A distanza di anni dalla prima notizia che il musical di successo sarebbe arrivato al cinema, finalmente Wicked – Parte 1 è disponibile in sala, con Universal Pictures Italia, per incantare sia i fan dello spettacolo di Broadway sia il pubblico generalista, portato in sala dalla magica (e massiccia) promozione che sta accompagnando il film. Cynthia Erivo e Ariana Grande guidano un progetto ambiziosissimo, come accennato, la prima delle due parti previste per il maestoso progetto che però è in grado di reggere benissimo anche da sola. Wicked è un adattamento sontuoso e sorprendentemente attuale, che offre una nuova prospettiva sulla dicotomia tra buoni e cattivi, interrogandosi sulle ragioni del male.

Come mai esiste il male? La grande domanda esistenziale di Wicked

Come sappiamo da Il Mago di Oz, la Strega Cattiva dell’Ovest è la villain della storia, d’altronde il nome è inequivocabile! Tuttavia, in Wicked cerchiamo di capire cosa l’ha resa tale, tanto che la domanda che fa detonare la storia è: come mai esiste il male? È una cosa che nasce con noi o che ci viene instillata? L’enormità, la complessità della risposta che una tale domanda richiede ci porta dentro la storia, in cui la cattiveria di Elphaba (la futura Wicked Witch, appunto) e la bontà di Galinda (quella che diventerà la Strega Buona del Nord) vengono in qualche modo ribaltate, diventando caratteristiche sfumate e mutevoli.

Basato sul romanzo di Gregory Maguire e sull’iconico musical di Broadway del 2003, il film esplora i temi di discriminazione, paura dell’altro e manipolazione politica. Questi motivi, già potenti al debutto teatrale, risultano ancora più incisivi in un clima politico globale sempre più polarizzato e incerto.

Wicked è un trionfo visivo e musicale

Diretto da Jon M. Chu, già noto per In the Heights, Wicked è un trionfo visivo e musicale. Il regista abbraccia un’estetica massimalista che combina il tecnicolor degli anni ’30 con le moderne tecniche di CGI. Dai campi di papaveri digitali alla strada di mattoni gialli, ogni fotogramma è un’esplosione di dettagli e colori che incanta e sovrasta, oltre a essere una vera e propria coccola per gli appassionati del mondo di Oz. Questa attenzione al dettaglio si riflette anche nei costumi di Paul Tazewell e nelle scenografie art déco della Città di Smeraldo, magnificenza pura. Il risultato è un film che sembra un’opera d’arte in movimento, progettata per il grande schermo e destinata a lasciare senza fiato.

Cynthia Erivo e Ariana Grande sono mozzafiato

Così come senza fiato lasciano le performance di Cynthia Erivo e Ariana Grande. La prima, nei panni neri e nella pelle verde di Elphaba, è il cuore del film. Con il suo carattere complesso, Elphaba viene interpretata con una profondità emotiva straordinaria. Erivo non si limita a impressionare vocalmente; la sua performance offre sfumature che invitano lo spettatore a comprendere il dolore e l’isolamento del personaggio. Laddove Idina Menzel ha dato un’interpretazione epica e teatrale a Broadway, Erivo opta per un approccio più intimo e cinematografico, che si adatta perfettamente al mezzo e entra a fondo dentro la particolarità di chi a “troppo a cuore” le ferite del mondo che la circonda. La sua versione di “Defying Gravity“, momento iconico del musical, è emozionante e visivamente spettacolare.

Ariana Grande, invece, affronta il compito impegnativo di reinterpretare Glinda, la Strega Buona. Grande, con il suo look da bambola di porcellana e una intonazione impeccabile, incarna l’apparente perfezione del personaggio. Si cimenta con coraggio in una performance comica che però non regge il confronto con quella che Kristin Chenoweth ha reso celebre a Broadway. La sua Glinda è rigida, il che potrebbe anche essere una scelta consapevole per enfatizzare l’ipocrisia e l’egocentrismo del personaggio, in attesa di una trasformazione redentrice.

Il cast di supporto regge il confronto

Anche i comprimari fanno grande sfoggio di sé. Michelle Yeoh è una presenza magnetica come Madame Morrible, mentre Jeff Goldblum, nei panni del Mago di Oz, porta il giusto equilibrio tra fascino e inquietudine. Jonathan Bailey si distingue come Fiyero, un personaggio che promette molte più sfaccettature di quante questa prima parte abbia mostrato.

Dal punto di vista musicale, Wicked rimane fedele al materiale originale, pur con degli aggiustamenti che il cambio di linguaggio richiedeva: la sequenze di “Dancing Through Life” e “Popular” in particolare, sono state arricchite con coreografie spettacolari e una regia lucida e ordinata, che non rinuncia a evoluzioni ardite e che riesce a sfruttare a pieno la dinamicità del cinema, rispetto alla staticità del teatro.

Alcuni punti in sospeso

Considerato che la durata di questa prima parte coincide con la durata del musical, e soprattutto visto che il film si interrompe su un arco narrativo principale apparentemente chiuso, sarà interessante capire in che modo la seconda parte affronterà quel che rimane della storia e soprattutto in che modo farà luce su alcuni dettagli che sono rimasti volutamente in ombra, come l’origine della pelle verde di Elphaba oppure la sua vulnerabilità all’acqua. Ci aspettiamo anche che il discorso politico del film venga portato avanti e approfondito: già in questa prima parte, la persecuzione degli animali parlanti sembra un’allegoria, neanche troppo velata, della discriminazione razziale e della xenofobia. Ma forse il discorso potrebbe assumere dei contorni più definiti.

Wicked è un’esperienza cinematografica gloriosa ed emozionante, che non solo rende giustizia al musical originale, ma lo espande, rendendolo accessibile a una nuova generazione di spettatori. Con performance memorabili, una colonna sonora senza tempo e una produzione visivamente sbalorditiva, il film di Jon M. Chu si conferma uno dei musical imperdibili degli ultimi anni.

Prodotto da Jennifer Lawrence, che sfrutta la sua posizione di primo piano a Hollywood per dare voce a chi non ce l’ha, il documentario Bread and Roses della regista afghana Sahra Mani, è un grido di protesta che mette in luce le devastanti conseguenze del ritorno al potere dei talebani in Afghanistan nel 2021. Attraverso le storie intime di tre donne, Zahra, Taranom e Sharifa, Mani offre un ritratto ravvicinato di una resistenza viva che si aggrappa con coraggio alla speranza e alla forza della condivisione, nonostante le oppressive restrizioni che hanno trasformato le loro vite in una prigione a cielo aperto.

Bread and Roses ci porta nel cuore dell’esperienza quotidiana

Dalla scena di apertura, Bread and Roses si distingue per la sua scelta stilistica di abbandonare qualsiasi voce narrante o intermediario che guidi lo spettatore. Questa decisione conferisce al documentario un’immediatezza cruda e autentica attraverso la quale Mani ci invita a entrare direttamente nella quotidianità delle protagoniste, affidandosi principalmente alla forza delle immagini e delle loro esperienze. È un approccio che richiede attenzione e rispetto da parte del pubblico, e aggira con agilità l’effetto didascalico di molte opere a tema sociale. La vicinanza ai soggetti non sacrifica mai la chiarezza: il contesto politico e storico emerge con forza dalla narrazione stessa, senza bisogno di espedienti invadenti.

Zahra, Taranom e Sharifa: donne di resistenza

Il cuore pulsante del documentario sono le donne che Mani sceglie di seguire. Zahra, Taranom e Sharifa non sono figure passive né vittime rassegnate, come le vorrebbe il regime afghano. Il film evidenzia la loro determinazione a sfidare uno status quo che nega loro dignità e diritti fondamentali, sono donne che rischiano la vita semplicemente per protestare, per cercare di rivendicare ciò che è stato loro strappato. Il punto di maggiore forza del documentario è proprio quello di riuscire a bilanciare la denuncia delle violazioni dei diritti umani e la celebrazione della resilienza e del coraggio delle donne afghane, che attraverso Bread and Roses dimostrano di avere una voce.

L’intuizione che premia il film è quella di mostrare quanto in fretta sia stata trasformata la vita delle protagoniste: la chiusura delle scuole, il divieto di lavorare, l’imposizione di un regime di segregazione che le costringe agli arresti domiciliari. Ogni aspetto della vita è stato ridotto a un binario rigido e soffocante in cui le donne possono assumere soltanto i ruoli di madri rispettose o vergini educate, altrimenti sono considerate “cattive” e private di qualsiasi diritto. Un dualismo cieco che riduce le donne a strumenti di un ordine patriarcale spietato.

Ribellione e solidarietà

Mani non si limita a documentare l’oppressione. L’energia del film deriva anche dalla capacità di mettere in evidenza i momenti di resistenza, i gesti di ribellione e solidarietà che le donne afghane continuano a compiere, nonostante il pericolo costante. Questo non solo serve a veicolare la speranza tra chi deve affrontare il regima, ma evita che il film diventi un racconto in cui la tragicità della situazione raccontata prenda il sopravvento restituendo un quadro di sola disperazione. L’umanità e la forza delle protagoniste emergono in ogni fotogramma, rendendo evidente quanto sia ingiusto e inaccettabile il silenzio della comunità internazionale.

Bread and Roses invita anche a riflettere su un diffuso malinteso sulla condizione delle donne in Afghanistan, dal momento che riferisce con chiarezza che i diritti delle donne afghane non sono un miraggio mai raggiunto: nel 1919, ottennero il diritto di voto prima ancora delle donne italiane. Le protagoniste del film non lottano per ottenere ciò che non hanno mai avuto, ma per riconquistare una libertà che era stata loro garantita. Questo dettaglio storico rende ancora più evidente la regressione imposta dai talebani.

Con una regia sobria e rispettosa, Sahra Mani ci ricorda che ignorare ciò che accade in Afghanistan equivale a condannare metà della sua popolazione all’oppressione e al silenzio. Bread and Roses è un documentario arrabbiato, che non si fa accecare da quella rabbia e anzi, è commovente e pieno di dignità, invita a non voltare lo sguardo e a riconoscere la forza delle donne che continuano a lottare per la loro libertà.

Ci sono storie che non le puoi semplicemente mettere da parte. Storie che sembrano vivere di vita propria, con la capacità e la consapevolezza di attendere il momento giusto per venire allo scoperto. Storie che anzi ottengono da questa attesa un’accresciuto valore, complice quella certa distanza temporale che permette di osservare le cose da nuove e più attente prospettive. È proprio quello che è accaduto con Napoli – New York, il nuovo film del regista premio Oscar Gabriele Salvatores (Mediterraneo, Il ritorno di Casanova), nato però dalla mente e dalle mani di Federico Fellini e Tullio Pinelli.

Un soggetto scritto sul finire degli anni Quaranta e rimasto nel cassetto per decenni, finalmente riscoperto e infine divenuto film, con il quale Salvatores ha potuto tornare a raccontare temi a lui cari come il viaggio, l’altrove, la solidarietà. Il regista – come da lui dichiarato – ha lasciato pressocché intatta la prima parte del film, rielaborando però quella ambientata negli Stati Uniti affinché si avvalesse di uno sguardo meno idealizzato di quello che si poteva avere quando fu scritto il soggetto. In generale, però, Salvatores ha reso Napoli – New York una favola, nella quale come in tutte le favole si ritrova tanta realtà.

La trama di Napoli – New York: un popolo di migranti

Nell’immediato dopoguerra, tra le macerie di una Napoli piegata dalla miseria, i piccoli Carmine (Antonio Guerra) e Celestina (Dea Lanzaro) tentano di sopravvivere come possono, aiutandosi a vicenda. Una notte, s’imbarcano però come clandestini su una nave diretta a New York per andare a vivere con la sorella di Celestina emigrata anni prima. I due bambini si uniscono ai tanti emigranti italiani in cerca di fortuna in America e, con l’aiuto di Domenico Garofalo (Pierfrancesco Favino), sbarcano in una metropoli sconosciuta, che dopo numerose peripezie, impareranno a chiamare casa.

Napoli ferita ma sempre viva

Tutto parte dunque da Napoli, città ferita dal passaggio della guerra ma sempre colorata, profumata, calorosa in tutta la sua incontenibile vitalità. Una città che ci presenta la definizione perfetta di quell’arte di arrangiarsi che tanto ci è propria, con la sua popolazione sempre pronta a rimboccarsi le maniche e vivere come meglio può alla giornata, senza chinare il capo dinanzi ai traumi della guerra. Una Napoli che con questa veste è stata raccontata innumerevoli volte, dal capolavoro del neorealismo Paisà (sceneggiato anche da Fellini e platealmente citato in Napoli – New York) fino al recente Hey Joe (al cinema dal 28 novembre).

Salvatores omaggia dunque la città in cui è nato raccontandola e mostrandocela con quante più sfumature possibili, scegliendo quegli ambienti e quei volti che ne esaltano il bello e il brutto, il sacro e il profano. Una rappresentazione che risulta ancor più realistica proprio in quanto ideata negli stessi anni in cui il film è ambientato, potendo dunque contare su una vicinanza storica che ha permesso di essere fedeli a quanto realmente avveniva tra i vicoli, il porto o gli ambienti più altolocati della città. Il risultato è come sempre suggestivo, coinvolgente, con un che di ammaliante per quel certo qualcosa che ci è come famigliare.

New York terra delle promesse

Ben altro discorso si ha invece per New York, città che Fellini e Pinelli poterono solo immaginare secondo i racconti idealizzati dell’epoca, ma che Salvatores restituisce con un fare favolistico ma decisamente più disincantato. Cambia infatti il linguaggio del film e dall’animo caloroso di Napoli si passa a quello più composto e squadrato di New York, mostrata con colori e ambienti apparentemente da sogno ma dietro i quali si nascondono numerose menzogne, come racconterà poi il sogno americano infranto della sorella di Celestina.

Un’ode alla solidarietà italiana

Nel mezzo, tra Napoli e New York, c’è il lungo viaggio in nave. Un viaggio che ricopre un significato importantissimo all’interno del film, in quanto porta al manifestarsi di tutti quei valori e temi che a Salvatores sta a cuore trattare. Emerge in particolar modo la solidarietà italiana, che porta ad aiutarsi, difendersi e proteggersi senza badare alle possibili “differenze”. Un valore che Salvatores sembra volerci anche ricordare, dato il suo essersi indebolito in questi ultimi difficili tempi. Come ci ricorda anche che migranti lo siamo stati e lo siamo tutt’ora, in un periodo in cui anche questo dettaglio del nostro passato sembra essere stato dimenticato.

Napoli – New York vuole dunque essere sì una favola, proponendoci un racconto appassionante e impreziosito dalle interpretazioni degli attori protagonisti, ma nel guidarci attraverso tutto ciò – tra risate, paure e momenti di grande emozione – ribadisce dunque la forza del popolo italiano davanti alle avversità, purché sappia far fronte comune come gli si vede fare nella Little Italy presente a New York. Una terra lontana eppure uguale a quella Napoli/Italia lasciatasi alle spalle, dove ritrovare tutto il calore e l’affetto, sapendo di poter sempre contare sulla mano di qualcuno che ci salva.

Nel 2008, all’interno delle Giornate degli Autori della 65esima edizione della Mostra del Cinema di Venezia, Sylvie Verheyde aveva presentato Stella, film di stampo autobiografico che ripercorreva l’infanzia della regista. Nel 2022, con Stella è innamorata, Verheyde torna sui passi della bambina che fu, ora diventata adolescente. Siamo ancora a Parigi, nel pieno degli anni ’80. Stella ha 17 anni, ha fame di vita e vuole scoprire chi è davvero e cosa ne sarà del suo futuro. Come ogni giovane a quell’età comincia a sentire il sangue che le ribolle nelle vene a causa di un ragazzo, a sperimentare il desiderio sessuale e a gestire i suoi ormoni ballerini.

È il tempo della spensieratezza, che si alterna alle crisi esistenziali giovanili, dettate dalla poca consapevolezza di quel che si vuole fare da adulti. Stella è innamorata ha debuttato al Locarno Film Festival del 2023, ed è in concorso nella selezione ufficiale dell’edizione 2025 del Prix Palatine (il premio giovani del cinema europeo in collaborazione con Unifrance). Nei panni della protagonista l’ottima Flavie Delangle. La pellicola arriva al cinema il 21 novembre distribuita da No.Mad Entertainment.

La trama di Stella è innamorata

1985. Siamo in Italia, a Napoli. Stella scende da una vespa rossa e dà un bacio al ragazzo che le ha fatto compagnia per tutto il tempo trascorso lì, dove era andata a passare le vacanze estive con le amiche. È tempo ora di tornare a casa, a Parigi, e affrontare il temibile anno della maturità. A Stella però sembra non importare molto dell’ultimo anno di liceo, nonostante sia conscia del fatto che i risultati che raggiungerà decreteranno il suo futuro. Nel bar dei genitori, poi, dove oramai lavora solo la madre lasciata dal padre, non ne vuole proprio sapere di stare. Una sera decide di accompagnare una compagna di classe in discoteca, al Les Bains-Douches, dove scopre la passione per il ballo e il ritmo e un ragazzo, André, di cui si innamora. Da qui cerca di rimettere in prospettiva tutta la sua vita, alla ricerca del suo posto nel mondo, che spera di trovare prima della fine della scuola.

Un sofisticato racconto di formazione

L’adolescenza è il momento più delicato della propria vita. Sono gli anni dell’indecisione, delle insicurezze più radicate, dei dubbi e della fame di libertà. Talmente forte da offuscare il resto. È il periodo in cui i colori sono più vividi che mai, rappresentativi di un momento di transizione fatto di esplosione e curiosità. Difficile trattenersi quando si incrocia lo sguardo di qualcuno che ci piace, e all’improvviso ci si ritrova fra i banchi di scuola a sognare a occhi aperti ripensando al primo incontro. Lo stomaco si controce, le farfalle svolazzano, il desiderio di sapere cosa succede una volta scivolati via i vestiti dal corpo cresce a dismisura. C’è poi l’esigenza di capire cosa ne sarà di sé una volta chiuse le porte della scuola, quando l’ingresso nel mondo degli adulti e delle responsabilità arriva e si è chiamati a compiere delle scelte.

Crescere vuol dire anche chiarirsi le idee, fare i conti con se stessi non prima, però, di essersi lasciati guidare dalle proprie sensazioni. Ed è quello che accade a Stella: da un lato costretta a diplomarsi per non rimanere indietro mentre le sue amiche vanno avanti, dall’altro bisognosa di seguire quell’istinto che la porta a comunicare con il corpo. E così arriva la discoteca, l’impellente esigenza di ballare, ondeggiare con il bacino, assorbire la musica fin dentro le ossa. Un destino che sa appartenerle, nonostante i diversi ostacoli che incontra lungo il cammino, e che dipendono anche dal confronto con le sue compagne di viaggio, ben lontane da lei sia nel pensiero che nelle intenzioni future.

Vivere ascoltando se stessi

La scelta dei primi piani di Sylvie Verheyde sulla sua attrice protagonista è funzionale e necessaria per cogliere le trasformazioni del corpo e della mente che passano prima dal suo viso. Dalle labbra che si inarcano in un sorriso a mezzalunga, dagli occhi pieni di amore e bramosia, dalla fronte corruciata e dalle guance che accolgono lacrime amare. Il campo si restringe spesso su lei e sul sul microcosmo, per cogliere gli attimi catartici di Stella e quell’epifania avuta la prima sera alla discoteca Les Bains-Douches. Attraverso questa ponderata scelta registica il pubblico è ancor più a contatto con lei, vivendo in prima persona l’atmosfera trasognata tipica dell’adolescenza. La regista accarezza con tenerezza la sua Stella, la insegue e la analizza amorevolmente, lasciando solo intuire quel che le accade nel privato, senza mai essere troppo esplicita.

Un racconto elegante ma al tempo stesso frenetico, accentuato da una fotografia dai colori saturi, che si legano alla forza dominante di quegli anni belli quanto complessi. Flavie Delangle recita con talmente tanta naturalezza da avere a volte l’impressione che non lo stia facendo affatto, rendendola una bella promessa per il cinema francese. L’unica pecca è il doppiaggio italiano, attraverso cui si perde un po’ di quella autenticità che caratterizza Stella è innamorata, soprattutto perché Stella, con la voce fuori campo, ci accompagna in tutto il suo viaggio. La sua voce, come quella dei suoi comprimari, è stata affidata a una professionista itaiana che non le rende giustizia come dovrebbe, e questo è un vero peccato ai fini della completa riuscita dell’opera. Avrebbero dovuto fare come accaduto con Chien de la casse: proporre la visione con la versione originale, sottotitolata.

A Luca Argentero, con una carriera alle spalle di vent’anni, mancava – come lui stesso ammette – un progetto con Groenlandia. È stato questo uno dei motivi che lo ha spinto ad accettare di ricoprire il ruolo del protagonista Sante Moras in La coda del diavolo, nuovo film Sky Exclusive in arrivo sulla piattaforma dal 25 novembre. Una collaborazione partita dalla lettura del romanzo omonimo di Maurizio Maggi, nel quale è ritratto un uomo che ben si allontana dai personaggi che hanno costellato l’esperienza cinematografica dell’attore torinese, diventando così una sfida e un’occasione da cogliere. Argentero, in questo viaggio fra la ricerca di sé e la salvezza, è stato accompagnato da due ottimi comprimari, Cristiana dell’Anna e Francesco Acquaroli.

Insieme al suo Sante, sono personaggi che tessono le fila di un thriller dalle tinte noir, e definiti dal regista Domenico De Feudis come tre solitudini che cercano la propria strada, affrontando le loro più intime paure. Tre ritratti che però non emergono mai come dovrebbero nella storia, e il cui background rimane per lo più sconosciuto, faticando a dargli delle vere sfaccettature. La coda del diavolo si basa su una sceneggiatura di Nicola Ravera Rafele e Gabriele Scarfone, ed è prodotto da Matteo Rovere e Andrea Paris.

La coda del diavolo, la trama

Sante Moras è un ex poliziotto ora guardia carceraria in un carcere della Sardegna. È un uomo solo, che trascorre il suo tempo libero ad aggiustare una barca a cui è estremamente legato. Un giorno viene arrestato un uomo colpevole di aver ucciso a sangue freddo una giovane davanti a due poliziotti, e dietro questo delitto sembra celarsi una verità atroce, legata in principal modo a una sorta di tatuaggio che la ragazza porta dietro il collo e che assomiglia alla coda di un diavolo. Sante viene incaricato di sorvergliarlo, ma quando all’improvviso si addormenta, al suo ritorno il detenuto nella cella è stato ucciso. In preda alla paura di essere dichiarato colpevole, l’ex poliziotto scappa, autocondannandosi. A inseguirlo è il commissario Tommaso Lago, determinato a trovarlo e portarlo davanti alla giustizia. Sante, però, capisce che l’unico modo per tornare alla normalità è scavare fino in fondo nella verità: ad aiutarlo sarà la giornalista Fabiana Lai, che non si fermerà all’apparenza delle cose ma guarderà oltre, per stanare i veri assassini, scoprendo una realtà ancora più oscura.

Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi di Teemu Nikki è una commedia con per protagonisti due fratelli, uguali fisicamente ma opposti nel carattere, che durante le vacanze invernali in uno sperduto paese immerso nella neve si ritrovano a vivere una fantastica avventura. Prodotto da it’s alive Films questo lungometraggio va ad arricchire il “Teemu Nikki Universe”, un insieme di storie capaci di incantare un pubblico variegato e distribuite da noi in Italia da I Wonder Pictures sempre attenta e alla ricerca di novità cinematografiche.

La trama di Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi

Questo lungometraggio è basato sull’omonimo libro di Juice Leskinen, in originale Räkä ja Roiskis, su una sceneggiatura di Ilja Rautsi e segue i giovani eroi Snot e Splash ( Hugo Komaro e Urho Kuokkanen ) che devono prendersi una pausa dalle loro ferie per salvare il mondo. Il film infatti si apre con una scena in cui i due fratelli in treno, direzione di Acquainbocca e dove abita la nonna, notano guardando fuori dal finestrino che dal cielo cadono oggetti: un frigorifero e sacchi dell’immondizia. Appena incontrano l’anziana parente fanno notare questi strani fenomeni e la donna gli dice che è colpa del cambiamento climatico che ha colpito anche la Finlandia.

I giovani protagonisti però non sono convinti della spiegazione, iniziano anche a notare che gli abitanti del posto sorridono, tutti in modo molto inquietante, mostrando i denti che sono bianchissimi e innaturali. Arrivati a casa poi scoprono un altro mistero, cioè non ci sono più buchi, pure quelli delle ciambelle, ma non finisce qui perché quando Snot e Splash vanno sul ghiaccio, per pescare, il buco sparisce appena viene creato. All’improvviso appare uno strano uomo con una pistola e finalmente capiscono che è proprio lui, con quello strano oggetto, che risucchia tutte le buche dalle più piccole alle più grandi.

I due bambini quindi decidono che devo scoprire di più e inseguono di nascosto il signore che si ripara dentro una fattoria. All’interno invece troveranno una macchina, precisamente un sistema di smaltimento dei rifiuti molto fatiscente, che invece si rivelerà essere un buco nero pronto a risucchiare la cittadina. Ovviamente Snot e Splash, grazie al loro coraggio, ma anche alla genialità che si possiede solo quando si è bambini, salveranno tutti dall’imminente catastrofe.

Snot & Splash tra Roald Dahl e Doctor Who

Questo film è decisamente una storia che potrebbe benissimo uscire dalla penna di Roald Dahl, uno degli autori più famosi della letteratura per ragazzi. I due protagonisti durante la loro avventura e in missione per salvare Acquainbocca, incontrano e conoscono personaggi fantastici ma anche un pochino paurosi. L’antagonista Migren Junior, che vuole cancellare ogni forma di caos dal mondo, compresa anche la più preziosa di tutte come la fantasia, di lavoro fa proprio il dentista decisamente nell’immaginario dei piccoli, e non solo, non uno dei lavori più amati.

Uno dei tratti che il pubblico più giovane non noterà è quanto Teemu Nikki nella realizzazione di questo film sia stato molto influenzato dalla storica serie Doctor Who. Qua non c’è nessuno Dottore che appare con la sua cabina blu, Il Tardis, ma i colori, le vicende potrebbero benissimo essere estratte da uno dei numerosi episodi della serie britannica più longeva di sempre. I due gemelli protagonisti invece nei loro continui litigi e discorsi senza senso ricordano tanto i celebri gemelli Zack e Cody, interpretati da Dylan e Cole Sprouse della sit-com Zack e Cody al Grand Hotel di Disney Channel.

Un film per tutti e pieno di genialità

Il film è visivamente bello ed esplora il mistero attraverso gli occhi dei bambini e forse per gli adulti, i genitori che accompagneranno i figli, qualche battuta risulterà stupida ma non per il pubblico più giovane che riderà molto. Per concludere Snot & Splash – Il mistero dei buchi scomparsi è un ottimo esempio per far conoscere agli spettatori più piccoli che esiste anche un cinema per loro, al di fuori di Hollywood o di quello targato Disney.

Più instancabile che mai, Ridley Scott – esattamente un anno dopo aver portato al cinema il colossal Napoleon – torna sul grande schermo con Il Gladiatore II, sequel di una delle opere per cui è maggiormente ricordato. Se nel 2000 Il Gladiatore aveva risvegliato l’interesse per i film epici e consacrato la carriera di Russell Crowe con il ruolo di Massimo Decimo eridio, questo inaspettato seguito (scritto da David Scarpa, già autore di Napoleon) si fa ora promotore non solo di quella stessa epica ma anche di un forte messaggio politico che richiama alla decadenza – politica e morale – degli attuali “imperi”.

Ed è proprio in questo sguardo fortemente politico che si ritrova il meglio del film, che usa sapientemente il passato per parlare dell’oggi, attraverso la decadenza del più importante impero di tutti i tempi. L’epica di Il Gladiatore II si ritrova allora qui, non tanto negli scontri all’interno del Colosseo quanto negli intrighi di palazzo, nelle vicende politiche che inquinano l’anima di Roma e la condannano ad una fine apparentemente inevitabile. Scott trova dunque occasione qui di unire le sue due anime: la spettacolarità esagerata ed esagitata e l’esplorazione delle oscurità dell’animo umano.

La trama di Il Gladiatore II

Anni dopo aver assistito alla tragica morte del venerato eroe nonché padre Massimo Decimo Meridio per mano del suo perfido zio, Lucio (Paul Mescal) si trova costretto a combattere nel Colosseo dopo che la sua patria viene conquistata da parte delle centurie di Marco Acacio (Pedro Pascal) per ordine dei due tirannici imperatori, Geta (Joseph Quinn) e Caracalla (Fred Hechinger), che ora governano Roma. Con il cuore ardente di rabbia e il destino dell’Impero appeso a un filo, Lucio deve affrontare pericoli e nemici, riscoprendo nel suo passato la forza e l’onore necessari per riportare la gloria di Roma al suo popolo.

Bentornati nell’arena

Ci si è chiesti a lungo se fosse o meno necessario un sequel di Il Gladiatore II e con grandi probabilità c’è chi – comprensibilmente – se lo chiede anche ora che questo seguito è realtà. Partiamo subito con il dire che questo nuovo film non si discosta poi molto da quanto mostrato e compiuto dal primo. Anzi, ne segue attentamente le orme con un fare celebrativo. Non a caso, sono innumerevoli i riferimenti al titolo del 2000, che come un’ombra si aggira su questo sequel quasi a guidarne ogni passo.

Ciò significa che questo sequel propone di nuovo tutta l’epica già evocata dal primo, seppur con tutte le prodezze tecnologiche e di effetti speciali che un quarto di secolo in più ha portato a disposizione. Questo non necessariamente comporta che questo sequel sia più spettacolare, ma certamente riesce ad essere al di sopra della media degli odierni blockbuster di questo tipo. Merito della capacità di Scott – ad 87 anni – di immaginare scenari e situazioni dotati di un senso della grandiosità e della meraviglia da far invidia.

Poco – anzi nulla – importa quindi se la verosimiglianza storica non è di casa neanche stavolta, perché per quanto la rappresentazione di battaglie navali e i combattimenti con babbuini o rinoceronti possa essere forzata, possiede quel certo fascino che soddisfa la voglia di un intrattenimento, certamente folle, ma capace di far parlare di sé. Gli stessi scontri tra gladiatori o le battaglie di più ampia portata sono sempre poste in scena con una brutalità che, tra sangue, sudore e muscoli che si flettono, trasmette proprio quell’eccitazione e quella tensione che gli spettatori sugli spalti del Colosseo devono aver provato.

Il Gladiatore II tra Shakespeare e monito sul presente

Di certo, come si diceva in apertura, l’aspetto più interessante del film è la vicenda politica che porta avanti. Leader assoluto in ciò è il Macrino di Denzel Washington, perfetto Riccardo III shakespeariano che machiavellicamente trama per ribaltare completamente il proprio status. Un personaggio magnifico il suo, con cui Washington dimostra di essere un fuoriclasse. Per quanto il cast sia composto di ottimi attori, è lui a fagocitare tutte le attenzioni, rubando facilmente la scena ai suoi colleghi.

Con lui, Scarpa e Scott propongono un ritratto di quei subdoli uomini di potere che oggigiorno riescono, facendo leva sulla pancia del popolo, a raggiungere i propri loschi obiettivi, ponendo sempre più in crisi la democrazia. In questo il film diventa dunque un monito che si unisce all’intrattenimento offerto. Certo, il racconto di Lucio – l’effettivo protagonista – si muove su diverse soluzioni narrative piuttosto facili e poco convincenti ma, come valeva per Napoleon, anche con Il Gladiatore II si può chiudere un occhio quando nel complesso Scott si dimostra ancora una volta un tale maestro nello spettacolo cinematografico.

A tre anni di distanza da Cry Macho, Clint Eastwood torna in sala con Giurato numero 2, nuovo lungometraggio del leggendario regista che arriva al cinema il 14 novembre. Il film, che vede come protagonista Nicholas Hoult nei panni di un giurato alle prese con un caso controverso, riunisce un cast che include Toni Collette, Zoey Deutch, Kiefer Sutherland, Chris Messina e J. K. Simmons. Scritto dall’esordiente Jonathan Abrams, Giurato numero 2 è poi musicato da Mark Mancina e distribuito in sala da Warner Bros.

La trama di Giurato numero 2

La vita di Justin Kemp (Nicholas Hoult) un giurato in un caso di omicidio, viene sconvolta da una rivelazione scioccante: potrebbe essere stato lui l’autore del crimine. Diviso tra il senso del dovere e la paura del giudizio, l’uomo si trova di fronte a un dilemma morale che metterà alla prova la sua integrità.

Giurato numero 2: rielaborare gli immaginari

Hollywood conosce da sempre due soli modi di regolare i conti: a suon di pistolettate o all’interno di un’aula di tribunale. Vecchi cowboy e brillanti avvocati sono i due volti, le due più consuete manifestazioni, di una giustizia per lo più polverosa, ma efficace. Anime complementari della medesima astrazione che, forse inevitabilmente, convivono anche in quest’ultima creatura di Clint Eastwood. Segno di un cinema che, vissuto davanti e dietro la macchina da presa, prosegue fin dagli albori a fagocitare e rielaborare immaginari. A incarnare valori e significati alti, puntualmente offerti alla rigorosa rilettura poetica del suo autore. Implacabile, eppure immancabilmente lucida.

In quest’ottica, Giurato numero 2 non fa eccezione. Lo capiamo subito, a partire dalla didascalia – ai limiti della western-punch line – che campeggia appena sotto al titolo: “la giustizia è cieca, la colpa vede tutto”. Lo percepiamo nell’atmosfera da saloon che aleggia sul pub di periferia al centro della vicenda. E ancora nel ripetuto gioco di sguardi con cui i protagonisti sembrano a più riprese duellare nel corso della storia – o nel bicchiere di whisky (?) che, silenzioso, sfida il protagonista in uno dei frangenti di maggior tensione del racconto.

Eppure, Justin Kemp non è certo un georgiano dagli occhi di ghiaccio. Né tantomeno uno straniero senza nome – o un cavaliere solitario. Semmai un uomo dal passato torbido, anche se giovane marito e futuro padre. Tormentato da spettri e demoni interiori che bussano alla sua porta come le maschere della notte di Halloween – che guarda caso cade il primo weekend che contribuisce a ritardare il verdetto della giuria.

Giustizia e verità

Fin da subito, dall’establishing shot tematico sulla dea Themis e i suoi attributi (la bilancia e la benda sugli occhi), Clint Eastwood cede la parola al giurato. E attorno alla sua figura, attorno ai dilemmi, agli squarci etici e morali dello script di Jonathan Abrams, il cineasta edifica una complessa architettura di sguardi che si fa frontiera di riferimenti e suggestioni. A imperversare, prevedibilmente, sono innanzitutto gli spazi e le intuizioni del primo Lumet, che Eastwood si diverte a citare e insieme ad aggiornare secondo le coordinate dell’America di oggi – ragion per cui l’ostinata fermezza di Cedric Yarbrough, erede ideale del vecchio Lee J. Cobb, diviene la pur momentanea cassa di risonanza di un divario socio-economico che il regista non manca di mettere a fuoco.

Ma nel grande affresco eastwoodiano, calibrato al millimetro e al contempo quasi bulimico nelle sue vertigini citazioniste, confluiscono anche le principali istanze di molto del legal-thriller (e legal-drama) che ha costituito l’ossatura del genere fin dalle origini. Opportunamente imbevuto della filosofia del suo autore e di un’ironia che, di recente, abbiamo ritrovato solo nell’ultimo Friedkin – presentato postumo nel 2023 in occasione dell’80esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia.

“Io voglio la verità!” gridava del resto un giovane Tom Cruise nell’epilogo di Codice d’onore di Rob Reiner. Eppure, alimentando il parallelismo, il personaggio di Nicholas Hoult sembra piuttosto concretizzare l’”arringa” pronunciata dal colonnello Jessep di Jack Nicholson – lui giurato e insieme colpevole che “non può reggere” una verità che lo dilania. Epicentro non tanto dell’inevitabile e inflazionata dialettica tra verità processuale e verità storica. Quanto di una ricerca della “realtà dei fatti” che, come avveniva già in Richard Jewell, è più che altro frutto di ricostruzioni, narrazioni ad hoc e scampoli di sguardo catturati da uno smartphone – quando l’unico dispositivo in grado di fare ancora la differenza, sembra suggerirci Eastwood, rimane invece il mezzo cinematografico stesso.

Così, sebbene alla sbarra dei testimoni compaiano forse anche il Ridley Scott di The Last Duel e l’ultimo esperimento seriale di Alfonso Cuaròn – delle cui opere Clint Eastwood ripropone l’acuta frammentarietà audio-visiva – l’atteggiamento del regista classe 1930 non si impronta a un aprioristico rifiuto del valore delle immagini, ma piuttosto si colora dell’invito, premuroso, a maneggiarle con cura. Per un’opera dal respiro classico, ma perfettamente inserita nel presente, che muovendosi come di consueto tra dimensione pubblica e privata, crede ancora fermamente nell’impegno sociale – quindi umano – del singolo. Senza il quale l’intero sistema è destinato a collassare.

Spiazzante, vero, spietato. Buono, brutto e cattivo. A 94 anni inoltrati Clint Eastwood non sbaglia un colpo.

Cosa chiederesti al tuo te del futuro? E se invece potessi parlare con il te del passato, che consigli gli daresti? Nel primo caso, probabilmente, vorresti sapere come sta andando la tua vita, cosa si è concretizzato e cosa no, se sei diventato ricco, se hai una bella famiglia o se hai viaggiato tanto quanto ti eri ripromesso. Nel secondo, invece, potresti voler dare alcuni consigli, offrire una prospettiva diversa sulla vita data l’esperienza in più, come ad esempio godersi di più il tempo con le persone care. È esattamente ciò che avviene in My Old Ass, il nuovo film della regista Megan Park (meglio nota come attrice ma fattasi notare nel 2021 con la sua prima regia, La vita dopo – The Fallout). 

Da lei anche scritto (e prodotto da Margot Robbie), il film ci pone dinanzi ad entrambe queste possibilità, configurandosi come un coming of age tanto semplice e delciato quanto capace di parlare dritto al cuore. My Old Ass non è infatti interessato a fornire particolari dettagli su come le due Elliott riescano a comunicare, né ambisce ad altri possibili risvolti fantasy. Piuttosto, si muove a partire da questo incontro per poi spostarsi subito oltre, verso un racconto “piccolo” ma nel quale si racchiudono tutta una serie di emozioni, stati d’animo e atmosfere che ci portano a ricordare quelle lezioni imparate troppo tardi o quei momenti del passato che avremmo voluto stringere di più a noi, se solo ne avessimo avuto una consapevolezza diversa.

La trama di My Old Ass

Il “vecchio culo” del titolo è quello della trentanovenne Elliott (Aubrey Plaza), che appare davanti ad un’incredula Elliott diciottenne (Maisy Stella) mentre è in preda alle allucinazioni causate da alcuni funghi ingeriti insieme alle sue due migliori amiche. La giovane Elliott è infatti in procinto di partire per Toronto, lasciandosi alle spalle la famiglia per intraprendere una vita nuova e diversa da quella fino a quel momento conosciuta. La serata di svago organizzata con le sue amiche prende però una piega inaspettata quando appunto incontra la sé stessa del futuro. Ciò che questa le dirà la spingerà a riconsiderare il tempo che trascorre con i suoi cari, ma la metterà anche in guardia da un misteriso Chad (Percy Hynes White).

Come scorre veloce il tempo

Chi ricorda l’ultima volta che si è usciti a giocare con i propri amici? Viene chiesto anche nel film. Nessuno pare ricordarlo e nell’accorgersene il cuore sembra stringersi un po’ dalla malinconia. È questo il sentimento che My Old Ass evoca mentre il suo racconto progredisce, con la sua protagonista sull’orlo di un grande cambiamento di vita. Un cambiamento che, come spesso accade, oscura tutto ciò che di contorno ad esso c’è, portandoci a perdere di vista quei piccoli dettagli in cui invece andrebbe riposto il nostro cuore. Perché lì dove c’è una figlia che si affaccia alla vita adulta, ci sono anche una madre e un padre che la guardano dirigersi nel mondo e allontanarsi da loro.

Ed è dunque il tempo il principale antagonista del film, più volte menzionato, maledetto e pregatodi fermarsi o anche solo rallentare un po’. Di quanto sia crudele Elliott ne è consapevole da subito, senza che occorra nessuna sé del futuro a dirglielo, anche se la cosa le verrà ribadita ugualmente. Ma per quanto lo si supplichi il tempo continua ad ignorarci e procede dritto nella sua corsa. Ciò che si può fare, dunque, è cercare di vivere al meglio possibile ogni attimo che si ha a disposizione. Motivo per cui se prima Elliott tiene un conto alla rovescia dei giorni che la separano dalla partenza, ben presto inizierà a vivere quella scadenza con tutt’altro stato d’animo.

In particolare, su consiglio della sé del futuro, inizia a spendere del tempo con la propria famiglia, riscoprendo la gioia di quei legami che troppo spesso si riscoprono e rimpiangono quando ormai hanno “cessato” di esistere. My Old Ass si compone così dei timidi avvicinamenti di Elliott ai fratelli, al padre e in particolar modo a quella madre definita “seccante”, ma grazie alla quale si avrà quella che è senza dubbio la scena più emotivamente forte del film, nella quale si ritrova uno dei frammenti del cuore di questo racconto. Una scena che contribuisce a far emergere tutta la prorompente vitalità del film, sprigionando emozioni che investono lo spettatore rimasto nel mentre senza alcuna difesa.

Maisy Stella è un autentico dono

È dunque l’assoluto presente il campo di indagine del film, che non a caso del futuro da cui proviene l’adulta Elliott non ci dice o mostra nulla (tranne alcune allarmanti sirene e l’invito a ripararsi nel seminterrato che sentiamo durante una telefonata tra le due, nulla di buono dunque). Elliott ha l’incredibile opportunità di dare più valore al suo presente, di imparare a cogliere quell’attimo fuggente che può rendere straordinaria la sua vita. La regista, dunque, si lascia alle spalle i toni cupi e drammatici del suo precedente film per dar vita ad un’opera seconda che è tra le cose più belle successe al genere coming of age negli ultimi anni.

Un’opera semplicissima la sua, con pochi essenziali personaggi, una manciata di ambienti e nessun distraente virtuosismo, dove si lascia che siano i personaggi a portare avanti il racconto con le loro parole, le loro speranze e le inevitabili paure. Ecco perché, al termine della visione, sanno rimanere nel cuore e nella mente dello spettatore. Personaggi con i quali si sviluppa subito un’amicizia per la spontaneità con cui sono raccontati, con grande attenzione a quelle “imperfezioni” che li rendono umani. Il merito, però, sta anche nella bravura degli interpreti, dal primo all’ultimo.

Se Aubrey Plaza prosegue nel suo anno d’oro dopo Megalopolis e Agatha All Along, la vera scoperta è Maisy Stella, cantante e attrice divenuta celebre per la serie Nashville e qui al suo primo ruolo da protagonista di un film. La sua generosità nei confronti del suo personaggio è commovente, per la grazia con cui affronta i momenti più leggeri e quelli più drammatici del racconto, giungendo sempre al cuore dello spettatore con questo suo ritratto di una ragazza in cui è facilissimo potersi riconoscere. Non per nulla, è stata candidata come Miglior esordiente ai Gotham Awards 2024.

La meraviglia di essere giovani e stupidi

Si è parlato di “momenti drammatici”, perché ce ne sono e arrivano in modo così naturale e imprevisto da far rimanere spiazzati. Ma questa è la vita e il segreto per affrontarla anche nei suoi lati peggiori è quella magica combinazione di giovinezza e stupidità, che Elliott rivendica fino all’ultimo. E allora via alla frenesia, tra lo spensierato cazzeggio, una vivace colonna sonora e il susseguirsi di una serie di splendidi ambienti che si fanno specchio della libertà della protagonista. Libertà che, sappiamo, potrebbe perdersi nel momento in cui si trasferirà in città. Una frenesia che si ritrova ovviamente anche nell’amore che lentamente nasce tra Elliott e Chad e che ben rievoca la meraviglia degli amori giovanili.

Perché l’altra grande linea narrativa del film è quella che lega Elliott a Chad, che ha dunque a che fare con l’amore e ciò che questo sentimento può farci scoprire di noi. My Old Ass è, in via definitiva, un viaggio di scoperta, durante il quale si può anche incappare nel dolore, che Elliott capirà però di non voler evitare. Perché se è vero che un giorno questo dolore ti sarà utile (come recita il titolo di un bel romanzo di formazione), allora proteggersene non sarà di alcun aiuto, come si comprende in un finale rapido ma di grande impatto. Meglio aprirsi alla vita, e nel dirci ciò My Old Ass è un puro dono, una carezza allo spettatore e un grintoso, divertente e commovente invito a dare più valore al proprio tempo.

Il tema del rapimento sembra essere stato estremamente sviluppato nel corso degli anni nel panorama cinematografico. Si tratta talvolta di pellicole molto avvincenti, dense di suspense e successivamente vincitrici anche di diversi riconoscimenti, quali Il silenzio degli innocenti.

Don’t move presenta un pattern simile a molti altri film dello stesso genere: il rapimento di una giovane donna da parte di un sociopatico. Diretto da Brian Netto e Adam Schindler e prodotto da Sam Raimi (Spider man), Don’t move presenta un cast formato da attori ben noti nel panorama cinematografico internazionale: Finn Wittrock (La grande scommessa, acque profonde) interpreta qui il protagonista Richard, mentre Kelsey Asbille (Fargo, Yellowstone) è nel ruolo di Iris.

Don’t move: il rapimento

E’ mattina presto: Iris lascia il suo letto quando ancora tutti dormono con il solo scopo di dire addio a questo mondo. L’improvvisa morte de figlio Mateo ha fatto si che lei non riuscisse ad avere più alcuna gioia nel continuare a vivere. E proprio nel momento in cui sta per buttarsi giù dallo stesso dirupo da cui era caduto il suo bambino un giovane la convince a continuare a vivere.

Una volta scesi dalla  montagna però, lui la addormenta con un taser e la rapisce: qui ha inizio l’incubo di Iris. Per quanto la donna riesca a liberarsi e a scappare dal proprio aguzzino, la potente droga che lui le aveva iniettato le avrebbe bloccato le funzioni motorie in meno di venti minuti. Inizia così una terribile corsa per salvarsi la vita.

Le occasioni per scappare, salvarsi o essere salvata sembrano essere diverse per Iris, ma Richard sembra sempre avere la meglio.

Don’t move: una nuova voglia di vivere

Primo elemento interessante che si riscontra in Don’t move è come, mentre all’inizio del film Iris è sul punto di togliersi la vita, nel momento in cui Richard la rapisce per essere lui a ucciderla lei scappa. Certo, è da considerare che, trattandosi di un killer psicopatico, l’assassinio di Iris sarebbe stato solo l’atto finale. Ciononostante, la donna ha diverse occasioni per raggiungere il suo intento iniziale, ma non si suicida.

Da quando Richard la rapisce è come se Iris avesse recuperato la voglia di vivere, e proprio per questo lotta con ogni sua forza per cercare di sfuggire al terribile destino che l’assassino gli vuole riservare.

Questo diventa quindi un punto di riflessione sulla stessa psiche umana: nel vedere mettere a rischio seriamente la propria vita, lo spirito di sopravvivenza prende il sopravvento. Don’t move non si differenzia in molto da altre pellicole più o meno famose sullo stesso genere, se non per questo elemento.

Giocare a fare Dio

Don’t move si focalizza totalmente su Iris e Richard, delineando gli stati d’essere di entrambi. Di conseguenza, permette allo spettatore di comprendere meglio anche il modo di pensare di Richard. L’assassino sembra essere un chiaro esempio di psicopatia: ha un deficit della mentalizzazione altrui, ovvero non riesce a provare empatia, non è un soggetto delirante, agisce senza alcun senso di colpa, vedendo gli altri esseri umani come meri oggetti da usare a proprio piacimento.

Richard sembra agire sistematicamente, avendo un modus operandi ben chiaro: sappiamo che il suo target sono solo donne, lui stesso afferma di non aver mai ucciso un uomo. Sceglie i fine settimana per divertirsi nelle sue sevizie perché passa il resto della settimana con sua moglie e sua figlia: ciò indica che solitamente vive una vita normale, all’insaputa di tutti.

Il motivo per cui lo fa ci viene spiegato direttamente dalle sue parole. Dopo la morte di Chloe, lui si finalmente sentito “ricollegato”: vederla morire ha sbloccato qualcosa in lui, qualcosa che aveva sentito rimanere latente fino a quel momento. Poter vedere una persona morire lo aveva emozionato a tal punto da voler rivivere quello stato d’animo. Il punto focale della sua perversione è proprio “giocare a fare Dio”, ovvero avere la vita di una persona tra le proprie mani, per poi vederla morire.

Don’t move è in definitiva un thriller molto forte, caratterizzato da un clima di crescente suspense e tensione. Partendo da un silenzio quasi inquietante nei primi minuti del film, già con l’inizio dei titoli di testa il cuore degli spettatori fa un sobbalzo. Così le prime scene in cui Richard riesce a convincere Iris a non suicidarsi e i due scendono insieme come due amici giù dalla montagna restano solo un ricordo lontano.

Oggi, 7 dicembre 2024, arriva in sala un’esplosiva commedia d’azione natalizia che promette di scaldare le feste: Uno Rosso, film diretto e co-prodotto da Jake Kasdan, ci trasporta infatti in una elettrizzante avventura ai confini del Polo Nord. Un nuovo capitolo all’interno del personale universo d’avventura del regista, noto per aver diretto Jumanji – Benvenuti nella giungla e il suo sequel Jumanji: The Next Level.

La sceneggiatura, firmata da Chris Morgan, ci presenta un cast stellare guidato da Dwayne ‘The Rock’ Johnson e Chris Evans. Per la prima volta sullo stesso schermo, i due attori danno vita a un improbabile duo incaricato di salvare il Natale. Al loro fianco, un ricco ensemble di attori tra cui Lucy Liu, Kiernan Shipka, Bonnie Hunt e Wesley Kimmel. A interpretare il mitico Babbo Natale è invece J. K. Simmons, che dopo aver prestato la voce a Santa Clause nel film d’animazione Klaus, torna a vestire oggi gli stessi panni.

Prodotto da Amazon MGM Studios, Uno Rosso è distribuito da Prime Video.

La trama di Uno Rosso

Polo Nord. Vigilia di Natale. L’atmosfera festosa viene improvvisamente turbata da un evento sconvolgente: Babbo Natale è stato rapito. Conosciuto con il codename “Rosso”, il vecchio è sparito nel nulla a poche ore dalla notte della consegna dei doni. E per far fronte all’emergenza, viene attivata la Task Force dell’ELF, un’unità d’élite incaricata di proteggere il Polo Nord.

A guidare la missione di salvataggio è Callum Drift (Dwayne Johnson), un agente speciale dalla tempra d’acciaio e dalla grande esperienza in operazioni clandestine. Al suo fianco, con l’obiettivo di fornire aiuto esterno alla complicata operazione segreta, viene invece selezionato Jack O’Malley (Chris Evans), famigerato ladro, dotato di straordinarie abilità da segugio che gli consentono di rintracciare chiunque, ovunque si nasconda.

Insieme, Drift e O’Malley si imbarcheranno in un lungo viaggio in giro per il mondo e a contatto con l’ignoto. In una corsa contro il tempo che, tra indizi da scovare, ostacoli da superare e nemici da sconfiggere, li porterà a svelare l’oscuro complotto che minaccia di rovinare per sempre la festa più amata dai bambini. Riusciranno i due “eroi” a salvare Babbo Natale e a ripristinare la gioia nel mondo?

Jake Kasdan e la poetica dello sgraffignare

Era chiaro fin dai tempi di Jumanji – Benvenuti nella giungla: Jake Kasdan è sempre stato un abile borseggiatore. Quasi come il Jack O’Malley di questo suo nuovo Uno Rosso, ingaggiato con urgenza per salvaguardare il Natale. O forse addirittura più scaltro, quasi chirurgico nelle sue scelte. E se nel caso del reboot/sequel del 2017 le principali reference erano da ricercarsi all’interno del filone videoludico/avventura modellato da Tron ed eredi fin dagli anni ’80 (passando per eXistenZ e similari, ma senza dimenticare l’influenza dell’allora neonato Jurassic World), per quest’ultimo progetto il regista rivolge invece lo sguardo altrove.

Indiscutibilmente conscio del materiale a disposizione e ben consapevole del target di un’opera di questo genere – inevitabilmente destinata a un pubblico per lo più composto da famiglie e giovani o giovanissimi – Kasdan decide infatti di pescare da buona parte dell’immaginario mainstream degli ultimi trent’anni. A partire dalla celebre serie di Santa Clause a cavallo tra anni ’90 e 2000 (da cui Uno Rosso trafuga soprattutto le atmosfere del Santa Clause è nei guai di Michael Lembeck) e arrivando a mescolare con discreta naturalezza diverse componenti dello spy e del buddy movie. Per quanto l’epicentro del terremoto narrativo del film rimanga innanzitutto il solito e insostituibile The Rock – ormai quasi feticcio di Kasdan.

Uno Rosso è The Rock

A fronte di un Chris Evans che, abbandonata la purezza del Captain America del MCU, torna qui a vestire i panni del “cattivo” ed affascinante cazzone (già sondati in occasione del primo Knives Out di Rian Johnson, nel 2019), l’ipertrofia muscolare di The Rock, estesa in questo caso anche al Babbo Natale dell’ottimo J. K. Simmons, rappresenta il restante 50% della coppia. La metà che tuttavia, forse inevitabilmente, finisce per catalizzare ogni attenzione.

“Ti sembro umano?” domanda del resto il personaggio di Dwayne Johnson in uno dei rari momenti di respiro della missione. E nel quesito risiede probabilmente l’essenza di una delle icone più significative del cinema muscolare degli ultimi vent’anni. Quasi che, più che di organi, sangue e tessuti, l’indistruttibile corazza dell’attore sia più che altro frutto della fusione delle tensioni superomistiche dei tanti personaggi a cui ha prestato il corpo (dal Re Scorpione, a Luke Hobbs e Black Adam). E che dunque, memore del monologo del tarantiniano Bill – nel film che dal suo villain prende il nome, Dwayne Johnson sia il vero alter ego di The Rock, e non il contrario.

Di certo per Kasdan il Natale è questione seria, anzi serissima. E merita di essere difeso dai migliori. Sebbene il film, per lo più commedia godibile e dalle buone trovate, si perda qua e là in un discorso fin troppo prolisso ed esteticamente traballante.