I cento passi, diretto da Marco Tullio Giordana e uscito nel 2000, è uno dei film più significativi del cinema italiano contemporaneo, capace di coniugare impegno civile, narrazione storica e forza emotiva. Dopo aver esordito negli anni Ottanta con titoli attenti al contesto politico e sociale italiano, Giordana raggiunge con I cento passi una delle vette della sua filmografia, affermandosi definitivamente come autore in grado di raccontare il nostro Paese attraverso la lente della memoria e dell’etica pubblica.

Il film può contare su un cast di altissimo livello, guidato da Luigi Lo Cascio nei panni di Peppino Impastato, giovane attivista e giornalista siciliano ucciso dalla mafia nel 1978. Accanto a lui, attori come Luigi Maria Burruano e Lucia Sardo regalano interpretazioni intense e credibili, contribuendo a restituire l’autenticità del contesto familiare e sociale in cui si muove il protagonista. I cento passi ha avuto un forte impatto culturale e sociale, contribuendo a far conoscere al grande pubblico la storia di Impastato e a consolidare un immaginario collettivo di resistenza civile alla mafia.

Nel corso dell’articolo approfondiremo la vicenda vera che ha ispirato il film, analizzando il contesto storico e politico della Sicilia degli anni ’70, il percorso personale e ideologico di Peppino Impastato e il modo in cui Marco Tullio Giordana ha saputo trasformare una storia tragica in un’opera di denuncia e di speranza. Un racconto che continua a risuonare con forza anche oggi, a più di vent’anni dall’uscita del film e a quasi cinquant’anni dalla morte del suo protagonista.

La trama del film

Protagonista della vicenda è Peppino Impastato (Luigi Lo Cascio), giornalista attivo nella lotta alla mafia in Sicilia. Nato e cresciuto in una famiglia legata all’ambiente mafioso, soprattutto a causa del padre Luigi (Luigi Maria Burruano), Peppino cercherà in tutti i modi di dissociarsi dalla malavita, anche se questo gli costerà caro. Un’esistenza, quella del giovane attivista, segnata da una serie di eventi che ne decideranno il destino: prima l’assassinio dello zio mafioso Cesare Manzella (Pippo Montalbano), poi l’incontro col pittore comunista Stefano Venuti (Andrea Tidona) e, infine, il rifiuto netto del legame tra la sua famiglia e la mafia.

Peppino decide, infatti, di sfidare il boss del paese Gaetano Badalamenti (Tony Sperandeo), detto don Tano, denunciandone pubblicamente le attività illecite. Nonostante le ripetute minacce, la sua battaglia non si arresta: oltre a scrivere moltissimi articoli portando alla luce verità sempre più scomode, apre Radio Aut, emittente radiofonica dalla quale attacca duramente la mafia, beffeggiando boss e criminali. Peppino diventa agli occhi di tutti un simbolo anti-mafia e, per fare qualcosa di ancora più concreto per il suo paese, decide di candidarsi alle elezioni comunali schierandosi con il partito Democrazia Proletaria.

La storia vera dietro film

La storia vera dietro I cento passi affonda dunque le sue radici nella Sicilia degli anni ’70, una terra attraversata da profondi contrasti sociali, politici ed economici. In questo periodo, l’isola era dominata da un sistema di potere fortemente intrecciato con la mafia, che agiva indisturbata non solo nei traffici illeciti, ma anche nella gestione del territorio, nella politica locale e nella vita quotidiana delle persone. La popolazione era spesso rassegnata o complice, anche per paura, e il silenzio era una condizione diffusa. Parlare apertamente di mafia, denunciarne le collusioni e fare nomi significava mettersi in pericolo. È in questo contesto che emerge la figura di Peppino Impastato, un giovane che decise di rompere quel silenzio.

Peppino nacque nel 1948 a Cinisi, un piccolo paese in provincia di Palermo, in una famiglia legata alla mafia: il padre Luigi era vicino al boss locale Gaetano Badalamenti. Fin da ragazzo, Peppino si oppose con forza a quella cultura mafiosa che permeava il suo ambiente familiare e sociale. Dopo la morte dello zio, mafioso ucciso in un regolamento di conti, la sua presa di coscienza si fece più radicale. Si avvicinò alla sinistra extraparlamentare, al movimento antimilitarista e a quello studentesco, maturando un pensiero politico lucido e fortemente critico verso le strutture oppressive del potere mafioso.

La sua fu una lotta culturale oltre che politica: fondò collettivi, organizzò manifestazioni e soprattutto diede vita a una radio libera, Radio Aut, con cui denunciava corruzione, malaffare e violenza con un linguaggio ironico e dissacrante. Attraverso i microfoni di Radio Aut, Peppino prendeva di mira soprattutto Badalamenti, che chiamava sarcasticamente “Tano Seduto”, mettendone in ridicolo la figura pubblica e rivelandone i crimini. La sua voce diventava ogni giorno più forte, più scomoda. Nonostante fosse costantemente minacciato e ostacolato, Impastato non smise mai di esporsi, convinto che la cultura e l’informazione fossero armi fondamentali contro la mafia.

La sua militanza era tanto più straordinaria perché esercitata in un contesto in cui la mafia era non solo potere criminale, ma anche consuetudine, mentalità, cultura dominante. Il 9 maggio 1978, tuttavia, Peppino fu assassinato in maniera brutale: il suo corpo venne fatto esplodere sui binari della ferrovia, in un evidente tentativo di inscenare un attentato suicida. La sua morte, avvenuta nello stesso giorno del ritrovamento del corpo di Aldo Moro, passò inizialmente sotto silenzio, e le indagini furono da subito segnate da depistaggi e coperture.

Solo dopo anni di battaglie da parte della famiglia, in particolare della madre Felicia e del fratello Giovanni, e del Centro siciliano di documentazione a lui intitolato, fu riconosciuto il vero mandante: proprio quel Gaetano Badalamenti, il boss che Peppino aveva sfidato a viso aperto. I cento passi riprende allora questa vicenda reale e la racconta con una tensione emotiva e politica che non cede mai al patetismo o alla retorica. Marco Tullio Giordana compie un’operazione preziosa: non solo ricostruisce con rigore i fatti, ma riesce a restituire il fermento intellettuale e il coraggio etico che animavano Peppino.

Il titolo stesso del film richiama la distanza tra la casa degli Impastato e quella del boss Badalamenti: solo cento passi, simbolo concreto e potente di una prossimità fisica e di un’enorme distanza morale. Il lascito di Peppino Impastato continua a vivere oggi in scuole, associazioni, libri e opere cinematografiche che portano avanti il suo esempio. La sua storia è diventata emblematica del potere della parola e dell’impegno civile in un Paese che spesso ha fatto fatica a guardare in faccia la verità. I cento passi ha contribuito in modo decisivo a far conoscere la sua vicenda anche alle generazioni più giovani, trasformando la memoria in strumento di lotta e coscienza collettiva.

Acqua scura (Honogurai mizu no soko kara), diretto da Hideo Nakata nel 2002, è uno dei titoli più emblematici dell’ondata horror giapponese che ha conquistato l’Occidente tra la fine degli anni ’90 e l’inizio dei 2000. Dopo il successo internazionale di Ringu – The Ring (1998), Nakata torna a esplorare le paure più profonde attraverso un horror psicologico che mescola fantasmi, trauma e tensione domestica, proseguendo quel percorso stilistico fatto di atmosfere opprimenti, silenzi carichi di inquietudine e una minuziosa attenzione al dettaglio.

Il film si inserisce pienamente nel filone del J-horror, caratterizzato da una visione meno spettacolare ma più suggestiva e disturbante dell’orrore, dove la componente sovrannaturale è spesso legata a traumi irrisolti e al dolore della perdita. Tratto da un racconto breve di Koji Suzuki, autore anche del romanzo Ring, Acqua scura affronta temi come l’abbandono, la maternità, l’infanzia tradita, l’isolamento, i quali si intrecciano con elementi sovrannaturali, dando vita a una narrazione che lavora sottotraccia, più evocativa che esplicita, ma capace di generare un senso di disagio crescente.

Il successo di Acqua scura ha consolidato ulteriormente la reputazione internazionale di Nakata, spingendo Hollywood a realizzarne un remake nel 2005: Dark Water, diretto da Walter Salles e interpretato da Jennifer Connelly, che pur mantenendo l’impianto narrativo originale, opta per una resa più esplicita e drammatica. Il film originale giapponese resta tuttavia quello più sottile e disturbante, capace di colpire per la sua ambiguità e per la profondità emotiva del finale. Ed è proprio il finale di Acqua scura – enigmatico, toccante e carico di simbolismo – che merita un’analisi più attenta. Nei prossimi paragrafi, ci concentreremo dunque su ciò che accade nel segmento conclusivo del film.

La trama di Acqua scura

La storia è quella di Yoshimi Matsubara (Hitomi Kuroki), una giovane madre che si trova nel pieno di un doloroso divorzio insieme alla figlia di sei anni, Ikuko (Rio Kanno). Pressata dalla battaglia per l’affidamento e dalla necessità di dimostrare stabilità, Yoshimi si trasferisce con la bambina in un modesto appartamento all’interno di un grigio e vecchio palazzo alla periferia di Tokyo. Ma l’apparente tranquillità finisce rapidamente. Dal soffitto iniziano a cadere misteriose gocce d’acqua e inquietanti rumori provengono dall’appartamento di sopra, un tempo abitato da una famiglia ora scomparsa senza spiegazioni chiare. Yoshimi cercherà dunque di venire a capo di quel mistero, riportando a galla una realtà molto dolorosa.

La spiegazione del finale del film

Nel corso del terzo atto di Acqua scura, la protagonista Yoshimi comincia a comprendere la vera natura degli eventi sovrannaturali che infestano l’appartamento in cui vivono. Le continue infiltrazioni d’acqua dal soffitto, gli indumenti da bambina che appaiono misteriosamente, l’ascensore che sembra agire autonomamente e la figura spettrale che si manifesta in modo sempre più insistente sono tutti segnali che portano Yoshimi a una terribile scoperta: la presenza che infesta l’edificio è lo spirito di Mitsuko, una bambina scomparsa anni prima nello stesso complesso residenziale.

Uno dei momenti chiave avviene quando Yoshimi trova una cartella scolastica identica a quella di sua figlia, che però risulta appartenere a Mitsuko, e successivamente scopre che la bambina era stata trascurata e abbandonata dalla madre fino a morire, dimenticata, nel serbatoio d’acqua sul tetto dell’edificio. Questo particolare spiega anche la causa delle macchie e delle infiltrazioni d’acqua contaminata che affliggono l’appartamento. L’acqua diventa così simbolo di putrefazione, ma anche di memoria: è la materia che trasporta il ricordo e la rabbia dello spirito di Mitsuko, che cerca non tanto vendetta, quanto attenzione e una figura materna che possa finalmente colmare il vuoto lasciato dalla propria madre assente.

Il climax emotivo del film si consuma quando Yoshimi, rendendosi conto che Mitsuko sta cercando di prendere il posto di sua figlia Ikuko, si trova di fronte a una scelta estrema: sacrificarsi per salvare la bambina. Nella scena più potente del film, Yoshimi abbraccia lo spirito di Mitsuko come se fosse sua figlia, accettando di restare con lei per sempre, e scompare nell’ascensore insieme al fantasma. È un gesto di disperazione ma anche di amore, in cui la protagonista si sostituisce alla madre assente di Mitsuko, pur sapendo che questo significa perdere tutto. Anni dopo, Ikuko ormai adolescente torna al palazzo e rivede lo spirito della madre, intrappolata ma ancora amorevole: un ultimo sguardo che unisce il mondo dei vivi e dei morti con una tenerezza struggente.

Il finale di Acqua scura, lontano da una risoluzione liberatoria, si carica di un senso profondo di malinconia e sacrificio. Non c’è una vittoria contro il male, ma una scelta consapevole di protezione materna portata alle estreme conseguenze. La maternità, infatti, è il nucleo tematico del film: da un lato quella negata o assente, dall’altro quella assoluta, che diventa oblativa. Yoshimi, nel suo tentativo di essere una madre migliore di quella che lei stessa ha avuto e di salvare la figlia da un’infanzia traumatica, finisce per incarnare il ruolo salvifico anche per una bambina che non è sua, ma che ha bisogno disperatamente d’amore.

In questo senso, l’horror di Nakata si distingue per la sua dimensione profondamente umana. I fantasmi non sono semplicemente entità maligne, ma anime tormentate da traumi irrisolti. L’acqua – elemento onnipresente – non è solo un veicolo di paura, ma anche un simbolo di memoria e dolore sommerso, che risale alla superficie in cerca di riscatto. Il finale lascia lo spettatore con un senso di inquietudine, ma anche di compassione: la tragedia non può essere evitata, ma può essere compresa. E in quella comprensione, si cela la vera forza del film.

 Il film horror Antlers – Spirito insaziabile, diretto da Scott Cooper e interpretato da Keri Russell e Jesse Plemons, è un’opera che esplora una creatura della tradizione indigena e l’oscurità che si nasconde nell’animo umano. Prodotto da Guillermo del Toro, il film segue Julia Meadows, un’insegnante di scuola media dell’Oregon che si preoccupa per il benessere di Lucas, uno dei suoi studenti. Insieme a suo fratello Paul, lo sceriffo locale, Julia cerca di capire cosa sta realmente succedendo a Lucas, cosa è successo a suo padre e a suo fratello e quale creatura soprannaturale sia assetata di sangue e stia seminando il caos.

Si tratta dunque di un film horror sempre più inquietante man mano che si avvicina al finale, con un paio di sottotrame scioccanti e strazianti che cambiano la direzione della conclusione. Il colpo di scena finale e la mitologia preparano inoltre il terreno per un sequel, che però non è mai stato realizzato e probabilmente non è mai realmente stato nei piani. Ad ogni modo, in questo approfondimento, andiamo alla scoperta di ciò che accade nel finale, di ciò che ci rivela e dei significati nascosti, come anche alla scoperta della mitologia a cui si fa riferimento.

La spiegazione del finale di Antlers – Spirito insaziabile

Dopo la spiegazione di Warren Stokes sul wendigo, questa la natura della misteriosa creatura, Julia e Paul si ritrovano alle prese con il mostro che li segue a casa nel tentativo di trovare Lucas. Il ragazzo era convinto che se avesse continuato a nutrire il wendigo, credendo che fosse una nuova versione di suo padre, questo lo avrebbe amato incondizionatamente e lui avrebbe potuto renderlo felice. Lucas ha ancora paura della creatura, ma la sua reazione è frutto di traumi e abusi, poiché il film rivela che Lucas, come Julia e Paul, aveva un padre violento. È un meccanismo di difesa per Lucas e un modo per continuare a ricevere affetto aiutando qualcuno minacciato di pericolo.

Dopo l’aggressione del wendigo a Paul e all’agente Dan, Lucas va dunque nella caverna con la creatura; Julia lo segue, sapendo che deve pugnalare il wendigo e strappargli il cuore per salvare Lucas e il resto della città. Sfortunatamente, Aiden, il fratello minore di Lucas, è una vittima del primo attacco del wendigo. Intuendo che sta per trasformarsi completamente e abbandonare la sua carne umana come suo padre Frank prima di lui, Julia pugnala anche Aiden prima che ciò possa accadere. Con il regno del wendigo apparentemente finito, Julia e Paul, ora ripresisi dall’attacco della creatura, accolgono Lucas, tre orfani che si prendono cura l’uno dell’altro.

Perché Julia è tornata in Oregon dopo tanto tempo

Gli abusi subiti da Julia da parte del padre durante la sua infanzia sono mostrati in flashback della sua giovinezza. Tuttavia, Antlers – Spirito insaziabile mantiene le cose vaghe, alludendo alla brutalità e alla devastazione senza mostrare i dettagli raccapriccianti. Il motivo per cui è tornata in Oregon dopo aver vissuto a Los Angeles per così tanto tempo era quello di stare più vicina a suo fratello Paul, che aveva lasciato nel tentativo di allontanarsi dal padre.

Julia avrebbe potuto tornare anni prima, ma non lo ha fatto fino alla morte del padre, probabilmente perché non riusciva ad affrontare il ritorno nella casa della sua infanzia se lui fosse stato ancora vivo. Julia sta elaborando un trauma persistente, ed è facile capire come i maltrattamenti di suo padre la influenzino ancora. Affrontarlo sarebbe stata un’esperienza emotivamente molto difficile, quindi Julia è rimasta lontana fino a quando non è stato sicuro tornare da Paul e ristabilire il loro rapporto.

La spiegazione della mitologia di Antlers – Spirito insaziabile e perché è stato usato il wendigo

Antlers – Spirito insaziabile adatta la mitologia del wendigo, che ha origine dalla tribù algonchina delle Prime Nazioni. La creatura fa parte del folklore dei popoli di lingua algonchina, tramandato di generazione in generazione. Nella mitologia, un wendigo è una creatura soprannaturale che può possedere gli esseri umani e assumerne le sembianze, diventando malvagia e cannibale. Questo cannibalismo la consuma, poiché il wendigo continua a nutrirsi di carne umana senza mai sentirsi sazio. L’uso del wendigo è significativo se si considerano l’ambientazione e i personaggi del film.

Il wendigo è una rappresentazione del consumo eccessivo, motivo per cui compaiono i tratti cannibalistici, con la fame della creatura che non viene mai saziata. L’aspetto del wendigo trasmette uno squilibrio nella natura, l’avidità e la distruzione della terra e dello stato naturale delle cose. In breve, la creatura è divoratrice, un riferimento lampante a come la colonizzazione delle terre indigene abbia consumato e distrutto le tribù delle Prime Nazioni, prendendo senza restituire nulla. Il wendigo ha essenzialmente consumato Frank perché questi ha violato e disturbato le miniere, ignorando i simboli che erano stati posti come avvertimento per chiunque entrasse; inoltre, era anche una persona cattiva.

La creatura soprannaturale è anche rappresentativa dell’oscurità che si nasconde negli esseri umani, che si nutre del loro odio, della loro energia negativa e del disprezzo che hanno gli uni per gli altri e per l’ambiente, tra le altre cose. L’esistenza del wendigo nella tradizione popolare è profondamente legata alle lotte degli indigeni contro la violenza coloniale, l’avidità e la fame che affliggono le loro comunità. Il wendigo è dunque la personificazione di queste cose, con legami con il ripristino di ciò che è stato perso.

Come la leggenda del wendigo viene modificata in Antlers – Spirito insaziabile

Nelle storie indigene sul wendigo, la creatura è umanoide e ha un cuore di ghiaccio. Inoltre, il folklore nativo suggerisce che l’ambiente circostante diventa freddo ogni volta che un wendigo è vicino, il che non è dissimile da uno spirito che entra in una stanza nelle storie di fantasmi. Il freddo è specifico della leggenda della creatura, che è più strettamente associata ai mesi invernali. In Antlers – Spirito insaziabile, il Wendigo appare invece in quello che sembra essere il tardo autunno piuttosto che nel pieno inverno. La creatura nel film si libera della sua pelle umana quando è pronta a prendere il sopravvento, piuttosto che essere un gigante umanoide con la carne strappata e le ossa sporgenti.

Inoltre, nel film il wendigo ha delle vere e proprie corna che gli spuntano dalla testa. Questo tratto estetico non è prevalente nelle storie indigene sul wendigo; le corna, o le cornucopie, come talvolta vengono raffigurate, sono più in linea con la visione hollywoodiana delle creature. Ciò che Antlers – Spirito insaziabile tralascia dal film è anche l’agilità del wendigo, la sua capacità di imitare le voci, che usa per attirare le persone, e l’infiltrarsi non solo nella carne, ma anche nella mente delle persone.

Come il finale a sorpresa di Antlers – Spirito insaziabile prepara il terreno per un sequel

Antlers – Spirito insaziabile termina in modo piuttosto inquietante. Certo, tutti i nodi sembrano essere stati sciolti, con Julia e Paul che prendono Lucas sotto la loro ala protettrice (almeno per un po’), ma non è tutto. Ciò che è inaspettato è vedere Paul iniziare a sanguinare dall’occhio mentre Julia e Lucas si allontanano. C’è un primo piano sulla sostanza nera, simile a terra, che macchia le mani di Paul, e questo preannuncia chiaramente la sua trasformazione in wendigo.

Il colpo di scena di Antlers – Spirito insaziabile sembra dunque preparare il terreno per un sequel in cui Julia dovrà affrontare suo fratello. Sarebbe emotivamente coinvolgente perché lei e Paul hanno vissuto molte cose insieme durante la loro infanzia e sono ancora molto legati. Nel film abbiamo visto Julia uccidere Aiden con rimorso perché sapeva che era troppo tardi per salvarlo. Considerando il suo stretto rapporto con Paul e il fatto che sembrano finalmente essersi riconciliati dopo la morte del padre, un sequel potrebbe creare tensione tra loro, costringendo Julia a combattere per suo fratello o ucciderlo come ha fatto con Frank e Aiden.

Ciò che alla fine spicca, tuttavia, è che nonostante abbia ucciso il wendigo che infestava la città, esso continua a infettare gli altri, trasmettendo le sue caratteristiche da una persona all’altra mentre divora altra carne, sempre affamato e mai soddisfatto. Resta da vedere se ci sarà davvero un sequel horror di Antlers – Spirito insaziabile (che, come già detto, non sembrerebbe essere stato nei piani del regista), ma il colpo di scena con Paul che è stato infettato lascia sicuramente aperta la porta a ulteriori sviluppi della storia sua e di Julia.

Il vero significato del finale di Antlers – Spirito insaziabile

Sebbene alcuni potrebbero liquidare questo come un film di mostri che non offre molto commento sociale, non è così. Oltre a presentare una creatura spaventosa, il film usa il wendigo per simboleggiare la natura mostruosa di un abusatore e la natura ciclica di tale abuso. Julia, dopotutto, è una persona che ha subito lei stessa abusi e ne riconosce i segni negli altri. Usa la sua esperienza per offrire aiuto. Si dà il caso che il suo aiuto si concretizzi nella lotta contro una creatura mostruosa invece che contro un essere umano. Julia è in grado di porre fine agli abusi, ma distruggendo sia il wendigo che Aiden, che è stato infettato, dimostra di essere in grado di interrompere il ciclo.

Sebbene Paul non sia lui stesso un abusatore, il fatto che sia lui la persona successiva che potrebbe diventare un wendigo nel colpo di scena finale  di Antlers – Spirito insaziabiledimostra quanto sia difficile superare gli effetti del trauma e dell’abuso. Il wendigo è stato a lungo usato come allegoria per coloro che danneggiano la terra, ma qui questa idea è combinata con coloro che danneggiano altre persone. Sia Julia che Paul lottano per superare il proprio trauma, e entrambi si trovano nel mezzo della violenza quando ci provano.

Final Destination 5 (qui la recensione) rappresenta un punto di svolta importante all’interno della longeva saga horror inaugurata nel 2000. Pur rimanendo fedele alla formula che ha reso iconico il franchise – la fuga impossibile dal destino e le morti spettacolari orchestrate da una forza invisibile e inesorabile – questo quinto capitolo introduce alcune variazioni significative che aggiornano la struttura narrativa e ne ampliano l’universo concettuale. Diretto da Steven Quale e uscito nel 2011, il film si distingue per una regia più raffinata e un uso sapiente del 3D, che intensifica l’impatto visivo delle sequenze più cruente senza cadere nel mero effetto gratuito.

Dal punto di vista della saga, Final Destination 5 ha il compito non solo di rilanciare la serie dopo il deludente quarto capitolo, ma anche di ricollegarsi con maggiore coerenza ai temi e al tono dei primi film, in particolare al capostipite. L’atmosfera torna a essere più cupa e meno giocata sull’eccesso grottesco, e viene reintrodotto un sottotesto più profondo legato al senso di colpa, al sacrificio e alla possibilità (o meno) di ingannare la morte. In questo contesto, il film assume un valore quasi metanarrativo, che si rivelerà pienamente solo nel suo atto conclusivo.

Uno degli aspetti più interessanti di Final Destination 5 è il modo in cui riesce a sorprendere anche i fan di lunga data, offrendo un finale che rilegge retroattivamente tutta la vicenda in modo originale e inatteso. L’evoluzione narrativa si manifesta proprio nel colpo di scena finale, che getta una nuova luce sull’intera esperienza e sul posto che questo film occupa nella cronologia della saga. Nei prossimi paragrafi esploreremo nel dettaglio il significato di questo epilogo, spiegando in che modo riesce a chiudere un cerchio tematico e narrativo inaspettato per il pubblico.

La trama di Final Destination 5 

Protagonista del film è il giovane Sam Lawton, il quale mentre si trova in viaggio con alcuni colleghi di lavoro per un ritiro aziendale ha una premonizione che annuncia un imminente disastro: il pullman dove si trova insieme ai colleghi sta per attraversare il ponte di North Bay, il quale crollerà facendo morire tutte le persone che vi si trovano sopra. Convinto che si tratti della verità, il ragazzo cerca di avvertire gli altri della sciagura che sta per accadere. Sfortunatamente, il collasso del ponte causa la morte della maggior parte delle persone che vi transitavano. Pochi sono i superstiti, i quali scopriranno ben presto che la morte non può essere ingannata e che non tarderà a reclamare ciò che gli spetta.

La spiegazione del finale del film

Nel finale di Final Destination 5, i protagonisti Sam e Molly sembrano dunque essere tra i pochi sopravvissuti al tragico crollo del ponte, evento che ha dato inizio alla serie di morti guidate dal “disegno” della Morte. Dopo aver creduto di aver ingannato il destino grazie a un sacrificio e a una presunta “sostituzione” della morte, Sam e Molly si imbarcano su un volo diretto a Parigi, convinti di aver chiuso definitivamente i conti con la Morte. Ma qui avviene il colpo di scena decisivo: l’aereo sul quale stanno volando è il volo 180, lo stesso aereo che esplode all’inizio del primo Final Destination del 2000.

La scena si conclude dunque proprio con i due protagonisti che assistono con orrore all’espulsione violenta di Alex Browning, il personaggio originale del primo film, mentre viene trascinato via dagli agenti di sicurezza dopo aver avuto la sua premonizione. Poco dopo, l’aereo esplode in volo, e Sam e Molly – che non hanno in questo caso avuto alcuna premonizione – muoiono nel disastro. Nell’intera timeline della saga, questo quinto capitolo si rivela quindi essere un prequel, posizionato cronologicamente prima del primo film della saga.

Questa rivelazione sorprende completamente lo spettatore e si completa nei minuti finali, quando viene mostrato il funerale di un personaggio secondario, Nathan, che credeva di aver scampato la morte: un frammento del carrello dell’aereo precipita infatti sulla sua testa, chiudendo in modo beffardo e definitivo il cerchio. Egli muore così schiacciato un attimo dopo essersi reso conto che al suo dipendente (a cui egli ha indirettamente provocato la morte, “guadagnando” quindi il suo tempo di vita restante) non rimanevano altro che pochi giorni a causa di un aneurisma già diagnosticatogli.

Questo finale ha una doppia funzione narrativa: da un lato offre una spiegazione coerente della cronologia interna della saga, ricollegando Final Destination 5 direttamente al primo film, e dall’altro sottolinea in modo ancora più esplicito l’ineluttabilità della morte. L’idea che non ci sia via di fuga, nemmeno attraverso i sacrifici o le sostituzioni, rafforza il senso di impotenza che permea tutta la saga. Anche quando i personaggi credono di avere trovato un modo per spezzare il ciclo, la Morte si rivela sempre un passo avanti.

Inoltre, il finale rivisita con efficacia la mitologia della serie, dimostrando che il destino non può essere riscritto e che ogni tentativo umano di eludere la morte è destinato al fallimento. Questo colpo di scena ha avuto un impatto decisivo anche sulla saga nel suo complesso: pur essendo stato seguito da Final Destination: Bloodlines, il finale di questo quinto film chiude simbolicamente un ciclo, riportando la storia alle sue origini. È un atto di chiusura tanto elegante quanto crudele, che rilegge l’intera saga in chiave circolare, lasciando intendere che, nell’universo di Final Destination, ogni inizio è anche una fine.

Hunter’s Prayer – In fuga è un action-thriller del 2017 diretto da Jonathan Mostow, che si colloca nel filone dei film ad alta tensione incentrati su inseguimenti, sicari e redenzione. La storia ruota attorno a un assassino professionista incaricato di eliminare una giovane ragazza, che invece sceglie di proteggerla, innescando così una fuga disperata tra Europa e Stati Uniti. Il film unisce elementi classici del genere – adrenalina, azione e moralità ambigua – con una componente emotiva più intima e riflessiva, legata alla costruzione del rapporto tra due solitudini. L’ambientazione europea e il ritmo incalzante offrono uno sfondo efficace per una narrazione tesa e cupa.

Protagonista del film è Sam Worthington, che qui interpreta Stephen Lucas, un sicario tormentato e dipendente da droghe, il cui passato oscuro riaffiora progressivamente man mano che si avvicina alla giovane Ella (Odeya Rush), la sua presunta vittima. Dopo aver raggiunto la fama grazie al successo planetario di Avatar (2009), Worthington ha alternato ruoli da blockbuster come Scontro tra titani a interpretazioni più cupe e interiorizzate, come in The Shack. In Hunter’s Prayer – In fuga, si cimenta con un personaggio laconico, segnato da un trauma latente e da una moralità fragile, trovando uno spazio che gli consente di coniugare fisicità e introspezione.

Tematicamente, il film affronta temi come il riscatto, la colpa, la vendetta e la possibilità di redenzione anche per chi ha vissuto dalla parte sbagliata della legge. Nel corso della storia, Lucas è costretto a fare i conti con il proprio passato e a compiere una scelta definitiva tra obbedienza cieca e consapevolezza morale. Nei prossimi paragrafi analizzeremo più nel dettaglio la trama e il finale del film, spiegando come questo epilogo si ricolleghi ai temi centrali della pellicola e rappresenti, per il protagonista, un punto di svolta esistenziale definitivo.

La trama di Hunter’s Prayer

Il film si apre in Svizzera, dove la giovane Ella Hatto si sta recando nella sua scuola per quello che sembra essere un giorno come un altro. Ciò che non sa, però, è che a tenerla d’occhio vi è Lucas, un infallibile sicario. Questi è stato ingaggiato dal multimilionario corrotto Richard Addison, il quale allo stesso tempo ha già inviato altri killer per uccidere i genitori della ragazzina, colpevoli di aver parlato con l’FBI circa i suoi traffici illegali. Al momento di dover eliminare la giovane Ella, però, Lucas si trova di fronte per la prima volta nella sua vita da assassino ad un forte senso di compassione. Per questo non riesce a portare a termine il proprio lavoro, decidendo invece di aiutare la ragazza a scappare.

Con lei è costretto a scappare però anche lui, ora ricercato da Addison, il quale lo vuole morto. Nella loro fuga attraverso l’Europa i due dovranno imparare a fidarsi l’uno dell’altro e difendersi a vicenda. Se non sarà lui ad uccidere Ella, infatti, qualcun altro verrà inviato a portare a termine la missione. Scappare non potrà dunque essere una soluzione permanente, e i due dovranno iniziare a studiare una strategia per arrivare dallo stesso Addison e fermare tutto quanto. Lo svantaggio numerico è però notevole, e per loro farsi strada verso il criminale sarà più complicato del previsto. Solo la fiducia e la loro umanità potranno essere decisive per le loro sorti.

La spiegazione del finale

Nel terzo atto di Hunter’s Prayer – In fuga, la tensione culmina in uno scontro diretto tra Lucas e l’organizzazione criminale che ha ordinato l’uccisione di Ella, la giovane erede di una fortuna economica che fa gola al potente imprenditore Richard Addison. Dopo un lungo inseguimento attraverso l’Europa, Lucas riesce a infiltrarsi nella villa dell’uomo per salvare Ella, catturata e tenuta in ostaggio. La sequenza finale si svolge così in un’atmosfera tesa e cupa: Lucas affronta i suoi ex colleghi sicari e, gravemente ferito, elimina i nemici uno dopo l’altro, dimostrando abilità e determinazione.

Nella sparatoria finale, Lucas uccide Banks e Addison spara a Metzger, entrambi uomini di Addison. Quando quest’ultimo sta invece per avere la meglio su Lucas e sparargli, viene infine ucciso da Ella, ponendo fine alla minaccia. Nelle scene conclusive, la ragazza riceve una telefonata da Lucas, al quale racconta che ora vive con sua zia e i suoi cugini e che tutto sembra procedere per il meglio. Dopo che i due si sono salutati, forse per sempre, vediamo Lucas visitare una casa, dove sua moglie e sua figlia lo aspettano per dargli il benvenuto.

Il film si chiude così con un momento di apparente calma. Ella, finalmente libera, riesce a riappropriarsi della propria identità e della sua eredità, mentre Lucas può finalmente godersi del meritato riposo tornando dalla propria famiglia, con la consapevolezza di aver compiuto un’azione giusta, anche a rischio della propria distruzione, e di essersi così facendo allontanato da quel mondo di violenza. Dal punto di vista simbolico, il finale di Hunter’s Prayer – In fuga rappresenta la piena trasformazione di Lucas: da sicario solitario a figura quasi paterna, spinto non da un compenso ma da un senso etico improvvisamente riemerso.

L’atto di salvare Ella diventa per lui un’occasione di redenzione, un modo per compensare anni di violenza e indifferenza. La sua scelta di non abbandonarla, nonostante i rischi, rivela un’umanità rimasta sepolta e dimenticata, che solo il legame con Ella riesce a far emergere. È grazie a questa sua azione che egli sembra infine guadagnarsi il diritto di poter tornare a casa dai propri cari, sapendo di essere libero dalle catene che lo tenevano lontano da ciò che realmente conta.

The End di Joshua Oppenheimer ruota attorno a uno scenario apocalittico in cui una famiglia benestante vive in un bunker sotterraneo da due decenni, dopo l’apparente fine del mondo.

Il film (qui la nostra recensione di The End) di Oppenheimer sfrutta l’assenza di un mondo esterno per evidenziare alcuni aspetti della vita interiore di questa famiglia. Invece di chiamare i personaggi per nome, lo scrittore si riferisce a loro in base al ruolo che svolgono nel contesto del loro ambiente isolato. Quindi, in questa storia, sono solo amiche, dottori, madri o ragazze, a seconda di ciò che rappresentano nel loro mondo isolato.

La trama di The End (2024)

The End segue una famiglia benestante che vive in una lussuosa casa sotterranea dopo che la Terra sembra essere stata distrutta. È diretto da Joshua Oppenheimer da una sceneggiatura scritta in collaborazione con lo sceneggiatore danese Rasmus Heisterberg. Oppenheimer è noto per i suoi documentari acclamati dalla critica, come The Act of Killing e The Look of Silence.

Qual è la storia di Tilda Swinton dietro The End?

The End ruota attorno a una famiglia benestante vent’anni dopo che la Terra intorno a loro è stata distrutta a causa delle loro azioni. Vivono in una miniera di sale trasformata in un lussuoso bunker sotterraneo. La famiglia è composta da una madre (Tilda Swinton), un padre (Michael Shannon) e un figlio (George MacKay). Vivono con un amico (Bronagh Gallagher), il loro medico (Lennie James) e il loro maggiordomo (Tim McInnerny). A differenza di altri, il figlio non ha mai visto il mondo esterno. Ha imparato tutto sul passato dai suoi genitori e dai libri che gli vengono offerti da leggere.

Il padre fornisce un’immagine unilaterale delle sue passate attività e del loro impatto sul mondo esterno. Né la madre né gli altri si oppongono al punto di vista del padre. Tutti instillano nel figlio la paura del mondo esterno e si aspettano che consideri gli altri solo come minacce. Per lo stesso motivo, spesso tengono elaborate sessioni di addestramento per insegnargli come proteggere la famiglia. Grazie a questo indottrinamento, il figlio ha un’innocenza quasi infantile, che traspare abbastanza spesso dal suo comportamento. Gli viene chiesto di scrivere un libro sulle passate imprese del padre, di lavorare a dipinti e di costruire città in miniatura, che non contaminerebbero l’autopercezione della famiglia. Tutto cambia quando una sconosciuta arriva improvvisamente nella miniera.

In che modo la sconosciuta influisce sulle dinamiche familiari?

La famiglia continua a vivere la sua routine quotidiana, ignara della carneficina esterna, finché uno sconosciuto non arriva nella loro miniera. Questa sconosciuta è una giovane donna (Moses Ingram), che sopravvive alla stagione degli incendi (un fenomeno in questo mondo apocalittico), ma la sua famiglia no. Nonostante tutto quello che ha passato, la Madre non vuole che rimanga con loro. Vuole mantenere la promessa di non permettere a nessuno di entrare. Così, la famiglia cerca di sbarazzarsi della Ragazza con ogni mezzo possibile. La legano e decidono di buttarla fuori. Ciononostante, lei lotta per la vita e sfugge al loro attacco.

La famiglia finalmente accetta la presenza della ragazza in famiglia e la ospita in un ripostiglio. La invitano anche a cena con loro. La famiglia racconta il glorioso passato della Madre come ballerina, che un tempo si esibiva al Bolshoi. La Madre si isola, pensando ai tempi in cui viveva l’arte in modo più viscerale. Ora, le rimangono solo le briciole del suo passato, e cerca di alimentare la sua creatività insegnando a suo figlio a dipingere.

A poco a poco, le cose iniziano a cambiare, mentre la Ragazza fa sì che il Figlio guardi il mondo in modo diverso da come gli è stato insegnato. Impara a conoscere le crudeltà che molte persone hanno dovuto affrontare e sviluppa un senso di umanità. Nel complesso, la Ragazza fa sì che il Figlio veda un modo diverso di vivere la vita. Questo non promette bene alla Madre, che è stata abituata alla struttura a cui ha imposto il figlio per vent’anni. Così, suggerisce al Padre che la Ragazza abbia un secondo fine. Cerca di far dubitare la sua famiglia delle intenzioni della Ragazza, ma raramente funziona a suo favore. Nel frattempo, il Figlio si infatua della Ragazza, che è l’unica sconosciuta che abbia incontrato nella sua esistenza senza l’intervento dei suoi genitori.

Spiegazione del finale del film The End (2024):

La Madre nota la crescente inclinazione del Figlio verso la Ragazza e il suo comportamento libero. Così, la Madre inizia improvvisamente a mostrare il suo lato con i piedi per terra dedicandosi al giardinaggio. Più tardi, si unisce alla famiglia mentre si travestono e mettono in scena una piccola pièce teatrale. Dopo essersi divertite insieme, la ragazza si commuove pensando alla lotta di sua madre per sopravvivere. Mentre si apre, la madre fa ogni tentativo per fermarla. La ragazza si aspetta che la madre riconosca un senso di dolore condiviso, poiché entrambe le loro famiglie hanno sofferto in loro assenza.

La ragazza ammette il suo senso di colpa da sopravvissuta, ma la madre si rifiuta di farlo. La madre frena i tentativi della ragazza di essere onesta e vulnerabile e si fonde per affrontare il suo senso di colpa. Così, il Figlio la affronta per il suo comportamento. Riflettendoci, la Madre è sincera con il Padre sui suoi desideri insoddisfatti. Ha dovuto lasciare tutti coloro che amava per trasferirsi nel bunker. Invece di accettare la sua colpa per la sua depressione, lui la costringe a nascondere le sue vere emozioni per il “bene superiore della famiglia”. Così, si ritrova a soffrire da sola e a essere complice della sua farsa.

La famiglia accetta la Ragazza come parte di loro?

La Ragazza fa capire al Padre l’altro lato del suo operato. Quindi, è costretto ad affrontare la vera natura del risultato delle sue azioni, il che lo mette in una crisi esistenziale. Romanticizza il suo dolore mentre altri si sforzano di mantenere la sacralità del suo elaborato stratagemma. Il Figlio inizia a rendersi conto della verità del crudele passato della sua famiglia e si rivolta contro i suoi genitori. I genitori non sopportano di essere considerati gli unici colpevoli. Così, la Madre rivela la verità sull’Amica per farla cadere agli occhi del Figlio. Contrariamente a quanto era stato detto al Figlio, l’Amica aveva lasciato il figlio tossicodipendente a morire nel mondo esterno.

L’Amica era lei stessa una tossicodipendente e non un genitore ideale. Invece di affrontare la propria colpa nella caduta del figlio, lo abbandonò e nascose al Figlio la vera natura del suo passato. Incapace di sopportare il peso della verità, l’Amica muore poco dopo il confronto. Dopo la sua morte, il Figlio considera brevemente la colpa della Ragazza, poiché lei continuava a fargli considerare altre possibilità di verità. Alla fine, si lasciano queste questioni alle spalle e diventano una coppia. Il Figlio e la Ragazza hanno un bambino e si uniscono alla famiglia per cena.

Negli ultimi momenti del film, la famiglia canta una canzone che celebra la loro unione e sostiene il loro amore reciproco. Nel farlo, affrontano anche il fatto di aver mantenuto le distanze dal mondo esterno e di non essersi fidati di nessuno. Quindi, il finale rivela la crudezza del loro rapporto con il mondo. Mentre la loro ignoranza li tiene in una bolla di beata sicurezza e protezione, continuano a vivere con un fardello di dolore latente per coloro che hanno sofferto fuori. Il ciclo si ripete, la fine è arrivata, e il mondo è spacciato.

Dopo il successo travolgente di Tolo Tolo – sua prima esperienza come regista – Checco Zalone (nome d’arte di Luca Medici) si prepara a tornare al cinema con Buen Camino, nuovo progetto che segna anche il suo atteso ricongiungimento artistico con Gennaro Nunziante, regista dei suoi primi quattro campioni d’incassi (Cado dalle nubi, Che bella giornata, Sole a catinelle e Quo vado?) e che ad inizio anno ha portato in sala Io sono la fine del mondo, rivelatosi un altro grande successo comico. I due insieme sono anche autori della sceneggiatura.

Il nuovo film – annunciato come parte del listino di Medusa Film durante la 14ma edizione di Ciné – Giornate di Cinema di Riccione – promette dunque di riportare al centro della scena quella comicità intelligente e satirica che ha reso Zalone uno dei protagonisti più amati del nostro cinema. Ambientato tra Italia e Spagna, Buen Camino si preannuncia come un viaggio esilarante e simbolico, tra pellegrinaggi spirituali e feste mondane, in pieno stile Zalone. In questo articolo, andiamo a scoprire tutto ciò che ad oggi sappiamo del film

La trama e il cast di Buen Camino 

Al momento i dettagli sulla trama restano top secret, ma il titolo Buen Camino richiama il celebre “buon cammino” dei pellegrini verso Santiago de Compostela. Dopo il viaggio compiuto dall’Africa all’Italia per Tolo Tolo, Zalone sembra dunque pronto ad un diverso tipo di percorso, che certamente non mancherà di raccontare qualche particolare aspetto dell’Italia e dell’italianità. Per quanto riguarda il cast, protagonista assoluto del film sarà ovviamente Checco Zalone. Al momento, però, non sono stati annunciati altri nomi nel cast ufficiale. 

Le riprese e le location del film

Il film è prodotto da Indiana Production insieme a Medusa Film, che si occuperà anche della distribuzione, in collaborazione con MZL e Netflix. La collaborazione con Netflix apre naturalmente alla possibilità di un rilascio programmato sulla piattaforma dopo la distribuzione cinematografica. Sarà dunque possibile ritrovarlo lì per una visione in streaming nei mesi successivi all’uscita in sala.

L’inizio delle riprese è previsto nel mese di luglio 2025, con location tra l’Italia (Gallura, Costa Smeralda) e la Spagna, che sembrano confermare l’idea di un film incentrato su un viaggio fisico e spirituale, in perfetto stile Zalone. È inoltre trapelata un’ambientazione glamour: una festa in villa con piscina in Costa Smeralda, probabilmente parte delle tipiche sequenze comico-sociali del comico pugliese.

La data di uscita al cinema di Buen Camino

Buen Camino arriverà al cinema nel giorno di Natale, il 25 dicembre 2025, “scontrandosi” dunque con l’altro grande film al momento previsto per quel periodo, ovvero Avatar: Fuoco e Cenere. Intervenuto con un video alla presentazione del film, Zalone ha scherzosamente affermato che la scelta di far uscire il nuovo film in questa data è “una scelta strategica perché è quando il pubblico che ha visto Avatar il 18 esce dalla sala”. Con l’approssimarsi di questa uscita sarà possibile avere maggiori informazioni riguardo la trama e il cast, potendo contare anche su prime immagini ufficiali e un trailer.