa nel maggior numero di stagioni di American Horror Story. Il suo contendente è Evan Peters, che è apparso in tutte le stagioni in cui ha recitato lei. Data la sua longevità nella serie e i numerosi ruoli che ha interpretato, il prezzo che ha pagato rende sensata la sua pausa dalla serie.

Ma non è una pausa che durerà per sempre. Tornerà per un ruolo non ancora rivelato nella American Horror Story – stagione 13, che debutterà il 31 ottobre 2026 su FX. Altri membri del cast che torneranno sono Evan Peters, Jessica Lange, Emma Roberts, Kathy Bates, Angela Bassett, Billie Lourde, Leslie Grossman e Gabourey Sidibe, insieme al debutto di Ariana Grande nella serie.

Dopo essere apparsa per l’ultima volta nella serie nel 2021, sembra che Paulson sia pronta a tornare. Tuttavia, la sua dichiarazione chiarisce che tornare più volte per lo stesso tipo di progetto a tema horror non fa bene alla sua salute mentale. Le permette anche di dedicarsi ad altri progetti, come il film Hold Your Breath e la serie TV The Bear.

Il terrore di cui parla rende chiaro che probabilmente non apparirà nelle stagioni consecutive di American Horror Story, se la serie dovesse continuare oltre la stagione 13. Anche così, non si può negare l’impatto che ha avuto sulla serie, rendendola un punto fermo della sua carriera e rendendola una presenza protagonista per la maggior parte delle sue storie.