Marty Supreme firma un ultimo, clamoroso
traguardo al box office e riscrive la storia di A24. Il film
diretto da Josh Safdie,
con protagonista Timothée Chalamet, è
ufficialmente diventato il
maggior successo commerciale di sempre dello studio,
superando uno dei titoli più iconici del cinema contemporaneo.
Un
sorpasso storico al box office mondiale
Al
9 febbraio,
Marty Supreme ha superato
Everything Everywhere All at
Once diventando il film A24 con il più alto
incasso globale. Il cult multiversale del 2022 si era fermato poco
sotto i 145 milioni di
dollari, mentre Marty
Supreme ha già raggiunto quota 147 milioni di dollari nel mondo, secondo i
dati di The Numbers.
Il
risultato arriva dopo aver già stabilito un altro primato: a
gennaio 2026 il
film aveva infatti battuto il record domestico A24, superando gli
80 milioni di dollari
negli Stati Uniti. Attualmente, l’incasso nordamericano si
attesta sui 93
milioni, con il film ancora in programmazione nelle sale,
sebbene non più nella top five del box office USA.
A
rendere il record ancora più impressionante è il fatto che
Marty Supremenon sia ancora uscito in
diversi mercati internazionali chiave, come confermato
dalla stessa A24. Un dettaglio che lascia intendere come il
distacco possa ulteriormente aumentare nelle prossime
settimane.
Premi, nomination e confronto inevitabile
Il film racconta l’ascesa caotica di Marty Mauser, talento irregolare del
tennistavolo deciso a diventare campione del mondo, e ha raccolto
nove nomination agli
Oscar 2026, incluse Miglior Film, Miglior Regia e Miglior Attore Protagonista. Tra le altre
candidature figurano Sceneggiatura Originale, Casting, Fotografia,
Scenografia, Costumi e Montaggio.
Il confronto con Everything
Everywhere All at Once resta inevitabile. Diretto da
Daniel Kwan
e Daniel
Scheinert, il film vinse sette Oscar nel 2023, inclusa la
statuetta per il Miglior Film, un risultato difficilmente
eguagliabile. Tuttavia, Marty
Supreme potrebbe entrare nella storia in un altro modo:
secondo molti osservatori, rappresenta la più concreta possibilità per Timothée Chalamet
di conquistare il suo primo Oscar.
Accoglienza critica e ultimi traguardi
Sul fronte del consenso, Marty Supreme mantiene numeri solidissimi:
94% di gradimento dalla
critica su Rotten Tomatoes e 82% dal pubblico, confermandosi come un
raro caso di film d’autore capace di diventare anche un vero
crowd-pleaser. Nel suo percorso ha superato titoli come
Civil War,
Lady Bird,
Moonlight e
Babygirl, ma il vero
trofeo simbolico resta il sorpasso su Everything Everywhere All at Once.
Con l’uscita digitale
imminente e l’attenzione del pubblico che si sta spostando verso
nuovi titoli, tra cui Send
Help di Sam Raimi e
Wuthering Heights di
Emerald
Fennell, la corsa cinematografica di
Marty Supreme si avvia
verso la conclusione. Ma il record è ormai scolpito:
A24 non aveva mai
incassato così tanto.
Il nuovo trailer e il poster di
Finché morte non ci separi 2 di Matt
Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, in
arrivo dal 9 aprile nelle sale italiane.
Poco dopo essere sopravvissuta a un
attacco senza esclusione di colpi da parte della famiglia Le Domas,
Grace (Samara Weaving) scopre di aver raggiunto il livello
successivo di questo gioco da incubo, questa volta con al suo
fianco la sorella Faith (Kathryn Newton) con cui non aveva più
rapporti. Grace ha una sola possibilità per sopravvivere, per
salvare la vita della sorella e rivendicare il Posto D’Onore del
Consiglio che controlla il mondo. Quattro famiglie rivali le stanno
dando la caccia per il trono, e chi vincerà governerà su tutto.
Samara Weaving (Finché morte
non ci separi, Tre manifesti a Ebbing,
Missouri) riprende il ruolo di “Grace” nel
sequel Finché morte non ci separi 2 dei registi
Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett (Finché morte non ci
separi, Scream VI, Abigail e il prossimo
capitolo del franchise de La Mummia). Si uniscono
alla serie Kathryn Newton (Ant-Man and the Wasp:
Quantumania, Abigail, Big Little Lies), Sarah Michelle Gellar (Cruel
Intentions – Prima regola non innamorarsi, So cosa hai
fatto, Buffy l’Ammazzavampiri), Shawn Hatosy
(The
Pitt) ed Elijah Wood (The Monkey). Néstor
Carbonell (Il cavaliere oscuro), Kevin Durand
(Abigail) e David Cronenberg (La mosca)
completano il cast. Guy
Busick (Abigail, Scream) e R. Christopher Murphy
(Castle Rock) tornano a scrivere la sceneggiatura, insieme
ai produttori Tripp Vinson (Fountain of Youth, Murder
Mystery), James Vanderbilt (Zodiac, Fountain of
Youth), Bradley J. Fischer (Transformers) e William Sherak
(Abigail, Scream).
L’autrice Alice
Hoffman, i vincitori del Grammy Norah
Jones e Gregg Wattenberg e la regista di
Merrily We Roll Along Maria Friedman stanno
sviluppando un adattamento teatrale musicale del romanzo
best-seller e film di successo Amori e
Incantesimi.
Peter Duchan, autore del libretto
per il musical del 2013 Dogfight, sta scrivendo il libretto per
Practical Magic con Hoffman.
“Sono così entusiasta di
lavorare con i miei fantastici collaboratori per portare
Amori e Incantesimi sul palco”, ha affermato
Hoffman, il cui romanzo del 1995 è stato seguito da altri tre libri
della “saga della famiglia Owens”: The Rules of Magic (2017),
Magic Lessons (2020) e The Book of Magic (2021). Questa storia
d’amore e sorellanza è pensata per il teatro. La musica è il cuore
e l’anima di Practical Magic, la si può sentire mentre si legge il
libro, anche se non c’è. Ora finalmente sentirete la storia come
l’ho sempre immaginata. Sentirete la magia.
Il romanzo originale è stato
adattato per un film della Warner Bros. del 1998, diretto da
Griffin Dunne e interpretato da Sandra Bullock, Nicole Kidman, Dianne Wiest,
Stockard Channing e Aidan Quinn.
Un
sequel cinematografico che riunisce Bullock e Kidman, diretto
da Susanne Bier, uscirà nelle sale l’11
settembre.
Il cast e i tempi di produzione del
musical non sono stati ancora annunciati. Il musical è prodotto in
base a un accordo speciale con Warner Bros. Theatre Ventures. Mark
Kaufman, Vicepresidente Esecutivo e Chief Content Officer di WBTV,
sarà consulente creativo.
L’adattamento
musicale è stato annunciato oggi dai produttori Stephanie
e Nicole Kramer e Brian e Dayna Lee. Il progetto segna il primo
musical teatrale di Jones, che ha debuttato sulla scena mondiale
con il suo album del 2002, vincitore di numerosi Grammy, Come Away
With Me. Da allora ha vinto 10 Grammy, vendendo oltre 52 milioni di
album con brani trasmessi in streaming più di 10 miliardi di volte
in tutto il mondo.
La trama di Amori e
Incantesimi
Per oltre due secoli, le donne
Owens sono state temute, biasimate e sussurrate nella loro piccola
città del Massachusetts. Rimaste orfane da bambine e cresciute
dalle loro eccentriche zie, le sorelle Sally e Gillian Owens
crescono determinate a sfuggire alla maledizione ancestrale che
hanno ereditato. Scegliendo strade opposte, le sorelle cercano di
sfuggire al loro passato, finché l’amore, la perdita e segreti a
lungo sepolti non le riuniscono. Costrette a confrontarsi con
l’eredità familiare, Sally e Gillian devono decidere se il passato
può essere superato e quanto sono disposte a rischiare per
amore.
L’universo narrativo di Fire Country si espande
con Sheriff
Country, una nuova serie poliziesca che
mescola indagine criminale, tensioni morali e conflitti familiari.
Al centro del racconto c’è lo sceriffo Mickey Fox, interpretata da
Morena Baccarin, volto
amatissimo dal pubblico per ruoli iconici tra cinema e
serialità.
La
prima parte della serie, composta da nove episodi, debutta
dal 10 febbraio in
esclusiva su Sky e in
streaming su NOW, con una
programmazione di due episodi a settimana e un finale trasmesso
separatamente. Ancora prima del debutto, Sheriff Country è stata già
rinnovata per una seconda
stagione, segnale della forte fiducia nel progetto.
Una nuova prospettiva nell’universo di Fire Country
Ambientata nella cittadina di Edgewater, Sheriff Country segue Mickey Fox mentre
pattuglia il territorio e indaga su attività criminali che spesso
si intrecciano con dinamiche personali profonde. Mickey è la
sorellastra di Sharon Leone, personaggio chiave di Fire Country, e il legame familiare
diventa uno degli assi portanti della serie.
Accanto ai casi di giornata, la protagonista deve affrontare il
peso del proprio passato: un padre ex detenuto, Wes, che vive ai
margini della legalità coltivando marijuana, e un misterioso
incidente che coinvolge Skye, la figlia ribelle. La serie utilizza
la struttura del crime procedurale per esplorare temi più ampi come
identità, colpa, giustizia e legami affettivi, mantenendo un tono
più intimo e drammatico rispetto alla serie madre.
Cast e produzione
Sheriff Country è
prodotta da Jerry
Bruckheimer Television e CBS Studios, ed è stata creata da Max
Thieriot insieme a Joan Rater e Tony Phelan. La regia è affidata a
James Strong e Kevin Alejandro.
Nel cast, oltre a Morena Baccarin, figurano W. Earl Brown, Matt
Lauria, Christopher Gorham, Michele Weaver e Amanda Arcuri, a
comporre un ensemble che punta a dare spessore umano a ogni linea
narrativa.
Con il suo equilibrio tra
crime, dramma familiare e continuità con Fire Country, Sheriff Country si candida a diventare un tassello
solido e autonomo di questo universo televisivo, capace di parlare
sia ai fan della serie originale sia a chi cerca un nuovo
poliziesco dal taglio see-rialistico e umano.
L’ultimo spot pubblicitario di
Ben Affleck per
Dunkin’ al Super Bowl offre molto più di
caffè e ciambelle. Jennifer Aniston, Matt LeBlanc,
Jason Alexander, Ted Danson, Alfonso Ribeiro, Jaleel White
e Jasmine Guy si uniscono ad Affleck e al suo
partner abituale Tom Brady in uno spot
sorprendente che mostra il cast recitare in una sitcom ormai
perduta, Good Will Dunkin‘. Lo spot
risponde alla domanda mai posta su come sarebbe stato il dramma del
1997 Good Will Hunting (in italiano
uscito con il titolo Will Hunting – Genio
Ribelle), interpretato e scritto da Affleck e
Matt
Damon, se fosse stato presentato in forma comica.
Lo spot contiene molteplici
riferimenti alla sceneggiatura di “Good Will Hunting“, ma
anche a serie come “Friends”, “Cheers”, “A Different World”,
“Willy, il principe di Bel-Air”, “Seinfeld” e “Family
Matters”. I vari attori sono stati sottoposti a degli effetti
speciali e sono stati ringiovaniti tramite tecniche di produzione.
Ma lo spot è stato girato su un set reale.
Dunkin ha fatto un richiamo alla TV
degli anni ’90 per celebrare la sua prima pubblicità di caffè
freddo, che ha debuttato nel 1995. Nell’ambito di questa
retrospettiva, Dunkin regalerà 1,995 milioni di caffè freddo
gratuiti di qualsiasi dimensione a partire da lunedì 9 febbraio.
Gli ospiti possono riscattare l’offerta utilizzando il codice
GOODWILLDUNKIN nell’app Dunkin’.
Dunkin offrirà anche una collezione
limitata di abbigliamento vintage ispirato agli anni ’90, tutti
provenienti da negozi vintage di Boston! I fan potranno fare
acquisti su DunkinRunsOnMerch.com domenica sera, dopo la messa in
onda dello spot.
Lo spot di Dunkin è l’ultimo di una
serie di spot esilaranti e pieni di star che Affleck ha realizzato
per la catena di caffè e pasticcerie dal 2023. Alcuni spot
presentavano un gruppo musicale chiamato “DunKings” e attori come
Jeremy Strong e Casey
Affleck. In due spot è apparsa anche Jennifer Lopez, ex moglie di
Affleck.
I fan di Stephen King avranno una bella
sorpresa, stando alle sue reazioni alle sceneggiature completate
per la prima stagione di La torre nera. La tanto
attesa serie diretta da Mike Flanagan è basata sui
libri della serie di King, che segue le vicende del pistolero
Roland Deschain da L’ultimo cavaliere, pubblicato per la
prima volta nel 1982, fino all’ultimo romanzo uscito nel 2004,
mentre cerca di salvare il luogo che dà il titolo alla serie dalla
distruzione. L’adattamento è stato annunciato per la prima volta
nel 2022, con Flanagan che ha promesso che la serie renderà
giustizia al materiale originale dell’autore.
Durante un’intervista con Doof! Media, Flanagan ha ora rivelato
che le sceneggiature definitive della prima stagione sono
“meravigliose” e che King ne è “molto
soddisfatto”. Ha spiegato che, date le frustrazioni passate di
King riguardo ad alcuni adattamenti delle sue opere, l’autore è
molto chiaro quando approva o meno un progetto. Flanagan ha anche
chiarito perché sente la pressione per questo progetto. Ecco i suoi
commenti: Le sceneggiature della prima stagione sono
meravigliose. Ne sono molto soddisfatto. Stephen King ne è molto
contento. Ha già vissuto questa esperienza con i suoi adattamenti.
Vi dirà che non è soddisfatto. E questo significa per lui più di
tutti gli altri, quindi la pressione è enorme”.
Flanagan, noto per il suo lavoro in
The Haunting of Hill House e Midnight Mass,
trasformerà la serie di otto libri di King in un adattamento
televisivo. Il fatto che le sceneggiature della prima stagione
siano complete è solo l’inizio, poiché Flanagan svilupperà la serie
di libri in una serie di cinque stagioni. Non è però la prima volta
che La Torre Nera di King prende vita al di là
delle pagine della serie di libri. Nel 2017 è stato realizzato un
adattamento cinematografico con Idris
Elba e Matthew McConaughey. Tuttavia,
il film ha ottenuto un punteggio basso sia dai fan che dalla
critica, come dimostra il 16% di valutazione dei critici su Rotten
Tomatoes.
Inoltre, la serie è stata
acquistata da Amazon nel 2020, ma alla fine è stata abbandonata
dalla piattaforma di streaming dopo aver prodotto solo il pilot.
Deadline ha però riportato all’epoca che il problema era il valore
della produzione rispetto ad altre opere simili dello stesso genere
realizzate in quel periodo. “Ho sentito che i dirigenti di
Amazon ritenevano che il pilot non fosse allo stesso livello di
altre serie di ampio respiro dello stesso genere che la piattaforma
aveva in produzione/pre-produzione, come La Ruota del Tempo e Il
Signore degli Anelli”.
Flanagan era però irremovibile sul
fatto che il film non dovesse essere l’eredità della serie in
termini di adattamento cinematografico: “Non possiamo lasciare
che questa sia l’ultima parola. Non possiamo proprio”,
ha detto a Deadline il mese scorso. La serie sarà distribuita
tramite Prime Video, poiché la piattaforma di streaming
detiene ancora i diritti sull’opera di King per La torre
nerra. La serie scritta da Flanagan non ha ancora una data
di uscita, ma la notizia che le sceneggiature della prima stagione
sono state completate con l’approvazione di King è un ulteriore
passo nella giusta direzione.
La collaborazione tra
Guillermo del Toro e Jacob Elordi in Frankenstein ha lasciato tutti senza parole.
Elordi è poi stato nominato al premio Oscar come Miglior attore non
protagonista, dopo aver vinto il Golden Globe nella medesima
categoria. È inoltre chiaro che i due hanno apprezzato molto
lavorare insieme, dato che è stato rivelato che potrebbe essere in
arrivo un nuovo film.
In un’intervista con Esquire, Elordi ha infatti parlato
della sua rivoluzionaria trasformazione nella Creatura e del suo
rapporto con il regista del Toro dopo il grande successo del loro
recente film. Alla domanda se l’attore avrebbe lavorato di nuovo
con del Toro, molti si sono chiesti cosa ci fosse all’orizzonte.
“Sì, assolutamente. Stiamo cercando di realizzare un altro
film“, è stata la risposta dell’attore.
La notizia è una sorpresa dopo i
recenti commenti di del Toro che suggerivano che volesse per un po’
fare un passo indietro rispetto alla regia. Il regista ha
attualmente quattro progetti in fase di sviluppo, basati su un
romanzo da lui scritto o su una sceneggiatura da lui creata:
Fury, Scary Stories to Tell in the Dark 2,
The Buried Giant e The Boy in the Iron Box. Non è
chiaro quale potrebbe essere il nuovo film tra Elordi e del Toro,
se uno di questi progetti o un altro ancora non annunciato.
Nel mentre, l’attore è pronto a
tornare sul grande schermo con Cime
tempestose, e sul piccolo schermo riprendendo ruolo di
Nate Jacobs nella terza stagione di Euphoria. Ma i suoi prossimi progetti ci sono
anche The Dog Stars e Outer
Dark. del Toro sta attualmente lavorando a un thriller
violento intitolato Fury, con protagonista Oscar Isaac, a sua volta membro del cast
di Frankenstein, e sta mostrando interesse per un progetto
su Il fantasma dell’Opera. Nonostante l’incertezza, è
chiaro che Elordi è un nuovo stretto collaboratore di del Toro e la
prossima collaborazione potrebbe consolidare l’attore in un genere
completamente nuovo.
Dal
12 febbraio al cinema, La gioia si inserisce nel solco
delicato e scivoloso dei film ispirati a fatti di cronaca nera, ma
sceglie consapevolmente di allontanarsi dal meccanismo del racconto
giudiziario o sensazionalistico. Liberamente ispirato alla vita
della professoressa Gloria Rosboch, il film non punta a ricostruire
una vicenda reale, ma a creare un clima emotivo: le attese, le
illusioni, le dipendenze affettive e le manipolazioni quotidiane.
Il punto di vista non è quello dell’indagine, ma dell’anima
ferita.
Gioia, professoressa di francese interpretata da Valeria Golino, vive una vita apparentemente
ordinaria e silenziosa: abita ancora con i genitori, non ha
relazioni sentimentali, si muove in uno spazio domestico e mentale
che sembra immobile. È una donna che ha imparato a desiderare poco,
o meglio, a non permettersi di desiderare. L’incontro con Alessio
Benedetti (Saul
Nanni), giovane inquieto e ribelle, rompe questo
equilibrio precario e apre una breccia che diventerà lentamente una
voragine.
Cortesia – Ufficio stampa Film Fosforo
Due velocità, una stessa prigione
Il
cuore tematico del film risiede nel rapporto tra Gioia e Alessio,
costruito come l’incontro tra due solitudini opposte e, al tempo
stesso, speculari. Gioia incarna la prigione di chi procede sempre
troppo lentamente, di chi ha rinunciato a vivere pienamente per
paura di affrontare la realtà. Alessio, al contrario, rappresenta
la prigione di chi corre troppo veloce, di chi vive solo col corpo
e i suoi impulsi, senza un vero centro emotivo. La sua esistenza è
sospesa in un vuoto di libertà apparente, mentre Gioia è
intrappolata in una “prigione dorata”: una casa accogliente, la
madre che prepara la cena, il letto sempre pronto, ma un’esistenza
che non le appartiene davvero. Alessio, invece, pur godendo di
autonomia, non possiede un luogo sicuro in cui sentirsi protetto;
la libertà diventa, paradossalmente, una forma di esilio
emotivo.
Il
film mostra con grande precisione come queste due velocità non si
compensino, ma come si alimentino reciprocamente, generando una
dinamica disfunzionale e dolorosa. Gioia proietta su Alessio la
speranza di un riscatto, di un amore tardivo e di un risveglio
emotivo, mentre Alessio vede in lei una presenza da sfruttare, un
appiglio emotivo ed economico. Eppure, a tratti, sembra che tra
loro possa nascere una vera reciprocità: è in quegli istanti, negli
abbracci spontanei o nelle ripetizioni di francese, che il film
sorprende lo spettatore, mostrando quanto fragile e al tempo stesso
magnetica possa essere la connessione tra due mondi così
distanti.
La gioia: il contesto familiare e la complicità
silenziosa
Attorno a questa relazione si muove un mondo adulto che dovrebbe
proteggere, ma che finisce invece per alimentare le mancanze,
consapevolmente o meno. La madre di Alessio, Carla (Jasmine
Trinca), è una figura ambigua: sospesa tra affetto e
controllo, incapace di porre limiti concreti al figlio o di
comprenderne davvero i turbamenti. Cosimo (Francesco
Colella), amico di famiglia, completa questo triangolo
inquietante, incarnando una complicità silenziosa che rende
l’intero sistema ancora più soffocante e privo di rifugio per chi
vi abita dentro.
Il film suggerisce con forza che il male non nasce mai nel vuoto,
ma all’interno di relazioni disfunzionali che si autoalimentano.
Nessuno è completamente innocente, nessuno completamente colpevole:
ciò che emerge è un tessuto umano fragile, incapace di riconoscere
l’abuso emotivo prima che sia troppo tardi.
Cortesia – Ufficio stampa Film Fosforo
Le interpretazioni: Golino e Nanni al centro
Valeria Golino offre una delle sue
interpretazioni più intense e dolorose. La trasformazione fisica
accompagna una metamorfosi interiore fatta di micro-espressioni,
posture chiuse, sguardi che chiedono senza osare. Gioia è un
personaggio costruito con enorme rispetto: mai ridicolizzata, mai
giudicata, sempre osservata nella sua vulnerabilità. Memorabile la
scena in cui ascolta Reality, celebre colonna sonora de
Il tempo delle
mele: un momento sospeso, quasi adolescenziale, che
restituisce tutto il bisogno d’amore e di riconoscimento della
protagonista.
Saul Nanni sorprende per la maturità con cui
interpreta Alessio. Il suo personaggio non è un “mostro”, ma un
giovane cinico, seduttivo, profondamente vuoto. La sua capacità di
alternare fascino e crudeltà rende ancora più disturbante la
dinamica della relazione, proprio perché credibile.
La sceneggiatura, vincitrice del Premio Franco Solinas 2021, nasce
dall’opera teatrale Se non sporca il mio pavimento – Un melò di
Giuliano Scarpinato e Gioia Salvatori. Questa origine teatrale si
avverte nella centralità dei dialoghi, nei lunghi confronti a due,
ma soprattutto nell’attenzione ai dettagli emotivi più che
all’azione. La regia sceglie la sottrazione, evitando picchi
melodrammatici e affidandosi a una messa in scena sobria, quasi
trattenuta, che amplifica il senso di inevitabilità. Il film è
stato presentato in concorso alle Giornate degli Autori,
nell’ambito dell’82ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica
di Venezia nel 2025, distinguendosi come unico titolo italiano in
gara.
Cortesia – Ufficio stampa Film Fosforo
Amore, menzogna, opportunismo
La
gioia è un film che interroga lo spettatore su
confini scomodi: dove finisce l’amore e inizia l’opportunismo?
Quanto siamo disposti a credere alle bugie, pur di non affrontare
la solitudine? Il titolo stesso assume un valore amaramente
ironico: la gioia non è mai pienamente raggiunta, ma resta un
miraggio, una promessa continuamente rimandata.
Tra occhi che piangono e bocche che mentono, tra stagioni della
vita che si incontrano senza davvero comprendersi, il film
costruisce un ritratto doloroso e necessario della fragilità umana.
Non offre consolazione, né facili risposte. Ma lascia addosso
un’inquietudine persistente, che è forse il suo risultato più
onesto.
La serie TV Harry
Potter della HBO debutterà il prossimo anno
con la sua prima stagione, basata su La pietra filosofale.
Si prevede che la produzione dello show durerà per gran parte del
decennio e varie parti della Scuola di Magia e Stregoneria di
Hogwarts sono state costruite nel Regno Unito. Nuove foto condivise
sui social media rivelano ora parte dell’iconico Platano
Picchiatore (qui le foto), così come la
bellissima Serra di Erbologia (qui le foto). Vediamo anche i
terreni del castello con le mascotte di Hogwarts (qui le foto), ciascuna
raffigurata sotto forma di siepe (vivente?).
È incredibile vedere come questi
piccoli angoli del mondo magico siano stati costruiti da zero, ed è
chiaro che si tratterà di una produzione HBO estremamente costosa.
Tuttavia, i guadagni derivanti dalla pubblicità, dallo streaming e
dal merchandising che la Warner Bros. otterrà nei prossimi 10 anni
o più dovrebbero renderlo un investimento molto redditizio. Infine,
vediamo un cottage che è un po’ più difficile da identificare
(qui le foto). Le ipotesi attuali
vanno dalla casa d’infanzia di Harry alla casa di Nicolas Flamel, e
persino al luogo in cui la famiglia Dursley si rifugia dalla
valanga di lettere provenienti da Hogwarts.
Non pensiamo che sia la capanna di
Hagrid, poiché non sembra trovarsi nei terreni della scuola. Dov’è
il castello? Beh, anche se il Regno Unito ne ospita molti, come il
suo predecessore, Hogwarts prenderà vita grazie agli effetti
speciali. Lox Pratt, che interpreta Draco Malfoy,
recentemente ha dichiarato a The Hollywood Reporter: “Il set
nel suo complesso è assolutamente fantastico. Non riesco a
paragonarlo in alcun modo a [Il signore delle] mosche perché è
completamente diverso. È letteralmente come paragonare le mele alle
arance [ed] è così diverso dal correre in giro per la Malesia a
torso nudo! Ma è fantastico”.
Cosa sappiamo della serie HBO
su Harry Potter
La prima stagione sarà tratta dal
romanzo La pietra filosofale e abbiamo già visto alcuni
altri momenti chiave del romanzo d’esordio di J.K. Rowling essere
trasposti sullo schermo. La prima stagione di Harry
Potter dovrebbe essere girata fino alla
primavera del 2026, mentre la seconda stagione entrerà in
produzione pochi mesi dopo. Ogni libro dovrebbe costituire una
singola stagione, il che significa che avremo sette stagioni
nell’arco di quasi un decennio.
HBO descrive la serie come un
“adattamento fedele” della serie di libri della Rowling.
“Esplorando ogni angolo del mondo magico, ogni stagione porterà
‘Harry Potter’ e le sue incredibili avventure a un pubblico nuovo
ed esistente”, secondo la descrizione ufficiale. Le riprese
dovrebbero avere inizio nel corso dell’estate 2025, per una messa
in onda prevista per il 2026.
La serie è scritta e prodotta da
Francesca Gardiner, che ricopre anche il ruolo di
showrunner. Mark Mylod sarà il produttore
esecutivo e dirigerà diversi episodi della serie per HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros. Television. La
serie è prodotta da Rowling, Neil Blair e
Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e
David Heyman di Heyday Films.
Come già annunciato,
Dominic McLaughlin interpreterà Harry,
Arabella Stanton sarà Hermione e Alastair
Stout sarà Ron. Il cast principale include John
Lithgow nel ruolo di Albus Silente, Janet
McTeer nel ruolo di Minerva McGranitt, Paapa
Essiedu nel ruolo di Severus Piton, Nick
Frost nel ruolo di Rubeus Hagrid, Katherine
Parkinson nel ruolo di Molly Weasley, Lox
Pratt nel ruolo di Draco Malfoy, Johnny
Flynn nel ruolo di Lucius Malfoy, Leo
Earley nel ruolo di Seamus Finnigan, Alessia
Leoni nel ruolo di Parvati Patil, Sienna
Moosah nel ruolo di Lavender Brown, Bertie
Carvel nel ruolo di Cornelius Fudge, Bel
Powley nel ruolo di Petunia Dursley e Daniel
Rigby nel ruolo di Vernon Dursley.
Si avranno poi Rory
Wilmot nel ruolo di Neville Paciock, Amos
Kitson nel ruolo di Dudley Dursley, Louise
Brealey nel ruolo di Madama Rolanda Hooch e Anton
Lesser nel ruolo di Garrick Ollivander. Ci sono poi i
fratelli di Ron: Tristan Harland interpreterà Fred
Weasley, Gabriel Harland George Weasley,
Ruari Spooner Percy Weasley e Gracie
Cochrane Ginny Weasley.
La serie debutterà nel 2027 su HBO
e HBO
Max (ove disponibile) ed è guidata dalla showrunner e
sceneggiatrice Francesca Gardiner (“Queste oscure materie”,
“Killing Eve”) e dal regista Mark Mylod (“Succession”). Gardiner e Mylod sono produttori
esecutivi insieme all’autrice della serie J.K. Rowling, Neil Blair
e Ruth Kenley-Letts di Brontë Film and TV, e David Heyman di Heyday
Films. La serie di “Harry Potter” è prodotta da HBO in
collaborazione con Brontë Film and TV e Warner Bros.
Television.
Isabela Merced, protagonista di The Last of Us, Superman
e Alien:
Romulus, è stata scelta per interpretare il ruolo
principale nell’adattamento cinematografico della famosa serie di
videogiochi Sega The House of the Dead. Come
anticipato qualche tempo fa, il progetto è in buone mani grazie
allo sceneggiatore e regista Paul W.S. Anderson,
che ha già ottenuto grandi successi sul grande schermo con la serie
Resident Evil, altro classico dedicato agli zombie.
Pubblicato per la prima volta nel
1997, The House of the Dead era uno sparatutto
horror dal ritmo serrato con una premessa innovativa incentrata su
zombie e creature. Tra le innovazioni c’era la possibilità per i
nemici non morti di correre, un’idea che ha ispirato film come
quello di Zack Snyder, L’alba dei morti
viventi, e World War Z diretto da Marc
Forster. È infatti stato The House of the
Dead a trasformare per la prima volta i mangia-carne da
goffi zombi in creature veloci e agili.
Nel gioco arcade, i giocatori
assumono il ruolo di agenti dell’AMS, un’agenzia governativa
incaricata di sventare le cospirazioni di organizzazioni che
minacciano il mondo. Il titolo deriva dall’agenzia per cui
lavorano, perché la loro aspettativa di vita è breve. Anderson sarà
il produttore insieme al suo partner di Resident Evil
Jeremy Bolt, Toru Nakahara di Sega e Dmitri M. Johnson di Story
Kitchen, Michael Lawrence Goldberg e Timothy I. Stevenson. Isabela Merced sarà invece anche produttrice
esecutiva.
Il film è stato descritto come
“una priorità assoluta per Sega” dopo il successo di
Sonic – Il film, con l’idea di renderlo il più coinvolgente
possibile e con una storia che si svolge in tempo reale, ma con una
“nuova interpretazione” del franchise. Anderson ha dichiarato:
“The House of the Dead è un gioco che amo da molti anni e sono
entusiasta di portarlo sul grande schermo con un talento così
straordinario come Isabela al centro della scena. Lo consideriamo
l’inizio di un franchise di punta che potrà esplorare il ricco
mondo e la tradizione che Sega ha creato in tutta una serie di
film”.
Nakahara ha aggiunto: “Lavorare
con Isabela è un’opportunità entusiasmante, poiché incarna
perfettamente il personaggio dell’eroina, apportando energia
dinamica alla produzione. Ci impegniamo a creare un’esperienza
visivamente sorprendente e coinvolgente, introducendo attori
avvincenti e creature terrificanti che daranno vita all’universo di
House of the Dead sul grande schermo. Grazie alla nostra profonda
conoscenza degli adattamenti dei videogiochi, siamo ansiosi di
offrire un viaggio cinematografico elettrizzante ai fan della
serie”.
Story Kitchen ha invece commentato:
“Siamo entusiasti di riunire Isabela, Paul, Jeremy e Sega,
insieme ai nostri partner di Rocket Science e CAA Media Finance. È
un gruppo potente che si riunisce per una proprietà davvero
iconica”.
Isabela Merced ha
recentemente interpretato Hawkgirl in Superman
del regista James
Gunn e riprenderà il ruolo nel prossimo Man
of Tomorrow. Ha inoltre recitato nella seconda stagione di
The Last of Us e tornerà per la terza stagione, ed è anche
nota per il successo della 20th Century Studios Alien:
Romulus. La vedremo prossimamente nei film Psyche e
Ibelin.
A Knight of the Seven
Kingdoms ha appena introdotto uno dei
momenti più significativi – e apparentemente minori – dell’intero
universo di Game of Thrones. Con l’arrivo di
Steffon e
Raymun Fossoway,
la serie prequel mette in scena una scelta che, pur sembrando
limitata al destino di pochi personaggi, avrà ripercussioni profonde e durature
nella storia di Westeros.
La
Casa Fossoway non gode della fama di Stark o Lannister, ma occupa
comunque un posto ben preciso nel mondo creato da
George R. R.
Martin. I Fossoway vengono citati più volte
in A Song of Ice and Fire
e partecipano a diversi snodi cruciali dei conflitti raccontati in
Game of Thrones. Ed è
proprio A Knight of the Seven
Kingdoms a mostrarci l’evento fondativo che divide per sempre questa
casata.
Il tradimento di Steffon Fossoway e la nascita di una frattura
storica
Nel quarto episodio della serie, durante il Trial of Seven, Ser
Steffon Fossoway
giura inizialmente fedeltà a Ser Duncan the Tall, salvo poi tradirlo all’ultimo
momento schierandosi con il principe Aerion Targaryen. Un gesto che
rappresenta un colpo durissimo per Dunk, costretto a cercare in
extremis un nuovo combattente per completare il suo
schieramento.
È
in questo frangente che entra in gioco Raymun Fossoway, cugino e scudiero di
Steffon, che chiede di essere nominato cavaliere per poter
combattere al fianco di Dunk. La scelta di Raymun non è solo un
atto di lealtà personale, ma una presa di posizione morale netta
contro il tradimento appena consumato.
Quello che sembra un conflitto interno limitato a un singolo
duello, in realtà segna la spaccatura definitiva della Casa Fossoway. Come
raccontato già nella novella The Hedge Knight, Raymun decide di distinguersi
simbolicamente dal cugino, dipingendo di verde il suo scudo e dando
origine al ramo dei Fossoway dalla mela verde, in contrapposizione
a quello tradizionale della mela rossa.
Le conseguenze del tradimento nella linea temporale di Game of
Thrones
Più di un secolo dopo, durante gli eventi di Game of
Thrones, questa divisione è ancora viva. I
Fossoway di Cider
Hall continuano a portare il vessillo della mela rossa,
mentre i discendenti di Raymun risiedono a New Barrel, sotto lo stendardo
della mela verde. Due rami distinti della stessa famiglia, nati da
un singolo atto di tradimento avvenuto ai tempi di Dunk ed Egg.
Entrambe le fazioni restano fedeli a Casa Tyrell, ma dopo la morte
di Robert Baratheon finiscono per sostenere prima Renly e poi
Stannis, discendenti diretti dell’uomo che aveva nominato cavaliere
Raymun Fossoway. Un dettaglio che chiude simbolicamente il cerchio
e rafforza il senso di continuità storica tra il prequel e la serie
madre.
A Knight of the Seven
Kingdoms dimostra così ancora una volta come
le scelte individuali,
anche le più intime, possano plasmare il destino delle casate per
generazioni. Il tradimento di Steffon Fossoway non è solo
un momento drammatico dell’episodio 4, ma una tessera fondamentale
del grande mosaico narrativo di Game of Thrones, ed è proprio questo livello di
profondità a rendere il prequel così affascinante per i fan di
Westeros.
La
serie Fallout
di Prime Video ha dimostrato
fin dall’inizio di saper bilanciare il grande affresco politico
della Zona Contaminata con un racconto più intimo e umano. La prima
stagione aveva trovato il suo cuore emotivo nel rapporto tra
Lucy MacLean e
Maximus, mentre la
seconda ha scelto consapevolmente di separarli, puntando sulla
crescita individuale dei personaggi. Una scelta narrativa
interessante, ma anche uno dei punti più discussi dai fan.
Ora, però, tutto lascia pensare che Fallout – Stagione
3 sia pronta a correggere proprio questa decisione. Il
finale della seconda stagione suggerisce chiaramente che la
riunione tra Lucy e Maximus non sarà temporanea, ma rappresenterà
la base da cui ripartire.
Lucy e Maximus di nuovo insieme in Fallout 3
Nel corso della seconda stagione, Lucy prosegue la sua ricerca
sulla vera eredità di Vault-Tec, mentre Maximus inizia a mettere in
discussione il suo ruolo e la sua fede nella Confraternita
d’Acciaio. I due percorrono strade parallele, emotivamente forti ma
volutamente distanti, fino a un ricongiungimento finale che risulta
tanto potente quanto tardivo.
La scena conclusiva della stagione 2, con Lucy che esce sulla Strip
deserta di New Vegas dopo aver distrutto il sistema di controllo
mentale del padre e si ritrova faccia a faccia con Maximus, chiude
simbolicamente questo arco. È un momento che unisce finalmente
percorsi narrativi rimasti separati troppo a lungo, e che apre a
una terza stagione in cui quella distanza non sembra più
necessaria.
Con entrambi i personaggi ormai consapevoli della posta in gioco
globale del Wasteland, ha senso che Fallout 3 li mostri fianco a fianco fin
dall’inizio, forse diretti verso nuove aree come il Colorado, già
evocato nel finale.
Cosa aspettarsi dalla loro storia nella stagione 3
La riunione di Lucy e Maximus permette alla serie di tornare a
concentrarsi su un conflitto più ampio, senza rinunciare alla
dimensione emotiva. Da una parte incombe la minaccia di
Caesar’s Legion
alle porte di New Vegas, dall’altra la New California
Republic si prepara allo scontro. In questo contesto,
Lucy deve ancora fare i conti con il trauma legato a suo padre e
con i suoi misteriosi legami con l’Enclave, mentre Maximus evolve
definitivamente da soldato obbediente a figura morale più
autonoma.
A
rendere il quadro ancora più ambizioso è la scena post-credit della
stagione 2, che anticipa l’arrivo di Liberty Prime Alpha, una delle icone più
devastanti dell’universo Fallout. Un segnale chiaro che la terza stagione non
avrà paura di alzare ulteriormente la posta in gioco.
Il tassello mancante: il destino del Ghoul
Nonostante la riunione di Lucy e Maximus rappresenti un passo nella
giusta direzione, resta un nodo narrativo fondamentale:
il
Ghoul, interpretato da Walton Goggins. Il suo
viaggio personale, rilanciato dalla scoperta di una cartolina che
punta al Colorado e dalla speranza che la sua famiglia possa essere
ancora viva, lo porta inizialmente lontano dagli altri due
protagonisti.
Il rischio, per Fallout
3, è quello di mantenere ancora una volta separate le
linee narrative. Eppure, la chimica tra Lucy, Maximus e il Ghoul è
uno degli elementi più riusciti della serie. Lucy, in particolare,
funziona come ponte morale tra l’idealismo di Maximus e il cinismo
del Ghoul, ed è proprio da questa dinamica che la serie potrebbe
trarre la sua forza maggiore.
Se la terza stagione riuscirà a tenere Lucy e Maximus uniti fin dall’inizio,
trovando allo stesso tempo il modo di reintegrare il Ghoul nello
stesso arco narrativo, Fallout potrebbe davvero consegnare la sua stagione più
solida e completa.
Il
futuro di A Knight of the Seven
Kingdoms appare più che mai solido. Lo
showrunner Ira Parker
ha infatti lasciato intendere che la serie potrebbe proseguire
ben oltre la stagione
2, aprendo la strada al completamento dell’arco narrativo
di Dunk ed Egg. Attualmente in onda settimanalmente la domenica su
HBO, la
serie rappresenta il secondo spin-off ufficiale dell’universo di
Game of Thrones, dopo House of the Dragon.
A
differenza delle precedenti produzioni ambientate a Westeros,
incentrate su grandi casate e giochi di potere, A Knight of the Seven Kingdoms adotta uno
sguardo più intimo e terreno, seguendo le avventure del cavaliere
errante Ser Duncan the Tall e del suo giovane scudiero Egg. Un
cambio di prospettiva che sta convincendo pubblico e critica, anche
grazie alle interpretazioni di Peter
Claffey, Dexter Sol Ansell,
Bertie
Carvel, Daniel Ings,
Finn Bennett
e Shaun
Thomas.
Le parole dello showrunner sul futuro della serie
In un’intervista rilasciata a GQ, Parker ha
parlato apertamente dei piani a lungo termine, sottolineando quanto
materiale narrativo ci sia ancora da esplorare. La prima stagione
adatta la novella The Hedge
Knight, mentre la seconda – già entrata
ufficialmente in produzione – porterà sullo schermo
The Sworn
Sword. L’obiettivo dichiarato del team
creativo è arrivare, con il via libera di HBO, anche a
The Mystery
Knight, completando così la trilogia
letteraria di George R. R.
Martin dedicata a Dunk ed Egg.
Parker ha spiegato che la serie ama suggerire, senza anticipare
troppo, l’evoluzione futura dei personaggi, mostrando la crescita
di Egg da ragazzo a principe e, potenzialmente, a re. Tuttavia,
l’approccio resta volutamente concentrato sul “qui e ora”, su
storie autoconclusive e radicate nei conflitti umani, più che sulle
grandi manovre politiche.
La fiducia di HBO nel progetto è già evidente: la stagione 2 è
stata confermata mesi prima del debutto della serie, un segnale
raro e significativo. Anche i numeri sembrano premiare questa
scelta, con ottimi riscontri critici e un gradimento del pubblico
in costante crescita episodio dopo episodio.
Se il trend positivo dovesse continuare, l’ipotesi di una
stagione 3 non
appare più come un semplice desiderio creativo, ma come una
prospettiva concreta. E per i fan di Westeros, significherebbe
vedere finalmente adattato l’intero arco narrativo di Dunk ed Egg,
uno dei più amati e “umani” dell’universo di Game of Thrones.
La Paramount ha anticipato il Super
Bowl pubblicando online lo spot del Big Game di Scream
7 con quasi una settimana di anticipo. Della
durata di meno di un minuto, contiene alcune nuove scene di
Ghostface, Sidney (Neve Campbell) e altri
personaggi. Ma gran parte del filmato è costituito da frammenti
riciclati del trailer originale di Scream
7.
Con Scream
7 in uscita nei cinema il 27 febbraio, la Paramount
ha sfruttato lo spot televisivo per informare i fan che la serie
sta per tornare e che i biglietti saranno in vendita il giorno dopo
il Super Bowl, oggi, 9 febbraio. Lo spot è stato ora trasmesso come
parte della copertura pre-calcio d’inizio.
La trama di Scream 7
Quando un nuovo assassino
mascherato da Ghostface semina il terrore nella tranquilla
cittadina dove Sidney Prescott (Neve Campbell) ha ricostruito la
sua vita, i suoi incubi più profondi diventano realtà: la prossima
vittima designata è sua figlia (Isabel May). Decisa a proteggere
ciò che ama, Sidney dovrà riaprire le porte del suo passato e
affrontare, una volta per tutte, l’orrore che pensava di aver
lasciato alle spalle.
Annunciato nel 2020, il film
Rogue
Squadron di Star
Wars incentrato sui piloti di caccia doveva essere
diretto dalla regista di Wonder Woman (2017),
Patty Jenkins, ma secondo alcune notizie del 2023
il film sarebbe stato accantonato. In una recente intervista con Polygon, lo
sceneggiatore Matthew Robinson ha però parlato
molto bene della sua esperienza di lavoro con Jenkins alla
sceneggiatura del film, rivelando di non essere sicuro dello stato
attuale del film.
Robinson riconosce anche che questo
è un periodo di grandi cambiamenti per la Lucasfilm e che non è
chiaro come andranno le cose per loro in termini di film
distribuiti nelle sale. “Mi sono divertito molto a scriverla.
Patty Jenkins è una delle mie artiste preferite al mondo. Penso che
sia assolutamente brillante. Abbiamo lavorato molto bene insieme.
Al momento non so cosa Lucasfilm voglia farne. Sono in una fase di
grande cambiamento dopo l’uscita di Kathleen [Kennedy] e chissà
cosa riserva loro il futuro dal punto di vista
cinematografico”.
Robinson ha continuato l’intervista
rivelando alcuni nuovi dettagli su Rogue Squadron,
condividendo che, grazie al legame personale di Jenkins con
l’aviazione, il film avrebbe approfondito davvero cosa significa
essere un pilota di caccia nel mondo di Star Wars.
Anche se non sa cosa succederà al film, spera che alla fine vedrà
la luce: “È stato molto emozionante scriverlo, e soprattutto
lavorare con Patty, che ne ha fatto una storia molto personale. Era
un film incentrato sui piloti di caccia. Suo padre era un pilota di
caccia”.
“Era una cosa molto personale
per lei, e stavamo cercando di raccontare una storia davvero
fantastica sui piloti di caccia e sui piloti dello Squadrone Rogue
nell’universo di Star Wars. Penso che abbiamo fatto un ottimo
lavoro e spero davvero che un giorno potremo vedere una versione di
quel film“. Dopo 14 anni come presidente della Lucasfilm, il
mese scorso è stato reso noto che Kathleen Kennedy
avrebbe lasciato la carica. Dave Filoni, il
creatore di serie come The Clone Wars, The Bad Batch e
Ahsoka, prenderà il suo posto come presidente e
direttore creativo, con Lywen Brennan come
co-presidente. A quel punto si saprà quali progetti del franchise
verranno effettivamente realizzati.
Sebbene Lionsgate non sia
solitamente attiva durante il Super Bowl, lo studio ha fatto di
tutto per promuovere il prossimo film biografico su Michael
Jackson, riservandogli anche un posto al Big Game. Invece
di aspettare la partita per pubblicarlo, Lionsgate ha pubblicato
online il trailer ufficiale di Michael
il lunedì precedente.
Il trailer include numerose nuove
immagini di Jaafar Jackson (il nipote di Michael
Jackson nella vita reale) nei panni dell’icona musicale. Sulle note
di “Don’t Stop ‘til You Get Enough” all’inizio, “Billie Jean”
diventa la canzone scelta per la seconda parte. Il trailer
sottolinea anche la sua ascesa alla fama e i rapporti familiari.
Michael arriverà nei cinema il 24 aprile.
Michael è la rappresentazione
cinematografica della vita e dell’eredità di uno degli artisti più
influenti che il mondo abbia mai conosciuto. Il film racconta la
storia della vita di Michael Jackson al di là della musica,
ripercorrendo il suo percorso dalla scoperta del suo straordinario
talento come leader dei Jackson Five, fino a diventare un artista
visionario la cui ambizione creativa ha alimentato una ricerca
incessante per diventare il più grande performer del mondo.
Mettendo in risalto sia la sua vita fuori dal palcoscenico che
alcune delle performance più iconiche della sua prima carriera da
solista, il film offre al pubblico un posto in prima fila per
vedere Michael Jackson come mai prima d’ora. È qui che inizia la
sua storia.
Michael vede protagonisti Jaafar
Jackson al suo debutto cinematografico, Nia Long (Empire, la serie
The Best Man), Laura Harrier (BlacKkKlansman, Spider-Man:
Homecoming) e Juliano Krue Valdi (The Loud House, Arco), con
Miles Teller (Top Gun: Maverick, Whiplash) e Colman Domingo (Sing Sing, Rustin), due volte
candidato all’Oscar. Diretto da Antoine Fuqua, pluripremiato
regista di Training Day, Olympus Has Fallen e della serie The Equalizer, con una
sceneggiatura del tre volte candidato all’Oscar John Logan (Il
gladiatore, The Aviator), il film è prodotto dal vincitore
dell’Oscar Graham King (The Departed, Bohemian Rhapsody), John Branca (produttore
esecutivo di This Is It, Thriller 40) e John McClain (produttore
esecutivo di This Is It, Michael Jackson Live at Wembley July 16,
1988).
Il prossimo film di fantascienza,
basato sull’omonimo romanzo di Andy Weir, vede
Gosling interpretare Ryland Grace, un insegnante di scienze di
liceo inviato nello spazio in missione per garantire il futuro
dell’umanità. L’adattamento è diretto da Phil Lord e
Christopher Miller, scritto da Drew
Goddard, e vede la partecipazione anche di Sandra
Hüller, Lionel Boyce, Ken Leung, Milana Vayntrub, Priya
Kansara e James Ortiz.
L’insegnante di scienze Ryland
Grace (Ryan
Gosling) si sveglia su un’astronave lontano da casa
anni luce e senza alcun ricordo di chi sia o di come sia arrivato
lì. Con il riaffiorare della sua memoria, torna alla luce lo scopo
della sua missione: risolvere l’enigma della misteriosa sostanza
che sta causando il collasso del Sole. Dovrà fare affidamento sia
sulle sue conoscenze scientifiche che sulle sue capacità di pensare
fuori dagli schemi per salvare dall’estinzione la vita sulla Terra…
ma un’inaspettata amicizia gli farà capire che non è solo in questa
impresa.
L’ultima missione: Project Hail Mary – COrtesia di
SONY
Il
finale di Lavoreremo da
grandi, diretto e interpretato da
Antonio
Albanese insieme a Giuseppe
Battiston, è volutamente
sobrio, anti-retorico e
profondamente coerente con il percorso emotivo del film.
Non c’è una risoluzione spettacolare né una “vittoria” nel senso
classico del termine: c’è invece una presa di coscienza, piccola ma
definitiva, che ridefinisce il senso stesso del titolo.
Di
seguito trovi la spiegazione del finale, senza forzature
interpretative, ma leggendo i segnali che il film dissemina con
attenzione lungo tutto il racconto.
Cosa succede nel finale di Lavoreremo da grandi
Negli ultimi minuti del film, i due protagonisti arrivano a un
punto di stallo che non è narrativo, ma esistenziale. Il lavoro tanto inseguito,
promesso, rimandato, non arriva nella forma sperata – o meglio, non
arriva come soluzione salvifica. Le condizioni restano fragili,
precarie, imperfette. Eppure qualcosa è cambiato.
Il momento chiave del finale non è legato a un contratto firmato o
a un successo professionale, ma a una scelta consapevole: i personaggi smettono
di misurare il proprio valore esclusivamente attraverso lo sguardo
degli altri, delle istituzioni o del “sistema”. È una rinuncia
apparente, che in realtà è una conquista.
Il film si chiude su una situazione aperta, ma non irrisolta: i
protagonisti non “ce l’hanno fatta” nel senso tradizionale, ma
hanno smesso di inseguire
un’idea tossica di successo.
Nel finale, Lavoreremo da
grandi (la
nostra recensione) smette di essere una promessa futura e
diventa una domanda sul
presente. “Da grandi” non è più una condizione che verrà
concessa dall’esterno, ma qualcosa che coincide con la capacità di
assumersi la responsabilità delle proprie scelte, anche quando non
portano a un riconoscimento immediato.
Il film suggerisce che “diventare grandi” non significa:
ottenere un lavoro
stabile,
raggiungere uno status
sociale,
rispondere alle aspettative
altrui.
Significa invece smettere
di rimandare la propria vita in attesa di una
legittimazione. Ed è questo passaggio, silenzioso ma
potentissimo, a chiudere il film.
Perché il finale rifiuta una soluzione consolatoria
Cortesia di IMDb
Antonio Albanese costruisce un finale che rifiuta il riscatto facile, perché sarebbe
in contraddizione con tutto ciò che il film racconta. Un lieto fine
tradizionale avrebbe trasformato una riflessione sociale in una
favola edificante, svuotandola di senso.
La scelta di chiudere su una stabilità imperfetta, quasi fragile,
restituisce invece una verità molto più onesta: nel mondo
raccontato dal film, la
dignità non coincide con il successo, ma con la lucidità
di guardare la realtà senza auto-inganni.
È
un finale che può lasciare un senso di amarezza, ma è proprio
quell’amarezza a renderlo autentico.
Il rapporto tra i due protagonisti nel finale
Il legame tra i personaggi interpretati da Albanese e Battiston
trova nel finale la sua forma definitiva. Non c’è più bisogno di
illusioni condivise o di promesse auto-assolutorie. Quello che
resta è una solidarietà
adulta, non più basata sul “quando andrà meglio”, ma sul
“così com’è”.
Questo rapporto diventa il vero approdo del film: non il lavoro,
non la riuscita, ma la
possibilità di non sentirsi soli nel fallimento.
In conclusione: come va interpretato il finale
Il finale di Lavoreremo da
grandi non va letto come una sconfitta, ma come una
liberazione
silenziosa. I protagonisti non ottengono ciò che il
sistema promette, ma smettono di farsi definire da quella
promessa.
È
un finale che non chiude, ma ridimensiona. Che non premia, ma chiarisce. E che
lascia allo spettatore una domanda aperta, forse la più importante
del film: quanto della nostra
vita stiamo rimandando in attesa di diventare “grandi”?
Disney e Pixar hanno sfruttato
il Super Bowl per promuovere l’imminente uscita del loro prossimo
film d’animazione originale, Jumpers – Un
salto tra gli animali (Hoppers in originale) che
uscirà nelle sale il 6 marzo. Lo spot di 30 secondi è andato in
onda subito prima dell’inno nazionale e ha mostrato ulteriori
scorci della storia incentrata sugli animali.
Il cast di Jumpers – Un
salto tra gli animali include le voci della nuova
arrivata Piper Curda nel ruolo di Mabel, dell’ex
membro del Saturday Night Live Bobby Moynihan nel
ruolo di un castoro di nome King George e del vincitore dell’Emmy
Jon Hamm nel ruolo dell’avido sindaco della
città. Ora, il primo trailer ci porta a fare la conoscenza di Mabel
mentre entra alla Beaverton University e scopre una tecnologia
rivoluzionaria che trasforma la mente umana in un castoro robotico
realistico.
Mabel usa quindi la tecnologia per
trasferire la sua mente in un castoro e inizia a comunicare con
vari animali, tra cui uccelli, altri castori e orsi. Tuttavia, dopo
essere intervenuta per impedire che un castoro pigro venisse
mangiato da un orso, Mabel scopre che questa tecnologia non deve
essere utilizzata per sconvolgere l’ordine naturale, il che la
porta a interrompere la comunicazione con gli scienziati che
l’hanno inventata.
Cosa aspettarsi da Jumpers – Un salto tra gli
animali
La cosa più sorprendente del
trailer di Jumpers – Un salto tra gli
animali è quanto la sua premessa sia simile a
quella di Avatar.
Il paragone è così evidente che persino Mabel, la coraggiosa
protagonista del film, quasi rompe la quarta parete ammettendo
apertamente: “Ragazzi, questo è come Avatar”, con grande disappunto degli scienziati
sulla difensiva che rifiutano di riconoscere la realtà.
Proprio come Avatar, anche
Jumpers – Un salto tra gli
animali affronterà temi legati
all’ambientalismo. Anche se non compare nel teaser trailer, il film
presenta inoltre un personaggio cattivo, il sindaco, doppiato da
Hamm, che sta guidando un progetto di costruzione di un’autostrada
che causerà danni alla radura. C’è dunque da aspettarsi che Mabel e
gli altri animali selvatici lo prenderanno di mira e cercheranno di
impedire la costruzione dell’autostrada.
La Saga del Multiverso sta volgendo
al termine, ma il Marvel Cinematic Universe è già
impegnato nello sviluppo del reboot degli X-Men per il dopo Fase 6. La timeline del
franchise si sta infatti avvicinando al momento in cui i famosi
mutanti saranno finalmente sotto i riflettori, con un film loro
dedicato attualmente in lavorazione presso i Marvel Studios. Nel
mentre, in una nuova intervista con Comic Book Movie,
all’interprete di Laura Kinney/X-23, Dafne Keen, è stato chiesto cosa ne pensa
del fatto che i fan che vorrebbero vederla assumere il ruolo di
Wolverine in futuro.
L’attrice ha risposto: “Sì,
significa molto per me. Penso sempre che sia davvero speciale che
qualcosa che abbiamo realizzato 10 anni fa abbia ancora un
impatto”. Keen ha poi continuato: “So di amare
profondamente quel personaggio. E significa molto per me che così
tante persone lo amino quanto me. È davvero speciale sapere che ciò
che hai creato ha un significato”. L’attrice, come noto, ha
interpretato per la prima volta questo ruolo in Logan
– The Wolverine di James Mangold, uno dei
suoi ruoli di maggiore successo a Hollywood.
Dopo il suo ritorno nel film
Deadpool &
Wolverine del 2024, Keen ha spiegato perché ha ripreso il
ruolo: “Penso che ciò che abbiamo creato abbia davvero
significato qualcosa. Ed è fantastico continuare a ricevere questo
riconoscimento. Penso anche che sia molto importante entrare in
contatto con le persone“. L’attrice ritiene che ”ogni
volta che sento che una mia interpretazione ha fatto provare
qualcosa a qualcuno, mi sento molto connessa. E penso che sia
bellissimo. Tante persone ne sono entusiaste. E sono molto felice
ogni volta che qualcuno vuole parlarne“.
Cosa sappiamo del reboot
degli X-Men
Kevin Feige della Marvel ha confermato che lo
studio sta lavorando al reboot di X-Men con il regista di
Thunderbolts*Jake
Schreier alla guida del film. Quando Disney e 20th Century
Fox si sono fuse nel 2019, i personaggi di X-Men sono diventati
disponibili per il Marvel Cinematic Universe. Alcuni degli attori
che hanno recitato nei film della Fox riprenderanno i loro ruoli
nel prossimo film Avengers: Doomsday, che uscirà il
18 dicembre 2026.
Charles Xavier, il leader degli
X-Men, noto anche come Professor X, è stato interpretato da
Patrick Stewart nei film live-action.
Riprenderà il suo ruolo in Doomsday, che dovrebbe concludere la
saga dei personaggi, insieme a Ian McKellen (Magneto), Alan
Cumming (Nightcrawler), Rebecca Romijn
(Mystica), James Marsden (Ciclope) e
Channing Tatum (Gambit).
Secondo quanto riferito, il casting
ufficiale dovrebbe iniziare molto presto (se non è già iniziato) e
personaggi del calibro di Harris Dickinson,
Margaret Qualley,
Elle Fanning e Julia Butters
sarebbero nel mirino dello studio (secondo quanto riferito, erano
in lizza per interpretare Cyclope, Rogue e Kitty Pryde, ma non
sappiamo se sia ancora così), insieme alla star di Alien: RomulusDavid
Jonsson e Trinity Bliss, che potrebbero
essere in lizza per interpretare Jubilee. Altri nomi che sono
emersi nelle voci di corridoio includono Hunter Schafer (Mystica), Ayo Edebiri (Tempesta) e Javier Bardem (Mr. Sinister).
Riguardo al progetto Kevin Feige ha
dichiarato di avere un “piano decennale” per la saga dei mutanti.
“Penso che lo vedrete continuare nei nostri prossimi film con
alcuni personaggi degli X-Men che potreste riconoscere. Subito
dopo, l’intera storia di Secret Wars ci condurrà davvero in una
nuova era dei mutanti Ancora una volta, è uno di quei sogni che
diventano realtà. Finalmente abbiamo di nuovo gli X-Men“.
Con
Lavoreremo da
grandi, Antonio
Albanese torna al cinema con un progetto
che unisce regia e interpretazione, affiancato da Giuseppe
Battiston. In linea con una filmografia
che da anni riflette sul lavoro, sulla dignità individuale e sulle
contraddizioni del presente, il film si inserisce nel solco del
cinema italiano contemporaneo più attento al sociale, ponendo una
domanda centrale: è una storia
vera?
La
risposta breve è no, Lavoreremo
da grandi (la
nostra recensione) non
è l’adattamento diretto di una singola storia reale. Ma
fermarsi qui sarebbe riduttivo. Il film nasce infatti da
un’osservazione profonda della realtà italiana, trasformata in
racconto cinematografico attraverso una scrittura che attinge a
esperienze diffuse, riconoscibili e, per molti versi,
collettive.
Non una storia vera, ma una verità sociale
Lavoreremo da grandi non
racconta un fatto di cronaca specifico né la biografia di persone
realmente esistite. Tuttavia, è fortemente ispirato a dinamiche reali, in
particolare a quelle legate al mondo del lavoro contemporaneo, alla
precarietà, al bisogno di riconoscimento e alla difficoltà di
“diventare grandi” in un sistema che spesso non offre appigli
solidi.
Il titolo stesso gioca su un’ambiguità semantica potente:
“lavoreremo” come promessa futura, “da grandi” come traguardo che
sembra sempre rimandato. Un’idea che rispecchia una condizione
molto diffusa, soprattutto in Italia, dove il lavoro non è solo
mezzo di sostentamento, ma identità, status e misura del valore
personale.
Il cinema di Albanese tra finzione e realtà
Il film si inserisce perfettamente nella poetica di Antonio
Albanese, da sempre interessato a personaggi che vivono
ai margini del
sistema, spesso schiacciati da meccanismi più grandi di
loro. Come già accaduto in altre sue opere, la dimensione narrativa
nasce dalla somma di
storie vere, ascoltate, osservate, interiorizzate e poi
rielaborate in chiave cinematografica.
In questo senso, Lavoreremo
da grandi può essere definito un film verosimile, più che “vero”: ogni
situazione, ogni conflitto, ogni dialogo sembra plausibile perché
affonda le radici in esperienze che lo spettatore riconosce come
autentiche, anche se mai accadute esattamente in quella forma.
Il ruolo di Giuseppe Battiston
La presenza di Giuseppe
Battiston rafforza ulteriormente questa dimensione
realistica. Attore capace di incarnare con naturalezza fragilità,
ironia e umanità, Battiston contribuisce a costruire un racconto
che evita la caricatura e punta invece a una rappresentazione
empatica e credibile dei personaggi. Il rapporto tra i protagonisti
diventa così il cuore emotivo del film, più importante del singolo
evento narrativo.
Una storia “vera” perché condivisa
Alla domanda “Lavoreremo da
grandi è basato su una storia vera?”, la risposta più onesta è
quindi questa: non
racconta una storia vera, ma racconta una verità vera. È
un film che parla di lavoro, aspettative, fallimenti e speranze
attraverso una finzione che funziona proprio perché è costruita su
fondamenta reali.
Ed è probabilmente questa la sua forza: non chiedere allo
spettatore di credere a un fatto realmente accaduto, ma di
riconoscersi in una condizione che, in forme diverse, riguarda
molti. Un cinema che non documenta, ma interpreta. E che, proprio
per questo, riesce a colpire nel segno.
I DC Studios hanno svelato un nuovo
look di Supergirl.
Dopo il suo debutto al pubblico dell’Universo DC in
Superman del
2025, Kara Zor-El sarà la prossima kryptoniana ad avere un film
tutto suo, insieme al prossimo progetto solista di Milly Alcock, in arrivo quest’estate.
All’evento Puppy Bowl di quest’anno, i DC Studios
hanno presentato un nuovo look di Supergirl,
in vista dell’uscita del film nelle sale cinematografiche tra pochi
mesi.
Il nuovo filmato offre un altro
sguardo alla distruzione di Krypton, ma anche ai primi giorni di
Krypto da cucciolo.
Non è la prima volta che i DC
Studios utilizzano un film DCU al Puppy Bowl, dato che il
film di Superman è stato messo in risalto
all’evento l’anno scorso con Gunn e il suo cane, Ozu. Non è ancora
stato rivelato quando uscirà il prossimo trailer completo del
film.
Il film di Supergirl
è stato diretto da Craig Gillespie, mentre
Ana Nogueira ha scritto la sceneggiatura, basata
sul fumetto Supergirl: Woman of
Tomorrow di Tom King e Bilquis
Evely. Il film vede anche la partecipazione di Eve Ridley
nei panni di Ruthye Marye Knoll e Matthias Schoenaerts in quelli di
Krem of the Yellow.
Il capitolo DCU vedrà anche il
ritorno di Jason Momoa nel mondo DC, ma questa volta nei
panni di Lobo, dopo aver interpretato Aquaman nella timeline
cinematografica del DCEU. Anche David Corenswet riprenderà il ruolo
di Superman nel film.
È
stato pubblicato il promo
ufficiale di The Beauty
1×06, intitolato “Beautiful Patient Zero”, e tutto suggerisce che il
sesto episodio rappresenterà un momento di svolta per l’intera
prima stagione. La
serie ideata da Ryan
Murphy insieme a Matthew
Hodgson continua a spingersi sempre più a
fondo nel suo immaginario disturbante, preparando il terreno a una
rivelazione destinata ad avere conseguenze enormi.
L’episodio, scritto dagli stessi Murphy e Hodgson e diretto da
Michael
Uppendahl, ruota attorno a una scoperta
cruciale: un team di scienziati si imbatte in un segreto capace di
cambiare radicalmente la loro comprensione di ciò che sta
accadendo. Il promo lascia intendere che non si tratti solo di una
scoperta scientifica, ma di qualcosa che mette in discussione i
confini etici, morali e persino umani su cui si regge la serie.
Cosa suggerisce il promo di The Beauty 1×06
Le immagini di “Beautiful Patient Zero” trasmettono un’atmosfera
sempre più tesa e claustrofobica, con personaggi visibilmente
scossi da ciò che stanno per affrontare. Il titolo stesso
dell’episodio suggerisce l’introduzione di un’origine, di un punto
zero da cui tutto ha avuto inizio, aprendo interrogativi
inquietanti sul vero prezzo della “bellezza” al centro del
racconto.
Questo episodio sembra destinato a segnare un prima e un dopo nella
narrazione, portando The Beauty verso territori ancora
più oscuri e provocatori. Con il sesto capitolo, la serie appare
pronta a oltrepassare una soglia narrativa importante, rendendo
sempre più chiaro che le scelte compiute dai protagonisti avranno
ripercussioni impossibili da controllare.
The Beauty prosegue così la sua
costruzione lenta ma implacabile, avvicinandosi a quello che si
preannuncia come il cuore più disturbante della stagione 1.
È
stato rilasciato il promo
ufficiale di A Knight of the Seven
Kingdoms 1×05, e l’episodio sembra destinato a
rappresentare uno snodo
cruciale nella prima stagione del prequel di
Game of Thrones. La serie HBO continua a
costruire il suo racconto con un ritmo misurato ma denso di
tensione, avvicinando Dunk ed Egg a eventi destinati ad avere un
peso storico nell’universo di Westeros.
Dopo gli sviluppi degli episodi precedenti, il quinto capitolo
promette conseguenze concrete: alleanze messe alla prova, scelte
morali sempre più complesse e un senso di pericolo che inizia a
farsi tangibile. Il tono del promo lascia intendere che la storia
stia entrando nella sua fase più matura.
Cosa mostra il promo di A Knight of the Seven Kingdoms 1×05
Il
filmato suggerisce un episodio caratterizzato da:
un aumento della
tensione politica e
personale,
nuove prove per il rapporto
tra Dunk ed
Egg,
un contesto che richiama
sempre più da vicino le dinamiche che i fan di Game of Thrones conoscono bene.
Il prequel continua così a distinguersi per un approccio più intimo
e umano rispetto alla serie madre, concentrandosi sul viaggio dei
personaggi piuttosto che sulle grandi battaglie. Proprio per
questo, ogni decisione mostrata nel promo sembra avere un peso
specifico maggiore, preparando il terreno agli eventi futuri.
A Knight of the Seven
Kingdoms conferma episodio dopo episodio la volontà di
espandere il mito di
Westeros senza replicare pedissequamente le formule del
passato, e l’episodio 5 potrebbe segnare un punto di non
ritorno per i protagonisti.
La serie è disponibile su HBO, e il
nuovo episodio promette di rafforzare ulteriormente il legame tra
questo racconto e l’eredità narrativa di Game of Thrones.
È
stato diffuso il promo
ufficiale di The
Pitt 2×06, intitolato “12:00 P.M.”, e tutto lascia pensare a uno
degli episodi più intensi della seconda stagione. La serie medical
drama di Max continua
a spingere sull’acceleratore, concentrandosi sul tempo reale, sulla
pressione costante e sulle conseguenze emotive delle decisioni
prese sotto stress.
Il
titolo dell’episodio non è casuale: mezzogiorno segna un punto di
rottura nella giornata dell’ospedale, con un sovraccarico di
emergenze che mette a dura prova medici e personale sanitario. Il
promo suggerisce una situazione fuori controllo, in cui ogni scelta
può fare la differenza tra la vita e la morte.
Cosa anticipa il promo di The Pitt 2×06
Nel
breve filmato, la tensione cresce minuto dopo minuto:
l’afflusso di pazienti aumenta
improvvisamente,
il personale è costretto a
prendere decisioni immediate,
il confine tra professionalità
e coinvolgimento emotivo diventa sempre più sottile.
Al centro dell’episodio torna il personaggio interpretato da
Noah
Wyle, alle prese con una gestione
dell’emergenza che sembra superare ogni protocollo. Il ritmo
serrato e la regia claustrofobica, già marchio di fabbrica della
serie, promettono un episodio costruito tutto sulla pressione del
tempo e sull’impatto psicologico del lavoro in corsia.
“12:00 P.M.” si preannuncia quindi come un capitolo chiave di
The Pitt,
destinato a spingere i personaggi oltre i propri limiti e a
ridefinire gli equilibri della seconda stagione.
Steven Spielberg tornerà alla fantascienza
quest’anno con un’opera originale, Disclosure
Day. Il trailer è stato trasmesso durante
l’ultima pausa pubblicitaria prima del calcio d’inizio, in vista
dell’uscita prevista per il 12 giugno.
Lo spot completo di Disclosure
Day del Super Bowl, della durata di un minuto, è
disponibile online e mostrato qui sopra, e si concentra sui
personaggi di Josh O’Connor ed Emily Blunt, prima di concludersi con
un’inquadratura di un oggetto volante non identificato che emerge
tra le nuvole.
Dalla storia personale di The
Fabelmans all’adattamento del musical di Broadway West Side
Story, la maggior parte dei film diretti da
Steven Spielberg negli ultimi 15
anni non appartengono al genere fantascientifico o horror, il che
ha creato ancora più aspettative per il suo ritorno a questi
generi.
Oltre a O’Connor e Blunt, il cast
stellare di Disclosure Day include Colman Domingo, Colin Firth, Eve Hewson
e Wyatt Russell. La sceneggiatura è
stata scritta da David Koepp, che ha già lavorato
con Spielberg in Jurassic Park, Il mondo perduto:
Jurassic Park, La guerra dei mondi e Indiana
Jones e il regno del teschio di cristallo.
Il film uscirà nelle sale il 12
giugno e ha la particolarità di essere un blockbuster originale in
un’estate ricca di film di franchise. Nonostante non faccia parte
di un IP esistente, Disclosure Day ha già generato un notevole
clamore. La nuova immagine di O’Connor e Blunt si aggiunge a ciò
con uno sguardo allettante su ciò che verrà, preservando al
contempo il mistero che rende il film una prospettiva così
intrigante.
Dopo una breve pausa, Chicago P.D. è pronta a
tornare in onda con un episodio chiave della tredicesima stagione.
NBC ha pubblicato
il promo ufficiale di
Chicago PD 13×13,
confermando che l’episodio 13 andrà in onda il 4 marzo e sarà parte di uno
speciale evento
crossover che promette di alzare ulteriormente la tensione
narrativa.
La
stagione 13 ha già mostrato un forte focus sui conflitti interni
dell’Intelligence Unit e sulle conseguenze emotive delle scelte dei
protagonisti. Il ritorno con un crossover lascia intendere
un’escalation degli eventi, con casi più ampi e pericolosi che
superano i confini di una singola unità.
Cosa anticipa il promo di Chicago PD 13×13
Il
promo, breve ma intenso, suggerisce che l’episodio sarà
caratterizzato da:
un’indagine ad
alto rischio,
una minaccia che richiede
collaborazione tra più
squadre,
decisioni difficili che
potrebbero avere ripercussioni a lungo termine.
Come da tradizione dell’universo One Chicago, il crossover sembra
destinato a intrecciare le storyline di Chicago PD con quelle delle altre serie del
franchise, aumentando la posta in gioco sia sul piano operativo sia
su quello personale per i personaggi principali.
Al centro dell’azione tornerà l’Intelligence guidata da
Hank Voight,
chiamata a fronteggiare una situazione che metterà alla prova le
alleanze e la tenuta del gruppo. Il tono del promo lascia intendere
che l’episodio non sarà solo un capitolo di transizione, ma uno
snodo importante della stagione.
L’episodio 13 di Chicago
PD segnerà quindi il
ritorno ufficiale della serie il 4 marzo su NBC, dando il
via a una nuova fase della stagione 13 all’insegna dell’azione e
delle connessioni narrative su larga scala.
Lucasfilm ha fatto il suo grande
ritorno al Super Bowl con lo spot televisivo di The
Mandalorian and Grogu. Primo film di Star
Wars ad essere presente al Big Game dai tempi di
Solo: A Star Wars Story del 2018, il
sequel di The Mandalorian di
Jon
Favreau arriverà in esclusiva al cinema il 22
maggio.
Lo spot televisivo mostra Din
Djarin (Pedro
Pascal) e Grogu su una slitta trainata dai Tauntaun.
Include una voce fuori campo di Sam Elliott, con
uno stile generale che richiama i classici spot pubblicitari della
birra mostrati al Super Bowl. Sembra probabile che il filmato sia
stato realizzato appositamente per il Big Game e non sia
effettivamente presente in The
Mandalorian and Grogu.
The
Mandalorian & Grogu è stato annunciato per
la prima volta a gennaio 2024 come il prossimo film di “Star Wars”
in fase di sviluppo, e la sua uscita nelle sale è prevista
per il 20 maggio 2026. Oltre al personaggio mascherato di
Pascal, il Mandaloriano, e al suo adorabile aiutante Grogu (meglio
conosciuto come Baby Yoda), il cast include anche
Sigourney Weaver nel ruolo di una pilota da
caccia,
Jeremy Allen White in quello del figlio di Jabba the
Hutt e Jonny Coyne in quello di un signore della
guerra imperiale.
La prima breve sinossi del film
recita: “Erede della Forza nella galassia e compagno adorabile
del Mandaloriano, Grogu ha conquistato il mondo con il suo fascino
malizioso e accattivante fin dal suo debutto”, si legge.
“Presto saranno disponibili prodotti a tema Grogu per tutti i
canali, categorie e fasce d’età: la tempesta Grogu sta per
scatenarsi!”
Con una svolta sorprendente,
Netflix ha diffuso a sorpresa un trailer per il
prossimo sequel di C’era una volta a…
Hollywood di David Fincher e
Brad
Pitt, dopo Cliff Booth. Questo è il primo sguardo a
Le avventure diCliff Booth,
confermando che “arriverà presto”. Il trailer è censurato
per il lancio del Super Bowl, nascondendo nudità, parolacce e
altro.
Il cast include Brad
Pitt, Carla Gugino,
Yahya Abdul-Mateen II, Elizabeth
Debicki, Scott Caan, Barry Livingston, JB Tadena, Corey
Fogelmanis e Karren Karagulian. Il film è stato scritto da
Quentin Tarantino, che avrebbe poi
deciso di lasciare alla regia per concentrarsi sul suo prossimo e
apparentemente ultimo film, di cui però non si hanno ancora
notizie. In ogni caso, Le avventure di Cliff
Booth permetterà a Pitt di riprendere il ruolo grazie
al quale ha vinto il premio Oscar come Miglior attore non
protagonista, riunendolo anche a David Fincher,
con cui ha girato già diversi film in precedenza, da
Seven a Il curioso caso di Benjamin Button.
Secondo quanto riportato
da Variety a ottobre, Netflix
stava considerando un lancio estivo 2026 per il film, ma la pellicola
non compare ancora nel calendario ufficiale Netflix per quell’anno.
La trama dovrebbe comunque svolgersi qualche anno dopo gli eventi
di C’era una volta a…
Hollywood, con Erik Messerschmidt alla direzione della fotografia
al posto di Robert Richardson.
Illumination non poteva lasciarsi
sfuggire il Super Bowl senza portare i
Minions alla festa. E infatti ha scelto il
Big Game per diffondere la prima occhiata ufficiale al terzo film
dei Minions, confermando che il titolo effettivo è
Minions & Monsters. Durante il Big Game è
stato mostrato solo un teaser, invitando il pubblico a guardare il
trailer completo online. E potete vederlo qui.
