Dopo cinque anni segnati dalle chiusure dovute al COVID e dagli scioperi WGA-SAG, le serie TV stanno tornando alla ribalta, con programmi molto attesi in arrivo nel 2026. Sebbene ci siano molte incredibili serie TV di ritorno da guardare ora prima delle nuove stagioni del prossimo anno, ci sono anche molte nuove entusiasmanti serie TV in anteprima nel 2026.

I sequel di amati universi televisivi come Game of Thrones e Yellowstone domineranno le conversazioni, ma ci saranno anche molte nuove serie originali entusiasmanti. Da A Knight of the Seven Kingdoms a Spider Noir, il 2026 sarà un anno importante per la televisione.

A Knight Of The Seven Kingdoms (HBO)

Data di uscita: 18 gennaio 2026 (settimanale, 6 episodi)

A Knight of the Seven Kingdoms è la prossima espansione dell’universo fantasy di HBO ambientato a Westeros. Basato sui racconti Tales of Dunk and Egg di George R.R. Martin, A Knight of the Seven Kingdoms è ambientato circa 75 anni dopo House of the Dragon e circa 100 anni prima di Game of Thrones, quando i Targaryen siedono ancora sul Trono di Spade.

La storia segue Ser Duncan l’Alto, un cavaliere errante ben intenzionato ma dai modi rudi, interpretato da Peter Claffey. È accompagnato dal suo scudiero astuto e riservato, il principe Aegon Targaryen, noto come Egg, interpretato da Dexter Sol Ansell.

A differenza delle precedenti serie HBO ambientate a Westeros, il materiale originale è più leggero. Sulla base dei trailer, ci si può aspettare un tono più comico. Prima della sua prima, A Knight of the Seven Kingdoms è stato rinnovato per la seconda stagione.

The Fall and Rise of Reggie Dinkins (NBC)

Data di uscita: 23 febbraio 2026 (prima di 2 episodi)

The Fall and Rise of Reggie Dinkins vede Tracy Morgan nei panni di Reggie, un ex giocatore di football fallito che tenta un ritorno pubblico e personale in questa commedia sportiva incentrata sulla redenzione. Desideroso di riparare alla sua reputazione, Reggie assume il serio regista Arthur Tobin, interpretato da Daniel Radcliffe, per documentare il suo viaggio verso il ritorno nelle grazie sia dei fan che della famiglia.

In coppia con la commedia cheerleading altamente sottovalutata della NBC Stumble, la rete sembra perseguire la propria risposta feel-good e sportiva a Ted Lasso. La serie riunisce anche Morgan con i creatori di 30 Rock, Tina Fey e Robert Carlock.

Il coinvolgimento di Radcliffe in Reggie Dinkins è particolarmente promettente perché quando si dedica alla televisione, i risultati tendono ad essere strani, creativi e inaspettatamente sinceri, come si è visto in Miracle Workers. Questa combinazione rende Reggie Dinkins una delle scommesse comiche più intriganti per il 2026.

Love Story (FX)

Data di uscita: febbraio 2026

Love Story è la prossima serie antologica di Ryan Murphy per FX, precedentemente intitolata American Love Story. Il tema della prima stagione è la regalità americana: la relazione destinata al fallimento e saturata dai media tra John F. Kennedy Jr., interpretato da Paul Kelly, e l’icona di stile Carolyn Bessette, interpretata da Sarah Pidgeon.

Love Story vede anche Naomi Watts nel ruolo di Jackie Kennedy. I lavori migliori di Murphy nascono spesso quando applica il suo istinto massimalista alla storia reale, come si è visto in American Crime Story. Se Murphy riuscirà a trovare il giusto equilibrio tra intimità e spettacolarità, Love Story potrebbe diventare uno dei suoi progetti più emozionanti e visivamente suggestivi fino ad oggi.

The Testaments (Hulu)

Data di uscita: aprile 2026

Fan di The Handmaid’s Tale: benedetto sia il frutto! The Testaments porta su Hulu il tanto atteso sequel di The Handmaid’s Tale di Margaret Atwood, riprendendo la storia circa 15 anni dopo gli eventi del romanzo originale.

La serie segna il ritorno della formidabile zia Lydia interpretata da Ann Dowd, questa volta protagonista di una storia di formazione incentrata su una nuova generazione di giovani donne che navigano nella morsa del regime. La rivelazione di One Battle After Another Chase Infiniti interpreta Agnes, la versione più anziana di June e la figlia di Luke, Hannah.

Blade Runner 2099 (Prime Video)

Data di uscita: da definire

Blade Runner 2099 continua l’iconica saga fantascientifica con una nuova storia ambientata decenni dopo Blade Runner 2049. Michelle Yeoh interpreta Olwen, una replicante che affronta la fine della sua vita in una Los Angeles futura ancora caratterizzata da esseri umani artificiali, potere corporativo e inquietudine esistenziale. Olwen collaborerà con una fuggitiva umana, Cora, interpretata dalla star di Euphoria Hunter Schafer

Ispirata al romanzo di Philip K. Dick Gli androidi sognano pecore elettriche?, la serie mantiene il tono caratteristico del franchise: visivamente ricco, filosoficamente profondo ed emotivamente sobrio. Aspettatevi un’esplorazione lenta dell’identità, della mortalità e del significato dell’umanità in un mondo costruito sull’imitazione.

Crystal Lake (Peacock)

Data di uscita: da definire (8 episodi)

Crystal Lake è la prossima serie slasher di Peacock basata sul franchise Venerdì 13, che funge da prequel del film del 1980. Crystal Lake vede Linda Cardellini nei panni di Pamela Voorhees e Callum Vinson in quelli del giovane Jason Voorhees.

Piuttosto che basarsi esclusivamente sul gore, Crystal Lake sembra trarre ispirazione dai thriller paranoici degli anni ’70, enfatizzando il terrore, la psicologia e la tensione che cresce lentamente. Con lo showrunner Brad Caleb Kane reduce da It: Welcome to Derry, ci sono grandi aspettative che la serie riesca a bilanciare la mitologia del franchise con una narrazione horror di alto livello.

DTF St. Louis (HBO)

Data di uscita: da definire (7 episodi)

DTF St. Louis è una commedia dark della HBO con Jason Bateman, David Harbour e Linda Cardellini. La serie comica dark della HBO è incentrata su un contorto triangolo amoroso tra tre adulti alle prese con le delusioni e le ansie della mezza età, che alla fine porta alla morte prematura di uno di loro.

Non si sa molto della serie creata da Steve Conrad, ma è stata ispirata dall’articolo di James Lasdun pubblicato sul New Yorker intitolato “My Dentist’s Murder Trial: Adultery, False Identities, and a Lethal Sedation” (Il processo per omicidio del mio dentista: adulterio, false identità e sedazione letale). Il tempo dirà se sarà uno dei migliori ruoli di Bateman, ma Bateman, Harbour e Cardellini eccellono nei ruoli impegnativi che bilanciano commedia e oscurità.

Dutton Ranch (Paramount+)

Data di uscita: da definire

Dutton Ranch continua la saga della famiglia Dutton dopo la conclusione delle cinque stagioni di Yellowstone. Questo spin-off di Paramount+ si concentra sui personaggi preferiti dai fan Beth Dutton (Kelly Reilly) e Rip Wheeler (Cole Hauser) mentre affrontano le sfide di preservare l’eredità di famiglia, affrontando il pericolo, la lealtà e le dure realtà della vita nel ranch.

La serie dà anche il benvenuto a nuovi membri del cast, tra cui Annette Bening nel ruolo di Beulah Jackson ed Ed Harris nel ruolo di Everett McKinney. Mentre si sa già qualcosa in più su Y: Marshals (in uscita il 1° marzo), Dutton Ranch è lo spin-off più diretto che i fan attendono con più impazienza.

Elle (Prime Video)

Data di uscita: da definire

Elle esplorerà la giovinezza di Elle Woods, molto prima della Delta Nu alla UCLA o della Harvard Law School. Seguendo un percorso simile a quello di The Carrie Diaries come prequel di Sex and the City, la serie esplora gli anni formativi di un personaggio iconico. Cosa c’è di difficile?

Lexi Minetree è la protagonista del cast di Elle, benedetta da Reese Witherspoon per affrontare gli anni del liceo di Elle. Prodotta dalla Hello Sunshine di Reese Witherspoon, la serie promette un approccio fedele ma fresco.

La casa nella prateria (Netflix)

Data di uscita: da definire

La casa nella prateria è una serie originale Netflix di prossima uscita che adatta i libri amati di Laura Ingalls Wilder per una nuova generazione. Reboot della classica serie della NBC, lo show reimmagina la vita della famiglia Ingalls nella frontiera americana con un cast nuovo e valori di produzione moderni.

Alice Halsey interpreta Laura Ingalls, affiancata da Luke Bracey nel ruolo di Charles, Crosby Fitzgerald nel ruolo di Caroline e Skywalker Hughes nel ruolo di Mary, dando vita all’iconica famiglia. La serie offre sia ai fan di lunga data che ai nuovi spettatori un dramma ricco e incentrato sui personaggi, ambientato nell’America rurale del XIX secolo.

RJ Decker (ABC)

Data di uscita: da definire

RJ Decker è basato sul romanzo di Carl Hiaasen Double Whammy. Scott Speedman interpreta un ex fotografo di giornale caduto in disgrazia che si reinventa come investigatore privato, navigando nel mondo colorato e pieno di crimini della Florida meridionale. Questo ultimo adattamento letterario si aggiunge a una lista crescente di serie, tra cui Bad Monkey di Apple TV+ con Vince Vaughn.

Sebbene i dettagli sulla serie siano ancora scarsi, i fan possono aspettarsi la tipica visione satirica e le acute osservazioni sociali di Hiaasen. RJ Decker promette un mix di crimine, commedia e acute osservazioni nell’ambientazione caotica della Florida che caratterizza l’opera di Hiaasen.

Spider-Noir (MGM+)

Data di uscita: da definire (8 episodi)

Spider-Noir porta Nicolas Cage per la prima volta sul grande schermo nei panni di Spider-Noir, ma non si tratta dello stesso personaggio dei film Spider-Verse. Ambientato nella New York degli anni ’30, Cage interpreta un investigatore privato sfortunato costretto a confrontarsi con il suo passato come unico supereroe della città. Tuttavia, in questa versione, Ben Reilly è Spider-Noir.

Brendan Gleeson si è unito al cast di Spider-Noir in un ruolo da cattivo non ancora rivelato. Le riprese si sono svolte a Los Angeles, con una fotografia in bianco e nero che cattura l’estetica cupa e ombrosa del classico film noir. La serie di otto episodi promette una versione cupa, elegante e incentrata sui personaggi dell’universo fumettistico di Spider-Man Noir, segnando un progetto appassionante per Cage, che ha lavorato raramente in televisione.

Stuart Fails to Save the Universe (HBO Max)

Data di uscita: da definire

Stuart Fails to Save the Universe è una serie spin-off di HBO Max ambientata dopo gli eventi di The Big Bang Theory. Lo show riunisce i personaggi preferiti dai fan Stuart Bloom, Bert Kibbler, Barry Kripke e Denise, ma porta il franchise in una direzione inaspettata: l’avventura fantascientifica.

Stuart innesca accidentalmente un Armageddon multiversale e deve collaborare con Denise, Bert e Kripke per ripristinare la realtà, incontrando lungo il percorso le versioni di un universo alternativo dei personaggi amati di The Big Bang Theory. Questo è il primo spin-off di BBT su HBO Max invece che su CBS, quindi ci saranno meno episodi per raccontare una storia molto più serializzata.

VisionQuest (Disney+)

Data di uscita: da definire, fine 2026 (8 episodi)

VisionQuest è il terzo capitolo della “trilogia libera” che segue WandaVision e Agatha All Along. La serie è diretta da Terry Matalas (12 Monkeys), che prende il posto di Jac Schaeffer. Paul Bettany torna nei panni di Vision, che lotta per recuperare la memoria e la sua umanità dopo gli eventi di WandaVision.

Nel cast di VisionQuest c’è anche James Spader, che riprende il ruolo di Ultron, apparendo sia in forma robotica che umana. Matalas ha descritto la serie TV come cinematografica nella portata, con ogni episodio che sembra un film diverso, riecheggiando il modo in cui WandaVision ha utilizzato epoche sitcom distinte come strumenti narrativi.

Nel cinema horror sono più famosi i villain di sesso maschile ma forse pochi ricordano che anche le donne cattive da horror sono altrettanto letali. Oggi vi segnaliamo al top 10 delle cattive più sexy del cinema dell’orrore.

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Sulla scia dei successi televisivi degli ultimi anni, anche il 2019 ha visto il piccolo schermo sfoggiare alcune tra le più apprezzate serie TV degli ultimi tempi. Nuovamente, la televisione ha affermato il proprio dominio, dimostrandosi capace di sfornare prodotti di alta qualità in grado di tenere testa ai lungometraggi cinematografici. Le storie e i personaggi offerti al pubblico hanno regalato nuovi motivi per non perdere neanche una delle tante serie realizzate oggi giorno.

Il 2020 promette così di essere un anno di altrettanta grande televisione, con nuove serie o nuove stagioni pronte a conquistare un ampio numero di spettatori. Che sia su tradizionali emittenti televisive, o su piattaforme streaming, la televisione sembra avere diversi assi nella manica. Da trasposizioni di celebri romanzi a racconti horror, da spin-off di acclamate serie fino ai personaggi Marvel pronti a raccontare sul piccolo schermo la propria storia. Tutto sembra pronto per un nuovo anno di grande serialità, basta accendere lo schermo e godersi la visione.

Ecco le 10 serie TV più attese del 2020.

Katy Keen

Spin-off della celebre serie Riverdale, Katy Keen si concentrerà sull’omonimo personaggio basato sui fumetti Archie Comic, interpretato dall’attrice Lucy Hale. Tra gli altri interpreti vi sarà anche l’attrice Ashleigh Murray, che riprenderà il suo ruolo di Josie McCoy.

Ambientata cinque anni dopo gli eventi di Riverdale, la serie seguirà le vicende di quattro aspiranti artisti, alla ricerca del successo nella grande città di New York. Attesa per la primavera del 2020, questa nuova storia non mancherà di attrarre i fan della già nota Riverdale.

Hunters

Al Pacino arriva sulla piattaforma Amazon Prime Video con la serie Hunters, dove guiderà un gruppo di cacciatori di nazisti nella New York degli anni ’70, con lo scopo di stroncare sul nascere il Quarto Reich negli Stati Uniti. Verrà così proposta una rilettura storica, e a giudicare dal trailer non mancherà umorismo, cinismo e tanta violenza.

Ideata da David Weil, e composta da dieci episodi, la serie debutterà il 21 febbraio 2020, e vede tra i suoi protagonisti anche gli attori Logan Lerman e Josh Radnor.

Stargirl

L'”Arrowverse”, già composto dalle serie Arrow, Flash, e Supergirl, continua la sua espansione con il debutto di Stargirl, che introdurrà un nuovo personaggio basato sui fumetti targati DC Comics.

La serie seguirà le vicende di Courtney Whitmore, interpretata da Brec Bassinger, una studentessa liceale che entra in possesso di un oggetto magico capace di donarle incredibili superpoteri. A produrre e sceneggiare si annovera Geoff Johns, co-autore del personaggio.

The Outsider

Tratta dall’omonimo romanzo di Stephen King, la serie The Outsider farà il suo debutto sull’emittente HBO il 12 gennaio 2020. Ideata da Richard Price, noto sceneggiatore, questa vede tra i suoi protagonisti gli attori Ben Mendelsohn, Cynthia Erivo e Jason Bateman.

La serie sarà incentrata sull’omicidio di un bambino, e sull’uomo che viene accusato di aver compiuto l’orribile atto. Questi tuttavia dispone di prove ferree che confermerebbero la sua innocenza, ma tracce del suo DNA vengono ritrovate sul luogo del delitto. Come è possibile che una persona si trovi in due posti contemporaneamente?

The Stand

Ancora Stephen King, stavolta con l’adattamento di uno dei suoi romanzi più celebri in assoluto: The Stand, pubblicato in Italia con il titolo L’ombra dello scorpione. Incentrata sull’eterna lotta tra bene e male, la serie sarà ambientata in un mondo decimato da un misterioso virus. I pochi superstiti immuni cercheranno di riorganizzarsi in comunità, ma un misterioso uomo è pronto a seminare nuovamente il terrore.

L’attore Alexander Skarsgård ricoprirà il ruolo del villain, lo spietato Randal Flagg. Scritta e diretta dal regista Josh Boone, la serie promette di essere una fedele trasposizione del lungo e complesso romanzo, con la speranza di soddisfare anche i fan più accaniti.

Snowpiercer

Basata sull’omonimo film del regista coreano Bong Joon Ho, e sul fumetto Le Transperceneige, la serie Snowpiercer arriverà sugli schermi televisivi nel corso della primavera del 2020. Tra gli interpreti principali si annoverano gli attori Jennifer Connelly e Daveed Diggs.

La storia è incentrata sugli ultimi superstiti dell’umanità, che si trovano riuniti all’interno di un inarrestabile treno che attraverso le lande ghiacciate di quella che un tempo era la Terra. All’interno del treno, tuttavia, vigono classi sociali e ferree leggi a cui non tutti sono disposti a sottostare.

The Walking Dead: World Beyond

Tra le più longeve serie degli ultimi tempi, The Walking Dead è pronta a dar vita ad un nuovo atteso spin-off. Si tratta di The Walking Dead: World Beyond, serie che sarà incentrata sulla prima generazione di ragazzi nata e cresciuta durante l’apocalisse zombie. I protagonisti verranno così seguiti attraverso i loro quotidiani sforzi di sopravvivenza.

Divenuto un vero e proprio franchise, basato sull’omonima graphic novel, il mondo popolato dai non morti continua a mantenere la propria schiera di fan, che non mancheranno di seguire con interesse le nuove storie qui proposte.

The New Pope

Paolo Sorrentino torna a mettere mano alla sua personalissima serie TV, e dopo The Young Pope, ecco arrivare The New Pope. La serie riprenderà gli eventi lì dove li aveva lasciati la precedente, con Papa Pio XIII in coma dopo la malattia che lo ha improvvisamente colto. A prendere il suo posto viene così eletto Papa Giovanni Paolo III, interpretato dall’attore John Malkovich.

Riprenderanno i loro ruoli anche gli attori Jude Law, Silvio Orlando e Javier Cámara, mentre si aggiungeranno anche le new entry Massimo Ghini, Marilyn Manson e Sharon Stone. La serie debutterà su Sky Atlantic il 10 gennaio 2020.

Falcon and the Winter Soldier

Ambientata dopo gli eventi di Avengers: Endgame, la serie Falcon and the Winter Soldier sarà distribuita sulla piattaforma streaming Disney+, in arrivo in Italia a partire dal 31 marzo 2020.

La serie sarà incentrata sui personaggi Marvel già interpretati da Anthony Mackie e Sebastian Stan e sarà la prima tra quelle annunciate ad essere distribuita, rendendo ovviamente alta l’attesa e la curiosità da parte dei fan. Stando alla trama rilasciata, nella prima stagione i due supereroi dovranno vedersela con il villain Zemo, già apparso in Captain America: Winter Soldier e nuovamente interpretato dall’attore Daniel Brül.

Star Trek: Picard

Patrick Stewart è pronto a riprendere il ruolo del capitano Jean-Luc Picard dopo ben 18 anni nell’attesa serie Star Trek: Picard, ambientata nel celebre universo fantascientifico che ha dato vita a numerosi film e serie.

L’attore ha dichiarato di aver sempre detto di no al ritorno del personaggio, ma quando gli fu proposta l’idea per questa nuova serie non ha potuto lasciarsi sfuggire l’occasione. La nuova storia rimarrà fedele alle origini del franchise e porterà gli spettatori in territori ancora inesplorati.

Fonte: IMDb

Nella storia del cinema di genere le Scream Queens hanno avuto sempre un ruolo di primissimo piano e oggi proviamo a stilare una classifica delle 10 più sexy attrici che hanno contributo a rendere importante questo ruolo:

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Forse non tutti sanno che molte delle scene che hanno fatto la storia del cinema sono nate da momenti di improvvisazione. Ecco le 10 più famose:

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Sembra che, in I predatori dell’arca perduta, Harrison Ford/Indiana Jones dovesse in realtà combattere contro l’uomo armato di scimitarra, ma la sera prima aveva avuto dei problemi fisici che lo avevano debilitato fisicamente e chiese a Spielberg di “ottimizzare” le energie: il risultato è una delle scene che ancora oggi definiscono un personaggio e un franchise di successo. Sempre Harrison Ford è protagonista di un’altra scena storica: nella scena finale di Star Wars L’Impero Colpisce Ancora, lo script prevedeva che Leia confessasse il suo amore ad Han, ma lui non rispondeva. Il regista Irvin Kershner sentiva però che qualcosa mancasse e così chiese a Ford di rispondere così come avrebbe risposto il suo personaggio, il risultato è stato semplicemente perfetto.

Molti aneddoti si fondano anche sulla bravura dell’attore e sulla straordinaria capacità di immedesimazione che questi hanno avuto con il personaggio, come nei casi di Heath Ledger/Joker, Robert De Niro/Travis oppure Anthony Hopkins/Hannibal.

Qual è la vostra scena preferita?

La Fase 5 del MCU è ormai a metà strada, e l’ultimo anno ha portato molti alti, bassi estremi e molte opportunità mancate. Essere nel bel mezzo della Fase 5 del MCU significa essere al centro della Saga del Multiverso nel suo complesso, con il tempo che scorre sull’opportunità di iniziare a legare insieme narrazioni più ampie. Tra la Fase 4 e la Fase 5 sono stati introdotti più personaggi Marvel che mai e, sebbene la Marvel abbia fatto un buon lavoro adattando molte storie per il grande schermo, ci sono state alcune storie che avrebbero potuto essere servite meglio. Queste sono le 10 grandi opportunità che il MCU non ha saputo sfruttare fin ora.

Secret Invasion non ha utilizzato gli elementi di maggior successo del fumetto

La serie a fumetti, incredibilmente importante, ha visto la partecipazione di tutti i personaggi Marvel, tra cui gli X-Men, i Vendicatori, gli Illuminati e i Thunderbolts. Secret Invasion del MCU, invece, vedeva Nick Fury impegnato in una missione individuale. Invece di una serie di spionaggio con i più grandi attori della Marvel, Secret Invasion è stato in gran parte insignificante, a parte la morte di Maria Hill e la rivelazione che Rhodey è stato un impostore Skrull “per molto tempo”. Anche la sconcertante insistenza di Fury sul fatto che dovesse essere lui ad affrontare Gravik e che non dovesse coinvolgere nessun supereroe era una bugia.

The Marvels e Secret Invasion non sono stati collegati tra loro

La conclusione inconcludente di Secret Invasion è stata aggravata dalla successiva uscita di The Marvels, in cui gli eventi appena accaduti sulla Terra non sono stati nemmeno menzionati. L’inspiegabile assenza della moglie di Fury, Varra, è stata incredibilmente difficile da ignorare, visto che l’ultima volta è stata vista insistere per venire con lui nello spazio in Secret Invasion. Sebbene la Marvel cerchi di giustificare la visione delle sue serie per tenersi al passo con la più ampia tradizione del MCU, non ha fatto un favore a se stessa non presentando quasi nessun collegamento con Secret Invasion, nonostante Fury abbia un ruolo da protagonista.

Steven Yeun non interpreterà più Sentry in Thunderbolts

Stephen Yeun è un’aggiunta preziosa a qualsiasi progetto al momento, e la voce che era stato scritturato per il ruolo di Sentry ha alimentato notevolmente l’attesa per il prossimo progetto del MCU. Purtroppo, all’inizio del 2024 è stato confermato che Yeun non è più coinvolto nel progetto, probabilmente a causa dei ritardi dovuti agli scioperi della SAG-AFTRA.

Kang non era poi così minaccioso

Ant-Man and the Wasp: Quantumania è stato il film che ha dato il via alla Fase 5 del MCU, ma ha perso la palla al balzo. Le critiche al film sono state rivolte alla sua incoerenza tonale, alla CGI gratuita e a una trama che vedeva l’arci-cattivo della Saga del Multiverso e presumibilmente una minaccia del livello di Thanos, battuto da uno dei membri meno minacciosi dei Vendicatori. Poiché fino a quel momento si era parlato pochissimo di Kang il Conquistatore, è toccato ad Ant-Man and the Wasp: Quantumania di stabilire perché Kang debba essere temuto. Invece, lo si è visto apparentemente ucciso in una scazzottata.

Loki non ha mai potuto dire addio a Thor

Loki non fa ufficialmente più parte della linea temporale principale del MCU, ma la tiene insieme. Il suo addio ai suoi amici della TVA nel finale della seconda stagione di Loki è stato toccante e definitivo, con Tom Hiddleston che ha considerato la seconda stagione come il suo ultimo saluto nei panni di Loki. Tuttavia, la notevole assenza di Thor nel corso delle avventure di Loki nella TVA ha un peso lancinante e accresce le speranze di un suo ritorno in un progetto futuro. Altrimenti, è difficile digerire il fatto che la sua maestria nel salto temporale non abbia facilitato un ultimo saluto al fratello prima di assumere il suo glorioso scopo.

Tiamut poteva apparire in The Marvels

L’apparente desiderio del MCU di nascondere Eternals sotto il tappeto dopo la sua tiepida performance è reso più evidente ad ogni puntata che non menziona il gigantesco Celestiale nell’Oceano Indiano. Un accenno a She-Hulk: Attorney At Law è appena sufficiente a trasmettere l’impatto che il gigantesco cadavere calcificato di Tiamut avrebbe avuto sul mondo. Un impatto evidente è che sarebbe stato facilmente visibile dallo spazio, ma The Marvels ha evitato di inserire questo particolare nelle inquadrature della Terra, anche come semplice riconoscimento del fatto che Eternals è ancora canon.

Il Consiglio di Kang avrebbe potuto essere interpretato da attori diversi

Ora che Jonathan Majors è stato abbandonato, il MCU si trova a un bivio cruciale. Il debutto poco soddisfacente di Kang ha alimentato le voci secondo cui la Marvel potrebbe voler abbandonare il ruolo di Kang come grande cattivo della Saga del Multiverso; ma senza alcuna conferma, si presume che Avengers: La dinastia Kang procederà come previsto. Se così fosse, la Marvel avrebbe potuto semplificare il suo lavoro seguendo le sue regole prestabilite sulle varianti. Ant-Man and the Wasp: Quantumania ha stabilito rapidamente che la vera minaccia di Kang il Conquistatore deriva dalle innumerevoli varianti di Kang che si sono riunite nel Consiglio di Kang. Solo che, a differenza delle varianti di Loki che hanno assunto una miriade di forme – tra cui un alligatore – le varianti di Kang erano tutte interpretate da Jonathan Majors.

Echo avrebbe potuto essere più R-Rated

Che piaccia o no, la prospettiva che Deadpool 3 sia il primo film del MCU con rating R ha suscitato molto entusiasmo. La novità di inserire la violenza gratuita per la quale il supereroe  è noto in un franchise altrimenti largamente adatto alle famiglie è una novità che dimostra che la Marvel non ha paura di sporcarsi le mani. Tuttavia, Echo, che è il primo episodio del MCU ad aver ricevuto l’equivalente televisivo di un rating R, è stato in fin dei conti addomesticato. La brutalità di Kingpin può essere stata trasmessa in modo adeguato, ma si può dire che si sarebbe potuto fare di più.

Cassie e Kamala avrebbero dovuto essere maggiormente valorizzate

Mentre il MCU sembra prepararsi a un film sui Giovani Vendicatori, riunendo tutti i protagonisti della squadra, questi ultimi sono ancora in secondo piano rispetto alle loro controparti veterane. Mentre Cassie Lang e Kamala Khan hanno avuto la loro parte di riflettori in Ant-Man and the Wasp: Quantumania e The Marvels, rispettivamente, il tempo sta per scadere per la Marvel di rappresentare questi personaggi come eroi che non hanno bisogno del supporto dei loro predecessori più esperti.

La Fase 5 avrebbe dovuto includere un film sui Vendicatori

Una delle mosse più rischiose che la Marvel ha fatto con le fasi 4 e 5 del MCU è stata quella di non presentare un film sui Vendicatori. Di conseguenza, i presunti protagonisti del team-up finale si sentono più disgiunti che mai, con The Marvels che è stato il film più vicino a un team-up del MCU dopo Avengers: Endgame e non è riuscito ad attirare le folle. Un tempo i film sui Vendicatori aiutavano a scandire ogni fase del MCU, ma ora è difficile tenere traccia di dove e perché una fase è andata avanti.

Ogni nuovo anno a Hollywood si apre con un elenco di titoli carichi di aspettative e estenuanti attese per i fan, ma se alcuni titoli confermano le attese altri invece sono delle vere e proprie fregature. Ecco la top 10 delle più grandi delusioni da Hollywood del 2015.

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La classifica si basa su variabili quali incassi, pubblico e critica.

La Marvel ospita all’interno della sua storia alcuni degli esseri più potenti di tutti i fumetti, non solo esseri con una forza sconfinata, ma anche entità superiori legate all’antichità. Per decenni i fan hanno visto i loro eroi preferiti affrontare minacce dopo minacce e disastri che in alcuni casi sembrano davvero poter mettere la parola fine al mondo. Tuttavia, alcuni di questi eroi non avrebbero mai potuto agire da soli. Non importa quanto forte o potente possa essere un eroe: avrà sempre bisogno di una spalla o di un compagno che sia fedele alla sua causa. ComicBook ha raccolto i 10 migliori spalle mai apparse nei fumetti Marvel:

Foggy Nelson

Foggy Nelson può anche non avere alcun superpotere, o non essere significativamente più giovane di Daredevil, ma è comunque un buon aiutante/alleato dell’Uomo Senza Paura. Dopo essersi conosciuti alla alla facoltà di giurisprudenza, i due costruiscono una forte legame di amicizia e iniziano persino a collaborare per avviare un proprio studio legale con l’obiettivo di aiutare i meno fortunati.

Anche se ci sono voluti anni prima che Matt si fidasse di lui in relazione al suo alter ego, col tempo Foggy è poi diventato uno dei suoi amici più fidati, agendo spesso come supporto emotivo. Foggy ha davvero aiutato Matt in ogni modo possibile, nonostante non avesse alcuna qualifica per essere ritenuto un eroe canonico.

Bob, Agente dell’Hydra

È difficile stare al passo con Deadpool, specialmente quando non hai dei superpoteri. Bob, ex agente dell’Hydra, ha dimostrato di saper reggere il confronto con intelligenza e di essere un compagno alquanto fedele. Deadpool lo ha messo costantemente in pericolo, ma Bob ha sempre trovato un modo per uscirne indenne e ottenere così il rispetto del Mercenario Chiacchierone.

Inoltre, Bob è stato in grado di infiltrarsi nell’HYDRA: pur senza avere delle grandi capacità nel combattimento, ha dimostrato di poter agire anche da solo e di essere un buon avversario per Deadpool.

War Machine (James Rhodes)

Quando le persone pensano ad una “spalla”, tendenzialmente pensano ad un adolescente che ammira l’eroe e lo segue ciecamente nelle sue avventure. Ma non è sempre così! Nel caso di Iron Man, il suo braccio destro è anche il suo migliore amico e confidente più fidato, ossia James Rhodes.

James, ex marine, aveva tutte le capacità di combattimento e l’esperienza di guerra per entrare facilmente in azione al fianco di Iron Man. War Machine è diventato una delle migliori spalle dell’Universo Marvel, nonché un sostituto affidabile quando Tony è impossibilitato a trasformarsi in Iron Man. Essendo un adulto, James è meno incline a commettere errori imprudenti, riuscendo ad essere molto lucido quando si trova sotto pressione.

Groot

Anche se alcuni potrebbero non vederlo come un aiutante, Groot non può non far parte di questa lista. È il più giovane o il meno esperto della squadra dei Guardiani e non può fare molto senza un membro più esperto che gli dica cosa fare. Groot entra quasi sempre in azione con Rocket Raccoon: insieme formano una coppia davvero inarrestabile. Inoltre, la sua forza e la sua capacità rigenerativa lo rendono un membro davvero molto prezioso dei Guardiani della Galassia.

Reso popolare anche grazie al MCU, Groot è leale, coraggioso, divertente e anche un po’ sbadato, ma è anche uno dei migliori e più memorabili membri del team. Il pubblico ha avuto modo di cogliere il suo altruismo sia grazie ai film che ai fumetti, dimostrando di essere un grande eroe a tutti gli effetti.

Rick Jones

Rick Jones ha agito da spalla per molti degli eroi della Marvel, tra cui Hulk, Captain America e Captain Marvel. In origine era proprio lui il responsabile della creazione di Hulk quando i suoi amici lo hanno sfidato a testare le radiazioni del test gamma, evento che ha poi spinto Bruce Banner a correre in suo aiuto, finendo per esserne colpito.

I poteri e le abilità di Rick si sono evoluti col tempo, ma la sua tenacia e lealtà nei confronti dei suoi mentori non sono mai cambiate: proprio grazie alla sua reputazione, infatti, è diventato una delle spalle più iconiche.

Toro (Thomas Raymond)

Dopo che i suoi genitori rimasero uccisi in un incidente ferroviario, il giovane Thomas scoprì di essere immune al fuoco e venne trascinato in un circo a causa delle sue straordinarie capacità. Successivamente attirò l’attenzione della Torcia Umana, che lo prese sotto la sua ala protettiva e lo aiutò a raggiungere il suo pieno potenziale.

Toro è stato uno dei nuovi personaggi introdotti come risposta alla popolarità di Robin della DC ed è apparso insieme alla Torcia Umana sin dai suoi esordi negli anni ’40. È uno dei pochi aiutanti che si ritira ad una vita normale fino a quando non viene richiamato in azione anni dopo, dove incontra la sua fine, riuscendo però a salvare il mondo.

Falcon (Sam Wilson)

Un altro aiutante, non così giovane, di Captain America è Sam Wilson, conosciuto anche come Falcon. Dopo una vita criminale in seguito alla morte dei suoi genitori, ha avuto un incontro con Teschio Rosso e ha aiutato Cap a liberare le persone dell’isola che il villain aveva sotto il suo controllo; poco dopo ha adottato il soprannome di Falcon.

A differenza degli altri suoi compagni, Sam non era sempre bravo e ci è voluto del duro lavoro per cambiare la sua vita, ma è diventato un eroe iconico e ha persino preso il titolo di Capitan America per un breve periodo dopo che Steve Rogers si era ritirato. È diventato così popolare che il MCU ha adattato proprio quella trama e adesso Sam Wilson si prepara a diventare il nuovo Cap dell’universo cinematografico.

Spider-Man (Miles Morales)

Sebbene sia stato sotto l’ala di Spider-Man solo per un breve periodo, Miles Morales ha dimostrato di essere non solo uno dei migliori aiutanti, ma anche uno dei più potenti. Non solo ha la maggior parte dei poteri di Spidey, ma ha anche alcuni poteri fantastici e straordinari come l’elettrocinesi e i poteri di occultamento.

Miles ha imparato molto da Peter Parker. Simile a Wally West della DC che ha preso il posto del suo eroe, Miles ha fatto la stessa cosa, diventando il nuovo Spider-man dopo la morte di Peter Parker, e ha reso orgoglioso il suo mentore.

Jubilee

Lavorare fianco a fianco con Wolverine può essere una sfida, ma quest’adolescente alla moda è decisamente all’altezza del suo mentore. Jubilee è diventata la spalla non ufficiale di Wolverine dopo che avergli salvato la vita, dimostrandosi una partner piuttosto potente e affidabile per Logan, che ha persino imparato ad amarla come un padre farebbe con sua figlia.

Wolverine avrebbe persino aiutato Jubilee a vendicarsi degli uomini che avevano ucciso i suoi genitori e lei lo avrebbe accompagnato in diverse missioni, dove avrebbero consolidato la loro relazione eterna. È un peccato che non ci sia stata molto di lei negli ultimi anni, ma è comunque una delle migliori assistenti in questa lista. Ha anche avuto una relazione con uno dei migliori compagni della DC, ossia Robin.

Bucky

Creato in risposta al Robin della DC, Bucky è stato uno dei primi compagni ad apparire nella Marvel, servendo come il protetto adolescente di Capitan America nella seconda guerra mondiale. Come Cap, Bucky ha combattuto per la verità e la giustizia ed è stato per lui un partner davvero affidabile, diventando anche uno dei suoi migliori amici prima che Steve Rogers venisse congelato.

Simile a Cap, Bucky è stato congelato ma invece di essere trovato 70 anni dopo, è stato preso dai russi e riprogrammato per essere il Soldato d’Inverno, la versione vista nel MCU. Tuttavia, Bucky è il migliore non solo perché è stato il primo, ma anche perché c’è sempre stato per Cap, combattendo ogni volta al suo fianco.

Il true crime è un genere televisivo e cinematografico in continua espansione, ma i migliori programmi drammatizzati sul true crime eccellono rispetto agli altri. L’umanità è affascinata dalla psicologia che porta le persone a commettere crimini, come dimostra la popolarità del true crime. I documentari e le docuserie su casi di omicidio e altri casi raccapriccianti sono diventati un punto fermo. Tuttavia, molte delle migliori storie sul true crime sono drammatizzazioni che raccontano la storia utilizzando attori.

Questo fatto risale al teatro, dove i drammaturghi romanzavano crimini come l’omicidio di Giulio Cesare. I film Lifetime degli anni 2000 basati su storie vere dimostrano che non si tratta di una novità, nemmeno per la TV e il cinema. Tuttavia, nell’ultimo decennio, gli standard per i true crime sono cambiati. È aumentata la richiesta di una narrazione più accurata, che dia voce alle vittime e affronti le questioni sistemiche correlate. I migliori programmi televisivi sui true crime mettono questi valori in primo piano.

The Girl From Plainville (2022)

The Girl From Plainville di Hulu è una serie drammatica basata su un fatto di cronaca reale con una trama molto controversa, ma raccontata in modo incredibilmente efficace. La serie utilizza un formato sperimentale per il genere, aggiungendo Conrad Roy come frutto dell’immaginazione di Michelle Carter anche dopo la sua morte. Inoltre, fa un uso efficace dei flashback. L’attrice Elle Fanning interpreta egregiamente Michelle, un’adolescente complicata che soffre di problemi di salute mentale e compie un gesto indubbiamente orribile.

Dando a Michelle scene senza altri personaggi, The Girl From Plainville offre un quadro più chiaro della psicologia del personaggio. La sua mente non è però l’unico focus della serie. La serie cerca di comprendere la depressione e le emozioni contrastanti di Conrad. Sebbene questa serie sia sicuramente una delle migliori drammatizzazioni di crimini reali, si classifica più in basso perché il ritmo a volte può sembrare un po’ fuori luogo. Alcuni momenti scorrono troppo velocemente, mentre altri si trascinano.

The People V. O.J. Simpson: American Crime Story (2016)

American Crime Story è una serie antologica, e la sua prima stagione segue il caso The People of the State of California v. Orenthal James Simpson, meglio noto come O.J. Simpson. Questa rivisitazione della storia è una delle migliori drammatizzazioni di crimini reali di tutti i tempi. Gli attori Sarah Paulson, Courtney B. Vance e Sterling K. Brown hanno fatto un lavoro incredibile interpretando alcuni degli avvocati che hanno dedicato tempo e impegno alla difesa della loro parte. Paulson, in particolare, è stata bravissima nel mostrare la frustrazione del personaggio che cresceva nel corso del caso.

La sceneggiatura di The People v. O.J. Simpson: American Crime Story è scritta in modo fenomenale ed esamina il processo da tutti i punti di vista. Purtroppo, questa serie presenta due grossi difetti. Innanzitutto, la performance di John Travolta lascia molto a desiderare. Inoltre, la serie si concentra troppo poco su Nicole Brown Simpson e Ronald Goldman.

Candy (2022)

Candy, serie drammatica di Hulu, è un prodotto incredibilmente ben realizzato che racconta un caso di cronaca nera, con ottime interpretazioni di Melanie Lynskey e Jessica Biel, che interpretano rispettivamente Betty Gore e Candy Montgomery. La serie è incentrata sul punto di vista dell’assassina, ma riesce dove altri falliscono, mostrando anche un quadro completo della vittima. Il formato narrativo, che salta avanti e indietro nel tempo, rende la serie interessante anche per chi conosce già il caso. Tuttavia, è sicuramente più godibile per chi ha una conoscenza minima del caso, perché così si preserva il mistero.

Candy supera di gran lunga anche l’altra serie poliziesca basata sullo stesso caso e uscita più o meno nello stesso periodo, Love and Death, perché offre un importante commento sociale. Questa serie mette in luce il lato oscuro dell’oppressione subita dalle casalinghe dei sobborghi. Purtroppo, la serie fatica leggermente a fondere lo studio psicologico del personaggio di Candy nella prima metà con il dramma giudiziario nella seconda metà.

In nome del cielo (2022)

In nome del cielo è una delle migliori trasposizioni cinematografiche di un caso di cronaca nera realmente accaduto. La serie esplora l’omicidio di Brenda Lafferty e della sua bambina e il suo intrinseco legame con la fede mormone. Questo film ha fatto un lavoro fenomenale nel mescolare la controversa storia della chiesa e della fede mormone con gli eventi che hanno portato al crimine senza confondere la narrazione. La narrazione non ha paura di porre le grandi e pesanti domande che circondano il crimine e il fondamentalismo.

Ogni attore del cast di In nome del cielo ha offerto una performance fenomenale che ha mostrato gli aspetti multidimensionali dei personaggi. Anche i cattivi della storia sembravano ben delineati. Il ritmo contribuisce ad aggiungere peso al mistero della serie. Non sorprende che la serie abbia ricevuto diverse nomination, vincendo il premio come Miglior miniserie e serie limitata ai Saturn Awards. L’unico punto debole di questa serie è il fatto che non ha lo stesso livello di suspense di altre grandi drammatizzazioni di crimini reali.

Dr. Death (2021)

Dr. Death di Peacock è una serie che racconta la storia vera del dottor Christopher Duntsch e del dottor Paolo Macchiarini, due chirurghi che hanno mutilato e ucciso i loro pazienti. La prima stagione, dedicata al primo medico, era incredibilmente ben realizzata e avvincente da guardare. La storia è raccontata in modo altrettanto straziante quanto l’omonimo podcast di Wondery. Gli attori fanno un ottimo lavoro nell’entrare nella mente dei loro personaggi. Tuttavia, Dr. Death è diventato uno dei migliori programmi sui crimini reali di tutti i tempi dopo l’uscita della seconda stagione.

I direttori del casting hanno ingaggiato attori di grande talento. La storia offre un forte equilibrio tra la storia d’amore di Benita Alexander e la scelta orribile fatta da Macchiarini di eseguire ripetutamente interventi chirurgici sperimentali su persone malate. In definitiva, Dr. Death non è all’altezza di altri programmi sui crimini reali, non per i suoi difetti, ma perché gli altri superano tutte le aspettative.

The Dropout (2022)

The Dropout è una fantastica miniserie di Hulu che racconta il percorso di Elizabeth Holmes da studentessa di Stanford a capo di un’azienda coinvolta in una frode su larga scala. Questa serie è forte per molte ragioni, tra cui la buona regia e una sceneggiatura solida. Tuttavia, la performance dell’attrice Amanda Seyfried nei panni di Elizabeth Holmes è il cuore e l’anima di The Dropout.

L’attrice fa un lavoro incredibile nell’entrare nella mente di una giovane donna che è sopraffatta dal suo ruolo di imprenditrice e sceglie l’inganno. Non sorprende che Seyfried abbia vinto il Primetime Emmy 2022 come migliore attrice protagonista in una serie limitata o antologica o in un film per questo ruolo. Tuttavia, vale la pena notare che anche il resto del cast ha fatto un ottimo lavoro nel catturare la personalità dei propri personaggi. L’unica cosa che pone The Dropout al di sotto degli altri è il leggero problema di ritmo. Tuttavia, la storia e la recitazione sono abbastanza buone da mantenerlo tra i migliori programmi sui crimini reali.

Impeachment: American Crime Story (2021)

La serie American Crime Story conta tre stagioni al momento della stesura di questo articolo, ognuna delle quali racconta una diversa storia criminale che ha sconvolto gli Stati Uniti. Tutte e tre sono fenomenali a modo loro, ma la migliore è Impeachment: American Crime Story. Questa stagione aveva già tutte le carte in regola per diventare una grande serie sin dal suo esordio. Ogni attore eccelle nel proprio ruolo. Tuttavia, Beanie Feldstein ha superato se stessa offrendo una performance convincente nei panni di Monica Lewinsky, interpretando la vulnerabilità e l’infatuazione della giovane donna.

Inoltre, la serie ha fatto qualcosa di unico. Secondo Variety, la vera Monica Lewinsky ha contribuito alla produzione della serie e ha influenzato la rappresentazione dell’incidente da parte del team creativo. La stagione diventa uno dei migliori drammi polizieschi reali se vista attraverso una lente culturale, però. Questa storia denuncia l’abuso di potere, che è più importante che mai con gli scandali politici emersi negli ultimi anni. Inoltre, il movimento #MeToo ha ridefinito il modo in cui guardiamo allo scandalo Clinton, che è stato uno dei primi episodi di cyberbullismo a livello nazionale.

A Friend Of The Family (2022)

La miniserie drammatica di Peacock A Friend of the Family è imperdibile per chiunque ami i true crime. La serie racconta una storia più strana della realtà e impossibile da credere. Il caso di Jan Broberg è stato portato all’attenzione del pubblico per la prima volta nel 2017 con il documentario Abducted in Plain Sight. Sebbene fosse estremamente ben realizzato, la storia è stata raccontata in modo migliore nella drammatizzazione A Friend of the Family. Gli eventi sono ancora più terrificanti da vedere in azione con Hendrix Yancey e Mckenna Grace che interpretano Jan in età diverse.

La vera Jan Broberg ha contribuito alla realizzazione di A Friend of the Family e ha persino interpretato un ruolo minore come terapeuta di Jan. Riteneva importante dare voce a se stessa e alla sua famiglia nella loro storia. Coinvolgendola nel processo, la serie ha incluso più sfumature e una rappresentazione più accurata delle dinamiche interpersonali. Questo conferisce alla serie un enorme vantaggio rispetto ad altre serie sui crimini reali.

Unbelievable (2019)

Una delle migliori drammatizzazioni di crimini reali di tutti i tempi è la miniserie Netflix Unbelievable. La serie mette in luce il caso di Marie, una giovane donna di 18 anni che è stata violentata, ma la polizia non le ha creduto e l’ha costretta a ritirare la denuncia. Questa serie fa un lavoro incredibile nell’intrecciare la storia di Marie con quella degli agenti che hanno indagato e assicurato alla giustizia il suo stupratore. La storia non solo è raccontata bene, ma affronta anche questioni difficili come la cattiva condotta della polizia, la mancanza di educazione sulle vittime di stupro e le lacune nel sistema poliziesco.

Marie ha scelto di mantenere l’anonimato, tenendo segreti il suo cognome e la sua vita privata.

Sebbene non sia stata direttamente coinvolta nella realizzazione della miniserie drammatica, Variety ha riferito che la vera Marie ha guardato lo show e ha trovato pace in questa bellissima rappresentazione. Questo è senza dubbio merito del team composto interamente da donne che ha affrontato la storia con sensibilità e attenzione. Unbelievable mostra l’importanza delle voci delle donne quando si raccontano storie di crimini reali che riguardano la misoginia e la violenza contro le donne.

When They See Us (2019)

Il miglior programma televisivo di sempre dedicato ai crimini reali è senza dubbio When They See Us, che racconta l’ingiustizia perpetrata nei confronti di Antron McCray, Kevin Richardson, Yusef Salaam, Raymond Santana e Korey Wise, i cinque adolescenti afroamericani e latinoamericani noti come i Central Park Five. Diretta da Ava DuVernay, questa miniserie ha compiuto un’impresa incredibile affrontando un caso complesso, caratterizzato da razzismo e comportamenti scorretti da parte della polizia. La serie ha dovuto affrontare un’ulteriore sfida perché copre un arco temporale che va dall’aggressione alla jogger nel 1989 alla condanna ingiusta nel 2014. Tuttavia, tratta gli argomenti in modo eccellente.

Oltre a toccare il cuore, When They See Us scene umanizza anche i ragazzi coinvolti, rendendoli individui con le loro esperienze e personalità. Questo non accade spesso nel caso dei Central Park Five perché i ragazzi vengono considerati un unico gruppo. Tuttavia, in realtà, l’ingiustizia è stata commessa sei volte: una volta nei confronti di ciascuno dei ragazzi e una volta nei confronti della vittima dello stupro, Trisha Meili. When They See Us è una serie importante da vedere per tutti, appassionati di crimini reali o meno. Inoltre, dovrebbe servire come prova del fatto che i registi neri apportano un’importante autenticità alle storie sul razzismo.

Gli ingredienti per un film horror che si rispetti includono, generalmente, un mostro, un assassino o una “final girl”. Alcuni dei migliori film horror mai realizzati, però, presentano un elemento chiave ai fini della trama: la figura della madre. Le mamme dei film horror possono essere davvero spaventose, come in Psycho, oppure essere confortanti e parecchio potenti, come in Poltergeist o A Quiet Place. Dalle madri che salvano alle madri che uccidono, siano esse umane o mostri, Screen Rant ha raccolto le 10 migliori mamme dei film horror:

Mother Firefly (La casa dei 1000 corpi)

Ne La Casa dei 1000 Corpi, vera e propria lettera d’amore di Rob Zombie al genere horror, Karen Black interpreta la matriarca di una delle famiglie più sanguinose nella storia del cinema dell’orrore. Mother Firefly ha mantenuto il dominio sulla casa degli orrori e sugli omicidi della sua famiglia. Black ha interpretato il personaggio servendosi di un sorriso fiducioso ma al tempo stesso malvagio, permettendo alle vittime di sentirsi al sicuro nella sua casa della morte.

Il personaggio di Black è estremamente popolare tra i fan dell’horror. Purtroppo, mentre il personaggio sarebbe dovuto apparire anche nel sequel, La casa del diavolo, Karen Black ha rifiutato a causa di alcuni problemi legati alla retribuzione ed è stata sostituita da Leslie Easterbrook, che ha reso suo il personaggio pur rispettando la performance di Black.

Grace (The Others)

Nella storia di fantasmi del 2001, The Others, Nicole Kidman interpreta la madre di due bambini piccoli la quale crede che la sua antica casa di famiglia sia infestata dagli spiriti. A mano a mano che gli spettri diventano presenze sempre più reali, Grace fa quello che serve, mettendo da parte le sue paure per proteggere i suoi figli.

Kidman ha ricevuto una nomination ai Golden Globe per il ritratto di Grace, una madre in difficoltà che è disposta a combattere pur di mantenere i suoi figli al sicuro. Mentre il film gioco molto con le atmosfere e si tiene alla larga da sangue e jumpscare, il mondo di Grace diventa sempre più spaventoso. La performance di Kidman è considerata una delle grandi interpretazioni di un’attrice in un film horror.

Chris MacNeil  (L’esorcista)

Una delle migliori madri nei film dell’orrore che, purtroppo, non è stata in grado di aiutare sua figlia da sola. Ellen Burstyn è stata candidata all’Oscar per il ruolo di Chris MacNeil, la madre della giovane Regan che viene posseduta da un demone nel rivoluzionario film horror del regista Willaim Friedkin, L’esorcista.

Chris è una madre tanto fisica quanto emotiva, poiché è incapace di salvare l’anima e il corpo di sua figlia dal Diavolo e dai suoi demoni. Alla fine, consultando un prete, MacNeil si rifiuta di rinunciare a sua figlia e non mancherà di salvarla, a qualunque costo. 

Donna Trenton (Cujo)

Nell’adattamento di successo Cujo di Stephen King, Dee Wallace Stone interpreta una madre che, insieme al suo giovane figlio, è intrappolata in una macchina durante una calda giornata estiva mentre il cane rabbioso del titolo li insegue dall’esterno. Anche se la morte aleggia in ogni momento, Donna Trenton cerca disperatamente di assicurarsi che lei e suo figlio sopravvivano.

La performance di Dee Wallace Stone è una delle più acclamate nei film horror degli anni ’80 , on molti critici che la citano addirittura come la sua prova migliore. L’attrice interpreta Donna sia come una vittima sia, alla fine, come una feroce mamma guerriera che prende il destino nelle sue mani per combattere contro un mostro e salvare suo figlio. La performance di Stone e l’abile adattamento hanno aiutato il film ad essere uno dei titoli che parlano di “animali killer” più popolari e rispettati di tutti i tempi.

La Regina (Aliens – Scontro finale)

Non tutte le madri sono umane, ma tutte le madri esistono per proteggere la loro prole. Nel classico Aliens di James Cameron, la Ripley di Sigourney Weaver affronta il suo più grande avversario, la Regina. Il mostro è un cattivo ma, come farebbero tutte le madri, vuole “solo” proteggere le sue uova dagli invasori umani.

L’ampio utilizzo di burattinai ha migliorato la “performance” della Regina e l’ha resa ultra realistica, rendendo le battaglie tra la Regina e Ripley davvero terrificanti. Il suo assalto continuo agli umani non è un semplice istinto omicida, ma il desiderio di tenere al sicuro le sue uova e i futuri Xenomorfi. 

Norma Bates (Psycho)

Poiché non tutte le madri dei film dell’orrore sono umane, è anche naturale che non tutte siano “vive”. Nel classico del genere horror/thriller Psycho, Alfred Hitchcock ha creato una delle rivelazioni più terrificanti della storia del cinema dell’orrore quando, verso il finale del film, si scopre che la madre di Norman Bates è morta da diverso tempo.

Norman è ossessionato da sua madre e dalla sua figura, con la donna che lo “abita” quando l’uomo si eccita sessualmente. L’influenza edipica che Norma ha avuto su suo figlio ha generato non solo un mostro assassino e sessualmente traumatizzato, ma anche una delle madri più terrificanti di tutta la storia dell’horror.

Annie (Hereditary – Le radici del male)

Il regista Ari Aster è diventato un nome di punta dell’horror moderno grazie al suo lungometraggio d’esordio nel 2018, Hereditary – Le radici del male. Toni Collette interpreta Annie, una madre che vede la sua famiglia autodistruggersi a causa di alcuni malvagi e tragici fantasmi manovrati da una forza invisibile. Annie è un personaggio interessante, poiché è una madre che sembra prendersi cura della sua famiglia ma, a mano a mano che vengono rivelati i segreti della storia, diventa più ambigua nelle sue azioni.

Di scena in scena il pubblico si chiede se Annie sia una salvatrice o semplicemente una cattiva. La performance di Collette è stata elogiata dalla critica, con molti che hanno addirittura chiesto una nomination all’Oscar non solo per l’attrice ma anche per il film stesso. Il fatto che gli spettatori non possano fidarsi di Annie rende il suo personaggio una parte essenziale del terrore al limite che circonda il film.

Margaret White (Carrie – Lo sguardo di Satana)

Piper Laurie ha acquisito un posto d’onore nella storia dei film horror grazie al suo ritratto della madre di Carrie White, Magaret, nell’adattamento di Brian De Palma del romanzo Carrie di Stephen King. La mamma di Carrie è una fanatica religiosa contraria a qualsiasi forma di sessualità che terrorizza sua figlia adolescente, interpretata da Sissy Spacek. Margaret crede che i poteri di Carrie siano empi e cerca di purificare l’anima di sua figlia attraverso un’estrema tortura mentale.

Laurie ha affrontato il ruolo con grande abilità ed è diventata il simbolo terrificante di una madre folle era decisamente pazza. Margaret e Carrie sono figure tragiche e danno tristezza al racconto dell’orrore di King e De Palma. Sia Laurie che Spacek sono state nominate all’Oscar per le loro interpretazioni.

Wendy Torrance (Shining)

Un’altra grande madre dell’universo di Stephen King. Wendy Torrance è, forse, la più terrorizzata di tutte le madri dei film horror. Il suo tormento è inesorabile per tutto il film. Nell’adattamento di Stanley Kubrick di Shining di Stephen King, Wendy è terrorizzata dai fantasmi dell’Overlook Hotel e alla fine dal suo stesso marito, che cerca di ucciderla insieme al loro giovane figlio Danny dopo essere stato manipolato dal mondo degli spiriti dell’hotel. Wendy piange, urla, sembra impotente, ma alla fine trova il coraggio di combattere e sopravvivere per salvare suo figlio.

Il romanzo di Shining è uno dei più popolari di King e l’autore ha spesso elogiato la performance di Shelley Duvall. Anche i critici e i fan dell’horror considerano la performance dell’attrice una delle più belle del cinema horror eppure, per qualche strana ragione, è stata nominata (insieme allo stesso Kubrick) per i Razzie Awards.

Diane Freeling (Poltergeist)

Poltergeist di Tobe Hooper e Steven Spielberg è uno dei film horror più popolari di tutti i tempi e una delle storie di fantasmi più venerate al cinema. La famiglia Freeling è infestata da diversi fantasmi che finiscono per rubare la loro figlia e portarla negli inferi. I Freelings assumono un sensitivo e un team di ricercatori sul paranormale per trovare la loro figlia, ma è la madre, Diane, che è implacabile nel suo tentativo di volerla salvare in prima persona.

Combattendo fantasmi, mostri demoniaci e cadaveri nella sua piscina, Diane è la madre dell’orrore per eccellenza, mentre combatte tantissimi e diversissimi elementi spettrali fino a quando finalmente entra lei stessa nell’altra dimensione per salvare sua figlia. Il film è stato un enorme successo e la performance di Jobeth Williams ed è stata elogiata dalla critica. Willams ha vinto un premio Saturn per la sua interpretazione.

Gli anni Ottanta per Martin Scorsese sono stati caratterizzati da soli cinque film ma tra cui si possono notare le sue pellicole più celebri. Questo è anche il decennio dove il regista consolida il suo sodalizio con Robert De Niro, iniziato nel 1973 con Mean Streets – Domenica in chiesa, lunedì all’inferno, e con cui poi è tornato a lavorare anche per il film in uscita ora Killers of the Flower Moon.

Da sempre infatti il punto di forza di Scorsese è la sua costante scuderia di attori che cresce nel corso dei decenni. Gli anni Settanta e Ottanta hanno visto Harvey Keitel e De Niro apparire in almeno due film ogni decennio, gli anni Novanta di nuovo De Niro e Joe Pesci. Poi nei Duemila è stata la volta di Leonardo DiCaprio che ha aperto le sue numerose collaborazioni nel 2002 con il ruolo di Amsterdam Vallon in Gangs of New York. Sebbene sia difficile individuare quali siano esattamente le migliori interpretazioni cinematografiche nei film di Martin Scorsese in generale, dare un’occhiata al suo catalogo degli anni Ottanta potrebbe aiutare a restringere il campo.

Ecco le 10 migliori interpretazioni nei film anni Ottanta di Scorsese

David Bowie in L’ultima tentazione di Cristo

L’ultima tentazione di Cristo è l’epopea storica di Scorsese del 1988 e uno dei film più spesso trascurato nella lunga carriera del regista. Il film è incentrato su Gesù e i suoi dodici discepoli, dove il Figlio di Nazaret trascorre i suoi ultimi giorni sulla Terra compiendo miracoli e diffondendo l’illuminazione in tutta Gerusalemme. Nonostante il film abbia ricevuto molte recensioni negative da parte dei gruppi religiosi, L’ultima tentazione di Cristo non è solo uno dei film più sottovalutati, ma è anche uno dei più sperimentali.

Nel cast di questa pellicola biblica troviamo anche l’icona della musica David Bowie, leggenda del rock nei panni di Ponzio Pilato. Mentre la maggior parte delle altre interpretazioni di questo personaggio lo dipingono come un governatore freddo e calcolatore, Bowie offre invece un’innegabile empatia che gli aggiunge ulteriori strati e ti fa, quasi, dimenticare che in realtà il prefetto della Giudea era un sovrano crudele.

Rosanna Arquette in Fuori orario

Fuori orario originariamente doveva essere diretto da Tim Burton, ma Scorsese lesse la sceneggiatura mentre stava avendo problemi finanziari e anche di tipo religioso-politici per il tentativo di realizzare L’ultima tentazione di Cristo. Burton rinunciò senza problemi alla regia del film quando il regista espresse il desiderio di dirigerlo personalmente. Il film è incentrato sul personaggio di Paul Hackettun, programmatore di computer interpretato da Griffin Dunne, e lo segue mentre vive una serie di eventi bizzarri principalmente in una sola notte. Spesso paragonato alla storia di una tragedia greca, Fuori orario esplora la relazione tra gli uomini e la loro volontà di sopportare qualsiasi cosa se sono coinvolti altri interessi. Scorsese fa un cameo interpretando il gestore di luci al Berlin Cafè. Nel bar in cui Paul Hackett incontra Marcy, al tavolo di fianco a quello del protagonista si possono notare Catherine e Charles Scorsese, genitori del regista, che chiacchierano.

Rosanna Arquette interpreta Marcy, una delle donne che Patrick incontra e frequenta brevemente nel corso del film. Sebbene la sua presenza nel film sia fatta di poche scene, Arquette lascia una forte impressione sugli spettatori grazie alla sua esilarante rivisitazione di uno strano incontro sessuale che coinvolge Il Mago di Oz e alla sua risata contagiosa.

Griffin Dunne in Fuori orario

Fuori orario del 1985 è uno dei film più sottovalutati di Scorsese ed è probabilmente in gran parte dovuto a quanto sia diverso dalla maggior parte del suo lavoro. Tuttavia, ha sviluppato un seguito di culto nel corso degli anni, e gran parte di questo ritrovato apprezzamento deriva dalla performance di Griffin Dunne.

L’attore in questo film interpreta il protagonista Paul Hackett, un uomo insoddisfatto della sua carriera, della sua vita amorosa e in cerca d’amore o di sesso. Dall’inizio alla fine, il pubblico fa il tifo per lui e prova anche compassione per Paul mentre invece lo stress degli eventi alla fine lo logora psicologicamente.

Willem Dafoe in L’ultima tentazione di Cristo

Continuando con il tema dei film meno conosciuti di Scorsese, L’ultima tentazione di Cristo è stato l’ultimo lungometraggio del regista negli anni Ottanta, e sembra appropriato che abbia concluso quel decennio con un progetto di proporzioni letteralmente bibliche. Questa pellicola racconta la storia dei tentativi falliti di Satana di tentare Gesù Cristo al peccato e della sua conseguente crocifissione come risultato del non aver mai ceduto ai capricci del Diavolo. Per quanto controverso fosse il film, ha incassato oltre 30 milioni di dollari con un budget di soli 7 milioni di dollari, rendendolo così uno dei titoli di Scorsese di maggior successo commerciale.

L’attore caratterista Willem Dafoe ha accettato l’arduo compito di rappresentare Gesù dopo che una serie di attori più famosi lo hanno rifiutato, consolidandolo così come uno degli attori più audaci del settore. Sebbene possa sembrare impossibile descrivere le qualità più umane di Gesù, senza correre il rischio di generare reazioni divisive, Dafoe ha trattato il materiale con grazia e rispetto. I numerosi monologhi e le riprese estese combinate con le condizioni di ripresa stressanti sarebbero sufficienti per far smettere la maggior parte dei professionisti, ma Dafoe, ha resistito e ha fornito una performance potente.

Tom Cruise in Il colore dei soldi

Il colore dei soldi è un altro film relativamente sconosciuto per i fan occasionali del lavoro di Scorsese in quanto è un dramma sportivo, il secondo all’epoca, ed è notevolmente privo della violenza e dell’estrema volgarità spesso viste nei suoi lavori. Il film segue Eddie “Fast Eddie” Felson, l’attore Paul Newman, un giocatore di biliardo professionista in pensione diventato venditore di liquori, e il suo protetto Vincent Lauria, un giovane Tom Cruise.

Considerando il fatto che Tom Cruise è uno degli attori più pagati di Hollywood, è un po’ difficile immaginare un momento in cui non ha ricevuto i maggiori guadagni. Tuttavia, Cruise è uno di quei rari attori che offre sempre una performance forte, indipendentemente dal genere o dal regista con cui lavora. Mentre Cruise porta con sé il suo solito carisma e fascino per cui è diventato famoso, e il talento dell’attore nell’interpretare in modo convincente un truffatore di biliardo che rende questa una delle migliori interpretazioni nei film di Scorsese degli anni Ottanta.

Jerry Lewis in Re per una notte

Anche se la maggior parte delle persone paragonerebbe probabilmente Joker di Todd Phillips al classico Taxi Driver di Scorsese degli anni Settanta, alcuni invece affermano che ci sono piu parallelismi tra Joker e Re per una notte, poiché sono molto più simili nei temi e nei personaggi. La leggenda Jerry Lewis recita accanto a De Niro nel ruolo di Jerry Langford, il conduttore di un talk show di successo. Nonostante sia più noto ai fan per il suo lavoro comico, Lewis qui offre un’ottima interpretazione nei panni dell’austero Langford.

Il lavoro di Lewis nei panni di Langford non è solo una delle migliori interpretazioni del catalogo di Scorsese degli anni Ottanta, ma è anche un punto di riferimento nel lavoro del defunto comico. La sua presenza stoica e il suo comportamento calmo contrastano perfettamente con il maniacale e imprevedibile Rupert Pupkin di De Niro. Nonostante la serietà del suo ruolo, Lewis mantiene sempre il suo lato comico, e il risultato rende la sua  recitazione davvero unica.

Paul Newman in Il colore dei soldi

La carriera del defunto Paul Newman è stata tra le più invidiabili di Hollywood durante il suo periodo di massimo splendore. Bello, carismatico e un uomo davvero simpatico fuori dallo schermo, Newman è stato uno degli uomini di punta di Hollywood negli anni Sessanta e Settanta. In quanto tale e noto per i suoi ritratti di persone legalmente buone, ha prontamente accettato il ruolo dell’antagonista imbroglione di biliardo Eddie “Fast Eddie” Felson in Il colore dei soldi. 

Essendo un truffatore di biliardo senza scrupoli, la più grande preoccupazione di Fast Eddie ovviamente sono i soldi. Nonostante la reputazione di Newman, raffigura un uomo determinato a vincere, e l’alchimia tra lui e la stella nascente Tom Cruise è ciò che rende questa una delle migliori interpretazioni nei film di Scorsese degli anni Ottanta.

Cathy Moriarty in Toro scatenato

Il classico film in bianco e nero di Scorsese Toro scatenato probabilmente lo ricorderanno per il ruolo di Joe Pesci nei panni di Joey LaMotta e per la performance vincitrice dell’Oscar di De Niro nei panni di Jake LaMotta. Tuttavia, la performance di Cathy Moriarty nei panni della moglie di Jake, Vicky, non viene discussa neanche lontanamente come dovrebbe essere. Anche se esprime le sue battute con l’autorità di un veterano del settore, Moriarty ha fatto il suo debutto cinematografico nel dramma sportivo dei primi anni Ottanta.

Giocando un po’ contro la rappresentazione archetipica di una moglie affettuosa, Vicky è altrettanto dura, se non di più, del suo campione mondiale dei pesi medi, il marito-boxer Jake. Nel corso del film, il pubblico vede Vicky sopportare molto dolore derivante dal suo tempestoso matrimonio con Jake, ma la vede anche affermarsi come qualcuno meritevole di amore e rispetto.

Robert De Niro in Re per una notte

Re per una notte è stato il seguito immediato di Scorsese al suo dramma sportivo vincitore dell’Oscar Toro scatenato e ha riunito il regista con l’amato De Niro. De Niro interpreta Rupert Pupkin, un comico alle prime armi con problemi di salute mentale che lo portano ad agire in modo irregolare praticamente con chiunque incontri. Nonostante le manie di grandezza di Pupkin, c’è un certo fascino in lui che costringe il pubblico a tifare per il suo successo all’inizio del film.

Scorsese ha dichiarato di aver rivendicato questa performance come la sua preferita del suo amico Robert De Niro.

Robert De Niro in Toro scatenato

Il dramma sportivo biografico di Scorsese del 1980 è senza dubbio uno dei più grandi film mai realizzati, nonostante il suo scarso ritorno al botteghino mondiale. Distinto in quanto è girato su pellicola in bianco e nero, questa pelicola racconta l’ascesa del defunto Jake Lamotta fino a diventare il campione mondiale di boxe. Per quanto brutale possa essere, Toro scatenato fa un ottimo lavoro mostrando le conseguenze che derivano da uomini che non riescono a gestire il loro comportamento autodistruttivo e il film lo deve in gran parte alla performance di De Niro.

Oltre ad aumentare e perdere enormi quantità di peso per riflettere accuratamente LaMotta nel suo periodo migliore di boxe e quando si ritirò. Le scene emotivamente avvincenti di De Niro con Cathy Moriarty e Joe Pesci sono tra le più strazianti di un film e si aggiudica il primo posto come migliore interpretazione nei film degli anni Ottanta di Martin Scorsese. 

Il grande attore Robert Redford è scomparso all’età di 89 anni, lasciando dietro di sé un’eredità di interpretazioni straordinarie e influenti. Acclamato attore, regista, produttore e fondatore del Sundance Film Festival, Redford ha attraversato con la sua carriera tutta la storia della Hollywood moderna, contribuendo in modo significativo all’arte cinematografica.

Sebbene il lavoro di Robert Redford come regista includa film acclamati come Gente comune, vincitore dell’Oscar come miglior film, è il suo lavoro come attore per cui è più conosciuto. Con la sua personalità affabile e carismatica, Redford è stato uno degli attori più amati del XX secolo e le sue interpretazioni in commedie, drammi, thriller e western parlano da sole.

Bill McKay in Il Candidato (1972)

Robert Redford ha puntato l’attenzione sull’assurdità delle campagne politiche americane nella satira politica intelligente e divertente Il candidato. Con una sceneggiatura vincitrice di un Oscar scritta dal ghostwriter Jeremy Larner, il film ha acquisito un ulteriore livello di autenticità, considerando che Larner ha scritto per il senatore Eugene J. McCarthy durante la sua candidatura presidenziale democratica del 1968.

Con il suo intenso carisma e il suo fascino da protagonista, il bell’aspetto di Redford ricordava quello di autentici candidati alla presidenza come JFK, sottolineando come le campagne presidenziali si estendessero a questioni ben oltre le convinzioni politiche dei candidati. In un panorama politico in cui la personalità è ora più importante che mai, il ruolo di Redford nei panni di Bill McKay è diventato ancora più rilevante nei decenni successivi.

Paul Bratter in A piedi nudi nel parco (1967)

Il successo di Robert Redford come protagonista arrivò quando interpretò Paul Bratter in A piedi nudi nel parco al fianco della sua frequente co-protagonista Jane Fonda. In questa commedia romantica che esplora i problemi di coppia di una coppia di neo-sposi, le cose prendono una brutta piega quando affittano un appartamento fatiscente a New York e si trovano faccia a faccia con i loro eccentrici vicini.

Sebbene sia sempre un piacere vedere Redford e Fonda condividere lo schermo, Redford ha dimostrato di essere più di un semplice bel viso e di eccellere davvero nelle commedie con A piedi nudi nel parco. Essendo il film che ha aperto le porte al brillante futuro di Redford come star di Hollywood, questa è stata una produzione essenziale nella sua impressionante carriera.

Roy Hobbs in Il migliore (1984)

Con il suo fascino tipicamente americano e la sua maturità rude, Robert Redford era la scelta perfetta per interpretare Roy Hobbs nel dramma sportivo Il migliore. Adattamento avvincente del romanzo di Bernard Malamud del 1952, il film ripercorre la carriera di Hobbs, una stella del baseball dal talento innato, attraverso i decenni.

Redford ha saputo catturare la speranza, la disperazione e la redenzione della carriera di Hobbs nel baseball e il modo quasi mitico in cui questa vecchia star dello sport emerge dal nulla con un talento praticamente soprannaturale. Sebbene la performance di Redford fosse il cuore pulsante di Il migliore, essa è stata esaltata dalle grandi interpretazioni di coprotagonisti come Robert Duvall e Glenn Close.

Alexander Pierce in Captain America: The Winter Soldier (2014)

Sebbene la carriera di Robert Redford abbia subito un rallentamento negli anni 2010 prima del suo ritiro definitivo nel 2018, l’attore è rimasto in prima linea nella cultura popolare mainstream quando è entrato a far parte del MCU in Captain America: The Winter Soldier. Redford ha interpretato Alexander Pierce, capo dello S.H.I.E.L.D. e leader della cellula Hydra che gestisce il Triskelion.

Sebbene la personalità di Redford si prestasse bene a ruoli eroici e idealistici, la rivelazione a sorpresa della malvagità di Alexander verso la fine del film è stata un piacevole cambio di ritmo. L’apparizione di Redford in The Winter Soldier ha colmato il divario tra la Hollywood classica e i blockbuster moderni, introducendo una nuova generazione di spettatori al suo carisma da star.

Anonimo Marinaio in All Is Lost – Tutto è perduto (2013)

È una testimonianza del talento intramontabile di Robert Redford il fatto che, alla fine dei suoi 70 anni, abbia offerto una delle sue migliori interpretazioni come unico membro del cast in un film con solo 51 parole in inglese. Si tratta del dramma di sopravvivenza All Is Lost, in cui Redford interpreta un uomo che lotta per sopravvivere mentre è disperso in mare.

Si trattava di una performance fisicamente impegnativa che sarebbe stata difficile per un attore di qualsiasi età, eppure Redford ha offerto una performance magistrale che ha affascinato il pubblico dall’inizio alla fine. All Is Lost rappresenta il trionfo della carriera tardiva di Redford, che avrebbe meritato una nomination all’Oscar.

Joseph Turner in Three Days Of The Condor (1975)

Three Days of the Condor ha catturato perfettamente la paranoia di una società post-Watergate, con Robert Redford nei panni dell’analista della CIA Joseph Turner, coinvolto in una cospirazione di omicidio. Turner, un agente studioso che analizza la letteratura a fini di intelligence, viene catapultato ben oltre la sua zona di comfort quando trova i suoi colleghi morti e si rende conto che potrebbe essere il prossimo.

Thriller teso e assolutamente credibile considerando l’atmosfera di sfiducia che regnava in quel periodo, I tre giorni del condor ha permesso a Redford di mostrare la sua capacità di bilanciare vulnerabilità e intraprendenza. Con Turner nei panni di un eroe comune costretto a sopravvivere, questo classico di Sydney Pollack è stato davvero uno dei suoi migliori film.

Jeremiah Johnson In Corvo rosso non avrai il mio scalpo! (Jeremiah Johnson)

Robert Redford ha offerto una performance eccezionale nei panni del leggendario uomo di montagna Jeremiah Johnson in questo classico di Sydney Pollack. Questo ruolo ha rappresentato una svolta trasformativa per Redford, che ha abbandonato la sua solita immagine pulita e rasata per interpretare un uomo duro e autosufficiente che si guadagna da vivere come cacciatore nelle Montagne Rocciose, ed è stato solo uno dei tanti esempi in cui l’attore ha messo alla prova le sue capacità drammatiche.

Mentre gli spettatori più giovani potrebbero riconoscere il popolare meme di Jeremiah che annuisce con la testa, il fascino di questo film andava ben oltre la sua rinascita online. Con Jeremiah Johnson, Redford ha offerto una performance che ha catturato la gravitas e il terrore del West americano come pochi film prima di esso, e che rappresenta un punto culminante della sua carriera.

Johnny Hooker in La stangata (1973)

La stangata fu un grande successo sia di pubblico che di critica e vinse ben sette premi Oscar, tra cui quello per il miglior film e quello per il miglior regista. Con Robert Redford nei panni dell’affascinante e astuto truffatore Johnny Hooker, questo film fu la perfetta dimostrazione del forte carisma dell’attore e della sua capacità di bilanciare l’arguzia con grandi interessi drammatici.

La storia di due truffatori che cercano di mettere a segno la truffa definitiva, l’atmosfera vintage de La stangata, abbinata alla musica ragtime di Scott Joplin, ha conferito a questo classico del cinema un’aura senza tempo. Tutto in La stangata ha funzionato alla perfezione, e vedere Redford condividere nuovamente lo schermo con il suo co-protagonista in Butch Cassidy, Paul Newman, è stata la ciliegina sulla torta.

Bob Woodward in Tutti gli uomini del presidente (1976)

Molti dei ruoli più importanti di Robert Redford negli anni ’70 si sono concentrati sugli effetti culturali dello scandalo Watergate, ma è stato Tutti gli uomini del presidente a raccontare davvero la storia di questo scandalo che ha cambiato il mondo. Con Redford nei panni del giornalista investigativo Bob Woodward e Dustin Hoffman in quelli del suo collega Carl Bernstein, questo thriller politico ha esplorato come un buon giornalismo abbia portato alla caduta del presidente Nixon.

Tutti gli uomini del presidente rimane un ritratto storico del giornalismo investigativo, con Redford e Hoffman che catturano la concentrazione e la perseveranza necessarie per scoprire la verità. Anche se le circostanze della vita reale possono sembrare più lievi se paragonate al clima odierno di sorveglianza e disinformazione, la storia del film sottolinea l’importanza duratura di combattere la corruzione e respingere le fake news.

Il Sundance Kid in Butch Cassidy (1969)

C’era solo una risposta possibile quando si trattava della migliore interpretazione di Robert Redford, poiché il suo ruolo in Butch Cassidy e il Sundance Kid ha segnato una svolta per l’intera industria cinematografica. Come inizio del movimento New Hollywood, è possibile tracciare una linea di demarcazione tra questa interpretazione e il cinema moderno.

Con Robert Redford nei panni di Sundance Kid e Paul Newman in quelli di Butch Cassidy, questo western storico vantava tecniche innovative, tra cui fermi immagine, montaggi e musica contemporanea. Butch Cassidy e Sundance Kid ha contribuito a inaugurare un’era cinematografica moderna, con la performance di Robert Redford che ha influenzato registi come Martin Scorsese e Steven Spielberg, aprendo la strada a stili di recitazione più naturalistici.

Da grandi poteri derivano grandi responsabilità. È forse la frase più usata, comune e famosa tratta di una cinecomics (ma anche da un film in generale), ma quali sono le citazioni e le frasi motivazionali che ispirano eroismo e che sonos tate pronunciate in un cinecomics?

Ecco le migliori 10 secondo MoviePilot:

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Cosa sarebbero i film Disney senza le loro canzoni? C’è poco da fare: le colonne sonore sono una parte essenziale dei grandi classici dell’animazione. I motivetti orecchiabili, i testi divertenti, i balletti dei personaggi sono gli elementi che i fan di ogni età cercano nei capolavori Disney.

Che si tratti del brano pop di un film più recente o della canzoncina di un vecchio classico, ci sono alcune sinfonie che sono diventate parte della cultura pop. Vediamo quali sono, secondo gli utenti di Ranker, le migliori canzoni Disney di tutti i tempi.

“Let It Go” (”All’alba sorgerò”) – Frozen (2013)

”Let it Go” è il brano principale di Frozen. Il successo di questa canzone Disney ha pochi eguali: il brano ha scalato le classifiche musicali degli anni 2013-2014 e si è aggiudicato un Premio Oscar. La versione italiana s’intitola ”All’alba sorgerò”.

Nel film, la canzone arriva in un momento difficile per il personaggio di Elsa. Quando vede che i suoi poteri crescono fuori controllo, la principessa fugge dal regno per andare a vivere isolata tra le montagne. Il brano inizia come un triste lamento, ma diventa gradualmente più trionfante: mentre canta, Elsa abbandona la paura e le aspettative che pesano su di lei. Finalmente, accetta la sua forza e la usa per costruire un incantevole castello di ghiaccio.

“You’re Welcome” (”Tranquilla”) – Oceania (2016)

Come per la canzone di Frozen, anche questo brano presente in Oceania è potente perché rivela l’essenza di un personaggio. Il semidio Maui, doppiato in lingua originale da Dwayne Johnson e in italiano da Fabrizio Vidale, canta “You’re Welcome” (”Tranquilla”).

Il personaggio di Maui è estremamente divertente e questa canzone è l’introduzione perfetta per lui. Cantando, la divinità elenca arrogantemente i suoi successi e le ragioni per cui è così perfetto. Inoltre, distraendo gli altri personaggi con la musica, Maui crea una distrazione e riesce a rubare una barca.

”Colors Of The Wind” (”I colori Del Vento”) – Pocahontas (1995)

Spesso le canzoni Disney introducono un cambio di prospettiva per i personaggi dentro al film. Questo è il caso di ”Colors Of The Wind” (”I colori Del Vento”) in Pocahontas.

La canzone, intonata da Pocahontas, accompagna l’arrivo di John Smith nel nuovo mondo e dà al personaggio una visione diversa sulla vita della natura che lo circonda. Con una bella e orecchiabile melodia, viene comunicato un concetto complesso: l’idea secondo cui la bellezza sia in tutte le cose che possiedono un’essenza spirituale.

”Il cerchio della vita” – Il re Leone (1994)

‘‘Il cerchio della vita” non è solo una delle canzoni più iconiche della Disney, ma è un anche un inno alla vita perché parla della logica che governa il mondo. Il brano apre il film Il re Leone e accompagna le immagini mozzafiato che mostrano gli animali mentre si radunano per accogliere Simba, il nuovo principe della savana.

”Il cerchio della vita” è uno dei pochi brani Disney a non essere cantato da uno dei personaggi, ma ciò rende il messaggio della canzone ancora più potente. Parole, immagini e melodia  fanno sì che la scena iniziale de Il re Leone sia un capolavoro cinematografico.

“Prince Ali” (“Il Principe Alì”) – Aladdin (1992)

Se nella versione originale di Aladdin la voce del Genio è quella del mitico Robin Williams, in italiano il personaggio è doppiato dall’attore Gigi Proietti. Inoltre, Williams è anche il narratore e la voce che canta i brani del film.

Nella versione per l’Italia, a cantare è il paroliere e musicista Ernesto Brancucci (Ermavilo). Ermavilo è stato un grande doppiatore Disney, ha lavorato nei maggiori film d’animazione e dato voce a grandi personaggi. In Aladdin intona la celebre canzone ”Il principe Alì”, brano con cui il Genio introduce alla regalità Agrabah (che in realtà è Aladdin sotto mentite spoglie).

“How Far I’ll Go” (”Oltre l’orizzonte”) – Oceania (2016)

Nei film Disney c’è una lunga tradizione di canzoni in cui i personaggi esprimono quell’ardente desiderio di raggiungere un obiettivo. Il brano di Oceania “How Far I’ll Go“/”Oltre l’orizzonte” rappresenta un perfetto esempio.

Vaiana, il personaggio principale si trova di fronte ad un bivio: da un lato prova un forte amore per la sua isola natale, dall’altro è mossa dal desiderio di uscire in mare aperto ed esplorare il mondo. Qui la canzone serve come punto di partenza e dà il via alla vera avventura.

“Be Our Guest” (”Stia con noi”) – La bella e la bestia (1991)

Ci sono canzoni Disney che piacciono per la profondità e altre che sono semplicemente divertenti da ascoltare, soprattutto se parlano di magia. “Stia con noi” di La bella e la bestia è proprio il tipo di canzone che mescola umorismo e meraviglia. L’idea della Disney di inserire nel film oggetti domestici che cantano e servono la cena è davvero bizzarra, ma è facile farsi coinvolgere dal ritmo della melodia.

Quando Bella viene intrappolata nel castello magico, il candeliere Lumiere non può fare a meno di intrattenerla con uno spettacolino. D’altronde, la fanciulla è il primo ospite dopo tanti anni…

“Part Of Your World” – La Sirenetta (1989)

Il brano “Part Of Your World“/”La Sirenetta” è una delle più belle canzoni Disney: combina la brama per qualcosa e il dolore nel pensare che non accadrà mai. La canzone viene cantata dalla protagonista Ariel ed esprime il suo desiderio di fuggire dal suo mondo subacqueo per esplorare il mondo terrestre. Può sembrare un tema lontano, ma il brano Disney fa riferimento ad una condizione comune a molte persone, anche sulla terraferma nella vita reale.

“Il mondo è mio” – Aladdin (1992)

Un capitolo a parte è quello delle canzoni d’amore della Disney. Tra le più dolci ed emozionanti c’è sicuramente ”Il mondo è mio” di Aladdin. Il brano enfatizza la storia d’amore tra Jasmine e Aladdin. Mentre cantano, i due personaggi scoprano insieme i nuovi mondi a cui non sono mai stati esposti prima.

“In fondo al mar” – La Sirenetta (1989)

Per entrare nella storia, le canzoni Disney non devono essere solamente toccanti e riflessive, ma devono soprattutto essere orecchiabili. Esemplare in ciò è ”In fondo al mar” de La Sirenetta. Il brano serve al granchio Sebastian per convincere Ariel che l’oceano sia molto più divertente rispetto alla superficie terrestre.

Il ritmo vivace finisce per coinvolgere tutte le creature dell’oceano, che si uniscono in un simpatico show musicale. Una canzone del genere non può che mettere allegria e restare in testa per giorni.

Ecco una top 10 che racchiude dieci inquadrature finali di grandi film che hanno fatto la storia del cinema. Probabilmente non saranno le più iconiche in assoluto, ma rappresentano senza dubbio un genere, una tipologia, un criterio che ha segnato il cinema in diversi modi.

Ecco le 10 inquadrature finali più iconiche della storia del cinema:

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Per il video esplicativo che giustifica le scelte, eccolo di seguito: