Diretto da Santiago Mitre e interpretato dal divo argentino Ricardo Darín, Argentina 1985 è un viaggio emozionante e divertentissimo in un periodo doloroso ma di grande riscatto nella storia del Paese dell’America del Sud. Il film è stato presentato nella sezione in Concorso della selezione ufficiale della 79° Mostra Internazionale di Venezia.

La storia di Argentina 1985

Il film è ispirato alla vera storia dei procuratori Julio Strassera e Luis Moreno Ocampo, che nel 1985 vennero incaricati di indagare e perseguire i responsabili della fase più sanguinosa della dittatura militare argentina. Senza lasciarsi intimidire dall’ancora notevole influenza che l’esercito aveva sulla loro fragile, nuova democrazia, Strassera e Moreno Ocampo formarono un giovane team legale di improbabili eroi per ingaggiare la loro battaglia di Davide contro Golia. Costantemente minacciati, insieme alle loro famiglie, lottarono contro il tempo per dare giustizia alle vittime della giunta militare.

L’ironia è la chiave del racconto

Santiago Mitre e Mariano Llinás firmano un copione brillante, che stempera tutti gli aspetti più spaventosi e minacciosi della storia vera legati a Strassera e alla sua squadra, pur restituendo una grande dignità ai testimoni e a coloro che hanno affrontato lo stress di testimoniare davanti agli imputati le terribili esperienze vissute nel periodo della dittatura. Il film che ne viene fuori è proprio così, commovente e brillante, in alcuni passaggi esilarante, una caccia alla giustizia in nome di una democrazia appena conquistata che ha fatto di Strassera e della sua squadra un gruppo di eroici combattenti sotto l’egida della fiducia nella legge.

Mitre si mette completamente al servizio della storia, dando costante ritmo alla narrazione della vicenda con grande spirito. Ricardo Darín è poi un mattatore di grande classe, il suo Julio Strassera è infaticabile, ligio, onesto e retto, ma è anche spiritoso, ironico, divertente, infaticabile e sempre pronto a mettersi in gioco, anche di fronte alle minacce rivolte alla sua famiglia, che nel film ha un ruolo di primo piano e che è interpretata da attori magnifici.

Una pagina di storia fondamentale per l’Argentina

L’ironia è per Mitre l’arma con cui rielaborare una pagina fondamentale nella storia del suo Paese: all’epoca dei fatti, Mitre era ancora un bambino ma senza dubbio il guardare a quel processo, a quello che ha significato, alle forze in gioco in quel momento attraverso una lente di parziale leggerezza gli ha permesso di raggiungere anche la giusta distanza emotiva, per regalare al pubblico un film avvincente ed emozionante, che arriverà su Amazon Prime Video.

Ci sono voluti più di 10 anni e il sostegno di una produzione danese per realizzare un film come Innocence. Guy Davidi, regista e sceneggiatore israeliano, ha messo in piedi un documentario critico e toccante. Innocence affronta un tema di punta per i giovani d’Israele: il servizio militare obbligatorio.

Presentato alla 79ª Mostra internazionale di Venezia nella sezione Orizzonti, Innocence è prodotto da Danish Documentary Production, Medalia Productions, Making Movies  e Real Lava Sagafilms.

Di cosa parla Innocence

Innocence è un collage di testimonianze che parla di forze armate mettendo in primo piano i due suoi maggiori nemici: innocenza e sensibilità. In Israele, fin da  bambini i cittadini imparano le gesta e l’importanza dell’esercito. Attraverso un’opera di storytelling che inizia all’asilo, gli israeliani vengono incoraggiati a prestare servizio militare. Così, non appena compiono 18 anni sono obbligati a unirsi all’esercito: i ragazzi per 36 mesi, le ragazze per 24.

Il regista del film Guy Davidi sceglie quindi di creare una narrazione opposta: invece di cantare le gesta dei soldati, racconta di coloro che, costretti al servizio militare, hanno perso la vita: c’è chi è rimasto ucciso e chi ha scelto il suicidio. Unendo video amatoriali, interviste ai parenti delle vittime, lettere d’addio, disegni e riprese sul campo, Innocence mostra la perdita d’innocenza a cui sono costretti i ragazzi d’Israele.

Dall’olocausto alla militarizzazione

Fino a che punto la narrazione dell’olocausto è storia e quando diventa invece uno strumento politico? Questa è la tagliente domanda che Davidi vuole porre al pubblico, in primo luogo ai suoi concittadini. Oggi l’Israele è abilissimo nella narrazione dell’utilità e dell’eroicità del proprio esercito. Facendo leva sui soprusi subiti dagli ebrei durante la Seconda Guerra Mondiale, il governo sembra giustificare la necessità di avere delle forze armate potenti e pronte a difendere i cittadini.

Mostrare la realtà in modo critico

L’autore smonta completamente la legittimazione della violenza messa in piedi dal governo israeliano. Per riuscire nella sua operazione, il regista non fa altro che servirsi della realtà: prende i video amatoriali realizzati tra le mura domestiche, riprende i bambini che giocano vicino al confine militare, si reca nelle scuole dove le maestre spiegano ai bambini e ai ragazzi le gesta dell’esercito. Da tutto questo materiale vero, calato negli eventi e nella quotidianità, scaturisce in maniera naturale il documentario. Non serve aggiungere altro, la realtà si commenta da sola.

Il punto di vista dei deboli: i bambini

L’operazione del regista gira tutta attorno all’arte del raccontare: mostra il lato oscuro della politica di militarizzazione adottata dal suo Paese. In particolare, pone luce sulle storie non raccontare e sulle personalità non adatte alle armi. In una parola, i deboli. La debolezza però non viene condannata e neppure compatita. Davidi vuole far prendere coscienza dell’esistenza di essa, cosa che non avviene di frequente in Israele.

Chi sono, per eccellenza, i deboli, le creature da proteggere? I bambini. È l’autore stesso ad esprimere il suo interesse per i più piccoli. ”Non c’è niente che mi tocchi di più della sensibilità di un bambino quando scopre il mondo, e non c’è niente che mi ferisca di più che vederla annientata. Israele non è un luogo in cui si valorizza l’innocenza.”

Un percorso a tappe

Per arrivare al cuore dello spettatore, Davidi inizia il suo documentario mostrando i disegni dei bambini, opere per eccellenza sincere e innocenti, che però raffigurano i soldati. Da qui, step dopo step, segue la crescita di un cittadino: la fine delle scuole, l’inizio dell’addestramento, il giuramento, tutti i passaggi che, a poco a poco, tolgono innocenza ai giovani israeliani.

Dopo l’introspettivo ed enigmatico Il bene mio, Pippo Mezzapesa scende sulla Terra, anzi agli inferi, tra i clan della mafia foggiana, raccontando con Ti mangio il cuore, la storia della prima pentita di questo misterioso e terribile (e ancora sconosciuto) spaccato di malavita del Sud Italia.

Ti mangio il cuore, la trama

Puglia. Arso dal sole e dall’odio, il promontorio del Gargano è conteso da criminali che sembrano venire da un tempo remoto governato dalla legge del più forte. Una terra arcaica da Far West, in cui il sangue si lava col sangue. A riaccendere un’antica faida tra due famiglie rivali è un amore proibito: quello tra Andrea, riluttante erede dei Malatesta, e Marilena, bellissima moglie del boss dei Camporeale. Una passione fatale che riporta i clan in guerra. Ma Marilena, esiliata dai Camporeale e prigioniera dei Malatesta, contesa e oltraggiata, si opporrà con forza di madre a un destino già scritto.

Sanguigno, verace, contrastato come la sua fotografia, Ti mangio il cuore vuole essere una tragedia greca in salsa mafiosa che ripropone degli schemi già visti e raccontati abbondantemente da cinema e televisione. E se da una parte la storia è universale e gli interpreti sono intriganti, la confezione finale si perde in formalismi poco ispirati.

L’esordio al cinema di Elodie

Si parla già tanto dell’esordio al cinema di Elodie, che interpreta la femme fatale Marilena e si intuisce presto che non è solo perché la cantante fa notizia come personaggio pubblico. La giovane si scopre dotata di un bel talento istintivo e naturale per il grande schermo, complici forse quei suoi lineamenti così intensi e quegli occhi grandi e affamati di storie. La sua Marilena è irresistibile, sia nella prima parte della storia, quando è l’altezzosa e fiera moglie del boss, sia nella seconda parte, quando è l’amante gravida di un principe mafioso in crisi esistenziale.

Accanto a lei c’è Francesco Patanè che avevamo ammirato ne Il Cattivo Poeta. Qui il giovane interprete genovese si cimenta non solo con un dialetto che non è suo, ma con un personaggio che affronta una vera e propria discesa nell’Ade, a toccare le corde più oscure della sua anima. Intorno a loro un cast di enorme talento (tra gli interpreti ci sono Lidia Vitale, Francesco Di Leva, Michele Placido e Tommaso Ragno) che impreziosisce una storia di grande ambizione ma di tiepida esecuzione.

Ti mangio il cuore si ammanta di grande passionalità e ferocia, vorrebbe essere un affresco crudo e spietato di una realtà ancora nascosta, ma non esprime con i fatti questa intenzione esplicata nel titolo e in definitiva la sua ambizione tragica non trova riscontro nell’esito.

Isabelle Huppert torna nei panni di una forzuta protagonista, tanto nella mente quanto nello spirito, con La Sindacalista, film presentato nella sezione Orizzonti a Venezia 79, di Jean-Paul Salomè. Solo lo scorso anno, la Huppert aveva interpretato un personaggio similare nel film La promessa – Il prezzo del potere di Thomas Kruithof e presentato sempre nell’ambito di Orizzonti. Nel cast Grégory Gadebois, François-Xavier Demaison, Pierre Deladonchamps, Alexandra Maria Lara, Gilles Cohen, con la partecipazione di Marina Foïs e Yvan Atta.

Nonostante l’attrice francese si confermi un’interprete straordinaria, capace di trainare l’intera narrazione, La Sindacalista risulta un film fin troppo didascalico e senza un tono preciso, quando dovrebbe giocare attentamente con il concetto di dubbio e le differenti prospettive sorte attorno a una vicenda contorta e inspiegabile: l’attacco alla sindacalista Maureen Kearney.

La Sindacalista: Isabelle Huppert è Maureen Kearney

La Sindacalista è la storia vera di Maureen Kearney, la principale rappresentante sindacale di una multinazionale nucleare francese e che diventò un’informatrice segreta, denunciando accordi top-secret che sconvolsero il settore nucleare del Paese. Sola contro il mondo, ha combattuto con le unghie e con i denti contro i ministri del governo e i leader dell’industria per portare alla luce lo scandalo e difendere più di 50.000 posti di lavoro. La sua vita è stata sconvolta quando è stata violentemente aggredita nella sua stessa casa, aggressione a cui è seguita un’indagine discutibilissima, pur trattandosi di un caso davvero delicato. Improvvisamente, nuovi elementi arrivarono a creare dubbi ne perplessità nella mente degli investigatori: è così che, da vittima, Maureen diventa sospettata.

La storia di Kearney è, prima di tutto, la storia di un’eroina: Salomé vuole approcciarsi al tribolato racconto di una vicenda sconcertante in questo modo, rendendo Isabelle Huppert padrona dello schermo a tutti gli effetti. Anche nei frangenti meno coinvolgenti, riusciamo quanto meno a cogliere sul volto e tramite la fisicità dell’Huppert, la sofferenza di una donna che non può raccontare la sua verità.

Un film “televisivo” e senza un ritmo coerente

Maureen Kearney non è una “vittima” facile, ed è per questo che la polizia non tarderà a dubitare della sua dichiarazione: è scaltra, determinata e integerrima, ma nasconde una personalità molto più sfaccettata. Sono proprio le fragilità di Maureen a renderla un personaggio femminile interessante sullo schermo; Salomè riesce a rendere giustizia a una vittima reale e riesce sicuramente a creare un personaggio coerente sulla carta. Il difetto principale de La sindacalista sta però nella gestione del ritmo e del tempo del racconto: il dubbio si insinua nella sfera professionale e famigliare di Maureen, e il cambio di prospettive – vero fulcro drammatico del film – arriva soltanto quando l’attenzione dello spettatore è ormai già persa. Manca una giusta direzione degli attori, che non riescono a seguire Maureen nelle sue implausibili divagazioni, uno stato mentale concettualmente intricato, ma banalizzato in una visione complessiva da “racconto di cronaca” che forse sarebbe stato più agevole per il formato televisivo.

Maureen è sola contro uomini che fanno parte dell’élite, vengono dalla grande école, ma lei è semplicemente una sindacalista che appartiene al popolo e vuole viverci, per questo viene punita. Il confronto di genere viene messo in chiaro fin da subito da Salomè, in realtà non in maniera totalmente bilanciata, poiché intuiamo che la cinepresa è sempre a favore di Huppert, anche quando il suo personaggio inizia a nutrire dubbi rispetto alle confessioni precedentemente fatte. Un messaggio forte, convalidato da un’attrice pioniera di ruoli femminili vigorosi, non sempre positivi, ma che hanno segnato dei momenti importanti nella storia del cinema – pensiamo a La Pianista, di Michael Haneke (2001) ed Elle, di Paul Verhoeven (2016). Il confronto, in questo caso, non regge, benché Huppert rimanga Huppert e tenti di raccontare la verità del suo personaggio in ogni modo, ma non è seguita da una sceneggiatura che permette di farci conoscere la storia di Maureen Kearney nel modo in cui il film si proponeva.

Sempre con la volontà di farle interpretari personaggi ancorati alla realtà, Salomè si affida completamente all’interpretazione di Huppert per sostenere una storia che vorrebbe essere un thriller paranoico, ma finisce per limitare parecchio un film in cui la parola delle donne, il loro posto nelle sfere di potere e la loro insinuata natura manipolatrice, avrebbe potuto dare molto di più.

In un momento storico in cui registi affermati sembrano rivolgersi a se stessi per trovare ispirazione di nuove storie, anche Emanuele Crialese sceglie di raccontarsi con L’Immensità, film biografico presentato in concorso a Venezia 79.

L’Immensità, la trama

Roma, anni 70: un mondo sospeso tra quartieri in costruzione e varietà ancora in bianco e nero, conquiste sociali e modelli di famiglia ormai superati. Clara e Felice si sono appena trasferiti in un nuovo appartamento. Il loro matrimonio è finito: non si amano più, ma non riescono a lasciarsi. A tenerli uniti, soltanto i figli su cui Clara riversa tutto il suo desiderio di libertà. Adriana, la più grande, ha appena compiuto 12 anni ed è la testimone attentissima degli stati d’animo di Clara e delle tensioni crescenti tra i genitori. Adriana rifiuta il suo nome, la sua identità, vuole convincere tutti di essere un maschio e questa sua ostinazione porta il già fragile equilibrio familiare ad un punto di rottura. Mentre i bambini aspettano un segno che li guidi, che sia una voce dall’alto o una canzone in tv, intorno e dentro di loro tutto cambia.

Impossibile scindere la storia dalla persona con L’Immensità, film per cui Crialese ha rilasciato molte dichiarazioni, tutte attentissime nella scelta delle parole e nell’equilibrio delle affermazioni. Perché se da una parte è legittimo raccontarsi nel profondo attraverso il cinema, è altrettanto legittimo scegliere fino a che punto esporsi. E così il regista sceglie di raccontare la sua adolescenza alla ricerca di un corpo che lo rappresentasse, ma non solo. 

Penelope Cruz diventa la madre di Crialese

L’Immensità è un racconto di famiglie, di tempi che non esistono più, di ispirazioni e di voglia di libertà, di autenticità e di onestà, come comunica la scena molto intensa di Penelope Cruz in chiave almodovariana, che interpreta la madre (di Crialese) e che chiede al padre la libertà di lasciarsi, l’onestà di accettare che quel matrimonio è finito.

Forse proprio per il grande coinvolgimento emotivo che c’è dentro a L’Immensità, sembra che il racconto di Crialese sia spesso fuori fuoco, disorientato da tanti spunti, alcuni onirici altri terribilmente realistici, con la ferma intenzione di raccontare tanto senza però poi riuscire ad approfondire nulla.

Il racconto di sé

Il risultato è un film che procede per episodi e impressioni, ambientato in una calda luce estiva, affogato in un’emozione fortissima che si avverte ma che non riesce a fluire dallo schermo alla sala e che lascia disorientati. Tra musical e racconto drammatico, autobiografia romanzata e storia di formazione e accettazione, L’Immensità è un film che si fa sommergere dall’incertezza e della reticenza, come quando ci si sente costretti a raccontare un segreto che non si è pronti a condividere.

Olivia Wilde torna dietro la macchina da presa per la seconda volta con uno dei film attesi dai più giovani della Mostra del Cinema di Venezia 2022: Don’t Worry Darling. La scelta dei due protagonisti per questa prima incursione della Wilde nel thriller psicologico è ciò che ha attirato attenzione mediatica nei confronti del progetto: Harry Styles e Florence Pugh sono gli interpreti principali di un film che rappresenta un grande passo indietro rispetto all’esordio registico della Wilde, Booksmart – La rivincita delle sfigate, in cui emergeva chiaramente tutta la sua creatività. Contenuta da un budget sostanzioso, che punta tutto sul casting e sulla spettacolarizzazione di due delle icone giovani più amate del momento, Don’t Worry Darling è un film dimenticabile e fuori tempo massimo, con qualche intuizione interessante ma che si perde nello stesso meccanismo gestionale che attanaglia i suoi protagonisti.

Benvenuti al progetto Victory

Don’t Worry Darling segue le vicende Alice (Florence Pugh) e Jack (Styles) una giovane e appartentemente felicissima coppia che vive nella comunità idealizzata di Victory, una città aziendale sperimentale che ospita gli uomini che lavorano per il progetto top-secret chiamato appunto Victory e le loro famiglie. L’ottimismo della società degli anni Cinquanta, propugnato dall’amministratore delegato Frank (Pine) – in egual misura visionario dell’azienda e life coach motivazionale – sostiene ogni aspetto della vita quotidiana nell’affiatata utopia del deserto.

Mentre i mariti trascorrono ogni giorno all’interno del quartier generale del Victory Project, lavorando allo “sviluppo di materiali avanzati”, le loro mogli – tra cui l’elegante compagna di Frank, Shelley (Chan) – passano il tempo a godersi la bellezza, il lusso e la dissolutezza della loro comunità. La vita è perfetta, con tutti i bisogni dei residenti soddisfatti dall’azienda. Tutto ciò che chiedono in cambio è discrezione e impegno indiscusso per la causa di Victory.

Laddove una Florence Pugh – che ormai ha consolidato la propria figura di giovane promessa del cinema – riesce a prendere le redini del film e a offrire quanto meno una performance in linea con le precedenti, Harry Styles sembra non riuscire ad afferrare completamente la psicologia della sua dolce metà, inserendosi in maniera ottimale nel contesto patinato e anni ‘50 del film, concorde con il carisma che ha sempre esibito nelle performance canore, ma senza quella consapevolezza e raffinatezza che lo avevo innalzato in Dunkirk di Christopher Nolan. Un ruolo in cui serviva espressività più che parole, e con cui si è iniziato a parlare di una sua possibile carriera anche nell’ambito della recitazione.

Don’t Worry Darling, un passo falso per Olivia Wilde

Don’t Worry Darling  è un film derivativo e questa è forse la delusione più grande se pensiamo che a dirigerlo è stata la stessa Olivia Wilde che, con arguzia e una regia frizzante, si era imposta nella scenda indipendente con il primo film Book Smart – La rivincita delle sfigate. La forte componente femminile, tanto sulla scena quanto da un punto di vista ideologico, viene completamente meno in una sceneggiatura che richiama tantissimo Black Mirror, non in termini di lungimiranza narrativa, anzi, quanto più nella spettacolarizzazione del pericolo e delle insidie che si nascondono all’interno di cornici tecnologiche apparentemente perfette.

Non stiamo parlando di un’aggiunta significativa al fuori concorso di Venezia 2022, ma Don’t Worry Darling  ha una nota di merito importante: sarà un film che richiamerà l’attenzione e la presenza del pubblico nelle sale, e che potrà comunque soddisfare il palato degli appassionati di thriller grotteschi senza troppe pretese. Tantissimi i riferimenti iconografici, tra Shutter Island e The Truman Show, passando per Sucker Punch e Stepford Wives, che racchiudono Don’t Worry Darling in una morsa di citazionismo e dinamiche interne ai personaggi che non conoscono suspense o un crescendo tensivo che ne legittimi un comparto visivo così prorompente.

Se Don’t Worry Darling  si consacrerà come un passo falso nella carriera di Florence Pugh, questo non ci è dato dirlo, ma l’auspicio è che Olivia Wilde faccia presto ritorno alla scena indipendente, presentandoci personaggi che possano davvero lasciare il segno e non vivere nell’ombra dell’icona che li interpreta. Le donne di Victory si coalizzano contro un sistema che le rende impotenti, le ha sottratte dalle responsabilità che volevano avere, contrapponendole a uomini di tutto punto, che nascondono più di un segreto. La verità è che due semplici ragazze di 17 anni, Amy e Molly, avevano raccontato molto più della solidarietà femminile in Booksmart, celebrandola in tutte le sue sfaccettature. Le donne di Don’t Worry Darling, invece, dovrebbero preoccuparsi eccome non solo del progetto Victory, ma anche della sceneggiatura in cui sono state inserite.

Carolina Cavalli esordisce alla regia con Amanda. Il film, presentato nella sezione Orizzonti Extra della 79ª Mostra internazionale di Venezia, abbraccia e racconta le stranezze della gioventù attraverso una serie di personaggi eccentrici e disturbati. Accanto  a Benedetta Porcaroli (Baby, La scuola cattolica, L’ombra del giorno), che veste i panni della protagonista, nel cast di Amanda troviamo Michele Bravi, Galatea Bellugi, Monica Nappo, Margherita Maccapani Misson e Giovanna Mezzogiorno. Il film uscirà nelle sale il 13 ottobre 2022.

La trama di Amanda

Amanda (Benedetta Porcaroli) ha ventiquattro anni ed è un’irrequieta perdigiorno. È da sempre accompagnata da un senso di malessere: sogna di avere un’amica e non ne ha mai posseduta una. I vari traslochi e l’anaffettività dei membri della sua famiglia – ricca e glaciale – non hanno di sicuro aiutato.

Amanda soffre di una forte solitudine. Tuttavia, non appena scopre che da piccolissima passava molto tempo con Rebecca (Galatea Bellugi), figlia di un’amica della madre, si pone un unico scopo: convincere Rebecca a diventare la sua migliore amica. La missione non è semplice, dato che Rebecca passa le sue giornate chiusa nella sua camera da letto…

Amanda è un elogio della stranezza

La regista e sceneggiatrice di Amanda sceglie di fare un film che ruota tutto attorno alle stranezze. Dalle due bambine iniziali che si comportano come adulte snob a bordo piscina, fino ai costumi e alle ambientazioni, tutto appare variopinto e fuori dall’ordinario. Per prima cosa, sono i personaggi ad essere eccentrici. La protagonista è un soggetto stravagante: si comporta come una ragazzina capricciosa e viziata, fa ciò che vuole ma allo stesso tempo rifiuta e critica la famiglia borghese che la sostiene.

Personaggi insoliti

Non sono meno strani di Amanda i suoi famigliari, dal padre fantasma e praticamente afono alla nipote di sette anni che dichiara di amare ”Dio come persona”. E la potenziale amica Rebecca non può che essere una ragazza che soffre di agorafobia. In tutto il film non c’è un personaggio banale o ordinario.

Guardando Amanda, sembra di entrare nella casa di cura de La pazza gioia (Paolo Virzì): nel film c’è così tanta follia da gestire che, per praticità, viene normalizzata. Per questo motivo, il lungometraggio risulta drammatico e divertente allo stesso tempo: le battute arrivano caotiche e inattese, la azioni della protagonista e dei suoi aiutanti sono imprevedibili. Il nonsense domina ogni aspetto del film ma, invece di sminuire la storia, diventa sostanza stessa delle immagini.

Un mondo a colori, ma desaturato

Le tinte di Amanda sono allo stesso tempo variopinte e desaturate: la villa in cui vive la protagonista, come anche quella di Rebecca, i sobborghi, gli abiti dei personaggi, tutto è ricco di sfumature. Da un lato, guardando il lungometraggio sembra di essere dentro uno spot pubblicitario di Gucci, dall’altro c’è una velatura grigia che ricorda le atmosfere di Dogtooth (Yorgos Lanthimos). L’estetica del film rispecchia in tutto e per tutto l’interiorità della protagonista e dei personaggi principali. In Amanda infatti, si parla di anime colorite e esuberanti, ma velate di tristezza e, in ogni caso, outsider.

L’esordio di Michele Bravi come attore

Amanda, nei suoi pellegrinaggi notturni tra cantieri occupati e feste abusive, conosce un ragazzo solitario tanto quanto lei. L’attore che si nasconde dietro alla figura affascinante e gotica è Michele Bravi, giovane cantante italiano che esordisce come attore proprio con questo film. La performance di Bravi è stata messa molto in evidenza nella promozione di Amanda. Forse però, più che a livello di interpretazione, l’interiorità del cantante è in linea con la storia del film. Michele Bravi è un musicista che, nelle sue canzoni e nei suoi spettacoli, parla di dolore, psicoterapia e rinascita per celebrare la diversità e l’accettazione di sé.

Sempre a livello attoriale, Benedetta Porcaroli, l’interprete della protagonista, è abile nei panni della ragazza folle e infantile. La mimica, i movimenti del corpo e il tono delle battute sono realistici e coinvolgenti. Grazie alla sua performance, Porcaroli sa esprimere il senso totale del film e personifica molto bene l’oscillazione di stati d’animo che Carolina Cavalli vuole raccontare.

Lei non ha figli, lui ha una bambina. E si innamoreranno: il nuovo film della regista francese Rebecca Zlotowski si intitola I Figli degli altri e si propone di indagare il ruolo della donna/madre da una prospettiva inedita: quella dei legami con figli che non sono nostri e le conseguenze della gestione di un rapporto del genere qualora dovesse essere reciso. Presentato in concorso a Venezia 79, il quinto film di Zlotowski vede gli attori Virginie Efira e Roschdy Zem interpretare la coppia protagonista e Callie Ferreira-Gonçalves nei panni della piccola Leila.

I Figli degli altri: la matrigna non è più cattiva

Rachel è una donna di quarant’anni, senza figli. Ama la sua vita: gli studenti del liceo in cui insegna, gli amici, il suo ex, le lezioni di chitarra. Quando si innamora di Ali, stringe un legame profondo anche con Leila, la figlia di quattro anni dell’uomo. Le rimbocca le coperte prima di dormire, se ne prende cura, le vuole bene come se fosse sua. Ma amare i figli degli altri è un grosso rischio.

Questa nuova esplorazione della figura femminile a cui si dedica Zlotowski nasce da una profonda esperienza personale e dal desiderio di regalare su schermo una narrazione protagonista a un personaggio da secoli rimasto al margine: la matrigna. Non sono pochi gli inciampi in corso d’opera, il pathos e la faciloneria arrivano spesso a compensare la pregnanza di un racconto per altri versi credibile e, in un certo senso, apripista.

Ciò che rimane e che va al di là di ogni limite tecnico che il film, purtroppo, dimostra, è che Rebecca Zlotowski ha voluto realizzare un film su una generazione di donne – anche per quelle che verranno – per cui la maternità è stata a lungo un’ingiunzione. Non ci sono verità assolute in questo film, ma emerge una forte ideologia, il desiderio di gridare che l’essere donna può comprendere la maternità, ma che l’esperienza di questa può essere fatta anche tramite la cura e l’ascolto che offriamo a chi ci sta intorno, che diventa famiglia senza nessuna forzatura di sorta. La sceneggiatura cerca di unire elementi della quotidianità – nostra e dei protagonisti – ad emozioni che potremmo provare, ed è nell’identificarsi come un totale “what if” che I Figli degli altri trova un’interezza narrativa, che potrebbe toccare l’emotività di molti spettatori.

Un film imperfetto, ma dal cuore percepibile

La storia d’amore ne I Figli degli altri non è solo una: è l’unione di due relazioni intrecciate a cementare il film più emotivo ed espressivo di Zlotowski. Se l’amore tra Rachel e Ali è nato da un’ardente passione, quello tra Rachel e Leila sedimenta nella tenerezza più pura: le due si avvicinano e si distaccano, ma la necessità fisica tende a riavvicinarle mentre navigano in una relazione priva dei solidi punti di riferimento della genitorialità tradizionale. Leila interroga ripetutamente il padre sulla presenza costante di Rachel, e la manciata di parole pronunciate dolcemente dalla bambina feriscono l’insegnante come se fossero schiaffi. Anche Rachel fa domande. Senza risposta, rimangono nell’aria tra i due coniugi, trasformandosi gradualmente in un ostacolo sempre più grande che fa crollare ciò che un tempo sembrava così solido.

Efira offre un’interpretazione al contempo tenue ma potente, che oscilla tra il dolore trattenuto e l’affetto più gentile. Nei panni di Rachel, i suoi occhi seguono Leila nelle stanze in cui non è invitata, con sguardi sottili che traducono l’enorme sentimento che anima questa forma contorta di solitudine. La maternità, un desiderio che non può soddisfare, si realizza attraverso l’istintiva attenzione verso gli altri, che si tratti di uno studente o della sorella minore, piccoli atti di cura che si trovano in una carezza sulla spalla o nello stringersi le mani. Anche in mezzo a un dolore impensabile, Rachel è ritratta da Efira come assolutamente empatica – caratteristica che in alcuni tratti diventa forse stucchevole – ma riesce a trasmettere la maturità emotiva che deriva dal prendere atto che alcune domande sono destinate a rimanere senza risposta.

Le ottime interpretazione de I Figli degli altri sono sfortunatamente accompagnate un tono troppo flessibile, che segue sì la prospettiva di Rachel, nostra luminare in toto, protagonista, narratrice onnisciente e donna, ma che si perde tra la comicità più sfrenata quando non sarebbe richiesta e il doloroso racconto di verità nascoste, drammatizzato fin troppo nella proposta di plurime storyline, tra cui quella della madre biologica di Leila. Tante esperienze di vita estremamente interessanti, ma forse troppe da approfondire per un solo film. L’indugiare nel passato non fa troppo bene a relazioni che devono vivere nel presente narrativo, quello delle scelte, dell’accettazione e, soprattutto, dell’educazione amichevole. Se l’anno scorso in concorso a Venezia abbiamo sperimentato l’idea brutale di maternità che Olivia Coleman aveva in The Lost Daughter di Maggie Gyllenhall, Rebecca Zlotowski si concentra sulla parte più romantica – ma non per forza meno dolorosa – di una maternità nuova, accogliente nelle sue mille sfaccettature. Un racconto non perfetto, ma di cui si apprezza sicuramente il cuore.

Dopo il 2017, Andrea Pallaoro torna in Concorso a Venezia 79 con Monica, un racconto molto intimo di una donna trans che fa i conti con la sua vita passata.

La protagonista torna a casa per la prima volta dopo una lunga assenza. Ritrovando sua madre e il resto della sua famiglia, da cui si era allontanata da adolescente, intraprende un percorso nel suo dolore e nelle sue paure, nei suoi bisogni e nei suoi desideri fino a scoprire dentro di sé la forza per guarire le ferite del proprio passato. Il ritratto intimo di una donna che esplora i temi universali dell’abbandono e dell’accettazione, del riscatto e del perdono.

Già con Hannah, Andrea Pallaoro aveva raccontato la storia di una donna che provava a scendere a patti con una nuova realtà, in questa nuova intima storia, il regista segue la protagonista, interpretata da una splendida Trace Lysette, mentre cerca di riconnettersi con quello che è stata in una vita precedente. Letteralmente. Dopo tanti anni lontana da casa, la donna torna indietro per assistere la madre malata e qui si scontra con ciò che era, una creatura a disagio nel suo corpo. 

Monica, la riappropriazione del passato

Il racconto della transessualità in Monica è originale e delicato, preso da un punto di vista insolito. Al regista non interessa tanto il processo di transizione del corpo della protagonista, quanto la trasformazione della percezione di sé nello specchio degli altri, e non altri qualsiasi, ma la sua famiglia dei sangue: suo fratello e sua madre.

Il percorso di Monica è doloroso, è sofferto, ma è anche molto consapevole. Forte della sua identità conquistata con fatica, la donna si espone al giudizio e al rifiuto, trovando dall’altra parte invece curiosità e, dopo, accoglienza. 

Pallaoro accompagna questo processo con discrezione, osservando da vicinissimo la sua protagonista, senza invaderne mai gli spazi ma rimanendole sempre accanto, come un amico o un confidente, qualcuno che è dalla sua parte, sempre. L’occhio della macchina da presa vuole bene a Monica e la accarezza e la incoraggia ogni volta che può.

Misurata e naturale l’interpretazione di Lysette, che ha incantato il Lido e che, al momento, sembra la favorita per la Coppa Volpi, premio che, nel caso, sarebbe epocale nella storia della Mostra. Che dopotutto quest’anno è più Queer che mai, con le sue storie e i suoi film. Ed era anche ora.

Al di là di questo aspetto preciso, però, Monica è anche una storia di ritorno e di accoglienza, di identità rispetto a ciò che gli altri vedono e sentono rispetto al nostro io. Un viaggio nella percezione di sé attraverso gli occhi di chi dovrebbe amarci incondizionatamente. 

Sembra strano immaginare che, dopo 60 anni, Frederick Wiseman sia tornato a fare un film di fiction, lui che con il suo sguardo sul mondo, lo ha raccontato per molti aspetti meglio di tutti, attraverso i suoi documentari-fiume, eppure, Un Couple, in Concorso a Venezia 79 si annuncia proprio come il grande ritorno del regista a una storia di finzione.

Non è esatto, però, dal momento che il film è in definitiva un soliloquio di Sofia Tolstoj che legge le sue lettere e i suoi diari scritti al marito, nel corso di un matrimonio turbolento, d’uranio 36 anni, con 13 figli di cui solo 9 sopravvissuti, e numerosi litigi e riconciliazioni. Immersa nel giardino La Boulaye, sull’isola di Belle Île, la donna legge/recita le parole che i due si scrivevano pur stando nella stessa casa. Un dialogo continuo, il resoconto di una storia passionale che spesso portava i coniugi allo scontro ma che altrettanto spesso li vedeva riconciliarsi e continuare quel cammino condiviso.

Un Couple, il racconto di una storia d’amore turbolenta

Il lavoro di Wiseman in Un Couple è certosino e monumentale. Lo spirito è sempre quello documentaristico e, quasi, naturalistico, data l’importanza che la natura e la sua vitalità occupa negli appena 64 minuti di film, ma è il lavoro sul testo che lascia sorpresi. L’incredibile mole della corrispondenza domestica dei coniugi Tolstoj è stata ridotta a un monologo coeso e narrativo, che sviluppa una storia d’amore con un inizio e una fine e una serie di montagne russe nel mezzo. Tutto semplicemente attraverso il racconto e la riduzione dei testi di partenza.

Questa formula offre un risultato abbastanza monotono, eppure interessante, soprattutto se mostrato nell’ambito di una Mostra del Cinema, che, mai come quest’anno, sembra giocare sul sicuro con tutta la selezione e che con questo film, invece torna a essere esposizione di linguaggi differenti e non sempre omologati con ciò a cui è abituato lo spettatore medio. 

Anche di fronte alla piatta frontali del quadro, Frederick Wiseman si mostra in tutto il suo genio, mettendo in luce il suo talento di narratore al di fuori degli schemi classici del linguaggio del cinema narrativo.