Il finale di Shutter Island è ancora oggetto di dibattito e discussione tra fan e critici a più di dieci anni dall’uscita del film. Martin Scorsese dirige questo thriller storico in cui Leonardo DiCaprio interpreta Tedd Daniels, un agente federale che indaga sulla scomparsa di un detenuto da un istituto psichiatrico situato nell’omonima isola. Tuttavia, il finale di Shutter Island suggerisce che Teddy sia in realtà un paziente della struttura e che la sua “indagine” sia stata ideata dai suoi medici per riportarlo alla realtà.

C’è chi sostiene che Shutter Island sia un film lineare dopo aver svelato il trucco utilizzato nella struttura psichiatrica per cercare di curare Andrew Laeddis, interpretato da DiCaprio, dalla sua profonda malattia. Tuttavia, c’è chi ritiene che il film sia aperto a diverse interpretazioni e che Teddy sia un vero uomo di legge che è stato convinto dai medici della struttura di essere un paziente per nascondere i segreti dell’isola. Alla fine, la verità dietro il finale di Shutter Island è chiara quando si esamina l’intero film e gli indizi che la storia lascia indicando la decisione finale e fatale di Laeddis.

Shutter Island spiegato: cosa succede e cosa significa

Le teorie secondo cui Shutter Island sarebbe una struttura segreta del governo o che i medici “manipolano” Teddy Daniels alla fine del film sono semplicemente fuori luogo. Il personaggio interpretato da DiCaprio è in realtà Andrew Laeddis (alias Paziente 67), un detenuto disturbato di Shutter Island che ha ucciso sua moglie e che i medici stanno cercando di riabilitare. L’indagine di Teddy sull’isola è in realtà un intricato gioco di ruolo ideato dal dottor Cawley (Sir Ben Kingsley) e dal partner di Teddy, “Chuck” (Mark Ruffalo), che in realtà è il principale psichiatra di Teddy, il dottor Sheehan “scomparso”.

Cawley e Sheehan sono i medici più comprensivi, che credono che con la terapia e la compassione le condizioni di Andrew possano essere curate. D’altra parte, il dottor Naehring (Max von Sydow) e il direttore (Ted Levine) credono che persone come Andrew siano troppo instabili e violente per una soluzione terapeutica; legare i pazienti e drogarli (in alcuni casi lobotomizzandoli) sono le soluzioni in cui credono Naehring e il direttore.

Il gioco ha inizio per dare al dottor Cawley e al dottor Sheehan un’ultima possibilità di dimostrare che Andrew Laeddis può essere strappato dalla sua fantasia di “Teddy Daniels” e accettare la realtà del suo trauma: sua moglie Dolores (Michelle Williams) ha ucciso i loro figli e lui, Andrew, l’ha uccisa per vendetta. Andrew si sente in colpa perché sapeva da tempo della depressione della moglie, ma a causa dei suoi problemi con l’alcol e dello stress post-traumatico dopo le esperienze della Seconda Guerra Mondiale, Andrew non ha mai riconosciuto la gravità dei suoi problemi, e questo gli è costato i figli.

Shutter Island: Chi è George Noyce? Esiste davvero?

Gli avvertimenti di George sono stati fraintesi da Andrew

Il personaggio di Jackie Earle Haley, George Noyce, è un altro paziente che conosceva Teddy/Andrew nel manicomio e che aiuta a svelare il colpo di scena finale di Shutter Island. Noyce è presentato come un “recidivo” che è finito di nuovo a Shutter Island e ha alimentato le teorie cospirative di Andrew per alimentare la sua fantasia. Tuttavia, questa è la percezione distorta della situazione da parte di Andrew.

C’è anche la possibilità che Noyce sia stato incluso nel gioco per alimentare la fantasia di Andrew.

In realtà, quando George Noyce dice che si trova nel reparto C solo a causa di Teddy e che non uscirà mai più, sorgono ulteriori complicazioni. Se Noyce fosse stato vittima della violenza di Andrew, non avrebbe senso che fosse stato rinchiuso con i prigionieri più pericolosi. C’è anche la possibilità che Noyce sia stato incluso nel gioco per alimentare la fantasia di Andrew.

Quello che si sa è che un giorno Noyce ha chiamato “Teddy” con il suo vero nome, Laeddis, provocando un attacco psicotico in cui Andrew lo ha picchiato selvaggiamente. Quell’aggressione è ciò che ha spinto il dottor Naehring e il direttore a spingere per la lobotomia di Laeddis, e il dottor Cawley e il dottor Sheehan a creare il gioco di ruolo come ultima risorsa per curare Laeddis. Tuttavia, ciò non spiega il trattamento riservato allo stesso George Noyce, che sembra avere un sottofondo malvagio.

Noyce è reale, ma il passato di Andrew fa parte della sua fantasia delirante: egli crea l’idea di Noyce come un simpatico ragazzo del college che ha ucciso tre uomini a seguito di esperimenti condotti su di lui nell’ambito di uno studio psicologico. In realtà, Noyce è un paziente e le verità che racconta a Teddy sugli esperimenti sono vere, ma non nel modo in cui Teddy crede. George Noyce dice la verità ad Andrew per avvertirlo che i medici stanno cercando di curarlo alimentando la sua fantasia, ma Teddy le interpreta erroneamente come prove del vero significato oscuro di Shutter Island come istituzione.

Rachel Solando di Shutter Island, la legge del 4 e il paziente 67 spiegati

L’indagine è piena di indizi pensati per far affrontare la realtà ad Andrew

La legge del quattro di Shutter Island ha a che fare con i nomi anagramma che Andrew inventa per il suo mondo fantastico. “Edward (Teddy) Daniels” è un anagramma di “Andrew Laeddis” e “Rachel Solando” è un anagramma di “Dolores Chanal”, il nome da nubile della moglie defunta di Andrew. Questo ha creato quattro nomi diversi all’interno della fantasia di Andrew. Nel frattempo, il mistero al centro della scomparsa del Paziente 67 che “Teddy” sta indagando si rivela essere lui stesso, ovvero Andrew Laeddis. Finché “Teddy Daniels” cercherà il Paziente 67, non sarà mai in grado di trovarlo e la sua fantasia continuerà a esistere.

Sua figlia rappresenta la verità: è l’unica cosa che Andrew non può negare o dimenticare.

“Rachel Solando” è anche un gioco di parole su “Rachel Laeddis”, il nome della figlia morta di Andrew. Sua figlia è anche la stessa bambina che appare nei suoi sogni sull’Olocausto, dicendo: “Avresti dovuto salvarmi”, che è la mente di Andrew che cerca di elaborare il trauma di ciò che è successo. Sua figlia rappresenta la verità: è l’unica cosa che Andrew non può negare o dimenticare. L’infermiera che il dottor Cawley fa passare per Rachel Solando fa parte di una tecnica terapeutica per far ricordare ad Andrew la sua vera moglie. La scommessa di Cawley quasi funziona, ma il cervello di Andrew semplicemente non riesce a sopportare lo stress.

Il simbolismo del fuoco e dell’acqua in Shutter Island

L’acqua è un promemoria della realtà che Andrew cerca di sopprimere

Il fuoco è un simbolo della realtà di Andrew/Teddy nel film. Ogni volta che Teddy si trova vicino al fuoco (i fiammiferi che accende nel reparto C, il fuoco nella caverna con il “dottor Solando” e quando fa esplodere l’auto del dottor Cawley verso la fine), soffre di una sorta di allucinazione. Il fuoco è il simbolo del mondo fantastico di Andrew. Al contrario, l’acqua (l’opposto del fuoco) è il simbolo della realtà di ciò che gli è successo. Sua moglie annega i suoi figli nell’acqua ed è proprio l’acqua a rendere Andrew così turbato/a disagio/malato per tutto il film.

Ecco perché la scena con il “Dr. Solando” si svolge nella grotta marina. Lei alimenta la fantasia della cospirazione di Shutter Island come parte del “gioco” inteso a liberare Andrew. È anche il motivo per cui Andrew arriva sull’isola in tempesta, via mare: è il simbolico “arrivo” dal suo passato traumatico. Anche il faro funge da simbolo di ciò che Andrew sta vivendo, poiché è strettamente legato alla navigazione sicura in acque pericolose.

Shutter Island è un’operazione di controllo mentale del governo?

La cospirazione permette ad Andrew di immergersi più a fondo nella sua fantasia

L’intera “operazione di controllo mentale del governo” è un diversivo inventato da Andrew Laeddis per la sua fantasia. Gli permette di spiegare a se stesso perché si trova a Shutter Island (per indagare su una cospirazione) e di demonizzare i medici e il personale come minacce o cospiratori. L’obiettivo del gioco di ruolo del dottor Cawley e del dottor Sheehan è quello di permettere ad Andrew di rendersi conto da solo di quanto sia impossibile e assurda la sua teoria del complotto, lasciandolo indagare fino alla fine.

Il National Board of Review ha nominato Shutter Island uno dei 10 migliori film del 2010.

Ecco perché il dottor Sheehan/Chuck istiga Andrew a elaborare teorie folli mentre lui e “Teddy” sono bloccati in quella cripta durante l’uragano (“Mentre tu guardavi loro, loro guardavano te!”). Sheehan vuole che Andrew dia sfogo alla sua fantasia fino a quando non si rende conto di quanto sia impossibile. Nonostante il faro dovrebbe essere il luogo in cui sono nascosti tutti i segreti oscuri, una volta che Teddy lo raggiunge, non c’è nulla all’interno, dimostrando che la cospirazione è falsa.

Perché Andrew finge di essere ancora Teddy nel finale di Shutter Island

L’ultima battuta di Andrew rivela che è tornato alla realtà

Il finale di Shutter Island sembra ambiguo a molte persone, ma a una seconda visione è piuttosto chiaro. Teddy si risveglia alla realtà di essere in realtà Andrew Laeddis, anche se viene avvertito dal dottor Cawley e dal dottor Sheehan che in passato è già regredito nel suo mondo fantastico. Tuttavia, Andrew è intelligente: quando il dottor Sheehan si siede con lui sui gradini la mattina seguente, Andrew sa che i medici e il direttore lo stanno osservando.

Tuttavia, il senso di colpa e il dolore sono ancora così forti che sa di non poter vivere con loro; piuttosto che convivere con la consapevolezza del suo dolore, sceglie di fingere di essere ancora Teddy Daniels e lasciare che gli facciano la lobotomia, in modo da potersi finalmente liberare del suo fardello. Mentre alcuni pensano semplicemente che sia tornato il suo alter ego “Teddy”, la sua ultima frase al dottor Sheehan “Cosa sarebbe peggio: vivere come un mostro o morire da uomo buono?” allude alla decisione che sta prendendo di “morire da uomo buono”.

La spiegazione del vero significato di Shutter Island

Andrew si confronta con la sua terribile violenza mentre si presenta come un eroe

Nel finale di Shutter Island, Andrew dice al dottor Sheehan: “Vivere come un mostro o morire da uomo buono?”. Alla fine, Andrew preferisce essere cancellato dalla memoria come “Teddy Daniels” piuttosto che vivere con i peccati di Andrew Laeddis. In questo senso, Shutter Island è uno studio complesso sul dolore e sul trauma, e su quanto la mente umana sia disposta a spingersi per curarsi dalla dura realtà.

Il senso di colpa e il dolore spingono Andrew a inventarsi una seconda identità, in cui è ancora un eroe di guerra e un agente federale di nome Teddy Daniels. Essendo intelligente, inventa una complessa narrazione mentale in cui le teorie cospirative su Shutter Island e la caccia a un paziente che non esiste lo tengono occupato con un mistero che non può (o non vuole) risolvere: quello di essere il Paziente 67.

Teddy indaga sulla violenza della storia di Shutter Island, la vera storia di Andrew, attraverso l’allontanamento

Shutter Island medita anche sulla violenza, ponendo Andrew Laeddis come un eroe auto-inventato, un costrutto letterale personificato da Teddy Daniels, la cui perdita di controllo nell’omicidio della moglie (e nell’incapacità di impedire l’omicidio dei figli) lo spinge a creare una situazione in cui ha il pieno controllo. Teddy indaga sulla violenza della storia di Shutter Island – la vera storia di Andrew – attraverso la rimozione, rifiutando di accettare la possibilità della propria violenza, che respinge anche quando gli si presenta sotto le sembianze di George Noyce.

Come viene spiegato il finale di Shutter Island dai registi

Rivedere Shutter Island rivela molti indizi sul finale a sorpresa del film

Leonardo DiCaprio, Sir Ben Kingsley e Martin Scorsese hanno parlato a lungo di quanto sia stato difficile girare Shutter Island. Il problema era che quando hanno iniziato le riprese, si sono resi conto che alla prima visione il pubblico avrebbe dovuto credere che il dottor Cawley e Shutter Island potessero essere qualcosa di sinistro, ma alla seconda visione avrebbe dovuto capire che tutti quelli che circondano Teddy sono coinvolti in un gioco di ruolo e stanno cercando di mantenere viva la fantasia, anche se molti membri dello staff e delle guardie non sono contenti.

Dopo aver visto il film una seconda volta e sapendo come va a finire, diventa chiaro quanto Scorsese e il cast siano riusciti a portare a termine questa difficile impresa. Shutter Island diventa un film affascinante da rivedere, poiché è chiaro che gli altri personaggi sanno che Teddy è un costrutto psicologico instabile di Andrew, e qui ci sono alcuni indizi che aiutano a capirlo:

• Le guardie durante tutto il film diventano estremamente nervose ogni volta che “Teddy” è nei paraggi e stringono un po’ più forte le loro pistole. Questo è particolarmente vero all’inizio, quando “i Marshal” arrivano sull’isola. È perché le guardie sanno che Teddy è un paziente pericoloso a cui è stato permesso di vagare libero. È anche il motivo per cui sono poco entusiasti di cercare una Rachel Solando che non esiste tra le rocce dell’oceano.
• Quando Teddy e Chuck intervistano le infermiere e gli inservienti, è facile capire quanto il personale trovi ridicola l’intervista. Un’infermiera dice qualcosa su quanto il loro lavoro sia “lontano dalla normalità”: sta facendo una battuta ironica perché sta parlando con un paziente vestito da poliziotto. In quella scena, anche il personale non è molto entusiasta del gioco di ruolo, e il dottor Sheehan / Chuck li spinge a rispondere alle domande di Teddy per mantenere viva la fantasia.
• Quando Teddy intervista la signora Kearns, lei parla di quanto sia bravo il dottor Sheehan. C’è un po’ di imbarazzo nello sguardo tra lei e “Chuck” perché sta parlando di lui. È anche il motivo per cui chiede a Chuck dell’acqua e lui accetta subito (è un momento imbarazzante). La signora Kearns scrive “corri” sul foglio che passa a Teddy perché sa che lui ha la possibilità di scappare mentre stanno facendo l’esperimento di gioco di ruolo. È anche il motivo per cui sembra “istruita” su cosa dire a Teddy: lo è stata.
• La donna inquietante nel cortile all’inizio del film fa il gesto di “zitto” a Teddy perché lo conosce, sa che sta giocando e le è stato detto di non rovinare il gioco.
• Quando Teddy rivela al dottor Naehring di aver risolto l’enigma del Paziente 67 durante una riunione del personale, Naehring dice: “Cosa ci fanno qui?” È sinceramente infastidito dal fatto che il dottor Cawley lasci Teddy/Andrew vagare così liberamente.
• Nel reparto C, Teddy viene avvicinato da un prigioniero in libertà e quasi lo strangola a morte. “Chuck” e una guardia arrivano e trascinano via l’uomo strangolato. La guardia dice a Teddy che non può accompagnarlo in infermeria, borbottando su quanti guai si sarà cacciato per aver lasciato che un paziente strangolasse un altro paziente.

Alla fine, Shutter Island è un mistero piuttosto chiaro: la lettura diretta potrebbe non essere divertente come alcune delle teorie cospirative che circolano, ma le prove di ciò che Scorsese e il suo team hanno voluto realizzare con questo thriller complesso sono sparse in tutto il film.

In che modo il finale di Shutter Island è diverso dal libro

Dennis Lehane ha scritto il romanzo

Sebbene Martin Scorsese abbia diretto Shutter Island, il film è basato su un romanzo di Dennis Lehane, lo stesso autore di romanzi come Mystic River e Gone Baby Gone. Tuttavia, come per qualsiasi romanzo che diventa un film, è necessario apportare delle modifiche per tradurlo dalla pagina allo schermo. Con Scorsese, la maggior parte dei romanzieri dovrebbe sentirsi sicura che, anche con le modifiche apportate, la storia manterrà il suo significato e il suo focus, anche se i personaggi e gli eventi potrebbero cambiare lungo il percorso.

Il finale del romanzo Shutter Island e del film è sostanzialmente lo stesso. Il lettore scopre alla fine che Teddy non è un agente federale, ma un paziente che è stato mandato a Shutter Island dopo aver ucciso sua moglie e i suoi figli. Anche il romanzo termina con la lobotomia che il film lascia intendere. L’unica differenza tra questi due momenti è che Teddy non capisce mai la verità nel romanzo, mentre nel film viene almeno suggerito che potrebbe saperlo e che ha scelto la lobotomia.

È lo stesso senso di colpa cattolico che Scorsese ha costruito in molti dei suoi film

Questo cambia il ragionamento alla base della lobotomia. Nel film, tutto ruota attorno all’idea del senso di colpa che grava sulla sua mente. È lo stesso senso di colpa cattolico su cui Scorsese ha costruito molti dei suoi film. Teddy non riesce a convivere con il ricordo di ciò che ha fatto, quindi sa che questo è l’unico modo per porre fine al suo dolore, anche se è qualcosa da cui non potrà mai tornare indietro. Tuttavia, il romanzo Shutter Island parla di Teddy che non viene mai curato e della decisione che gli viene tolta dalle mani.

Come è stato accolto il finale di Shutter Island

Il dibattito sul finale di Shutter Island ha contribuito alla sua eredità

Un segno di un buon finale di un film è quanto fa discutere. A oltre un decennio dall’uscita di Shutter Island, il film è ancora oggetto di appassionate discussioni tra i fan, molti dei quali hanno opinioni diverse sul significato del finale. Molti pensano che sia chiaro che Andrew sia un paziente che alla fine del film è guarito, ma che sceglie di sottoporsi alla lobotomia, ma Shutter Island presenta abbastanza informazioni da far pensare ad alcuni che si tratti di un enorme complotto e che Teddy Daniels sia un vero uomo di legge che è stato sottoposto al lavaggio del cervello da questi medici.

Il film potrebbe avere una risposta definitiva sul significato del finale, ma i fan hanno apprezzato il fatto che molti spettatori possano sedersi e guardare il film, ognuno vedendo qualcosa di diverso nella propria interpretazione. Uno dei punti più discussi tra i fan di Shutter Island è il significato dell’ultima battuta del film e se la ricaduta di “Teddy” fosse reale o finta.

Tuttavia, alcuni fan hanno difeso con passione la loro visione del finale e l’idea che la decisione di Andrew alla fine sia ciò che dà significato all’intero film. Come sottolinea Redditor Snow_sun2:

Tante persone non sono d’accordo con me su questo punto, e non capisco perché. Il finale è molto più significativo, interessante e conclude davvero una storia incredibile in questo modo. Se lui avesse semplicemente “ricaduto”, non sarebbe stato così emozionante e significativo, ma piuttosto insoddisfacente e “incompiuto”.

Come il finale di Shutter Island sia un’eccezione per Martin Scorsese

Il finale a sorpresa di Shutter Island ha richiesto a Scorsese di utilizzare un approccio narrativo diverso

Shutter Island rimane uno dei film di maggior successo commerciale di Martin Scorsese, ma il suo finale mette in evidenza quanto il film sia diverso per il leggendario regista. Nonostante la longevità della sua carriera, Scorsese ha sempre evitato di realizzare film che potessero essere considerati “mainstream”. Certo, ha realizzato film che hanno avuto un grande impatto sul pubblico e hanno influenzato enormemente il cinema nel suo complesso, ma questi film hanno sempre cercato di sfidare il pubblico e di sfidare la narrazione convenzionale.

Scorsese ha sempre amato realizzare film che esaminano i personaggi piuttosto che seguirli in una trama rigida.

Scorsese ha famigeratamente affermato che The Departed è stato il primo film che ha realizzato con una trama, e anche se potrebbe trattarsi di una battuta da parte sua, c’è del vero in ciò che dice. Scorsese ha sempre amato realizzare film che esaminano i personaggi piuttosto che seguirli in una trama rigida. Taxi Driver e Goodfellas sono due dei film più amati di Scorsese, ma Taxi Driver è uno studio dei personaggi, mentre Goodfellas immerge il pubblico nella vita della mafia. Nessuno dei due film si preoccupa eccessivamente di portare avanti una “trama”.

Tuttavia, Shutter Island è un film che spinge sempre lo spettatore verso la fine e il grande colpo di scena. Vedere Scorsese affrontare la narrazione misteriosa in questo modo, lasciando indizi e prefigurando la verità che alla fine viene rivelata, è emozionante ed efficace. Tuttavia, coloro che hanno familiarità con la filmografia di Scorsese potranno notare quanto sia insolito vedere il regista affrontare una narrazione più convenzionale e dover essere in versive della trama.

Shutter Island è sicuramente un thriller eccezionale, reso ancora più elevato dalla regia di Scorsese. Il regista è un maestro nel coinvolgere il pubblico in qualunque mondo esplori e Shutter Island consuma gli spettatori con un senso di inquietudine fin dalla prima inquadratura. Tuttavia, manca anche un po’ della magia che caratterizza i film migliori di Scorsese, in cui il regista ha più libertà narrativa.

Il finale di Io sono nessuno 2 (qui la nostra recensione) riafferma il ruolo di Hutch nel mondo, preparando il terreno per altri potenziali sequel. Il sequel del campione d’incassi del 2021, riporta in auge l’Hutch di Bob Odenkirk. Un padre di famiglia di periferia apparentemente mite è segretamente un agente letale, il cui lato oscuro riemerge. Io sono nessuno 2, ricco d’azione e consapevole di sé, riprende la storia qualche tempo dopo il primo film, con Hutch costretto a diventare di nuovo un “revisore dei conti” per il governo. Il suo tentativo di rilassarsi con la famiglia va a rotoli quando durante le vacanze estive si imbatte in una pericolosa rete di contrabbando.

I personaggi di Io sono nessuno 2 si ispirano agli elementi stilistici del film d’azione, in particolare la mente criminale Lendina interpretata da Sharon Stone. Alla fine del film, Hutch è costretto a mandare a monte l’intera operazione (con la moglie Becca e il padre David che sferrano i colpi di grazia che uccidono Lendina). Gli ultimi momenti del film sono lasciati in sospeso e questo suggerisce che Hutch potrebbe tornare sul campo in men che non si dica. Ecco in che modo Io sono nessuno 2 prepara silenziosamente un altro sequel.

Chi libera Hutch e Becca alla fine?

Hutch e Becca vengono liberati dalla custodia della polizia alla fine di Io sono nessuno 2 grazie alle conoscenze di Hutch, preparando il terreno per il suo ritorno in un altro sequel. Nessuno ha presentato Hutch come “revisore dei conti” in pensione per l’intelligence statunitense, che si è ritrovato spronato a tornare in azione nonostante i suoi sforzi per andare in pensione.

Come risultato delle sue azioni nel finale del primo film, il governo ha pagato il debito che Hutch aveva accumulato con la mafia russa dopo aver distrutto una piccola fortuna del loro denaro. Hutch è costretto a ripagarli intraprendendo missioni mortali, estinguendo gradualmente il suo debito, anche se si sente esausto e sta perdendo i contatti con la sua famiglia.

Sebbene non sia stata confermata la persona esatta che ordina la liberazione di Hutch e Becca entro la fine di Io sono nessuno 2, è probabile che sia collegata al Barbiere. Il referente governativo di Hutch, il Barbiere, è apparso nel primo atto del film e in seguito ha fornito a Hutch una certa quantità di informazioni su Plumerville, ma non ha potuto fornire supporto.

È probabile che il Barbiere stia semplicemente assicurandosi che uno dei suoi agenti più importanti sfugga al controllo della polizia, impedendo qualsiasi potenziale reazione da parte sua se Hutch venisse scoperto. Questo potrebbe dare al Barbiere maggiore potere su Hutch. C’è anche un dubbio sulle origini complete di Becca e sulla sua storia con Hutch, con la sua libertà potenzialmente soggetta ad alcune limitazioni.

Come il finale prepara Io sono nessuno 3

Nobody 2 è in gran parte incentrato su Hutch e sui suoi sforzi per prendersi una pausa dal suo brutale lavoro. Gran parte del film è autoconclusivo, con Hutch a cui viene detto apertamente che non riceverà alcun aiuto dal governo per affrontare Lendina e la sua rete di contrabbando con sede nella piccola città. Fortunatamente, alla fine del film, ha sventato l’intera operazione.

Mentre Hutch e Becca superano il momento culminante sani e salvi, ci sono alcuni elementi nel film che suggeriscono potenziali direzioni per un sequel. La questione più urgente rimane il debito che Hutch ha con il Barbiere e il governo degli Stati Uniti, che richiede diverse altre missioni prima che il suo lavoro venga ripulito.

Il ruolo di Hutch come “revisore dei conti” è un ruolo perfettamente aperto, con potenziali sequel che offrono a Hutch ogni sorta di possibili missioni da affrontare. Nobody 2 ha anche codificato il legame tra Hutch e la sua famiglia, con Harry e David attivamente coinvolti nella lotta. Un sequel potrebbe rivisitare queste relazioni e mostrarli più in azione insieme.

C’è anche un altro indizio che David abbia cresciuto Harry e Hutch portandoli con sé in missione (come la loro precedente esperienza a Plumerville), il che suggerisce una tradizione più profonda per il personaggio e il suo ruolo nella comunità dell’intelligence. Un sequel potrebbe esplorare di più il ruolo di David come agente in pensione e potrebbe evidenziare la sua determinazione nell’assicurare che i suoi figli diventassero uomini migliori di lui.

Un sequel di Nobody 2 potrebbe anche continuare a concentrarsi sulle dinamiche tra Hutch e la sua famiglia. Becca è chiaramente in conflitto riguardo alla loro relazione e un sequel potrebbe approfondire la loro storia insieme. L’arco narrativo di Brady evidenzia le sue difficoltà a non replicare la vena violenta del padre, che potrebbe essere maggiormente messa a fuoco in un possibile sequel che si concentra sulle dinamiche dei personaggi.

Il vero significato di Io sono nessuno 2

Io sono nessuno 2 è un film sull’equilibrio tra lavoro e famiglia, una lotta che sembra ancora radicata anche quando coinvolge organizzazioni criminali internazionali e combattenti armati di katana. L’arco narrativo di Hutch è radicato nei suoi sforzi di prendersi una pausa non solo dal lavoro, ma anche dai suoi impulsi violenti e dalla sua furia vendicativa.

Questa è la vera prova di Hutch nel film, quando ammette a Becca di non riuscire a spegnere il lato pericoloso della sua personalità. Nonostante i suoi migliori sforzi, la giusta furia lo spinge a intensificare i conflitti che, sa, renderanno solo la sua vita più difficile. Non può fare a meno di radicare la sua personalità lavorativa nella vita privata, il che non fa che mettere in pericolo la sua famiglia.

La frattura che questo crea tra lui e i suoi figli, in particolare l’impressionabile Brady, sottolinea la posta in gioco emotiva del suo arco narrativo. Mentre Hutch è costantemente in lotta tra la vita e la morte, è più vulnerabile quando deve spiegare la sua situazione alla moglie o cercare di convincere il figlio che vuole che Brady diventi un uomo migliore di lui.

L’importanza di questi legami e di queste lezioni è codificata nel finale quando Becca arriva a salvarlo e Brady mostra pietà nei confronti di un mercenario, dimostrando che c’è ancora speranza per la famiglia di Hutch. Questo arco narrativo si riflette anche nell’evidente affetto di David per i suoi figli, così come con Wyatt, inizialmente antagonista. Fa fatica a crescere suo figlio e si allea con Hutch dopo averlo salvato.

Io sono nessuno 2 si diverte molto con il genere d’azione, gettando Hutch in ogni sorta di risse enormi con armi inaspettate. Tuttavia, il nucleo emotivo del film si basa sui legami per i quali Hutch era disposto a morire nel film precedente. Offre al film una dolce morale sull’importanza della famiglia, in mezzo a tutto lo spargimento di sangue creativo.

Tratto dall’omonimo romanzo di Kazuo Ishiguro, premio Nobel per la letteratura, Quel che resta del giorno (1993) è uno dei più raffinati esempi di adattamento cinematografico di un’opera letteraria contemporanea. Diretto da James Ivory, il film si inserisce nel solco del cinema in costume britannico degli anni ’90, con la tipica cura per l’ambientazione storica e la ricostruzione d’epoca, ma riesce anche a trascendere il genere grazie alla profondità dei temi affrontati. Ambientata principalmente negli anni Trenta e Quaranta, la storia utilizza l’eleganza formale della cornice aristocratica inglese per riflettere su questioni universali come la fedeltà, la repressione dei sentimenti e il peso delle scelte morali.

Il cuore del film è rappresentato dal cast di altissimo livello, guidato da Anthony Hopkins e Emma Thompson, qui alla loro seconda collaborazione dopo Casa Howard, sempre per la regia di Ivory. Hopkins veste i panni di Stevens, il maggiordomo che ha fatto della dedizione e della disciplina il centro della propria esistenza, sacrificando emozioni e desideri personali. Thompson interpreta Miss Kenton, la governante che con la sua presenza gentile e risoluta mette in discussione le certezze del protagonista, incarnando una tensione emotiva mai dichiarata apertamente. Intorno a loro si muovono figure di spicco come James Fox e Christopher Reeve, che contribuiscono a delineare con precisione l’intreccio tra vita privata e grandi eventi storici.

Accolto con entusiasmo dalla critica e dal pubblico, Quel che resta del giorno ottenne un enorme successo anche in ambito di premi, ricevendo otto nomination agli Oscar, tra cui miglior film, miglior regia, miglior attore e migliore attrice protagonista. La raffinatezza della sceneggiatura, la regia di Ivory e l’intensità delle interpretazioni lo hanno consacrato come un classico moderno, capace di mantenere intatta la sua forza emotiva a distanza di decenni. Nel prosieguo di questo articolo ci concentreremo sul significato del finale, analizzando le scelte narrative e i simboli che rendono indimenticabile l’ultima parte del racconto.

La trama di Quel che resta del giorno

Ambientato tra gli anni Trenta e il secondo dopoguerra, Quel che resta del giorno racconta la vita di Stevens (Anthony Hopkins), maggiordomo al servizio di Lord Darlington (James Fox) nella sontuosa residenza di Darlington Hall. Devoto al proprio ruolo e al codice di condotta che impone discrezione assoluta, Stevens incarna l’ideale del servitore perfetto, disposto a sacrificare ogni emozione personale pur di adempiere ai suoi doveri. Accanto a lui si inserisce la figura di Miss Kenton (Emma Thompson), la nuova governante della casa, il cui carattere schietto e sensibile finisce per incrinare la rigidità del protagonista, rivelando lentamente le fragilità e i desideri che egli tenta di reprimere.

Il racconto si sviluppa attraverso un lungo flashback, innescato da un viaggio compiuto da Stevens nel dopoguerra, quando l’ex maggiordomo parte per ritrovare Miss Kenton, ormai sposata e lontana da Darlington Hall. Durante questo itinerario, la memoria lo riporta agli anni in cui il suo padrone, Lord Darlington, ospitava diplomatici e uomini politici vicini alla Germania nazista, mentre lui stesso, pur consapevole delle implicazioni morali, continuava a mantenere un atteggiamento di cieca obbedienza. L’intreccio alterna così i ricordi del passato alle immagini del presente, delineando una vicenda intima e insieme storica, nella quale l’amore mancato tra Stevens e Miss Kenton si intreccia indissolubilmente al tramonto di un mondo aristocratico destinato a scomparire.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto della vicenda, Stevens intraprende dunque un viaggio che lo conduce a rivedere Miss Kenton, ormai Mrs. Benn, sposata da anni e con una figlia adulta. L’incontro, tanto atteso, si svolge in un’atmosfera sospesa tra nostalgia e malinconia, con i due personaggi che ripercorrono le esperienze condivise a Darlington Hall e i sentimenti mai espressi apertamente. La conversazione rivela che, nonostante le difficoltà del matrimonio, Miss Kenton ha trovato una forma di serenità nella vita costruita lontano da Stevens, mentre lui resta intrappolato nel rimpianto di ciò che avrebbe potuto essere.

Il film si chiude con il ritorno del protagonista a Darlington Hall, ora di proprietà di un ricco americano, Mr. Lewis (Christopher Reeve). Nella scena finale, Stevens assiste a un uccello rimasto intrappolato nella sala della residenza e che, liberato da una finestra, vola via. Questo gesto, apparentemente semplice, assume un significato simbolico, contrapponendosi alla condizione dell’uomo, incapace di emanciparsi dal ruolo che ha scelto e dalle emozioni soffocate per tutta la vita. La malinconia dell’ultima inquadratura, che indugia sul volto composto di Hopkins, sancisce la definitiva chiusura di una storia d’amore mai vissuta e di una vita dedicata a un padrone, a scapito di se stesso.

Il finale di Quel che resta del giorno è la rappresentazione di un bilancio esistenziale. Stevens incarna la parabola di chi ha rinunciato alla libertà e ai sentimenti per un ideale di servizio che, col tempo, si rivela vano e anacronistico. L’incontro con Miss Kenton dimostra che la possibilità di un futuro diverso è ormai sfumata e che il prezzo della sua fedeltà cieca a Lord Darlington e al ruolo di maggiordomo è stato il sacrificio della propria felicità. La liberazione dell’uccello diventa così l’immagine contrapposta di ciò che lui non ha mai saputo fare: scegliere di vivere davvero.

Cosa ci lascia il finale di Quel che resta del giorno

Per lo spettatore, questa conclusione lascia una riflessione amara ma universale sul senso delle scelte e sulla necessità di non rinviare all’infinito la possibilità di esprimere i propri sentimenti. Stevens rimane un personaggio emblematico perché mostra come la dedizione assoluta, se priva di umanità, conduca alla solitudine e al rimpianto. Ivory costruisce un epilogo che non concede catarsi né lieto fine, ma che invita a guardare con lucidità al valore del tempo e delle decisioni che lo riempiono, consegnando al pubblico un’opera che resta incisa nella memoria non solo per la sua eleganza formale, ma soprattutto per la profondità della sua lezione emotiva e morale.

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Uscito nel 2015 e diretto da Ernie Barbarash, Pound of Flesh rappresenta una delle tappe più significative della fase tarda della carriera di Jean-Claude Van Damme. Dopo i successi degli anni Ottanta e Novanta, l’attore belga si è reinventato in progetti che alternano azione pura a trame più oscure e introspettive, cercando di ridefinire la propria immagine sul grande e piccolo schermo. Questo film, pur restando ancorato al genere action che lo ha reso celebre, si distingue per il tono cupo e per la volontà di unire scontri fisici spettacolari a un racconto che esplora la vendetta e il senso di giustizia personale.

La trama ruota attorno a Deacon (Van Damme), ex agente delle forze speciali che si risveglia dopo una notte turbolenta scoprendo di essere stato derubato di un rene destinato a un trapianto vitale per la nipotina. Da qui parte una missione disperata tra le strade delle Filippine, un percorso in cui la lotta contro il tempo si intreccia a una spirale di violenza e resa dei conti. Il film unisce così il ritmo serrato del thriller urbano con elementi di dramma personale, offrendo un intreccio che va oltre il semplice intrattenimento muscolare.

Accolto con curiosità dal pubblico e oggetto di discussione tra i fan di Van Damme, Pound of Flesh non ha raggiunto i numeri dei grandi blockbuster del passato, ma ha consolidato l’immagine dell’attore come interprete capace di affrontare ruoli più ambigui e segnati dal dolore. La combinazione di sequenze d’azione, toni noir e riflessioni sul sacrificio rende il film una prova interessante nella sua filmografia, spesso citata per il coraggio di cimentarsi con temi più cupi. Nel resto di questo articolo ci soffermeremo in particolare sul significato del finale, analizzandone le implicazioni narrative ed emotive.

La trama di Pound of Flesh

La vicenda prende avvio con l’arrivo nelle Filippine di Deacon (Jean-Claude Van Damme), ex agente delle forze speciali dal passato tormentato. La sua missione ha un obiettivo intimo e urgente: donare un rene alla nipotina gravemente malata. Poco dopo il suo arrivo, però, una notte trascorsa con una misteriosa donna si trasforma in un incubo, quando l’uomo si risveglia in una vasca da bagno insanguinata e scopre di essere stato derubato proprio dell’organo destinato al trapianto. Questo evento scatena in lui una corsa disperata contro il tempo, tra le strade e i vicoli di Manila, nel tentativo di ritrovare ciò che gli è stato sottratto e garantire alla nipote una possibilità di vita.

A supportarlo in questa missione impossibile c’è George (John Ralston), un ex confratello con cui Deacon ha condiviso momenti difficili e che rappresenta al tempo stesso un aiuto e un richiamo al suo passato. La caccia ai responsabili lo conduce in un intreccio pericoloso di criminalità organizzata, corruzione e violenza, dove ogni pista svela una verità più oscura della precedente. Parallelamente, la figura di Ana (Charlotte Peters), uomo legato alla rete di traffici illeciti, si intreccia con la ricerca di Deacon, amplificando il conflitto morale tra vendetta personale e il sacrificio per la famiglia. La trama alterna azione e dramma, costruendo un percorso in cui il protagonista deve misurarsi non solo con i suoi nemici, ma anche con i propri limiti fisici ed emotivi.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto della storia, la ricerca di Deacon giunge al suo punto più alto di tensione. Dopo aver affrontato una serie di nemici e tradimenti, il protagonista riesce a rintracciare la rete criminale responsabile del furto del suo rene. Gli scontri si fanno sempre più brutali e logoranti, segnando la progressiva consunzione fisica di Deacon, che appare sempre più debilitato e consapevole del prezzo da pagare. La missione si carica così di un valore estremo: non è solo una lotta per la giustizia, ma un sacrificio personale che diventa inevitabile.

Il film si chiude con un epilogo dal tono tragico ed eroico. Deacon riesce infatti a garantire che il rene arrivi alla nipotina, salvandole la vita, ma lo fa al costo della propria esistenza. L’ultima immagine ci restituisce un uomo che, pur spogliato delle sue forze e consumato dalla missione, trova un senso definitivo nella sua scelta. L’eroe non sopravvive, ma lascia dietro di sé la certezza di aver trasformato il dolore e la violenza in un gesto estremo di amore e di redenzione.

Il significato di questo finale si lega profondamente ai temi che attraversano il film: il corpo come terreno di sacrificio, la vendetta che si intreccia con la necessità di redenzione, la fragilità che si cela dietro l’immagine del guerriero invincibile. Deacon non è il classico eroe d’azione che trionfa senza conseguenze, ma un uomo segnato dal passato che trova riscatto solo accettando di perdere tutto per salvare chi ama. In questo senso, Pound of Flesh propone una lettura più cupa e umana dell’action movie tradizionale.

Cosa ci lascia il finale di Pound of Flesh

Per lo spettatore, l’epilogo lascia una riflessione amara e allo stesso tempo potente. La parabola di Deacon mostra come il senso dell’eroismo non stia nella sopravvivenza, ma nella capacità di dare valore al proprio sacrificio. La morte del protagonista non è un fallimento, bensì l’unico modo per completare il percorso intrapreso: un atto che unisce la brutalità della vendetta alla dolcezza del dono, trasformando un film di pura azione in un racconto che, pur nella sua durezza, invita a interrogarsi su quanto si è disposti a rischiare per gli altri.

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Il termine “guilty pleasure” dovrebbe sicuramente essere sinonimo di qualsiasi contenuto prodotto dalla Lifetime Network. Non sarebbe sbagliato classificare i “film Lifetime” come un genere cinematografico a sé stante, perché questi film sono unici nel loro genere. Anche se le loro storie assomigliano al mondo in cui viviamo, il mondo dei film Lifetime è qualcosa di diverso. Uno dei loro ultimi film, il thriller In fuga dall’incubo (il cui titolo originale è Hiding From My Husband) – diretto da John Murlowski – non fa eccezione.

Anche se all’inizio sembra che i realizzatori abbiano effettivamente cercato di sviluppare una trama adeguata e intrigante, alla fine il film abbraccia la sua personalità Lifetime e si trasforma in qualcosa di assolutamente assurdo. È probabile che gli spettatori provino più senso di colpa che piacere guardando questo film, ma qui ci concentriamo sul fornire una spiegazione degli eventi che si svolgono in In fuga dall’incubo.

La trama di In fuga dall’incubo

Quello che succede è esattamente quello che suggerisce il titolo (più quello originale che non quello italiano). E In fuga dall’incubo indica chiaramente di cosa si tratta già nel titolo stesso. Jessica e Peter sono una coppia in un matrimonio già destinato al fallimento, e la colpa è solo di Peter. L’uomo è un enorme campanello d’allarme e Jessica non vede l’ora di allontanarsi da lui. Subito dopo che Peter esce per andare al lavoro una bella mattina, Jessica fa le valigie, prende il passaporto e una busta, tira fuori una mazzetta di contanti dall’armadio e scappa di casa.

Per rendere le cose più drammatiche, Peter torna con un ramoscello d’ulivo e la scusa di aver dimenticato il portatile a casa, e Jessica esce proprio in quel momento. Infatti, Peter la raggiunge proprio mentre sta per prendere il taxi. Jessica sale comunque sul taxi ed evita qualsiasi confronto. La cosa successiva che fa è ciò che qualsiasi persona logica farebbe in una situazione del genere: va a prendere suo figlio Noah a scuola, dove Peter li raggiunge, ma Jessica riesce a scappare. Peter non riesce a raggiungerla e Jessica riesce a fuggire nella pittoresca isola dove vive sua sorella Rachel.

Lei, che è un avvocato, promette di aiutare sua sorella e suo nipote, sia professionalmente che personalmente. Jessica non impiega molto tempo a trovare una vita più sana al di fuori del suo matrimonio tossico, poiché sua sorella le trova una casa e un lavoro nella scuola locale, dove anche Noah inizia a frequentare. Fortunatamente per Jessica, Noah, per essere un bambino di dieci anni, sembra essere sinceramente comprensivo e premuroso nei confronti della madre.

La vita dopo Peter

Come ci si potrebbe aspettare, Peter si comporta come Liam Neeson in Io vi troverò con sua moglie e suo figlio e minaccia Jessica insieme a molte scuse e manipolazioni dolci che comportano il trasferimento di una ingente somma di denaro sul conto della donna. Trovare sua moglie e suo figlio sembra essere un compito difficile per lui, dato che non sa dove vive Rachel e Rachel si rifiuta di intrattenere suo cognato in qualsiasi modo possibile.

Sull’isola, Noah fa amicizia con un uomo di nome Cory, che ha quasi la stessa età di suo padre, il che mette Jessica a disagio. Cory, un uomo dai modi gentili, si rivela essere un tuttofare che ripara la nuova casa di Jessica. Nonostante l’uomo sembri completamente innocuo, Jessica sente che c’è qualcosa di strano in lui. Incontra poi un altro uomo di nome Matt, che è un insegnante di musica nella sua scuola.

Matt si rivela un uomo sensibile, compassionevole e affascinante che va d’accordo con Jessica. Ma il passato continua a tormentare Jessica, che sente ancora il peso del suo trauma e nota un’auto che la segue ovunque. Diventa paranoica pensando che Peter la stia seguendo e che la sua nuova vita stia per essere rovinata. Ma sembra che la vita abbia davvero altri piani per la nostra protagonista, poiché Rachel le dice presto che Peter è morto in un incidente assurdo.

Cosa succede nel finale di In fuga dall’incubo

Nonostante i media abbiano praticamente confermato la morte dell’imprenditore tecnologico Peter, Jessica non sembra crederci. La sua paranoia continua ad aumentare quando si sveglia notte dopo notte e scopre che qualcuno sta entrando ripetutamente in casa sua. Vediamo anche la sagoma di un uomo e intuiamo che sta succedendo qualcosa di sinistro. Tuttavia, la paranoia di Jessica viene rapidamente liquidata da sua sorella, e Rachel afferma di aver persino visto il rapporto sulla morte di Peter firmato dal medico legale in persona.

Ma quando Jessica chiede a sua sorella di mostrarle il rapporto, Rachel tergiversa. Nel frattempo, le cose si complicano un po’ tra Matt e Jessica, con la donna che sta attraversando tutte queste difficoltà. Tuttavia, Matt sembra capire tutto e continua a darle il suo sostegno. Anche Noah stringe un legame con l’insegnante di musica. In un film come In fuga dall’incubo, dopo un certo punto, la grande rivelazione diventa l’elemento centrale, e quando questo film raggiunge quel punto, Jessica non solo ha ragione sul fatto che qualcuno si sia introdotto in casa sua, ma l’intruso non è altro che il tuttofare, Cory.

Questo dimostra solo che Jessica aveva sempre ragione sul fatto che quell’uomo fosse strano. Per non parlare del fatto che, nel bel mezzo di tutta questa monotonia, il telefono di Noah viene rubato da Cory, che spaventa ulteriormente Jessica inviandole delle foto di lei che dorme in casa. Tuttavia, Cory viene catturato dalla polizia mentre irrompe in casa una notte, e Matt arriva al momento giusto per essere il cavaliere senza macchia e senza paura di Jessica. Rachel si precipita a casa della sorella e ammette di essersi sbagliata su Cory, dopotutto.

Si scopre che Cory è entrato e uscito da centri di riabilitazione e ha gravi problemi di salute mentale. In fuga dall’incubo avrebbe potuto finire a questo punto, ma i realizzatori del film non hanno resistito alla tentazione di riportare in scena il marito. Peter, che ovviamente non era morto, torna e rapisce Noah. Poi chiama Jessica e le chiede di incontrarlo su una scogliera dove è destinato a verificarsi un incidente. Vedendo suo figlio in pericolo, Jessica non ha altra scelta che affrontare il marito.

A questo punto veniamo a sapere che, nonostante tutte le cose terribili che ha fatto a Rachel, Peter non ha nulla a che fare con Cory che terrorizza Jessica. Ma allora, chi è la mente? È la sorella, ovviamente, che è gelosa di Jessica fin da quando era bambina, poiché i loro genitori hanno sempre favorito lei. Sebbene non ne avessimo visto alcun segno prima, Rachel si rivela essere colei che ha orchestrato tutto, compreso l’incidente di Peter. In qualche modo è riuscita ad attirare Peter sulla scogliera, dove muore accidentalmente, e Rachel riesce a dare la colpa a Jessica.

Questo la renderebbe la tutrice legale di Noah e le consentirebbe di ottenere tutti i soldi di Peter e Jessica. Il piano assolutamente infallibile ha quasi successo, poiché Peter muore cadendo dalla scogliera, ma proprio mentre Rachel spiega tutto a Jessica, Noah filma tutto e dimostra di essere il personaggio più degno di tutti. Tutto ciò che rimane dopo è un lieto fine per Jessica, suo figlio e Matt, che alla fine si rivela essere una persona affidabile, a meno che Lifetime non realizzi un sequel e lo trasformi in un cattivo.

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Non solo il porno, ma anche i film canonicamente intesi hanno spesso sdoganato pratiche e tabù della sessualità, raccontandola in modo anche molto esplicito al cinema. Spesso fondendosi con altri generi, in particolare il thriller, molti di questi film sono ancora oggi dei veri e propri classici, da guardare non solo per gli scandali generati al loro tempo ma anche per ciò che sono in grado di raccontare di noi e del nostro rapporto con la sfera sessuale, troppo spesso repressa e soggetta a censura. Di seguito, ecco una lista dei migliori film erotici da vedere

Da quelli fondamentali, dove si ritrovano importanti titoli d’autore provenienti da tempi e contesti diversi, fino ai più celebri film erotici italiani, passando infine anche per i film erotici che si possono trovare su Netflix. Ognuno di questi titoli è meritevole di una visione e ognuno di essi offre punti di vista e riflessioni originali sul sesso e la sessualità. Alcuni più provocanti, altri meno, sono tutti ottimi film erotici che ogni appassionato dovrebbe recuperare.

• INDICE
  • I migliori film erotici
  • Film erotici italiani
  • Film erotici su Netflix

I migliori film erotici

Molti dei film erotici qui proposti arrivano da paesi diversi, con punti di vista sulla sessualità dettati dalle influenze culturali e sociali di riferimento. Ognuno di questi titoli, dal più datato al più recente, è però capace di dar vita ad interessanti riflessioni sul tema dell’erotismo. Alcuni sono dei film erotici puri, mentre altri si contaminano con altri generi per dar vita a degli ibridi particolarmente affascinanti. Insomma, ce ne è per tutti i gusti e tra questi film c’è solo l’imbarazzo della scelta.

Ecco l’impero dei sensi (1976)

Diretto dal regista Nagisa Ōshima e basato su un celebre episodio di cronaca avvenuto nel Giappone degli anni trenta. La pellicola racconta il legame tra la cameriere Sada Abe e Kichizo “Kiki San” Ishida, proprietario della pensione dove lei lavora, è fatto d’un amore totalmente dominato dai sensi. La relazione parte dall’attrazione reciproca, si evlve attraverso l’estasi sensuale per precipitare in un baratro erotico.

Brivido caldo (1981)

Lawrence Kasdan ha ridefinito il neo-noir con questo thriller sudato, prendendo in prestito liberamente dai classici – in particolare Double Indemnity, un po’ più in basso in questa lista – ma condendo il tutto con un candore sessuale che era caldo e umido anche per gli standard dell’ambientazione nel sud della Florida. William Hurt interpreta Ned Racine, un losco avvocato che rimane invischiato con Matty Walker, moglie annoiata di un ricco uomo d’affari che sta cercando di scaricare. “Non sei troppo intelligente, vero?”, osserva lei. “Mi piace questo in un uomo”. Questo ruolo ha meritatamente reso Kathleen Turner e la sua voce gutturale delle star.

Attrazione Fatale (1987)

Diretto da Adrian Lyne è considerato il film cult nel quale Glenn Close diede vita ad uno dei personaggi più iconici della sua carriera. Dan Gallagher quarantenne avvocato di Manhattan ha una vita tranquilla e una bella famiglia composta dalla moglie Beth e dalla figlia Ellen di 6 anni. Un giorno Dan conosce Alex Forrest, anch’ella avvocatessa, insieme alla quale decide di trascorrere due giorni mentre la moglie è in campagna in visita dai genitori: al termine Dan decide però di tornare alla sua vita. Ma Alex non ci sta e si trasformerà in un vero e proprio incubo per Dan.

9 settimane e ½ (1986)

Trai migliori film erotici di sempre, 9 settimane e ½ è il film del 1986 con a Mickey Rourke e Kim Basinger. È interamente ambientato a New York, e si fa notare per il suo erotismo e per aver lanciato le carriere dei due protagonisti.

Légami! (1990)

Diretto dal regista premio Oscar Pedro Almodóvar, il film racconta di uno psicopatico con problemi emotivi è ossessionato da una porno diva, così la sequestra e la lega al letto per darle tempo di innamorarsi di lui.

Basic Instinct (1992)

La misteriosa Catherine Tramell, una scrittrice di romanzi gialli, è sospettata dell’omicidio di una rock star. L’investigatore incaricato di risolvere il caso è il detective Nick Curran, che viene sedotto dalla donna.

L’amante (1992)

Diretto dal regista francese Jean-Jacques Annaud, la pellicola è ambientata nell’indocina Francese, anni 30. Una maliziosa quindicenne di origini francesi diventa l’amante di un aristocratico trentenne cinese andando contro tutte le convenzioni della società.

Notorious (1947)

Pochi film hanno aggirato la censura del Codice Hays con il calore con cui Hitchcock ha dato vita al bacio tra Ingrid Bergman e Cary Grant – uno dei più grandi baci cinematografici di tutti i tempi – nel suo noir romantico sulle spie che si infiltrano in un giro di nazisti in Brasile. Trovando una fessura nella regola dei tre secondi al massimo, il regista ha fatto in modo che i suoi attori si interrompessero più volte durante i due minuti e mezzo in cui si sono baciati, punteggiando la scena con dialoghi, coccole, una testa appoggiata su una spalla e persino una telefonata. L’Alicia di Bergman parla di “un pollo in freezer” e di “una bella bottiglia di vino”, ma l’appetito che questi due hanno l’uno per l’altra è tutto ciò che conta.

Bound – Torbido inganno (1996)

È difficile stabilire se l’elegante debutto di Lana e Lilly Wachowski sia più amato dalle lesbiche o dagli uomini gay. In ogni caso, l’accoppiata tra Gina Gershon nel ruolo del duro idraulico ex galeotto Corky e Jennifer Tilly nel ruolo di Violet, una sorta di letale Betty Boop, è quanto di più lubrificante possa esistere. “Scommetto che la tua macchina ha 20 anni”, dice Violet, valutando Corky nella sua canottiera sporca di grasso. “Camion”, la corregge Corky, con la bocca perennemente fissata in un ghigno. Le cose iniziano a scintillare tra i due quando organizzano un piano per rubare una scorta di 2 milioni di dollari della mafia e incolpare il fidanzato di Violet che ricicla denaro sporco. L’intimità delle scene di sesso aggiunge passione e urgenza al thriller, mentre l’abbondanza di dialoghi citabili compensa la violenza con una deliziosa nota di camp.

Thelma & Louise (1991)

Quando Brad Pitt, nei panni del losco cowboy vagabondo J.D., si avvicina alla Thelma di Geena Davis in una Ford Thunderbird parcheggiata nel tragicomico road movie femminista di Ridley Scott, è nata una stella. Trasudando un magnetismo sessuale sicuro e disinvolto sotto il suo atteggiamento da “aww-shucks” e la sua parlantina casalinga, J.D. si fa strada nella stanza del motel di Thelma e la mattina dopo procede a rubare i risparmi di una vita della sua migliore amica Louise (Susan Sarandon), fondi che servono ai due fuggitivi per scappare in Messico. Per quanto riguarda le avventure di una notte, è un disastro. Ma Thelma riesce almeno a vivere un’avventura romantica diversa da quella che ha vissuto con l’idiota infantile che ha sposato, oltre a ricevere alcuni consigli sulla rapina che le torneranno presto utili.

Little Children (2006)

Al centro dell’inquietante e cupamente satirico film di Todd Field, che sbircia sotto le superfici ordinate della periferia americana, ci sono gli affamati incontri extraconiugali tra la terrosa e lussuriosa Sarah di Kate Winslet e il Brad di Patrick Wilson (la cui calda carnagione caramellata dovrebbe essere contro la legge), mentre i rispettivi coniugi sono fuori al lavoro. L’infedeltà, naturalmente, non è una novità nei film, ma la rinascita sessuale di una casalinga delusa appollaiata su una lavatrice ha dato un significato completamente nuovo alla centrifuga.

La fiamma del peccato (1944)

Barbara Stanwyck è un problema. Lo si sa dalla prima volta che l’agente assicurativo di Los Angeles di Fred MacMurray, Walter Neff, vede il suo personaggio semi-vestito, Phyllis Dietrichson, al piano di sopra durante una visita a domicilio, lanciandogli uno sguardo che lo attira senza una parola. Non ha mai la possibilità di uscirne indenne. Il film di Billy Wilder, tratto dal romanzo di James M. Cain, è un noir canonico, che segue il piano di Phyllis di uccidere il marito e di incassare un risarcimento per morte accidentale. Ma gli elementi del crimine non sarebbero altrettanto potenti senza l’incantesimo di ebbrezza sessuale che la donna lancia su Walter, trasmesso interamente attraverso l’umore e le allusioni.

Mississippi Masala (1991)

Come nella maggior parte di questi film, la chimica è fondamentale e Sarita Choudhury e Denzel Washington ne hanno da vendere nel vivace racconto di Mira Nair di una storia d’amore interrazziale tra un’immigrata indiana ugandese e un nero del Mississippi, che devono affrontare la disapprovazione di entrambe le comunità. Uno sguardo fresco e spesso umoristico sulla dislocazione culturale e una rappresentazione dell’amore attraverso l’asse marrone-nero che era radicale per il suo tempo, il film presenta una conversazione telefonica notturna particolarmente memorabile, così ardentemente sexy e soffusa di desiderio fisico che vi farà venire nostalgia dei giorni precedenti al telefono fisso.

Bull Durham – Un gioco a tre mani (1993)

Kevin Costner e Susan Sarandon erano al loro massimo magnetismo e insieme sono infiammabili. La commedia sexy e adulta di Ron Shelton è il tipo di film che raramente viene realizzato, con il suo profondo affetto per il passatempo nazionale americano e la sua giocosa mappatura del percorso che porta dal flirt alla passione sfrenata e, forse, a qualcosa di più duraturo. Susan Sarandon interpreta Annie Savoy, una groupie che prende sotto la sua ala protettrice un nuovo giocatore a stagione dei Durham Bulls, squadra minore, per impartirgli la poesia del baseball. Lei sceglie il lanciatore spavaldo di Tim Robbins, soprannominato “Nuke”, ma il catcher veterano di Costner, Crash Davis, lo trasforma in una gara a tre. Il sesso fa letteralmente tremare i mobili. Crash non solo ha un tocco agile nello slacciare un reggicalze, ma sa anche dipingere le unghie dei piedi di una donna.

Eyes wide shut (1999)

In altro fuoriclasse della regia, forse il fuori classe per eccellenza, Stanley Kubrick che con il suo ultimo film si cimenta nel genere regalando al cinema uno dei migliori film erotici:  Eyes wide shut è tratto dal romanzo Doppio sogno di Arthur Schnitzler e racconta di una coppia dalla vita idilliaca esplora la propria relazione in un mondo sotterraneo di lussuria e fantasie peccaminose.

Y tu mamá también (2001)

Diretto da Alfonso Cuarón e presentato alla 58ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia, in Y tu mamá también Julio Zapata e Tenoch Iturbide sono due adolescenti messicani, amici per la pelle, alle prese con la scoperta del sesso e della propria personalità. Dopo che le rispettive fidanzate sono partite per le vacanze estive, durante una festa conoscono Luisa Cortés, una splendida ragazza spagnola più grande di loro, moglie di Jano, cugino di Tenoch. Per fare colpo su di lei, i due ragazzi le propongono una vacanza alla baia “Boca del Cielo”, in realtà inesistente. Inizialmente la donna rifiuta ma, a seguito dell’ennesima infedeltà di suo marito, decide di seguire i due increduli ragazzi.

Shampoo (1975)

Negli anni ’70, la reputazione di Warren Beatty come dongiovanni di Hollywood era così diffusa nei tabloid che una volta la rivista MAD si chiese scherzosamente perché non fosse andato a letto con Shirley MacLaine. (In nessun altro luogo la sua presunta abilità con le donne è stata sfruttata in modo più consapevole che nella satira di Hal Ashby sulla politica sessuale – e di conseguenza sulla politica regolare – nell’America dell’era Nixon.

In un progetto fatto su misura per se stesso, Beatty interpreta un arrapato parrucchiere di Los Angeles che maneggia il suo phon come un pene extra, facendosi strada tra le camere da letto di Beverly Hills mentre cerca di finanziare il suo salone. Neanche andare a letto con la moglie (Lee Grant), l’amante (Julie Christie) e la figlia diciassettenne (Carrie Fisher) di un potenziale investitore (Jack Warden) sembra impedire questo sogno.

Hud il selvaggio (1963)

Paul Newman non è mai stato così bello come tra la fine degli anni ’50 e l’inizio degli anni ’60, quindi tutti i suoi ruoli di quel periodo erano carichi di carica erotica: l’ex atleta alcolizzato del liceo ne La gatta sul tetto che scotta, lo squalo della sala da biliardo ne Lo spaccone, il gigolò in Sweet Bird of Youth. Ma la cruda sessualità dell’attore non è mai stata messa in mostra in modo più prodigioso che nel dramma di Martin Ritt su un arrogante mandriano texano, insensibile ai bisogni di tutti coloro che lo circondano. Una scena di tentato stupro approfondisce lo status di antieroe del personaggio, ma raramente la bellezza maschile è stata apprezzata in modo più vivido di quando Alma, la governante sbiadita di Patricia Neal, gli dice: “Stai piuttosto bene senza maglietta, sai“. La vista di questo attraverso la finestra della cucina mi ha fatto posare il mio asciugapiatti più di una volta”.

High Art (1998)

Il sorprendente debutto di Lisa Cholodenko ha salvato Ally Sheedy dalla semi-oscurità di Breakfast Club Brat Pack, permettendole di mostrare una gamma di ruoli non ancora sfruttata nel ruolo di Lucy, una fotografa spigolosa, un tempo famosa, ispirata da Nan Goldin. Si forma un’accesa triangolazione con la sua fidanzata eroinomane, ex musa di Fassbinder, Greta (Patricia Clarkson, tutto un languido glamour andato a male) e con la loro vicina del piano di sotto, l’ambiziosa assistente redattrice di una rivista d’arte Syd (Radha Mitchell), che si allontana dal suo fidanzato e finisce nel letto di Lucy. Le scene d’amore sono spesso lodate come una svolta nella rappresentazione delle lesbiche sullo schermo, ma Cholodenko è attenta al paesaggio psichico ed emotivo quanto alla sessualità. La rappresentazione del demi-monde drogato del centro di New York evoca la prima raccolta di Goldin, La ballata della dipendenza sessuale.

Secretary (2002)

Diretto da Steven Shainberg, interpretato da James Spader e Maggie Gyllenhaal, e liberamente basato sull’omonimo racconto breve presente nella raccolta del 1988 Cattiva condotta (Bad Behaviour) di Mary Gaitskill, il film racconta di Lee Holloway è appena stata dimessa da un ospedale psichiatrico. Quando inizia a lavorare come segretaria di un giovane avvocato, scopre di aver trovato in Edward Grey l’uomo perfetto per lei.

Shortbus – Dove tutto è permesso (2006)

Scritto e diretto da John Cameron Mitchell e presentato al 59º Festival di Cannes. Nel film le avventure erotiche e sentimentali di un gruppo di personaggi emblematici della New York odierna: una sessuologa insoddisfatta, una coppia di omosessuali, una prostituta al servizio di clienti masochisti.

Habitacion en Roma (2010)

Diretto da Julio Medem la pellicola racconta di Alba e Natasha sono due ragazze, una spagnola e l’altra russa, che si incontrano a Roma e trascorrono una notte di passione in una camera d’albergo.

Shame (2011)

Scritto e diretto da Steve McQueen la pellicola è stata presentata in in concorso alla 68ª Mostra internazionale d’arte cinematografica di Venezia. In Shame Brandon, interpretato dall’attore Michael Fassbender,  è un giovane uomo d’affari di New York che vive una vita di totale asservimento a droghe e soprattutto al sesso. La profonda sofferenza per la sua condizione di dipendenza lo porta a desiderare di essere solo.

Nymphomaniac – Volume 1 (2013)

Il film provocatorio e molto discusso diretto da Lars von Trier con Charlotte Gainsbourg e Stellan Skarsgård. Nymphomaniac – Volume 1 si racconta la storia di Joe, una ninfomane, che fin da giovanissima ha vissuto la sua vita all’insegna di una passione sfrenata per l’erotismo. Questa ossessione carnale è così forte da aver complicato e condizionato tutte le sfere della sua vita. Attraverso i racconti di Joe, suddivisi in otto flashback (cinque verranno raccontati nel primo volume, gli ultimi tre saranno il plot del secondo volume), si scoprono i tratti più marcati del carattere e della personalità della donna, che ha sempre combattuto contro se stessa, e vengono presentati inoltre i momenti della vita di Joe che l’hanno maggiormente segnata e che l’hanno resa ciò che è oggi.

The Paperboy (2012)

Il terzo film di Lee Daniels è stato deriso alla prima di Cannes. Ma visto al di fuori di quella serra d’arte, è una favolosa fetta surmatura di polpa di palude della Florida, che permette a Nicole Kidman di diventare una vera e propria Sharon Stone, che sembra prendere spunti di stile dalla copertina di Dusty in Memphis. La sua esibizione masturbatoria che stuzzica il bifolco di John Cusack, ammanettato per la caccia all’alligatore e rinchiuso in carcere per omicidio, è una di quelle da non perdere.

Ancora più selvaggio è il suo saluto ad alcune giovani donne su una spiaggia che cercano di neutralizzare le punture di medusa che ricoprono il corpo di Zac Efron urinandogli addosso. “Muovetevi! Se qualcuno deve pisciare su di lui sono io!”. Daniels ha deliziato il pubblico della conferenza stampa di Cannes giustificando l’erotizzazione del personaggio di Efron in mutande: “La telecamera non può fare a meno di amarlo. E io sono gay. Cosa volete?”

Sex Crimes – Giochi pericolosi (Wild Thing, 1998)

Quando il thriller misterioso di John McNaughton uscì durante l’ultimo sussulto di salacità degli anni ’90, si sparse subito la voce che il suo titillamento softcore includeva un raro avvistamento di ciò che i fan gay chiamavano in modo spregiudicato “la pancetta di Kevin Bacon“. Ma a parte questo momento full-frontal, questo è trash deluxe, con una trama così contorta che sono ancora impegnati a delucidare sui titoli di coda. Matt Dillon interpreta un consulente scolastico accusato di stupro da due studentesse (Denise Richards e Neve Campbell). Ma aspettate, è una truffa! Questo è solo l’inizio di una tortuosa serie di doppi giochi, omicidi e una lotta in piscina che si trasforma in una sessione di pomiciate lesbiche, il tutto osservato con pruriginosa attenzione dal detective di Miami Bacon.

The Big Easy. Brivido seducente (1986)

I film degli anni ’80 e ’90 che vengono spesso citati nella conversazione sull’erotismo tendono a essere quelli in cui il sesso è equiparato al pericolo, molti dei quali – Jade, Sliver, Showgirls – sono stati scritti dallo sceneggiatore di Basic Instinct Joe Eszterhas. Ma il regista Jim McBride è partito dalle fondamenta, evocando l’atmosfera afosa di New Orleans con una dose di condimento Cajun e poi creando un thriller teso sulla corruzione della polizia, in cui il vero calore proviene dalla relazione tesa e fumosa tra un procuratore distrettuale e un poliziotto locale coinvolto nelle sue indagini, interpretato con un’intesa fuori dal comune da Ellen Barkin e Dennis Quaid.

Out of Sight (1998)

Prima che venisse costruito il complesso industriale di JLo, Jennifer Lopez era ancora in grado di entrare in un personaggio, cosa che fa con vera grinta nei panni dell’U.S. Marshal Karen Sisco, invischiata con l’affascinante rapinatore di banche in carriera che l’ha rapita, il Jack Foley di George Clooney, nell’adattamento di Elmore Leonard di Steven Soderbergh, intelligente, sapientemente realizzato e follemente sexy. Sia che si dimenino insieme nel bagagliaio dell’auto di lei, che flirtino nel bar di un hotel o che si bagnino nella vasca quando Karen sorprende Jack durante il bagno, la coppia emana la magia delle star del cinema al massimo della sua seduzione.

50 sfumature di grigio (2015)

 50 sfumature di grigio, diretto da Sam Taylor-Johnson, è il primo capitolo della trilogia sul BDSM, amato dal pubblico e fatto a pezzi dalla critica. Anastasia Steele è una studentessa alla quale viene assegnato il compito di intervistare il ricchissimo Christian Grey per il giornale universitario. Lui è ricco e potente, e attratto da lei. Lei non ha esperienza, ma è terribilmente attratta da lui, e verrà a conoscenza delle sue preferenze nascoste.

Il danno (1992)

Diretta da Louis Malle la pellicola è basata sul romanzo Il danno di Josephine Hart e racconta di Stephen Fleming è un importante politico inglese che non riesce a tenere a freno la passione scatenata dalla conoscenza di Anna, la fidanzata del figlio. Nel cast Jeremy Irons nei panni di Stephen Fleming e Juliette Binoche in quelli di Anna Barton.

Angel Heart (1987)

Diretto da Alan Parker e basato sul romanzo Falling Angel di William Hjortsberg del 1978, il film generò parecchie controversie ed ebbe problemi di censura (soprattutto con la Motion Picture Association of America), a causa delle tematiche e di alcune scene spinte.

Crash (1996)

Diretto da David Cronenberg, il film è ispirato all’omonimo romanzo di James Graham Ballard del 1973 e racconta del produttore cinematografico James Ballard e la moglie Catherine, che vivono alla periferia di una moderna metropoli, hanno esperienze extraconiugali che si raccontano senza remore, come metodo per tenere alta la tensione sessuale: lei con il suo istruttore di volo da diporto, lui con una montatrice dello studio.

Henry & June (1999)

Diretto da Philip Kaufman e basato sui Diari della scrittrice francese Anaïs Nin. racconta la storia dell’amicizia intima della stessa Nin con lo scrittore Henry Miller e sua moglie June.

Basic Instinct 2 (2006)

Diretto da Michael Caton-Jones e sequel del film citato sopra di Paul Verhoeven riprende i personaggi di Joe Eszterhas e il ritorno della femme fatale Catherine Tramell (Sharon Stone), coinvolta in nuovi omicidi a Londra. Stavolta è uno psichiatra, il dottor Michael Glass (David Morrissey), a indagare sul suo conto per Scotland Yard, mentre gli omicidi continuano.

La vita di Adèle (2013)

Diretto da Abdellatif Kechice e premiato a Cannes, La vita di Adèle ha per protagonista una ragazzina del liceo che incontra una bella e affascinante artista. Tra le due nasce un’intensissima relazione sessuale e sentimentale. Le scene di sesso sono tra le più esplicite e controverse (e lunghe, lunghissime) della storia del cinema.

Giovane e bella (2013)

Scritto e diretto da François Ozon, il film tratta del tema della prostituzione minorile e racconta di Isabelle, studentessa diciassettenne, durante le vacanze estive perde la verginità in un rapporto del tutto insoddisfacente da parte sua. Tornata in città, dove vive con il fratello minore, la madre e il patrigno, decide di prostituirsi aprendo un sito internet sotto lo pseudonimo di Léa, il nome della nonna materna.

Love (2015)

Una produzione belga e francese, è uno dei film più espliciti di sempre, diretto dal celebre Gaspar Noé. Parla di Murphy, un americano che vive a parigi e che frequenta una ragazza di noem Electra. Ignari delle conseguenze che avrà sulla loro relazione, i due invitano una bella vicina ad unirsi a loro in camera da letto.

50 sfumature di nero (2016)

Cinquanta sfumature di nero è il secondo capitolo tratto dalla serie letteraria. Il film vede un addolorato Christian Grey cercare di persuadere una cauta Ana Steele a tornare nella sua vita. Lei però esige un nuovo accordo in cambio di un’altra possibilità. I due iniziano così a ricostruire un rapporto basato sulla fiducia e a trovare un equilibrio, ma alcune figure misteriose provenienti dal passato di Christian accerchiano la coppia, decise ad annientare le loro speranze di un futuro insieme.

50 sfumature di rosso (2017)

Terzo capitolo della trilogia basata sui romanzi di E. L. James, questo vede Jamie Dornan e Dakota Johnson tornare a vestire i panni di Christian Grey e Anastasia Steele, riprendendo il filo rosso degli eventi narrati nei precedenti due film di grande successo del 2015 e del 2016.

Film erotici italiani

Il cinema italiano di genere non è celebre solo per i tanti spaghetti western di Sergio Leone o Sergio Corbucci o per i film horror di autori come Mario Bava, Lucio Fulci e Dario Argento. Un altro genere estremamente affermatosi in modo massiccio tra gli anni Settanta e Ottanta è quello dei film erotici, declinato sia in forma drammatica che comica. Sono tanti gli autori che si sono cimentati con questa tipologia di film, da autori come Bernardo Bertolucci a Salvatore Samperi. Tra tutti, quella di Tinto Brass rimane però la filmografia erotica più celebre del cinema italiano.

Ultimo tango a Parigi (1972)

Il capolavoro di Bernardo Bertolucci con uno straordinario Marlon Brando. Nel film dopo il suicidio della moglie Rosa, il quarantacinquenne Paul, un americano trapiantato a Parigi, sembra avere smarrito ogni ragione di vita. Vagando senza meta per la città, incontra la ventenne Jeanne. Tra i due scoppia una passione travolgente.

Nonostante le apparenze… e purché la nazione non lo sappia… All’onorevole piacciono le donne (1977)

Diretto dal maestro dell’horror Lucio Fulci, la pellicola racconta dell’onorevole Giacinto Puppis, in corsa per il Quirinale. Sino a quel momento è sempre stato un uomo morigerato, casto e inibito, ma presto scopre le gioie del sesso e ne fa di cotte e di crude, anche in un convento femminile.

Avere vent’anni (1978)

Con protagonista una delle più celebri attrici sexy italiane, Gloria Guida, nel film due provinciali ventenni, Tina e Lia, giungono in città in autostop. Non sanno nemmeno loro che cosa vogliono e allora si aggregano a una comune.

Bambola (1996)

Diretto da Bigas Luna, dopo la morte per cirrosi della madre, una donna seducente, Bambola, gestisce una pizzeria insieme al fratello omosessuale Flavio. La reazione ad un tentativo di violenza porta la giovane ad uccidere un uomo.

Capriccio (1987)

Diretto da Tinto Brass, il film racconta del rapporto tra i due sposini, Fred e Jennifer, È in piena crisi. Decidono di tornare a Capri dove si sono conosciuti e dove sono stati felici. Quando a Fred giunge la notizia di dover andare in Toscana per lavoro, lascia la moglie e il loro figlio Duccio nell’isola. Marito e moglie decidono allora di rivivere vecchie relazioni – lui con la provocante Rosalba, lei con il focoso Ciro – che ridaranno vigore al loro rapporto.

Paprika (1991)

Uno dei più celebri film erotici italiani di Tinto Brass. Una giovane donna lavora in un bordello, sperando di aiutare il proprio fidanzato a raccogliere i soldi che gli servono per lanciare la propria impresa. Con questo film, il regista ripropone il ripristino delle case di tolleranza, dibattute parecchio, all’epoca, dall’opinione pubblica italiana.

Così fan tutte (1992)

Un anno dopo Paprika Tinto Brass torna dietro la macchina da presa. Basato in maniera molto libera sull’opera di Mozart, Così fan tutte parla di una donna di 24 anni felicemente sposata che ha un inspiegabile desiderio di vivere la propria vita intensamente, e racconta le proprie avventure erotiche al marito, sperando di risvegliare la passione e smuovere le cose.

Monella (1998)

Nel 1998 Tinto Brass realizza il suo ultimo film di successo, Monella. Tra i maggiori film erotici italiani, questo titolo ha per protagonista Lola, una sensuale e disinibita ragazza che sta per sposare Masetto, un fornaio molto geloso. Lei però e ansiosa di provare i piaceri del sesso prima del matrimonio, così decide di usare l’astuzia per ingannare il futuro marito.

Malena (2000)

Il film di successo del 2000 nominato a due premi Oscar e scritto e diretto da Giuseppe Tornatore con protagonista Monica Bellucci vede un’avvenente vedova di guerra, desiderata da tutti gli uomini del suo paese, che alimenta le fantasie erotiche del giovane Renato.

Melissa P. (2005)

Diretto da Luca Guadagnino (2005), prima di Chiamami col tuo nome, è questo un film che ha fatto parecchio scalpore: la storia è quella di un’adolescente che vive con la nonna, le cui prime esperienze sessuali si accompagnano all’eccesso.

Malizia (1973)

Uno dei più bei film erotici italiani di sempre, Malizia è diretto da Salvatore Samperi e vede l’avvenente Angela, interpretata da Laura Antonelli, sposarsi con un uomo da poco rimasto vedovo. Arrivata in casa di lui, la donna diventerà l’oggetto del desiderio del figlio Nino, il quale farà di tutto pur di conquistarla.

Film erotici su Netflix

Piattaforma tra le più popolari, Netflix offre un’ampia gamma di film erotici da poter recuperare. La maggior parte di questi sono titoli molto recenti, che però tanto hanno da offrire agli spettatori in termini di storie e loro messe in scena. Nel catalogo si possono ritrovare anche serie erotiche come Oscuro desiderio e Toy Boy, ma è sui film che ci concentriamo. Oltre a ritrovare titoli già precedentemente citati come Love, 50 sfumature di grigio e Giovane e bella, ecco altri celebri titoli erotici da poter recuperare.

Fall for Me (2025)

Fall for Me è il nuovo erotico-dramma di Sherry Hormann per Netflix: Lilli vola a Maiorca per la sorella, ma il fidanzamento lampo con Manu accende i sospetti. Tra indagini private e attrazione per il manager di un club, Tom, la storia scivola in un gioco di desiderio e inganno. Debutta su Netflix il 21 agosto 2025; nel cast Svenja Jung, Theo Trebs, Thomas Kretschmann e Antje Traue.

Mea Culpa (2024)

Tyler Perry firma un steamy thriller per Netflix: Kelly Rowland è l’avvocata Mea Harper che difende l’artista Zyair Malloy (Trevante Rhodes). Tra desiderio e pericolo, il caso la spinge oltre il limite: Netflix lo classifica tra i “Steamy Thriller Movies”.

Master of the House (2024)

Serie thai Netflix: dopo la morte di un magnate dei diamanti, vedova e figli si sfidano per il controllo dell’impero, tra intrighi e colpi di scena. Un dramma “scandaloso” dal tono spicy, incentrato su potere, denaro e segreti di famiglia.In streaming dal 18 luglio 2024 su Netflix.

365 giorni (2020)

Diretto da Barbara Białowąs e Tomasz Mandes. Il film è l’adattamento cinematografico del romanzo omonimo scritto da Blanka Lipińska. Nel film una donna è rapita da un potente boss mafioso che la imprigina dandole un anno di tempo per innamorarsi di lui.

Duck Butter (2018)

Commedia erotica di Miguel Arteta, nel film dopo essersi incontrate in un locale, due donne decidono di passare ventiquattro ore consecutive insieme per esplorare l’una intimità dell’altra. Tuttavia, le cose non vanno come previsto.

Amore & altri rimedi (2010)

Con protagonisti due bellocci di Hollywood quali Jake Gyllenhaal e Anne Hathaway, in Amore & altri rimedi protagonista è Maggie, seducente spirito libero refrattario a qualsiasi legame, compreso quello che considera come una formidabile sfida personale, una relazione stabile, che trova pane per i suoi denti in Jamie Randall.

High Society (2018)

E’ la pellicola coreana del 2018 nel quale la vice direttrice di una galleria d’arte e il marito, professore di economia che sogna la carriera politica, sono pronti a tutto pur di entrare nell’alta società.

Elisa e Marcela (2019)

Diretto da Isabel Coixet il film è ambientato nel 19885 tra Elisa e Marcela nasce un’amicizia che si trasforma in un amore proibito, da tener nascosto, per gli usi dell’epoca. Nel 1901, una di loro si finge uomo, e le due convolano all’altare.

Dry Martina (2018)

Dry Martina è il film spagnolo che racconta di Martina è una diva in declino, disillusa dall’amore dopo un divorzio. Tuttavia, quando incontra una giovane coppia con cui intraprende un viaggio, le cose sembrano prendere una svolta positiva.

Milf (2018)

È la commedia francese diretta da Axelle Laffont, scritta da Jérôme L’hotsky e Stéphane Kramer, e con Marie-Josée Croze, Virginie Ledoyen e Axelle Laffont. Nel film durante le loro vacanze, le donne incontrano tre uomini sulla ventina – Julien, Paul e Markus (un ex amico di famiglia di Cécile), che lavorano in un club di vela locale. Gli uomini si interessano subito alle donne, che hanno definito ” MILF “. I 6 trascorrono così insieme la loro avventura estiva.

Unfaithful – L’amore infedele (2002)

Diretto dal maestro del thriller erotico Adrian Lyne, Unfaithful – L’amore infedele ha per protagonisti gli attori Richard Gere e Diane Lane, una coppia sposata che si trova a dover fare i conti con il tradimento di uno dei due. Nasce da qui una torbida storia di gelosia e ossessione, arricchita da scene di sesso esplicite. Ad ogg, un cult imperdibile.

Ride or Die.

Rei aiuta la donna che ama da tempo a fuggire dal marito violento. I sentimenti che provano l’una per l’altra si accendono durante la fuga.

Elisa e Marcela

Nel 1901 in Spagna, Elisa Sánchez Loriga finge di essere un uomo per poter sposare Marcela Gracia Ibeas, la donna che ama. Basato su una storia vera.

L’amante di Lady Chatterley

L’aristocratica e infelicemente sposata Lady Chatterley intreccia una relazione passionale con il guardiacaccia della tenuta del marito e se ne innamora perdutamente.

Happy Ending – Il segreto della felicità

Dopo un anno felice di relazione, Luna propone a Mink di coinvolgere una terza persona nella loro vita sessuale, stravolgendo così il loro rapporto.

Senza limiti

Una giovane molto talentuosa incontra un amore distruttivo e profondo con il suo istruttore campione di apnea in questo dramma romantico di straordinario impatto visivo.