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Sotto assedio – White House Down: la spiegazione del finale del film

Il film del 2013 Sotto assedio – White House Down (qui la recensione), diretto da Roland Emmerich, è un thriller d’azione incentrato su un attacco terroristico al Campidoglio. Il film vede protagonisti Channing Tatum, Jamie Foxx e Maggie Gyllenhaal, tra gli altri. Il presidente James Sawyer presenta un piano di pace per il Medio Oriente che si rivela controverso tra i funzionari. A seguito della proposta, un gruppo di terroristi attacca la Casa Bianca, prendendo in ostaggio numerosi politici e civili e mettendo in pericolo la vita del presidente.

Ora John Cale, membro del personale di sicurezza, deve trovare un modo per proteggere il presidente e tenere al sicuro la sua giovane figlia. Se siete curiosi di sapere dove porterà questa situazione di ostaggio il presidente Sawyer e John Cale e cosa significherà per il clima politico del Paese, ecco tutto quello che c’è da sapere sul finale di Sotto assedio – White House Down.

La trama di Sotto assedio – White House Down

Determinato a portare un cambiamento nel mondo durante la sua presidenza, James Sawyer promuove il suo Piano di Pace per ritirare le forze militari americane dal Medio Oriente. Nel frattempo, John Clare, presidente della Camera dei Rappresentanti e membro del personale di sicurezza di Raphelson, fa domanda per diventare agente dei servizi segreti e ottiene i pass per la visita guidata alla Casa Bianca per sua figlia. Il giorno della visita, l’agente dei servizi segreti Carol Finnerty intervista John, ma respinge la sua domanda dopo averlo giudicato non idoneo per il lavoro.

In seguito, John e sua figlia Emily visitano l’edificio con il loro gruppo. Poco dopo, una bomba esplode nel mezzo della Casa Bianca. Mentre il caos imperversa, John si ritrova confinato in una stanza dalle guardie, incapace di cercare Emily, che poco prima si era allontanata per andare in bagno. Mentre il gruppo terroristico continua a prendere il controllo dell’edificio, guidato da Emil Stenz, Walker e i suoi uomini cercano di scortare Sawyer in sicurezza al PEOC, il bunker della Casa Bianca sotto la biblioteca.

A questo punto, gli uomini di Stenz hanno preso in ostaggio il gruppo di John, ma lui riesce a sfuggire alle loro grinfie. All’esterno del bunker PEOC, Walker uccide le guardie di Sawyer, rivelando il suo coinvolgimento nell’attacco terroristico. Tuttavia, prima che possa fare del male a Sawyer, John passa davanti alla biblioteca e sente Walker parlare alla radio che ha preso da un terrorista. Dopo che John aiuta Sawyer a fuggire dai terroristi, quest’ultimo decide di contattare i SEAL usando un telefono satellitare.

Channing Tatum in Sotto assedio - White House Down

Nel frattempo, i terroristi trovano Emily e la prendono in ostaggio. Contemporaneamente, Carol trasferisce Raphelson al centro di comando sotterraneo del Pentagono. Dopo che John e Sawyer stabiliscono una comunicazione con Carol, lei consiglia loro di fuggire attraverso i tunnel segreti. Nel frattempo, il vicepresidente considera l’idea di attaccare il Campidoglio per riportare la situazione sotto controllo, con il rischio di ferire i civili e Sawyer.

Guidati da Carol, John e Sawyer si fanno strada attraverso la Casa Bianca fino al seminterrato, schivando i terroristi a destra e a manca. Una volta arrivati ai tunnel, i due scoprono che degli esplosivi bloccano il passaggio. Walker scopre la loro posizione grazie alle telecamere a circuito chiuso e i suoi uomini irrompono nel seminterrato. John e Sawyer fuggono attraverso il garage, dando vita a un inseguimento in auto sul prato davanti alla Casa Bianca. Tuttavia, il secondo in comando di Stenz, Killick, tiene Emily sotto tiro dalla terrazza per costringere i due a arrendersi.

Di conseguenza, John si distrae, non riesce a schivare un attacco in arrivo e fa schiantare la limousine presidenziale nella piscina. Mentre i funzionari del Pentagono assistono allo svolgersi degli eventi, non hanno altra scelta che presumere la morte di Sawyer, nonostante le proteste di Carol. Pertanto, destituiscono Sawyer dal suo ruolo e insediano il vicepresidente Alvin Hammond come nuovo presidente.

Tuttavia, John e Sawyer sopravvivono all’incidente e fuggono nei tunnel sotterranei. Dopo aver contattato Carol, i due scoprono che il neo-presidente Hammond ha ordinato alle forze speciali di attaccare il Campidoglio. Tuttavia, John sa che i terroristi possono respingere gli attacchi aerei con i loro giavellotti aerei. Si rende quindi conto che, ordinando un attacco aereo, Hammond ha messo in pericolo la vita degli ostaggi, compresa quella di Emily. Alla fine, John è costretto a lasciare Sawyer per cercare di salvare sua figlia.

Sotto assedio - White House Down film

Il finale di Sotto assedio – White House Down: perché Walker ha attaccato la Casa Bianca?

Dopo lo scontro di John con i terroristi sul tetto della Casa Bianca, Stenz scopre che lui è imparentato con Emily. Di conseguenza, Walker minaccia di uccidere Emily attraverso l’impianto di amplificazione, a meno che John non consegni Sawyer ai suoi uomini. Sawyer sa quanto Emily lo idolatri e non può, in coscienza, lasciarla morire per lui. Pertanto si arrende a Walker.

Martin Walker ha protetto i presidenti degli Stati Uniti negli ultimi 25 anni. Per questo motivo, il presidente Walker gli affida implicitamente la sua sicurezza, anche se non è stato lui stesso a sceglierlo. Di conseguenza, è un grande shock per lui e per il resto della sua amministrazione quando si scopre che Walker ha orchestrato l’intero attacco al Campidoglio.

All’inizio dell’amministrazione Sawyer, questi ha inviato un gruppo segreto, tra cui Kevin, il figlio marine di Walker, ad attaccare l’Iran dopo le voci su armi nucleari segrete. Tuttavia, gli agenti non hanno mai trovato alcuna arma nel Paese e Kevin ha perso la vita invano durante la missione. Inizialmente, Sawyer presume che Walker lo incolpi della morte di suo figlio e voglia vendicarsi. Allo stesso modo, dopo che Carol viene a sapere della diagnosi di cancro di Walker dalla moglie di quest’ultimo, giunge alla stessa conclusione. Tuttavia, Sawyer scopre che il piano finale di Walker è molto più minaccioso del semplice assassinio del presidente.

Sebbene la morte di Kevin spinga Walker ad attaccare il Campidoglio, egli non vuole vendicarsi di Sawyer. Walker non vuole che suo figlio sia morto invano e incolpa l’Iran per la sua morte. Pertanto, non vuole che l’America faccia pace con il Medio Oriente, ma desidera invece iniziare una guerra più grande con loro. All’inizio della presa di potere, Walker chiama Skip Tyler, un ex analista della NSA, per hackerare i sistemi di sicurezza che gli impediscono di accedere alle armi nucleari americane. Ora che Tyler ha superato l’ultimo firewall, Walker ha bisogno che Sawyer sblocchi la sua valigetta nucleare per autorizzare gli attacchi.

Indebolito dalle sue condizioni di salute, Walker vuole bombardare le città iraniane come ultimo atto prima di morire. È avventato e irrazionale nella sua missione, ma è determinato a sacrificare la propria vita per essa. Pertanto, quando Sawyer si rifiuta di concedergli l’accesso alla valigetta, Walker punta la pistola contro Emily, minacciando di ucciderla se Sawyer non collabora.

Sotto Assedio - White House Down

John salva il presidente Sawyer ed Emily?

Sawyer rimane fermo sulle sue posizioni anche dopo che Walker minaccia di uccidere Emily. A sua volta, fa capire a Emily che non può salvarle la vita a discapito delle innumerevoli altre che sarebbero in pericolo se Walker controllasse l’energia nucleare americana. Tuttavia, prima che Walker possa fare del male a Emily, John appicca il fuoco a diverse stanze della Casa Bianca, attivando gli sprinkler dell’edificio. Approfittando del diversivo di John, Sawyer attacca Walker con una penna, ma Walker lo sopraffà e apre con la forza la valigetta con la mano di Sawyer. Nel frattempo, John riesce a liberare gli ostaggi, uccidendo Stenz e i suoi uomini.

Nello Studio Ovale, Walker accede alle armi con i codici nucleari attuali e punta i missili sull’Iran. Poiché Walker non ha più bisogno di Sawyer vivo, gli spara al petto, forse come piccola vendetta soddisfacente per la morte di Kevin. Quando il Pentagono viene a sapere dell’accesso di Walker ai missili nucleari, Raphelson dà il via libera a un attacco aereo sulla Casa Bianca. Sebbene Carol sia contraria a questa decisione, Raphelson non può rischiare di scatenare una nuova guerra mondiale con l’Iran.

Ciononostante, Carol informa John dell’attacco aereo, dandogli il tempo di portare sua figlia fuori dall’edificio. John guida quindi un’auto attraverso il muro dello Studio Ovale, uccidendo Walker. Esorta Emily a fuggire dal luogo e rimane indietro per cercare Sawyer. Durante tutto il film, John rischia ripetutamente la vita per il presidente, anche se viene respinto dai servizi segreti. John lo fa perché Sawyer è un eroe per Emily, la persona più importante nella vita di John.

Per lo stesso motivo, anche Emily non è disposta a guardare il Pentagono bombardare la Casa Bianca con Sawyer ancora all’interno. Pertanto, mentre corre sul prato, porta con sé la bandiera presidenziale, sventolandola verso l’attacco aereo in arrivo. I piloti, non volendo bombardare la Casa Bianca di fronte a una bambina, interrompono l’attacco. Alla fine, John trova Sawyer vivo e vegeto all’interno dello Studio Ovale. L’orologio da taschino di Abraham Lincoln che Sawyer indossa gli ha salvato la vita bloccando il proiettile di Walker.

Come ha fatto Walker a ottenere i codici nucleari?

La valigetta nucleare contiene diversi livelli di sicurezza che devono essere aggirati prima di poter accedere alle armi di distruzione di massa americane. Pertanto, anche dopo che l’hacker di Walker gli ha permesso di accedere alla valigetta e Walker l’ha sbloccata utilizzando l’impronta digitale di Sawyer, ha ancora bisogno di un codice per accedere ai missili nucleari. Questi codici vengono forniti solo al presidente in carica e cambiano ogni volta che cambia il presidente del paese.

Pertanto, per mettere le mani sui codici, Walker ha bisogno dell’aiuto dell’attuale presidente degli Stati Uniti. Allo stesso modo, dopo che Carol scopre l’identità dei terroristi grazie ai video registrati di nascosto da Emily, si rende conto che tutti gli aggregatori provengono dalla lista delle minacce presidenziali dei servizi segreti, poiché tutti avevano vendette personali contro Sawyer. Tuttavia, dopo aver approfondito la questione, Carol scopre che Walker non ha mai contattato i criminali, ma qualcun altro della Casa Bianca.

Alla fine, John si rende conto che l’ex presidente della Camera e attuale presidente Raphelson ha collaborato con Walker per destituire Sawyer dalla sua carica presidenziale. Il piano di pace per il Medio Oriente di Sawyer ha sconvolto i ricchi vertici dell’industria della difesa che traggono profitto dalle guerre. Per lo stesso motivo, Raphelson non ha sostenuto la proposta di Sawyer e voleva che fosse messo fuori gioco. Tuttavia, John, Carol e Sawyer riescono a fermare Raphelson prima che possa causare ulteriori danni. Alla fine, le autorità arrestano Raphelson e diversi altri paesi appoggiano il piano di pace di Sawyer. Con John ora parte della sua sicurezza, Sawyer procede con l’attuazione del suo piano.

Lords of War: il sequel con Nicolas Cage ha un nuovo membro del cast

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Il ritorno di Nicolas Cage nel ruolo che lo ha reso protagonista di uno dei thriller più celebri dei primi anni 2000 ha ricevuto un importante aggiornamento dal punto di vista produttivo, con l’ingresso nel cast di una nuova star di Top Gun. Nel corso della sua carriera, Cage ha attraversato generi diversi – dal dramma alla commedia, passando per l’azione – ma Lord of War del 2005 resta tra le sue interpretazioni più iconiche, nei panni del temibile trafficante d’armi Yuri Orlov.

Secondo quanto riportato da Variety, il sequel intitolato Lords of War ha aggiunto al cast Greg Tarzan Davis, protagonista di Top Gun: Maverick, e Sylvia Hoeks, nota per Blade Runner 2049. I due attori si uniranno ai già confermati Nicolas Cage, Bill Skarsgård e Laura Harrier. Le riprese inizieranno entro la fine del mese in Belgio e Marocco.

Alla regia tornerà Andrew Niccol, autore e regista del film originale, che dirigerà anche questo nuovo capitolo. Lords of War riprenderà la storia di Yuri Orlov, ora costretto ad affrontare suo figlio Anton (interpretato da Skarsgård), deciso a fondare una propria organizzazione di mercenari impegnata nei conflitti in Medio Oriente. Padre e figlio si troveranno così in competizione non solo per il potere, ma anche per lo stesso amore.

Greg Tarzan Davis si unisce al progetto dopo aver interpretato Coyote in Top Gun: Maverick e Theo Degas nei due capitoli finali della saga Mission: Impossible. Sylvia Hoeks, invece, è reduce dal ruolo di Sister Agnieszka nel dramma Mother (2025) e dalla collaborazione con Zack Snyder come voce di Sigrid nella serie animata Twilight of the Gods.

Il film originale, uscito nel 2005, aveva ricevuto recensioni in prevalenza positive, con un punteggio del 62% su Rotten Tomatoes basato su 148 recensioni. Pur non essendo tratto da una storia vera, Lord of War si ispirava al traffico d’armi internazionale, in particolare negli anni successivi al crollo dell’Unione Sovietica. Il sequel sembra invece guardare alle tensioni contemporanee legate al Medio Oriente, aggiornando il contesto del racconto.

Sebbene i ruoli di Davis e Hoeks non siano ancora stati rivelati, il loro ingresso nel cast potrebbe avere un peso decisivo nell’evoluzione del conflitto tra Yuri e Anton. La rivalità tra padre e figlio promette di essere ben più aspra e complessa rispetto al rapporto fraterno tra Yuri e Vitaly (interpretato da Jared Leto) nel film originale.

Oscar Isaac parla del ritorno di Star Wars tra le polemiche della Disney

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Oscar Isaac parla apertamente di un possibile ritorno nella saga di Star Wars. Sebbene siano passati più di cinque anni dalla conclusione della trilogia sequel, la porta è ancora aperta per il ritorno di molti dei nuovi personaggi nell’amato universo, ma se gli attori lo desiderino è tutta un’altra storia.

In un’intervista con GQ, a Isaac è stato chiesto se avrebbe mai voluto rivisitare l’universo di Star Wars. La star di Poe Dameron ha chiarito che [lui] sarebbe disponibile, anche se al momento [lui] non è così disponibile a lavorare con la Disney. Ha poi aggiunto: “Ma se riuscissero a risolvere la questione e, sapete, a non soccombere al fascismo, sarebbe fantastico.

GQ ha aggiunto la nota editoriale che “Questa intervista è stata condotta due giorni dopo che ABC e Disney hanno sospeso la produzione di Jimmy Kimmel Live! in risposta ai commenti fatti da Kimmel dopo la morte di Charlie Kirk.” Il giornale ha anche confermato che “Kimmel è tornato in onda quattro giorni dopo questa conversazione.

Isaac ha anche affrontato alcuni commenti precedenti che aveva fatto riguardo a un ritorno in Star Wars, poiché in un’intervista a Deadline nel giugno 2020 aveva dichiarato che sarebbe stato disposto a interpretare di nuovo Poe se avesse avuto bisogno di un’altra casa. Ha scherzato dicendo: “Se avessi bisogno di un’altra casa o qualcosa del genere”, cosa che ora ha chiarito con GQ più di cinque anni dopo.

Il 46enne ha dichiarato nella nuova intervista: “Sì. È stata una citazione davvero simpatica. Gesù Cristo. Sai, la gente ti fa delle domande, tu rispondi, senza pensarci troppo.” Ma alla fine ha ammesso: “Ho detto una cosa un po’ da stronzo.

Sebbene Lucasfilm e Disney non abbiano rilasciato alcuna dichiarazione sul futuro di Poe nella saga, hanno intenzione di continuare la storia di Rey con Daisy Ridley, dato che il film New Jedi Order è in fase di sviluppo. Tuttavia, poiché al momento non è stata fissata una data di uscita per il suo nuovo film, non è chiaro se attori di Star Wars come Isaac potrebbero apparire.

Sigourney Weaver rivela la nuova trama di Alien 5 e gli ultimi aggiornamenti sul ritorno di Ripley

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Sigourney Weaver rivela nuovi dettagli sulla trama di Alien 5 e un aggiornamento sul ritorno di Ripley. Nel 2015, la Weaver aveva espresso interesse a riprendere il ruolo di Ripley in Alien 5 di Neill Blomkamp, poi cancellato a favore dei prequel di Ridley Scott. Nel 2020 è stata rivelata una sceneggiatura separata per Alien V, incentrata su Ripley e scritta da Walter Hill e David Giler, produttori del film originale.

Il 7 novembre, la Cinémathèque Française di Parigi ha ospitato una proiezione dell’originale Alien e, al termine, Sigourney Weaver ha tenuto una masterclass di 60 minuti intitolata “A Lesson in Cinema”, in cui ha riflettuto sulla sua esperienza di lavoro nel film.

Durante la sessione di domande e risposte, un membro del pubblico ha chiesto informazioni su Alien 5 di Neill Blomkamp, che avrebbe ignorato Alien 3 e riportato in scena Ripley e Newt.

La Weaver ha espresso la sua ammirazione per Blomkamp e ha elogiato la qualità del sequel mai realizzato, dicendo che “adorava lavorare con Neill e lui aveva questa idea di riportare in scena Ripley e Newt. Era una sceneggiatura meravigliosa”. Ha poi spiegato che il progetto è stato alla fine accantonato a causa dell’attenzione di Ridley Scott allo sviluppo della sua serie prequel:

Sì. Beh, penso che come molti di noi, fossi una grande ammiratrice di Neill. Il suo film era così sorprendente e ho lavorato con lui in un film chiamato [Chappie]. Mi è piaciuto molto lavorare con Neil, che aveva questa idea di riportare in scena Ripley e Newt. Era una sceneggiatura meravigliosa, ma purtroppo credo che a quel punto Ridley Scott abbia deciso di diventare molto possessivo nei confronti della serie e si sia concentrato sui suoi prequel. Credo quindi che sia stato un disastro per quel progetto. Non siamo mai riusciti a… Credo che Neil abbia semplicemente rinunciato, nonostante il suo grande talento. Gli auguro tutto il meglio.

La Weaver ha poi rivolto la sua attenzione a un altro progetto, una sceneggiatura di 50 pagine intitolata Alien V. Dopo aver menzionato per la prima volta la sceneggiatura nel 2020 e averla descritta come “piuttosto straordinaria” proprio il mese scorso, la Weaver ha condiviso nuove informazioni sulla direzione distintiva della storia. Sebbene abbia ribadito di “non aver mai desiderato particolarmente tornare alla serie”, ha ammesso che l’idea di Hill ha suscitato il suo interesse:

In realtà, Walter Hill ha scritto circa 50 pagine. Forse, a questo punto, ha scritto di più su dove potrebbe essere ora Ripley. E anche se non ho mai desiderato particolarmente tornare alla serie, c’è qualcosa nella sua esperienza di essere messa da parte ora, probabilmente da questa società, da questa azienda, da questo mondo, e di avere probabilmente circa 200 anni, ma di essere ancora Ripley e, sapete, presumibilmente questi problemi sono ancora lì fuori. Quindi vedrò cosa succede con la sceneggiatura di Walter. Non sarebbe come quello che abbiamo visto stasera. Non si tratterebbe di correre nei condotti di ventilazione. Sarebbe un tipo di storia molto diverso.

La Weaver ha anche espresso forte approvazione per la serie Alien: Earth di Noah Hawley, manifestando sincero entusiasmo per il futuro del franchise:

D’altra parte, ho adorato Alien: Earth. L’ho trovato straordinario. Così interessante, terrificante riguardo al nostro mondo eppure comprensibile… si può immaginare un mondo in cui ogni tech bro possiede un pianeta. Sai, non è poi così lontano da dove si trova l’America adesso. Quindi, sono felice di vedere che Alien ha gambe, come si suol dire, nel mondo degli affari. E penso che sia un momento molto interessante per la serie.

Guarda il video completo della masterclass qui sotto, tramite Mulderville su YouTube, con la conversazione su Alien 5 e Alien V che inizia all’incirca alle 01:08:52:

Tuttavia, Sigourney Weaver non ha escluso la possibilità di tornare nella serie Alien. Nell’ottobre 2025, al New York Comic Con, ha rivelato di aver discusso della possibilità di riprendere il ruolo di Ripley in un prossimo progetto, con una sceneggiatura scritta da Walter Hill:

Walter Hill è un mio caro amico e ha scritto 50 pagine su dove potrebbe trovarsi Ripley adesso, e sono davvero straordinarie. Non so se si realizzerà, ma ho avuto un incontro con la Fox, la Disney o chiunque sia ora. Ho detto che non ne ho mai sentito il bisogno. Ho sempre pensato: “Lasciatela riposare, lasciatela riprendere”. Ma quello che ha scritto Walter mi sembra molto veritiero, perché parla di una società che incarcererebbe qualcuno che ha cercato di aiutare l’umanità. Lei è un problema per loro, quindi viene messa da parte. Comunque, penso che le prime 50 pagine siano molto forti e sto pensando di lavorare con Walter per vedere come potrebbe essere il resto della storia.

Marvel Comics conferma che il 2026 segnerà il tanto atteso ritorno dello SHIELD

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Marvel riporta finalmente in auge lo SHIELD dopo quasi un decennio di assenza, con Nick Fury Jr. alla guida dell’organizzazione. Lo SHIELD ha agito come tessuto connettivo tra supereroi, governi e crisi globali nel corso dei decenni. Fondato da Nick Fury Sr., lo SHIELD rappresenta l’ideale di ordine nel caos in un universo pieno di minacce globali di ogni tipo.

Lo SHIELD è crollato durante il controverso Secret Empire, quando l’impostore di Capitan America dell’Hydra ha utilizzato le risorse dell’organizzazione per eseguire la sua presa di potere autoritaria. Una volta scoperta l’infiltrazione dell’Hydra, la credibilità dello SHIELD è stata danneggiata in modo irreparabile. La caduta dell’organizzazione ha segnato la fine di un’era, ma non rimarrà sciolta a lungo.

Nove anni dopo gli eventi di Secret Empire, lo SHIELD risorgerà dalle ceneri. Ancora più importante, lo farà in un fumetto di Capitan America, dove Steve Rogers aiuterà probabilmente l’organizzazione a riconquistare la sua credibilità.

Lo SHIELD ritorna ufficialmente in Capitan America n. 6

Captain america 6

Capitan America n. 6; Scritto da Chip Zdarsky; Disegni di Valerio Schiti, Delio Diaz e Frank Alpizar

La serie Captain America di Chip Zdarsky riporta lo S.H.I.E.L.D. nell’universo Marvel per la prima volta dal suo crollo in Secret Empire. Mentre il dominio globale del Dottor Destino crolla e la conclusione di One World Under Doom apre la strada al prossimo evento Armaggeddon, Capitan America è destinato a diventare il ponte tra due ere. Steve Rogers sta già combattendo contro Doom in Latveria, ma la sua missione non finirà lì.

Prima che Armaggeddon abbia inizio, Nick Fury Jr. preparerà il terreno per il ruolo dello SHIELD nell’evento con il ritorno ufficiale dell’organizzazione. Il numero 6 di Captain America di Zdarsky reintroduce una versione ridotta dell’agenzia, con un’influenza meno estesa ma grandi progetti per il futuro. Fury sarà accompagnato dagli agenti Charles Castlemore, Joe Ramos, Red Widow e Trevor Tambling. Naturalmente, però, i loro metodi potrebbero scontrarsi direttamente con quelli di Capitan America.

Lo scontro di Logan con Nuke e la sua indagine su Weapon X in Wolverine: Weapons of Armaggedon suggeriscono che tutti i personaggi e le organizzazioni legati alla storia del siero del Super Soldato saranno centrali in Armaggeddon. Wolverine stesso brandirà lo scudo di Capitan America. Tra gli eventi di Captain America #6 e Armaggeddon, il mondo di Steve Rogers potrebbe dover cambiare drasticamente e richiedere a lui di fare grandi sacrifici per partecipare al prossimo grande evento Marvel.

SHIELD assomiglia a Hydra in un aspetto fondamentale

Lo SHIELD ha sempre condiviso una strana somiglianza ciclica con il suo più grande nemico. Sia lo SHIELD che l’Hydra sono incapaci di morire veramente. Indipendentemente da quante volte cadano, rinascono inevitabilmente con nuovi agenti e nuove tattiche. Come dice il motto dell’Hydra, “taglia una testa e ne cresceranno altre due al suo posto”. Lo scopo dello SHIELD è troppo profondamente radicato nell’universo Marvel per scomparire completamente.

Questa resilienza ha un costo morale. Lo SHIELD opera in una zona grigia, camminando sempre su una linea sottile tra ordine e oppressione. Il suo uso di armi segrete, programmi di sorveglianza e manipolazioni occulte spesso rispecchia i metodi dell’Hydra. Anche dopo il crollo pubblico dell’agenzia, i resti sia dello SHIELD che dell’Hydra continuano a influenzare gli affari mondiali.

Orphan 3: rivelato un importante aggiornamento e il titolo ufficiale a un anno dall’annuncio

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Orphan 3 ha rivelato un importante aggiornamento sullo sviluppo, insieme alla conferma del titolo ufficiale, un anno dopo l’annuncio del sequel dell’horror. Nel novembre 2024, Dark Castle Entertainment ha confermato che un altro film era stato approvato dalla Lionsgate. Nel maggio 2025, la star degli slasher Isabelle Fuhrman ha descritto il terzo capitolo della serie, elogiando la sceneggiatura scritta da David Coggeshall e affermando che era ancora in fase iniziale.

Ora, DiscussingFilm ha pubblicato una foto dal dietro le quinte di Orphan 3, confermando che le riprese del prossimo capitolo sono iniziate. Il nuovo film si intitolerà Orphans e vedrà Fuhrman riprendere il ruolo di Esther. Non sono stati rivelati altri dettagli sul film, se non il ritorno di Coggeshall alla sceneggiatura e William Brent Bell alla regia. Date un’occhiata qui sotto:

 

Non è stato rivelato molto su Orphans, oltre al ritorno di Fuhrman, Coggeshall e Bell, che hanno tutti lavorato al prequel del 2022, Orphan: First Kill. Anche se i dettagli della trama non sono stati confermati al momento della stesura di questo articolo, l’attore protagonista lo ha descritto come un “inbetweenquel” durante un’intervista a Bloody Disgusting ad aprile, con eventi che si svolgono prima e dopo il primo film.

Orphan: First Kill è uscito in alcuni cinema e su Paramount+ il 19 agosto 2022, 13 anni dopo l’uscita del film originale. Il sequel ha ottenuto un’accoglienza generalmente positiva da parte della critica, guadagnando il 69% su Rotten Tomatoes. Ha anche incassato 45,6 milioni di dollari al botteghino globale, con un successo tale da giustificare un sequel.

La fine di Orphan: First Kill sembrava fermarsi al punto in cui Esther sarebbe stata successivamente adottata dai Coleman nel film originale. Ma, se il film si svolge sia tra i due film che dopo l’originale, allora la storia raccontata potrebbe aggiungere ancora più tradizione e retroscena al franchise, offerti in modi importanti.

A seconda di come si svolgerà il film, potrebbero esserci alcune risposte più profonde su ciò che Esther ha fatto nell’orfanotrofio e su come questo si colleghi a ciò che le accade dopo gli eventi del film originale. Dato il titolo, Orphans, sembra che questa volta qualcuno del suo passato sarà coinvolto nella sua serie di omicidi.

Con le riprese appena iniziate, sembra che Orphan 3 abbia molti segreti da svelare, con un potenziale cambiamento importante nella sua formula. Anche se non è chiaro come si svolgerà il nuovo capitolo, il film ha un grande potenziale già solo per il titolo. Questo potrebbe renderlo un sequel unico, dato che la storia di Ether si espande in modi nuovi.

NOS4A2: la spiegazione del significato del titolo della serie

Nel romanzo NOS4A2  di Jami O’Brien, la protagonista Victoria “Vic” McQueen è una delle poche persone dotate di poteri magici in grado di rompere il tessuto dello spazio e del tempo, così come quello della realtà e dell’illusione. Man mano che approfondisce la sua ricerca, scopre che molti non solo hanno imparato a controllare i propri poteri, ma li usano anche per creare cose dal nulla, semplicemente attraverso la loro immaginazione.

Data la soggettività insita in questo sistema magico, chi lo padroneggia finisce per trovarsi su uno spettro, dove da un lato ci sono persone come Vic e la sua amica Maggie, che usano i propri poteri per fare del bene.

Dall’altro lato, invece, ci sono entità che sono in grado di perpetrare il male con i propri poteri e non esitano a farlo. Charlie Manx, un’entità apparentemente immortale, non solo occupa ma definisce anche quest’ultimo lato dello spettro. Pertanto, il nome enigmatico di questa serie fantasy horror, basata sull’omonimo libro di Joe Hill, è profondamente legato a Charlie e alle sue malefatte. SPOILER IN ARRIVO.

NOS4A2 è più di una semplice targa personalizzata di Charlie Manx

Il titolo “NOS4A2” è principalmente un riferimento a Nosferatu, un’arcaica parola rumena sinonimo di vampiri. La parola compare anche nella serie, così come nel libro originale di Joe Hill, come targa personalizzata dell’iconica Rolls-Royce Wraith del 1938 di Charlie Manx. Sebbene inizialmente sembri una scelta creativa da parte degli sceneggiatori per esaltarne l’estetica, il nome acquista più significati quando scopriamo il sistema di potere fantasy del mondo. Dato che l’Inscape di un Forte Creativo dipende dal veicolo che sceglie, la Wraith di Charlie diventa anche la porta d’accesso alle numerose imprese magiche della serie. In particolare, l’auto sembra avere una vita propria e qualsiasi danno arrecatole ha un effetto diretto e cumulativo sul suo proprietario. In questo modo, “NOS4A2” diventa più di un semplice nome dato a un veicolo ordinario, ma anche un emblema che rappresenta e misura la sua coscienza.

Sebbene l’auto di Charlie sia costantemente indicata come “Wraith” all’interno della narrazione, la targa personalizzata è una presenza costante nelle due stagioni della serie, informando costantemente una parte significativa della presenza dell’auto sullo schermo. Man mano che la storia procede, diventa evidente che il veicolo è più di una semplice fonte di forza e giovinezza per Charlie, ma anche la chiave per svelare la sua psiche. Sia nel finale della prima che della seconda stagione, la protagonista, Victoria McQueen, prende di mira la Wraith per sconfiggerlo e, alla fine, l’auto viene consumata dalla statica soprannaturale che si trova al di fuori dei regni della realtà e delle costruzioni di Inscape. Quando la Wraith viene finalmente recuperata nel mondo reale, Victoria si assicura che venga rottamata per sempre e, con essa, anche la targa personalizzata con la scritta “NOS4A2” viene ridotta in polvere. A tal fine, questa conclusione può essere interpretata come la fine del ruolo di Charlie Manx come antagonista vampiresco nella storia.

Una variazione cruciale nel nome deriva dal libro originale di Joe Hill, che funge da base per questo adattamento televisivo. Mentre le edizioni americane del romanzo mantengono il titolo “NOS4A2”, le edizioni britanniche omettono intenzionalmente la lettera A, risultando in “NOS4R2” come nome del libro. Nonostante le differenze, entrambi i titoli utilizzano lo stesso gioco di parole, dove nel secondo caso la lettera R dovrebbe ottenere da sola un effetto sonoro simile. Mentre il titolo della serie e il suo materiale di partenza si ricollegano alla parola Nosferatu, la narrazione si concentra principalmente sulla ricostruzione del genere vampiresco nel suo complesso. In un’intervista con Refinery29, lo scrittore Joe Hill ha dichiarato: “Abbiamo avuto così tanti vampiri che invece di essere spaventosi, sono diventati banali. La domanda era: come reinventare il mito dei vampiri in modo che risultasse nuovamente fresco e spaventoso? Cosa eliminare? Cosa mantenere?”.

Il nome NOS4A2 si ispira al vampiro più iconico del cinema

Nosferatu

Oltre al significato generale del termine Nosferatu, la serie è molto probabilmente ispirata al film tedesco del 1922 di F.W. Murnau, intitolato “Nosferatu: Una sinfonia dell’orrore”. Il film, a sua volta, è un adattamento non autorizzato del romanzo fondamentale di Bram Stoker del 1897, Dracula, che stabilisce una catena di influenze da cui la serie alla fine attinge. Sebbene tutte queste iterazioni siano nettamente diverse, “NOS4A2” conserva alcuni degli elementi del film classico, riversandone molti nella scrittura del personaggio di Charlie Manx. Proprio come il suo predecessore cinematografico, il conte Orlok, Charlie semina il terrore in città, lasciando una scia di vittime. Tuttavia, a differenza di Orlok, che uccide in modo relativamente indiscriminato, Charlie prende di mira specificamente i bambini, sfruttando le loro anime per reintegrare periodicamente la sua giovinezza. Dato il costante uso di riferimenti alla cultura pop da parte della serie, la decisione di Charlie Manx di rendere la sua targa personalizzata un riferimento a Nosferatu fornisce una preziosa intuizione sulla sua psiche.

Nonostante la sua apparente immortalità, Charlie non mostra la maggior parte delle caratteristiche convenzionalmente associate al vampirismo. In particolare, Charlie non si nutre di sangue, nonostante possieda le zanne, ma si nutre invece delle anime dei bambini abbandonati. Allontanandosi ancora di più dalla tradizione, Charlie non è influenzato dal sole ed è spesso perfettamente in grado di funzionare in pieno giorno. Sebbene la sua dimora isolata corrisponda a molte delle aspettative del genere riguardo alla villa di un vampiro, il fatto che la sua abilità crei un costrutto immaginario per i bambini lo allontana ulteriormente dall’idea di un vampiro tradizionale. Tuttavia, l’ossessione di Charlie per Nosferatu probabilmente riflette il suo desiderio di essere mitizzato in modo simile, oltre che di provare una qualche forma di connessione umana dopo decenni di isolamento.

NOS4A2 – Stagione 2, spiegazione del finale: Charlie è morta definitivamente?

Creata da Jami O’Brien, la seconda stagione di NOS4A2 continua il viaggio di Victoria “Vic” McQueen nella proverbiale tana del bianconiglio. In un mondo governato dalla magia, lei lotta per separare la linea tra la sua realtà e la sua immaginazione, permettendo a figure malvagie come Charlie Manx, l’entità apparentemente immortale, di trarne vantaggio. Nella stagione precedente, la resa dei conti tra Vic e Charlie si è conclusa con la vittoria di lei, ma non senza conseguenze. L’amante di Vic, Craig, ha fatto una fine straziante e, con Charlie in stato comatoso, la sorte dei numerosi bambini che ha rapito rimane incerta. Nella seconda stagione di questa serie fantasy horror, Vic amplia sia la portata che il significato dei suoi poteri e ne testa l’interazione con il mondo in continua evoluzione che la circonda. Tuttavia, con i nemici che si avvicinano silenziosamente nei suoi punti ciechi, è solo questione di tempo prima che lei debba intraprendere nuovamente un viaggio difficile. SPOILER IN ARRIVO.

Riepilogo di NOS4A2 – Stagione 2

Sono passati otto anni dalla sconfitta di Charlie e dalla sua successiva morte cerebrale, e le cose stanno andando relativamente bene per Vic. Conduce una vita tranquilla a Gunbarrel con il suo compagno, Lou, e suo figlio, Bruce Wayne, ma gli effetti persistenti della sua battaglia l’hanno portata a una dipendenza dall’alcol. A ciò si aggiungono frequenti attacchi di paranoia sul potenziale ritorno di Charlie, e quando la notizia della sua morte le giunge all’orecchio, fatica a crederci. Tuttavia, quando Bing viene a conoscenza di questo fatto, abbandona la sua falsa identità e costringe un meccanico a riparare l’auto del suo padrone, la Wraith. Quando il motore torna a ruggire, Charlie apre gli occhi e le sue ferite residue guariscono rapidamente grazie alla preparazione di Bing con un bambino da sacrificare. Di nuovo cosciente e giovane, l’entità immortale parte alla ricerca di vendetta, con come obiettivo principale Vic e tutte le persone a lei care.

Usando il suo Inscape, Charlie inizia una guerra psicologica, isolando specificamente Wayne come sua prossima potenziale vittima. Anche se Lou riesce a salvare suo figlio per un soffio, Vic si rende conto che l’unico modo per uscire da questa battaglia da incubo è distruggere la Wraith per sempre. Quando fallisce in questo intento, però, Charlie diventa solo più sicuro di sé e iniziano ad apparire delle fratture nella sua famiglia. Nel frattempo, i bambini intrappolati a Christmasland percepiscono l’arrivo di Charlie. Tuttavia, sua figlia Millie ha delle domande, molte delle quali riguardano la sua libertà. Una delle ragioni alla base del cambiamento nella loro dinamica è il fantasma che infesta Christmasland, che si rivela essere la defunta moglie di Charlie e madre di Millie. Un flashback sul passato dell’uomo immortale rivela che è stata uccisa dalla sua stessa figlia, e quel ricordo represso porta a sottili cambiamenti nel processo mentale di Millie.

Man mano che la partita a scacchi tra Vic e Charlie si intensifica, altri giocatori si aggiungono all’equazione. Uno dei suoi soci, conosciuto semplicemente come l’Uomo della clessidra, ha la capacità di controllare i movimenti delle persone. Quando si trova a confrontarsi con Maggie, rivela che gli effetti collaterali di Inscape possono essere contenuti danneggiando se stessi o qualcun altro in anticipo. È questa distinzione che separa i due schieramenti e, alla fine, Maggie ha la meglio. Nel frattempo, Bing si rende conto che Charlie ha mentito sul viaggio promesso a Christmasland e, in un impeto di rabbia, il serial killer tradisce il suo padrone e finisce dietro le sbarre. Con tutti i suoi alleati ormai fuori gioco, Charlie affronta da solo la battaglia finale con Vic. Questo comporta il rapimento di Wayne e il sottrargli la sua energia. Disperata per riavere suo figlio, Vic si allea con Maggie e rientra nella temuta Christmasland, questa volta con un piano non solo per sconfiggere Charlie, ma per privarlo completamente dei suoi poteri soprannaturali.

Finale della seconda stagione di NOS4A2: Charlie è morto per sempre? Cosa succede al Wraith?

La seconda stagione di “NOS4A2” si conclude con Vic che sconfigge Charlie, apparentemente una volta per tutte, distruggendo il suo Inscape dall’interno. Mentre Charlie insegue lei e Maggie sul Wraith, Vic lo attira abilmente fuori dalla sua tana e sul Shorter Way Bridge, un regno su cui lei ha il controllo totale. Sebbene abbia sempre usato il suo Inscape per teletrasportarsi, in questo momento accetta simbolicamente che il ponte funzioni come una tela in grado di dare vita ai suoi desideri più profondi. In linea con questa scoperta, si ferma al centro del ponte e spiega a Maggie che lasciare Charlie andare oltre porterà solo danni ai loro cari.

Invece, mantenendo la lotta sul suo terreno, Vic è in grado di fermarlo lanciando una colonia intera di pipistrelli costruiti nella sua direzione. Stordito, Charlie perde il controllo del suo veicolo e in breve tempo il ponte cede sotto il suo peso, trascinando con sé sia l’auto che Charlie. In particolare, quando il ponte inizia a rompersi, intravediamo chiaramente quello che sembra essere un oceano di statica che dà forma a queste costruzioni immaginarie. Pertanto, Charlie e il Wraith, inghiottiti da questa distesa, non sono in grado di reagire. A livello simbolico, la presenza di elettricità statica implica anche un’assenza di immaginazione, che rafforza il motivo per cui Charlie ha perso questo scontro finale.

Nei giorni successivi allo scontro, il corpo di Charlie viene ritrovato in mezzo al lago, accanto alla sua auto, che è ridotta in pezzi. Tuttavia, a differenza dell’ultima volta, Vic non prende mezze misure e porta i resti del Wraith in un deposito di rottami, dove viene ridotto in macerie. Allo stesso modo, il corpo di Charlie viene cremato, lasciando pochissime possibilità, se non nessuna, di resuscitarlo. Tuttavia, il processo di frantumazione lascia intatto l’ornamento a forma di angelo sul cofano dell’auto, che potrebbe essere un Horcrux sotto mentite spoglie. Poiché la serie ha stabilito che gli Horcrux sono un espediente narrativo in grado di sigillare e proteggere l’anima di una persona, c’è una possibilità concreta che la coscienza residua di Charlie sia intrappolata nell’ornamento del cofano e possa essere liberata in qualsiasi momento.

Inoltre, il fatto che in origine non avesse bisogno della Wraith per canalizzare i suoi poteri vampirici dimostra che Charlie potrebbe non essere così facile da eliminare come credono tutti a Gunbarrel. Tuttavia, ciò che alla fine lo sconfigge nel finale di stagione non è una falla nelle sue difese magiche, ma la pura forza di volontà di Vic e Maggie. Il fatto che venga attaccato dai pipistrelli, un simbolo tradizionalmente associato ai vampiri, ha un doppio significato, mostrando come Vic possieda la capacità unica di ribaltare le sue aspettative, il che alla fine porta alla sua rovina. Allo stesso tempo, i pipistrelli richiamano anche il suo amore per Bruce Wayne, che prende il nome dal supereroe. Quindi, un mix di amore, immaginazione e puro coraggio è ciò che alla fine porta alla sconfitta di Charlie.

I bambini scomparsi sono stati ritrovati?

Con Charlie fuori dai giochi, anche la forza magica vincolante che intrappola tutti i bambini a Christmasland cessa di esistere, aprendo una via di fuga. La distruzione del suo Inscape crea una rottura completa nella realtà e il deflusso dei bambini finisce per innescare circostanze inaspettate. Dato che l’influenza corruttrice di Charlie sulla psiche dei bambini li ha trasformati in violenti cannibali, il loro rilascio nella società così com’è può fare più male che bene, ma alla fine è Tabitha a trovare una soluzione. In quanto figlio di Vic, Wayne diventa la lente principale attraverso cui esaminare questo enigma. Di conseguenza, guarirlo apre la strada alla guarigione di tutti i bambini.

Tabitha, insieme a Lou, scopre che l’albero pieno di decorazioni natalizie ha un legame psichico con Wayne e, per estensione, con Charlie Manx. Lou capisce immediatamente che le decorazioni fungono probabilmente da Horcrux e che distruggerle potrebbe potenzialmente riportare la coscienza dei bambini. In particolare, l’ornamento a forma di pipistrello è il primo ad essere distrutto, e questo atto è probabilmente in sintonia con l’uso che Vic fa dei pipistrelli per tenere a bada Charlie. A tal fine, ogni Horcrux distrutto cancella una parte dei poteri di Wayne, contribuendo alla sua definitiva sconfitta. Gli effetti non si fermano qui, poiché ogni ornamento rotto ferisce direttamente anche Wayne, dimostrando fino a che punto Charlie avesse diffuso le sue radici nella mente del ragazzino.

Ciononostante, il piano funziona, poiché Tabitha scopre che non solo tutti i bambini scomparsi sono fuori da Christmasland, ma sono anche tornati al loro stato originale, con le loro anime libere dal controllo dell’uomo immortale. Tuttavia, sfuggire a quella vita febbrile è solo il primo passo nel loro recupero dal trauma e, nel flashforward, scopriamo che non tutti i bambini sono stati ugualmente fortunati. Mentre alcuni fanno progressi costanti, altri sono bloccati in un ciclo di case famiglia, con la loro esperienza collettiva in quell’ambiente straziante che probabilmente lascia alcuni profondi postumi.

Bruce Wayne e Millie Manx sono ancora posseduti?

Mentre la maggior parte dei bambini è stata liberata dalla morsa immediata di Charlie, Millie Manx è un’eccezione, poiché la vediamo fuggire silenziosamente dalla scena con il suo ornamento, un gatto, ancora intatto. Il fatto che lei porti ancora le sue zanne da vampiro significa che la maledizione di suo padre non ha ancora lasciato il suo corpo. Nei giorni seguenti, scopriamo che lei è l’unica erede rimasta delle sue capacità e della sua filosofia, nonostante sia stata una delle prime persone a metterle in discussione. Parte di questa ironia sembra essere una scelta consapevole da parte sua, poiché decide di tenere stretto l’Horcrux che contiene la sua anima. Questo atto può essere interpretato come il risultato del suo trauma persistente, dimostrando che la crudeltà di suo padre influenza ancora le sue scelte di vita.

Nella scena finale dello show, vediamo Millie Manx attaccare una coppia che sta prendendo in giro Charlie Manx, diventato ormai una leggenda metropolitana. Questo non solo la pone come una potenziale forza antagonista, ma chiude anche il cerchio della tragedia. A differenza di Millie Manx, Wayne non ha alcun legame fisico o spirituale con Charlie, poiché gli ornamenti sono stati distrutti. Vic e Lou fanno un passo in più lasciando Gunbarrel nella speranza di prendere le distanze dalla sua contorta eredità. Tuttavia, col passare del tempo, Wayne inizia a mostrare strani comportamenti, indicando che i suoi legami con il soprannaturale non sono ancora finiti.

Quella che inizia come una mancanza di desiderio di mangiare si trasforma alla fine in una sua eccessiva voglia di zucchero, che sembra richiamare la sua esperienza di mangiare caramelle a Christmasland. Questo ribaltamento funge da lente per i suoi cambiamenti comportamentali, mentre Vic si rende conto, con orrore, che Wayne sente la mancanza della sua vita a Christmasland. Quando Millie e Wayne si incontrano in segreto, promettono di creare una Christmasland tutta loro, eppure il fatto che lei lo chiami Wayne McQueen invece che Wayne Manx dimostra che non è necessariamente influenzata dal lavaggio del cervello di Charlie, ma desidera invece tracciare la propria strada.

Dove sta andando Maggie? Cosa c’è nell’ascensore?

Negli ultimi momenti della seconda stagione, intravediamo anche cosa riserva il futuro a Maggie. Prima del suo scontro con l’uomo della clessidra, scopre che un modo per contrastare gli effetti di Inscape è ferire se stessi o gli altri, e qui la vediamo sfruttare appieno questo trucco. Tuttavia, bruciarsi il polso per usare i propri poteri non è privo di connotazioni simboliche, e questa decisione audace dà il tono a ciò che desidera veramente. Usando le sue tessere magiche, scopre il suo futuro, che la riporta al Provincial Hotel, dove ha incontrato e combattuto l’uomo della clessidra. Una volta tornata lì, si dirige direttamente verso l’ascensore e, durante la discesa, questo inizia a tremolare, segnalando una transizione verso il regno soprannaturale, che potrebbe condurla a un Inscape completamente nuovo.

Se il bar Parnassus rappresenta una coscienza collettiva alimentata dalla negatività, questo nuovo spazio potrebbe fungere da sua antitesi, aprendo gli orizzonti creativi di Maggie. Mentre Vic ha avuto la sua buona dose di esperienze con Inscape unici, l’abilità di Maggie non sempre consente lo stesso livello di flessibilità. A differenza di Vic, il cui Shorter Way Bridge non solo si manifesta ma collega anche regni inventati, tutta la magia nel caso di Maggie avviene all’interno di un sacchetto. Questa natura nascosta della sua abilità riflette anche la sua introversione e la sua esitazione a fare un atto di fede.

Tuttavia, dopo aver preso parte alla campagna che ha portato alla caduta del temuto Charlie Manx, Maggie è ora sia incoraggiata che curiosa di conoscere i limiti del suo Inscape e della magia in generale. A tal fine, questo viaggio attraverso l’ascensore segna la sua prima incursione nel mondo più ampio al di fuori delle poche città che abbiamo visto. Inoltre, amplia la costruzione del mondo della serie, sia in termini di ambientazione che di struttura tematica, poiché il rapporto di Maggie con il dolore e la magia è destinato a intensificarsi man mano che interagisce con nuovi Strong Creatives, potenzialmente più potenti.

NOS4A2 – Stagione 1, spiegazione del finale: Charlie Manx è ancora vivo?

Creata da Jami O’Brien, NOS4A2 racconta la storia di Victoria “Vic” McQueen, un’adolescente apparentemente normale che possiede segretamente il potere di attraversare lo spazio e il tempo. In un mondo in cui la magia è un’abilità riservata a pochi eletti, Vic si ritrova presto faccia a faccia con un’entità che terrorizza il mondo da decenni, se non da secoli. Charlie Manx, apparentemente immortale, si sostiene rapendo bambini e intrappolandoli in un regno fantastico che solo Vic è in grado di localizzare, rendendo inevitabile lo scontro tra i due. Il cuore di questa serie fantasy horror, basata sull’omonimo libro di Joe Hill, è proprio il fatto che Vic impari a usare i suoi poteri per il bene e sconfigga il predatore soprannaturale. SPOILER IN ARRIVO.

Riepilogo della trama della stagione 1 di NOS4A2

NOS4A2 inizia con la famiglia McQueen, composta da Christopher, Linda e la loro figlia Vic, che si trova ad affrontare un momento critico. Mentre i loro problemi familiari raggiungono il punto di rottura, Vic si sveglia un giorno e scopre che suo padre ha abbandonato la famiglia. Tuttavia, lei ha un asso nella manica, un’abilità soprannaturale che le permette di localizzare qualsiasi cosa e chiunque, non importa quanto ben nascosto. Soprannominata “il ponte della via più breve”, Vic può usare questa abilità solo mentre guida la sua moto da cross attraverso l’omonimo ponte nel mezzo della foresta, che la trasporta magicamente dove può trovare ciò che desidera. In questo caso, si tratta di suo padre, ma quando lo vede con una nuova compagna, abbandona l’idea di una riunione. Scopriremo in seguito che questa abilità non è esclusiva di Vic, poiché anche altri, noti come Strong Creatives, possono rompere il tessuto della realtà per perseguire i propri desideri e creare spazi liminali noti come Inscapes. Charlie Manx è una di queste entità, ma le sue motivazioni non sono affatto innocenti.

Scopriamo di più su Charlie attraverso i suoi contorti schemi lavorativi, che prendono di mira Bing Patridge, un dipendente della scuola superiore di Vic con un passato da nascondere. Un flashback rivela che Bing ha ucciso suo padre e ha abusato sessualmente di sua madre in giovane età, e da allora ha represso i suoi desideri violenti nella speranza di integrarsi nella società. Tuttavia, l’opportunità di rapire bambini per Charlie riapre le porte ai desideri sanguinari di Bing, e ne consegue una scia di sangue. Charlie ha un motivo molto specifico per rapire bambini, scegliendo spesso quelli che sono stati abbandonati in un modo o nell’altro. Una volta ottenuto il controllo, Charlie promette loro un viaggio a Christmasland, che si rivela essere il suo Inscape. A Bing viene promesso l’ingresso in questa terra mistica se riuscirà a rapire dei bambini piccoli, ma Vic interviene appena in tempo, usando i suoi poteri per scoprire la fonte di queste improvvise sparizioni.

Di fronte a una sfida, Charlie non perde tempo e sopraffà Vic, ma le risparmia la vita perché ha grandi progetti per il suo futuro. Man mano che approfondisce il suo passato, scopre che decenni fa aveva un’amante di nome Jolene con abilità soprannaturali simili alle sue. Tuttavia, alla fine scoprì che il suo compagno stava sottraendo la forza vitale ai bambini per mantenere la sua eterna giovinezza. Di conseguenza, la dichiarò pazza e poco dopo la fece internare in un istituto. Nel presente, Vic rintraccia Jolene, che è ancora viva, e scopre che l’uso dell’Inscape da parte di una persona è soggettivo e dipende dal mezzo di trasporto utilizzato. Per Charlie, quel mezzo è la sua amata auto, soprannominata “Wraith”, e Vic decide di distruggerla con ogni mezzo necessario. Tuttavia, nel corso dell’operazione, Charlie cattura il suo amante, Craig, e lo imprigiona insieme al resto dei bambini rapiti, che si sono trasformati in entità malvagie in assenza delle loro anime. Mentre ha inizio la battaglia finale tra Charlie e Vic, quest’ultima si rende conto che la strada verso la vittoria non è priva di costi.

Finale della prima stagione di NOS4A2: Charlie Manx è ancora vivo?

La prima stagione di “NOS4A2” si conclude con Charlie Manx che esce dal suo stato comatoso giusto il tempo necessario per instillare nuovamente la paura nella città. Anche se subito dopo ricade nell’incoscienza, le parole che lascia confermano che i suoi desideri più profondi sono diventati ancora più forti col tempo e che il suo potenziale ritorno porterà a un regno del terrore ancora più grande. Il confronto di Charlie con Vic si conclude con lei che dà fuoco al Wraith, e il danno finisce per avere un effetto aggravante su di lui. Mentre i pezzi del veicolo bruciano, l’entità immortale invecchia rapidamente, perdendo apparentemente sia la forza che i poteri soprannaturali. Tuttavia, la sua stessa immortalità finisce per ritorcersi contro di lui, poiché invece di morire, Charlie brucia e si raggrinzisce fino a diventare quasi irriconoscibile. Allo stesso modo, il fatto che non possa morire fa sì che il suo ritorno non sia solo una possibilità remota, ma una eventualità che dipende dal sistema magico che lo sostiene.

Nel corso della storia, il legame di Charlie con la Wraith è descritto come qualcosa di più di un legame emotivo o psicologico, poiché l’auto è sia un’entità soprannaturale che uno strumento in sé. Qualsiasi danno arrecato all’auto, in quanto tale, ha un effetto proporzionale sul suo proprietario, creando una dinamica definita da un equilibrio assoluto. Vic, che ha esperienza diretta del costo dell’uso dei suoi poteri, sfrutta questo effetto causale bruciando la Wraith, il che a sua volta distrugge Charlie dall’interno. Tuttavia, i momenti finali della stagione dimostrano che anche l’inverso di questa reazione è vero, poiché qualsiasi riparazione effettuata sull’auto guarisce direttamente parti del suo cervello, anche se temporaneamente. Lo vediamo accadere in tempo reale quando un meccanico mette le mani sull’auto e cerca di ripararne il motore, riportando accidentalmente Charlie in sé. Anche se le connessioni telepatiche si interrompono con il motore che si guasta ancora una volta, ora si intravede una chiara via verso la guarigione per l’uomo immortale.

Nel breve momento in cui riprende conoscenza, Charlie afferra l’infermiera accanto a lui e inizia a elencare in modo terrificante tutti i danni che può, e forse potrà, infliggere alla sua famiglia. Questo ribadisce la sua forza motrice durante tutta la narrazione, il desiderio di sottrarre la forza vitale ai bambini che sono stati abbandonati in un modo o nell’altro. A tal fine, il suo metodo di rianimazione è direttamente parallelo al modo in cui il carburante viene periodicamente aggiunto a un veicolo per mantenerlo in funzione, consolidando un motivo tematico. Un altro importante simbolismo coinvolto nella scena è quello della sacca per la trasfusione di sangue, che cade dalle mani dell’infermiera e si rovescia sul pavimento. In questo modo, la scena va contro la tradizionale rappresentazione del vampirismo, mostrando come la sete di Charlie non possa essere placata solo dal sangue. Dato che è effettivamente immortale fintanto che la Wraith esiste in qualche forma, Vic potrebbe dover escogitare dei modi per distruggere l’auto una volta per tutte.

Vic è incinta? Craig è vivo o morto?

All’indomani della battaglia culminante, Vic viene portata d’urgenza in ospedale, dove un esame delle sue ferite porta a una rivelazione molto più grande: è incinta. Sebbene si deduca che il padre non sia altro che Craig, il suo destino finale riempie la scena di un senso di tragedia. Il piano di Vic di bruciare l’auto di Charlie ha avuto l’effetto indesiderato di intrappolare Craig all’interno. Data la sua natura magica, il Wraith non risponde a nessun tentativo di entrata o uscita non consentito dal suo proprietario, e questo significava che Craig non aveva modo di uscirne vivo. Nel bel mezzo della lotta contro un bambino infetto, il giovane cerca con tutte le sue forze di liberarsi, ma ogni suo movimento non fa che confermare l’inevitabile. Nei suoi ultimi istanti di vita, Craig incrocia lo sguardo della sua amata, Vic, e la supplica di uscire dal veicolo, assicurandosi che lei si metta in salvo mentre l’auto esplode, uccidendolo.

La notizia della gravidanza di Vic è uno shock non solo per la sua famiglia, ma anche per Vic stessa. Con Craig morto, la responsabilità di crescere il bambino ricade ora esclusivamente su Vic, e il salto temporale di sei mesi che segue conferma che ha scelto di tenere il bambino. In un certo senso, la sua decisione di diventare madre chiude il cerchio della storia, poiché Vic ha ora l’opportunità di migliorare le esperienze che ha vissuto, oltre che di contrapporre narrativamente le convinzioni e i sistemi di abuso di Charlie nei confronti dei bambini. Data l’enfasi posta dall’uomo immortale sul fatto che Vic sia vergine, il fatto che lei stia per avere un bambino è solo uno dei tanti segni che ribadiscono la sua schiacciante sconfitta in questa stagione. Tuttavia, la gravidanza di Vic tocca anche un aspetto completamente diverso della storia, che riguarda le sue aspirazioni future. Mentre la distruzione della sua bicicletta da parte di Charlie simboleggia la fine delle sue ambizioni creative, la presenza del bambino, al contrario, significa un nuovo inizio.

Dove sono i bambini scomparsi? Vic li trova?

Mentre Charlie viene sconfitto e Vic riesce a fuggire, non ci viene fornita alcuna immagine concreta di ciò che accade ai bambini intrappolati all’interno di Christmasland. Dopo un salto temporale di sei mesi, scopriamo che Vic ha sentito le voci dei bambini che la guidavano verso Christmasland e il Cimitero di Ciò Che Potrebbe Essere. Anche se i bambini non si vedono da nessuna parte, lei sente distintamente uno di loro chiedere del padre, riferendosi a Charlie. I bambini aggiungono anche di avere fame e, dato il loro passato cannibale, è solo questione di tempo prima che tutto precipiti nel caos. Esaminando il luogo, Vic si imbatte in un albero con centinaia di bambole, caramelle e altri oggetti appesi ai rami. Quando riconosce una barca caduta come quella appartenente al bambino morto, però, improvvisamente tutto acquista senso e lei capisce che ogni decorazione natalizia legata all’albero potrebbe rappresentare un bambino rapito da Charlie, con la loro morte simboleggiata dall’oggetto caduto a terra.

La rivelazione sulla vera natura e il significato dell’albero porta a due possibilità riguardo ai bambini e al modo di recuperarli. Innanzitutto, il fatto che la maggior parte degli ornamenti siano ancora appesi indica che i bambini sono ancora vivi e probabilmente stanno cercando un modo per fuggire da Christmasland. Sebbene ci sia una buona probabilità che questi oggetti ospitino le anime dei bambini rapiti, non è possibile stabilire senza grandi rischi se distruggerli restituisca l’anima al suo corpo ospite o semplicemente permetta al bambino di riposare in pace. L’unica via d’uscita da questo dilemma sembra essere attraverso l’Inscape, ma con la bicicletta di Vic ormai fuori gioco, un viaggio di ritorno in quel regno soprannaturale è estremamente improbabile. Tuttavia, la capacità di Jolene di sostituire la sedia a rotelle con i pattini a rotelle dimostra che il proprio “coltello”, ovvero il mezzo di accesso all’Inscape, può essere modificato. Anche se questo dà a Vic una possibilità di lottare nella sua ricerca dei bambini, non si può escludere la possibilità che essi abbiano superato il punto di non ritorno.

Cosa succede a Bing? Riesce a fuggire?

Tra il caos e i macabri colpi di scena del finale di stagione, Bing riesce a fuggire e a iniziare una nuova vita in segreto, nonostante i tentativi della polizia di catturarlo. Nel flashforward di sei mesi, scopriamo che Bing si è rasato la barba e tagliato i capelli, creando un look irriconoscibile che lo aiuta a mimetizzarsi nel suo nuovo ambiente. Tuttavia, il suo lato sinistro rimane immutato e, con il suo nuovo lavoro come custode presso uno studio dentistico, non gli mancano potenziali vittime. Nel breve tempo che trascorriamo con il serial killer, lo vediamo cercare di rallegrare una ragazza dall’aria triste, ma la situazione è tutt’altro che innocente. Il fatto che non vediamo mai i genitori della ragazza fa pensare che possa essere un’altra bambina abbandonata, perfetta per i piani malvagi di Bing. Quindi, mentre Charlie è bloccato in ospedale, c’è la possibilità che il suo successore stia continuando il suo lavoro, cercando potenziali vittime per riportare l’entità immortale alla ragione.

Allo stesso modo, è altrettanto possibile che Bing abbia iniziato a praticare il mestiere di Charlie da solo e stia abusando delle forze vitali dei bambini per sostenersi. Anche se Charlie non spiega mai direttamente come è diventato un’entità vampirica, apprendiamo che ha stretto un accordo figurativo con il diavolo in qualche modo, che lo ha portato alle sue attuali esigenze di rituali e sacrifici periodici. Nel caso di Bing, tuttavia, è Charlie stesso a imitare l’idea di un diavolo, il che conferisce una connotazione completamente diversa alle dinamiche di potere in gioco. Mentre Bing sembra condurre una vita tranquilla lontano dagli occhi della polizia, c’è la possibilità evidente che abbia segretamente esercitato violenza su innocenti. Anche se Maggie riesce quasi a individuare la sua posizione, il piano fallisce, lasciando il serial killer libero di ripulire la sua coscienza. In una storia ricca di eventi soprannaturali, Bing rappresenta la capacità umana di creare terrore, il che rende fermarlo importante quanto distruggere Charlie.

All’s Fair è una storia vera? Allura Grant è ispirata a un avvocato realmente esistito?

Creata da Ryan Murphy, Jon Robin Baitz e Joe Baken, All’s Fair è una serie televisiva che racconta le vicende di avvocati divorzisti, i cui clienti tendono ad essere affascinanti quanto le loro vite personali instabili. Le avvocatesse Allura Grant, Liberty Ronson e la loro investigatrice capo, Emerald Greene, sono al centro della storia in qualità di socie fondatrici del loro studio legale specializzato in diritto di famiglia composto esclusivamente da donne.

Dopo anni di sottovalutazione e mancata considerazione in un settore dominato dagli uomini, la decisione delle avvocatesse di scommettere su se stesse permette loro di diventare le migliori nel loro campo, fornendo consulenza legale alle donne, da parte delle donne. Tuttavia, dopo anni passati ad aiutare i propri clienti a risolvere vari problemi, Allura Grant si ritrova in una situazione fin troppo familiare quando il suo matrimonio con la star del football Chase Munroe inizia a sgretolarsi. La serie Hulu su Disney+ è incentrata sulle vite intense ma affascinanti di Allura e delle sue colleghe avvocatesse. Nonostante le trame ricche di colpi di scena e drammaticità, la narrazione cerca di rimanere ancorata al realismo.

All’s Fair presenta una storia di fantasia su uno studio legale guidato da donne

All’s Fair è una storia di fantasia e una creazione completamente originale di Ryan Murphy, Jon Robin Baitz, Joe Baken e il loro team di sceneggiatori. La genesi dello show è il risultato del desiderio di Murphy di collaborare con Kris Jenner e Kim Kardashian, quest’ultima protagonista della serie nel ruolo di Allura Grant. Tuttavia, sebbene la serie e la sua protagonista presentino alcuni parallelismi meta con il marchio culturale di Kardashian, la storia stessa non ha alcuna ispirazione diretta.

La storia di Allura e delle sue amiche, Liberty ed Emerald, che corrono il rischio di lasciare il loro vecchio studio per mettersi in proprio con un’impresa incentrata sulle donne, rimane un’opera di finzione. Nella vita reale, ci sono diversi esempi di ambiti del diritto di famiglia e domestico che danno priorità a un movimento più guidato dalle donne. Tuttavia, la portata con cui la serie propone la stessa idea non trova adeguati corrispondenti fuori dallo schermo. La narrazione opta invece per un esempio più idilliaco e altamente drammatizzato di lotta al patriarcato, instillando più voci femminili nelle posizioni di potere.

“L’obiettivo principale della serie è quello di ispirare le donne e farle sentire sicure di sé”, ha detto Kardashian a Numéro durante una conferenza stampa. “(Nella serie) siamo avvocati specializzati in diritto di famiglia e ogni settimana incontriamo una donna che sta attraversando un momento difficile e particolarmente doloroso della sua vita. Come avvocati, ma anche come amiche e come gruppo di donne solidali, siamo lì per aiutarla e tirarla fuori da quella spirale discendente. I messaggi chiave che vogliamo trasmettere in questa serie riguardano la forza femminile, la vera amicizia e il potere delle donne”.

L’attenzione al diritto di famiglia aggiunge un senso di vicinanza allo show

All’s Fair presenta uno sguardo molto affascinante sul mondo del diritto di divorzio, poiché gli avvocati stessi e i loro clienti tendono a muoversi nei livelli più alti della società. Dall’alta moda, ai contratti prematrimoniali giganteschi, ai gioielli come rete di sicurezza, lo show rimane intriso di lusso. Sebbene questo possa presentare una narrazione in cui lo stile di vita dei personaggi diventa un danno alla loro identificabilità universale, la serie trova ritmi di realismo concreto altrove. Come dramma legale, la serie è incentrata su casi di diritto di famiglia, sia nella vita professionale che in quella personale dei personaggi. Ogni nuovo episodio introduce un nuovo cliente, di solito una donna che è stata in qualche modo offesa dal suo ricco marito.

Nonostante i dettagli lussuosi dei loro problemi, la natura dei loro conflitti rimane radicata nella realtà. Secondo alcuni rapporti, il tasso di divorzio tra le donne è del 16,9 per 1000 donne sposate. Anche se ogni caso può essere diverso dall’altro, rimane una certa camaraderie tra le persone che vivono questa esperienza. Di conseguenza, data l’universalità del divorzio, molti spettatori saranno in grado di identificarsi ed empatizzare con i personaggi, godendosi le loro vittorie nelle riunioni di conciliazione. Allo stesso modo, mentre Allura, Emerald e Liberty conducono tutte una vita affascinante, i loro problemi quotidiani, le loro relazioni sfumate e le loro amicizie le rendono personaggi con cui è facile identificarsi.

Allura Grant condivide molte somiglianze, e differenze, con l’attrice che la interpreta, Kim Kardashian

Sebbene il personaggio di Allura Grant, proprio come altri elementi della serie, sia frutto di fantasia, sembra trarre ispirazione dalla vita reale. Come accennato in precedenza, il desiderio del creatore Ryan Murphy di lavorare con personaggi mediatici/imprenditrici come Kim Kardashian e sua madre, Kris Jenner, ha portato alla nascita di “All’s Fair”. Inizialmente, quando Murphy è riuscito a ottenere un incontro con le due donne durante una cena, ha proposto loro l’idea di un reality show. Sebbene l’idea in sé non si sia rivelata vincente, Jenner ha consigliato al creatore di scrivere un ruolo per sua figlia. Ciò ha portato alla creazione di Siobhan Corbyn in “American Horror Story: Delicate”.

Da lì, Murphy, Jenner e Kardashian hanno deciso di portare avanti la loro collaborazione con “All’s Fair”. Pertanto, la premessa di un avvocato divorzista interpretato da Kardashian, che, al momento della stesura di questo articolo, è in attesa di conoscere i risultati dell’esame di legge. Sebbene il personaggio sia ispirato al percorso legale di quest’ultima, Allura presenta un personaggio familiare ma distinto dall’attrice. Ad esempio, Kardashian ha pubblicamente espresso il suo interesse per la giustizia penale e il lavoro di riforma del diritto di famiglia. Negli ultimi anni, ha sostenuto la riforma carceraria e la riduzione delle pene per i recidivi. Tuttavia, ciò che manca all’attrice in termini di interesse, lo compensa con l’esperienza. Anche se Kardashian non condivide la passione del suo personaggio per la professione di avvocato divorzista, lei stessa ha vissuto tre divorzi, almeno due dei quali sono stati molto pubblicizzati. Pertanto, anche senza un legame diretto tra lei e Allura, l’attrice presenta alcune somiglianze con il personaggio, il che le consente di offrire una performance più autentica.

Baramulla di Netflix è basato su una storia vera?

Baramulla, serie Netflix ambientata nella regione innevata di Baramulla, nel Kashmir, racconta la storia di bambini scomparsi, tragedie e segreti. Diretto da Aditya Suhas Jambhale, racconta le difficoltà nella vita di un agente di polizia di nome DSP Ridwaan Sayyed, incaricato di indagare sulla scomparsa improvvisa di alcuni bambini nella valle. Mentre i bambini svaniscono senza lasciare traccia, il caos e la paura si diffondono nella comunità, che cerca disperatamente delle risposte. Senza richieste di riscatto né indizi, la polizia si trova ad affrontare misteri che sembrano profondamente radicati.

Man mano che Ridwaan indaga sul caso, si imbatte in verità inquietanti. Inaspettatamente, eventi soprannaturali mettono in pericolo la sua stessa famiglia, aumentando la posta in gioco per il poliziotto. Il film horror-thriller racconta il mutare dello scenario nella regione, mentre le famiglie e le vite precipitano in una situazione preoccupante. La narrazione tesa esplora in modo toccante temi come la segretezza, l’inganno, l’infanzia e il dolore familiare, affascinando allo stesso tempo gli spettatori con immagini suggestive della bellezza della regione.

Baramulla è una storia immaginaria di trauma e dolore

Scritto dal già citato regista Monal Thaakar e da Aditya Dhar, Baramulla è un’immersione profonda nel dolore dei bambini scomparsi. La storia esamina il costo emotivo della scomparsa di bambini senza lasciare traccia. Mentre i poliziotti hanno difficoltà a scoprire la verità, le famiglie dei bambini scomparsi lottano per affrontare il destino incerto dei loro cari. Il film è spiritualmente legato a film come Weapons di Zach Cregger, in cui una comunità affronta l’inspiegabile scomparsa di alcuni bambini. Sebbene Baramulla sia una storia di fantasia, riflette la realtà della tragedia e del trauma.

In un’intervista con DNA India, il regista Aditya Suhas Jambhale ha parlato delle origini della storia del film. Ha detto: “Baramulla mi è venuto in mente come una storia con diversi livelli: non solo horror per il gusto di spaventare, ma horror che riflette il trauma e le emozioni umane. Ho sempre creduto che le storie horror più efficaci derivino da emozioni reali, e Baramulla offre proprio questo”. La narrazione è una visione sfumata della realtà del trauma e del modo in cui le persone lo affrontano. Sebbene i personaggi siano fittizi, rappresentano emozioni umane reali. Il film cerca di raccontare una storia realistica che riflette la realtà sociale.

Parlando con CNN-News18, Manav Kaul, che nel film interpreta il DSP Ridwaan Sayyed, ha parlato della complessità del film. Ha affermato: “Il modo in cui Aditya ha intrecciato la storia e tutti i personaggi non è unidimensionale. Ognuno ha le proprie sfaccettature“. Ha aggiunto: ”Ogni scena richiedeva qualcosa da noi, sia dal punto di vista emotivo che psicologico“. La narrazione fittizia esamina le emozioni umane reali, affrontando anche temi soprannaturali. Le immagini, l’ambientazione e i personaggi aggiungono tensione alla narrazione, dove i segreti sono sepolti in profondità. La narrazione mostra anche come il trauma e il dolore possano manifestarsi in modi diversi. In definitiva, ”Baramulla” cerca di intrattenere gli spettatori, esplorando al contempo le complesse realtà umane.

La narrazione offre un commento sul mistero del Kashmir

Il Kashmir è una regione geopoliticamente complessa che è stata al centro di controversie bilaterali per quasi otto decenni. La rappresentazione della regione nei media visivi come film e programmi televisivi comporta una serie di sfide. La delicatezza della politica, della società e delle questioni del Kashmir è stata oggetto di dibattiti e discussioni a livello globale. “Baramulla”, pur essendo un film horror-thriller, stravolge il genere in modo unico e presenta una prospettiva diversa sul Kashmir. In un’intervista con Firstpost, Aditya Suhas Jambhale ha parlato delle sue responsabilità come regista del film. Ha affermato: “L’idea parte sempre dalla storia, così come la preparazione, e l’idea era quella di vedere il Kashmir sotto una luce molto diversa”.

La storia fonde elementi di generi diversi e cerca di offrire agli spettatori un nuovo tipo di film. L’attore Manav Kaul ha espresso la sua opinione sulla storia. Ha detto: “Quando ho ricevuto la sceneggiatura, dato che sono nato a Baramullah, Aditya era lo sceneggiatore. Mi sono chiesto come un non kashmiro potesse scrivere un film sul Kashmir. Sono rimasto piacevolmente sorpreso quando ho letto la sceneggiatura. Ci sono molti attori che provengono dal Kashmir. Sono stato completamente catturato dal suo punto di vista unico e ho capito che conosce il Kashmir”. Il film sfrutta il talento degli attori locali, fornendo al contempo una nuova prospettiva sulla realtà del Kashmir.

Il legame personale dell’attore protagonista con la regione e le sue realtà lo ha probabilmente aiutato a comprendere meglio la sensibilità delle idee espresse nel film. In un’altra intervista, il regista del film ha affermato di aver voluto utilizzare la dualità tra divinità e disordini in Kashmir come parte del film. Ha anche detto che la regione di Baramula in Kashmir rappresenta più che la geografia, ma anche la realtà delle persone intrappolate tra pace e caos. In conclusione, “Baramulla” cerca di offrire agli spettatori una visione sfumata e fresca della realtà del Kashmir.

Uno sguardo alle altre fonti di ispirazione dietro al film

“Baramulla” è una storia di caos e segreti, che coinvolge gli spettatori con la sua narrazione pulsante e i suoi personaggi complessi. È un film ambientato in Kashmir, ma che prende ispirazione anche da altre fonti. Parlando con India Today, Lokesh Dhar, il produttore del film, ha dichiarato che il film è profondamente influenzato dal folklore e dalla cultura indiani. Ha affermato che il folklore e la mitologia indiani non sono stati esplorati appieno nei film indiani. Ha dichiarato: “Uno dei film più importanti dell’India di quest’anno, ”Kantara”, ha approfondito un tema simile. Abbiamo un tesoro così vasto di miti e folklore; sta davvero ai narratori dar loro vita. Con “Baramulla” abbiamo cercato di farlo in modo onesto, e spero che altri registi traggano ispirazione per mostrare la ricchezza delle storie e delle tradizioni dell’India”.

La natura realistica della narrazione e il suo profondo legame con le tradizioni e le storie popolari dell’India la rendono più vicina alla realtà. La storia va oltre i limiti tradizionali dell’horror e cerca di creare un’esperienza visiva unica, originale e autentica. Aditya Suhas Jambhale ha parlato di esperienze visive come Hereditary, The Witch e The Haunting of Hill House e di come lo hanno ispirato. Ha affermato che le opere sopra citate sono horror a lento sviluppo che si affidano all’intelligenza degli spettatori. Nonostante sia stato ispirato da queste opere, ha voluto creare un’esperienza unica e indiana attraverso il film. In conclusione, Baramulla è un’esperienza visiva unica che trae ispirazione da molteplici fonti e culture, ma rimane anche radicata nella sua rappresentazione di realtà sociali delicate.

Norimberga con Russell Crowe sulla Seconda Guerra Mondiale ottiene il punteggio più alto mai raggiunto dal pubblico su Rotten Tomatoes

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Il nuovo film di Russell Crowe sulla Seconda Guerra Mondiale, Norimberga, sta stabilendo un importante record su Rotten Tomatoes per il vincitore dell’Oscar. L’attore interpreta il suo ruolo più provocatorio, quello del leader del partito nazista tedesco e braccio destro di Adolf Hitler, Hermann Göring. Il film biografico storico ripercorre gli eventi che hanno portato al processo di Norimberga, dove uno psicologo americano, Douglas Kelley (Rami Malek), deve valutare la potente figura per determinare se è idonea a comparire in tribunale.

Ora, secondo Rotten Tomatoes, Nuremberg ottiene un punteggio quasi perfetto del 98% da parte del pubblico, basato su oltre 100 valutazioni verificate. Se questo punteggio dovesse rimanere invariato, sarebbe il film di Crowe più apprezzato dal pubblico generale dopo L.A. Confidential, che ha ottenuto un punteggio del 94%.

Al contrario, il punteggio della critica per il film sulla Seconda Guerra Mondiale è del 68% sulla base di 101 recensioni. Tuttavia, vale la pena notare che quando il film è stato presentato in anteprima al TIFF a settembre, ha debuttato con un punteggio basso del 40%, il che significa che il punteggio di Rotten Tomatoes è migliorato di 28 punti prima della sua uscita.

Nuremberg recensioni sono state contrastanti, ma generalmente positive riguardo all’ultima impresa di Crowe, lodando la rappresentazione degli eventi storici e le interpretazioni del cast. Alcuni hanno sottolineato alcuni problemi relativi al ritmo e alla tonalità. Tuttavia, ciò sembra avere un impatto minimo sul pubblico, che è stato molto più coinvolto dalla potente storia dei processi di Norimberga.

Inoltre, critici e pubblico concordano sul fatto che il protagonista assoluto del film è proprio Crowe nei panni dell’intimidatorio leader nazista. Questo ha portato alcuni esperti a prevedere che Crowe potrebbe diventare un forte candidato all’Oscar come miglior attore, che potrebbe diventare la sua prima nomination all’Academy Award dal 2002 per A Beautiful Mind. Ha vinto un Oscar come miglior attore per Il gladiatore.

Il miglioramento del punteggio su Rotten Tomatoes arriva in un momento perfetto, dato che la stagione dei premi è già iniziata. Anche se Nuremberg non ha ancora ottenuto grandi risultati nel circuito dei premi, la situazione potrebbe cambiare con l’avvicinarsi della stagione dei premi e degli Oscar del 15 marzo 2026.

Nel frattempo, Crowe rimane uno degli attori più impegnati di Hollywood, con almeno quattro film in fase di sviluppo. Billion Dollar Spy, The Beast in Me e Bear Country sono già in post-produzione, mentre sta girando The Weight. Malek ha in programma un altro progetto con The Man I Love, attualmente in fase di riprese.

Channing Tatum promuove Avengers: Doomsday come il film più importante “dei prossimi 10 anni”

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Il Marvel Cinematic Universe è più vicino che mai a riunire i più potenti eroi della Terra, dato che Avengers: Doomsday riporterà in scena l’iconica squadra nel 2026. Poiché la timeline dell’MCU ha appena visto la formazione dei Nuovi Vendicatori in Thunderbolts* all’inizio di quest’anno, anche la Fase 6 vedrà riunirsi il gruppo più tradizionale per affrontare la più grande minaccia al multiverso.

Durante una nuova intervista con Deadline, Channing Tatum, che tornerà nei panni di Gambit in Avengers: Doomsday, ha rivelato ulteriori dettagli sulle aspettative per il film sul team. La star dell’MCU ha esordito dicendo: “Senti, tutti nel mondo vedranno questo film”. Ha poi aggiunto: “È difficile dirlo perché, insomma, senti queste cose e pensi: ‘Ma certo’. Ma ogni volta hanno superato se stessi“.

Secondo Tatum, ”Questo sarà il film più importante del prossimo anno e forse anche dei prossimi 10 anni“. L’attore ha sottolineato che ”la portata di questo progetto, quello che stanno cercando di fare, quello che i Russo hanno ideato… quando l’ho letto, ho pensato: ‘Come faranno a realizzarlo?’” Avengers: Doomsday segnerà il ritorno di Anthony e Joe Russo dopo aver completato Avengers: Endgame.

Il protagonista di Roofman ha concluso la sua risposta anticipando le grandi scene d’azione che ha girato nel film del 2026. Secondo l’attore 45enne, “È stata una sfida enorme. Sono ancora sbalordito. Faccio tantissime scene d’azione in questo film, ma quella era solo una piccola parte”.

Gambit di Tatum non è l’unico eroe degli X-Men che fa parte del cast di Avengers: Doomsday, poiché molte delle star originali dell’era Fox-Marvel sono pronte a riprendere i loro ruoli. Sir Patrick Stewart e Sir Ian McKellen sono pronti a riunirsi nei panni del Professor X e Magneto, dopo aver dato vita ai due iconici mutanti all’inizio degli anni 2000.

Il primo trailer di Avengers: Doomsday sarà finalmente mostrato al mondo nel dicembre 2025, il che idealmente metterà in evidenza alcuni degli aspetti che Tatum sta anticipando nella sua ultima intervista. Il cast ha terminato le riprese il 19 settembre 2025 e, sebbene non sia chiaro quanti attori torneranno nel 2027, i fratelli Russo saranno alla regia di Avengers: Secret Wars.

Il prossimo capitolo cinematografico dell’MCU sarà Spider-Man: Brand New Day di Tom Holland, in uscita il 31 luglio 2026. La Marvel Studios ha programmato l’uscita di Avengers: Doomsday nelle sale per il 18 dicembre 2026.

Predator: Badlands supera Predator 2 al botteghino in un solo fine settimana e si avvicina al film originale

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Predator: Badlands sta già scalando la classifica di tutti i tempi del franchise durante il suo weekend di apertura. Il film è il nono capitolo della saga fantascientifica (compresi i due crossover con il franchise Alien) e il settimo ad essere distribuito nelle sale. Predator: Badlands, in uscita nel 2025, vede Elle Fanning nei panni della sintetica Thia della Weyland-Yutani, che intraprende un’avventura con un emarginato Yautja di nome Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi).

Secondo Variety, domenica mattina Predator: Badlands dovrebbe concludere il suo weekend di debutto con un incasso globale di 80 milioni di dollari in tre giorni, di cui 40 milioni al botteghino nazionale e altri 40 milioni dai mercati internazionali. Questo è più che sufficiente per superare l’intero incasso mondiale del 1990 Predator 2 (54,8 milioni di dollari) in soli tre giorni, diventando il sesto film di maggior incasso della serie.

Inoltre, mancano meno di 19 milioni di dollari per superare l’incasso dell’originale 1987 Predator (98,3 milioni di dollari), cosa che dovrebbe riuscire facilmente a fare durante il suo secondo weekend, se non entro la fine della sua prima settimana completa nelle sale. Di seguito, ecco una ripartizione completa dei risultati al botteghino dei Predator movies, non adeguati all’inflazione:

Resta da vedere quanto in alto potrà arrivare Predator: Badlands prima della fine della sua corsa. Tuttavia, il suo debutto previsto di 40 milioni di dollari sul mercato interno gli garantisce il weekend di apertura più redditizio della serie, quindi è del tutto possibile che alla fine possa scalare la vetta della classifica generale della serie dopo il suo forte vantaggio iniziale.

Se manterrà la sua attuale traiettoria prima del crossover del 2004 AVP: Alien vs. Predator, che ha debuttato con 38,3 milioni di dollari, Badlands potrebbe alla fine raggiungere un totale globale di circa 185 milioni di dollari. Tuttavia, dato che le recensioni di Predator: Badlands gli hanno fatto guadagnare un punteggio Certified Fresh dell’85% su Rotten Tomatoes, insieme al suo record A- CinemaScore (il migliore della serie), potrebbe potenzialmente salire ancora di più.

Questo sarebbe un grande vantaggio per il film, che ha il budget più alto mai registrato dell’intera serie. Il suo costo di 105 milioni di dollari è superiore di 17 milioni di dollari rispetto al precedente capitolo più costoso, che era The Predator con 88 milioni di dollari. È anche quasi sei volte superiore al budget di 18 milioni di dollari del film originale (anche se è solo più del doppio del budget adeguato all’inflazione di 51,5 milioni di dollari).

Poiché i film di grande successo spesso devono guadagnare due volte e mezzo il loro budget per raggiungere il pareggio al botteghino, il punto di pareggio stimato di Predator: Badlands potrebbe arrivare fino a 262,5 milioni di dollari. Anche se questo obiettivo potrebbe essere ancora fuori dalla sua portata, se manterrà lo slancio attuale, dovrebbe essere in grado di avvicinarsi a tale cifra e compensare la differenza con i ricavi derivanti da VOD, streaming e supporti fisici.

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Box Office Italia: Dracula – L’amore perduto domina la settimana, esordio solido per Predator: Badlands

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La settimana cinematografica dal 3 al 9 novembre 2025 segna un nuovo trionfo per Dracula – L’amore perduto (Dracula: A Love Tale), che conquista la vetta del Box Office Italia con 1,5 milioni di euro e oltre 213.000 spettatori. Il film francese distribuito da Lucky Red raggiunge così un incasso complessivo di 3,49 milioni di euro, confermandosi come uno dei titoli europei più forti della stagione.

Il cinema italiano regge con La vita va così e Cinque secondi

In seconda posizione troviamo La vita va così di Medusa Film, che mantiene un’ottima tenuta con 1,3 milioni di euro nel weekend e un totale di 5,28 milioni complessivi. Il film continua a dimostrare la solidità del cinema italiano, anche grazie al passaparola positivo. Al terzo posto debutta Cinque secondi, distribuito da Vision Distribution, che incassa 814.000 euro e si avvicina a quota 1,65 milioni complessivi: un risultato promettente per un titolo di produzione nazionale.

Predator: Badlands debutta al quarto posto

Tra le nuove uscite, spicca Predator: Badlands, quarto con 745.000 euro e quasi 100.000 spettatori. L’ultimo capitolo del franchise, distribuito da Walt Disney Studios Motion Pictures Italia, segna un buon avvio e lascia presagire una tenuta costante nelle prossime settimane, complice il successo internazionale e l’entusiasmo dei fan del marchio AVP.

Le altre posizioni: Io sono Rosa Ricci e Bugonia chiudono la Top 6

In quinta posizione si piazza Io sono Rosa Ricci di 01 Distribution, che porta a casa 443.000 euro, mentre Bugonia di Universal segue a breve distanza con 417.000 euro.
Chiudono la Top 10:

  • Un semplice incidente (Lucky Red) – €253.756

  • Una famiglia sottosopra (Eagle Pictures) – €252.243

  • Fuori la verità (Piper Film) – €183.941

  • Ne Zha – L’ascesa del guerriero di fuoco (Filmclub Distribuzione) – €182.728

Con un totale complessivo stabile, il box office italiano continua a mostrare segnali di ripresa, sostenuto dal mix tra produzioni italiane di successo e blockbuster internazionali.

Il grande film su Batman della DC Studios ottiene il primo aggiornamento sul cast dopo 9 mesi

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DC Studios ha in cantiere diversi progetti entusiasmanti su Batman, incentrati su vari aspetti della mitologia del Cavaliere Oscuro. Essendo il giustiziere mascherato uno dei supereroi più amati di tutti i tempi a Hollywood, i prossimi due anni vedranno alcune delle più grandi trasposizioni cinematografiche dell’icona DC.

Swaybox Studios, uno degli studi dietro al prossimo film Dynamic Duo, ha rivelato attraverso la sua pagina Instagram ufficiale che il processo di casting inizierà il 15 novembre 2025. Ha anche pubblicato un video con la domanda: “Hai mai sognato di recitare in un film della DC Studios?” Guardalo qui sotto:

 

Dynamic Duo è stato annunciato per la prima volta in fase di sviluppo il 1° ottobre 2024, con Arthur Mintz alla regia. Il film è prodotto dalla 6th & Idaho di Matt Reeves e il 9 settembre 2025 è stato rivelato che Scott Neustadter e Michael H. Weber sono stati scelti per riscrivere la sceneggiatura.

La storia sarà incentrata sui primi giorni dei primi Robin, Dick Grayson e Jason Todd, e rappresenta il più grande progetto animato della DC Studios, che sta collaborando con la Warner Bros Pictures Animation.

Ci sono state molte domande sul fatto che Dynamic Duo sarà canonico per il franchise DC Universe di James Gunn, o se esisterà come proprietà Elseworlds simile all’universo The Batman di Reeves. A Gunn è stato chiesto se il progetto fa parte del capitolo 1 della DCU: “Gods and Monsters slate” durante un evento stampa della DC nel febbraio 2025, a cui ScreenRant ha partecipato.

Gunn ha dichiarato: “Il motivo per cui non ho risposto è perché potrebbe esserci un modo per inserirlo nella DCU. Mi piacerebbe che questo film d’animazione con pupazzi facesse parte della DCU. Mi attira molto, ma la storia è unica e quindi potrebbe non funzionare nel nostro universo”. Non si sa quali altri personaggi faranno parte del film Dynamic Duo.

Oltre a Dynamic Duo, la DC Studios ha appena terminato le riprese del film Clayface il 1° novembre 2025, che sarà incentrato su Matt Hagen, alias il famoso mutaforma, interpretato da Tom Rhys Harries, che fa parte della DCU. The Brave and The Bold, che sarà il film solista di Bruce Wayne nella serie di Gunn, è ancora in fase di scrittura. The Batman – Part II uscirà il 1° ottobre 2027, con Reeves e Robert Pattinson che inizieranno le riprese principali nel 2026.

Dynamic Duo uscirà nelle sale il 30 giugno 2028.

Sydney Sweeney e Katy O’Brian analizzano il finale inquietante di Christy: “Una delle mie scene preferite”

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Le protagoniste Sydney Sweeney e Katy O’Brian spiegano il finale inquietante del film Christy. Sweeney interpreta la pugile professionista Christy Martin nel film drammatico sullo sport, mentre O’Brian interpreta Lisa Holewyne, un’avversaria di Christy che in seguito diventa sua moglie.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant, Sweeney è stata interrogata sul momento in cui Christy sale in macchina e si scusa per aver sporcato il sedile di sangue, e su come questo possa aver cambiato la percezione dell’attrice sul suo personaggio.

Sweeney spiega che questo momento dimostra l’altruismo di Christy, che pensa agli altri e a volte si considera ancora un peso. Rivela anche che questa è “una delle mie scene preferite”, anche se è stata girata alla fine della giornata in soli cinque o sette minuti. Leggi i suoi commenti qui sotto:

È stato uno di quei momenti in cui, anche se le sta succedendo di tutto, lei continua a pensare agli altri. È ancora consapevole del peso che forse sta causando a qualcun altro, invece di pensare solo a se stessa. Ma quella scena è stata davvero interessante. Eravamo alla fine della giornata, non avevamo tempo. Abbiamo girato quella scena in cinque o sette minuti. È stata una sola ripresa, non avevamo più tempo. Ed è anche una delle mie scene preferite.

A O’Brian è stato chiesto della scena finale tra Christy e Jim Martin (Ben Foster), l’allenatore del pugile e marito violento che finisce per quasi ucciderla. Anche se O’Brian non era sul set quando è stata girata la scena di tensione tra Christy e Jim, rivela la sua reazione al momento e perché apprezza il modo in cui il regista David Michôd l’ha affrontata.

Non c’ero. Sono contenta di non esserci stata. Presumo che, come la maggior parte delle persone, non mi piaccia vedere la violenza contro le donne. Preferisco non vederla. Una cosa che mi è piaciuta molto del modo in cui David ha gestito la scena è che gran parte di essa era nelle espressioni. Non si vedeva davvero il coltello che affondava sempre più profondamente. Penso che ciò potesse sembrare molto… come un’ulteriore violazione, in un certo senso. Poi c’erano anche altre scene di violenza in cui si vedeva che avveniva dietro le quinte, fuori campo. Penso che sia davvero importante mostrare che questo è ciò che accade anche nella vita delle persone. In pubblico o nella vita quotidiana possono sembrare sane, come se avessero una relazione normale, ma ciò che accade e che non si vede è la parte davvero traumatica. E gran parte di questo è avvenuto completamente fuori campo, il che per me è stato molto potente. Penso che sia stato molto più elegante da parte sua farlo in questo modo.

Sydney Sweeney attrice
Sydney Sweeney at the world premiere of Madame Web – Photo by imagepressagency via Depositphoto.com

Oltre ad essere un tradizionale film drammatico sullo sport, Christy affronta molte questioni importanti, tra cui la violenza domestica. Per O’Brian è importante che il finale si concentri maggiormente sulle espressioni dei personaggi e sugli incidenti che si verificano fuori dallo schermo, piuttosto che mostrare ogni dettaglio della violenza. Il film sottolinea anche come queste relazioni possano sembrare normali e sane all’esterno, mentre il resto del mondo non vede il trauma che si sta consumando.

Christy ha ricevuto recensioni contrastanti, ma la performance della Sweeney è stata costantemente elogiata dalla critica, che ha sottolineato come l’attrice si sia immersa completamente nel ruolo della protagonista. La sua performance può anche essere ricondotta alla sua profonda comprensione della vera Christy Martin, come dimostra la sua spiegazione di come Christy si sente quando si sporca di sangue in macchina.

Si è persino discusso della possibilità che Sweeney riceva una nomination agli Oscar 2026 come migliore attrice. Da Jessie Buckley (Hamnet) a Emma Stone (Bugonia), è un anno molto competitivo per questa categoria, ma la forza della performance di Sweeney e la risposta positiva che ha ricevuto potrebbero comunque portarla a una nomination.

Indipendentemente da ciò che accadrà durante la stagione dei premi, Christy è stato riconosciuto per aver raccontato una storia importante e per aver presentato alcune delle migliori interpretazioni della carriera di Sweeney e O’Brian.

Sigourney Weaver rivela il vero motivo per cui ha accettato di partecipare a Star Wars: The Mandalorian & Grogu

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Sigourney Weaver spiega perché ha deciso di partecipare a The Mandalorian and Grogu. Il nuovo film Star Wars è il primo della saga dopo l’uscita di Star Wars: L’ascesa di Skywalker nel dicembre 2019 e segue i personaggi titolari dopo gli eventi della terza stagione di The Mandalorian.

Il cast di The Mandalorian and Grogu vede Weaver nei panni del colonnello Ward, che lavora per la Nuova Repubblica. Questo segna il debutto della sua quarta grande saga dopo aver recitato nei film Alien, Ghostbusters e Avatar.

Durante un’intervista con Empire, la Weaver spiega che “è sempre la sceneggiatura” a determinare i progetti a cui finisce per partecipare. Non aveva intenzione di unirsi alla saga di Star Wars quando le è stato proposto The Mandalorian e Grogu, ma “si è innamorata della sceneggiatura” scritta da Jon Favreau e Dave Filoni. La Weaver ha anche rivelato che la saga non sta più “cercando di realizzare lo Star Wars definitivo”. Ecco i suoi commenti:

Sì, questa è la mia bussola: è sempre la sceneggiatura. Quindi [con] The Mandalorian And Grogu, non era mia intenzione trovare una quarta saga, non avrei mai immaginato di entrare nel mondo di Star Wars. Ma la cosa interessante di Star Wars ora è che non stanno più cercando di realizzare lo Star Wars definitivo. Stanno lasciando che l’universo esista e raccontando storie davvero interessanti al suo interno. Penso che Jon Favreau abbia pensato: “Ok, vogliamo un personaggio molto forte. Facciamolo essere una donna”. Non sono sicura che dovesse essere una donna. Penso che al giorno d’oggi si chiedano spesso: “Cosa devo fare per rendere questo progetto più attuale?” E ora, dato che le donne fanno tutto, evviva noi. [Ma] mi sono semplicemente innamorata della sceneggiatura e ho detto: “Non so nulla di questo mondo”. Jon mi ha risposto: “Beh, puoi guardare la serie”, e io ho detto: “Oh, c’è una serie?!”

La maggior parte dei film di Star Wars usciti dopo l’acquisizione della Lucasfilm da parte della Disney presentavano grandi sfide galattiche, tra cui la guerra tra la Resistenza e il Primo Ordine nella trilogia sequel e i piani per la prima Morte Nera rubata in Rogue One. In seguito, e soprattutto dopo tutte le Star Wars show creati per Disney+, il franchise ha presentato sullo schermo storie su scala più piccola.

Din Djarin, Grogu e il colonnello Ward dovranno affrontare la minaccia dei Resti Imperiali, ma i commenti di Weaver suggeriscono che questa storia sarà su scala leggermente più ridotta rispetto ad alcuni dei film precedenti. Ciò può essere in parte attribuito al fatto che i piani della Lucasfilm si sono spostati dalla quarta stagione di The Mandalorian a un film. Allo stesso tempo, The Mandalorian e Grogu amplieranno ulteriormente l’universo immaginario e “racconteranno storie davvero interessanti al suo interno”.

Dopo aver creato e aver été showrunner della serie The Mandalorian, Favreau non solo ha co-sceneggiato il film in uscita, ma lo ha anche diretto. Pedro Pascal, Lateef Crowder e Brendan Wayne danno vita a Din, mentre Grogu appare attraverso marionette, animatronica ed effetti visivi.

Per quanto riguarda gli altri nuovi membri del cast, Weaver è affiancata da Jeremy Allen White di The Bear. White doppia Rotta the Hutt, il figlio di Jabba, apparso per la prima volta nel film The Clone Wars del 2008. Rotta appariva come un bambino in The Clone Wars, ma nel trailer di The Mandalorian and Grogu viene mostrato come un Hutt più anziano e muscoloso.

Anche se il destino del personaggio di Weaver è sconosciuto, c’è la possibilità che appaia in altre storie della saga dopo l’uscita nelle sale di The Mandalorian and Grogu il 22 maggio 2026, dato che la minaccia dei Resti Imperiali continua ad essere esplorata durante l’era della Nuova Repubblica.

Predator: Badlands, regista spiega come il colpo di scena finale influenzi il potenziale sequel

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Il regista di Predator: Badlands, Dan Trachtenberg, parla del colpo di scena finale del film. Rivela anche come questo potrebbe preparare il terreno per un sequel dell’ultimo capitolo della popolare saga di fantascienza. Il film vede protagonisti Dimitrius Schuster-Koloamatangi, Elle Fanning, Mike Homik e Rohinal Nayaran.

Il nuovo film segue le vicende di un predatore di nome Dek (Schuster-Koloamatangi) che viene ripudiato dalla sua famiglia dopo che suo padre ha ucciso suo fratello perché si era rifiutato di ucciderlo per la sua debolezza. Dek si reca quindi su un pianeta pericoloso chiamato Genna per dimostrare il suo valore agli Yautja cercando di uccidere un Kalisk, una creatura apparentemente invincibile.

Dek alla fine decide di non dare la caccia a un Kalisk. Invece, uccide suo padre e crea una nuova tribù con gli amici che ha conosciuto durante il suo viaggio, Thia (Fanning), un synth creato dalla Weyland-Yutani Corporation (una società corrotta della serie Alien), e Bud, un cucciolo di Kalisk. Tuttavia, i loro piani vengono interrotti quando la madre di Dek arriva su un’astronave e il film finisce bruscamente.

In un’intervista con Entertainment Weekly, Trachtenberg ha espresso la sua soddisfazione per il finale sorprendente di Predator: Badlands. Ha dichiarato: “Penso che sia sicuramente un finale fantastico, in quanto è una conclusione ironica.

Il regista ha anche spiegato che, sebbene un sequel non sia ancora stato approvato, ritiene che la conclusione di Predator: Badlands sia perfetta per un altro capitolo. “Dopo aver avuto a che fare con questo padre folle per tutto il film, ci si chiede cos’altro Dek potrebbe dover affrontare e quanto potrebbe essere peggio nelle mani della madre, ma anche perché, ovviamente, significa che se dovessimo vederlo realizzato, sarebbe davvero molto divertente”.

Predator: Badlands della 20th Century Studios è ora nelle sale.

Guillermo Del Toro rivela come ha lottato per cambiare il finale originale di Frankenstein

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I lettori del libro che si imbattono nella versione di Guillermo del Toro dell’immortale Frankenstein di Mary Shelley potrebbero rimanere sorpresi dal finale del film, che lascia le cose su una nota molto più ottimistica rispetto al romanzo del 1818.

Non è stato facile per del Toro ottenere ciò che voleva su questo nuovo finale più edificante di Frankenstein, ha rivelato lo sceneggiatore e regista in una nuova intervista (tramite EW). “Ho dovuto discutere con il mio socio produttore”, ha spiegato il vincitore dell’Oscar per La forma dell’acqua. Il principale motivo di contesa era una scena che del Toro riteneva necessaria per sottolineare il finale speranzoso del film.

Sapevo di volere che la Creatura compisse il suo unico atto come essere umano”, ha ricordato del Toro. “Cioè, reagisce all’amore con amore, reagisce all’odio con odio”.

Il Frankenstein di Shelley finisce quando la Creatura raggiunge la nave bloccata dal ghiaccio che trasporta Victor Frankenstein, solo per scoprire che il suo creatore è morto. Nella versione di del Toro, la Creatura (Jacob Elordi) trova la nave in tempo per un ultimo momento con Victor (Oscar Isaac), un incontro commovente che del Toro definisce “il momento in cui si rendono reciprocamente umani”.

Nel libro, la Creatura decide di gettarsi su una pira e porre fine alla sua esistenza dopo aver trovato il suo creatore morto, ma nel film di del Toro è diventato abbastanza umano da sentirsi in dovere di salvare la nave intrappolata e i suoi uomini dal ghiaccio.

Esce e decide in un momento bellissimo di dire: ‘Le persone che mi hanno attaccato, le libererò’”, ha spiegato del Toro. Ha poi spiegato perché aveva bisogno di quella scena che è diventata un punto di scontro tra lui e il produttore.

Perché spingendo la nave e guardandola per un secondo, ho pensato che avrebbe acquisito molto più peso. È una liberazione. E penso che questa sia la differenza rispetto al libro. Il film finisce con una nota di possibile speranza.

Il Frankenstein di del Toro differisce anche dai precedenti adattamenti cinematografici e televisivi nel modo in cui affronta il processo macabro attraverso il quale Victor assembla la creatura a cui alla fine darà la vita (tramite Variety):

Quasi nessuno mostra la creazione del mostro. Tutti mostrano il tuono, e il mostro è già assemblato. E ho pensato che, se si segue una rock star, si vuole riprendere il concerto.

Quindi, invece di rendere orribile il fatto che lui stia mettendo insieme tutte queste cose dai corpi, l’ho trasformato in un valzer. L’ho trasformato in un concerto gioioso, divertente e un po’ folle. Lui corre per il laboratorio, mette insieme questo corpo, afferra questa parte e la mette insieme qui o là.

I critici hanno ampiamente apprezzato l’interpretazione unica di del Toro di Frankenstein, che ha ottenuto un punteggio dell’85% su Rotten Tomatoes. Il film da 120 milioni di dollari è attualmente in streaming su Netflix dopo una distribuzione limitata nelle sale.

Cinefilos.it nella sua recensione lo definisce “…una rilettura visivamente sontuosa e fedele alle sue ossessioni autoriali, dove creatura e creatore diventano due facce della stessa ferita“.

Del Toro ha parlato per la prima volta del desiderio di sviluppare una sua versione di Frankenstein nel 2007. Nei quasi 20 anni trascorsi da allora, il regista ha realizzato una serie di film acclamati, tra cui The Shape of Water del 2017, che ha ottenuto 13 nomination agli Oscar, vincendo 4 premi, tra cui quello per il miglior film e il miglior regista.

Jennifer Lawrence esprime il suo giudizio sul primo prequel di Hunger Games a due anni dall’uscita

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Due anni dopo l’uscita di Hunger Games – L’alba sulla mietitura, Jennifer Lawrence ha finalmente espresso il suo giudizio sul prequel.

Durante la partecipazione alla serie Lie Detector Test di Vanity Fair, il co-protagonista di Die My Love Robert Pattinson ha posto a Lawrence una serie di domande personali e professionali, le cui risposte sarebbero state analizzate da un esaminatore. In una parte, all’attrice vincitrice dell’Oscar sono state poste alcune domande relative a The Hunger Games, alle quali ha dato risposte brevi.

In primo luogo, Pattinson è rimasto sorpreso nell’apprendere che la Lawrence aveva fatto un provino per Twilight, in cui Kristen Stewart ha finito per interpretare Bella Swan. Dopo che la Lawrence ha affermato di non avere rimpianti per non aver ottenuto la parte, lui ha proseguito chiedendole se pensava che The Hunger Games fosse più bello di Twilight. Sorprendentemente, lei ha risposto “No”, e l’esaminatore ha confermato: “Sincero”. Tuttavia, Lawrence sembra indicare che questa potrebbe essere una bugia non rilevata, poiché ride e dice: “Ultime notizie, questa macchina è rotta”. Alla fine del test ammette anche di aver mentito più volte, ma non specifica quali.

Jennifer Lawrence
Jennifer Lawrence al Festival di Cannes – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Tuttavia, le sue altre risposte sembrano molto più sincere. Pattinson ha chiesto a Lawrence se avesse visto il prequel di Hunger Games, The Ballad of Songbirds and Snakes, e se le fosse piaciuto, al che lei ha risposto “ a entrambe le domande. Anche se non ha fornito ulteriori dettagli, il co-protagonista di Die My Love ha concluso la parte dedicata a Hunger Games chiedendole se la sua versione di “The Hanging Tree” fosse migliore di quella di Rachel Zegler, al che Lawrence ha prontamente risposto: “No, ovviamente no”.

Prima di diventare una delle attrici più richieste e vincitrice di un Oscar, la carriera della Lawrence è decollata quando ha interpretato l’eroina di Hunger Games Katniss Everdeen in quattro film dal 2012 al 2015. Anche dopo un decennio, Katniss rimane uno dei suoi ruoli più iconici, soprattutto in un periodo in cui i film distopici per giovani adulti erano di tendenza.

Anche se la risposta di Lawrence è breve, questa è la prima volta che l’ex star di Hunger Games esprime la sua opinione sul prequel dalla sua uscita nel 2023. Sebbene abbia parlato del film prima dell’uscita, augurando buona fortuna a Zegler e Tom Blyth, fino ad ora non aveva espresso la sua opinione sul prequel.

The Ballad of Songbirds and Snakes segna la prima volta che Lawrence non è apparsa in un film della serie Hunger Games, ma questo perché il prequel è ambientato durante la decima edizione degli Hunger Games, 64 anni prima che Katniss partecipasse alla sua versione. Sebbene ci fossero state voci secondo cui Lawrence avrebbe fatto un cameo, questo si è rivelato falso.

Sebbene Lawrence non interpreti Katniss da un decennio, la situazione potrebbe cambiare entro il prossimo anno. L’autrice di The Hunger Games, Suzanne Collins, ha scritto un altro prequel incentrato sui 50° Hunger Games di Haymitch Abernathy. La sua storia è una delle più richieste dai lettori della serie, che alla fine si è avverata quando Sunrise on the Reaping è stato pubblicato nel marzo 2025. Insieme all’annuncio del libro, la Lionsgate ha anche confermato un adattamento cinematografico, che uscirà il prossimo anno.

A differenza di Hunger Games – L’alba sulla mietitura, c’è la possibilità che Lawrence, Woody Harrelson e Josh Hutcherson possano riprendere i loro ruoli rispettivamente di Katniss, Haymitch e Peeta nel prossimo prequel. Joseph Zada erediterà il ruolo di Haymitch, ma il libro include un epilogo che fa un salto in avanti nel tempo e mostra un Haymitch più anziano che parla con Katniss e Peeta mentre riflette sulla sua vita e sulla sua tragedia. Sebbene sia una parte fondamentale del libro, non c’è ancora alcuna conferma sul fatto che qualcuno del trio riprenderà il proprio ruolo.

Lawrence e Harrelson non hanno ancora affrontato la questione dall’uscita del libro. Hutcherson ha espresso il suo interesse a riprendere il ruolo, ma non sapeva nulla sul fatto che il ritorno sarebbe avvenuto in Hunger Games – L’alba sulla mietitura. D’altra parte, potrebbe esserci qualche speranza. Durante un’intervista con Variety nel 2023, a Lawrence è stato chiesto se fosse interessata a riprendere il ruolo di Katniss, e lei ha risposto: “Oh, mio Dio, assolutamente! Se Katniss potesse tornare nella mia vita, lo farei al 100%”. Al momento della stesura di questo articolo, il prequel di Haymitch è in fase di riprese.

Hunger Games – L’alba sulla mietitura uscirà nelle sale il 20 novembre 2026.

Jeremy Renner risponde alle accuse di molestie sessuali e minacce fisiche

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Jeremy Renner ha risposto ufficialmente alle accuse mosse contro di lui da Yi Zhou. Su Instagram, la regista ha pubblicato una serie di post in cui afferma di essere stata minacciata e molestata sessualmente da Renner, sia nella loro relazione personale che durante la collaborazione lavorativa.

Le accuse di Yi Zhou contro Jeremy Renner includono “fotografie personali e intime di se stesso” che Renner avrebbe inviato e un episodio in cui lui “ha minacciato di chiamare l’immigrazione/ICE” contro di lei. In un messaggio di testo che Zhou ha inviato a un’altra persona, durante una serata in cui lei e Renner avrebbero dovuto discutere di uno dei loro progetti, lei lo ha descritto come “violento” e ha raccontato di essersi dovuta chiudere in bagno per paura del suo comportamento.

Un rappresentante di Renner ha ora dichiarato a Variety che “le accuse mosse sono totalmente inaccurate e false”. L’avvocato di Renner, Marty Singer, ha dichiarato a People il giorno prima che le accuse di Zhou sono “false, oltraggiose e altamente diffamatorie”.

Secondo i post di Zhou su Instagram, lei e Renner hanno iniziato a frequentarsi a giugno, dopo che lui le ha inviato “una serie di immagini pornografiche indesiderate/non richieste di se stesso tramite DM e Whatsapp” e l’ha ‘sedotta’ “amandomi così tanto che ho creduto in lui/nel potere dell’amore”. In un altro post, Zhou ha affermato che “Questa esperienza mostra davvero il lato oscuro di Hollywood e la campagna diffamatoria volta a scoraggiare le donne, le registe asiatiche e le donne in generale”.

Al di là della loro relazione personale, Renner e Zhou hanno collaborato per la prima volta al documentario Chronicles of Disney sulla vita e l’eredità di Walt Disney e della società da lui creata, anche se non è stato prodotto dalla Disney. Zhou ha diretto il documentario, che presenta interviste a Renner e ad altri talenti di diverse generazioni di progetti Disney.

Successivamente è stato riferito che Renner e Zhou stavano collaborando nuovamente per il film animato con intelligenza artificiale Stardust Future: Stars and Scars. Jeremy Renner è stato scelto per interpretare l’Oracolo del Tempo, che è il narratore del film che racconta la storia che va dall’inizio dell’universo all’anno 2080. Il progetto è stato descritto come il primo lungometraggio realizzato completamente attraverso l’uso dell’intelligenza artificiale.

Le 10 differenze principali tra il Frankenstein di Netflix e il romanzo originale

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Il Frankenstein di Guillermo del Toro è un adattamento sostanzialmente fedele al romanzo originale di Mary Shelley, ma si prende alcune libertà molto significative con personaggi specifici ed elementi tonali della storia originale. Il Frankenstein della Shelley rimane uno dei capisaldi della narrativa fantascientifica a oltre due secoli dalla sua prima pubblicazione, con innumerevoli adattamenti realizzati nel corso degli anni.

La versione di Guillermo del Toro affronta molti degli stessi temi dell’arroganza dell’uomo e della vera natura dell’umanità. Tuttavia, introduce anche molte nuove sfumature ai personaggi e gioca con i loro ruoli nella narrazione. Ecco le differenze più significative tra il Frankenstein di del Toro e l’omonimo romanzo che lo ha ispirato.

L’amore di Elizabeth per la creatura è una caratteristica esclusiva del film di del Toro

Mia Goth in Frankenstein di Guillermo Del Toro
© Cortesia di Netflix

Frankenstein introduce una tragica storia d’amore tra Elizabeth e la creatura, che è una delle maggiori divergenze rispetto al materiale originale. Nel romanzo originale Frankenstein, Elizabeth è un’amica di lunga data di Victor che alla fine si fidanza con lui. La sua morte per mano della creatura è ciò che spinge Victor a darla la caccia.

Al contrario, l’Elizabeth di Frankenstein di del Toro è molto più affascinata dalla creatura. Percependo una affinità spirituale, stringe rapidamente amicizia con la creatura. Sembra persino amarla, il che spiega perché si mette davanti a un proiettile destinato a lui. Questa è la causa della sua morte nel film, al contrario dello strangolamento nel romanzo.

Elizabeth amava Victor nel romanzo e lo odia nel film di Del Toro

Elizabeth in Frankenstein di del Toro

Una differenza importante tra il film moderno e il romanzo originale è la natura del rapporto tra Elizabeth e Victor. Mentre nel libro i due erano amici intimi, nel film si incontrano solo dopo che Elizabeth si è fidanzata con il fratello di Victor, William. Anche se Victor si innamora di lei, Elizabeth è molto meno interessata a lui.

Dopo aver incontrato la Creatura e aver assistito al trattamento che Victor le riserva, la sua frustrazione nei confronti del futuro cognato diventa più apertamente odiosa. Si sottintende addirittura che il suo amore per la Creatura piuttosto che per Victor sia ciò che spinge Victor ad agire in modo così avventato nel tentativo di distruggere la sua creazione, portando alla distruzione del suo laboratorio e alla morte accidentale di Elizabeth.

Leopold Frankenstein è un padre molto più crudele di Alphonse Frankenstein

Charles Dance e Christian Convery in Frankenstein.
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

Nel romanzo originale Frankenstein, si dice che Victor provenga da una famiglia felice. Sebbene ci siano contraddizioni nella sua storia che suggeriscono che Victor stia sorvolando sul suo rapporto con il padre Alphonse, è molto lontano dal trattamento severo e casualmente abusivo che la versione di Victor di del Toro subisce per mano di Leopold.

Interpretato da Charles Dance, Leopold è un insegnante severo e rigido, con il barone che spera che suo figlio porti il nome della sua famiglia a nuovi livelli. Il film usa questo maltrattamento come base dei difetti di Victor, con il suo trattamento crudele della Creatura che parallelizza l’abuso che suo padre ha usato contro di lui quando era un ragazzo.

William Frankenstein di del Toro ha un ruolo e un destino diversi nel libro

Felix Kammerer e Mia Goth in Frankenstein
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

William è il fratello di Victor in entrambe le versioni della storia, anche se nel romanzo c’è anche un fratello di mezzo di nome Ernest che non compare nel film di del Toro. Entrambe le versioni di William vengono uccise dalla Creatura. Tuttavia, le circostanze esatte dell’atto e la motivazione che lo ha determinato sono diverse.

Nel film di del Toro, William attacca la Creatura quando crede che abbia ucciso Elizabeth. La Creatura lo respinge, facendogli accidentalmente spaccare il cranio contro un caminetto. Questo dà a William il tempo di maledire suo fratello prima di svanire. Nel romanzo, William è la prima vittima della Creatura, strangolato per ferire Victor.

Il Frankenstein di del Toro manca Justine

Frankenstein - Immagine dal set

Uno dei personaggi più tragici del Frankenstein di Mary Shelley è Justine, un personaggio minore che svolge un ruolo importante nella distruzione dello spirito di Victor. Dopo la morte di William, la Creatura incolpa la cameriera del giovane, Justice, per l’atto. Sebbene Victor conosca la verità, non la divulga per il proprio bene, portando all’esecuzione di Justine.

Questa morte (insieme a quella di William) tormenta Victor e determina il tono sempre più tragico della seconda metà del romanzo. La maggior parte degli adattamenti di Frankenstein elimina Justine, e la versione di del Toro non fa eccezione. Ciò ha senso, dato il ruolo più importante di William nel film e il suo destino finale, e mantiene anche la Creatura più simpatica.

Il romanzo Frankenstein non include Heinrich Harlander

Christophe Waltz nel ruolo di Harlander in Frankenstein
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

Uno dei personaggi secondari più importanti nella parte di Victor in Frankenstein è Heinrich Harlander. Zio di Elizabeth, Heinrich è un ricco produttore di armi che si interessa al lavoro di Victor. Diventa il suo principale benefattore, segretamente, perché spera che gli esperimenti di Victor possano prolungare la sua vita.

Questo alla fine porta a un confronto tra i due che si conclude con la morte accidentale di Heinrich, che Victor in seguito attribuisce alla Creatura per convincere William della sua natura pericolosa. Heinrich è assente dal romanzo, poiché Victor conduce i suoi esperimenti da solo.

La Creatura del romanzo originale ha un numero di vittime molto più elevato

Uno degli elementi più notevoli del Frankenstein di del Toro è la rappresentazione compassionevole della Creatura.

Sebbene la Creatura uccida delle persone, lo fa sempre per legittima difesa. Le sue azioni più vendicative sono i metodi brutali che usa contro Victor, comprensibili nel contesto del film.

Si tratta di una divergenza enorme rispetto al materiale originale, in cui la Creatura diventa molto più pericolosa e letale sin dall’inizio. La Creatura non uccide per legittima difesa, ma attacca e strangola diverse persone per vendicarsi di Victor. Questo rende la Creatura molto più terrificante e inquietante nel romanzo rispetto a come appare nel film.

Il destino del vecchio è molto più tragico nel Frankenstein di Del Toro

Frankenstein di Guillermo Del Toro
© Cortesia di Netflix

La maggior parte delle versioni di Frankenstein includono le interazioni della Creatura con un vecchio cieco. È lui che insegna alla Creatura a parlare e a leggere. In quasi tutte le versioni, la Creatura viene allontanata dal vecchio, che l’aveva accettata come amica. Il vecchio sopravvive nel romanzo originale, un destino che la sua controparte di del Toro non condivide.

Nella versione di del Toro di Frankenstein, il vecchio viene attaccato da un branco di lupi mentre la Creatura sta esplorando le rovine del laboratorio di Victor. Anche se la Creatura respinge gli animali, il vecchio viene ferito a morte, confortando la Creatura mentre muore. È un momento molto più cupo che sottolinea l’umanità della Creatura.

Victor e la Creatura non si riconciliano nel romanzo

Frankenstein Guillermo Del Toro

Una delle scene più importanti del Frankenstein di del Toro arriva alla fine del film. Dopo aver condiviso la sua storia con il suo creatore, la Creatura trova nel suo cuore la forza di perdonare Victor per le sue trasgressioni passate. Victor fa pace con la Creatura e lo chiama “figlio” prima di morire, dando al loro finale un tocco agrodolce.

Il romanzo non presenta una scena del genere. Nell’originale Frankenstein, Victor muore per le ferite prima che la Creatura possa raggiungere la barca. Invece, piange il suo creatore e porta il suo corpo con sé nella tundra ghiacciata, lamentando la mancanza di una conclusione tra loro. È una differenza netta che sottolinea sia l’arco narrativo di Victor che quello della Creatura.

Il Frankenstein di Del Toro termina con una nota più speranzosa rispetto al romanzo

Oscar Isaac nel ruolo di Victor Frankenstein in Frankenstein

Entrambe le versioni di Frankenstein terminano con note molto simili, con la Creatura che rimane sola nell’Artico. Tuttavia, il film di Del Toro differisce dal romanzo di Shelley per il tono. Nel libro, la Creatura è affranta dal dolore e decide di rimanere indietro per costruire una pira funeraria per sé e Victor. L’implicazione è che la Creatura intende uccidersi.

Le ultime suppliche di Victor alla Creatura affinché abbracci la vita nella versione di del Toro conferiscono al film un elemento molto più ambiguo e agrodolce che manca nel libro. Ciò evidenzia come la versione di Frankenstein di del Toro sia più incentrata sulla speranza dell’umanità che sul cupo costo dell’ambizione nel romanzo di Shelley.

HUNTR/X anticipa “Global” KPop Demon Hunters 2 dopo la conferma del sequel

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Dopo l’annuncio ufficiale che il film avrebbe avuto un sequel, i membri del fenomeno immaginario Huntr/x di KPop Demon Hunters hanno espresso le loro speranze per il prossimo capitolo. Il film Netflix segue la band KPop Huntr/x, composta da Rumi, Mira e Zoey, che di notte lavorano anche come cacciatori di demoni. KPop Demon Hunters è diventato un fenomeno culturale durante l’estate del 2025, battendo diversi record per la piattaforma di streaming.

Sebbene le voci dei personaggi siano state fornite da Arden Cho, May Hong e Ji-young Yoo, le voci cantate di Huntr/x sono di EJAE, Audrey Nuna e Rei Ami. Il trio si è esibito pubblicamente come Huntr/x in programmi come Saturday Night Live, e probabilmente tornerà per KPop Demon Hunters 2.

Parlando con Collider, Ami, Nuna ed EJAE hanno rivelato le loro speranze per il sequel del film. “Voglio vedere le ragazze in città diverse”, ha detto Nuna. “Voglio vedere cosa porteranno a livello globale. Perché penso che questo film abbia avuto un impatto globale. Penso che il film e la realtà abbiano avuto una conversazione davvero folle tra loro, quindi mi piacerebbe vedere che questo continui”.

KPop Demon Hunters

Da parte sua, EJAE vuole continuare la tendenza di KPop Demon Hunters di rappresentare la cultura coreana, affermando che le piacerebbe vedere “più cose tradizionali coreane, come la storia tradizionale, la musica [e] il cibo.” Mentre sia Nuna che EJAE pensavano all’impatto culturale che il sequel potrebbe avere, Ami era interessata a dove potrebbe andare la trama.

Mi piacerebbe vedere la storia delle origini di come le ragazze si sono riunite”, ha dichiarato Ami. “Se non è un prequel, allora voglio che Gwi-Ma torni. Riportatelo indietro. Chi sarà l’antagonista? Sono così curiosa di vedere il prossimo film.” Il film, ovviamente, si conclude con la vittoria delle Huntr/x che sigillano il re demone Gwi-Ma, lasciando misterioso l’antagonista del sequel.

In precedenza, i membri degli Huntr/x hanno incontrato Ash Crossan di ScreenRant e hanno parlato di ciò che vorrebbero vedere in KPop Demon Hunters 2. La band era unanime nel ritenere che il film dovesse rispondere al mistero che circonda la discendenza di Rumi.

Indipendentemente dalla trama che seguirà, il sequel di KPop Demon Hunters sarà probabilmente un altro grande successo quando uscirà nel 2029.

Come Predator: Badlands prepara il più grande crossover AVP mai realizzato (teoria spiegata)

Predator: Badlands è ora nelle sale cinematografiche e ribalta la formula tradizionale presentando al pubblico un protagonista Predator (di nome Dek) la cui prima caccia è stata tanto brutale quanto sentita. Tuttavia, il finale sospeso del film suggerisce che la storia di Dek è lungi dall’essere conclusa e che all’orizzonte potrebbe profilarsi un evento ancora più grande.

Sebbene non ci siano Xenomorfi, Predator: Badlands ha numerosi collegamenti con la serie Alien, in particolare con Thia, la principale alleata di Dek, un synth della Weyland-Yutani Corporation interpretato da Elle Fanning. Considerando che le serie sono ambientate da tempo nello stesso universo condiviso, questi legami erano molto emozionanti (e avevano senso).

Tuttavia, Predator: Badlands potrebbe anche aver gettato le basi per un nuovissimo crossover Alien vs Predator (non solo un sequel).

Come Predator: Badlands prepara le storie future (“La vendetta delle madri”)

Dopo aver sconfitto la squadra di armi biologiche della Weyland-Yutani sul pianeta Genna, il finale di Predator: Badlands vede Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) tornare a casa su Yautja Prime con il suo nuovo clan (Thia e il giovane Kalisk che lei ha chiamato Bud).

Chiedendo il mantello a suo padre, che aveva cercato di ucciderlo all’inizio di Badlands, Dek riesce a sconfiggerlo e a reclamare l’arma tradizionale degli Yautja, dimostrando il proprio valore e vendicando suo fratello (ucciso dal padre per aver protetto Dek).

La battaglia culminante tra Dek e suo padre sembrava la conclusione emotiva perfetta per Badlands… fino all’ultima scena a sorpresa.

All’orizzonte è apparsa una nave Yautja in arrivo e Dek conferma a Thia che sua madre sta arrivando. Di fronte alla morte del marito, la madre di Dek potrebbe cercare vendetta per quello che probabilmente considera un tradimento, fornendo l’antagonista perfetto per un potenziale sequel di Badlands.

Dek Angry in Predator: Badlands

Allo stesso tempo, continuare l’arco narrativo di Thia potrebbe facilmente ampliare un sequel con una posta in gioco ancora più alta.

Essendo un sintetico legato alla Alien franchise’s Weyland-Yutani Corporation, è possibile che MUTHUR e “The Company” stiano cercando di vendicarsi, dato che Thia ha disobbedito ai loro ordini unendosi a Dek e eliminando l’intera squadra di armi biologiche su Genna (compresa la sua “sorella” gemella sintetica Tessa).

Thia potrebbe facilmente rappresentare un serio problema per la Weyland-Yutani, e non solo perché ha disobbedito agli ordini e si è ribellata. È possibile che sia in possesso di informazioni riservate e proprietarie che la Weyland non vuole che vengano divulgate.

In combinazione con il suo status di sintetica con “sensibilità” extra, è anche possibile che sia semplicemente troppo preziosa per Weyland per lasciarla andare dopo tutte le perdite accumulate su Genna. Un Predator: Badlands sequel potrebbe vedere Dek e Thia affrontare molteplici minacce (e due diverse “Madri”).

Detto questo, si può anche sostenere che un sequel potrebbe spingersi ancora oltre, diventando un crossover AVP completo e completamente nuovo.

Tutto potrebbe portare a un crossover Alien vs Predator completamente nuovo

Predator: Badlands scena post credits

Questi numerosi filoni in Predator: Badlands potrebbero tutti puntare verso un evento enorme: una storia unificata Alien vs. Predator che fonde ogni angolo dell’universo condiviso e i suoi progetti più recenti pubblicati negli ultimi anni.

Badlands ha confermato che Weyland-Yutani è ben consapevole dell’esistenza degli Yautja e che la Compagnia li considera una minaccia. Allo stesso modo, Thia ha rivelato che parte del suo lavoro per Weyland consisteva in uno studio approfondito della specie guerriera degli Yautja e della loro cultura.

Quando Dek è stato catturato da Tessa, c’erano piani per riportarlo alla Weyland come un altro esemplare su cui sperimentare, suggerendo che la Weyland ha probabilmente un interesse personale nei Predator tanto quanto negli Xenomorfi, la base perfetta per un crossover epico che vede entrambe le specie scontrarsi ancora una volta.

Un potenziale evento crossover potrebbe includere anche volti noti del film d’animazione Predator Killer of Killers, poiché il suo finale ha confermato che gli Yautja avevano catturato Naru (Amber Midthunder) di Prey, il primo Dutch (Arnold Schwarzenegger) di Predator e Mike Harrigan (Danny Glover) di Predator 2, tutti mostrati su Yautja Prime in criostasi.

La loro sopravvivenza potrebbe portare a un raduno senza precedenti dei più grandi guerrieri del franchise (forse con qualche comoda fuga di criogenia per riflettere l’età attuale di alcuni attori). Immaginate questi eroi classici che si risvegliano per impegnarsi in una guerra tra corporazioni umane, sintetici, Xenomorfi scatenati e molteplici clan Yautja, legando insieme oltre quattro decenni di narrazione.

Nel frattempo, il consolidato interesse di Weyland-Yutani per gli Yautja potrebbe innescare una corsa agli armamenti con esemplari alieni completamente nuovi. L’azienda ha sempre ambito alla biologia aliena per scopi militari. Se riuscissero a catturare anche un solo Predator, è facile immaginare che cercherebbero di creare una sorta di nuova e terrificante minaccia ibrida, portando il concetto di Alien vs Predator a un livello completamente nuovo.

Tutto sommato, Predator: Badlands potrebbe facilmente preparare il terreno per uno dei più ambiziosi AVP crossover di sempre.

Anche se le cose dovessero prendere una direzione completamente diversa da quella ipotizzata sopra, si può scommettere che un film Alien vs Predator sia attivamente in discussione tra Disney e 20th Century Fox, soprattutto considerando le lodi ricevute da Badlands sia dalla critica che dal pubblico.

Predator: Badlands è ora nelle sale della 20th Century Fox.

Elle Fanning fornisce importanti aggiornamenti sulla produzione del film prequel di Hunger Games

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In uscita nel 2026, Hunger Games – L’alba sulla mietitura è l’adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo che racconta la storia del giovane Haymitch Abernathy durante la 50ª edizione degli Hunger Games. Il cast include Joseph Zada, McKenna Grace, Whitney Peak, Ben Wang, Elle Fanning, Billy Porter, Glenn Close e Ralph Fiennes, tra gli altri. L’alba sulla mietitura è diretto dal veterano della saga Francis Lawrence, su una sceneggiatura dello scrittore candidato all’Oscar Billy Ray.

Ambientato 24 anni prima degli eventi di The Hunger Games, funge da prequel alla quadrilogia originale e da sequel a Hunger Games – La ballata dell’usignolo e del serpente del 2023. Come tale, presenta le versioni più giovani di molti dei personaggi adulti di The Hunger Games. Tra questi c’è Effie Trinket, interpretata da Elizabeth Banks nei film originali e che sarà interpretata da Fanning in L’alba sulla mietitura.

Mentre manca più di un anno all’uscita del film nelle sale, Elle Fanning ha recentemente condiviso un aggiornamento entusiasmante. L’attrice ha dichiarato a Collider: “Beh, ho finito di girarlo, quindi è fatta.” La produzione complessiva di Sunrise on the Reaping non è ancora terminata, ma dovrebbe concludersi questo mese.

“Effie è sullo schermo, il che è fantastico”, ha continuato Fanning. Ha poi aggiunto che “i vestiti sono fantastici”. Il personaggio di Effie è noto per il suo stile eccentrico, indicativo del suo status di cittadina della ricchissima Capitol, e gli abiti di Banks nella serie di film sono iconici, molti dei quali sono capi firmati.

Cambiando argomento, Fanning ha elogiato i film precedenti e il modo in cui è stata interpretata Effie. “Adoro quello che ha fatto Elizabeth Banks, quindi mi inchino davanti a lei!” ha dichiarato la star di Predator: Badlands. “Spero di poter rendere orgogliosi i fan.” Definendo la produzione “divertente”, ha anche elogiato il “fantastico” regista del film Francis Lawrence e il “fantastico” cast.

Fanning non è l’unica membro del cast ad aver parlato finora del tanto atteso prequel. Grace ha condiviso la sua reazione affermando: “Vuoi sempre fare del tuo meglio per dare vita a tutto ciò che i fan desiderano vedere”. Sebbene i dettagli su quanto il film sarà fedele al libro siano scarsi, sia Fanning che Grace hanno espresso il desiderio di rendere felici i fan. Hunger Games – L’alba sulla mietitura uscirà il 20 novembre 2026.

FOTO DI COPERTINA: Elle Fanning alla premiere del film “Sentimental Value” il 5 novembre 2025. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com

Quanto ha guadagnato il Superman di James Gunn secondo il nuovo rapporto della DC Studios

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Nuovi dettagli sui risultati finanziari del film Superman di James Gunn sono stati rivelati in un rapporto della DC Universe. Con il Capitolo 1 della DCU: “Gods and Monsters”, l’Uomo d’Acciaio è tornato sul grande schermo quest’estate, con David Corenswet nel ruolo dell’ultimo figlio di Krypton.

Secondo Forbes, Superman ha fruttato alla DC Studios oltre 100 milioni di dollari di profitti e sta “avvicinandosi ai 150 milioni di dollari a livello globale, quando tutto sarà detto e fatto quest’anno”. Poiché il film DCU ha incassato 616,58 milioni di dollari al botteghino mondiale, 262,4 milioni di dollari provenivano dal mercato internazionale, mentre 354,1 milioni di dollari provenivano dal mercato interno.

Il reboot DC dell’iconico eroe ha anche portato la DC Studios ad avere il film tratto da un fumetto con il maggior incasso del 2025, superando tutte le uscite della Marvel Studios. The Fantastic Four: Gli Inizi, uscito solo due settimane dopo Superman, ha chiuso la sua corsa con 521,8 milioni di dollari in tutto il mondo.

Thunderbolts* ha incassato 382,4 milioni di dollari in tutto il mondo, mentre Captain America: Brave New World ha incassato 415,1 milioni di dollari a livello globale. Superman è stato l’unico film di supereroi del 2025 a raggiungere i 600 milioni di dollari e oltre.

Tra le numerose recensioni positive del film Superman, il debutto di Corenswet nella DCU ha attualmente ottenuto l’83% nel punteggio della critica e il 90% nel punteggio del pubblico su Rotten Tomatoes. Il film vede anche Rachel Brosnahan nel ruolo di Lois Lane e Nicholas Hoult in quello di Lex Luthor.

Il film ha riscosso un grande successo anche su HBO Max, essendo diventato disponibile sul servizio di streaming dopo 70 giorni di programmazione nelle sale. Il film sui supereroi di Gunn ha ottenuto più di 13 milioni di visualizzazioni globali in soli 10 giorni, che secondo Variety rappresentano il pubblico più vasto in 10 giorni per il servizio di streaming della Warner Bros. dal film Barbie del 2023.

Il futuro della Warner Bros. Discovery è attualmente un argomento molto dibattuto a Hollywood, poiché lo studio è in vendita e diversi grandi nomi avrebbero manifestato interesse ad acquisirlo. Secondo quanto riferito, David Ellison della Paramount manterrebbe i talenti creativi chiave in caso di fusione con la Warner Bros., tra cui la leadership di Gunn e il co-CEO Peter Safran.

Dopo il successo di Superman, il film Man of Tomorrow sta andando avanti, poiché Gunn è pronto a dirigere il sequel, la cui produzione dovrebbe iniziare nel 2026. Il progetto, di cui ha scritto la sceneggiatura, sarà incentrato sull’eroe titolare e su Lex che devono unire le forze contro una minaccia comune, con la continuazione prevista nelle sale il 9 luglio 2027.

It: Welcome to Derry, la rivelazione “poetica” del flashback dell’episodio 3 spiegata dalle star

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It: Welcome to Derry, episodio 3, offre agli spettatori uno sguardo più da vicino al rapporto tra il generale Francis Shaw (James Remar) e Rose (Kimberly Guerrero). In un flashback, viene rivelato che i due hanno una storia molto più lunga di quanto il pubblico avesse inizialmente capito. I due erano amici d’infanzia e hanno cambiato il corso delle loro vite.

Il flashback riporta gli spettatori al 1908, quando Shaw e Rose avevano 12 anni. Dopo una giornata alla fiera, Francis incontra una delle terrificanti forme di It nel bosco. Fortunatamente, Rose lo salva e i due scappano. Dopo la fuga, lei gli dice che l’entità non può lasciare il bosco. I due stringono una forte amicizia e sviluppano sentimenti romantici l’uno per l’altra. Tuttavia, perdono i contatti quando il padre di Shaw trova un nuovo lavoro fuori Derry. Da adulto, lui non ha alcun ricordo di Rose o di It fino al suo ritorno in città.

In un’intervista con ScreenRant, Remar e Guerrero discutono del significato della storia dei loro personaggi e della loro complicata relazione. Gli attori hanno anche spiegato come Rose e Shaw devono sentirsi quando si rivedono dopo decenni. Guerrero ha offerto una visione approfondita della trasformazione del personaggio e di come l’influenza di Shaw l’abbia plasmata. Ha detto che questo senso di determinazione era sempre stato parte di Rose, ma il loro incontro inaspettato l’ha davvero colta alla sprovvista e l’ha cambiata.

Kimberly Guerrero: Per Rose, il modo in cui agisce grazie al potere e alla posizione che detiene come custode della conoscenza ancestrale, custode della saggezza e protettrice, tutto risale a quell’estate. Sapeva già di essere stata chiamata a questo compito, ma non credo che si sarebbe mai aspettata che l’amore la colpisse così, come fa il primo amore.

Guerrero ha approfondito il percorso emotivo del suo personaggio, in particolare il modo in cui le prime esperienze d’amore e di delusione sentimentale l’hanno influenzata. Ha anche spiegato come la partenza di Shaw, oltre agli ormoni adolescenziali, abbia davvero messo a dura prova Rose.

Kimberly Guerrero: A quell’età, gli ormoni iniziano a fare effetto. Si comincia a capire cosa significa e quali sono le differenze tra ragazze e ragazzi. Avere questo giovane che entra inaspettatamente nella sua vita e poi essere legati da una situazione di vita o di morte? È incredibilmente traumatico.

Quando lui se ne andò, lasciò un vuoto così grande nel suo cuore che lei capì: “Non potrò mai più permettere a nessuno di occupare quello spazio, perché non riuscirei a concentrarmi su ciò che devo fare se provassi un amore così grande per qualcun altro. Amo la mia comunità. Amo Derry. Amo le mie responsabilità. Ho un dovere da compiere, ma non posso permettere che questa cosa occupi il mio cuore”. [Lei ha] amore comunitario, amore familiare, ma non amore romantico, quindi è rimasta single per tutta la vita. E così, quando lui ritorna, è una vera sorpresa.

Remar ha riflettuto sull’impatto duraturo di un’esperienza formativa nella vita dei loro personaggi e ha sottolineato come un momento della loro infanzia abbia continuato a plasmare la loro storia cinque decenni dopo. Ha sottolineato il significato del legame che si è creato tra loro attraverso un trauma condiviso.

James Remar: Il fatto che questi due bambini abbiano superato le barriere razziali e abbiano sviluppato questa storia d’amore basata sul salvataggio da qualcosa di terribile che solo lei capiva ha influenzato il resto delle nostre vite. Il fatto che questo influenzi la direzione della nostra storia e il modo in cui vogliamo che vada è un complimento enorme.

Significa che è molto efficace nel movimento narrativo, che ciò che ci è successo da bambini ci ha spinto in questa situazione 50 anni dopo. Penso che significhi tutto.

Adaline – L’eterna giovinezza è basato su una storia vera?

Uscito nel 2015 e diretto da Lee Toland Krieger, Adaline – L’eterna giovinezza (la recensione) è un dramma romantico con sfumature fantastiche che ha conquistato il pubblico grazie alla performance di Blake Lively e a un’idea affascinante: una donna nata all’inizio del Novecento che, a seguito di un misterioso incidente, smette di invecchiare. Il film intreccia amore, perdita e immortalità in una narrazione che attraversa un secolo di storia americana, mantenendo un tono malinconico e raffinato. Ma la domanda che molti spettatori si pongono è: la storia di Adaline è realmente ispirata a fatti o persone vere?

Adaline non è basato su una storia vera

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015) (1)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Nonostante la cura dei dettagli storici e l’atmosfera quasi realistica che accompagna la protagonista attraverso le epoche, Adaline – L’eterna giovinezza non è basato su una storia vera. Il soggetto è completamente originale, scritto dagli sceneggiatori J. Mills Goodloe e Salvador Paskowitz, che hanno immaginato una fiaba moderna sul tempo, l’amore e la paura di cambiare. L’idea nasce da una domanda narrativa classica: cosa accadrebbe se una persona smettesse di invecchiare ma fosse condannata a vivere per sempre nascosta dal mondo che cambia?

Il film utilizza un pretesto pseudo-scientifico – un incidente d’auto e un fulmine che altera il metabolismo cellulare di Adaline – per giustificare l’immortalità della protagonista. Ma il cuore del racconto è profondamente umano: la difficoltà di accettare il trascorrere del tempo e di lasciarsi andare alle emozioni quando la vita sembra eterna.

Il film non è tratto da un libro, ma ha ispirazioni letterarie

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Adaline – L’eterna giovinezza non nasce da un romanzo, ma dialoga con un immaginario stratificato. Sul versante letterario, riecheggia Oscar Wilde (Il ritratto di Dorian Gray), dove la giovinezza eterna è più maledizione che dono, e F. Scott Fitzgerald (il racconto The Curious Case of Benjamin Button), che interroga il rapporto fra identità e tempo biologico. Affiorano anche affinità con Natalie Babbitt (Tuck Everlasting), favola sull’immortalità come esclusione dalla vita, e con la sensibilità romantico-fantascientifica di Richard Matheson (Bid Time Return/ Ovunque nel tempo): la sospensione del tempo come dispositivo emotivo prima che scientifico.

Al cinema, i rimandi più evidenti sono Highlander (l’“eterno” che paga la solitudine come prezzo della sopravvivenza) e Il curioso caso di Benjamin Button di Fincher (montaggio a epoche, identità che si ridefinisce nei decenni). Adaline però se ne distacca scegliendo il melodramma intimo: niente mitologia guerriera né paradossi temporali spinti, ma micro-conflitti quotidiani (documenti, lavoro, relazioni) che mostrano come l’eternità eroda il tessuto sociale prima ancora che il corpo.

La giustificazione pseudo-scientifica (l’incidente e la “spiegazione” in voice-over che richiama processi cellulari come l’accorciamento dei telomeri e l’azione di enzimi “eccezionali”) va letta come cornice verosimigliante, non come hard science: serve a spostare l’attenzione dall’“impossibile” al costo umano dell’impossibile.

Sul piano formale, il film costruisce credibilità storica con:

  • Costumi e scenografia che attraversano decenni (San Francisco come ancora emotiva e geografica).
  • Oggetti-memoria (album, fotografie, pellicole) usati come prove narrative del tempo che passa sugli altri, non su Adaline.
  • Flashback selettivi: non un’enciclopedia del Novecento, ma snodi affettivi che spiegano le scelte di fuga/occultamento dell’identità.

Il risultato è una fiaba moderna autonoma: non un adattamento letterale, ma un’opera originale che metabolizza archetipi e li rielabora in chiave sentimentale, ponendo la domanda centrale del film: senza la possibilità di cambiare, possiamo davvero vivere – e amare – fino in fondo?

Perché Adaline, interpretata da Blake Lively, ha smesso di invecchiare in Adaline – L’eterna giovinezza?

L’invecchiamento (o meglio, la mancanza di invecchiamento) di Adaline Bowman in Adaline – L’eterna giovinezza (la recensione) costituisce un elemento fondamentale della trama del film. Adaline Bowman è nata all’inizio del XX secolo, ma si ritrova all’inizio del XXI secolo con lo stesso aspetto giovanile di sempre, avendo smesso di invecchiare molti decenni prima nel film romantico-fantastico di Lee Toland Krieger del 2015.

Il narratore Hugh Ross attribuisce la sua straordinaria condizione fisica, nonostante abbia vissuto per più di cento anni, a “qualcosa di quasi magico” accaduto nel 1937. In realtà, nel corso della sua vita “non c’era assolutamente alcuna spiegazione scientifica per la sua condizione”. Se questa fosse stata l’unica spiegazione fornita in Adaline – L’eterna giovinezza, che coinvolge Harrison Ford nel regno della fantasia insieme a Blake Lively, la nostra immaginazione avrebbe potuto fare il resto. Tuttavia, si è deciso che fosse necessaria una teoria scientifica completa.

Adaline ha smesso di invecchiare dopo essere morta in un incidente d’auto ed essere stata rianimata da un fulmine

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Il fulmine è stato un vero shock per il suo organismo

La premessa del film è impostata attraverso sei minuti e mezzo di voce fuori campo di Ross, in cui espone la scienza dietro ciò che è accaduto ad Adaline una notte di dicembre, quando “neve cadde nella contea di Sonoma, in California.” A causa del maltempo, il personaggio interpretato dalla Lively ha perso il controllo della sua auto mentre guidava e si è schiantato in un burrone. Questo incidente stradale avrebbe dovuto porre fine alla sua vita, poiché lo shock di essere precipitata nell’acqua gelida le ha presto causato un arresto cardiaco.

A questo punto, però, un fulmine ha colpito il veicolo parzialmente sommerso, che secondo Ross ha scaricato “mezzo miliardo di volt di elettricità” attraverso Adaline. Il fulmine ha funzionato come un defibrillatore naturale, riportandola in vita. Ha avuto anche un altro effetto, più improbabile. L’enorme corrente elettrica che l’ha attraversata ha arrestato il processo di invecchiamento cellulare, il naturale declino della capacità del corpo umano di riparare e sostituire le sue cellule nel tempo. Questo evento straordinario, spiegato da una teoria scientifica fittizia chiamata “principio di Von Lehman sulla compressione degli elettroni e l’acido desossiribonucleico” nel film Adaline – L’eterna giovinezza, ha effettivamente impedito che lei invecchiasse, almeno dal punto di vista fisico.

Quanti anni aveva realmente Adaline durante Adaline – L’eterna giovinezza

Michiel Huisman e Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Per gran parte del film sembrava molto più giovane della sua età

Adaline è nata il giorno di Capodanno del 1908, come spiega la narrazione sette minuti dopo l’inizio del film. Pertanto, le mancava meno di un mese al suo trentesimo compleanno quando ha avuto l’incidente. Il suo corpo è rimasto effettivamente congelato nel suo stato fisico in quel momento, il che significa che ha mantenuto l’aspetto e la forma fisica che aveva a 29 anni per il resto di Adaline – L’eterna giovinezza. Nei primi anni dopo l’incidente, non era chiaro che ci fosse qualcosa di insolito nel suo aspetto. Ma all’età di 45 anni, ha dovuto ammettere a se stessa che c’era qualcosa di strano. I vecchi amici reagivano con leggero orrore quando vedevano che ora sembrava più giovane di sua figlia, e gli agenti di polizia la fermavano perché pensavano che l’età indicata sulla sua patente di guida fosse falsa.

D’altra parte, Adaline ha vissuto fino all’età reale di 108 anni nel corso del film. Anche se ha continuato ad avere l’aspetto che aveva nel 1937, sono passati altri 78 anni della sua vita prima che il suo corpo iniziasse il processo di invecchiamento cellulare, nel 2015.

Perché Adaline ha finalmente ricominciato a invecchiare nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza

Adaline - L'eterna giovinezza

Un altro incidente d’auto ha portato al secondo shock di cui il suo corpo aveva bisogno

Poiché Adaline ha smesso di invecchiare a causa di una potente scossa elettrica, ci è voluto un evento simile per ripristinare il naturale processo di invecchiamento del suo corpo. Ironia della sorte, un altro incidente d’auto mortale fornisce il contesto per somministrare una seconda scossa elettrica, poiché i paramedici hanno defibrillato il cuore di Adaline dopo che aveva smesso di respirare.

È giusto che la ripresa del processo di invecchiamento sia spiegata attraverso un’altra esposizione pseudo-scientifica, che conclude Adaline – L’eterna giovinezza dove era iniziato. “Nell’istante in cui il cuore di Adaline è stato colpito dalle piastre del defibrillatore”, rivela Ross, “le strutture telomeriche nei suoi geni hanno riacquistato la loro flessibilità”. I suoi geni sono stati in grado di svolgere nuovamente il loro ruolo naturale, il che significa che la riparazione e la riproduzione cellulare sono entrate in uno stato di declino. Finalmente, Adaline ha iniziato a invecchiare.

Nei momenti finali di Adaline – L’eterna giovinezza, ha notato un capello grigio allo specchio e lo ha strappato, provando un senso di sollievo travolgente. Per la prima volta in 78 anni, davanti a lei si prospettava una vita di relativa normalità, piuttosto che di immortalità.