Considerato il capolavoro di Sergio Leone, il film gangsteristico del 1984 C’era una volta in America è un’epopea del tempo, che salta continuamente avanti e indietro tra le versioni dei suoi personaggi durante tre periodi distinti della loro vita: giovani ladruncoli nel 1918, gangster incalliti nei primi anni ’30 e uomini anziani, ormai fuori dal giro, nel 1968. Il film offre uno sguardo ampio e brutale sull’esperienza degli immigrati e sul sogno americano, con protagonisti molto più anti-eroi che eroi. Eppure, il film fu stroncato al momento della sua uscita in America, vittima dei tagli imposti dallo studio che lo sottrassero al controllo di Leone e lo ridussero quasi della metà per la distribuzione negli Stati Uniti.

Il resto del mondo ebbe qualcosa di più vicino alla visione originale del regista, un film tentacolare della durata di circa quattro ore. Gli Stati Uniti hanno ricevuto la versione “demo”, che ha influenzato la reazione del pubblico per decenni e ha lasciato gli spettatori completamente confusi da ciò che avevano visto. Questo potrebbe essere vicino a ciò che Leone intendeva, ma non in senso positivo. Il finale originale del film, la “visione di Leone”, sovrappone infatti una coppia di misteri, ma lascia al pubblico il compito di determinare le risposte, insieme al modo in cui potrebbero combaciare o divergere. In questo approfondimento andiamo dunque ad esplorare il finale del film.

Qual è l’impostazione del finale di C’era una volta in America?

Innanzitutto, qualche cenno sul contesto. Il personaggio che rappresenta il punto di vista del pubblico durante tutto il film è il gangster Noodles Aaronson (Scott Tiler, poi Robert De Niro). Dopo aver formato una banda con il suo amico Max (Rusty Jacobs, poi James Woods) quando erano ancora dei ragazzini in ascesa nel Lower East Side, Noodles viene arrestato per aver accoltellato un boss locale. Quando viene rilasciato, la banda è diventata un’organizzazione di contrabbando di successo. Tuttavia, il loro successo è di breve durata, poiché l’impero crolla dopo l’abrogazione del Proibizionismo pochi anni dopo.

Noodles viene convinto dalla fidanzata di Max, Carol (Tuesday Weld), a denunciare la banda per un reato minore, che li manderà in prigione per un periodo più breve, ma ridurrà il rischio di conseguenze più gravi. Il piano fallisce, però, e Max e Noodles litigano, con Noodles che mette KO Max prima dell’arrivo della polizia. Quando riprende conoscenza, scopre che i suoi amici sono tutti morti in una sparatoria con la polizia. Fugge, allevia il suo dolore nella fumeria d’oppio che il pubblico ha visto per la prima volta nella scena iniziale del film e scappa a Buffalo, dove vive nascosto.

O almeno così è, finché qualcuno del suo passato lo trova nel 1968. Viene così a sapere che Max ha inscenato la propria morte con l’aiuto della polizia e ha trascorso gli ultimi 30 anni facendo carriera nel sindacato dei camionisti con l’identità di Christopher Bailey, arrivando a ricoprire la carica di Segretario al Commercio degli Stati Uniti. Ma ora Max si è fatto dei nemici tra le persone sbagliate e ha contattato Noodles per ucciderlo prima che lo facciano i camionisti.

Cosa accade a Max alla fine del film

È qui che entra in gioco il primo dei due misteri del film. Noodles rifiuta l’incarico; per lui, Max è morto insieme al resto della banda, e questa è un’altra persona alla quale non deve nulla. Lascia la casa di Bailey, ma Max lo segue nell’oscurità. Mentre Max cammina verso di lui, un camion della spazzatura passa tra i due uomini e, quando riparte, Max non si vede più. La telecamera segue invece il camion, mostrando la parte posteriore dove una lama rotante trita e compatta i rifiuti. L’immagine del camion che fa il suo lavoro sembra decisamente un po’ suggestiva.

Qualcuno che ha già assunto il suo amico per ucciderlo e che è stato respinto potrebbe cogliere la prossima occasione disponibile per fare il lavoro da solo. O forse il camion faceva parte di un complotto per assassinarlo e Max non aveva scelta. Ma sono possibili anche altre alternative. Max potrebbe essere fuggito, o forse non era nemmeno Max. Secondo Cinephilia & Beyond, lo stesso Woods non sapeva cosa fosse successo al suo personaggio alla fine. Leone, per preservare l’ambiguità, avrebbe girato la scena con una controfigura di Woods invece che con l’attore.

Quanto di C’era una volta in America potrebbe essere stato un sogno di Noodles?

La domanda potrebbe essere irrilevante. La sequenza finale del film, dopo che Noodles assiste alla scomparsa di Max, torna a un Noodles più giovane nella fumeria d’oppio dopo la “morte” dei suoi amici negli anni ’30. Egli assume la droga e il film si conclude con un sorriso beato che gli illumina il volto. Una teoria, avanzata nel tempo sostiene che questo potrebbe essere il giovane Noodles che capisce cosa sta facendo Max e decide di partecipare al suo piano. Un’altra teoria, più diffusa, sostiene invece che Noodles immagina ciò che vediamo nel film e il sorriso sia dovuto all’essersi accorto di aver solo sognato quel drammatico futuro.

La sequenza suggerirebbe quindi che tutto ciò che è accaduto dopo che Noodles è entrato nel covo – la sua fuga a Buffalo, il suo ritorno a New York, l’ascesa di Max alla ribalta e la sua imminente caduta – sia stato il prodotto di un sogno indotto dall’oppio. La versione di Noodles di un lieto fine è che il suo amico sopravviva abbastanza a lungo da rivelare un tradimento durato 30 anni, per poi tornare sotto il potere di Noodles facendo quella richiesta. Forse l’ambiguità del destino finale di Max è l’indecisione di Noodles. Non è sicuro di volere che il suo amico sopravviva o meno; sa solo che non vuole essere lui a ucciderlo.

Elementi a favore e contrari alla Teoria del Sogno

Gli oppositori della teoria del sogno citano il fatto che la sequenza del 1968 include vari anacronismi: la musica dei Beatles, la televisione, e riferimenti alla guerra del Vietnam, gli hippy nella stazione che discutono su Jimi Hendrix, che ovviamente non esistevano nel 1933 e quindi Noodles non sarebbe stato in grado di sognarli. E asseriscono inoltre che filmare le sequenze successive sotto forma di sogno avrebbe annullato l’effetto tematico e psicologico del film.

I sostenitori affermano invece che varie scene avvalorano la teoria del sogno: per esempio il telefono che squilla ossessivamente nella mente di Noodles è il sintomo di una allucinazione ossessiva provocata dall’oppio ed egli viene immediatamente soccorso da un inserviente della fumeria che gli passa nuovamente la pipa facendolo immergere nuovamente nella storia. Inoltre il film inizia con la musica di God Bless America e nella scena finale corrispondente, le automobili che sfilano cariche di gente che festeggia sono veicoli del 1930 e suonano la stessa canzone.

Alla fine del film, il sorriso di Noodles viene quindi interpretato come il sollievo, nell’accorgersi di aver solo sognato, anche se Noodles sorride poco dopo aver iniziato a fumare oppio. Poco prima della sua morte nel 1989, Sergio Leone tenne una lezione al Centro sperimentale di cinematografia; in questo intervento, il regista affrontò anche la teoria del sogno e spiegò che Noodles, grazie all’oppio, ha una visione del suo futuro. Specificò che si trattava ovviamente di una sua personale lettura del film e che ognuno è invece libero di attribuirgli il significato che preferisce.

Il racconto originale di Clive Barker Macelleria mobile di mezzanotte è stato pubblicato per la prima volta nel 1984 come racconto di apertura del Volume I di “The Books of Blood”, una raccolta di racconti brevi dell’autore. Nel 2008, il regista Ryuhei Kitamura e lo sceneggiatore Jeff Buhler hanno adattato questo scritto in un lungometraggio dal titolo Il killer della metropolitana (inizialmente noto come Prossima fermata: l’inferno). Il film vede Bradley Cooper nel ruolo di Leon, un fotoreporter americano trasferitosi a New York City che si imbatte in un sottobosco abitato da mostri e verità spaventose. Nel corso di questo articolo andiamo ad approfondire tale finale, cercando di fornirne una spiegazione più elaborata.

Cosa bisogna ricordare della trama di Il killer della metropolitana

La trama del film è leggermente ampliata rispetto a quella del racconto breve, come è necessario per adattarla alla durata di un lungometraggio. Nel film, Cooper interpreta Leon, un fotografo desideroso di abbandonare il lavoro commerciale per produrre opere d’arte più crude e pericolose. Una gallerista (Brooke Shields) lo critica per la sua eccessiva prudenza, così Leon inizia a frequentare zone pericolose, nella speranza di fotografare qualcosa di squallido o criminale. Proprio come nel racconto originale, circolano leggende su un serial killer che vive nella metropolitana e infesta i treni a tarda notte.

Leon diventa ossessionato dai crimini della malavita newyorkese, che lo conducono nelle viscere della metropolitana. Il film di Kitamura aggiunge anche un nuovo personaggio, la fidanzata di Leon, Maya (Leslie Bibb), che odia il fatto di stare perdendo il suo ragazzo a causa di uno strano, nuovo e oscuro impulso. Proprio come il racconto breve, il film parla della devozione per New York City e della squallida lealtà che i suoi cittadini sembrano possedere. Leon diventa ossessionato dallo svelarne i segreti. Quando finalmente assiste al killer Mahogany che uccide delle persone e appende i loro cadaveri a ganci da macellaio, Leon è affascinato quanto disgustato.

Il killer della metropolitana è, come si potrebbe prevedere, un po’ più articolato. Il racconto breve non è così complicato da poter essere comodamente inserito nella struttura di un film in tre atti, quindi ci sono lunghe parti in cui Cooper sprofonda nella follia, così come segmenti dedicati al serial killer in cui Mahogany uccide diversi pendolari. Il pubblico vede anche cosa fa Mahogany durante il giorno. Sembra che lavori come macellaio (ovviamente) e che, con una scelta bizzarra, si tagli costantemente enormi verruche e foruncoli dalla pelle.

Cosa succede alla fine di Il killer della metropolitana?

Dopo aver seguito Mahogany fino a tarda notte, le terrificanti teorie di Leon trovano conferma quando assiste all’omicidio brutale delle sue vittime da parte dello psicopatico in giacca e cravatta, che le conserva appendendole a dei ganci nella carrozza. Il muto con il martello cattura poi il testimone oculare, che mette fuori combattimento, lasciando Leon svenuto. Durante questo periodo, il fotografo entra e esce dalla scena dove vede delle mani molto poco umane che controllano il suo corpo, per poi svegliarsi nel mattatoio di Mahogany con strani segni incisi sul petto.

Intanto, la fidanzata di Leon, Maya, è comprensibilmente preoccupata per il comportamento del suo ragazzo e condivide la sua recente ossessione con il loro amico Jurgis (Roger Bart). Insieme, decidono di rintracciare la casa di Mahogany e di introdursi alla ricerca di qualche indizio. Qui i due scoprono però una quantità inutile di strumenti affilati e attrezzi nella sua casa, insieme a barattoli contenenti i noduli cutanei di Mahogany che lui ha rimosso e conservato. Anche se non viene mai spiegato, questo, insieme ai suoi occasionali attacchi di tosse con sangue, suggerisce che Mahogany non è più l’assassino numero uno che era un tempo e che sta indebolendosi.

Dopo essere sfuggita per un pelo all’incontro con il martello di Mahogany, Maya va direttamente alla polizia per denunciare che a New York c’è un serial killer che uccide le sue vittime nella metropolitana. Il detective Hadley (Barbara Eve Harris) però non le crede e continua a dare l’impressione che non ci sia nulla di cui preoccuparsi, stabilendo che non è affatto così e che lei sa però più di quanto lasci trasparire. Hadley, infatti, è pienamente consapevole di ciò che sta accadendo. Dopo essere stata minacciata con una pistola da Maya, consiglia alla sopravvissuta di Mahogany di prendere il treno di mezzanotte dove troverà il suo amico Jurgis.

Con Maya che si avventura freneticamente verso l’ignoto, Leon adotta un approccio più tattico e si equipaggia come Machete per affrontare Mahogany di persona. Attraverso il tunnel segreto che collega il macello alla metropolitana, si avventura armato fino ai denti. Insieme, Leon e Maya attraversano il treno, dove trovano Jurgis appeso a dei ganci insieme ad altre vittime. Tra Mahogany e Leon scoppia una battaglia in cui i due lottano con le unghie, i denti e gli arti mozzati per sopravvivere. Alla fine, Leon ha la meglio e getta Mahogany dal treno prima che raggiunga l’ultima fermata, assicurandosi che tornerà sicuramente per un ultimo spavento.

Il minaccioso Conduttore, una sorta di supervisore di Mahogany, saluta Maya e Leon, che consiglia ai suoi passeggeri di “allontanarsi dalla carne”, spingendoli a fuggire dal treno mentre creature mostruose salgono a bordo per divorare i cadaveri portati a loro. Camminando attraverso la stazione abbandonata, i due notano poi mucchi di ossa e resti di un mondo che risale a secoli fa, prima che abbia inizio la battaglia finale tra Mahogany e Leon. Con Maya priva di sensi, Leon pugnala il suo nemico al collo con una delle tante ossa disponibili, lasciando l’uomo-mostro a sorridere con la bocca piena di sangue.

Con il suo ultimo respiro, Mahogany pronuncia una sola parola, “benvenuto”, accompagnando Leon in un nuovo terrificante viaggio. Lottando per riprendersi da una vittoria agrodolce, le speranze di Leon di mettersi in salvo vengono infrante quando il Conduttore rivela che questi atti orribili sono stati compiuti per tenere a bada orrori ancora peggiori dal mondo in superficie. I mostri che hanno appena dato sfogo alla loro fame sono qui da molto prima che venisse costruita la metropolitana, e i corpi sono un’offerta sacrificale per mantenere lo status quo. Con la posizione ora vacante, il Conduttore nomina Leon, prima strappandogli la lingua, poi rimuovendo il cuore di Maya e mostrandolo al suo ragazzo mentre lei muore.

È una dimostrazione grafica del livello a cui Leon è stato degradato. Senza un cuore affine da amare e costretto al silenzio per sempre, Leon ha perso tutto. La scena finale mostra dunque Hadley che consegna i vecchi orari a un Mahogany ancora sconosciuto, che si rivela essere un alias per la lunga serie di serial killer. Dopo essere saliti sul treno e aver capito che stiamo assistendo alla prima morte mostrata all’inizio del film, vediamo che Leon è stato nominato nuovo Macellaio della Metropolitana con una serie di nuovi cadaveri da consegnare prima che il treno parta lungo i binari.

Seguito di Il padrino del 1972, il film Il padrino – Parte II racconta l’ascesa di Vito Corleone (Robert De Niro) dopo il suo trasferimento in America e la sua trasformazione in criminale. La sua ascesa al potere è contrapposta agli sforzi compiuti decenni dopo dal figlio Michael (Al Pacino) per mantenere il loro impero criminale. Il Padrino – Parte II è dunque sia un sequel che un prequel, che mette in evidenza il costo di queste scelte, soprattutto quando Michael deve affrontare i conflitti tra lui e i suoi cari.

Mentre il conflitto tra Kay (Diane Keaton) e Michael è intriso di drammi personali, sono le azioni di Michael nei confronti di Fredo (John Cazale) a rappresentare il colpo più duro per la famiglia. Questa sottotrama porta al tragico finale del film, che vede Michael trionfante nei suoi obiettivi ma completamente sconvolto dalle sue vittorie. Soprattutto se contrapposto ai flashback dei primi tempi della famiglia Corleone, il finale de Il padrino: Parte II mette in evidenza il tema morale centrale del film e di tutti i film della serie Il padrino.

Il significato dietro l’ultima scena de Il padrino – Parte II

L’ultima scena de Il padrino – Parte II mostra dunque Michael Corleone solo e isolato da coloro che lo circondano, sottolineando il costo delle sue decisioni come capo della famiglia criminale Corleone. Il film, come già detto, è diviso in due parti, che rivelano le origini dell’impero criminale di Vito e gli sforzi del suo figlio più giovane, decenni dopo, per mantenere il controllo dell’organizzazione. Il finale del film contrasta direttamente con le conseguenze dei loro sforzi. Mentre un flashback rivela una famiglia Corleone litigiosa ma alla fine unita sotto la guida di Vito, la storia di Michael finisce con lui veramente solo.

In questo momento, Michael fa i conti con il peso delle sue recenti azioni, tra cui l’ordine di uccidere suo fratello Fredo. Dopo la morte della madre Carmela (che aveva avvertito Michael che non poteva permettersi di perdere altri membri della famiglia), la decisione di Michael di uccidere suo fratello nella parte finale mette in evidenza la disumanità che Michael ha abbracciato, ironicamente per il “bene” della sua famiglia. Ciò si riflette nell’ultima scena, in cui Michael, pensieroso e meditabondo, siede da solo, riflettendo sulle sue scelte e sull’impatto delle sue azioni.

Perché Michael ha ucciso Fredo?

Nel film, Fredo rivela inavvertitamente a suo fratello di aver collaborato con il boss rivale Hyman Roth, mettendo così la sua vita in grave pericolo. Durante un confronto, Fredo rivela poi di aver tradito Michael per gelosia. Fredo era frustrato e amareggiato dalla decisione di Vito di ignorarlo e nominare Michael come nuovo leader. Questo alimenta le insicurezze di Fredo su come viene percepito dalla famiglia. Anche se Fredo e la loro sorella Connie implorano Michael di perdonarlo, Michael alla fine decide di far assassinare Fredo durante una battuta di pesca.

Questo momento è specificamente contrapposto all’omicidio di Roth e alla morte dell’ex alleato di Michael, Frank Pentangeli. Ciò li contrappone direttamente al massacro dei nemici dei Corleone durante il finale de Il Padrino. Entrambi gli eventi hanno isolato Michael dai suoi cari, pur affermando il suo potere. Tuttavia, la morte di Fredo pesa chiaramente su Michael in modo diverso rispetto agli altri omicidi che ha organizzato, creando un breve flashback su una notte cruciale per la famiglia anni prima.

Il vero significato del flashback

Il flashback alla fine de Il padrino – Parte II aggiunge quindi tragici livelli alla discesa di Michael nella malvagità palese. La sequenza è ambientata nel 1941, anni prima degli eventi de Il padrino, e vede la famiglia riunirsi per festeggiare il compleanno di Vito. Con sorpresa dei suoi fratelli, Michael annuncia che abbandonerà l’università per arruolarsi e combattere nella seconda guerra mondiale. È interessante notare che Fredo è l’unico dei suoi fratelli a sostenere questa decisione, il che evidenzia quanto fossero legati i due e come Fredo sostenesse il suo “fratellino” prima di tradirlo anni dopo.

La sequenza si conclude con la famiglia che parte per raggiungere Vito, lasciando Michael da solo. Questo senso di isolamento dalla sua famiglia, causato dalle sue scelte, pesa chiaramente su Michael. La situazione peggiora più di dieci anni dopo, quando un Michael più anziano e più duro riflette su come sia diventato ancora più isolato. Mentre gli sforzi di Vito non gli sono mai costati la famiglia, Michael è separato dalla moglie, tradisce attivamente la fiducia della sorella e uccide il fratello. Gli sforzi di Vito lo hanno trasformato in un mostruoso boss del crimine, ma la sua famiglia era al sicuro e felice. Michael non ha questo conforto, tutto a causa delle sue scelte.

Come la storia di Vito rende più triste il finale de Il padrino – Parte II

Al centro delle scelte di Vito e Michael ne Il padrino – Parte II c’è il desiderio espresso di proteggere le loro famiglie. Sebbene Vito fosse un killer spietato in gioventù e fosse salito al potere grazie alla sua disponibilità a commettere atti terribili, i suoi sforzi per proteggere e migliorare la posizione della sua famiglia alla fine hanno avuto successo. La sua festa di compleanno è celebrata con gioia dalla moglie e dai figli, mentre Michael viene rimproverato apertamente per essersi arruolato, perché questo compromette le speranze che la famiglia ripone in lui. Alla fine, la storia di Vito è agrodolce e violenta, ma in definitiva felice.

Questo contrasta direttamente con l’ultima scena de Il padrino – Parte II, che rivela che Michael è davvero solo. I suoi sforzi hanno arricchito la famiglia Corleone, ma l’hanno divisa più che mai. Mentre la storia di Vito si conclude con la sua famiglia entusiasta di vederlo, quella di Michael finisce con i membri della famiglia morti per suo ordine o furiosi per le sue scelte. Questo si riflette poi in Il padrino – Parte III, che riprende il finale del secondo film e completa il tragico arco narrativo di Michael spazzando via ulteriormente i suoi cari e lasciandolo veramente ed eternamente solo.

Il vero significato del finale de Il padrino – Parte II

Al centro de Il padrino – Parte II c’è dunque la rovina delle speranze di Michael di essere un uomo migliore di suo padre. Vito avrà anche fatto cose terribili, ma lo ha sempre fatto in nome della famiglia. Questo gli ha permesso di vivere molti anni felici come Don Corleone, con una famiglia che lo amava. Sebbene la ricchezza e il potere che garantivano alla famiglia sicurezza e gioia superficiali siano rimasti, gli sforzi di Michael per eliminare i suoi nemici gli sono costati quella stessa famiglia che lui e suo padre avevano cercato di rendere legittima.

In questo modo, Michael è diventato più potente di Vito, ma ha tradito le sue ambizioni. Entrambi volevano che la famiglia intraprendesse un percorso verso la nobiltà, ma l’approccio spietato di Michael gli è costato tutto ciò che desideravano davvero. Il film si conclude con Michael vittorioso ma distrutto, un uomo solo nell’impero che lui stesso ha creato. Il vero significato del finale de Il padrino – Parte II sottolinea quindi che il costo del potere è troppo alto quando viene pagato a spese della famiglia e dell’umanità, lasciando il nobile Corleone, un tempo solitario, come il più crudele di tutti.

Il thriller di John Barr, Dangerous Waters racconta la storia di Rose (Odeya Rush), convinta dalla madre Alma ad accompagnarla in una gita in barca con il suo nuovo fidanzato, Derek. Tuttavia, il loro viaggio si trasforma presto in un incubo quando il passato oscuro dell’uomo viene alla luce. Rose, bloccata in mare, senza alcun aiuto, dovrà dunque lottare per la propria vita per tornare alla sicurezza della terraferma. Nonostante la trama sia incentrata sull’azione di una sola donna, la storia del film rimane ancorata al realismo, offrendo una narrazione avvincente sulle disavventure in cui Rose viene coinvolta. In questo articolo, ci concentriamo allora sul finale, andando a scoprire come si risolve la vicenda.

L’incidente scatenante di Dangerous Waters

Il film inizia dunque con Rose e sua madre Alma che organizzano un viaggio con Derek, il nuovo fidanzato di Alma. Rose non vuole fare da terzo incomodo durante il viaggio, ma dato che Alma è troppo ansiosa di presentarle Derek, non può rifiutare la proposta. Quando si incontrano per la prima volta, Rose ha l’impressione che lui stia cercando troppo di fare colpo, mentre sua figlia è già troppo presa da lui. Derek ha pianificato alcuni giorni fantastici per loro, da trascorrere in mezzo al mare senza essere disturbati. Tuttavia, Rose non si sente affatto al sicuro con questo programma, poiché ha troppa paura di stare in acqua.

Ad ogni modo, il viaggio inizia e dopo un paio di contrattempi i due iniziano a legare. Rose scopre che Derek era un agente di polizia e ora lavora come consulente per la sicurezza. Trova poi un fucile AR15 e delle pistole nascoste nella cabina della barca. Cerca così di imparare a sparare con tale arma. Una notte, mentre Rose dorme, sente un rumore sul ponte. Quando guarda fuori, vede un paio di uomini che litigano con Derek, il che porta alla morte di Alma e a Derek, che vengono colpiti dai proiettili. Gli sconosciuti cercano poi di bruciare la barca. Tuttavia, dopo che se ne sono andati, Rose riesce in qualche modo a spegnere il fuoco e a resistere.

Rose cerca vendetta

Sulla barca non c’è nulla che funzioni correttamente, poiché il fuoco ha danneggiato quasi tutto. Rose trova alcuni vestiti e copre il corpo di Alma perché vuole darle un funerale dignitoso quando e se riuscirà a tornare a casa. Cerca di raccogliere tutto ciò che potrebbe aiutarla a sopravvivere alle difficoltà che l’attendono. Il fiocco è completamente bruciato, quindi sta praticamente galleggiando in mezzo al nulla. All’improvviso, trova Derek che è in realtà sopravvissuto e cerca aiuto perché, dopo essere stato colpito alla mano sinistra, è caduto in acqua.

Rose tira Derek sul ponte e gli chiede consiglio su come sopravvivere alla situazione. Derek chiede a Rose di mettere il fiocco di riserva sull’albero. Rose lo fa e, con il passare del tempo, vengono trasportati dal vento e dalla corrente. Rose trova delle foto degli uomini che hanno attaccato quella notte all’interno della cabina. Nelle foto, vede Derek in compagnia di quegli uomini. Comincia quindi a sospettare di lui ma il ragazzo è la sua unica speranza per sopravvivere a questa situazione disperata.

Dopo un po’, Rose trova un’isola in mezzo all’oceano e decidono di avventurarsi sull’isola in cerca di aiuto. Tuttavia, si scopre che l’isola è già deserta e non c’è alcuna speranza per loro di sopravvivervi. Quindi, Derek vuole continuare a navigare, ma dato che è già molto tardi, decide di passare la notte sull’isola. Durante quella sosta, Derek racconta a Rose come è entrato in affari con i tizi che li hanno attaccati quella notte. Le racconta del Capitano che si circonda di giovani donne. Tuttavia, dato che Rose sa così tanto dei suoi affari loschi, Derek non può più correre il rischio di lasciarla in vita.

Quindi, cerca di ucciderla, ma lei in qualche modo sopravvive nascondendosi nella giungla dell’isola. La mattina seguente, Derek vede Rose correre verso la barca e tenta di spararle. Nel farlo scivola da una scogliera e cade sulla sabbia, ferendosi gravemente. Derek chiede a quel punto aiuto a Rose ma lei non si lascia più ingannare e lo colpisce con una pietra. Lascia poi l’isola senza tenere per sé l’EPIRB. Derek le dice che l’EPIRB non funziona, ma sta chiaramente mentendo. In ogni caso, Rose riesce a salire sulla barca e a fuggire da Derek, sapendo che non lo incontrerà più in futuro.

Come il film finisce

Sebbene Rose non abbia letteralmente idea di come sopravvivere, decide di galleggiare e rimanere in vita il più a lungo possibile. Arriva un momento in cui imbarca acqua da tutte le parti, quindi abbandona il mezzo e si trasferisce nella scialuppa di salvataggio. Tuttavia, durante questo processo, Rose cerca di mettere il corpo della madre nella scialuppa di salvataggio, ma alla fine questo va perso in mare. Rose piange impotente e rimane sola nella scialuppa di salvataggio. Un mattino, poi, vede una nave non molto lontana dalla sua posizione. Quindi accende una torcia. Tuttavia, a causa del sole, la nave deve averla mancata e la piccola possibilità che Rose ha sembra essere andata perduta.

Ma quella notte, un motoscafo si avvicina a lei e la porta su una nave. Rose pensa di essere stata salvata. Tuttavia, le ci vuole un po’ di tempo per capire che ora si trova a pochi metri dalla persona che ha ucciso sua madre, il capitano (Ray Liotta). Sapendo che il suo destino sarà lo stesso, Rose decide di elaborare un piano. Sa che il capitano vorrà parlarle da solo, quindi si consegna a lui, cogliendolo di sorpresa. Lo convince a cadere nella sua trappola e, quando lui è distratto, lo colpisce alla testa da dietro. Così il capitano muore e i suoi uomini danno la caccia a Rose. Come abbiamo visto in precedenza, lei è però un’abile tiratrice e il suo istinto di sopravvivenza le permette di uccidere tutti gli uomini sulla nave.

Tuttavia, alla fine, incontra il suo destino, ovvero Derek. Lui ha attivato l’EPIRB, ed è per questo che il capitano è venuto a cercarlo con la sua nave. Ha sistemato le cose con il capitano, quindi non l’ha ucciso. Tuttavia, con la pura determinazione di sopravvivere, Rose riesce a uccidere Derek una volta per tutte. Quando tutto questo è finito, le ragazze all’interno della nave salgono sul ponte e mostrano a Rose che sono vicine alla città. Lei viene poi interrogata dall’agente Richard Friedman, che conosce tutta la storia e non mostra altro che rispetto nei suoi confronti. Rose avrà anche perso la sua famiglia rimasta là fuori in mare, ma è riuscita a salvare tante ragazze che possono ora tornare dalle loro famiglie.

Uscito nel 1953 e diretto da William Wyler, Vacanze romane è considerato uno dei più raffinati esempi di commedia romantica hollywoodiana, capace di fondere con grazia elementi di avventura, humour e sentimento. Ambientato nella Roma del dopoguerra, il film rientra nel filone di questa tipologia di opere degli anni ’50, ma con una freschezza e un’eleganza che lo distinguono dai titoli coevi. Il ritmo narrativo, equilibrato tra momenti leggeri e passaggi più malinconici, e la cura nella rappresentazione dei luoghi, contribuiscono a trasformare la storia in un racconto sospeso nel tempo, che ancora oggi conquista nuove generazioni di spettatori.

A dare vita alla magia di Vacanze romane sono soprattutto i suoi due protagonisti: Audrey Hepburn, al suo primo ruolo da protagonista, e Gregory Peck, già star affermata del cinema americano. Hepburn, nei panni della principessa Anna, incarna un equilibrio perfetto tra regalità e spontaneità, regalando un’interpretazione che le valse l’Oscar come miglior attrice. Peck, nei panni del giornalista Joe Bradley, è il contrappunto ideale: misurato, ironico e dotato di un carisma che rende credibile l’evoluzione del loro rapporto. La chimica tra i due attori, unita alla scrittura brillante e alla regia elegante di Wyler, ha reso la loro coppia una delle più iconiche della storia del cinema.

A distanza di oltre settant’anni, Vacanze romane continua a essere amato per la sua capacità di trasportare lo spettatore in un mondo in cui l’amore e la libertà si intrecciano con il fascino di una città senza tempo. Le scene girate in esterni a Roma, insolite per le produzioni americane dell’epoca, conferiscono al film un realismo e una vivacità unici, trasformando le strade, le piazze e i monumenti in veri e propri personaggi. Nel prosieguo di questo articolo scopriremo quali sono le principali location utilizzate durante le riprese e in che modo esse sono state integrate nella narrazione, contribuendo a rendere il film un classico immortale.

La trama di Vacanze romane

Il film racconta la storia della principessa Anna (Audrey Hepburn) in visita a Roma per l’ultima parte del suo viaggio diplomatico nelle principali capitali europee. Al termine di un lungo ed estenuante incontro in ambasciata, la principessa, stanca a causa di tutti i suoi impegni reali, si abbandona a una crisi di nervi. Il medico di corte decide allora di somministrarle un sedativo affinché si riposi sufficientemente ma, prima che il sedativo faccia effetto, la principessa riesce a fuggire dal palazzo e ad addentrarsi nelle piccole vie di Roma, perdendovisi. Poco dopo, a causa degli effetti del sedativo, viene trovata mezza addormentata da un affascinante reporter statunitense, Joe Bradley (Gregory Peck)

L’uomo, senza riconoscerla, decide di aiutare la fanciulla dandole ospitalità per la notte nel suo appartamento. Il giorno dopo, recandosi presso la redazione del suo giornale, Joe comprende chi sia la sua ospite e così, preso dall’entusiasmo, promette al suo capo un articolo esclusivo sulla principessa. A quel punto l’uomo, dopo aver ingaggiato per la giornata un amico fotografo, raggiunge l’ospite e, omettendole volontariamente di essere un reporter, si offre di farle da guida per una giornata di svago tra le meraviglie di Roma. Così, i due, accompagnati dalle bellezze della Città Eterna, passeranno insieme una giornata pronta a rivelarsi migliore di quanto avessero mai immaginato.

Le location del film, da Palazzo Brancaccio al Colosseo

Vacanze romane, come anticipato, è celebre non solo per la sua storia d’amore e per la coppia di protagonisti, ma anche per l’uso straordinario delle location reali di Roma, insolito per le produzioni hollywoodiane dell’epoca. Tra i luoghi più iconici compare Via Margutta, dove si trova l’appartamento del giornalista Joe Bradley. Le inquadrature esterne, in particolare quelle del civico n. 51, immortalano la via con la sua atmosfera artistica e riservata. Gli interni dell’ambasciata in cui alloggia la principessa Anna furono invece ricreati a Palazzo Brancaccio, le cui sale riccamente decorate offrono uno sfondo sontuoso alla fuga della giovane.

L’esterno dell’ambasciata venne invece ambientato a Palazzo Barberini, imponente residenza barocca che contribuisce a definire il contrasto tra la rigidità dell’ambiente reale e la libertà che Anna sta per scoprire. Tra i momenti più memorabili del film spicca poi la scena alla Bocca della Verità, girata davanti alla chiesa di Santa Maria in Cosmedin, dove l’interazione tra i due protagonisti unisce leggenda e romanticismo. Altrettanto significativa è la sequenza nel piccolo salone di Via della Stamperia, dove Anna decide di tagliarsi i capelli: un gesto simbolico di ribellione e cambiamento.

Poco dopo, la narrazione si sposta verso la Fontana di Trevi, che appare mentre la principessa lascia il negozio e si immerge tra le vie affollate della città. La scalinata di Piazza di Spagna, con la prospettiva su Trinità dei Monti, è invece il luogo dove Anna si concede un momento di spensieratezza, gustando un gelato e osservando la vita cittadina. Da qui inizia la celebre corsa in Vespa attraverso Roma, che attraversa luoghi come il Teatro di Marcello e conduce fino al Colosseo, mostrato in una delle sequenze più vivaci e iconiche della pellicola.

Il film include anche scorci del Foro Romano e di Via dei Fori Imperiali, inseriti sia nelle prime fasi della narrazione sia in passaggi intermedi, a testimonianza della centralità dei monumenti antichi nel tessuto visivo della città. Il momento conclusivo della storia, con la conferenza stampa della principessa, si svolge nella Galleria di Palazzo Colonna, uno degli spazi più maestosi di Roma, la cui eleganza conferisce solennità e malinconia all’addio tra i protagonisti. L’uso di queste location ha reso Vacanze romane una testimonianza cinematografica unica della città negli anni ’50, trasformando le vie, le piazze e i monumenti in elementi narrativi tanto importanti quanto i personaggi stessi.