A prima vista, The Last Exorcism può sembrare un documentario su un orribile esorcismo, ma in realtà il film è completamente inventato. I produttori di questo film horror soprannaturale in stile found footage del 2010 volevano infatti far credere al pubblico che fosse basato su una storia vera, per questo è stato girato come un documentario. Di conseguenza, il film ha avuto un enorme successo al botteghino, in quanto gli spettatori si sono precipitati nelle sale per vedere se la storia era vera o inventata. Nel 2013 è poi arrivato un sequel, girato con la stessa tecnica e intitolato The Last Exorcism – Liberaci dal male.

Entrambi i film hanno sfruttato il successo di altri titoli horror in found footage come The Blair Witch Project, la serie di film Paranormal Activity o titoli come  Il quarto tipo e The Gallows – L’esecuzione per assicurarsi un buon risultato al botteghino. Non è stato il primo del suo genere a utilizzare la strategia “girato come un documentario” per aumentare i propri incassi, ma ha funzionato ugualmente. Come quelli che l’hanno preceduto, la pubblicità di The Last Exorcism – Liberaci dal male ha portato la gente in sala e il suo contenuto l’ha fatta rimanere.

Ancora oggi, a distanza di oltre un decennio, si tratta di un duo di film particolarmente apprezzato dai fan dell’horror, che possono ritrovare qui tutti gli elementi più avvincenti del sottogenere dedicato alle possessioni demoniache. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a The Last Exorcism – Liberaci dal male. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori, alla storia vera e alla spiegazione del finale. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di The Last Exorcism – Liberaci dal male

Nell Sweetzer, la ragazza al centro dell’esorcismo raccontato nel primo capitolo, viene ritrovata in uno stato inquietante e catatonico, e dopo il ricovero in ospedale viene affidata alle cure di una casa famiglia che accoglie ragazze problematiche. Grazie al direttore della struttura Frank Merle (Muse Watson), Nell ritrova un suo equilibrio, ambientandosi nella casa e riuscendo anche a trovare un impiego come cameriera di un albergo. Ma un giorno, mentre è fuori con le amiche, inizia ad avere il raccapricciante presentimento che il demone Abalam, lo stesso che l’aveva posseduta in precedenza, la stia cercando.

The Last Exorcism – Liberaci dal male è tratto da una storia vera?

Il trailer de L’ultimo esorcismo ha fatto credere che il film fosse basato su una storia vera, poiché mostrava le riprese del film e presentava una voce drammatica fuori campo dell’attore principale, Patrick Fabian, che interpretava il reverendo Cotton Marcus. Il trailer è stato montato proprio come un’anteprima di un documentario, il che ha indotto molti a credere che il film fosse, in realtà, una non-fiction. Inoltre, per promuovere il film la Lionsgate ha utilizzato Chatroulette, un sito di chat online in cui gli utenti possono comunicare con persone a caso di tutto il mondo.

La pubblicità ha poi fatto leva sul richiamo “basato su una storia vera” già presente nel film del 2010. Grazie a questi strategemmi, il film ha guadagnato 67,7 milioni di dollari al botteghino a fronte di un budget di 1,8 milioni di dollari e ha ricevuto recensioni per lo più positive. Gli spettatori sono stati attratti dal progetto proprio perché la possibilità che fosse reale era una domanda a cui volevano risposta. Naturalmente, il tutto si è rivelato assolutamente fittizio, ma l’approccio dei produttori alla realizzazione del film ne ha determinato il successo.

Il finale del film

Come da lei temuto, lo spirito maligno inizia a perseguitare le persone care a Nell, spingendole al suicidio o ad una morte violenta. Nell cerca aiuto e lo trova nell’Ordine della Mano Destra, un’associazione religiosa che cerca di praticare un esorcismo ma senza successo, poiché il demone è troppo forte; considerando la ragazza troppo pericolosa per lasciarla andare, i membri dell’ordine decidono di ucciderla per sconfiggere in questo modo Abalam, ma quando tutto sembra finito, il demone offre la salvezza a Nell in cambio della sua anima.

Nell accetta e il demone si impossessa di lei uccidendo i membri dell’Ordine della Mano destra. In seguito, torna alla casa famiglia e decide di bruciare l’abitazione e tutte le sue compagne. La scena finale vede Nell, ormai sotto il controllo demoniaco girare in macchina per la città dando fuoco a tutto con il semplice potere del suo pensiero. Si tratta dunque di un finale estremamente cupo, che dimostra come la possessione sia ormai completa e il potere del demone sia apparentemente inarrestabile. Una conclusione dunque amara per Nell e la sua speranza di salvarsi.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di The Last Exorcism – Liberaci dal male grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Prime Video, Tim Vision e Infinity+. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 6 febbraio alle ore 21:15 sul canale Italia 2.

Ultimatum alla Terra (qui la recensione)  è una delle prime opere di fantascienza più importanti della storia del cinema. Diretto nel 1951 da Robert Wise  (che aveva curato “Quarto Potere” e avrebbe poi diretto “West Side Story”, “Tutti insieme appassionatamente” e “Star Trek: The Motion Picture”), il film narra del primo contatto del pianeta Terra con un’entità aliena venuto a giudicare l’umanità, riservandosi di stabilire se meriti la salvezza o l’estinzione. Questo racconto ha formato intere generazioni di spettatori su questo genere ed è allo stesso tempo rappresentato un modello per le successive storie di questa tipologia.

L’inarrestabile robot Gort, ad esempio, divenne un modello per i futuri Terminator e droidi assassini. Nel 2008 è poi stato realizzato un remake (qui la recensione) con protagonista Keanu Reeves nel ruolo dell’alieno poc’anzi citato. Ma c’è una grande ragione per cui la versione del 2008 di Ultimatum alla Terra del regista Scott Derrickson (Doctor Strange, Sinister, Black Phone) esiste: non abbiamo imparato la lezione dell’originale. In questo articolo, approfondiamo dunque il finale del film e ciò che ci dice della specie umana.

La trama di Ultimatum alla Terra

La scienziata Helen Benson (Jennifer Connelly) viene convocata dalle alte sfere per far fronte ad un imminente catastrofe: un oggetto non identificato si dirige a tutta velocità su New York. L’oggetto si rivela essere una navicella aliena, contente il messaggero Klaatu (Keanu Reeves). Giunto sulla terra, l’alieno rivela alla scienziata che il vero motivo per cui è giunto sul pianeta è quello di dar via allo sterminio umano. La razza umana, infatti, è stata giudicata indegna di abitare la Terra poiché con il suo egoismo e la sua brama di potere genera solo distruzione. Convinto della sua sentenza dopo aver incontrato un infiltrato alieno che da decenni abita sul pianeta, Klatuu darà via allo sterminio mentre ad Helen non rimarrà che cercare di dimostrare che gli umani possono cambiare.

Come il finale di Ultimatum alla Terra veicola il messaggio del film

Sebbene l’esecuzione sia diversa, il messaggio della versione 2008 di Ultimatum alla Terra è molto simile a quello trasmesso dal film originale del 1951: smettete di uccidervi a vicenda e di uccidere il pianeta. Negli anni Cinquanta, naturalmente, questo messaggio era accompagnato da una buona dose di paranoia da Guerra Fredda. L’Unione Sovietica aveva appena testato la sua prima arma atomica appena due anni prima, ma anche se la corsa agli armamenti nucleari era agli inizi, era ancora facile immaginare come la prossima era bellica avrebbe potuto creare un conflitto che avrebbe consumato il pianeta. Il remake sostiene che l’umanità non ha imparato la lezione, nemmeno dopo quasi 60 anni.

Abbiamo semplicemente scelto una nuova forma di distruttore, qualcosa di diverso da una sfida tra superpotenze con armi nucleari. Mentre il Gort del 1951 era una forma avanzata di armamento – un robot indistruttibile con occhi laser che vaporizzava cannoni e carri armati in un lampo di luce – la versione del remake conferisce al robot la capacità di trasformarsi in uno sciame di nano-macchine simili a una pestilenza che divorano tutto ciò che l’uomo incontra sul suo cammino. Le macchine usano le materie prime per generare altri esemplari di se stesse, permettendo loro di divorare ogni traccia di umanità ancora più velocemente. Non sarà quindi la guerra a distruggere l’umanità, ma piuttosto la nostra spinta al consumo.

La spiegazione del finale del film

Alla fine del film, però, Klaatu si convince a fermare lo sciame. Incontra il premio Nobel Professor Barnhardt (John Cleese), il quale sostiene che l’umanità è sull’orlo del precipizio della distruzione, ma non ha ancora superato il limite. Trascorre del tempo con la cosa più vicina a una guida umana, l’astrobiologa Helen Benson (Jennifer Connelly) e il suo figliastro Jacob (Jaden Smith), e vedere l’amore interpersonale su piccola scala che passa tra loro convince Klaatu che l’umanità potrebbe ancora essere capace di qualcosa di diverso dalla distruzione. Si muove quindi attraverso lo sciame che lo divora per raggiungere la sua nave e disattivare i protocolli.

In seguito, però, tutta l’attività elettrica del pianeta si blocca. Nel film originale, Klaatu aveva spento il mondo per mezz’ora come dimostrazione del suo potere. Qui il film termina con il mondo oscurato. Klaatu dice a Barnhardt: “Il tuo problema non è la tecnologia. Il problema sei tu. Ti manca la volontà di cambiare”. Ma questo finale sembra certamente implicare che, spegnendo ogni forma di tecnologia, ci vorrà un drastico reset perché l’umanità possa avere una concreta speranza di salvarsi.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Ultimatum alla Terra è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Disney+, Prime Video e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 6 febbraio alle ore 21:30 sul canale TV8.

Arriva al cinema in Italia con PiperFilm Diva Futura, il film che, come da titolo, racconta l’avventura e la rivoluzione sessuale di Riccardo Schicchi, con la sua agenzia di casting e produzione di cinema a luci rosse. Il film scritto e diretto da Giulia Louise Steigerwalt è interpretato da Pietro Castellitto, nei panni di Schicchi in persona; da Barbara Ronchi, che invece interpreta Deborah, la sua segretaria e punto di vista privilegiato dal quale la regista decide di raccontare la storia; da Denise Capezza, che si abbraccia l’onere di interpretare Moana Pozzi; da Tesa Litvan, nei panni di Éva Henger, grande amore di Riccardo, madre di suo figlio e poi attrice porno; e da Lidija Kordi che invece si assume un altro compito difficilissimo, portare sullo schermo Ilona Staller, in arte Cicciolina, prima porno star e co-fondatrice della rivista.

Cos’era Diva Futura?

Prima di essere il titolo del nuovo film di Steigerwalt, ovviamente Diva Futura era il nome dell’agenzia di casting e produzione fondata nel 1983 da Riccardo Schicchi e Ilona Staller. Fu la prima agenzia in Italia specializzata in pornografia.

In seguito ai successi di Riccardo Schicchi e Ilona Staller, i due decisero di creare qualcosa sul quale appoggiare la loro attività. In un primo momento, più che la produzione di film e spettacoli a luci rosse, il target dell’agenzia fu quello di reclutare nuove dive per il neonato mercato pornografico italiano. A quel tempo inoltre la pornografia era soprattutto cartacea e Schicchi era infatti un fotografo professionista. Il film mostra le principali star di questa scuderia: Staller, Pozzi e ovviamente Henger.

La rivoluzione pornografica italiana

Mietendo un successo dopo l’altro, l’agenzia fu l’ammiraglia del periodo d’oro del porno italiano. Ha seguito il mercato nel suo sviluppo, dal cartaceo al cinema pornografico, alla produzione per l’home video, alle linee erotiche a pagamento la cui produzione avveniva in una sede di Pescara. Nel 1985 ha prodotto il primo film hardcore della carriera di Ilona Staller Telefono rosso. Nel 1986 ha realizzato il suo primo spettacolo live Curve deliziose. La sede dell’agenzia sulla via Cassia era diventata anche un po’ il rifugio dell’amore libero, dove non esistevano limiti alla naturale propensione sessuale. L’agenzia pubblicava anche delle riviste e calendari.

La rivoluzione che portò l’agenzia nella cultura popolare italiana giunse alla costituzione delle prime pornostar, parola che prima non esisteva. Moana e Cicciolina non erano solo il sogno erotico degli italiano, erano vere e proprie dive che popolavano i giornali e la televisione, promessa di una società progressista che non si sarebbe poi mai più replicata.

La svolta politica

Come viene anche raccontato nel film, negli anni ’90 l’agenzia ebbe un coinvolgimento in politica, con la fondazione del Partito dell’Amore da parte di Riccardo Schicchi e Moana Pozzi. Fu celebre l’ingresso in Parlamento, in qualità di Deputata, di Ilona Staller, per esempio, che riuscì a guadagnarsi uno dei seggi dei radicali di Pannella. Il politico trovò infatti nel Partito dell’Amore un feeling con il suo pensiero militante e il giusto grado di anticonformismo che, per un po’, tenne salda questa inaspettata eppure naturale alleanza.

L’avventura musicale di Diva Futura

Sebbene non prodotti direttamente da Diva Futura, sono interessanti anche una serie di progetti musicali delle star più famose dell’agenzia, tutt’oggi molto ambiti nel campo del collezionismo musicale. Le musiche usate per gli spettacoli live e per i film erano curate da Jay Horus e a volte incise, seppur con una distribuzione limitata, su vinile a 45gg, mix 12″ o picture disk. Cicciolina si spinse oltre cercando di portare la pornografia anche in campo musicale, incidendo Muscolo rosso, forse la canzone con il testo più esplicito in tutto il panorama italiano, non è necessario certo specificare a cosa si riferisse il titolo e la canzone tutta! L’agenzia era proprietaria anche di “Diva Futura Channel”, un canale satellitare dedicato interamente al mondo dell’eros.

Alla morte di Riccardo Schicchi, avvenuta a Roma il 9 dicembre 2012, tutto quello che riguarda l’agenzia viene eraditato dalla moglie di Schicchi, Éva Henger e dei figli Mercedesz e Riccardo Beltaim Jr.

Il film Diva Futura

Sorvolando sulle avventure musicali e riservando solo pochi cenni alle altre attività dell’agenzia, il film di Giulia Louise Steigerwalt tenta un’indagine intima e molto privata di un mondo che ha fatto una rivoluzione involontaria e che ha poi generato una involuzione dei costumi. Il film propone il ritratto di uomini e donne liberi, pionieri senza tempo, un gruppo di esploratori “amorali ma mai immorali”. Un ritratto inedito e insolito che accanto al classico biopic propone una visione pura e divertita del mondo (del porno).

Dopo la presentazione al Festival di Cannes 2024, Parthenope (la nostra recensione) di Paolo Sorrentino è finalmente nelle sale italiane dal 24 ottobre, distribuito da PiperFilm. Accolto con grande interesse e aspettativa, come ogni titolo del regista partenopeo conosciuto in tutto il mondo, il film ha destato qualche protesta e molte incertezze, principalmente a causa del suo andamento metaforico che ne costituisce sia la difficoltà che il fascino. Ma di cosa parla il film di Sorrentino?

Di cosa parla Parthenope?

Sorrentino racconta la storia di Parthenope (interpretata da Celeste Dalla Porta prima e da Stefania Sandrelli poi), giovane figlia dell’alto borghesia napoletana, nata a seguito di un parto in acqua, nella baia di Napoli, ai piedi del Vesuvio. Il primo dono che riceve è una carrozza borbonica, che utilizzerà come letto. La leggenda della sirena Parthenope è uno dei più famosi miti fondativi della città di Napoli, ed ecco che già all’inizio della sua storia, nel giorno della sua nascita, nel 1950, la sorte della ragazza si lega a quella della città.

Dalla sua nascita, per tutta la giovinezza e l’età adulta, fino alla vecchiaia, Parthenope intraprende il suo viaggio di scoperta del mondo, dell’amore, della conoscenza, sempre guidata dalla passione per la vita. Gli studi, l’estate a Capri (dove tutto cambia), i libri, le idee, i vicoli della città, ma anche l’Università, gli incontri, il sottosuolo napoletano, l’arte, il miracolo di San Gennaro, l’estate del 2023 con i festeggiamenti per lo scudetto: il tempo trascorre inesorabile, ma Parthenope è sempre presente, misteriosa e bellissima, inconoscibile eppure riconosciuta da tutti.

Qual è il significato di Parthenope?

Paolo Sorrentino non è nuovo all’utilizzo della metafora e del simbolismo. Con E’ stata la mano di Dio aveva già percorso le strade di Napoli, che però erano principalmente scenario alla vicenda personale di Fabietto, il protagonista, e poi si è scoperto alter ego del regista stesso. Con Parthenope, Sorrentino rimane a Napoli ma fa della città un personaggio nel corpo e nel viso splendido di Celeste Della Porta. La prima parte del film è più legata al classico viaggio di formazione, che si esaurisce e conclude (forse) di fronte al primo grande dolore di questa giovane donna. Da quel momento in poi che non specifichiamo ma che sarà chiaro a chiunque vedrà il film, Parthenope prende una strada accidentata, quella appunto metaforica e simbolica in cui la fanciulla si fa città e, man mano che procede nella sua ricerca di senso della vita, entra in contatto con ogni aspetto di Napoli stessa.

Parthenope entra in contatto con l’ambiente dell’arte, e si avvicina alla recitazione, arrivando a ricevere consigli da una grande attrice, una diva di origini napoletane che nel look e nei modi ricorda vagamente Sofia Loren. Si avvicina all’occultismo e alla magia della fede folkloristica tipica della città: il Miracolo e il Tesoro di San Gennaro, il Vescovo intermediario tra la città e il popolo, che vuole “fottere” la città per il suo tornaconto. Entra addirittura in contatto con le viscere mafiose del capoluogo campano, quando assiste a un “matrimonio” tra famiglie di camorra. Si immerge nell’ambito accademico, aspetto forse meno noto di Napoli, ma importante e significativo a livello internazionale, dopotutto è a Napoli l’Università più antica d’Europa, la Federico II. E’ lì che Parthenope “si ferma” e mette radici. Il riprendere canonico del racconto monografico di questa non più giovane donna la ritrova docente in via di pensionamento, mentre dice addio alla sua cattedra di Antropologia.

La spiegazione del finale di Parthenope

Alla fine del suo racconto, Parthenope donna fa pace con Parthenope città. La vediamo guardare un carosello che festeggia lo scudetto del 2023 con il sorriso sorpreso di chi vede qualcosa che riconosce e che in qualche modo le appartiene. In questa scena, il volto di Stefania Sandrelli concilia la protagonista con il luogo che aveva voluto lasciare, e quindi anche la città con se stessa.

Una lettura più azzardata del film potrebbe indicare che con Parthenope, Sorrentino ha voluto mettere a nudo la vera essenza della napoletanità in una delle caratteristiche più evidenti e insistite della protagonista: la ragazza parla per frasi fatte, preferisce “la frase ad effetto alla verità”, perché è sempre meglio risultare memorabili che veritieri. Forse questa è l’essenza del film che racconta proprio il modo di essere dei napoletani, quasi tutti grandi uomini di spettacolo, anche nella vita di tutti i giorni. Uomini (e donne, ovviamente) che preferiscono un saluto colorito, una frase fatta e musicale al racconto della verità. Perché la verità, si sa, non è mai bella come tutte le parole che vogliamo sentirci dire per rassicurarci.

Parthenope è un canto d’amore alla città di Napoli, da parte di Paolo Sorrentino, è la città stessa che si spoglia, si svela, si mostra nella sua bellezza inafferrabile. Che piaccia o meno, sicuramente il film merita più di una visione, per poter essere goduto appieno e capito a fondo, per leggerne tutte le sue stratificazioni di senso e per poter capire davvero qual è il sua significato.

Il finale del thriller poliziesco The Order, basato su una storia vera, mostra la fine di Bob Matthews, il leader del gruppo terroristico neonazista nazionale. Jude Law e Nicolas Hoult guidano il talentuoso cast di The Order, che vanta anche le interpretazioni di Tye Sheridan (X-Men: Apocalypse) e Marc Maron (Joker). Law interpreta l’agente dell’FBI Terry Husk che, con l’aiuto di un ambizioso poliziotto di campagna di nome Jamie Bowen (Sheridan), scopre una serie di atti di terrore domestico collegati tra loro, avvenuti a metà degli anni Ottanta nella regione del Pacifico nord-occidentale degli Stati Uniti. The Order è stato accolto con buone recensioni, ottenendo l’89% su Rotten Tomatoes.

Come si legge nei titoli di testa del film, The Order è basato su una storia vera, già raccontata nel libro del 1990 The Silent Brotherhood di Gary Gerhardt e Kevin Flynn. Justin Kurzel (Macbeth) ha diretto il film sulla base di una sceneggiatura adattata scritta dal candidato all’Oscar Zach Baylin (King Richard). Mentre il Bob Matthews di Hoult continua a praticare il terrorismo interno rapinando banche e bombardando sinagoghe, l’Husk di Law e l’FBI si avvicinano a lui dopo aver identificato Tony Torres. Torres era il membro della Fratellanza Ariana che aveva acquistato le armi per la rapina al furgone blindato Brink’s in cui Matthews e i suoi soci avevano rubato 3,6 milioni di dollari.

Perché Terry e Bob non si sparano nella casa in fiamme

Uno degli aspetti più sorprendenti del finale di The Order (la nostra recensione) è il motivo per cui Terry corre nella casa in fiamme per affrontare Bob faccia a faccia. La cosa ancora più sorprendente è che quando Terry ha una possibilità di colpirlo, non la sfrutta. Lo stesso vale per Bob, che rinuncia a uccidere Terry in tre diverse occasioni nel corso del film.

Mentre le fiamme bruciano il rifugio di Bob a causa dei razzi lanciati da una squadra SWAT, Bob chiude la porta ed entra nella vasca da bagno con una maschera antigas, dove alla fine muore. Tra Terry e Bob sembra esserci uno strano legame non detto che impedisce a uno dei due di sparare all’altro. Terry finisce per sparare dopo che Bob ha chiuso la porta, ma scappa dalla casa per salvarsi, lasciando Bob a bruciare.

La spiegazione del piano anarchico in 6 fasi di Bob Matthew 

Matthew adotta il piano di rivoluzione in 6 fasi introdotto nel romanzo vietato The Turner Diaries, scritto nel 1978 dal nazionalista bianco William Luther Pierce. Dopo aver messo in atto la fase 5, ordinando l’assassinio di un conduttore radiofonico ebreo di Denver di nome Alan Burg, Matthews voleva passare alla fase finale, ovvero una rivoluzione armata contro il governo degli Stati Uniti. Nel rifugio, scrisse un manifesto intitolato “Una dichiarazione di guerra” che intendeva inviare al Congresso degli Stati Uniti, nonostante il fatto che i numeri della sua organizzazione stessero diminuendo. È chiaro che la visione di Matthews non era allineata con la realtà.

Come Torres è uscito di prigione – Bob gli ha creduto?

L’FBI è riuscita a identificare Tony Torres, un membro della Fratellanza Ariana di origine messicana. Torres ha usato il suo vero nome per acquistare decine di armi da fuoco e munizioni per la rapina di Matthews al furgone di Brink’s. Una di queste armi da fuoco è stata lasciata sulla scena del crimine, ed è così che Husk e la sua squadra sono riusciti a trovare e imprigionare Torres.

Terry interroga Torres e alla fine lo fa crollare in una cella di detenzione. Torres chiama un numero di telefono che gli fornisce risorse per l’estrazione e che lo riconduce a Bob. Torres, in modo poco convincente, dice a Bob di non aver detto nulla all’FBI né della rapina né dell’omicidio di Alan Burg. Bob dice che Torres può fidarsi di lui, ma è chiaro che tornerà nella sua stanza del motel per farlo fuori quando Terry si presenterà con l’FBI.

Terry si incolpa per la morte di Jamie?

Jamie muore tragicamente dopo essere stato colpito e ucciso da Bob durante un inseguimento della polizia. Piuttosto che avvicinarsi a Bob, Terry va da Jamie per stargli vicino mentre muore. Dopo la morte di Jamie, Terry si pulisce immediatamente le mani dal sangue con della ghiaia polverosa. Terry è un agente dell’FBI esperto e segnato che evidentemente non è devastato dalla morte di Jamie come lo sarebbe una persona normale.

All’inizio del film, Terry racconta a Jamie di una donna che aveva convinto a indossare un microfono mentre si infiltrava in una temuta famiglia criminale di New York. Quella donna è stata brutalmente uccisa. Jamie chiede a Terry perché gli abbia raccontato quella storia, senza sapere che sarebbe stata un’inquietante prefigurazione di come Terry avrebbe condotto Jamie alla sua stessa morte. Terry avrebbe potuto prendersi cura di Jamie e dirgli di ritirarsi e lasciare il caso all’FBI, ma non lo ha fatto.

Chi ha ucciso Alan Burg

Matthews ha tecnicamente ucciso Alan Burg, il conduttore radiofonico ebreo di Denver, ordinando il suo assassinio come quinta fase del suo piano. In realtà, Bruce Pierce, un membro della Fratellanza Ariana che lavora per Matthews, è stato identificato come l’esecutore. David Lane, un altro membro del gruppo d’odio, è stato identificato come l’autista dell’auto per la fuga. Secondo la Jewish Telegraphic Agency, “i pubblici ministeri hanno sostenuto per tutta la durata del processo che Pierce era l’esecutore materiale dell’omicidio del giugno 1984 e che Lane guidava l’auto per la fuga”. I due sono stati condannati all’ergastolo nel 1987. Pierce è morto in carcere nel 2010.

Perché il naso di Terry continua a sanguinare

Il naso di Terry sanguina durante tutto The Order quando si agita troppo per la situazione in corso. Dopo essere stato quasi ucciso da Bob durante una rapina in banca, il naso di Terry sanguina in un bar mentre lotta per regolare le sue comprensibili emozioni. Il naso sanguina di nuovo quando intimidisce fisicamente Torres nella sua cella di detenzione. Terry incolpa le medicine che prende per le sue frequenti emorragie nasali. I farmaci sono probabilmente per la pressione alta, l’ansia, il disturbo da stress post-traumatico o qualcosa di simile, data la sua professione.

L’importanza del libro Turner Diaries

Come spiegato prima dei titoli di coda di The Order, I diari di Turner è un romanzo proibito che ha tracciato il progetto per diversi atti di terrorismo interno, dagli attentati di Unabomber all’insurrezione del 6 gennaio 2021. Matthews lo ha anche usato come base per The Order e aveva in mente di assassinare Henry Kissinger, l’ex Segretario di Stato degli Stati Uniti. Il romanzo segue un gruppo di suprematisti bianchi che progettano di rovesciare il governo degli Stati Uniti. Matthews ha chiaramente dato un’interpretazione letterale del romanzo, che è stato anche diffuso come dottrina della Fratellanza Ariana dal neonazista Richard Butler.

Il vero significato del finale dell’ordine

Terry Husk è chiaramente dalla parte giusta della storia e della legge in The Order, ma è un protagonista profondamente tormentato, molto più di quanto il film mostri. Il vero punto di svolta nel suo personaggio è vederlo reagire alla morte di Jamie, che affronta in modo piuttosto insensibile, senza grande shock o emozione. Terry va poi dalla moglie, che aveva detto di avere paura di Terry nonostante il suo distintivo, e non riesce nemmeno a trovare la forza di dare la notizia. Sebbene la storia parli del potere distruttivo dell’odio, Terry non è certo un santo.

Terry cerca di allontanarsi dal suo passato andando in Idaho, ma non riesce a sfuggirvi. Cerca di assimilarsi andando a caccia, avendo per due volte un alce nel mirino del suo fucile, ma non riesce a sparare. Questo implica che c ‘è del buono in Terry e che non è un assassino per natura, ma uno che è stato condizionato a uccidere dal suo lavoro. L’alce rappresenta in un certo senso anche Terry stesso, soprattutto attraverso gli occhi di Bob, che non uccide Terry nonostante abbia tre occasioni per farlo.

Probabilmente Bob non uccide Terry perché vede in lui qualcosa che vede anche negli uomini distrutti che ha reclutato nella sua confraternita. In alternativa, Bob potrebbe rispettare il fatto che Terry abbia dedicato la sua vita a una causa, anche se si trova dall’altra parte. Bob sembra essere troppo affascinato dalla contraddizione ambulante che Terry è per premere il grilletto contro di lui in The Order.

The Order, nelle sale da oggi (6 febbraio), vede protagonista Jude Law nei panni di un agente dell’FBI che lascia la sua famiglia per rintracciare una banda di nazionalisti bianchi che rapinano banche e falsificano denaro. L’Ordine era un’organizzazione terroristica realmente esistita per un breve periodo negli anni ’80, guidata da Bob Mathews, che nel film è interpretato da Nicholas Hoult. L’obiettivo dell’Ordine era quello di far secedere gli Stati del Pacifico nord-occidentale e formare una nazione di soli bianchi, priva di ebrei.

Ecco cosa c’è da sapere sull’Ordine

Come è nato l’Ordine

L’Ordine ha iniziato a operare nel settembre 1983. All’epoca, molti nazionalisti bianchi degli anni ’70 e ’80 erano delusi dalla mancata vittoria degli Stati Uniti nella guerra del Vietnam e volevano vendicarsi. Alcuni veterani cercarono di usare la loro esperienza militare per combattere quella che vedevano come una guerra razziale in patria. Sebbene Mathews, il fondatore dell’Ordine, non fosse un veterano, l’Ordine utilizzava manuali di addestramento dell’esercito americano e libri sulla strategia militare statunitense per formare i suoi membri.

Come molti nazionalisti bianchi, Mathews è stato influenzato dal romanzo del 1978 The Turner Diaries, che racconta di un personaggio nazionalista bianco, Earl Turner, che tenta di rovesciare il governo degli Stati Uniti e trama per far volare un aereo con una testata nucleare contro il Pentagono. Mathews aveva anche forti legami con il gruppo Aryan Nations, da cui provenivano diversi membri dell’Ordine.

Mathews ha allestito campi di addestramento a distanza nell’Idaho e nel Missouri. Il gruppo raccoglieva i fondi per le sue attività attraverso rapine e contraffazione di denaro e distribuiva le banconote contraffatte ad altri gruppi di potere bianco. I fondi venivano utilizzati anche per accumulare armi e acquistare attrezzature di sorveglianza.

I membri dell’Ordine prestavano giuramento stando in cerchio attorno a un neonato bianco “che simboleggiava la razza che volevano proteggere”, secondo il libro Bring the War Home di Kathleen Belew, una storica dell’estremismo di destra. Essi hanno espresso “il sacro dovere di fare tutto ciò che è necessario per liberare il nostro popolo dall’ebreo e portare la vittoria totale alla razza ariana”.

Come spiega Kevin Flynn, autore del libro che ha ispirato il film The Order: Inside America’s Racist Underground, ha spiegato l’obiettivo finale del gruppo: “Volevano che cinque Stati del Nord-Ovest – Washington, Oregon, Idaho, Montana e Wyoming – diventassero una nazione di soli bianchi”.

Le azioni più nefaste di The Order

Le attività del gruppo terroristico consistevano principalmente in rapine, contraffazione di denaro e un brutale omicidio.

Nel dicembre 1983, Mathews rapinò una banca di Seattle di 25.952 dollari. “I membri dell’Ordine intendevano le rapine in banca – e più tardi le rapine ai furgoni blindati – come un modo per finanziare la loro guerra allo Stato e per colpire quelle che consideravano banche corrotte e controllate dagli ebrei”, scrive Belew.

Rapinarono anche negozi di pornografia, che consideravano immorali, e nell’aprile 1984 bombardarono un cinema per adulti a Seattle.

La scena più drammatica del film è la ricostruzione di una rapina ad un furgone blindato avvenuta nel luglio 1984. Nella realtà, una dozzina di membri dell’ordine, vestiti con magliette bianche e bandane rosse, rapinarono un furgone blindato vicino a Ukiah, in California. Gli uomini spararono dei colpi di pistola contro l’auto e poi mostrarono un cartello con scritto “Scendi o muori”. Due pick-up hanno circondato il veicolo e lo hanno costretto a parcheggiare sul ciglio della strada. I ladri sono riusciti a portare via circa 3,6 milioni di dollari in contanti.

È stato l’omicidio nel 1984 del DJ di Denver Alan Berg, un critico dichiarato dei gruppi nazionalisti bianchi, a portare alla caduta dell’Ordine. Come scrive Belew, “Berg era il tipo di voce ebraica e liberale di spicco che l’Ordine cercava di mettere a tacere”. A un certo punto, David Lane, membro dell’Ordine, telefonò addirittura al programma di Berg per blaterare di un complotto ebraico per conquistare il mondo. Come si evince dal film, il 18 giugno 1984, alle 21.15, Berg entrò con la sua auto nel vialetto di casa, scese e fu ucciso da Bruce Pierce, membro dell’Ordine.

L’omicidio fece conoscere il gruppo in tutto il mondo e la sorveglianza dell’FBI portò al suo scioglimento.

Chi era Bob Matthews

Bob Matthews era un personaggio reale: un attivista neonazista che era il leader del gruppo militante suprematista bianco da cui il film prende il nome.

Come viene rappresentato nel film, è morto in un edificio in fiamme dopo che l’FBI ha scoperto il suo piano per orchestrare una rivoluzione violenta e profondamente razzista negli Stati Uniti.

Parlando a RadioTimes.com, Law ha spiegato: “Il materiale di partenza per la storia è un libro intitolato The Silent Brotherhood (La fratellanza silenziosa), scritto da una coppia di giornalisti di Denver [Kevin Flynn e Gary Gerhardt] che hanno messo insieme una descrizione incredibilmente dettagliata della procedura seguita dall’FBI”.

L’elemento più romanzato riguarda il personaggio di Law, Terry Husk. Non esisteva un vero agente dell’FBI con questo nome, e quindi la maggior parte delle scene che riguardano la sua vita familiare e gli scambi con Bob sono inventate per il film – ma lo sceneggiatore Zach Baylin ha comunque attinto a diverse fonti reali per creare il personaggio.

“Lo scheletro del personaggio era molto presente nella bozza originale che ho letto, e Zach aveva già fatto la scelta di amalgamare il personaggio di Husk”, ha spiegato Jude Law.

“Ci siamo ispirati molto a uno degli agenti che hanno realmente risolto il caso, che aveva avuto una carriera molto simile a quella di Terry”, ha aggiunto.

“Ma ci è sembrato più opportuno cambiare il suo nome e darci l’opportunità di attingere ad alcuni degli altri agenti e aggiungere anche i nostri abbellimenti, in modo da poter condurre la storia attraverso Husk senza turbare o mettere in imbarazzo nessuno”.

“E ciò significava che potevamo inserire questa sorta di passato danneggiato, questo danno fisico, e meglio, in un certo senso, incastrarlo, metterlo a confronto con Bob”.

Un aspetto del film completamente tratto dalla vita reale è stata l’ossessione di Matthews per il romanzo estremista del 1978 The Turner Diaries, che è servito da ispirazione per il suo progetto di insurrezione – contenente un piano in sei fasi per rovesciare il governo.

“Ho guardato The Turner Diaries [e] la cosa vergognosa di The Turner Diaries è che è come un libro per bambini”, ha spiegato Law.

“Voglio dire, è davvero molto elementare. È una specie di passo uno, passo due… e ti dice solo, in termini molto profani, come seguirlo. Quindi non c’era molto da imparare.

“Ad essere sinceri, la mia ossessione si è concentrata maggiormente su Bob Matthews, sul suo comportamento e sul suo passato”.

Alla fine del film, un post-scriptum afferma che la pericolosa eredità di The Turner Diaries può essere direttamente collegata all’insurrezione del 6 gennaio 2021 al Campidoglio degli Stati Uniti, e in effetti ci sono molti modi in cui è facile tracciare dei paralleli tra gli eventi del film e i giorni nostri.

Ma Law ha dichiarato di non aver pensato troppo a questi parallelismi durante la realizzazione del film.

“La nostra attenzione doveva essere quella di raccontare questa storia in modo onesto, accurato e plausibile”, ha detto. Le linee guida, i paragoni con ciò che sta accadendo ora, si sono presi cura di loro stessi”.

“E in effetti la sceneggiatura era stata scritta prima dell’insurrezione del 6 gennaio 2021. Quindi, era chiaro che eravamo su qualcosa di rilevante, ma non avevamo bisogno di appoggiarci necessariamente a questo”.

Cosa è successo all’Ordine

L’organizzazione si sciolse nel dicembre 1984. Mathews morì in un conflitto a fuoco con l’FBI l’8 dicembre 1984, nel suo complesso a Whidbey Island, Washington. Molti dei membri chiave, come Bruce Pierce, morirono in prigione.

Sebbene l’organizzazione non esista più, le sue idee e le sue convinzioni hanno ancora oggi molti seguaci, diffusi dai social media e dalle comunicazioni moderne. Secondo l’Anti-Defamation League, le segnalazioni di incidenti antisemiti negli Stati Uniti hanno raggiunto un livello record.

Come dice Flynn, “il nazionalismo bianco, ancora una volta, è in aumento. Siate vigili. Prestate attenzione. Non ignoratelo”.

We Live in Time ha un finale straziante. Il dramma, diretto da John Crowley da una sceneggiatura di Nick Payne, vede protagonisti Florence Pugh e Andrew Garfield nei panni di Almut e Tobias, una coppia il cui tempo trascorso insieme viene mostrato attraverso una narrazione non cronologica. Presentato in anteprima al Toronto International Film Festival, We Live in Time ha ricevuto recensioni per lo più positive. Il film, strappalacrime, si conclude con Almut che partecipa a un rinomato concorso di cucina, che sarebbe stato lo stesso giorno in cui lei e Tobias avrebbero dovuto sposarsi. Prima che la gara finisca, Almut decide di andarsene, provata dal dolore.

We Live in Time segna la prima collaborazione sullo schermo tra Florence Pugh e Andrew Garfield, che hanno precedentemente lavorato con John Crowley in Boy A del 2007.

Trova Tobias e la loro figlia Ella tra la folla e se ne va con loro. La famiglia va a pattinare sul ghiaccio invece di rimanere fino alla fine della competizione. Almut, ex pattinatrice artistica, pattina con la famiglia e alla fine si allontana da loro. Sorride e li saluta dall’altro lato della pista. Più tardi, Tobias ed Ella camminano nel pollaio della famiglia raccogliendo le uova e Tobias insegna a Ella come rompere un uovo con una mano sola, come faceva Almut. Almut non si trova da nessuna parte nella scena finale di We Live in Time.

Almut è morta in We Live in Time?

È fortemente implicito che Almut muoia in Viviamo nel tempo. Se fosse ancora viva, Almut sarebbe stata probabilmente nella scena finale del film a insegnare a Ella come rompere un uovo al posto di Tobias. Anche se la sua morte non viene mostrata sullo schermo, l’assenza di Almut si sente molto. Anche la delicatezza con cui viene gestito il momento finale del film indica la morte di Almut, poiché Tobias le trasmette qualcosa che Almut ed Ella avrebbero condiviso. Almut sapeva che la sua morte era una possibilità e voleva trascorrere gli ultimi mesi della sua vita vivendo davvero, invece di sentirsi molto male, cosa che fece.

Come se l’è cavata Almut nella gara di cucina?

Almut ha iniziato a sentirsi male nel bel mezzo della gara di cucina, ma è riuscita a finire il suo piatto insieme al suo sous chef prima che il timer scattasse. Ma poiché se n’è andata prima che i giudici potessero annunciare i vincitori, We Live in Time sottolinea come l’esito della gara non fosse importante quanto il fatto che Almut avesse trascorso del tempo di qualità con la sua famiglia. Aveva fatto quello che era venuta a fare, cioè cucinare un ottimo piatto e dimostrare di essere in grado di competere. La vittoria o meno era irrilevante.

È bello immaginare che Almut abbia vinto la gara di cucina. Aveva lavorato duramente per essere lì, scegliendo la gara al posto del suo matrimonio, e questo le aveva portato via una buona parte del suo tempo. Almut era entusiasta della gara di cucina e il fatto di essere arrivata fino a quel punto suggerisce che aveva buone possibilità di vincere. I giudici potrebbero essere stati scoraggiati dal fatto che uno chef abbia lasciato la sua postazione prima dell’annuncio del vincitore, e questo potrebbe aver influito sulle sue possibilità, ma Almut aveva completato la parte più difficile. Il premio non aveva poi così tanto significato.

Perché Almut ha preferito la gara di cucina al matrimonio

Almut voleva sposare Tobias. Aveva accettato la proposta di matrimonio di Tobias ed era entusiasta della fase successiva della loro relazione. Tuttavia, Almut ha dato la priorità al concorso di cucina piuttosto che al matrimonio, perché sapeva che le rimaneva poco tempo per fare qualcosa di significativo nella sua carriera. In particolare, Almut voleva essere di più per Ella. Voleva che sua figlia la ricordasse come una grande chef e non solo come la madre malata. Per un po’ Almut si era concentrata sulle sue cure e sul matrimonio, ma la gara di cucina non era una cosa a cui poteva rinunciare.

Almut voleva anche fare qualcosa per se stessa che fosse al di fuori della sua malattia e della sua famiglia. La gara di cucina era un’opportunità speciale per dimostrare a se stessa che poteva ancora raggiungere degli obiettivi nonostante il cancro. Almut non voleva lasciare che la sua malattia oscurasse o prendesse il sopravvento sulla sua vita. Partecipare alla gara di cucina, per quanto prestigiosa ed emozionante, era un modo per Almut di vivere la sua vita migliore prima che finisse e, all’epoca, non era ancora pronta a rinunciarvi. Matrimonio o no, però, Almut era impegnata con Tobias e la loro famiglia.

Tutti i momenti più importanti della vita di Tobias e Almut mostrati in Viviamo nel tempo

• Il primo incontro tra Tobias e Almut
• Almut scopre di avere il cancro – due volte
• Almut e Tobias che scoprono di aspettare un bambino
• Almut dà alla luce Ella
• La gara di cucina di Almut
• La proposta di matrimonio di Tobias ad Almut
• La prima volta che Almut e Tobias dormono insieme

Il cane di Tobias ed Ella: ecco come si spiega

Poco dopo la diagnosi di cancro di Almut, lei e Tobias hanno discusso la possibilità di prendere un cane per aiutare Ella a superare la malattia e la morte della madre. Nella scena finale di We Live in Time, un cane si unisce a Tobias ed Ella nel giardino e nella casa, indicando che la coppia aveva finalmente preso un cane per la figlia a un certo punto tra la gara di cucina e la morte di Almut. Il cane è un altro indizio della morte di Almut. Ma a quanto pare, il cane ha probabilmente aiutato Ella a superare la morte della madre, perché aveva qualcosa su cui concentrarsi oltre all’assenza di Almut.

La linea temporale non lineare di We Live In Time è cruciale per capire Almut e Tobias

Se We Live in Time avesse seguito la strada della narrazione lineare, sarebbe stato probabilmente un tipico dramma che finisce in tragedia. La scelta non lineare ci permette di vedere la relazione di Tobias e Almut nella sua interezza, dimostrando che la vita può essere piena di alti e bassi ma, col senno di poi, l’insieme della loro relazione e della vita che hanno condiviso è una buona relazione che vale il dolore. Sottolinea anche la pienezza della vita che hanno vissuto insieme nonostante il cancro di Almut. La mancanza di cronologia offre l’esperienza di osservare i personaggi in varie fasi e stati emotivi, il che è interessante.

Sottolinea inoltre la pienezza della vita vissuta insieme nonostante il cancro di Almut. La mancanza di cronologia offre l’esperienza di osservare i personaggi in varie fasi e stati emotivi…

La malattia di Almut avrebbe potuto mettere in ombra tutti gli altri bei momenti della vita se fosse arrivata prima della fine. Ma il film non dimentica il resto dei pezzi che compongono la vita di Almut e Tobias. La linea temporale non lineare è fondamentale per capire anche chi sono Almut e Tobias, sia individualmente che come coppia. Il cast diWe Live in Time testimonia il passato, il presente e il futuro della coppia, rivelando il loro amore, i loro conflitti, la loro tristezza e la loro speranza. Il dramma straziante di Crowley fornisce il quadro completo del tempo trascorso insieme da Tobias e Almut, ed è umiliante e bellissimo proprio per questo.

Il vero significato di We Live In Time

Come i migliori film d’amore sui viaggi nel tempo, We Live in Time utilizza la morte per ribadire che il tempo è prezioso e va trascorso con le persone care. Anche nei momenti più importanti, come la gara di cucina di Almut e la nascita di Ella, Crowley e Payne sottolineano che non è importante il risultato o il modo in cui avviene, ma il viaggio e i sentimenti che lo accompagnano. Si parla di chi c’è per te e dell’importanza di condividere quei momenti con loro, anche se non vanno come si aspettavano.

Raccontato in modo non lineare, We Live in Time mette in mostra la fugacità del tempo e la vita che si può costruire tra un punto e l’altro, così come l’importanza che due persone possono assumere l’una per l’altra in un breve periodo. Il tempo è un nemico e un amico, che prende e dà in egual misura, come sottolinea il film. Almut e Tobias non possono fare nulla contro il tempo stesso, ma possono vivere una vita piena. Il tempo che trascorrono insieme diventa ancora più speciale e We Live in Time sostiene che non dovrebbe essere dato per scontato.

Il genere cinematografico della fantascienza non permette solo di ottenere un immagine alterata del presente o del futuro, con i suoi cambiamenti in meglio o in peggio. Nel migliore dei casi, infatti, i film appartenenti a questo riescono a raccontare qualcosa di più sull’umanità, sui suoi pregi e difetti. Tra i titoli più affascinanti che portano avanti questo delicato intreccio vi è Ultimatum alla Terra (qui la recensione), distribuito a livello mondiale nel 2008 e diretto dal regista Scott Derrickson, oggi noto per aver firmato il primo Doctor Strange. All’interno di questo l’umanità entra in contatto con una forma aliena, alla quale dovrà mostrare la propria bontà per evitare il peggio.

Il film non è in realtà una storia originale, bensì il remake dell’omonimo film del 1951 di Robert Wise, tratto a sua volta dal racconto Addio al padrone, scritto nel 1940 dallo scrittore di fantascienza Harry Bates. Tale pellicola è ancora oggi considerata uno dei grandi classici del cinema fantascientifico, e lo stesso Derrickson se ne è dichiarato un profondo ammiratore. Volendo rendergli omaggio, egli ha così deciso di riadattare la storia narrata alla contemporaneità, potendo così sfruttare il nuovo contesto mondiale. La Guerra Fredda, centrale nel film dell’51, viene infatti sostituita con il drammatico impatto che l’uomo ha sull’ambiente e sul pianeta.

Con un budget di 80 milioni di dollari, il regista ha così potuto avvalersi di grandi effetti speciali per riportare sul grande schermo l’alieno Klaatu e quella che potenzialmente è una vera e propria fine del mondo. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori ed alle frasi più belle del film. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Ultimatum alla Terra

Il film ha per protagonista la scienziata Helen Benson, microbiologa dell’Università di Princeton, la quale è convinta di poter vivere un’esistenza tranquilla grazie al suo lavoro di pura ricerca scientifica. Questa sua convinzione viene però ben presto smentita nel momento in cui viene chiamata dal governo ad indagare su qualcosa di assolutamente privo di precedenti. Un oggetto non identificato si sta infatti dirigendo a tutta velocità contro la città di New York. Nel momento in cui appare chiaro essere un’astronave aliena, questo atterra in modo apparentemente pacifico a Central Park.

Da questo esce l’alieno Klaatu, il quale afferma di avere un messaggio per il mondo intero. Preso sotto custodia per esperimenti e indagini, l’alieno assume progressivamente una forma umana, continuando però a ripetere di avere un messaggio da divulgare quanto prima. Decisa a scoprire cosa c’è dietro, Helen decide di fuggire insieme all’alieno ed al figlio Jacob. Ben presto la donna scoprirà che Klaatu è venuto ad annunciare lo sterminio del genere umano, giudicato indegno di abitare il pianeta. L’unico modo per fermare tutto ciò è riuscire a convincere l’alieno che gli umani possono cambiare, possono provare anche del bene.

Il cast del film

Per dar vita al misterioso alieno Klaatu, i produttori del film avevano in mente un solo attore possibile. Questi era Keanu Reeves. Dopo essere divenuto celebre per la trilogia di Matrix, questi era alla ricerca di ruoli nuovi e per lui inediti. Dopo aver letto la sceneggiatura si disse estremamente interessato a prendere parte al film, attratto tanto dalla natura del personaggio quanto dalle tematiche attuali della storia. Nel dar vita al personaggio, Reeves ha cercato di pensarlo come un alieno costretto ad assumere forma umana, ma che non possiede grande familiarità con questa. Per il ruolo della scienziata Helen, invece, la prima scelta del regista era la premio Oscar Jennifer Connelly. Anche questa, dopo aver letto la sceneggiatura, accettò subito di partecipare al film.

Nel ruolo del piccolo Jacob Benson vi è invece un giovane Jaden Smith, qui al suo secondo film dopo La ricerca della felicità, dove recitava accanto al padre Will Smith. La premio Oscar Kathy Bates è invece presente nei panni di Regina Jackson, segretario della difesa degli Stati Uniti d’America. Altro personaggio importante del film è quello del dottor Michael Granier, amico di Helen, interpretato dall’attore Jon Hamm. L’attore Kyle Chandler interpreta invece John Driscoll, mentre la scelta di casting più complessa fu quella per il personaggio del professor Barnhardt, premio Nobel. Pur essendo un ruolo drammatico, la scelta ricadde sull’attore John Cleese, noto per essere stato uno dei membri del gruppo comico noto come Monty Python. Dopo anni di interpretazioni divertenti, l’attore fu però lieto di poter interpretare un personaggio drammatico.

Le frasi più belle del film

Qui di seguito si riportano invece alcune delle frasi più belle e significative pronunciate dai personaggi del film. Attraverso queste si potrà certamente comprendere meglio il tono del film, i suoi temi e le variegate personalità dei protagonisti. Ecco dunque le frasi più belle del film:

• Se la Terra muore, l’umanità muore. Ma se è l’umanità a morire, la Terra sopravvive. (Klaatu)
• Niente muore mai veramente. L’universo non spreca niente. La materia di cui si compone, si trasforma. (Klaatu)
• Non è con la fiducia che la scienza fa strada, ma con la curiosità. (Prof. Bernhardt)
• Se dovesse accadermi qualcosa, vada subito da Gort, e gli dica queste parole: “klaatù baràda nìkto”. (Klaatu)
• Io provo affetto per loro. È un po’ ridicolo, lo so, e… non riesco neanche a trovare il modo per spiegartelo, per molti anni io ho maledetto il fatto di essere qui, la vita umana è così difficile, ma adesso che questa vita è giunta alla fine, mi considero fortunato di averla vissuta. (alieno anziano)

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire del film grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Ultimatum alla Terra è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Disney+, Prime Video e Tim Vision. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di giovedì 6 febbraio alle ore 21:30 sul canale TV8.

Due anni fa, gli spettatori hanno concluso la visione di Tár chiedendosi se l’imperioso compositore di Cate Blanchett fosse in realtà una persona reale. La stessa cosa accadrà con The Brutalist (al cinema dal 6 febbraio con Universal Pictures), una saga di 3 ore e mezza su un architetto ebreo ungherese di nome László Tóth (Adrien Brody) che emigra nella Pennsylvania rurale dopo la seconda guerra mondiale e sperimenta l’antisemitismo.

Scritto da Brady Corbet e Mona Fastvold, il film è una storia di fantasia che trae spunto da una meticolosa ricerca sull’Olocausto e sul movimento architettonico brutalista, le cui strutture sono caratterizzate da linee pulite, tratti squadrati e una tavolozza monocromatica.

Ecco cosa c’è di vero e di falso nel film, adulato dalla critica, che ha vinto il premio come miglior film drammatico, miglior regista (Corbet) e miglior attore (Brody) ai Golden Globes all’inizio di gennaio e che gareggia da front-runner per gli Oscar 2025.

László Tóth di The Brutalist era una persona reale?

La risposta breve è no. Una rapida ricerca su Google mostra che esiste un famoso László Tóth, un geologo di origine ungherese, noto soprattutto per aver vandalizzato la statua della Pietà di Michelangelo nel 1972. Ma “è solo una coincidenza”, afferma Fastvold. “László Tóth in Ungheria è come John Smith: è uno dei nomi più comuni. Abbiamo trascorso molto tempo in Ungheria, quindi quel nome sembrava perfetto per un personaggio ungherese”. Sarebbe un “nostro” Mario Rossi!

Secondo la ricerca dei registi, pochissimi architetti ebrei europei sopravvissero all’Olocausto. Ad esempio, nel 1933, la Germania proibì a quasi 500 architetti ebrei di esercitare. Mentre alcuni riuscirono a fuggire, molti furono deportati e uccisi nei campi di concentramento. “Judy Becker, la nostra scenografa, ha esaminato disegni e progetti (di edifici) non realizzati di architetti che non sono sopravvissuti”, afferma Fastvold. “Volevamo provare a rendere loro omaggio; se qualcuno avesse avuto un’esperienza simile a quella del nostro personaggio principale, saremmo stati attenti nella nostra rappresentazione. Ma non siamo riusciti a trovare nessuno (come Tóth).”

Chi ha ispirato il personaggio di Adrien Brody in The Brutalist?

Il protagonista del film è un amalgama di influenti architetti americani come Paul Rudolph e Louis Kahn, così come Marcel Breuer. Come Tóth, Breuer era un architetto ebreo-ungherese che lavorava nello stile brutalista. Ma a differenza del personaggio, si trasferì a New York nel 1937 prima della seconda guerra mondiale.

“C’era un libro intitolato ‘Marcel Breuer and a Committee of Twelve Plan a Church’, e narrativamente, quella è stata una delle più grandi ispirazioni”, dice Corbet. “È un resoconto piuttosto asciutto delle lotte che Breuer ha dovuto affrontare per realizzare l’abbazia di Saint John in Minnesota, e ci sono alcune inferenze sul bigottismo che ha dovuto affrontare. Ma proprio come nel film, nessuno racconta la parte silenziosa ad alta voce”.

Corbet cita anche un altro libro, “Architecture in Uniform” di Jean-Louis Cohen, che esplora l’architettura e la psicologia del dopoguerra. “Quei due libri hanno dato il via a questa storia per noi”, dice il regista. “Ma una volta che inizi a scrivere, la storia inizia a raccontarsi da sola”, e i registi hanno ampiamente attinto ad alcune delle esperienze della loro famiglia.

“Mona ha pensato molto a suo nonno, che è un designer norvegese di metà secolo”, dice Corbet. “Abbiamo parlato molto della sua testardaggine e della sua incapacità di comunicare verbalmente, ma di come la sua sensibilità e compassione si siano sempre rivelate attraverso il lavoro”. Gli uomini di quell’epoca erano generalmente scoraggiati dal parlare dei loro sentimenti: “Mio nonno fu colpito mentre era nell’aeronautica, ma non parlava mai di queste cose davvero traumatiche. Se mi fosse capitata una cosa del genere, non ne avresti mai sentito la fine! Sto ancora parlando di un brutto raffreddore che ho avuto un paio di anni fa”.

Quindi con Tóth, “abbiamo pensato che la bellezza di questo progetto fosse avere un personaggio che è in grado di esprimersi solo attraverso le sue (strutture)”.

Guy Pearce e Felicity Jones interpretano persone reali in The Brutalist?

Il film entra nel vivo con l’introduzione di Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), un pomposo patriarca e industriale che incarica Tóth di progettare un elaborato centro comunitario. Van Buren non è basato su nessuna figura storica, dice Fastvold, sebbene condivida vaghe somiglianze con il costruttore navale americano Henry J. Kaiser e il produttore di automobili Henry Ford, entrambi i quali contribuirono a produrre munizioni durante la seconda guerra mondiale e furono in seguito accusati di speculazione bellica.

Nel film, “c’è un po’ di retroscena sulla famiglia (Van Buren) che trae profitto dalle attività di spedizione durante la guerra”, dice Fastvold. “Ho pensato che fosse interessante per il personaggio: che avrebbe tratto profitto da questa esperienza di cui László è vittima”.

La moglie di Tóth, Erzsébet (Felicity Jones), allo stesso modo non è ispirata da nessuna persona in particolare. È lei la più grande tifosa di Tóth, che lo sfida a farsi valere e a mantenere salda la sua visione artistica. Il personaggio è una specie di analogia per Corbet e Fastvold, entrambi registi cinematografici e televisivi.

“Cerchiamo di essere l’uno l’Erzsébet dell’altro il più possibile”, afferma Fastvold. “Volevo raccontare una storia che mostrasse un partner più complesso di quello che vediamo spesso su schermo. Spesso vediamo un partner geloso e frustrato, o che non capisce perché qualcuno debba fare qualcosa di ambizioso e difficile. Ma non riconosco la nostra relazione in questo. La maggior parte delle persone in partnership creative dice: “OK, ti aiuterò a controllare il tuo ego e a superare i momenti difficili”.