Il film Chinatown ha spiegato che a volte il mondo reale ha finali incredibilmente cupi che hanno ancora il potere di scioccare. Diretto da Roman Polanski e scritto da Robert Towne, Chinatown offre una visione unica dei romanzi gialli degli anni ’40, dando loro una svolta molto più cupa di quanto i film di quell’epoca consentissero tipicamente. Chinatown è stato riconosciuto per la sua grandezza e ha ricevuto una serie di riconoscimenti, tra cui 11 nomination agli Oscar, una per il miglior film, ed è stato inserito nella lista dei 100 migliori film dell’AFI sia nel 1998 che nel 2007.

Ambientato nel 1937, Chinatown segue le vicende del detective privato Jake Gittes (Jack Nicholson) mentre indaga su una serie di morti legate a traffici di acqua e terreni nella regione della valle di Los Angeles, allora non ancora incorporata. Chinatown è stato ispirato da una storia vera, anche se la trama principale e il finale cupo sono stati inventati per esigenze cinematografiche. Il film riesce egregiamente a concludere la trama con un finale tragico, ma non usa mezzi termini (e lascia alcune note ambigue). Chinatown è una tragedia nel profondo, e questo è uno dei motivi per cui ha avuto un enorme successo.

Cosa succede nel finale di Chinatown?

Risolvere il caso non porta pace a Jake Gittes

Il finale di Chinatown vede Jake Gittes ricostruire la rete di cospirazioni tessuta da Noah Cross (John Huston). Jake scopre che è stato Cross ad uccidere Hollis Mulwray (Darrell Zwerling) e che è anche responsabile della morte di Ida Sessions. Verso uno dei finali più scioccanti del cinema noir di tutti i tempi, Jake cerca di aiutare la moglie di Hollis, Evelyn Mulwray (Faye Dunaway), a fuggire in Messico con la figlia Kathrine (Belinda Palmer). Tuttavia, il suo piano viene sventato quando viene catturato da Cross, che gli rivela il suo piano e lo costringe a incontrare Evelyn a Chinatown.

Una volta nel quartiere di Chinatown a Los Angeles, Jake viene immediatamente arrestato dalla polizia locale, che è ovviamente in combutta con Cross, e il magnate immobiliare cerca di prendere il controllo di Katherine ed Evelyn per sistemare le ultime questioni in sospeso. In un impeto di disperazione, Evelyn spara a Cross al braccio e cerca di scappare con sua figlia, solo per essere immediatamente uccisa dagli agenti di polizia presenti sulla scena. Cross riesce quindi a scappare, ottenendo la custodia di Katherine dopo aver affermato di essere suo nonno, mentre Jake può solo guardare con orrore.

Cross ha ucciso Mulwray e Ida Sessions per metterli a tacere

Gli omicidi a Chinatown sono avvenuti per facilitare loschi affari aziendali

La morte di Hollis Mulwray è essenzialmente l’incidente scatenante di Chinatown e porta Jake Gittes su un sentiero oscuro che alla fine lo condurrà al finale. I legami di Mulwray con il Dipartimento dell’Acqua e dell’Energia di Los Angeles lo rendevano il perfetto socio in affari per Noah Cross, ma il loro disaccordo si rivela fatale. Con il rifiuto di Mulwray di costruire un’altra diga, Cross lo uccide per toglierlo di mezzo. Il matrimonio di Mulwray con la figlia di Cross, Evelyn, non aveva alcuna importanza per l’avido uomo d’affari, che ha approfittato dell’occasione per ottenere la custodia della figlia minore, Katherine.

In tipico stile noir, Ida Sessions viene assunta da Cross per fingersi Evelyn e screditare Mulwray. Il piano è quello di far passare Mulwray per un traditore, con l’obiettivo finale di far sembrare la sua morte un suicidio. Tuttavia, Ida diventa inutile a Cross quando rivela a Jake il suo piano della casa di riposo, quindi Cross la fa uccidere. Chinatown ha successo grazie alla brillante sceneggiatura e regia, ma il modo in cui Ida è venuta a conoscenza del piano della casa di riposo è un buco nella trama che non viene mai affrontato nel film.

Evelyn era la madre e la sorella di Katherine

Il colpo di scena incestuoso di Chinatown spiegato

Omicidi e intrighi sono comuni nei film noir, ma il colpo di scena più oscuro di Chinatown rappresenta l’atteggiamento cupo dei migliori film degli anni ’70. Katherine è un personaggio che esiste ai margini della storia, e Jake crede addirittura che sia tenuta in ostaggio da Evelyn prima di scoprire la terribile verità. Evelyn cambia la sua versione dei fatti, passando dall’affermare che Katherine è sua sorella al dire che Katherine è in realtà sua figlia.

Cosa significa l’ultima battuta di Chinatown?

Dopo aver assistito all’omicidio a sangue freddo di Evelyn e aver visto Katherine portata via da Cross, a Jake viene detto di “dimenticare… è Chinatown”, al che lui può solo sbattere le palpebre inorridito. Una delle migliori scene finali della storia del cinema, la sua citazione iconica spiega anche il finale del film. In precedenza, Jake dice che quando lavorava per il procuratore distrettuale a Chinatown, gli era stato detto di fare “il meno possibile”, sottintendendo che gli era stato consigliato di chiudere un occhio per evitare guai. Jake si rende conto che la sua visione lassista della corruzione porta alla presa di potere di Cross e alle morti nel film.

Ambientando Chinatown negli anni ’30, la storia è diventata un commento sulle somiglianze politiche tra quel decennio e gli anni ’70, quando è stato distribuito, oltre a rendere omaggio alle grandi storie di investigatori privati del passato. Chinatown è il quartiere in cui vive il maggiordomo di Evelyn, che pensava che l’anonimato del quartiere l’avrebbe protetta, ma in realtà era il luogo perfetto per Cross per mettere in atto il suo violento piano. “È Chinatown” è figurativo e letterale, poiché nessuno presterebbe attenzione alla brutalità della polizia in un quartiere pieno di persone non bianche.

Il vero significato del finale di Chinatown

Il finale di Chinatown non è particolarmente confuso, ma la sua schiettezza è di per sé una dichiarazione artistica. Il film è rappresentativo dell’atmosfera degli anni ’70 ed era simile ai suoi contemporanei nel lasciare al pubblico una visione negativa del mondo. I film noir erano sempre stati cupi e malinconici, ma Chinatown ha portato questi principi a nuovi livelli, pur rimanendo simbolico.

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In linea con la tradizione del movimento della New Wave americana, il finale cupo di Chinatown è un’ampia dichiarazione sulla futilità della lotta contro le istituzioni corrotte e rifletteva il panorama politico degli anni ’70. Nonostante fosse ambientato negli anni ’30, il finale di Chinatown riguardava questioni moderne.

Come è stato accolto il finale del film Chinatown

Chinatown rimane uno dei film più apprezzati di tutti i tempi. Su Rotten Tomatoes, ha ottenuto un punteggio del 98% da parte della critica e del 93% da parte del pubblico. Un recensore del pubblico lo ha visto solo di recente e ritiene che sia ancora attuale, scrivendo: “È una trama contorta, ma in modo ricco, non confuso, piuttosto intricata e intrecciata…

È una storia tragica, a volte può risultare un po’ lenta, ma non c’è dubbio che sia un film che ogni appassionato di cinema dovrebbe vedere.”

Tuttavia, non tutti gli spettatori hanno apprezzato il finale scioccante e il modo in cui il film si conclude dopo la rivelazione. Un utente di Reddit ha espresso la sua opinione sul film, affermando che non è possibile cambiare il sistema e definendolo pericoloso. Ha scritto: “A volte un finale triste è giustificato, ma a volte mi capita di vedere un film il cui messaggio sottinteso sembra essere ”Non puoi migliorare le cose, quindi non preoccuparti di provarci“. Sono quei film che mi danno davvero fastidio.”

Tuttavia, un altro utente di Reddit ha risposto spiegando come il finale di Chinatown fosse il finale perfetto per un film noir: “Personalmente, non interpreto il finale di Chinatown come un invito a non provarci. È più un avvertimento sul fatto che non dovremmo lasciare che la corruzione arrivi al punto in cui è arrivata. Mi sembra che se si vende sempre una “positività tossica”, si dia al pubblico una serie di strumenti inadeguati per combattere la corruzione sistemica. Per combatterla, bisogna prima affrontare il realismo. Inoltre, in molte situazioni è necessario più di un uomo per cambiare le cose.“

Il film del 1974 con Jack Nicholson Chinatown è uno dei grandi neo-noir sbiaditi dal sole, ma vi siete mai chiesti cosa abbia ispirato questo classico degli anni Settanta? Il cupo e brutale Chinatown di Roman Polanski è famoso per il suo finale tetro e senza speranza. Il film è uscito insieme ad altri classici neo-noir come Il lungo addio e Night Moves, ma anche tra questi titoli illustri, l’interpretazione di Jack Nicholson nel ruolo dell’investigatore privato Jake Gittes spicca come un pezzo unico e crudele della storia del cinema poliziesco.

Come molti successi degli anni Settanta, la trama di Chinatown è una storia contorta e, in definitiva, profondamente cinica di tradimenti e inganni tra autorità corrotte, politici squallidi e padroni aziendali senza scrupoli. Nonostante si concentri su un argomento potenzialmente noioso come i diritti sull’acqua, la sceneggiatura impeccabile di Chinatown garantisce che il film sia un mistero sempre coinvolgente e intenso, che ha influenzato tutto, da Blade Runner di Ridley Scott al sottovalutato Inherent Vice di Paul Thomas Anderson. Ma la trama tragica e complessa del film ha un’origine sorprendente nella vita reale.

La trama misteriosa e contorta del film deve molto ai classici noir come Il grande sonno e Il falcone maltese, il che non dovrebbe sorprendere gli appassionati di cinema, dato che il regista di quest’ultimo, John Huston, interpreta Noah Cross, il riprovevole antagonista di Chinatown. La cospirazione del film segue alcuni uomini d’affari senza scrupoli che corrompono i politici per rubare l’approvvigionamento idrico di una piccola città, al fine di fornire alla città di Los Angeles un accesso più economico a maggiori risorse. E a differenza di molti altri film che lo pretendono, la storia di questo film noir acclamato dalla critica è quasi interamente vera. La trama nella vita reale era una storia di intrighi e inganni degna del film che ha ispirato, anche se fortunatamente nella realtà delle “guerre dell’acqua” unilaterali della California c’è meno incesto.

Semmai, Chinatown ha minimizzato la portata della corruzione coinvolta nelle guerre dell’acqua, con la cospirazione nella vita reale che coinvolgeva tutti, dai filantropi locali fino al presidente stesso. L’indimenticabile e malvagio ideatore della cospirazione del film, Noah Cross, è basato su una combinazione (per evitare possibili contenziosi) di personaggi reali come Frederick Eaton e l’ingegnere civile William Mullholland.

Sì, proprio quel Mulholland. Il personaggio di Los Angeles così famoso che l’iconica Mulholland Drive è stata chiamata in suo onore (per non parlare del misterioso e sconvolgente film di David Lynch Mulholland Drive). Eaton e Mulholland hanno ideato un piano per costruire un acquedotto che deviasse l’approvvigionamento idrico della vicina Owens Valley verso Los Angeles.

Quindi sicuramente la valle era una distesa di terra disabitata e inutilizzata, giusto? In realtà, la Owens Valley era piena di agricoltori locali furiosi che avevano bisogno di quell’acqua per i loro raccolti (oltre che, beh, per la sopravvivenza di base). Ma Eaton e Mulholland misero in atto numerose manovre non proprio legali per assicurarsi i diritti sull’acqua, tra cui esagerare la carenza idrica di Los Angeles per ottenere il sostegno dell’opinione pubblica, acquistare i terreni necessari per l’acquedotto come privati cittadini e rivenderli alla città con un profitto, e persino incontrare di persona l’allora presidente Theodore Roosevelt per assicurarsi il suo sostegno alla loro impresa (nel migliore dei casi immorale, probabilmente illegale). Quindi forse non sorprende che film noir successivi come Blade Runner abbiano immaginato la Los Angeles del 2019 come una landa desolata e piovosa, dopo tutti i danni che i funzionari della città hanno causato all’ecosistema della zona per il proprio profitto personale.

L’ultimo dei Templari (Season of the Witch, 2011), diretto da Dominic Sena e interpretato da Nicolas Cage, è ambientato in un’Europa medievale devastata dalla peste e attraversata dal fanatismo religioso. Il film, però, non racconta una vicenda realmente accaduta, ma utilizza la Storia come cornice simbolica per un racconto di fantasia. La missione dei cavalieri Teutonici Behmen e Felson, incaricati di scortare una giovane accusata di stregoneria, non deriva da un evento documentato, bensì da un intreccio originale che combina suggestioni storiche, leggenda popolare e immaginario gotico.

Le discrepanze tra storia e finzione

Pur richiamando periodi e luoghi reali, il film introduce una serie di anacronismi e licenze narrative che lo allontanano dal terreno storico. Le Crociate, ad esempio, si erano concluse secoli prima del contesto in cui la trama sembra collocarsi, e la grande ondata di processi per stregoneria sarebbe esplosa solo nel XV e XVI secolo, non durante la peste nera. Anche la figura dei Templari è usata liberamente: l’ordine era già stato sciolto dal papato nel 1312, ma nel film viene evocato come simbolo della fede armata, incarnazione di un ideale religioso ormai in crisi. Tutto ciò conferma che L’ultimo dei Templari non intende ricostruire fedelmente un’epoca, ma evocare un Medioevo mitico e allegorico, dove la superstizione diventa il motore della narrazione.

Perché inserisce elementi reali?

L’inclusione di riferimenti storici – come la peste, le crociate o la Chiesa corrotta – serve a dare al film un tono di realismo morale, più che documentario. Dominic Sena costruisce un mondo dove la fede cieca e la paura dell’ignoto convivono, e i cavalieri protagonisti si muovono in bilico tra redenzione e colpa. L’ambientazione storica diventa così una metafora del conflitto interiore dei personaggi, costretti a confrontarsi con un male che non è solo demoniaco, ma profondamente umano. In questo senso, la realtà storica viene reinterpretata come scenografia del peccato e della paura, una proiezione delle ansie collettive dell’epoca – e, per estensione, delle nostre.

Come abbiamo analizzato nella spiegazione del finale de L’ultimo dei Templari, il cuore del film non risiede nei fatti storici, ma nel significato simbolico della lotta tra fede e male. La battaglia contro il demone, lungi dall’essere una semplice sequenza d’azione, diventa la rappresentazione della crisi spirituale di un mondo che ha perso il contatto con i propri valori originari. In questa chiave, il film usa il contesto storico non come testimonianza del passato, ma come campo di battaglia interiore, dove i protagonisti cercano una redenzione personale in mezzo alla distruzione.

La conclusione: finzione, ma con un’anima storica

In definitiva, L’ultimo dei Templari non è basato su una storia vera, ma attinge con libertà e consapevolezza a fatti e miti medievali per costruire una parabola morale sulla fede, la colpa e la paura. Il Medioevo del film è un luogo mentale, non geografico: un crocevia tra storia e leggenda, dove la peste diventa metafora della corruzione spirituale e la stregoneria un modo per rappresentare il bisogno umano di dare un volto al male. La verità storica cede dunque il passo alla verità emotiva – quella di un racconto che, pur non autentico, sa evocare con forza i dilemmi eterni dell’uomo davanti alla propria ombra.

Diretto da Dominic Sena e interpretato da Nicolas Cage e Ron Perlman, L’ultimo dei Templari (Season of the Witch, 2011) è un film che fonde elementi di avventura medievale e horror sovrannaturale con una riflessione più ampia sulla fede e sulla colpa. Ambientato in un’Europa devastata dalla peste, segue due cavalieri crociati, Behmen e Felson, che tornano a casa dopo anni di guerre combattute in nome di Dio.

Ma il loro ritorno è segnato dal disincanto e dal senso di colpa per le atrocità commesse durante le Crociate. Incaricati di scortare una giovane donna accusata di stregoneria fino a un monastero dove i monaci dovranno esorcizzarla, i due uomini intraprendono un viaggio che diventa una parabola morale sulla redenzione e sulla perdita della fede. Il film, sotto la superficie avventurosa, è una riflessione sul male umano, sul fanatismo e sulla possibilità di ritrovare un senso di spiritualità dopo averne abusato.

La rivelazione di Anna e la vera natura del male

Quando Behmen e Felson raggiungono finalmente il monastero e consegnano la giovane Anna (interpretata da Claire Foy), la narrazione ribalta le sue premesse. Ciò che sembrava una missione per liberare il mondo da un male terreno si rivela una lotta contro un male ancestrale. Anna non è infatti una strega, ma una vittima posseduta da un demone millenario che ha seminato morte e pestilenza per secoli. Questa rivelazione trasforma radicalmente la prospettiva del film: la superstizione e la paura che avevano guidato le azioni dei cavalieri si scontrano con una realtà più profonda, in cui il male non è prodotto dall’eresia o dal peccato, ma dalla corruzione spirituale dell’uomo. Il monastero, luogo simbolo della purezza e della preghiera, si tramuta nel teatro dell’ultima battaglia tra fede e oscurità, mostrando come persino i luoghi sacri possano diventare terreno fertile per la perdizione. Il demone, una figura che rappresenta il potere della menzogna e della manipolazione, svela il lato più oscuro dell’animo umano: la paura del diverso e il desiderio di dominio mascherati da zelo religioso.

Il significato simbolico della battaglia finale e della morte di Behmen

Lo scontro finale tra Behmen e il demone è costruito come una lotta di espiazione più che di sopravvivenza. Il cavaliere, che aveva abbandonato la fede perché disgustato dalla violenza della Chiesa, si ritrova di fronte a una scelta estrema: sacrificare sé stesso per salvare Anna e, con lei, il mondo. In questa sequenza, l’azione assume un valore metaforico. Ogni colpo di spada diventa un atto di purificazione, un tentativo di liberarsi dalla colpa accumulata nel corso di anni di guerre “sante”. Quando Behmen riesce a distruggere la creatura demoniaca, non compie un gesto eroico, ma un atto di restituzione morale. La sua morte è una forma di redenzione, un ritorno a una fede autentica che non si fonda sull’obbedienza cieca, ma sulla compassione e sul sacrificio personale. Felson, testimone e custode del suo sacrificio, sopravvive come rappresentante della memoria di quella fede rinnovata, che non appartiene più alla Chiesa istituzionale ma all’uomo libero e consapevole.

Il male come eredità dell’uomo e non del demonio

Il finale di L’ultimo dei Templari rifiuta ogni visione manichea. Dopo la sconfitta del demone, non c’è una vera vittoria: il male non scompare, ma si trasforma. La peste, la guerra, la superstizione restano come eredità del mondo che i protagonisti hanno contribuito a corrompere. Il film suggerisce che la vera origine del male non risiede nel soprannaturale, ma nella natura stessa dell’uomo, nella sua incapacità di distinguere la fede dalla violenza, la giustizia dal fanatismo. In questo senso, il demone diventa il riflesso delle colpe umane: un simbolo dell’ipocrisia religiosa e della sete di controllo che, attraverso i secoli, ha giustificato guerre, persecuzioni e roghi. La morte di Behmen segna una rinascita spirituale, ma non una salvezza collettiva: il mondo rimane contaminato, e i sopravvissuti si aggirano tra le rovine del monastero come testimoni di un equilibrio fragile. La fede, ora, è un cammino solitario fatto di consapevolezza, non di dogmi.

Il lascito del film e la sua rilettura nel percorso di Nicolas Cage

Nel contesto della filmografia di Nicolas Cage, L’ultimo dei Templari assume un significato particolare. Uscito in un periodo in cui l’attore alternava ruoli spettacolari a interpretazioni più introspettive, il film si colloca come un ponte tra il cinema d’intrattenimento e la ricerca di un senso più esistenziale. Behmen è un personaggio tipicamente cageano: un uomo in bilico tra colpa e redenzione, tra follia e spiritualità. Attraverso di lui, il film si trasforma in una riflessione sul potere della fede come esperienza individuale e non come imposizione collettiva. Nonostante le sue imperfezioni narrative e visive, L’ultimo dei Templari trova nel suo finale una forza simbolica che lo rende più interessante di quanto appaia in superficie. La morte del protagonista, immersa in un’atmosfera di silenzio e luce, non è una sconfitta, ma una dichiarazione di speranza: il male può essere contenuto solo quando viene riconosciuto come parte di noi stessi. È questa la lezione ultima del film — che la vera vittoria non è nella guerra contro il demone, ma nella riconciliazione dell’uomo con la propria coscienza.

L’ira di Becky di Matt Angel e Suzanne Coote, sequel del film Becky del 2020, è una commedia d’azione incentrata su una trama di vendetta. Seguendo Becky, una ragazza orfana con un talento per la violenza vendicativa, il film racconta il suo viaggio mentre fugge dal sistema di affidamento con il suo fedele cane, Diego. Dopo aver trovato un posto dove stare con una gentile signora anziana, Elena, la vita di Becky ricomincia da capo fino a quando alcuni uomini di un’organizzazione fascista attaccano la loro casa e rapiscono Diego.

Armata della sua ferocia, Becky deve affrontare i suoi aguzzini, che si fanno chiamare i “Nobili Uomini” e recuperare il suo amato Diego. Se siete curiosi di sapere dove porterà la letale protagonista questa nuova avventura pericolosa e sanguinosa e cosa lei scoprirà sui Nobili Uomini, ecco tutto quello che c’è da sapere sul finale di L’ira di Becky.

La trama di L’ira di Becky

Sono passati tre anni dagli eventi del primo film; Becky ora ha 16 anni. È stata in tre case famiglia e non è rimasta a lungo in nessuna di esse. Nel prologo del film, lei e Diego vengono mandati a vivere con una coppia di religiosi eccessivamente gentili. Anche se all’inizio Becky decide di stare al gioco e di dire alla coppia esattamente quello che vogliono sentirsi dire, quando loro si addormentano decide di scappare. Viene mandata in altre due famiglie affidatarie, ma non rimane nemmeno con loro.

Poco prima dell’inizio del film, Becky incontra una donna mentre fa l’autostop. Questa donna è Elena, che accoglie Becky nella sua casa. All’inizio del film, Becky vive con Elena e lavora in una tavola calda locale. La sua vita idilliaca viene interrotta dall’arrivo in città dei membri dei Nobili Uomini, con uno scopo che diventerà chiaro in seguito. A quanto pare, il gruppo vuole dare inizio a una rivolta e ha scelto questa città come epicentro. Odiano più di ogni altra cosa una politica liberale, la senatrice Hernandez, e le sue politiche, e hanno organizzato manifestazioni contro di lei.

Ritenendole inefficaci, alcuni membri hanno deciso di adottare un approccio più violento. Quando Sean arriva in città con DJ e Anthony, ha l’impressione che si tratti di un’altra manifestazione. Solo più tardi capisce la verità. Capendo correttamente che tipo di persone sono questi tre, Becky lascia trasparire il suo lato conflittuale “rovesciando” una tazza di caffè bollente sulle gambe di Anthony. Tuttavia, i tre uomini capiscono che ha agito intenzionalmente e la seguono segretamente fino a casa di Elena. Anthony attacca per primo Becky, che chiama Diego in aiuto.

Ma prima che lui possa raggiungere Becky e Anthony, DJ lo colpisce con una mazza da baseball. Quando Elena cerca di intervenire, Anthony le spara. Becky, infuriata, cerca di attaccare uno degli uomini, ma viene messa fuori combattimento. La mattina seguente, si sveglia e scopre che Elena è morta e Diego è scomparso. Facendo del suo meglio per non farsi prendere dal panico, Becky seppellisce Elena prima di partire per vendicarsi. Avendo sentito che gli uomini sono in città per incontrare un certo Darryl, Becky decide che è un buon punto di partenza. Ci sono due Darryl in città.

Il primo è una donna anziana che fuma come un turco mentre cammina con una bombola di ossigeno. Con un Darryl apparentemente fuori discussione, Becky si concentra sull’altro. A casa del secondo Darryl, Anthony minaccia i suoi amici di terribili conseguenze se racconteranno a qualcuno ciò che è successo la notte prima. Ma il loro comportamento attira presto l’interesse di Darryl, che scopre la verità dai tre giovani. All’insaputa di tutti loro, Becky è proprio fuori, li osserva e si prepara ad attaccare.

Il finale del film: Becky ottiene la sua vendetta

Sebbene entrambi i film di Becky esplorino altri temi, trattano principalmente di vendetta. Le azioni di Becky in entrambi i film sono scatenate da un torto subito. In L’ira di Becky, lei prende di mira alcuni membri dei Nobili Uomini dopo che questi irrompono nella casa dove ha trovato una nuova dimora e uccidono Elena. Veniamo a sapere che Anthony e DJ sono in città per mettere in atto l’attacco al senatore Hernandez, che sta per tenere un discorso al municipio. Sean non ne sapeva nulla.

È semplicemente un razzista e un sessista, ma non è ancora radicalizzato al punto da commettere atti di violenza contro il governo degli Stati Uniti. Nel frattempo, mentre Becky valuta la situazione, scopre che Darryl è un ex Ranger dell’esercito che ha prestato servizio più volte in Iraq. Racconta quasi con naturalezza a Sean una storia di quei giorni per fargli capire cosa lui e i suoi compagni fanno ai traditori. Fino a quel punto della narrazione, non eravamo esattamente sicuri del tipo di mostro che fosse, ma quella storia chiarisce tutto.

Il primo a morire in questo gruppo è Anthony. Darryl lo manda a negoziare con Becky per restituirle il cane. Ma Anthony non ha alcuna intenzione di farlo e cerca di uccidere Becky. Cade però nella trappola che lei aveva preparato in precedenza e viene poi mandato alla porta d’ingresso della casa di Darryl. Quando Darryl apre la porta, la testa di Anthony esplode. Il secondo a morire è Sean. Darryl lo uccide dopo che lui ha cercato di andarsene e ha insultato i Nobili Uomini. Becky spara poi un dardo con la balestra attraverso la bocca di Twig, un membro dei Nobili Uomini.

In seguito lo uccide prima di essere messa fuori combattimento con un dardo tranquillante. Darryl però non uccide immediatamente Becky perché lei ha la lista di tutti i membri dei Nobili Uomini in tutto il paese. Sa che sarebbe un disastro se le autorità venissero a conoscenza della lista e tiene Becky in vita per estorcerle le informazioni. Ma l’arrivo del capo del gruppo non risolve il problema, e Becky riesce a uccidere Darryl attirandolo nella trappola che aveva preparato in precedenza. Con il suo ultimo respiro, lui si complimenta con lei.

Chi è il leader dei Noble Men?

In un esempio di ironia contorta, a capo dei Nobili Uomini c’è una donna. Si tratta di una persona che sia il protagonista che il pubblico hanno già incontrato in precedenza: l’altro Darryl della città. A quanto pare, è la madre di Darryl Jr. e gli ha dato il suo nome. Dopo che suo figlio ha catturato Becky, Darryl Sr. si presenta per interrogarla, usando Diego per costringerla a rivelare dove si trova la chiavetta USB.

Becky usa però le sue conoscenze da girl scout per liberarsi, colpisce Darryl Jr. con il gas di una bomboletta per costringerlo a lasciare momentaneamente la stanza e lancia un coltello contro Darryl Sr. Torna a prendere Diego e scopre che Darryl Sr. è ancora vivo. La donna anziana cerca di spararle, ma con un coltello conficcato nel cervello, il colpo manca il bersaglio. Per vendicarsi delle sue azioni precedenti, Becky ordina a Diego di sbranare e mangiare Darryl Sr.

Qual è il segreto della chiavetta?

La chiavetta è ciò che il neonazista cercava nel primo film e per cui ha ucciso il padre di Becky. Nel sequel, Becky scopre con l’aiuto involontario di Darryl Jr. che la chiave può essere aperta e contiene delle coordinate. Verso la fine dell’episodio, un agente della CIA pone a Becky due domande, con la condizione che se lei risponde affermativamente alla prima domanda, le verrà posta una seconda domanda. Becky risponde di sì quando le viene chiesto se sarà la recluta più giovane nella storia della CIA.

Poiché la seconda domanda riguarda il segreto della chiave, possiamo presumere che Becky ora conosca la verità, che probabilmente verrà esplorata nel potenziale terzo film già annunciato, in cui il gruppo dei Nobili Uomini verrà ulteriormente approfondito e messo sotto tiro da Becky, ormai evidentemente intenzionata a smantellare del tutto quest’organizzazione razzista e violenta. L’ira di Becky si conclude poi con Becky che dà la caccia a DJ e lo uccide con un lanciarazzi.

Diretto da Alan Parker, The Life of David Gale (2003) è un thriller drammatico in cui il personaggio omonimo (Kevin Spacey) è il capo del dipartimento di filosofia dell’Università di Austin e un importante attivista nel movimento contro la pena di morte. Il suo mondo crolla quando viene falsamente accusato di aver violentato una sua ex studentessa. Perde il lavoro all’università e sua moglie lo lascia, portando con sé il figlio. Con l’aiuto dell’ex collega e compagna attivista Constance Harraway (Laura Linney), Gale riesce a riportare un po’ di controllo nella sua vita per il bene di suo figlio.

Tuttavia, viene poi arrestato con l’accusa di aver violentato e ucciso proprio Constance e viene successivamente condannato a morte. Poco prima dell’esecuzione, l’avvocato di Gale accetta che lui conceda un’intervista a Bitsey Bloom (Kate Winslet) di News Magazine in cambio di 500.000 dollari. Bitsey ha la possibilità di parlargli per due ore al giorno per tre giorni, cercando di capire cosa sia successo davvero. Se a visione conclusa questo film sulla pena di morte e l’attivismo che la circonda vi ha fatto chiedere se sia basato su eventi reali, ecco cosa dovete sapere.

The Life of David Gale è basato su una storia vera?

No, The Life of David Gale non è basato su una storia vera. Tuttavia, il progetto sviluppato dalla prima sceneggiatura cinematografica di Charles Randolph prende in prestito alcuni elementi dalla vita reale per raccontare una storia convincente. Al centro del film c’è il tema altamente controverso della pena di morte. Negli Stati Uniti, la Corte Suprema ha brevemente annullato la pena capitale in seguito al caso Furman contro Georgia nel 1972. A tutti i detenuti nel braccio della morte all’epoca fu commutata la pena in ergastolo.

Tuttavia, la pena capitale fu reintrodotta dai singoli Stati. Nel 1976, la precedente decisione di sospendere temporaneamente la pena capitale fu revocata nel caso Gregg contro Georgia. Secondo quanto riportato, alla fine di giugno 2021 erano state giustiziate oltre 1.500 persone nel Paese. In Texas, dove è ambientato il film, tale numero sarebbe superiore a 500. Gli ideali sostenuti da Gale e Constance affondano le loro radici nel concetto di non violenza. Bisogna ammettere che il film rende in qualche modo un disservizio ai personaggi e alle loro convinzioni, mostrando ciò che alla fine scelgono nel loro disperato tentativo di abolire la pena di morte.

Nel mondo reale, molte organizzazioni religiose e laiche sono emerse come feroci sostenitrici del movimento contro la pena di morte. La Texas Coalition to Abolish the Death Penalty, un’organizzazione senza scopo di lucro, è in prima linea in questa lotta sin dalla sua fondazione nel 1998. Nel 2016, la multinazionale farmaceutica Pfizer ha deciso di non consentire l’uso dei suoi prodotti nella pena capitale e anche altre importanti case farmaceutiche hanno preso la stessa decisione. Secondo quanto riferito, ciò ha costretto gli Stati ad acquistare i farmaci necessari per somministrare le iniezioni letali da fonti dubbie.

Il film drammatico del 1995 di Tim Robbins Dead Man Walking – Condannato a morte è una versione più toccante dello stesso argomento. A differenza di The Life of David Gale, quel film è ispirato a fatti realmente accaduti. È basato sull’omonimo libro di saggistica di suor Helen Prejean. Susan Sarandon ha vinto un Oscar per la sua interpretazione di Prejean. Altri film con tematiche simili sono “Clemency” (2019), “Monster Ball” (2001) e “Last Light” (1993). Evidentemente, dunque, The Life of David Gale non è basato su una storia vera. Ma è perfettamente comprensibile perché si possa pensare il contrario.

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