Gli anni Settanta sono stati un decennio eccezionale per il cinema americano, con i registi della New Hollywood che hanno approfittato di una libertà artistica senza precedenti mentre il vecchio sistema degli studios declinava. L’atteggiamento verso il sesso, la violenza e le tematiche adulte si allentò e registi come Martin Scorsese, Robert Altman, Peter Bogdanovich, Roman Polanski e i loro contemporanei fiorirono creativamente, realizzando alcuni dei più grandi film dell’epoca. Alla fine, però, quella libertà divenne una lama a doppio taglio. Sul finire del decennio, alcuni noti progetti cinematografici divennero così imponenti e troppo ambiziosi da affossare l’intero movimento. Tra questi vi è anche Apocalypse Now di Francis Ford Coppola.

Sebbene non sia stato disastroso come l’epico fallimento di I cancelli del cielo di Michael Cimino – il film ampiamente considerato come quello che ha messo il chiodo finale nella bara della Nouvelle Vague americana – Apocalypse Now ha mostrato molti segni simili della creatività e dell’ego incontrollati di un regista. Coppola, il regista premio Oscar di Il padrino e Il padrino – Parte II, ha portato l’autorialità a livelli di eccesso stravaganti con la sua fantasticheria infernale su “Cuore di tenebra” di Joseph Conrad.

La produzione di Apocalypse Now è diventata una leggenda del cinema, tanto folle da giustificare un documentario a sé stante, “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”. Lavorando con lo sceneggiatore John Milius, il grande progetto di Coppola era però quello di portare il pubblico “attraverso un’esperienza di guerra senza precedenti e farli reagire come coloro che avevano vissuto la guerra”. Considerato oggi come il film per eccellenza sul tema de “la guerra è un inferno”, ci sono pochi dubbi sul fatto che ci sia riuscito. Ma che dire della sua fonte letteraria e di quel finale sconvolgente e ossessionante?

Di cosa parla esattamente Apocalypse Now?

Il capitano Willard (Martin Sheen), un agente speciale, sta impazzendo in una stanza d’albergo di Saigon prima che gli venga offerta una missione molto speciale. Gli viene affidato il compito di risalire il fiume nella vicina Cambogia per infiltrarsi nell’accampamento del colonnello Kurtz (Marlon Brando), berretto verde altamente decorato, che opera brutalmente al di fuori del controllo del Pentagono. La missione di Willard è di porre fine al comando di Kurtz con “estremo pregiudizio”. Per raggiungere la sua destinazione, Willard si imbarca su una barca di pattuglia fluviale della Marina degli Stati Uniti.

Mentre lui e l’equipaggio risalgono lentamente il fiume, si imbattono in episodi sempre più orribili e allucinanti, che vanno dall’attacco di un elicottero cannoniere a un villaggio controllato dai vietcong a uno spettacolo di danza delle Playmate di Playboy nel profondo della giungla. Gradualmente, l’equipaggio di Willard cade uno dopo l’altro nei terrori della giungla, prima che i sopravvissuti arrivino al complesso di Kurtz, disseminato di cadaveri. Dopo che l’attacco aereo preordinato sul posto è stato annullato, Willard attinge al suo cuore di tenebra per liberarsi del tormentato e contaminato colonnello Kurtz.

Il libro che ha ispirato il film

Attingendo alle sue esperienze di lavoro in una compagnia commerciale belga che solcava il fiume Congo, il romanziere Joseph Conrad ideò una storia su Kurtz, un uomo che prende il controllo di una stazione commerciale nell’interno del paese e instaura un regime brutale, venerato come un semidio dalle tribù locali. Ne nacque una novella intitolata “Cuore di tenebra”. Il protagonista della storia, Marlow, viaggia attraverso la giungla e risale il fiume per incontrare il signor Kurtz, che ha una reputazione misteriosa e temibile nella regione. Le voci suggeriscono inoltre che sia gravemente malato. Quando Marlow e il suo equipaggio arrivano all’accampamento di Kurtz, decorato con teste mozzate di indigeni, si conferma l’idea che i metodi del commerciante d’avorio sono diventati orripilanti.

Conrad usa Kurtz come critica al dominio belga in Congo, dove commercianti e avventurieri, avvantaggiati rispetto agli indigeni dalla loro tecnologia superiore, sfruttano il loro potere e sfociano in un trattamento brutale e disumano degli abitanti del luogo. Questo riflette anche il quadro più ampio del saccheggio del continente da parte delle nazioni europee durante lo Scramble for Africa alla fine del XIX secolo. Il titolo stesso, “Cuore di tenebra”, ha un doppio significato, riferendosi al viaggio del protagonista nelle profondità del cosiddetto “continente nero”, ma anche agli abissi di violenza e depravazione di cui l’uomo è capace attraverso la lussuria e l’avidità.

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La spiegazione del finale di Apocalypse Now

Sebbene le trame di base siano simili, Coppola e Milius aggiungono anche la dimensione della guerra, facendo un parallelo tra la spartizione dell’Africa e il coinvolgimento degli Stati Uniti nel conflitto in Vietnam. Willard è il protagonista ma, come Kurtz, si trova sempre più lontano dalla civiltà quanto più si spinge all’inseguimento del suo obiettivo. Il comportamento di Kurtz suggerisce che la guerra ha un effetto disumanizzante su coloro che vi partecipano, soprattutto se viene dato loro un potere e un’influenza incontrollati sui “selvaggi” che intendono dominare. È evidente fin dall’inizio che Willard non è nelle migliori condizioni mentali.

Alla fine, si è liberato di tutte le norme della correttezza occidentale ed è diventato lui stesso “nativo”, aggirandosi per il complesso di Kurtz mezzo matto e mezzo nudo. Come abbiamo visto gli adoratori di Kurtz macellare cerimoniosamente un bufalo d’acqua, Willard fa lo stesso con Kurtz. L’implicazione è che Kurtz era un’utile bestia da soma per l’esercito americano fino a quando non è diventato un peso, quindi doveva essere sacrificato. Dopo l’uccisione di Kurtz, i suoi seguaci sembrano pronti ad accettare Willard come nuovo sovrano. Invece, egli salpa con l’ultimo superstite del suo equipaggio. Il finale è ambiguo: Willard è sfuggito al ciclo, sapendo che, se prenderà il posto di Kurtz, un altro assassino sarà inviato per lui?

Oppure, liberato dalle ultime vestigia di un comportamento civile, si sta dirigendo fuori dalla mappa per creare il proprio feudo? Potrebbe essere solo diretto a casa, ma è difficile credere che possa più esserci una casa per Willard. Mentre altri film hanno rappresentato i conflitti armati in modo più accurato e viscerale, nessuno si è avvicinato tanto ad Apocalypse Now nel catturare l’impatto psicologico della guerra. L’orrore vero, appunto. Per quanto riguarda l’effettivo significato del titolo del film, Apocalypse Now, il co-sceneggiatore John Milius ha spiegato che è antecedente alla concezione del film e che è stato ispirato dai distintivi che vedeva sfoggiare dagli hippy.

Il titolo gli venne in mente perché gli hippy dell’epoca avevano delle spille con i segni della pace con la scritta “Nirvana Now”. Le parole di Milius sono in linea con il moderno significato inglese della parola “apocalypse”, che connota un cataclisma massiccio e distruttivo, forse visto come una rivelazione profetica. Tuttavia, la parola “apocalisse” affonda le sue radici nel termine greco apokálupsis, che significa “scoprire” o “rivelare”. Anche se forse Coppola e Milius non hanno fatto questo collegamento esplicito, si potrebbe ipotizzare che sia per Willard che per Kurtz la guerra abbia tolto le loro illusioni e giustificazioni interiori per rivelare l’ipocrisia e l’immoralità della loro guerra imperialistica.

Whitney – Una voce diventata leggenda (qui la recensione) è basato sulla storia vera della vita e della carriera dell’iconica cantante. Whitney Houston, soprannominata “The Voice”, è una delle artiste di maggior successo di tutti i tempi, avendo battuto record e venduto più di 200 milioni di dischi in tutto il mondo nel corso della sua carriera. Ad oggi, sono stati realizzati ben cinque film su di lei, tra documentari e lungometraggi. Diretto da Kasi Lemmons su sceneggiatura di Anthony McCarten, il film si ispira dunque alla sua vita, anche se alcuni elementi non vengono approfonditi o raccontati fedelmente rispetto a come si sono realmente svolti.

Come noto, le biografie, pur essendo basate sulla verità, possono infatti includere solo una parte della storia e a volte esagerano alcuni aspetti della vita di un musicista per far valere le proprie ragioni (ne sono un esempio titoli come Bohemian Rhapsody, Rocketman o il più recente A Complete Unknown). Il biopic su Whitney Houston offre uno sguardo sulla vita e sull’ascesa alla fama della celebre cantante, ma c’è molto di più nella storia che il film tralascia e ci sono domande che sorgono dopo aver visto alcune scene di Whitney – Una voce diventata leggenda. In questo approfondimento esploriamo proprio il rapporto tra il film e la realtà.

La storia vera dietro il film: Whitney Houston era bisessuale? La realtà sulla relazione con Robyn Crawford

Whitney – Una voce diventata leggenda si concentra brevemente sulla relazione romantica tra la cantante e Robyn Crawford, che diventerà la sua direttrice creativa. In realtà, la Crawford ha confermato che hanno avuto una relazione intima nel suo libro di memorie, A Song for You: My Life with Whitney Houston, anche se ha anche dichiarato a People che lei e la Houston non hanno mai effettivamente definito la loro relazione. Questa, in ogni caso, è durata solo due anni. La Houston decise infatti di chiudere la storia tra lei e la Crawford per paura di ciò che la gente avrebbe detto e di come avrebbe influenzato le loro vite, soprattutto dopo aver ottenuto un contratto discografico.

La Crawford e la pluripremiata cantante si sono quindi separate dal punto di vista sentimentale, ma sono rimaste migliori amiche per più di due decenni. All’inizio degli anni 2000, tuttavia, la Crawford ha posto dei limiti tra sé e la Houston a causa delle decisioni che la cantante stava prendendo nella sua vita privata, tra cui la sua continua dipendenza dalle droghe. Bobby Brown, l’ex marito di Whitney Houston, ha anche confermato che la Crawford e la cantante hanno avuto una relazione sentimentale, e sostiene che la madre della Houston, Cissy, era contraria e voleva licenziare la Crawford dalla sua posizione di assistente della Houston.

Whitney Houston ha frequentato Jermaine Jackson?

Whitney Houston avrebbe inoltre frequentato Jermaine Jackson per un anno, come accennato in Whitney – Una voce diventata leggenda, e si dice che i due abbiano avuto una relazione mentre Jackson era ancora sposato con l’allora moglie Hazel Gordy. Sebbene Jackson non abbia mai parlato della loro relazione, sua sorella La Toya Jackson ha affermato che suo fratello “ha con loro ammesso che hanno avuto una relazione”. Si sostiene inoltre che la canzone di Whitney Houston “Saving All My Love for You” fosse dedicata proprio a Jermaine Jackson, anche se ciò non è mai stato confermato. Inoltre, la Houston avrebbe avuto un’infatuazione per Eddie Murphy alla fine degli anni ’80, anche se secondo la Crawford lui non avrebbe ricambiato.

Bobby Brown ha abusato di Whitney Houston?

La relazione sentimentale tra Bobby Brown e Whitney Houston fu turbolenta e fece spesso notizia, soprattutto negli ultimi anni di matrimonio. Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Bobby Brown fosse violento nei confronti di Whitney Houston, e in un’intervista a 20/20 ha confermato di aver colpito la Houston una volta. Brown ha però negato le accuse di essere stato violento nei confronti della Houston al di là dell’incidente ammesso, ma ha rivelato che gli ultimi anni del loro matrimonio sono stati piuttosto terribili.

Chi era Barbara Houston?

Barbara Houston si intravede in tutto il biopic musicale e si percepisce il gelo e la distanza tra lei e Whitney. Il loro rapporto nella vita reale era altrettanto teso. Barbara Houston, che ha 40 anni in meno di John Houston, alla fine lo ha sposato, anche se i due avevano una relazione che sarebbe iniziata quando John era ancora sposato con Cissy, la madre della Houston. Ciò che il film tralascia è però la causa intentata da Barbara contro Whitney, che sosteneva che la cantante fosse l’unica beneficiaria dell’assicurazione sulla vita di John Houston e che il denaro sarebbe stato utilizzato per pagare il mutuo di Barbara e John, mentre il denaro rimanente sarebbe andato a Barbara.

Tuttavia, Whitney Houston ha presentato una domanda riconvenzionale contro la matrigna, sostenendo che l’assicurazione sulla vita doveva servire a ripagare la cantante per il denaro che il padre le aveva prestato anni prima. Nel 2010, un giudice ha dato ragione alla Houston, attribuendole la proprietà dell’ipoteca di Barbara, il che significava che poteva decidere di pignorare la casa e lasciare la matrigna senza nulla. I rapporti tra Whitney Houston e Barbara Houston non erano buoni e la brutta causa rese pubblico il disprezzo della cantante per la nuova  moglie del padre.

Cosa è successo davvero tra Whitney Houston e suo padre?

Il rapporto tra Whitney Houston e suo padre era altrettanto complicato. John Houston divenne il manager della cantante e l’amministratore delegato della sua società, e Whitney – Una voce diventata leggenda sostiene che Houston padre abbia anche preso in prestito del denaro dalla figlia, il che sembra sia stato uno degli elementi che hanno portato i loro rapporti ad inasprirsi nel tempo. L’uomo avrebbe infatti preso in prestito 723.000 dollari da Whitney Houston nel 1990, ma è stata la causa da 100 milioni di dollari che ha intentato contro la celebre cantante nel 2002 per violazione del contratto a mettere in luce il loro rapporto tumultuoso.

La causa sosteneva che Whitney Houston non aveva pagato John o la sua società per i servizi che le avevano fornito, come l’assistenza legale dopo essere stata beccata con la droga alle Hawaii e la negoziazione dei termini del contratto da 100 milioni di dollari con la Arista Records. John Houston cercò persino di fare appello alla figlia in televisione. Il patriarca degli Houston morì però poco dopo, nel 2002, e la causa fu archiviata nel 2004.

Come è morta Whitney Houston?

Whitney – Una voce diventata leggenda evita di mostrare la tragica morte della cantante. Tuttavia, il biopic allude all’evento, avvenuto alcune ore prima della festa pre-Grammy del produttore musicale Clive Davis. Whitney Houston è morta per annegamento accidentale nella vasca da bagno della sua camera d’albergo al Beverly Hilton. Secondo il referto dell’autopsia, anche gli effetti di una “cardiopatia aterosclerotica e l’uso di cocaina” hanno contribuito all’annegamento accidentale della cantante-attrice. La Houston aveva infatti una nota storia di uso di cocaina e sul bancone del bagno è stata trovata della polvere bianca, il che fa pensare che la cantante avesse usato la sostanza.

Piuttosto che concentrarsi sulla sua morte e sui fattori che vi hanno contribuito, però, il film celebra la voce dell’iconica cantante all’apice della sua carriera, scegliendo di incentrare la scena finale del film sull’esibizione di Whitney Houston agli American Music Awards del 1994. Questa decisione allontana la tragedia della sua morte e gli ultimi anni tumultuosi della Houston e serve a ricordare la voce potente e bellissima che aveva e la gioia che portava agli altri quando usava il suo enorme talento. Il pubblico esce così dal film con un momento luminoso nella vita di Whitney Houston invece che con quello buio della sua morte.

The Hill, ora disponibile su Netflix, è un dramma sportivo di grande ispirazione che ha un impatto ancora maggiore se si considera che l’incredibile storia di Rickey Hill è basata su una storia vera. Il film è interpretato da Colin Ford nel ruolo di Rickey Hill, un giovane uomo affetto da una malattia degenerativa della colonna vertebrale che allo stesso tempo insegue il suo sogno di giocatore di baseball. È il tipo di storia poco conosciuta di un eroe sportivo che può raggiungere un pubblico più ampio. Con The Hill, che riporta in vita l’incredibile storia di Rickey Hill, altri potranno infatti trovare ispirazione nel suo percorso di determinazione e perseveranza.

Oltre a Ford che interpreta il ruolo principale, il cast del film comprende attori come Dennis Quaid e Scott Glenn, che danno vita ad alcune delle figure reali della storia di Hill. Il film bilancia così l’emozione di vedere la carriera di Rickey Hill nel baseball diventare realtà con le profonde difficoltà legate ai suoi problemi di salute. Alla fine si tratta di una storia avvincente ed edificante, ma la vera storia di Rickey Hill è ancora più affascinante di quella che si vede nel film.

Rickey Hill è nato con un disturbo degenerativo della colonna vertebrale

Oltre a essere un film sul baseball, The Hill è anche la storia del disturbo degenerativo della colonna vertebrale di Rickey Hill, che è nato con un disco mancante dalla spina dorsale. Dalla nascita all’età di 4 anni, Hill è stato sottoposto a innumerevoli interventi chirurgici per permettergli di camminare. All’età di 5 anni, Hill ha iniziato a indossare tutori per le gambe che gli hanno permesso di camminare, anche se non del tutto normalmente. Questo lo ha portato a dover ovviamente affrontare i bulli e il giudizio dei suoi coetanei.

Purtroppo, all’epoca della diagnosi di Rickey Hill, alla fine degli anni Cinquanta, non si poteva fare molto di più per lui, che continuò quindi a portare i tutori per le gambe, riuscendo però a crescere giocando come tutti gli altri bambini. Secondo Hill, la sua infanzia è stata caratterizzata da difficoltà e povertà, anche a prescindere dai suoi problemi di salute. È infatti cresciuto nella zona di Fort Worth, in Texas, figlio di un povero predicatore battista.

Hill ha raccontato a The Athletic che la sua famiglia era talmente in difficoltà che a volte mangiava “cibo per cani dalla lattina”. Nonostante le difficoltà, Hill ha fatto il possibile per vivere come un bambino normale. Secondo un’intervista rilasciata a Risen Magazine, Hill colpiva i sassi tutto il giorno, esercitando il suo caratteristico swing da baseball. Alla fine, questo fu l’inizio del suo viaggio nel baseball professionistico.

Rickey Hill è stato un giocatore di baseball della Minor League

Sebbene Rickey Hill abbia affrontato ostacoli come la sua malattia degenerativa della colonna vertebrale, la povertà della sua famiglia e i dubbi di chi lo circondava, alla fine è riuscito a diventare un giocatore di baseball della Minor League. La prima squadra in cui Hill giocò a baseball da professionista furono i Montreal Expos, con cui firmò nel 1975, all’età di 19 anni, e con cui disputò un totale di quattro stagioni nelle leghe minori. Secondo Hill, avrebbe effettuato 500 battute al giorno dall’età di 12 anni fino alla fine della sua carriera, intorno ai 22 anni.

Sorprendentemente, Rickey Hill non ha giocato con l’apparecchio per le gambe, ma ha trascorso tutta la sua carriera nelle leghe minori senza di esso. Nel corso di 201 partite, Hill ha avuto una media battuta di .298 con 26 fuoricampo e 116 RBI. Ha giocato per i Lethbridge Expos, i Rio Grande Valley White Wings, i Texas City Stars e i Grays Harbor Loggers. Inoltre, Hill era noto per il suo swing unico. Sebbene Hill abbia giocato a baseball da professionista solo per circa tre anni, il suo impatto è stato comunque ampiamente percepito grazie alla sua incredibile storia.

I sogni di Rickey Hill nel baseball si avverano

Alla fine, i sogni di Rickey Hill di diventare un giocatore di baseball professionista si sono dunque avverati, anche se per poco. Hill è passato dall’essere un bambino poverissimo del Texas, che secondo i medici non avrebbe mai camminato normalmente in vita sua, a calcare il campo da baseball professionistico per quattro intere stagioni. Inoltre, Hill non era solo un membro medio della squadra di baseball. Si è distinto in tutte le squadre in cui ha giocato per il suo talento e la sua propensione ai fuoricampo. In definitiva, Rickey Hill è diventato un personaggio di spicco della storia dello sport.

Il successo di Hill è impressionante per la sua condizione medica, ma soprattutto per il modo in cui ha dimostrato che i suoi coetanei si sbagliavano. Hill aveva molti detrattori che credevano che il suo sogno fosse impossibile, compresi i bulli della scuola e i professionisti del baseball. Anche suo padre, interpretato da Dennis Quaid, riteneva che il figlio non sarebbe mai diventato un giocatore di baseball professionista e lo spinse invece a diventare un predicatore. Pertanto, il raggiungimento dell’obiettivo da parte di Hill è ancora più soddisfacente perché dimostra che ogni dubbio, soprattutto quello del padre, era sbagliato.

Il disturbo alla colonna vertebrale di Rickey Hill ha accorciato la sua carriera nel baseball

Nonostante Rickey Hill abbia superato il suo disturbo alla colonna vertebrale per diventare un giocatore di baseball di serie B, la sua condizione alla fine ha avuto la meglio. Il fatto che Hill abbia smesso di giocare è una testimonianza di quanto la sua salute dovesse essere cagionevole all’epoca perché Hill era dell’idea: “Non esiste la parola smettere, non l’ho mai sentita nominare“. Nonostante ciò, sembrava che anche quando Hill giocava a baseball soffrisse costantemente. Durante la stagione di baseball del 1978, Hill giocava per i Grays Harbor Loggers, quando il suo corpo finì per cedere a causa dello stress del baseball.

Cosa è successo a Rickey Hill dopo il baseball

Dopo il ritiro dal baseball, Rickey Hill si è dedicato alla condivisione della sua storia. Il fratello di Hill documentò il viaggio di Rickey e da lì, molti narratori e registi diversi cercarono di occuparsi della storia di Rickey. Tuttavia, Rickey e suo fratello sono stati severi nel decidere a chi affidare la storia e, dopo molte ricerche, hanno scelto Jeff Celentano, il regista di The Hill. Per quasi 20 anni, gli Hill hanno lavorato con Celentano per rappresentare perfettamente il trionfo di Rickey, portandola infine sullo schermo nel 2023. Il film si è poi affermato come un grande successo in streaming, e tutto il duro lavoro di Rickey Hil è stato nuovamente apprezzato.

C’è un film recente del premio Oscar Ben Kingsley poco noto ma che è una piacevole sorpresa. Si tratta di Jules, diretto da Marc Turtletaub, film perfettamente sentimentale e punteggiato da un tocco fantascientifico che lo rende coinvolgente e unico, ma comunque toccante. Il film segue Milton, un anziano dall’aspetto triste che vive da solo. La piccola città di Milton, in Pennsylvania, ha uno slogan che non approva perché sembra che si possa chiamare la città con un telefono piuttosto che “chiamare” casa. Il secondo grande problema di Milton con la città è che l’incrocio che porta a casa sua è un’area a rischio di incidenti.

L’anziano ritiene pertanto che il consiglio comunare dovrebbe fare qualcosa per risolverlo. Ogni settimana, dunque, gli abitanti della città si riuniscono e Milton si ripete alle riunioni del consiglio su questi due grandi problemi. In realtà, egli non ha nient’altro che lo tenga occupato. Sua figlia è veterinaria e non ha tempo da dedicare a lui e si è allontanato dal figlio. Milton è semplicemente un vecchio solitario finché, un giorno, un’astronave atterra nel suo giardino e da quel momento la sua quotidianità prende una piega inaspettata.

Milton incontra un alieno

Milton chiama immediatamente la polizia perché l’astronave è atterrata sulle sue azalee. Le piante che ha fatto crescere con fatica sono state schiacciate in pochi secondi. L’operatore pensa però che stia facendo uno scherzo e gli riattacca il telefono. Milton non ha altro da fare se non tornare a dormire. Alla riunione successiva, parla però dell’alieno e della sua astronave, delle strisce pedonali e dello slogan della città. Anche in questo caso, nessuno gli crede e Joyce, un’altra anziana della città, gli dice di smetterla di dire sciocchezze o il consiglio non prenderà sul serio le loro richieste.

Quella notte, però, Milton trova un alieno disteso sul suo patio. All’inizio ha paura, ma poi diventa piuttosto disinvolto perché l’alieno non gli fa alcun male. Milton fa entrare l’alieno in casa sua e gli dà cibo e acqua. L’alieno trova una predilezione per le mele e Milton corre quindi al negozio di alimentari per comprarne altre. Dice all’aiutante che si trova lì esattamente quello che sta facendo. In cambio, l’aiutante decide di riferire la notizia a sua figlia, per preoccupazione.

Dopo qualche giorno, Sandy, un’altra anziana del quartiere, si presenta alla porta di Milton per prendere alcune stampe. Milton la fa entrare senza alcuna remora, del tutto non preoccupato che possa vedere l’alieno. Sandy all’inizio rimane infatti stupita, ma capisce che non può perdere l’occasione della sua vita. Ma c’è un problema: Milton ha lasciato le cose in casa nel posto sbagliato e l’incontro con il fruttivendolo lo ha messo in crisi con la figlia Denise. Lei gli fa quindi promettere di andare a una visita medica.

Sembra infatti che Milton stia perdendo lentamente la memoria e si stia avviando verso la demenza o l’Alzheimer di qualche tipo. Il medico gli suggerisce di iniziare a cercare delle opzioni di vita assistita e lui si infuria, definendo l’intero piano di Denise una montatura. Milton chiede a Sandy di fare da babysitter all’alieno durante il suo appuntamento e lei apre allora il suo cuore a questo alieno che non parla una sola parola. Trova i suoi occhi molto comprensivi e ha persino un crollo emotivo. Ben presto, Sandy inizia così a frequentare l’alieno e Milton. Anche Milton trova qualcosa con cui riempire le sue giornate vuote e diventa molto più gioviale del solito.

Tornato a casa, un Milton frustrato dice quindi a Sandy che a livello di salute è tutto a posto, ma fuori ha una conversazione a cuore aperto con l’alieno mentre lavora per riparare la sua astronave. In tutto questo tempo, l’alieno disegna gatti e li regala a Milton, che pensa siano un dono. Tutto va bene e Sandy decide di dare all’alieno un nome e una maglietta. Il nome deciso è Jules e un giorno, mentre stanno cenando con Jules, arriva Joyce. Con tutto quello che si dice al telegiornale su un incidente satellitare, sa che c’è qualcosa di strano e crede improvvisamente a Milton. A questo punto, i tre si uniscono per Jules perché è un tesoro e non possono permettere che qualcuno o qualcosa gli faccia del male.

La spiegazione del finale di Jules

Un giorno fatidico, Sandy riceve la visita di un ragazzo. Si presenta come membro di un’associazione di giovani che parlano di conversazioni con gli anziani, come lei. È un esperimento che sta provando, in cui i giovani possono incontrare gli anziani e fare un tuffo nel loro bagaglio di saggezza ed esperienza. Questo ragazzo, però, ha altre intenzioni e cerca di rubare alcuni gioielli di Sandy. La donna lo trova e dice che chiamerà la polizia. Il ragazzo tenta allora di soffocarla a morte, ma Jules capisce che Sandy è in pericolo e finisce per far esplodere la testa dell’aggressore. Sandy viene poi interrogata dalla polizia, ma non ci sono prove di nulla. Torna a casa di Milton e ringrazia Jules per averle salvato la vita, raccontando agli altri quello che è successo.

Come aveva previsto Joyce, Jules disegna gatti perché ne ha bisogno per la sua astronave. Ma questi gatti devono essere morti, così quando la casa inizia a puzzare, i tre vedono un gatto morto fuori. Milton e Sandy vanno poi a cercare altri gatti morti per le strade, che vengono pattugliate da un’auto della polizia. Dopo l’incidente, si sospetta infatti che Sandy abbia avuto contatti con l’alieno. Anche Joyce trova alcuni gatti, ma alla fine gliene manca uno. La donna possiede un gatto suo che è vecchio, cieco e sordo. All’inizio, quando Milton suggerisce di uccidere il gatto di Joyce, lei rifiuta l’idea, ma poi capisce che sarebbe meglio per il gatto. Jules, tuttavia, non fa esplodere la testa del gatto, ma gli mostra pietà.

Jules torna a casa sua?

I gatti si rivelano dunque essere il carburante per l’astronave di Jules e, grazie a un tessuto di paillettes argentate che l’alieno usa per coprire i gatti, diventano una capsula di carburante. Jules sta per partire, ma offre loro un posto sull’astronave. Milton decide di andare con Jules perché non vuole che sua figlia lo veda peggiorare sempre più. D’altra parte, ha anche cercato di riallacciare i rapporti con il figlio, che però non l’ha mai richiamato. Denise, tuttavia, lo chiama e gli dice che vuole passare del tempo con suo padre e che gli vuole bene. Non voleva farlo sentire come se stesse impazzendo, ma era solo preoccupata. Milton ripensa a quello che sta facendo, ma ormai ha deciso.

Prima che gli altri due possano terminare i loro saluti, gli agenti dell’FBI si presentano alla porta. Tutti salgono sull’astronave e Jules li porta in un punto sicuro della Terra per poter poi tornare a casa. Durante il breve tragitto, Milton decide di rimanere indietro, probabilmente a causa delle parole di Denise, e saluta l’amico Jules. L’alieno osserva i tre amici da una finestra della sua astronave. Rivediamo poi Milton qualche tempo dopo – potrebbero essere giorni o mesi – e le sue condizioni sono profondamente peggiorate. Tuttavia, si ricorda di Jules, come capiamo dalla sua conversazione con Sandy e Joyce.

La presenza di Jules ha creato una bella amicizia tra queste tre persone, che ora si sostengono a vicenda nei momenti difficili. Alla luce di questo finale, Jules può dunque essere interpretato in diversi modi. L’interpretazione più positiva potrebbe essere che alla fine, quando Milton è solo a casa, Jules viene di tanto in tanto a trovarlo. Ma la visione più cinica potrebbe essere che il tempo di Milton è scaduto e, mentre sta lasciando il suo corpo, pensa che le luci lampeggianti siano l’astronave di Jules e che dunque tutto quello che ne è seguito non è che un sogno.

In definitiva, il messaggio di Jules riguarda la solitudine e la mente degli anziani. A volte possiamo dire una cosa o due ai nostri genitori per preoccupazione, ma in realtà li feriamo. D’altra parte, la presenza di Jules nella vita di Milton è quasi un miracolo per lui. Ottiene una famiglia, qualcosa da fare e qualcuno di cui occuparsi invece di sprecare sé stesso senza fare nulla. Anche dopo la scomparsa di Jules, Milton ha ancora amici che si prendono cura di lui e che lo capiscono profondamente.

Presencias è un film messicano del 2022 diretto da Luis Mandoki, autore noto per il suo lavoro tanto nel cinema internazionale (Message in a Bottle, Innocent Voices) quanto in quello latinoamericano. Con questo film, Mandoki torna dietro la macchina da presa per firmare un thriller che si muove con intelligenza ai confini tra l’horror psicologico e il dramma investigativo, mescolando suggestioni di genere con una riflessione più profonda sulla colpa, il trauma e la verità repressa.

Mandoki costruisce infatti una narrazione densa di atmosfera e tensione, utilizzando gli stilemi del thriller per esplorare temi come il confine tra sogno e realtà, il trauma, il senso di colpa e la responsabilità individuale. Il risultato è un’opera che, pur inscrivendosi nel genere del mystery-horror, si distingue per il suo sottotesto sociale e la sua carica emotiva, mantenendo un equilibrio tra inquietudine visiva e introspezione narrativa. Proprio per ciò, in questo articolo, proponiamo una spiegazione del finale di Presencias e del suo significato più propofondo.

La trama di Presencias

Protagonista del film è un attore di nome Victor (Alberto Ammann) che, accompagnato dalla moglie Alicia (Andrea Santibañez), ritorna nella sua casa di famiglia con l’intenzione di venderla. Il soggiorno, però, lo costringe a confrontarsi non solo con i ricordi felici della sua infanzia in quel posto, ma anche con il trauma della morte della sorella, annegata nel lago. Durante la loro prima notte nella casa, infatti, poco prima che Alicia annunci a Victor di essere incinta, una presenza misteriosa li attacca brutalmente. Alicia viene uccisa, mentre Victor si risveglia in ospedale senza alcun ricordo di quanto accaduto.

Le indagini vengono però presto archiviate per la mancanza di prove e di testimoni, ma il dolore e la disperazione spingono Victor a scappare dall’ospedale per tornare nella casa, deciso a scoprire la verità sulla morte di Alicia. Le uniche disposte ad aiutarlo sono la giovane Paulina (Yalitza Aparicio, attrice candidata all’Oscar per il film Roma) e la sua vecchia tata Maria (Angelina Peláez). I tre, tuttavia, si troveranno ad avere a che fare con qualcosa di assolutamente inaspettato e sconvolgente.

La spiegazione del finale del film

Nel finale del film Presencias, Víctor giunge a una scoperta devastante: è lui l’autore dell’omicidio della moglie Alicia, avvenuto nella casa di famiglia dove i due si erano ritirati in attesa della nascita del loro primo figlio. Dopo essersi risvegliato in ospedale, Víctor è convinto che l’assassinio sia opera di qualcun altro e comincia a credere che forze sovrannaturali infestino il bosco e l’abitazione. Tuttavia, a poco a poco, ricordi rimossi e frammenti di memoria riaffiorano, fino a riportargli l’immagine nitida del momento in cui lui stesso ha tolto la vita ad Alicia.

Nel corso della narrazione, Víctor si lascia consumare dai sospetti verso il fratello Manolo e alcuni vicini, ma la verità si rivela ben più inquietante. Scopre di essere affetto da episodi di sonnambulismo violento, una condizione di cui non era pienamente consapevole e che in passato aveva già causato la morte accidentale della sorellina. La medesima condizione ha portato, inconsciamente, all’uccisione di Alicia. L’ultimo colpo di scena del film rivela infine che anche Manolo è stato vittima di Víctor, eliminato in uno stato di incoscienza durante un nuovo episodio, completando così il tragico cerchio della sua colpa.

Il film si conclude così con Víctor schiacciato dal peso della colpa e dell’orrore per le sue azioni: sopraffatto dal dolore, sceglie infine di porre fine alla propria esistenza. Il suo gesto segna così la chiusura di una spirale di violenza innescata da traumi irrisolti e da una condizione patologica che lo aveva reso, senza saperlo, artefice di tragedie irreparabili. Un finale indubbiamente cupo, anticipato silenziosamente da diversi elementi presenti nel corso della narrazione.

Il significato del film Presencias

Alla luce di questo finale, in Presencias la casa di famiglia si svela essere simbolo del trauma sepolto. La dimora in montagna, che doveva rappresentare un luogo di pace e riconciliazione col passato, è invece un luogo di memoria corrotta. Ogni scricchiolio, ogni ombra, rappresenta un frammento del dolore di Victor, ma anche le colpe invisibili di una comunità complice nel tacere. La casa è un vero e proprio personaggio in sé: un luogo che custodisce verità scomode sotto il velo del tempo.

Per quanto riguarda le misteriose presenze, esse sono la metafora della verità repressa. Il titolo Presencias si carica infatti di ambiguità: le presenze che inquietano Victor non sono spettri, ma verità che rifiuta di vedere. Sono i ricordi negati, le colpe dimenticate, le complicità taciute. Quando finalmente affronta il colpevole e svela l’inganno, Victor non sta solo risolvendo un caso, ma sta compiendo un atto di liberazione personale: vedere davvero ciò che era sempre stato lì, ma nascosto sotto la paura e la rimozione.

Il finale, però, pur segnato dalla violenza, è anche catartico. Non ci sono fantasmi da esorcizzare, ma colpe da svelare. La verità, una volta portata alla luce, libera Victor, seppur non nel modo in cui egli credeva. In questo senso, Presencias si propone come una riflessione sull’importanza del riconoscere dove si annida il male reale, non quello immaginato, e del potere della verità come strumento di giustizia e guarigione.

Gretel e Hansel di Oz Perkins (Longlegs, The Monkey) è un film tanto bello quanto strano, che dà una svolta ancora più cupa a una fiaba di 200 anni fa. Questo è il terzo film del regista, dopo February – L’innocenza del male del 2015 e Sono la bella creatura che vive in questa casa del 2016. Il film, a ritmo lento, è interpretato da Sophia Lillis nel ruolo di Gretel, Sammy Leakey in quello di Hansel e Alice Krige in quello di Holda/la strega.

Come i due film precedenti di Perkins, Gretel e Hansel è ricco di atmosfera. C’è un uso brillante del colore in tutto il film, che dimostra che ogni scena è stata girata con un look specifico in mente. Il film si insinua con un terrore inquietante che a volte può sembrare melassa, ma è difficile non ammirare il mondo che è stato creato. Si tratta di un’opera d’arte inquietante che fa sentire il pubblico come se fosse all’interno di una fiaba.

La sinossi del film è abbastanza simile alla storia originale. Due fratelli si perdono nel bosco e si imbattono in una casa che profuma di cibo delizioso. All’interno della casa c’è un banchetto e una vecchia donna di nome Holda con dita e denti neri, che invita i bambini a rimanere a mangiare. Naturalmente, Holda è in realtà una strega divoratrice di bambini che ha dei piani per Gretel e Hansel.

Cosa succede nel finale di Gretel e Hansel

Dopo aver fallito nel tentativo di avvelenarla, Gretel viene portata nella stanza sottostante la casa e il piano di Holda viene rivelato. Per far crescere i suoi poteri, la strega intende cucinare e dare in pasto Hansel a Gretel. La ragazza viene quindi legata a un tavolo da pranzo e costretta ad assistere alla morte del fratello. La strega fa salire Hansel su una scala con una gabbia in cima, dove verrà arrostito vivo sul fuoco. Gretel usa però le sue capacità psicocinetiche appena acquisite per far volare in aria il bastone di legno di Holda e bloccarla sopra il pozzo del fuoco, dove muore bruciata. Questo libera Hansel dal suo stato di trance.

Con la strega morta e i suoi nuovi poteri, Gretel incanta un cavallo e rimanda Hansel a casa con una borsa piena di pietre preziose e gioielli. Lei intende rimanere alla capanna per utilizzare i libri di Holda e accrescere i suoi poteri a favore delle forze del bene. In seguito si reca nel bosco che circonda la capanna dove vede le anime dei bambini uccisi dalla strega e li libera. Tuttavia, subito dopo, le dita di Gretel diventano nere, proprio come quelle di Holda. Il marchio del male indica a Gretel che la scelta di usare i suoi poteri solo per il bene potrebbe essere più difficile di quanto si aspetti.

Gretel diventerà la nuova strega cattiva?

Nonostante le sue intenzioni di sviluppare i suoi poteri a fin di bene, Gretel dovrà affrontare gli innati impulsi malvagi che le derivano da queste capacità. In un momento in cui si sta facendo strada e sta diventando una donna, deve trovare la sua strada, rendendo questo film un coming-of-age per il personaggio tanto quanto un film horror per tutti gli altri. Infatti, potrebbe diventare una divoratrice di bambini come la strega cattiva se non tiene sotto controllo il suo lato oscuro. Basta vedere come Holda stessa sia diventata la creatura malvagia che è.

Scopriamo che Holda ha mangiato due dei suoi figli per diventare più potente, ma non prima di essere stata corteggiata da un’oscurità tentatrice. Era una donna buona che alla fine ha ceduto al male e questa lotta per il potere è qualcosa con cui Gretel dovrà inevitabilmente confrontarsi. Anche la possibilità di una continuazione della storia di Gretel non è del tutto esclusa. In un’intervista in podcast con The Boo Crew, Oz Perkins ha dichiarato che l’idea era quella di creare un universo fiabesco, un luogo in cui più storie potessero condividere lo stesso mondo.

In particolare, ha dichiarato: “L’idea è che Gretel potrebbe certamente uscire da questo film e cacciarsi in altri guai”. È chiaro che Perkins ha investito nella storia e ha in mente di farne altre, se giustificate. Tuttavia, ad oggi non ci sono state notizie riguardo un possibile sequel, e con Perkins dedicatosi ad altri progetti sembra proprio che il racconto su Gretel sia concluso.

Gretel e Hansel parla del ricevere doni

Il tema principale del film, citato più di una volta, riguarda i doni. O al fatto di riceverli. Ciò che Holda vuole dai bambini viene messo in dubbio quando permette loro di stare nella sua capanna e di mangiare tutto il cibo che vogliono. Anche la faccia che Gretel lascia al pubblico quando le sue dita si anneriscono riecheggia il fatto che nessun dono è davvero gratuito. La lezione è semplice. Se sembra troppo bello per essere vero, probabilmente lo è. C’è sempre una fregatura.

La stessa fiaba del film all’interno della fiaba mette in scena fin dall’inizio, e volutamente, le potenziali conseguenze del ricevere un regalo. Una famiglia disperata, che in seguito si scoprirà essere quella di Holda, si reca da un’incantatrice per guarire il proprio figlio malato. L’incantatrice toglie la malattia al bambino, ma la sostituisce con un seme di oscurità sotto forma di dono magico. Alla fine, il costo del dono era molto peggiore della malattia che affliggeva il bambino e fu il motivo per cui Holda si trasformò nella strega cattiva che poi divenne in Gretel e Hansel.

Uscito originariamente nel 2010 e con un cast all-star che comprende Idris Elba, Jeffrey Dean Morgan, Zoe Saldana e un Chris Evans pre-Capitan America, la commedia d’azione The Losers (qui la recensione) – diretto dal regista francese Sylvain White – aveva il potenziale per essere un grande successo. Invece, ha finito per essere un gioiello per lo più dimenticato. Col tempo, però, il film ha trovato una nuova legione di spettatori che, a distanza di oltre dieci anni, stanno riscoprendo per la prima volta questa frenetica storia di tradimento e vendetta.

Il titolo del film si riferisce a un gruppo di agenti speciali delle operazioni segrete – Clay (Morgan), Roque (Elba), Jensen (Evans), Pooch (Columbus Short) e Cougar (Óscar Jaenada) – che iniziano la narrazione con una missione per distruggere il complesso di un signore della droga boliviano. Dopo che il raid va storto, però, l’elicottero di estrazione su cui dovevano trovarsi viene fatto esplodere dalla persona che dà loro gli ordini, un uomo misterioso conosciuto solo come Max (Jason Patric). Non solo i The Losers sono inorriditi dal fatto che uno dei loro superiori abbia cercato di ucciderli, ma l’elicottero era anche pieno di bambini che la squadra aveva salvato dal complesso.

Tradita e data per morta, la squadra decide che la mossa migliore è quella di nascondersi fino a quando non avrà la possibilità di recuperare la propria identità e vendicarsi. Ben presto scoprono di non essere gli unici a dare la caccia a Max. Mentre si trovano in Bolivia, incontrano Aisha (Saldana), che ha le sue ragioni per volere la morte del loro ex superiore. Con le risorse di Aisha riescono a rientrare di nascosto negli Stati Uniti e a rintracciare il loro obiettivo grazie a un losco affare di armi da un miliardo di dollari che lui sta orchestrando. Tuttavia, prima che il gruppo riesca a catturare il loro uomo, devono superare diversi ostacoli al loro piano.

La vera identità di Aisha viene scoperta

I The Losers fanno un grande passo avanti nella loro ricerca quando Jensen ottiene un hard disk rubato a Max. Non solo scoprono che contiene 400 milioni di dollari destinati a un affare nucleare sul mercato nero, ma apprendono anche che l’intera operazione in Bolivia era una montatura di Max. Aveva sempre avuto intenzione di usare il gruppo per uccidere lo spacciatore e poi eliminarli per coprire le sue tracce. Lo spacciatore, si apprende, era venuto a conoscenza dell’affare della bomba atomica di Max e rappresentava un potenziale ostacolo.

Questa sarebbe una rivelazione abbastanza sorprendente, ma non è nulla in confronto a ciò che Jensen scopre quando scava più a fondo nei file della chiavetta. Contiene informazioni sulle finanze dello spacciatore, tra cui l’identità del suo parente più prossimo: la figlia Aisha. Questa notizia è una sorpresa per la squadra, soprattutto per il caposquadra Clay, che ha instaurato un rapporto fisico piuttosto intenso con Aisha. Sebbene la squadra non si sia mai fidata completamente di lei, è chiaro che non si aspettavano di ritrovarsi come pedine nel suo gioco.

La rivelazione chiarisce anche al pubblico che tipo di persona è Aisha. L’unico obiettivo del personaggio è vendicarsi dell’omicidio del padre e tutto il resto – i The Losers, la sua nascente storia d’amore con Clay, qualsiasi parvenza di moralità – per lei non è altro che un mezzo per raggiungere un fine. Quando Clay le fa notare che suo padre era un uomo terribile, lei risponde semplicemente: “Non importa”. In un film pieno di personaggi moralmente discutibili, Aisha è forse quella che si trova più saldamente nella zona grigia. Tuttavia, il suo tradimento non è l’ultimo, né il più estremo, che la squadra deve affrontare.

La squadra affronta il suo più grande tradimento

Dopo la fuga di Aisha, la squadra si dirige verso il luogo dell’affare di Max con l’intenzione di porre fine ai suoi nefasti piani una volta per tutte. Ma quasi subito dopo l’arrivo, la squadra si rende conto di essere stata incastrata e Roque si rivela un traditore. “Dopo il fiasco di Miami, ho fatto un accordo, Clay”, dice, riferendosi al tentativo della squadra di dirottare un furgone blindato che credevano contenesse Max. Tuttavia, quando hanno aperto il furgone, hanno scoperto che Aisha aveva mentito e che conteneva solo un disco rigido. All’epoca, Roque era furioso e invitò Clay a uccidere Aisha e ad abbandonare la loro missione di vendetta.

Quando Clay lo implora di ricordare la loro vendetta contro Max, Roque risponde: “No, non voglio che paghi, rivoglio la mia vita. Ok? Rivoglio la mia vita“. Clay gli disse che se voleva andarsene, poteva farlo. Tuttavia, Roque non aveva modo di farlo legittimamente. La squadra è ufficialmente morta e ha dovuto attraversare di nascosto il confine per rientrare negli Stati Uniti. Sebbene Roque volesse chiaramente abbandonare tutto, senza soldi e senza un’identità ufficiale, le sue opzioni erano limitate.

Il fiasco di Miami ha anche messo in luce una grossa frattura tra Clay e Roque. Mentre Clay, nel profondo, è guidato dalla sua moralità, Roque è spinto dall’autoconservazione. Quando Clay si è rifiutato di bruciare Aisha e di abbandonare la missione di vendetta contro Max, Roque è andato nel posto che aveva più senso: direttamente da Max per scambiare i suoi ex compagni di squadra con denaro e un posto nella sua operazione.

Il nemico del mio nemico è mio amico

Dopo il tradimento di Roque, le cose sembrano particolarmente difficili per i Perdenti rimasti. Max è in procinto di acquistare le sue bombe atomiche sul mercato nero e le sue forze di sicurezza hanno schierato la squadra pronta per essere giustiziata. Tuttavia, all’ultimo momento, ricevono un importante aiuto da Aisha e dal suo lanciarazzi. Può sembrare uno sviluppo strano, visto che l’ultima volta che la squadra l’ha vista si sono scambiati colpi di pistola, ma come dice il vecchio detto: “Il nemico del mio nemico è mio amico”. Aisha rafforza ulteriormente la sua determinazione nella penultima scena del film.

Dopo essere stati liberati, i Perdenti uccidono il traditore Roque e disarmano la bomba atomica che Max minacciava di far esplodere. Tuttavia, l’uomo stesso riesce a sfuggire alla cattura. Quando le acque si calmano, Clay riceve una telefonata dalla mente criminale, che termina dicendo: “Ci vediamo presto, Max”. Clay invita Aisha a unirsi a loro per continuare la ricerca dell’uomo che tutti vogliono morto. Anche se non dice esplicitamente che spera che si riaccenda anche la loro relazione, lei sembra cogliere questa speranza e gli dice: “Quando tutto questo sarà finito e lui sarà morto, io e te finiremo quel ballo”.

Sebbene Aisha abbia mentito al gruppo in diverse occasioni, alla fine sembrano aver raggiunto una distensione. Finché tutti hanno in mente gli stessi obiettivi, le motivazioni personali di ognuno sono un po’ irrilevanti. L’attrice si dimostra persino disposta a collaborare con loro, aiutando Pooch a ricongiungersi con la moglie incinta nei momenti finali del film. Questa nota finale e la dinamica che si instaura costituiscono un’ottima premessa per un sequel. Sfortunatamente, questo non si è mai concretizzato.

Ci sarà mai un sequel di The Losers?

Considerando la natura irrisolta del finale e il fatto che The Losers è stato adattato dai primi due volumi di una serie a fumetti in più volumi, sembra molto probabile che il film sia stato originariamente prodotto con l’intenzione di realizzare un sequel. Quindi, cosa è successo? In un’intervista del 2018 di Fandom a Morgan, l’attore ha rivelato: “Ci sono storie di ogni tipo su ciò che è andato storto con quel film e sono per lo più cose di studio/produttori, e niente a che fare con il film stesso”.

Sebbene Morgan non abbia chiarito con esattezza il motivo per cui un sequel non si è mai concretizzato, questi problemi dietro le quinte, uniti al fatto che il film ha guadagnato poco più di 29 milioni di dollari al botteghino a fronte di un budget di 25 milioni, sono molto probabilmente la risposta. Morgan ha persino osservato: “Non è stato promosso come avrebbe dovuto, ad essere onesti”. C’è la possibilità di avere un sequel ora che il film sta trovando un nuovo pubblico? Anche se Morgan ha detto che sarebbe disposto a interpretare di nuovo Clay durante la sua intervista a Fandom, la prospettiva sembra piuttosto improbabile.