A Tokyo, Toru gestisce l’hotel Atlas, uno dei tanto Love Hotel del quartiere a luci rosse Kabukicho, dove, durante un giorno e una notte si incontreranno persone, amanti, finiranno storie, ci saranno liti.

Ryuchi Hiroki si è fatto le ossa nel cinema negli anni ’80, girando dei film softcore, chiamati pink eiga. Da lì è arrivato al Sundance Film Festival di Robert Redford e po, tornato in patria, ha ottenuto finalmente un discreto successo, con una serie di film con protagoniste femminili forti ma che si trovano sempre in situazioni critiche e di cambiamento, dove la matrice erotica non è messa da parte. Tokyo Love Hotel di uscita nelle nostre sale dal 30 giugno non fa eccezione.

Il film, selezionato al Far East Festival di Udine, che da anni seleziona le migliori pellicole del lontano oriente e distribuito da Tucker film, è un ritratto e con pochi fronzoli di una Tokyo contemporanea, in cui emergono le contraddizioni e i costumi di una cultura lontana da noi.

Non è un film descrittivo; la città di Tokyo non è per niente presente se non dai panorami intravisti dalle case dei protagonisti; Hiroki si concentra sui suoi personaggi e sulla loro ricerca di amore attraverso, anche, il sesso.

Tra i protagonisti, c’è un’attrice già presente in altri film del regista giapponese, che ha iniziato la sua carriera come cantante in una band giovanile, Maeda Atsuko.

Oltre all’intreccio delle storie e all’erotismo, al film si aggiunge anche una discreta dose di umorismo, a volte anche dissacrante, che stempera  le situazioni più drammatiche e tabù.

La forza delle protagoniste femminili, in particolare di Maeda Atsuko e di Lee Eun-Woo, ricordano le donne create dallo scrittore Haruki Murakami che racconta  sempre di donne forti, indipendenti e determinate.

Attraverso questo film si sbircia la quotidianità di una cultura diversa dalla nostra, capendo le differenze che ci allontanano, ma anche le similitudini di spirito che ci accomunano.

Per l’edizione italiana il film ha una locandina molto d’impatto realizzata da Guido Scarabattolo, già illustratore delle copertine dei libri della casa editrice Guanda.

 

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“Tanto, tutti qui dovete venire”. È la frase, rigorosamente in dialetto barese, che amava ripetere Lorenzo De Santis, alias Varichina, sul palcoscenico del quartiere Libertà in cui era cresciuto e vissuto, sfidando i concittadini che lo inondavano di sfottò o sguardi di disapprovazione. Lorenzo De Santis per tutta la sua vita “ha condotto un gay-pride in solitaria perenne, primo, anzi unico omosex oltranzista, urlante, pressoché animalesco della storia incolore di Bari”. Così il giornalista Alberto Selvaggi descrive Varichina in un articolo a lui dedicato, pubblicato nel 2013 sulla Gazzetta del Mezzogiorno. E da questo articolo trae ispirazione Varichina – La vera storia della finta vita di Lorenzo De Santis, presentato in anteprima al Biografilm Festival di Bologna.

La docufiction, scritta e co-diretta da Antonio Palumbo e Mariangela Barbanente, racconta la storia e il destino di Varichina, alternando le testimonianze di quanti lo hanno conosciuto alle sequenze di fiction che restituiscono l’essenza di Lorenzo De Santis nell’interpretazione istrionica e sentita di Totò Onnis, attore teatrale che ha lavorato anche in tv e per il cinema con Roberto Benigni, Federico Fellini, Mario Martone e Claudio Giovannesi.

Soprannominato Varichina perché da bambino (Claudio Brunetti) vendeva porta a porta i detersivi fatti in casa dalla madre, Lorenzo – che per campare faceva soprattutto il parcheggiatore abusivo e il procacciatore di prostitute – divenne nella Bari degli anni Settanta e Ottanta un personaggio trasversalmente conosciuto, vestendo in modo provocatorio e ancheggiando in mezzo alla strada per sfidare quelli che “ben pensano”, subendo scherzi, battute ma anche pestaggi e ritorsioni.

Se l’affermazione teatrale, volgare e caricaturale della propria omosessualità è per Lorenzo la modalità con cui rivendicare la sua stessa esistenza il lavoro dei due registi punta a mostrare allo spettatore cosa c’è dietro la maschera del personaggio, svelando il Varichina più autentico. Preziosi, in questo senso, sono i ricordi e le parole delle sue vicine di casa: tre generazioni di donne (due delle quali rappresentate nella fiction da Federica Torchetti e Ketty Volpe) che hanno condiviso con il protagonista momenti divertenti, tragici, di una quotidianità e di un’intimità che però sparivano una volta varcati i confini del portone di casa.

Varichina – La vera storia della finta vita di Lorenzo De Santis è il ritratto ficcante e asciutto di una personalità strabordante ed emarginata, dietro alla quale si nasconde una persona sola, affamata di amore ma non disposta a cedere di un millimetro sulla propria identità, e anche di una città, Bari, che lo ha relegato ai margini ma che alla fine non lo ha dimenticato.

 

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I suoi genitori ideali sono Michael Jackson e Rihanna. Il suo obiettivo è diventare una rapper riuscendo a vivere con la sua musica. Il sogno di Sonita Alizadeh non è un traguardo facile da raggiungere, ma è l’unica strada percorribile per fuggire da una situazione inaccettabile. In Sonita, vincitore del premio Hera Nuovi talenti del Biografilm Festival di Bologna, ma anche di importanti riconoscimenti al Sundance 2016 e all’International Documentary Filmfestival di Amsterdam, la regista iraniana Rokhsareh Ghaem Maghami racconta la determinazione di una giovane teenager afghana che vive da rifugiata a Teheran con parte della famiglia.

Per tre anni la camera di Rokhsareh segue da vicino la sua protagonista. All’inizio vediamo Sonita frequentare il centro di una Ong dedicato all’infanzia dove lavora e soprattutto dove impara ad affrontare le ferite e i traumi della guerra e della fuga dalla provincia di Herat. Sonita riempie i quaderni con le sue aspirazioni e si esibisce di fronte alle altre ragazzine del centro, infondendo nei testi rap il dolore del suo vissuto e l’esortazione a ribellarsi a un sistema culturale e sociale fortemente conservatore che ancora avalla e permette l’odiosa tradizione delle spose bambine.

Questa realtà piomba addosso a Sonita come un macigno quando la madre giunge a Teheran dall’Afghanistan per riportarla a casa e darla in sposa in cambio di 9mila dollari, necessari al fratello per poter a sua volta organizzare il matrimonio con la futura consorte. Per la giovane, che tentava nel frattempo di registrare le sue canzoni, sembra essere la fine di tutti i sogni. Per la regista si apre un interrogativo etico e insieme professionale: intervenire attivamente nella vita di Sonita per aiutarla, rinunciando all’autenticità del film o restare testimone neutrale dei fatti?

La decisione è controversa, ma Rokhsareh acconsente a pagare 2mila dollari per dare a Sonita ancora 6 mesi di tempo. Il video diffuso su YouTube della canzone Brides for Sale, dove la giovane ha disegnato un codice a barre sulla fronte, è vestita da sposa ed esibisce lividi e ferite, rende Sonita un simbolo, un megafono con cui dare voce alle rivendicazioni di generazioni di donne e bambine condannate al silenzio e alla sottomissione. Il sogno diventa allora un orizzonte concreto, quando si aprono le porte della Wasatch Academy in Utah, negli Stati Uniti, che le accorda una borsa di studio in virtù del suo talento musicale.

Più emblematico e potente di qualsiasi saggio o reportage sull’emancipazione femminile, Sonita ha il merito di portare avanti la riflessione sulla natura del documentario oggi, sui limiti e sulle opportunità del coinvolgimento del filmmaker nella storia che sta raccontando, valicando la mera osservazione della realtà.

 

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