La scioltezza e la versatilità con cui Elizabeth Banks, regista di Cocainorso, sta attraversando da qualche tempo a questa parte le pieghe dell’industria dello show business hollywoodiano è qualcosa che merita sincera ammirazione. Come attrice ha recentemente centrato due notevoli successi artistici “impegnati” quali la miniserie Mrs. America e soprattutto il lungometraggio Call Jane, esordio alla regia di Phyllis Nagy di cui non si è purtroppo parlato abbastanza ma che vi consigliamo assolutamente di recuperare. Dietro la macchina da presa invece Banks continua un percorso votato alla leggerezza, e Cocainorso non poteva che dirigersi con coerenza verso tale direzione.

Cocainorso, tratto da una storia vera

Questa commedia mescolata al survival-horror che rivisita una storia realmente accaduta possiede proprio nella sua idea di partenza il DNA necessario per diventare un piccolo oggetto di culto, fattore che l’autrice sa sfruttare con intelligenza. L’immersione dello spettatore nell’universo filmico dominato dall’orso strafatto di cocaina è immediato, scintillante ed esplicitamente votato al divertimento. Insomma, Banks si affida ancora una volta al genere che conosce meglio  per declinarlo nella sua espressione migliore, evitando però inutili sovrastrutture: Cocainorso non vuole essere una teorizzazione o un “manifesto” al femminile, semplicemente cerca di divertirsi a far divertire il pubblico.

In un momento in cui il cinema di intrattenimento stenta visibilmente nel tentativo di regalarci contenuti originali, spesso nascondendo tale mancanza dietro la ridondanza della messa in scena – in particolar modo quando si possono adoperare a dismisura gli effetti speciali – Cocasinorso invece punta sulla follia dell’assunto di partenza e lo sviluppa grazie a una sceneggiatura che accompagna i vari personaggi in scena (ma leggete pure “vittime designate”, immaginiamo sappiate bene di che tipo di film stiamo scrivendo…) dentro una trama capace di proporre momenti di azione ben congegnati: su di essi si poggia infine una messa in scena mai indecisa, che non risparmia colpi bassi allo spettatore  quando si tratta di mostrare il proprio lato gore.

Un cast di lusso

A questo gioco goliardico si prestano recitando a briglia sciolta Keri Russell, Alden Ehrenreich, Margo Martindale, O’Shea Jackson Jr., il compianto Ray Liotta e altri caratteristi di lusso (vi risparmiamo una sorpresa o due…). Un cast che riesce con efficacia a sottolineare l’assurdità di situazioni e avvenimenti senza però lasciar scivolare il tono dentro la parodia ridanciana.

Perché l’aspetto forse più interessante di Cocainorso è proprio quello di non sbilanciarsi mai veramente in favore della commedia: ovviamente l’intento è quello di far passare al pubblico un’ora e mezzo di stralunato divertimento, ma non soltanto necessariamente attraverso la risata. Il lato horror e la conseguente estetica “forte” che esso necessariamente comporta sono elementi fondanti del progetto, e Elizabeth Banks non se ne dimentica nella maniera più assoluta.

La rappresentazione dell’animale protagonista è sotto questo punto di vista emblematica: ai brevi momenti di comicità assurda dovuta dall’essere “strafatto” si contrappongono quelli in cui diventa una belva sanguinaria, rendendo Cocainorso un mix con una sua specifica energia, stridente quanto produttiva.

Cocainorso è un ibrido interessante

Il film di Elizabeth Banks risulta un ibrido interessante, che intrattiene ma tutto sommato non concede quasi mai momenti di cinema liberatorio (i quali troppo spesso peccano di una certa frivolezza). Se proprio vogliamo trovare un limite al suo operato è probabilmente quello di essere fin troppo “intelligente”, o meglio costruito in maniera tale che la volontà di creare un film che funzioni si sovrappone alla ricerca dell’imprevisto, di quel qualcosa di magari imperfetto ma comunque originale, diverso.

Cocainorso, sia ben chiaro nel bene molto più che nel senso deteriore del termine, è esattamente quello che ci si aspetta da esso. Frizzante, sanguigno, in poche parole inattaccabile nel suo essere cinema d’evasione. Eppure si ha comunque l’impressione che qualche caduta di tono, qualche variazione inaspettata lo avrebbero reso ancor più interessante. Ma tant’è, quello che Elizabeth Banks, il suo cast di attori e il suo bestione zannuto hanno realizzato è decisamente divertente.

Dopo Tre piani, Nanni Moretti torna dietro – e davanti – la macchina da presa con Il sol dell’avvenire, che tra commedia e dramma rappresenta una summa del Moretti regista, della sua concezione di cinema e del rapporto con gli attori, ma anche del Moretti uomo dai saldi principi, faticoso nei rapporti, scaramantico, con le sue idiosincrasie, sarcastico e tagliente – metaforicamente e letteralmente. Il Moretti che tutti conoscono, dai tempi di Ecce Bombo, insomma. Il film, che sarà in concorso al prossimo Festival di Cannes, accanto a Bellocchio e Rohrwacher, rappresenta anche un momento di autocritica e riflessione su sé stesso, soprattutto per quel che riguarda affetti e relazioni. Senza tralasciare la passione politica che ha sempre contraddistinto il regista.

La trama de Il sol dell’avvenire

Giovanni, Nanni Moretti,  è un regista alle prese con un film ambientato nel ’56, al tempo dell’invasione russa in Ungheria. In questo film, Silvio Orlando interpreta Ennio, un giornalista de L’Unità, animatore di una sezione del Pci al Quarticciolo. Accanto a lui, Barbora Bobulova veste i panni di Vera, una sarta, attivista del medesimo circolo. Proprio nei giorni in cui i carri armati entrano in Ungheria, la sezione romana ospita il circo ungherese Budavari. Ennio e Vera si trovano, come tutti i militanti del Pci, a dover prendere posizione riguardo ai fatti di Ungheria. Lo spettatore segue Giovanni e la sua troupe sul set, alle prese con i problemi quotidiani. Intanto, Giovanni sta pensando anche a un altro suo progetto cinematografico: un film incentrato sulla storia d’amore tra due ragazzi, con colonna sonora di canzoni italiane anni ’60. Nella vita privata del protagonista, poi, sta per succedere qualcosa di inatteso: sua moglie, Margherita Buy, che è anche la sua produttrice, vuole lasciarlo da tempo e sta cercando il modo giusto per dirglielo, mentre sua figlia, Valentina Romani, intraprende una relazione sentimentale con un uomo molto più grande di lei. Le certezze di Giovanni sembrano crollare e lui si trova spaesato.

Il sol dell’avvenire, summa morettiana

Il sol dell’avvenire sembra una summa di tutti i lavori più iconici di Moretti: da Ecce Bombo a Sogni d’oro, da La messa è finita, a Palombella rossa. Un florilegio, un amarcord – con il richiamo felliniano del circo – pieno di citazioni dei suoi film precedenti. Si parte dal nome del protagonista, Giovanni, e dalla coperta di Sogni d’Oro, per arrivare alla sua passione per i dolci, alle disquisizioni sulle scarpe – imperdibile il monologo sui sabot – al monopattino che prende il posto della storica vespa, a tante altre che lo spettatore più appassionato potrà divertirsi a scovare. Complice un finale rigorosamente top secret, il film sembra la chiusura di una fase, se non di una carriera – cosa fermamente smentita dal regista. Ne Il sol dell’avvenire c’è il Moretti che piace alla follia o si odia. Quello che i detrattori dicono noiosamente egoriferito e chi lo ama non vede l’ora di vedere. Perché si riconosce nel suo spirito tagliente e condivide parecchie delle sue considerazioni, ne apprezza la franchezza e la coerenza con cui tiene fede alla propria identità, nonostante le critiche.

Coerenza e coesione ne Il sol dell’avvenire

Nonostante la struttura complessa – due film nel film – le sceneggiatrici Federica Pontremoli, Valia Santella e Francesca Marciano hanno fatto, insieme con Nanni Moretti, un ottimo lavoro. Non era facile tenere tutto assieme, ma ci sono riusciti senza annoiare, dando dinamicità e riuscendo al tempo stesso a mantenere chiari i diversi filoni narrativi. Il sol dell’avvenire è un film estremamente coeso e coerente. Si può dire che i due film, uno girato e l’altro immaginato dal regista, rappresentino un po’ i due filoni lungo i quali Moretti si è sempre mosso: quello dei rapporti umani, privato, e quello politico, da regista e da uomo politicamente e socialmente impegnato quale è sempre stato. Entrambi confluiscono nel prodotto finale, restituendo un quadro completo della personalità del regista e del suo cinema. La durata, poi, non è eccessiva, e ciò fa sì che il lavoro non si disperda e diluisca in rivoli poco proficui, risultando anzi, anche poetico in alcuni momenti.

Lo stupore negli occhi

Un elemento che rimane impresso anche dopo la visione de Il sol dell’avvenire ed è ricorrente nel film, è lo sguardo stupito, esterrefatto del regista di fronte ad alcune cose del mondo, ad alcuni cambiamenti, talvolta derive, attuali, ma anche ad alcuni aspetti del carattere o dei gusti altrui, che lo lasciano, appunto basito. Valga ad esempio il gustosissimo colloquio con i dirigenti di Netflix. È da apprezzare questo coraggio di stupirsi, di essere ancora esterrefatti, se è il caso, di indignarsi, anziché farsi scivolare tutto addosso, come assuefatti. Questo, Moretti riesce ancora a farlo e forse invita anche lo spettatore a ritrovare lo stupore, perché, come afferma, “due o tre principi bisogna pure averli”.

Moretti cineasta intransigente ne Il sol dell’avvenire

Il Moretti regista si descrive qui come lo si immaginava, e forse anche peggio, nel suo essere dispotico e impositivo: l’ascolto, e il canto delle canzoni sul set per prepararsi a girare, l’attrice che deve obbedire, altrimenti viene cacciata, a costo di ricominciare da capo il film. Ma anche un’idea di cinema chiarissima e difesa a spada tratta, come nella godibilissima e surreale sequenza del film violento che Moretti interrompe. È un’estremizzazione, ma risponde a un’etica del cinema, a una visione reale, a un rifiuto categorico della violenza come forma di intrattenimento fine a sé stessa: “Comincerete a piangere perché vi renderete conto di quello che avete combinato”, dichiara il protagonista al suo giovane collega. Sulla propria visione del cinema Moretti non ha tentennamenti e non la mette in discussione, come non mette in discussione l’istituzione della sala, verso cui dichiara, anche da esercente, amore incondizionato.

Autocritica privata

Ciò su cui invece il regista pare riflettere anche in maniera autocritica è il sé privato. Forse è un segno dei tempi, rappresenta un elemento nuovo. Così, la convinzione iniziale di essere “delizioso” lascia il posto al dubbio, alla messa in discussione di sé, alla consapevolezza di un carattere non facile e a un tentativo di ammorbidimento di alcuni aspetti, alla ricerca di un dialogo, per andare incontro a degli affetti che non vuole perdere.

Qualcosa di sinistra ne Il sol dell’avvenire

Da un regista politico, nel senso più ampio del termine, per cui ogni inquadratura e sfumatura è un atto politico, non ci si poteva poi non attendere un riferimento alla politica in senso stretto, alla sinistra, verso cui, da elettore e cittadino, Moretti è sempre stato critico in maniera costruttiva. Basti pensare alla famosa scena di Aprile in cui esortava l’allora segretario del PDS D’Alema a dire “una cosa di sinistra” in un dibattito televisivo. Qui Moretti richiama sarcasticamente “il sol dell’avvenire” garibaldino prima e partigiano poi, non ancora apparso all’orizzonte, e pensa bene di intervenire direttamente, come non sveliamo. Compie però un gesto a suo modo rivoluzionario, contrario al realismo del “la storia non si fa coi se”. Il gesto poetico di un sognatore che vuole vedere in qualche modo realizzata l’utopia in cui ha creduto, che, superato il mezzo del cammin della propria vita, pensa bene di realizzarsela da sé. Forse proprio la sua coerenza, il non vergognarsi mai della propria identità, l’orgoglio nel rivendicarla che c’è ne Il sol dell’avvenire, una visione non solo del cinema, ma anche della società, propria di Moretti, che può insegnare molto alla sinistra italiana. Una visione su cui si può dibattere, dissentire, discutere, ma pur sempre una visione, che forse i partiti di sinistra hanno perso da tempo. Una visione in cui anche il dialogo con le nuove generazioni è importante, per spiegare cosa è stato a chi non lo sa, non lo ha vissuto.

Il cast de Il sol dell’avvenire

Infine il cast de Il sol dell’avvenire: un insieme ben assortito di certezze e nuovi ingressi, come Barbora Bobulova, perfettamente integrata nel gruppo. Dal canto suo, Margherita Buy, al quinto film con Moretti, riesce ancora a creare un bilanciamento perfetto con il regista e attore, facendo da contrappeso alla sua figura ingombrante, ricavandosi anche uno spazio più ampio. Silvio Orlando, che torna a collaborare con Moretti a diciassette anni di distanza da Il caimano, interpreta sé stesso ed Ennio con la consueta misura, ma anche con dei guizzi espressivi degni di nota. Nel cast anche Mathieu Amalric nel ruolo di un eccentrico amico finanziatore, e una serie di giovani attori. Valentina Romani è reduce dal successo di Mare Fuori e qui sa calarsi in un personaggio totalmente diverso. Altri giovani offrono buone prove, come Blu Yoshimi, molto intensa ed efficace, e Giuseppe Scoditti. A completare il lavoro, una colonna sonora in cui ritroviamo il Franco Battiato caro a Moretti – in un momento davvero poetico del film – ma anche altri classici della canzone d’autore italiana, come De André o Luigi Tenco, accanto a Noemi e Aretha Franklin. Il sol dell’avvenire, prodotto da Sacher Film e Fandango, con Rai Cinema e Le Pacte, è in sala dal 20 aprile.

November – I cinque giorni dopo il Bataclan racconta proprio ciò che promette nel titolo: il breve tempo successivo a quel 13 novembre del 2015 che la Francia (ma non solo) ricorda come una delle infinite ferite inferte dalla follia degli attentati terroristici che hanno caratterizzato il nostro secolo.

Diretto da Cédric Jimenez, presentato al Festival di Cannes dello scorso anno e candidato a ben sei premi César, November è fedele allo stile del suo regista, anche se la sceneggiatura è stata scritta da Olivier Demangel. L’ultimo film di Jimenez era stato infatti BAC Nord del 2020, un’altra pellicola ad altissimo tasso adrenalinico che vedeva sempre le forze dell’ordine all’opera nello sventare rischi, in quel caso localizzati ad una zona ristretta della Francia e nell’ambito del narcotraffico.

November – I cinque giorni dopo il Bataclan, la recensione

Il regista di Marsiglia è infatti avvezzo all’analisi di profili duri, com’era stato nel 2017 per L’uomo dal cuore di ferro, la storia dell’agghiacciante gerarca nazista Reinhard Heydrich chiamato proprio da Hitler con l’appellativo che dà il nome al titolo del film. Ed è attratto da racconti che vedono messa in scena l’eterna lotta tra chi combatte per il bene e chi lo fa per il male, tra legalità e crimine, tra buoni e cattivi, come French Connection del 2014 che raccontava di un giudice determinato a stanare il capo di un’organizzazione di stampo mafioso.

È insomma il tema principale anche di November, quel dubbio atroce che accompagna il ritmo febbrile di tutto il film, nella corsa estenuante dei personaggi di fantasia interpretati da Jean Dujardin, Anaïs Demoustier, Jérémie Renier e Sandrine Kiberlain. I cinque giorni dopo il Bataclan sarebbero appunto il concentrato delle ricerche che la sezione antiterrorismo della polizia francese mette in atto con foga e impiegando decine di operatori istituendo una rete di ricerche senza sosta, nella speranza di scovare i responsabili della carneficina avvenuta a Parigi consistita in tre esplosioni nei pressi dello stadio e delle sparatorie in più luoghi pubblici – tra cui, appunto, il celebre teatro – causando la morte di 137 persone e 368 feriti.

Ma nel film di Cédric Jimenez la parte degli attentati rivendicati dall’ISIS non si vede nemmeno per un attimo. Tutto il racconto si svolge all’interno delle stanze degli uffici della polizia, non viene mostrata la vita personale di nessun agente e tutto convoglia verso il tentativo di riuscita delle indagini: nei ragionamenti dei protagonisti, nella loro raccolta ansiosa di tracce, anche le più trascurabili, che potrebbero ricondurre a un minimo barlume di risoluzione.

Il presidente Hollande, allora in carica, dichiara lo stato di emergenza e chiude le frontiere. La Francia è in ginocchio anche perché, a gennaio di quello stesso anno, era stata attaccata la sede del giornale Charlie Hebdo. Il regista fa trasudare tutto questo: la responsabilità profonda che ognuno sente per il proprio ruolo di fronte alla difesa del Paese, insieme allo smarrimento e all’angoscia nell’eventualità di prendere piste false. Le riprese sono alternate tra movimenti di macchina chiari, con lo stile delle serie tv statunitensi sulle unità anticrimine, e riprese da videocamere a infrarossi poste sugli elmetti dei soldati, o dall’alto in notturna con droni. Il ritmo serrato è dunque agevolato dal punto di vista della macchina da presa, ma non vuole limitarsi a quello.

Traspare chiaramente in November il sentimento del regista che vive le emozioni dei personaggi che riprende, che empatizza con la paura, il desiderio di riuscita e, forse per alcuni aspetti, l’ammirazione per l’eroismo di chi ha scelto un mestiere che con ottime probabilità espone a una morte violenta. November pone molti interrogativi, e riesce a far osservare quei fatti partendo dalla prospettiva di chi mette la propria umanità fallibile al servizio della possibilità di salvare vite umane e arginare problemi di proporzioni mondiali. Ma riesce a farlo senza patriottismo e, piuttosto, con un ottimo andamento registico e narrativo.

È il 1981 quando Sam Raimi (recentemente tornato alla regia con Doctor Strange nel Multiverso della Follia) porta cinque ragazzi in uno chalet di montagna per farli scontrare con uno spietato demone maligno. Nasce così La casa, uno dei più celebri cult del cinema horror, capace di prendere le regole del genere e farne qualcosa di nuovo. 42 anni, due sequel, un remake e una serie televisiva dopo, ci spostiamo ora dal bosco alla città con La casa – Il risveglio del male, diretto da Lee Cronin e prodotto dallo stesso Raimi. Un cambio di location che aggiorna dunque la saga, in quello che è a tutti gli effetti un quinto capitolo reboot.

Nuova location, sì, ma anche ulteriori altri elementi che, in linea con la politica dei reboot, hanno l’obiettivo di far sintonizzare questo nuovo film con le attuali tendenze e sensibilità, del cinema ma non solo. Inutile girarci però intorno, La casa – Il risveglio del male è concepito per spaventare e di paura riesce a suscitarne, tanta. Lo fa già a partire dal nuovo contesto: un lugubre condominio di Los Angeles. Qui, tra corridoi caratterizzati dalla semi oscurità e da ampi spazi aperti e abbandonati, vive Ellie (Alyssa Sutherland), tatuatrice e madre di tre figli, che riceve la visita di sua sorella Beth (Lily Sullivan), tecnica del suono per una rock band e da poco scopertasi incinta.

Una famiglia senza padri, dunque, che può contare solo sulla forza della propria unione. Il ricongiungimento delle due sorelle è però compromesso dal ritrovamento di un antico libro, ricco di inquietanti illustrazioni realizzate col sangue. Un ritrovamento che, di suo, aggiunge ulteriore tensione al racconto. Basta poi l’ascolto di alcune registrazioni di quanto in esso scritto per scatenare un demone in carne e ossa sulla famiglia. Ed è qui che subentra l’orrore definitivo: impossessatosi di Ellie, il demone costringerà i restanti protagonisti ad una crudele, violenta e primordiale battaglia per la sopravvivenza.

La casa – Il risveglio del male è pura follia orrorifica

Se il remake del 2013 ha sconvolto gli spettatori per l’elevato livello di atrocità e sangue, La casa – Il risveglio del male è pronto a scioccare ancor di più quanti avranno il coraggio di affrontare la sua visione. Nel corso dei suoi 97 minuti di durata, il film offre infatti un continuo alternarsi tra semplice stato di allerta a momenti di puro orrore. Non ci sono pause, non c’è possibilità di tirare sospiri di sollievo. Proprio come quando si va sulle montagne russe, che finché non se ne scende si vive un continuo senso di terrore (ma anche eccitazione, per i più coraggiosi), così La casa – Il risveglio del male da quando inizia e fino ai suoi titoli di coda costringe a confrontarsi con scioccanti mutilazioni, elementi splatter, jumpscare, sangue a non finire e molto altro ancora.

Quanto visto nel trailer, già di suo particolarmente impressionante, è solo parte di ciò che il film ha da offrire. Il che farà certamente piacere agli appassionati del genere dallo stomaco forte, che davanti a sequenze come quella in cui viene adoperata una grattugia o ancora quelle che prevedono lo smembramento dei corpi, ritroveranno soluzioni visive e idee di messa in scena realizzate con un certo gusto. Senza dimenticare la mamma demoniaca interpretata dalla Sutherland: una presenza memorabile, spaventosa già solo per il trucco che la caratterizza. Elementi, questi, che fanno di La casa – Il risveglio del male un horror decisamente convincente che, anche riprendendo inquadrature tipiche dell’estetica di Raimi o fornendo omaggi ai classici horror, centra in pieno l’obiettivo di fare paura. Forse facendone anche troppa.

Quella certa paura di una scrittura più ambiziosa

Tanto orrore, dunque, che è indubbiamente ciò che un film come La casa – Il risveglio del male deve offrire ai propri spettatori, ma carente è stata l’attenzione riposta nella sua scrittura. Certo, abbiamo un cambio di location che “svecchia” la saga (in modo molto simile a quanto avvenuto con Scream VI), due madri emancipate e attuali riflessioni legate al tema della maternità e della famiglia non tradizionale. Eppure, Cronin (anche sceneggiatore del film oltre che suo regista) sembra non aver avuto il coraggio di usare tali elementi in modo più ambizioso. La paura generata ad esempio dagli spazi in cui si muovono i protagonisti è merito più di una regia attenta a valorizzare tali ambienti, che non di una scrittura che invece si limita ad utilizzarli nel modo più canonico.

Naturalmente l’aspetto visivo in un horror ha la precedenza e come già riportato La casa – Il risveglio del male in questo eccelle. Ma il mancato sostegno di una sceneggiatura meno prevedibile, meno canonica, si fa sentire in più momenti. Viene così a mancare, ad esempio, un maggior approfondimento dei personaggi protagonisti, che avrebbe invece potuto conferire ulteriore valore tanto alla loro presenza nel film quanto al film stesso. Conseguenza più evidente di questa carenza è però la mancanza di un senso di imprevedibilità, attraverso il quale si sarebbe potuto iniettare nello spettatore un terrore capace di continuare anche oltre l’uscita dalla sala. La casa – Il risveglio del male regala invece un shock temporaneo, ma considerando il livello di questo shock probabilmente va bene anche così.