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Il grande film su Batman della DC Studios ottiene il primo aggiornamento sul cast dopo 9 mesi

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DC Studios ha in cantiere diversi progetti entusiasmanti su Batman, incentrati su vari aspetti della mitologia del Cavaliere Oscuro. Essendo il giustiziere mascherato uno dei supereroi più amati di tutti i tempi a Hollywood, i prossimi due anni vedranno alcune delle più grandi trasposizioni cinematografiche dell’icona DC.

Swaybox Studios, uno degli studi dietro al prossimo film Dynamic Duo, ha rivelato attraverso la sua pagina Instagram ufficiale che il processo di casting inizierà il 15 novembre 2025. Ha anche pubblicato un video con la domanda: “Hai mai sognato di recitare in un film della DC Studios?” Guardalo qui sotto:

 

Dynamic Duo è stato annunciato per la prima volta in fase di sviluppo il 1° ottobre 2024, con Arthur Mintz alla regia. Il film è prodotto dalla 6th & Idaho di Matt Reeves e il 9 settembre 2025 è stato rivelato che Scott Neustadter e Michael H. Weber sono stati scelti per riscrivere la sceneggiatura.

La storia sarà incentrata sui primi giorni dei primi Robin, Dick Grayson e Jason Todd, e rappresenta il più grande progetto animato della DC Studios, che sta collaborando con la Warner Bros Pictures Animation.

Ci sono state molte domande sul fatto che Dynamic Duo sarà canonico per il franchise DC Universe di James Gunn, o se esisterà come proprietà Elseworlds simile all’universo The Batman di Reeves. A Gunn è stato chiesto se il progetto fa parte del capitolo 1 della DCU: “Gods and Monsters slate” durante un evento stampa della DC nel febbraio 2025, a cui ScreenRant ha partecipato.

Gunn ha dichiarato: “Il motivo per cui non ho risposto è perché potrebbe esserci un modo per inserirlo nella DCU. Mi piacerebbe che questo film d’animazione con pupazzi facesse parte della DCU. Mi attira molto, ma la storia è unica e quindi potrebbe non funzionare nel nostro universo”. Non si sa quali altri personaggi faranno parte del film Dynamic Duo.

Oltre a Dynamic Duo, la DC Studios ha appena terminato le riprese del film Clayface il 1° novembre 2025, che sarà incentrato su Matt Hagen, alias il famoso mutaforma, interpretato da Tom Rhys Harries, che fa parte della DCU. The Brave and The Bold, che sarà il film solista di Bruce Wayne nella serie di Gunn, è ancora in fase di scrittura. The Batman – Part II uscirà il 1° ottobre 2027, con Reeves e Robert Pattinson che inizieranno le riprese principali nel 2026.

Dynamic Duo uscirà nelle sale il 30 giugno 2028.

Sydney Sweeney e Katy O’Brian analizzano il finale inquietante di Christy: “Una delle mie scene preferite”

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Le protagoniste Sydney Sweeney e Katy O’Brian spiegano il finale inquietante del film Christy. Sweeney interpreta la pugile professionista Christy Martin nel film drammatico sullo sport, mentre O’Brian interpreta Lisa Holewyne, un’avversaria di Christy che in seguito diventa sua moglie.

In un’intervista con Liam Crowley di ScreenRant, Sweeney è stata interrogata sul momento in cui Christy sale in macchina e si scusa per aver sporcato il sedile di sangue, e su come questo possa aver cambiato la percezione dell’attrice sul suo personaggio.

Sweeney spiega che questo momento dimostra l’altruismo di Christy, che pensa agli altri e a volte si considera ancora un peso. Rivela anche che questa è “una delle mie scene preferite”, anche se è stata girata alla fine della giornata in soli cinque o sette minuti. Leggi i suoi commenti qui sotto:

È stato uno di quei momenti in cui, anche se le sta succedendo di tutto, lei continua a pensare agli altri. È ancora consapevole del peso che forse sta causando a qualcun altro, invece di pensare solo a se stessa. Ma quella scena è stata davvero interessante. Eravamo alla fine della giornata, non avevamo tempo. Abbiamo girato quella scena in cinque o sette minuti. È stata una sola ripresa, non avevamo più tempo. Ed è anche una delle mie scene preferite.

A O’Brian è stato chiesto della scena finale tra Christy e Jim Martin (Ben Foster), l’allenatore del pugile e marito violento che finisce per quasi ucciderla. Anche se O’Brian non era sul set quando è stata girata la scena di tensione tra Christy e Jim, rivela la sua reazione al momento e perché apprezza il modo in cui il regista David Michôd l’ha affrontata.

Non c’ero. Sono contenta di non esserci stata. Presumo che, come la maggior parte delle persone, non mi piaccia vedere la violenza contro le donne. Preferisco non vederla. Una cosa che mi è piaciuta molto del modo in cui David ha gestito la scena è che gran parte di essa era nelle espressioni. Non si vedeva davvero il coltello che affondava sempre più profondamente. Penso che ciò potesse sembrare molto… come un’ulteriore violazione, in un certo senso. Poi c’erano anche altre scene di violenza in cui si vedeva che avveniva dietro le quinte, fuori campo. Penso che sia davvero importante mostrare che questo è ciò che accade anche nella vita delle persone. In pubblico o nella vita quotidiana possono sembrare sane, come se avessero una relazione normale, ma ciò che accade e che non si vede è la parte davvero traumatica. E gran parte di questo è avvenuto completamente fuori campo, il che per me è stato molto potente. Penso che sia stato molto più elegante da parte sua farlo in questo modo.

Sydney Sweeney attrice
Sydney Sweeney at the world premiere of Madame Web – Photo by imagepressagency via Depositphoto.com

Oltre ad essere un tradizionale film drammatico sullo sport, Christy affronta molte questioni importanti, tra cui la violenza domestica. Per O’Brian è importante che il finale si concentri maggiormente sulle espressioni dei personaggi e sugli incidenti che si verificano fuori dallo schermo, piuttosto che mostrare ogni dettaglio della violenza. Il film sottolinea anche come queste relazioni possano sembrare normali e sane all’esterno, mentre il resto del mondo non vede il trauma che si sta consumando.

Christy ha ricevuto recensioni contrastanti, ma la performance della Sweeney è stata costantemente elogiata dalla critica, che ha sottolineato come l’attrice si sia immersa completamente nel ruolo della protagonista. La sua performance può anche essere ricondotta alla sua profonda comprensione della vera Christy Martin, come dimostra la sua spiegazione di come Christy si sente quando si sporca di sangue in macchina.

Si è persino discusso della possibilità che Sweeney riceva una nomination agli Oscar 2026 come migliore attrice. Da Jessie Buckley (Hamnet) a Emma Stone (Bugonia), è un anno molto competitivo per questa categoria, ma la forza della performance di Sweeney e la risposta positiva che ha ricevuto potrebbero comunque portarla a una nomination.

Indipendentemente da ciò che accadrà durante la stagione dei premi, Christy è stato riconosciuto per aver raccontato una storia importante e per aver presentato alcune delle migliori interpretazioni della carriera di Sweeney e O’Brian.

Sigourney Weaver rivela il vero motivo per cui ha accettato di partecipare a Star Wars: The Mandalorian & Grogu

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Sigourney Weaver spiega perché ha deciso di partecipare a The Mandalorian and Grogu. Il nuovo film Star Wars è il primo della saga dopo l’uscita di Star Wars: L’ascesa di Skywalker nel dicembre 2019 e segue i personaggi titolari dopo gli eventi della terza stagione di The Mandalorian.

Il cast di The Mandalorian and Grogu vede Weaver nei panni del colonnello Ward, che lavora per la Nuova Repubblica. Questo segna il debutto della sua quarta grande saga dopo aver recitato nei film Alien, Ghostbusters e Avatar.

Durante un’intervista con Empire, la Weaver spiega che “è sempre la sceneggiatura” a determinare i progetti a cui finisce per partecipare. Non aveva intenzione di unirsi alla saga di Star Wars quando le è stato proposto The Mandalorian e Grogu, ma “si è innamorata della sceneggiatura” scritta da Jon Favreau e Dave Filoni. La Weaver ha anche rivelato che la saga non sta più “cercando di realizzare lo Star Wars definitivo”. Ecco i suoi commenti:

Sì, questa è la mia bussola: è sempre la sceneggiatura. Quindi [con] The Mandalorian And Grogu, non era mia intenzione trovare una quarta saga, non avrei mai immaginato di entrare nel mondo di Star Wars. Ma la cosa interessante di Star Wars ora è che non stanno più cercando di realizzare lo Star Wars definitivo. Stanno lasciando che l’universo esista e raccontando storie davvero interessanti al suo interno. Penso che Jon Favreau abbia pensato: “Ok, vogliamo un personaggio molto forte. Facciamolo essere una donna”. Non sono sicura che dovesse essere una donna. Penso che al giorno d’oggi si chiedano spesso: “Cosa devo fare per rendere questo progetto più attuale?” E ora, dato che le donne fanno tutto, evviva noi. [Ma] mi sono semplicemente innamorata della sceneggiatura e ho detto: “Non so nulla di questo mondo”. Jon mi ha risposto: “Beh, puoi guardare la serie”, e io ho detto: “Oh, c’è una serie?!”

La maggior parte dei film di Star Wars usciti dopo l’acquisizione della Lucasfilm da parte della Disney presentavano grandi sfide galattiche, tra cui la guerra tra la Resistenza e il Primo Ordine nella trilogia sequel e i piani per la prima Morte Nera rubata in Rogue One. In seguito, e soprattutto dopo tutte le Star Wars show creati per Disney+, il franchise ha presentato sullo schermo storie su scala più piccola.

Din Djarin, Grogu e il colonnello Ward dovranno affrontare la minaccia dei Resti Imperiali, ma i commenti di Weaver suggeriscono che questa storia sarà su scala leggermente più ridotta rispetto ad alcuni dei film precedenti. Ciò può essere in parte attribuito al fatto che i piani della Lucasfilm si sono spostati dalla quarta stagione di The Mandalorian a un film. Allo stesso tempo, The Mandalorian e Grogu amplieranno ulteriormente l’universo immaginario e “racconteranno storie davvero interessanti al suo interno”.

Dopo aver creato e aver été showrunner della serie The Mandalorian, Favreau non solo ha co-sceneggiato il film in uscita, ma lo ha anche diretto. Pedro Pascal, Lateef Crowder e Brendan Wayne danno vita a Din, mentre Grogu appare attraverso marionette, animatronica ed effetti visivi.

Per quanto riguarda gli altri nuovi membri del cast, Weaver è affiancata da Jeremy Allen White di The Bear. White doppia Rotta the Hutt, il figlio di Jabba, apparso per la prima volta nel film The Clone Wars del 2008. Rotta appariva come un bambino in The Clone Wars, ma nel trailer di The Mandalorian and Grogu viene mostrato come un Hutt più anziano e muscoloso.

Anche se il destino del personaggio di Weaver è sconosciuto, c’è la possibilità che appaia in altre storie della saga dopo l’uscita nelle sale di The Mandalorian and Grogu il 22 maggio 2026, dato che la minaccia dei Resti Imperiali continua ad essere esplorata durante l’era della Nuova Repubblica.

Predator: Badlands, regista spiega come il colpo di scena finale influenzi il potenziale sequel

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Il regista di Predator: Badlands, Dan Trachtenberg, parla del colpo di scena finale del film. Rivela anche come questo potrebbe preparare il terreno per un sequel dell’ultimo capitolo della popolare saga di fantascienza. Il film vede protagonisti Dimitrius Schuster-Koloamatangi, Elle Fanning, Mike Homik e Rohinal Nayaran.

Il nuovo film segue le vicende di un predatore di nome Dek (Schuster-Koloamatangi) che viene ripudiato dalla sua famiglia dopo che suo padre ha ucciso suo fratello perché si era rifiutato di ucciderlo per la sua debolezza. Dek si reca quindi su un pianeta pericoloso chiamato Genna per dimostrare il suo valore agli Yautja cercando di uccidere un Kalisk, una creatura apparentemente invincibile.

Dek alla fine decide di non dare la caccia a un Kalisk. Invece, uccide suo padre e crea una nuova tribù con gli amici che ha conosciuto durante il suo viaggio, Thia (Fanning), un synth creato dalla Weyland-Yutani Corporation (una società corrotta della serie Alien), e Bud, un cucciolo di Kalisk. Tuttavia, i loro piani vengono interrotti quando la madre di Dek arriva su un’astronave e il film finisce bruscamente.

In un’intervista con Entertainment Weekly, Trachtenberg ha espresso la sua soddisfazione per il finale sorprendente di Predator: Badlands. Ha dichiarato: “Penso che sia sicuramente un finale fantastico, in quanto è una conclusione ironica.

Il regista ha anche spiegato che, sebbene un sequel non sia ancora stato approvato, ritiene che la conclusione di Predator: Badlands sia perfetta per un altro capitolo. “Dopo aver avuto a che fare con questo padre folle per tutto il film, ci si chiede cos’altro Dek potrebbe dover affrontare e quanto potrebbe essere peggio nelle mani della madre, ma anche perché, ovviamente, significa che se dovessimo vederlo realizzato, sarebbe davvero molto divertente”.

Predator: Badlands della 20th Century Studios è ora nelle sale.

Guillermo Del Toro rivela come ha lottato per cambiare il finale originale di Frankenstein

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I lettori del libro che si imbattono nella versione di Guillermo del Toro dell’immortale Frankenstein di Mary Shelley potrebbero rimanere sorpresi dal finale del film, che lascia le cose su una nota molto più ottimistica rispetto al romanzo del 1818.

Non è stato facile per del Toro ottenere ciò che voleva su questo nuovo finale più edificante di Frankenstein, ha rivelato lo sceneggiatore e regista in una nuova intervista (tramite EW). “Ho dovuto discutere con il mio socio produttore”, ha spiegato il vincitore dell’Oscar per La forma dell’acqua. Il principale motivo di contesa era una scena che del Toro riteneva necessaria per sottolineare il finale speranzoso del film.

Sapevo di volere che la Creatura compisse il suo unico atto come essere umano”, ha ricordato del Toro. “Cioè, reagisce all’amore con amore, reagisce all’odio con odio”.

Il Frankenstein di Shelley finisce quando la Creatura raggiunge la nave bloccata dal ghiaccio che trasporta Victor Frankenstein, solo per scoprire che il suo creatore è morto. Nella versione di del Toro, la Creatura (Jacob Elordi) trova la nave in tempo per un ultimo momento con Victor (Oscar Isaac), un incontro commovente che del Toro definisce “il momento in cui si rendono reciprocamente umani”.

Nel libro, la Creatura decide di gettarsi su una pira e porre fine alla sua esistenza dopo aver trovato il suo creatore morto, ma nel film di del Toro è diventato abbastanza umano da sentirsi in dovere di salvare la nave intrappolata e i suoi uomini dal ghiaccio.

Esce e decide in un momento bellissimo di dire: ‘Le persone che mi hanno attaccato, le libererò’”, ha spiegato del Toro. Ha poi spiegato perché aveva bisogno di quella scena che è diventata un punto di scontro tra lui e il produttore.

Perché spingendo la nave e guardandola per un secondo, ho pensato che avrebbe acquisito molto più peso. È una liberazione. E penso che questa sia la differenza rispetto al libro. Il film finisce con una nota di possibile speranza.

Il Frankenstein di del Toro differisce anche dai precedenti adattamenti cinematografici e televisivi nel modo in cui affronta il processo macabro attraverso il quale Victor assembla la creatura a cui alla fine darà la vita (tramite Variety):

Quasi nessuno mostra la creazione del mostro. Tutti mostrano il tuono, e il mostro è già assemblato. E ho pensato che, se si segue una rock star, si vuole riprendere il concerto.

Quindi, invece di rendere orribile il fatto che lui stia mettendo insieme tutte queste cose dai corpi, l’ho trasformato in un valzer. L’ho trasformato in un concerto gioioso, divertente e un po’ folle. Lui corre per il laboratorio, mette insieme questo corpo, afferra questa parte e la mette insieme qui o là.

I critici hanno ampiamente apprezzato l’interpretazione unica di del Toro di Frankenstein, che ha ottenuto un punteggio dell’85% su Rotten Tomatoes. Il film da 120 milioni di dollari è attualmente in streaming su Netflix dopo una distribuzione limitata nelle sale.

Cinefilos.it nella sua recensione lo definisce “…una rilettura visivamente sontuosa e fedele alle sue ossessioni autoriali, dove creatura e creatore diventano due facce della stessa ferita“.

Del Toro ha parlato per la prima volta del desiderio di sviluppare una sua versione di Frankenstein nel 2007. Nei quasi 20 anni trascorsi da allora, il regista ha realizzato una serie di film acclamati, tra cui The Shape of Water del 2017, che ha ottenuto 13 nomination agli Oscar, vincendo 4 premi, tra cui quello per il miglior film e il miglior regista.

Jennifer Lawrence esprime il suo giudizio sul primo prequel di Hunger Games a due anni dall’uscita

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Due anni dopo l’uscita di Hunger Games – L’alba sulla mietitura, Jennifer Lawrence ha finalmente espresso il suo giudizio sul prequel.

Durante la partecipazione alla serie Lie Detector Test di Vanity Fair, il co-protagonista di Die My Love Robert Pattinson ha posto a Lawrence una serie di domande personali e professionali, le cui risposte sarebbero state analizzate da un esaminatore. In una parte, all’attrice vincitrice dell’Oscar sono state poste alcune domande relative a The Hunger Games, alle quali ha dato risposte brevi.

In primo luogo, Pattinson è rimasto sorpreso nell’apprendere che la Lawrence aveva fatto un provino per Twilight, in cui Kristen Stewart ha finito per interpretare Bella Swan. Dopo che la Lawrence ha affermato di non avere rimpianti per non aver ottenuto la parte, lui ha proseguito chiedendole se pensava che The Hunger Games fosse più bello di Twilight. Sorprendentemente, lei ha risposto “No”, e l’esaminatore ha confermato: “Sincero”. Tuttavia, Lawrence sembra indicare che questa potrebbe essere una bugia non rilevata, poiché ride e dice: “Ultime notizie, questa macchina è rotta”. Alla fine del test ammette anche di aver mentito più volte, ma non specifica quali.

Jennifer Lawrence
Jennifer Lawrence al Festival di Cannes – Foto di Luigi De Pompeis © Cinefilos.it

Tuttavia, le sue altre risposte sembrano molto più sincere. Pattinson ha chiesto a Lawrence se avesse visto il prequel di Hunger Games, The Ballad of Songbirds and Snakes, e se le fosse piaciuto, al che lei ha risposto “ a entrambe le domande. Anche se non ha fornito ulteriori dettagli, il co-protagonista di Die My Love ha concluso la parte dedicata a Hunger Games chiedendole se la sua versione di “The Hanging Tree” fosse migliore di quella di Rachel Zegler, al che Lawrence ha prontamente risposto: “No, ovviamente no”.

Prima di diventare una delle attrici più richieste e vincitrice di un Oscar, la carriera della Lawrence è decollata quando ha interpretato l’eroina di Hunger Games Katniss Everdeen in quattro film dal 2012 al 2015. Anche dopo un decennio, Katniss rimane uno dei suoi ruoli più iconici, soprattutto in un periodo in cui i film distopici per giovani adulti erano di tendenza.

Anche se la risposta di Lawrence è breve, questa è la prima volta che l’ex star di Hunger Games esprime la sua opinione sul prequel dalla sua uscita nel 2023. Sebbene abbia parlato del film prima dell’uscita, augurando buona fortuna a Zegler e Tom Blyth, fino ad ora non aveva espresso la sua opinione sul prequel.

The Ballad of Songbirds and Snakes segna la prima volta che Lawrence non è apparsa in un film della serie Hunger Games, ma questo perché il prequel è ambientato durante la decima edizione degli Hunger Games, 64 anni prima che Katniss partecipasse alla sua versione. Sebbene ci fossero state voci secondo cui Lawrence avrebbe fatto un cameo, questo si è rivelato falso.

Sebbene Lawrence non interpreti Katniss da un decennio, la situazione potrebbe cambiare entro il prossimo anno. L’autrice di The Hunger Games, Suzanne Collins, ha scritto un altro prequel incentrato sui 50° Hunger Games di Haymitch Abernathy. La sua storia è una delle più richieste dai lettori della serie, che alla fine si è avverata quando Sunrise on the Reaping è stato pubblicato nel marzo 2025. Insieme all’annuncio del libro, la Lionsgate ha anche confermato un adattamento cinematografico, che uscirà il prossimo anno.

A differenza di Hunger Games – L’alba sulla mietitura, c’è la possibilità che Lawrence, Woody Harrelson e Josh Hutcherson possano riprendere i loro ruoli rispettivamente di Katniss, Haymitch e Peeta nel prossimo prequel. Joseph Zada erediterà il ruolo di Haymitch, ma il libro include un epilogo che fa un salto in avanti nel tempo e mostra un Haymitch più anziano che parla con Katniss e Peeta mentre riflette sulla sua vita e sulla sua tragedia. Sebbene sia una parte fondamentale del libro, non c’è ancora alcuna conferma sul fatto che qualcuno del trio riprenderà il proprio ruolo.

Lawrence e Harrelson non hanno ancora affrontato la questione dall’uscita del libro. Hutcherson ha espresso il suo interesse a riprendere il ruolo, ma non sapeva nulla sul fatto che il ritorno sarebbe avvenuto in Hunger Games – L’alba sulla mietitura. D’altra parte, potrebbe esserci qualche speranza. Durante un’intervista con Variety nel 2023, a Lawrence è stato chiesto se fosse interessata a riprendere il ruolo di Katniss, e lei ha risposto: “Oh, mio Dio, assolutamente! Se Katniss potesse tornare nella mia vita, lo farei al 100%”. Al momento della stesura di questo articolo, il prequel di Haymitch è in fase di riprese.

Hunger Games – L’alba sulla mietitura uscirà nelle sale il 20 novembre 2026.

Jeremy Renner risponde alle accuse di molestie sessuali e minacce fisiche

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Jeremy Renner ha risposto ufficialmente alle accuse mosse contro di lui da Yi Zhou. Su Instagram, la regista ha pubblicato una serie di post in cui afferma di essere stata minacciata e molestata sessualmente da Renner, sia nella loro relazione personale che durante la collaborazione lavorativa.

Le accuse di Yi Zhou contro Jeremy Renner includono “fotografie personali e intime di se stesso” che Renner avrebbe inviato e un episodio in cui lui “ha minacciato di chiamare l’immigrazione/ICE” contro di lei. In un messaggio di testo che Zhou ha inviato a un’altra persona, durante una serata in cui lei e Renner avrebbero dovuto discutere di uno dei loro progetti, lei lo ha descritto come “violento” e ha raccontato di essersi dovuta chiudere in bagno per paura del suo comportamento.

Un rappresentante di Renner ha ora dichiarato a Variety che “le accuse mosse sono totalmente inaccurate e false”. L’avvocato di Renner, Marty Singer, ha dichiarato a People il giorno prima che le accuse di Zhou sono “false, oltraggiose e altamente diffamatorie”.

Secondo i post di Zhou su Instagram, lei e Renner hanno iniziato a frequentarsi a giugno, dopo che lui le ha inviato “una serie di immagini pornografiche indesiderate/non richieste di se stesso tramite DM e Whatsapp” e l’ha ‘sedotta’ “amandomi così tanto che ho creduto in lui/nel potere dell’amore”. In un altro post, Zhou ha affermato che “Questa esperienza mostra davvero il lato oscuro di Hollywood e la campagna diffamatoria volta a scoraggiare le donne, le registe asiatiche e le donne in generale”.

Al di là della loro relazione personale, Renner e Zhou hanno collaborato per la prima volta al documentario Chronicles of Disney sulla vita e l’eredità di Walt Disney e della società da lui creata, anche se non è stato prodotto dalla Disney. Zhou ha diretto il documentario, che presenta interviste a Renner e ad altri talenti di diverse generazioni di progetti Disney.

Successivamente è stato riferito che Renner e Zhou stavano collaborando nuovamente per il film animato con intelligenza artificiale Stardust Future: Stars and Scars. Jeremy Renner è stato scelto per interpretare l’Oracolo del Tempo, che è il narratore del film che racconta la storia che va dall’inizio dell’universo all’anno 2080. Il progetto è stato descritto come il primo lungometraggio realizzato completamente attraverso l’uso dell’intelligenza artificiale.

Le 10 differenze principali tra il Frankenstein di Netflix e il romanzo originale

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Il Frankenstein di Guillermo del Toro è un adattamento sostanzialmente fedele al romanzo originale di Mary Shelley, ma si prende alcune libertà molto significative con personaggi specifici ed elementi tonali della storia originale. Il Frankenstein della Shelley rimane uno dei capisaldi della narrativa fantascientifica a oltre due secoli dalla sua prima pubblicazione, con innumerevoli adattamenti realizzati nel corso degli anni.

La versione di Guillermo del Toro affronta molti degli stessi temi dell’arroganza dell’uomo e della vera natura dell’umanità. Tuttavia, introduce anche molte nuove sfumature ai personaggi e gioca con i loro ruoli nella narrazione. Ecco le differenze più significative tra il Frankenstein di del Toro e l’omonimo romanzo che lo ha ispirato.

L’amore di Elizabeth per la creatura è una caratteristica esclusiva del film di del Toro

Mia Goth in Frankenstein di Guillermo Del Toro
© Cortesia di Netflix

Frankenstein introduce una tragica storia d’amore tra Elizabeth e la creatura, che è una delle maggiori divergenze rispetto al materiale originale. Nel romanzo originale Frankenstein, Elizabeth è un’amica di lunga data di Victor che alla fine si fidanza con lui. La sua morte per mano della creatura è ciò che spinge Victor a darla la caccia.

Al contrario, l’Elizabeth di Frankenstein di del Toro è molto più affascinata dalla creatura. Percependo una affinità spirituale, stringe rapidamente amicizia con la creatura. Sembra persino amarla, il che spiega perché si mette davanti a un proiettile destinato a lui. Questa è la causa della sua morte nel film, al contrario dello strangolamento nel romanzo.

Elizabeth amava Victor nel romanzo e lo odia nel film di Del Toro

Elizabeth in Frankenstein di del Toro

Una differenza importante tra il film moderno e il romanzo originale è la natura del rapporto tra Elizabeth e Victor. Mentre nel libro i due erano amici intimi, nel film si incontrano solo dopo che Elizabeth si è fidanzata con il fratello di Victor, William. Anche se Victor si innamora di lei, Elizabeth è molto meno interessata a lui.

Dopo aver incontrato la Creatura e aver assistito al trattamento che Victor le riserva, la sua frustrazione nei confronti del futuro cognato diventa più apertamente odiosa. Si sottintende addirittura che il suo amore per la Creatura piuttosto che per Victor sia ciò che spinge Victor ad agire in modo così avventato nel tentativo di distruggere la sua creazione, portando alla distruzione del suo laboratorio e alla morte accidentale di Elizabeth.

Leopold Frankenstein è un padre molto più crudele di Alphonse Frankenstein

Charles Dance e Christian Convery in Frankenstein.
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

Nel romanzo originale Frankenstein, si dice che Victor provenga da una famiglia felice. Sebbene ci siano contraddizioni nella sua storia che suggeriscono che Victor stia sorvolando sul suo rapporto con il padre Alphonse, è molto lontano dal trattamento severo e casualmente abusivo che la versione di Victor di del Toro subisce per mano di Leopold.

Interpretato da Charles Dance, Leopold è un insegnante severo e rigido, con il barone che spera che suo figlio porti il nome della sua famiglia a nuovi livelli. Il film usa questo maltrattamento come base dei difetti di Victor, con il suo trattamento crudele della Creatura che parallelizza l’abuso che suo padre ha usato contro di lui quando era un ragazzo.

William Frankenstein di del Toro ha un ruolo e un destino diversi nel libro

Felix Kammerer e Mia Goth in Frankenstein
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

William è il fratello di Victor in entrambe le versioni della storia, anche se nel romanzo c’è anche un fratello di mezzo di nome Ernest che non compare nel film di del Toro. Entrambe le versioni di William vengono uccise dalla Creatura. Tuttavia, le circostanze esatte dell’atto e la motivazione che lo ha determinato sono diverse.

Nel film di del Toro, William attacca la Creatura quando crede che abbia ucciso Elizabeth. La Creatura lo respinge, facendogli accidentalmente spaccare il cranio contro un caminetto. Questo dà a William il tempo di maledire suo fratello prima di svanire. Nel romanzo, William è la prima vittima della Creatura, strangolato per ferire Victor.

Il Frankenstein di del Toro manca Justine

Frankenstein - Immagine dal set

Uno dei personaggi più tragici del Frankenstein di Mary Shelley è Justine, un personaggio minore che svolge un ruolo importante nella distruzione dello spirito di Victor. Dopo la morte di William, la Creatura incolpa la cameriera del giovane, Justice, per l’atto. Sebbene Victor conosca la verità, non la divulga per il proprio bene, portando all’esecuzione di Justine.

Questa morte (insieme a quella di William) tormenta Victor e determina il tono sempre più tragico della seconda metà del romanzo. La maggior parte degli adattamenti di Frankenstein elimina Justine, e la versione di del Toro non fa eccezione. Ciò ha senso, dato il ruolo più importante di William nel film e il suo destino finale, e mantiene anche la Creatura più simpatica.

Il romanzo Frankenstein non include Heinrich Harlander

Christophe Waltz nel ruolo di Harlander in Frankenstein
Cr. Ken Woroner/Netflix © 2025.

Uno dei personaggi secondari più importanti nella parte di Victor in Frankenstein è Heinrich Harlander. Zio di Elizabeth, Heinrich è un ricco produttore di armi che si interessa al lavoro di Victor. Diventa il suo principale benefattore, segretamente, perché spera che gli esperimenti di Victor possano prolungare la sua vita.

Questo alla fine porta a un confronto tra i due che si conclude con la morte accidentale di Heinrich, che Victor in seguito attribuisce alla Creatura per convincere William della sua natura pericolosa. Heinrich è assente dal romanzo, poiché Victor conduce i suoi esperimenti da solo.

La Creatura del romanzo originale ha un numero di vittime molto più elevato

Uno degli elementi più notevoli del Frankenstein di del Toro è la rappresentazione compassionevole della Creatura.

Sebbene la Creatura uccida delle persone, lo fa sempre per legittima difesa. Le sue azioni più vendicative sono i metodi brutali che usa contro Victor, comprensibili nel contesto del film.

Si tratta di una divergenza enorme rispetto al materiale originale, in cui la Creatura diventa molto più pericolosa e letale sin dall’inizio. La Creatura non uccide per legittima difesa, ma attacca e strangola diverse persone per vendicarsi di Victor. Questo rende la Creatura molto più terrificante e inquietante nel romanzo rispetto a come appare nel film.

Il destino del vecchio è molto più tragico nel Frankenstein di Del Toro

Frankenstein di Guillermo Del Toro
© Cortesia di Netflix

La maggior parte delle versioni di Frankenstein includono le interazioni della Creatura con un vecchio cieco. È lui che insegna alla Creatura a parlare e a leggere. In quasi tutte le versioni, la Creatura viene allontanata dal vecchio, che l’aveva accettata come amica. Il vecchio sopravvive nel romanzo originale, un destino che la sua controparte di del Toro non condivide.

Nella versione di del Toro di Frankenstein, il vecchio viene attaccato da un branco di lupi mentre la Creatura sta esplorando le rovine del laboratorio di Victor. Anche se la Creatura respinge gli animali, il vecchio viene ferito a morte, confortando la Creatura mentre muore. È un momento molto più cupo che sottolinea l’umanità della Creatura.

Victor e la Creatura non si riconciliano nel romanzo

Frankenstein Guillermo Del Toro

Una delle scene più importanti del Frankenstein di del Toro arriva alla fine del film. Dopo aver condiviso la sua storia con il suo creatore, la Creatura trova nel suo cuore la forza di perdonare Victor per le sue trasgressioni passate. Victor fa pace con la Creatura e lo chiama “figlio” prima di morire, dando al loro finale un tocco agrodolce.

Il romanzo non presenta una scena del genere. Nell’originale Frankenstein, Victor muore per le ferite prima che la Creatura possa raggiungere la barca. Invece, piange il suo creatore e porta il suo corpo con sé nella tundra ghiacciata, lamentando la mancanza di una conclusione tra loro. È una differenza netta che sottolinea sia l’arco narrativo di Victor che quello della Creatura.

Il Frankenstein di Del Toro termina con una nota più speranzosa rispetto al romanzo

Oscar Isaac nel ruolo di Victor Frankenstein in Frankenstein

Entrambe le versioni di Frankenstein terminano con note molto simili, con la Creatura che rimane sola nell’Artico. Tuttavia, il film di Del Toro differisce dal romanzo di Shelley per il tono. Nel libro, la Creatura è affranta dal dolore e decide di rimanere indietro per costruire una pira funeraria per sé e Victor. L’implicazione è che la Creatura intende uccidersi.

Le ultime suppliche di Victor alla Creatura affinché abbracci la vita nella versione di del Toro conferiscono al film un elemento molto più ambiguo e agrodolce che manca nel libro. Ciò evidenzia come la versione di Frankenstein di del Toro sia più incentrata sulla speranza dell’umanità che sul cupo costo dell’ambizione nel romanzo di Shelley.

HUNTR/X anticipa “Global” KPop Demon Hunters 2 dopo la conferma del sequel

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Dopo l’annuncio ufficiale che il film avrebbe avuto un sequel, i membri del fenomeno immaginario Huntr/x di KPop Demon Hunters hanno espresso le loro speranze per il prossimo capitolo. Il film Netflix segue la band KPop Huntr/x, composta da Rumi, Mira e Zoey, che di notte lavorano anche come cacciatori di demoni. KPop Demon Hunters è diventato un fenomeno culturale durante l’estate del 2025, battendo diversi record per la piattaforma di streaming.

Sebbene le voci dei personaggi siano state fornite da Arden Cho, May Hong e Ji-young Yoo, le voci cantate di Huntr/x sono di EJAE, Audrey Nuna e Rei Ami. Il trio si è esibito pubblicamente come Huntr/x in programmi come Saturday Night Live, e probabilmente tornerà per KPop Demon Hunters 2.

Parlando con Collider, Ami, Nuna ed EJAE hanno rivelato le loro speranze per il sequel del film. “Voglio vedere le ragazze in città diverse”, ha detto Nuna. “Voglio vedere cosa porteranno a livello globale. Perché penso che questo film abbia avuto un impatto globale. Penso che il film e la realtà abbiano avuto una conversazione davvero folle tra loro, quindi mi piacerebbe vedere che questo continui”.

KPop Demon Hunters

Da parte sua, EJAE vuole continuare la tendenza di KPop Demon Hunters di rappresentare la cultura coreana, affermando che le piacerebbe vedere “più cose tradizionali coreane, come la storia tradizionale, la musica [e] il cibo.” Mentre sia Nuna che EJAE pensavano all’impatto culturale che il sequel potrebbe avere, Ami era interessata a dove potrebbe andare la trama.

Mi piacerebbe vedere la storia delle origini di come le ragazze si sono riunite”, ha dichiarato Ami. “Se non è un prequel, allora voglio che Gwi-Ma torni. Riportatelo indietro. Chi sarà l’antagonista? Sono così curiosa di vedere il prossimo film.” Il film, ovviamente, si conclude con la vittoria delle Huntr/x che sigillano il re demone Gwi-Ma, lasciando misterioso l’antagonista del sequel.

In precedenza, i membri degli Huntr/x hanno incontrato Ash Crossan di ScreenRant e hanno parlato di ciò che vorrebbero vedere in KPop Demon Hunters 2. La band era unanime nel ritenere che il film dovesse rispondere al mistero che circonda la discendenza di Rumi.

Indipendentemente dalla trama che seguirà, il sequel di KPop Demon Hunters sarà probabilmente un altro grande successo quando uscirà nel 2029.

Come Predator: Badlands prepara il più grande crossover AVP mai realizzato (teoria spiegata)

Predator: Badlands è ora nelle sale cinematografiche e ribalta la formula tradizionale presentando al pubblico un protagonista Predator (di nome Dek) la cui prima caccia è stata tanto brutale quanto sentita. Tuttavia, il finale sospeso del film suggerisce che la storia di Dek è lungi dall’essere conclusa e che all’orizzonte potrebbe profilarsi un evento ancora più grande.

Sebbene non ci siano Xenomorfi, Predator: Badlands ha numerosi collegamenti con la serie Alien, in particolare con Thia, la principale alleata di Dek, un synth della Weyland-Yutani Corporation interpretato da Elle Fanning. Considerando che le serie sono ambientate da tempo nello stesso universo condiviso, questi legami erano molto emozionanti (e avevano senso).

Tuttavia, Predator: Badlands potrebbe anche aver gettato le basi per un nuovissimo crossover Alien vs Predator (non solo un sequel).

Come Predator: Badlands prepara le storie future (“La vendetta delle madri”)

Dopo aver sconfitto la squadra di armi biologiche della Weyland-Yutani sul pianeta Genna, il finale di Predator: Badlands vede Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) tornare a casa su Yautja Prime con il suo nuovo clan (Thia e il giovane Kalisk che lei ha chiamato Bud).

Chiedendo il mantello a suo padre, che aveva cercato di ucciderlo all’inizio di Badlands, Dek riesce a sconfiggerlo e a reclamare l’arma tradizionale degli Yautja, dimostrando il proprio valore e vendicando suo fratello (ucciso dal padre per aver protetto Dek).

La battaglia culminante tra Dek e suo padre sembrava la conclusione emotiva perfetta per Badlands… fino all’ultima scena a sorpresa.

All’orizzonte è apparsa una nave Yautja in arrivo e Dek conferma a Thia che sua madre sta arrivando. Di fronte alla morte del marito, la madre di Dek potrebbe cercare vendetta per quello che probabilmente considera un tradimento, fornendo l’antagonista perfetto per un potenziale sequel di Badlands.

Dek Angry in Predator: Badlands

Allo stesso tempo, continuare l’arco narrativo di Thia potrebbe facilmente ampliare un sequel con una posta in gioco ancora più alta.

Essendo un sintetico legato alla Alien franchise’s Weyland-Yutani Corporation, è possibile che MUTHUR e “The Company” stiano cercando di vendicarsi, dato che Thia ha disobbedito ai loro ordini unendosi a Dek e eliminando l’intera squadra di armi biologiche su Genna (compresa la sua “sorella” gemella sintetica Tessa).

Thia potrebbe facilmente rappresentare un serio problema per la Weyland-Yutani, e non solo perché ha disobbedito agli ordini e si è ribellata. È possibile che sia in possesso di informazioni riservate e proprietarie che la Weyland non vuole che vengano divulgate.

In combinazione con il suo status di sintetica con “sensibilità” extra, è anche possibile che sia semplicemente troppo preziosa per Weyland per lasciarla andare dopo tutte le perdite accumulate su Genna. Un Predator: Badlands sequel potrebbe vedere Dek e Thia affrontare molteplici minacce (e due diverse “Madri”).

Detto questo, si può anche sostenere che un sequel potrebbe spingersi ancora oltre, diventando un crossover AVP completo e completamente nuovo.

Tutto potrebbe portare a un crossover Alien vs Predator completamente nuovo

Predator: Badlands scena post credits

Questi numerosi filoni in Predator: Badlands potrebbero tutti puntare verso un evento enorme: una storia unificata Alien vs. Predator che fonde ogni angolo dell’universo condiviso e i suoi progetti più recenti pubblicati negli ultimi anni.

Badlands ha confermato che Weyland-Yutani è ben consapevole dell’esistenza degli Yautja e che la Compagnia li considera una minaccia. Allo stesso modo, Thia ha rivelato che parte del suo lavoro per Weyland consisteva in uno studio approfondito della specie guerriera degli Yautja e della loro cultura.

Quando Dek è stato catturato da Tessa, c’erano piani per riportarlo alla Weyland come un altro esemplare su cui sperimentare, suggerendo che la Weyland ha probabilmente un interesse personale nei Predator tanto quanto negli Xenomorfi, la base perfetta per un crossover epico che vede entrambe le specie scontrarsi ancora una volta.

Un potenziale evento crossover potrebbe includere anche volti noti del film d’animazione Predator Killer of Killers, poiché il suo finale ha confermato che gli Yautja avevano catturato Naru (Amber Midthunder) di Prey, il primo Dutch (Arnold Schwarzenegger) di Predator e Mike Harrigan (Danny Glover) di Predator 2, tutti mostrati su Yautja Prime in criostasi.

La loro sopravvivenza potrebbe portare a un raduno senza precedenti dei più grandi guerrieri del franchise (forse con qualche comoda fuga di criogenia per riflettere l’età attuale di alcuni attori). Immaginate questi eroi classici che si risvegliano per impegnarsi in una guerra tra corporazioni umane, sintetici, Xenomorfi scatenati e molteplici clan Yautja, legando insieme oltre quattro decenni di narrazione.

Nel frattempo, il consolidato interesse di Weyland-Yutani per gli Yautja potrebbe innescare una corsa agli armamenti con esemplari alieni completamente nuovi. L’azienda ha sempre ambito alla biologia aliena per scopi militari. Se riuscissero a catturare anche un solo Predator, è facile immaginare che cercherebbero di creare una sorta di nuova e terrificante minaccia ibrida, portando il concetto di Alien vs Predator a un livello completamente nuovo.

Tutto sommato, Predator: Badlands potrebbe facilmente preparare il terreno per uno dei più ambiziosi AVP crossover di sempre.

Anche se le cose dovessero prendere una direzione completamente diversa da quella ipotizzata sopra, si può scommettere che un film Alien vs Predator sia attivamente in discussione tra Disney e 20th Century Fox, soprattutto considerando le lodi ricevute da Badlands sia dalla critica che dal pubblico.

Predator: Badlands è ora nelle sale della 20th Century Fox.

Elle Fanning fornisce importanti aggiornamenti sulla produzione del film prequel di Hunger Games

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In uscita nel 2026, Hunger Games – L’alba sulla mietitura è l’adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo che racconta la storia del giovane Haymitch Abernathy durante la 50ª edizione degli Hunger Games. Il cast include Joseph Zada, McKenna Grace, Whitney Peak, Ben Wang, Elle Fanning, Billy Porter, Glenn Close e Ralph Fiennes, tra gli altri. L’alba sulla mietitura è diretto dal veterano della saga Francis Lawrence, su una sceneggiatura dello scrittore candidato all’Oscar Billy Ray.

Ambientato 24 anni prima degli eventi di The Hunger Games, funge da prequel alla quadrilogia originale e da sequel a Hunger Games – La ballata dell’usignolo e del serpente del 2023. Come tale, presenta le versioni più giovani di molti dei personaggi adulti di The Hunger Games. Tra questi c’è Effie Trinket, interpretata da Elizabeth Banks nei film originali e che sarà interpretata da Fanning in L’alba sulla mietitura.

Mentre manca più di un anno all’uscita del film nelle sale, Elle Fanning ha recentemente condiviso un aggiornamento entusiasmante. L’attrice ha dichiarato a Collider: “Beh, ho finito di girarlo, quindi è fatta.” La produzione complessiva di Sunrise on the Reaping non è ancora terminata, ma dovrebbe concludersi questo mese.

“Effie è sullo schermo, il che è fantastico”, ha continuato Fanning. Ha poi aggiunto che “i vestiti sono fantastici”. Il personaggio di Effie è noto per il suo stile eccentrico, indicativo del suo status di cittadina della ricchissima Capitol, e gli abiti di Banks nella serie di film sono iconici, molti dei quali sono capi firmati.

Cambiando argomento, Fanning ha elogiato i film precedenti e il modo in cui è stata interpretata Effie. “Adoro quello che ha fatto Elizabeth Banks, quindi mi inchino davanti a lei!” ha dichiarato la star di Predator: Badlands. “Spero di poter rendere orgogliosi i fan.” Definendo la produzione “divertente”, ha anche elogiato il “fantastico” regista del film Francis Lawrence e il “fantastico” cast.

Fanning non è l’unica membro del cast ad aver parlato finora del tanto atteso prequel. Grace ha condiviso la sua reazione affermando: “Vuoi sempre fare del tuo meglio per dare vita a tutto ciò che i fan desiderano vedere”. Sebbene i dettagli su quanto il film sarà fedele al libro siano scarsi, sia Fanning che Grace hanno espresso il desiderio di rendere felici i fan. Hunger Games – L’alba sulla mietitura uscirà il 20 novembre 2026.

FOTO DI COPERTINA: Elle Fanning alla premiere del film “Sentimental Value” il 5 novembre 2025. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com

Quanto ha guadagnato il Superman di James Gunn secondo il nuovo rapporto della DC Studios

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Nuovi dettagli sui risultati finanziari del film Superman di James Gunn sono stati rivelati in un rapporto della DC Universe. Con il Capitolo 1 della DCU: “Gods and Monsters”, l’Uomo d’Acciaio è tornato sul grande schermo quest’estate, con David Corenswet nel ruolo dell’ultimo figlio di Krypton.

Secondo Forbes, Superman ha fruttato alla DC Studios oltre 100 milioni di dollari di profitti e sta “avvicinandosi ai 150 milioni di dollari a livello globale, quando tutto sarà detto e fatto quest’anno”. Poiché il film DCU ha incassato 616,58 milioni di dollari al botteghino mondiale, 262,4 milioni di dollari provenivano dal mercato internazionale, mentre 354,1 milioni di dollari provenivano dal mercato interno.

Il reboot DC dell’iconico eroe ha anche portato la DC Studios ad avere il film tratto da un fumetto con il maggior incasso del 2025, superando tutte le uscite della Marvel Studios. The Fantastic Four: Gli Inizi, uscito solo due settimane dopo Superman, ha chiuso la sua corsa con 521,8 milioni di dollari in tutto il mondo.

Thunderbolts* ha incassato 382,4 milioni di dollari in tutto il mondo, mentre Captain America: Brave New World ha incassato 415,1 milioni di dollari a livello globale. Superman è stato l’unico film di supereroi del 2025 a raggiungere i 600 milioni di dollari e oltre.

Tra le numerose recensioni positive del film Superman, il debutto di Corenswet nella DCU ha attualmente ottenuto l’83% nel punteggio della critica e il 90% nel punteggio del pubblico su Rotten Tomatoes. Il film vede anche Rachel Brosnahan nel ruolo di Lois Lane e Nicholas Hoult in quello di Lex Luthor.

Il film ha riscosso un grande successo anche su HBO Max, essendo diventato disponibile sul servizio di streaming dopo 70 giorni di programmazione nelle sale. Il film sui supereroi di Gunn ha ottenuto più di 13 milioni di visualizzazioni globali in soli 10 giorni, che secondo Variety rappresentano il pubblico più vasto in 10 giorni per il servizio di streaming della Warner Bros. dal film Barbie del 2023.

Il futuro della Warner Bros. Discovery è attualmente un argomento molto dibattuto a Hollywood, poiché lo studio è in vendita e diversi grandi nomi avrebbero manifestato interesse ad acquisirlo. Secondo quanto riferito, David Ellison della Paramount manterrebbe i talenti creativi chiave in caso di fusione con la Warner Bros., tra cui la leadership di Gunn e il co-CEO Peter Safran.

Dopo il successo di Superman, il film Man of Tomorrow sta andando avanti, poiché Gunn è pronto a dirigere il sequel, la cui produzione dovrebbe iniziare nel 2026. Il progetto, di cui ha scritto la sceneggiatura, sarà incentrato sull’eroe titolare e su Lex che devono unire le forze contro una minaccia comune, con la continuazione prevista nelle sale il 9 luglio 2027.

It: Welcome to Derry, la rivelazione “poetica” del flashback dell’episodio 3 spiegata dalle star

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It: Welcome to Derry, episodio 3, offre agli spettatori uno sguardo più da vicino al rapporto tra il generale Francis Shaw (James Remar) e Rose (Kimberly Guerrero). In un flashback, viene rivelato che i due hanno una storia molto più lunga di quanto il pubblico avesse inizialmente capito. I due erano amici d’infanzia e hanno cambiato il corso delle loro vite.

Il flashback riporta gli spettatori al 1908, quando Shaw e Rose avevano 12 anni. Dopo una giornata alla fiera, Francis incontra una delle terrificanti forme di It nel bosco. Fortunatamente, Rose lo salva e i due scappano. Dopo la fuga, lei gli dice che l’entità non può lasciare il bosco. I due stringono una forte amicizia e sviluppano sentimenti romantici l’uno per l’altra. Tuttavia, perdono i contatti quando il padre di Shaw trova un nuovo lavoro fuori Derry. Da adulto, lui non ha alcun ricordo di Rose o di It fino al suo ritorno in città.

In un’intervista con ScreenRant, Remar e Guerrero discutono del significato della storia dei loro personaggi e della loro complicata relazione. Gli attori hanno anche spiegato come Rose e Shaw devono sentirsi quando si rivedono dopo decenni. Guerrero ha offerto una visione approfondita della trasformazione del personaggio e di come l’influenza di Shaw l’abbia plasmata. Ha detto che questo senso di determinazione era sempre stato parte di Rose, ma il loro incontro inaspettato l’ha davvero colta alla sprovvista e l’ha cambiata.

Kimberly Guerrero: Per Rose, il modo in cui agisce grazie al potere e alla posizione che detiene come custode della conoscenza ancestrale, custode della saggezza e protettrice, tutto risale a quell’estate. Sapeva già di essere stata chiamata a questo compito, ma non credo che si sarebbe mai aspettata che l’amore la colpisse così, come fa il primo amore.

Guerrero ha approfondito il percorso emotivo del suo personaggio, in particolare il modo in cui le prime esperienze d’amore e di delusione sentimentale l’hanno influenzata. Ha anche spiegato come la partenza di Shaw, oltre agli ormoni adolescenziali, abbia davvero messo a dura prova Rose.

Kimberly Guerrero: A quell’età, gli ormoni iniziano a fare effetto. Si comincia a capire cosa significa e quali sono le differenze tra ragazze e ragazzi. Avere questo giovane che entra inaspettatamente nella sua vita e poi essere legati da una situazione di vita o di morte? È incredibilmente traumatico.

Quando lui se ne andò, lasciò un vuoto così grande nel suo cuore che lei capì: “Non potrò mai più permettere a nessuno di occupare quello spazio, perché non riuscirei a concentrarmi su ciò che devo fare se provassi un amore così grande per qualcun altro. Amo la mia comunità. Amo Derry. Amo le mie responsabilità. Ho un dovere da compiere, ma non posso permettere che questa cosa occupi il mio cuore”. [Lei ha] amore comunitario, amore familiare, ma non amore romantico, quindi è rimasta single per tutta la vita. E così, quando lui ritorna, è una vera sorpresa.

Remar ha riflettuto sull’impatto duraturo di un’esperienza formativa nella vita dei loro personaggi e ha sottolineato come un momento della loro infanzia abbia continuato a plasmare la loro storia cinque decenni dopo. Ha sottolineato il significato del legame che si è creato tra loro attraverso un trauma condiviso.

James Remar: Il fatto che questi due bambini abbiano superato le barriere razziali e abbiano sviluppato questa storia d’amore basata sul salvataggio da qualcosa di terribile che solo lei capiva ha influenzato il resto delle nostre vite. Il fatto che questo influenzi la direzione della nostra storia e il modo in cui vogliamo che vada è un complimento enorme.

Significa che è molto efficace nel movimento narrativo, che ciò che ci è successo da bambini ci ha spinto in questa situazione 50 anni dopo. Penso che significhi tutto.

Adaline – L’eterna giovinezza è basato su una storia vera?

Uscito nel 2015 e diretto da Lee Toland Krieger, Adaline – L’eterna giovinezza (la recensione) è un dramma romantico con sfumature fantastiche che ha conquistato il pubblico grazie alla performance di Blake Lively e a un’idea affascinante: una donna nata all’inizio del Novecento che, a seguito di un misterioso incidente, smette di invecchiare. Il film intreccia amore, perdita e immortalità in una narrazione che attraversa un secolo di storia americana, mantenendo un tono malinconico e raffinato. Ma la domanda che molti spettatori si pongono è: la storia di Adaline è realmente ispirata a fatti o persone vere?

Adaline non è basato su una storia vera

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015) (1)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Nonostante la cura dei dettagli storici e l’atmosfera quasi realistica che accompagna la protagonista attraverso le epoche, Adaline – L’eterna giovinezza non è basato su una storia vera. Il soggetto è completamente originale, scritto dagli sceneggiatori J. Mills Goodloe e Salvador Paskowitz, che hanno immaginato una fiaba moderna sul tempo, l’amore e la paura di cambiare. L’idea nasce da una domanda narrativa classica: cosa accadrebbe se una persona smettesse di invecchiare ma fosse condannata a vivere per sempre nascosta dal mondo che cambia?

Il film utilizza un pretesto pseudo-scientifico – un incidente d’auto e un fulmine che altera il metabolismo cellulare di Adaline – per giustificare l’immortalità della protagonista. Ma il cuore del racconto è profondamente umano: la difficoltà di accettare il trascorrere del tempo e di lasciarsi andare alle emozioni quando la vita sembra eterna.

Il film non è tratto da un libro, ma ha ispirazioni letterarie

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Adaline – L’eterna giovinezza non nasce da un romanzo, ma dialoga con un immaginario stratificato. Sul versante letterario, riecheggia Oscar Wilde (Il ritratto di Dorian Gray), dove la giovinezza eterna è più maledizione che dono, e F. Scott Fitzgerald (il racconto The Curious Case of Benjamin Button), che interroga il rapporto fra identità e tempo biologico. Affiorano anche affinità con Natalie Babbitt (Tuck Everlasting), favola sull’immortalità come esclusione dalla vita, e con la sensibilità romantico-fantascientifica di Richard Matheson (Bid Time Return/ Ovunque nel tempo): la sospensione del tempo come dispositivo emotivo prima che scientifico.

Al cinema, i rimandi più evidenti sono Highlander (l’“eterno” che paga la solitudine come prezzo della sopravvivenza) e Il curioso caso di Benjamin Button di Fincher (montaggio a epoche, identità che si ridefinisce nei decenni). Adaline però se ne distacca scegliendo il melodramma intimo: niente mitologia guerriera né paradossi temporali spinti, ma micro-conflitti quotidiani (documenti, lavoro, relazioni) che mostrano come l’eternità eroda il tessuto sociale prima ancora che il corpo.

La giustificazione pseudo-scientifica (l’incidente e la “spiegazione” in voice-over che richiama processi cellulari come l’accorciamento dei telomeri e l’azione di enzimi “eccezionali”) va letta come cornice verosimigliante, non come hard science: serve a spostare l’attenzione dall’“impossibile” al costo umano dell’impossibile.

Sul piano formale, il film costruisce credibilità storica con:

  • Costumi e scenografia che attraversano decenni (San Francisco come ancora emotiva e geografica).
  • Oggetti-memoria (album, fotografie, pellicole) usati come prove narrative del tempo che passa sugli altri, non su Adaline.
  • Flashback selettivi: non un’enciclopedia del Novecento, ma snodi affettivi che spiegano le scelte di fuga/occultamento dell’identità.

Il risultato è una fiaba moderna autonoma: non un adattamento letterale, ma un’opera originale che metabolizza archetipi e li rielabora in chiave sentimentale, ponendo la domanda centrale del film: senza la possibilità di cambiare, possiamo davvero vivere – e amare – fino in fondo?

Perché Adaline, interpretata da Blake Lively, ha smesso di invecchiare in Adaline – L’eterna giovinezza?

L’invecchiamento (o meglio, la mancanza di invecchiamento) di Adaline Bowman in Adaline – L’eterna giovinezza (la recensione) costituisce un elemento fondamentale della trama del film. Adaline Bowman è nata all’inizio del XX secolo, ma si ritrova all’inizio del XXI secolo con lo stesso aspetto giovanile di sempre, avendo smesso di invecchiare molti decenni prima nel film romantico-fantastico di Lee Toland Krieger del 2015.

Il narratore Hugh Ross attribuisce la sua straordinaria condizione fisica, nonostante abbia vissuto per più di cento anni, a “qualcosa di quasi magico” accaduto nel 1937. In realtà, nel corso della sua vita “non c’era assolutamente alcuna spiegazione scientifica per la sua condizione”. Se questa fosse stata l’unica spiegazione fornita in Adaline – L’eterna giovinezza, che coinvolge Harrison Ford nel regno della fantasia insieme a Blake Lively, la nostra immaginazione avrebbe potuto fare il resto. Tuttavia, si è deciso che fosse necessaria una teoria scientifica completa.

Adaline ha smesso di invecchiare dopo essere morta in un incidente d’auto ed essere stata rianimata da un fulmine

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Il fulmine è stato un vero shock per il suo organismo

La premessa del film è impostata attraverso sei minuti e mezzo di voce fuori campo di Ross, in cui espone la scienza dietro ciò che è accaduto ad Adaline una notte di dicembre, quando “neve cadde nella contea di Sonoma, in California.” A causa del maltempo, il personaggio interpretato dalla Lively ha perso il controllo della sua auto mentre guidava e si è schiantato in un burrone. Questo incidente stradale avrebbe dovuto porre fine alla sua vita, poiché lo shock di essere precipitata nell’acqua gelida le ha presto causato un arresto cardiaco.

A questo punto, però, un fulmine ha colpito il veicolo parzialmente sommerso, che secondo Ross ha scaricato “mezzo miliardo di volt di elettricità” attraverso Adaline. Il fulmine ha funzionato come un defibrillatore naturale, riportandola in vita. Ha avuto anche un altro effetto, più improbabile. L’enorme corrente elettrica che l’ha attraversata ha arrestato il processo di invecchiamento cellulare, il naturale declino della capacità del corpo umano di riparare e sostituire le sue cellule nel tempo. Questo evento straordinario, spiegato da una teoria scientifica fittizia chiamata “principio di Von Lehman sulla compressione degli elettroni e l’acido desossiribonucleico” nel film Adaline – L’eterna giovinezza, ha effettivamente impedito che lei invecchiasse, almeno dal punto di vista fisico.

Quanti anni aveva realmente Adaline durante Adaline – L’eterna giovinezza

Michiel Huisman e Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Per gran parte del film sembrava molto più giovane della sua età

Adaline è nata il giorno di Capodanno del 1908, come spiega la narrazione sette minuti dopo l’inizio del film. Pertanto, le mancava meno di un mese al suo trentesimo compleanno quando ha avuto l’incidente. Il suo corpo è rimasto effettivamente congelato nel suo stato fisico in quel momento, il che significa che ha mantenuto l’aspetto e la forma fisica che aveva a 29 anni per il resto di Adaline – L’eterna giovinezza. Nei primi anni dopo l’incidente, non era chiaro che ci fosse qualcosa di insolito nel suo aspetto. Ma all’età di 45 anni, ha dovuto ammettere a se stessa che c’era qualcosa di strano. I vecchi amici reagivano con leggero orrore quando vedevano che ora sembrava più giovane di sua figlia, e gli agenti di polizia la fermavano perché pensavano che l’età indicata sulla sua patente di guida fosse falsa.

D’altra parte, Adaline ha vissuto fino all’età reale di 108 anni nel corso del film. Anche se ha continuato ad avere l’aspetto che aveva nel 1937, sono passati altri 78 anni della sua vita prima che il suo corpo iniziasse il processo di invecchiamento cellulare, nel 2015.

Perché Adaline ha finalmente ricominciato a invecchiare nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza

Adaline - L'eterna giovinezza

Un altro incidente d’auto ha portato al secondo shock di cui il suo corpo aveva bisogno

Poiché Adaline ha smesso di invecchiare a causa di una potente scossa elettrica, ci è voluto un evento simile per ripristinare il naturale processo di invecchiamento del suo corpo. Ironia della sorte, un altro incidente d’auto mortale fornisce il contesto per somministrare una seconda scossa elettrica, poiché i paramedici hanno defibrillato il cuore di Adaline dopo che aveva smesso di respirare.

È giusto che la ripresa del processo di invecchiamento sia spiegata attraverso un’altra esposizione pseudo-scientifica, che conclude Adaline – L’eterna giovinezza dove era iniziato. “Nell’istante in cui il cuore di Adaline è stato colpito dalle piastre del defibrillatore”, rivela Ross, “le strutture telomeriche nei suoi geni hanno riacquistato la loro flessibilità”. I suoi geni sono stati in grado di svolgere nuovamente il loro ruolo naturale, il che significa che la riparazione e la riproduzione cellulare sono entrate in uno stato di declino. Finalmente, Adaline ha iniziato a invecchiare.

Nei momenti finali di Adaline – L’eterna giovinezza, ha notato un capello grigio allo specchio e lo ha strappato, provando un senso di sollievo travolgente. Per la prima volta in 78 anni, davanti a lei si prospettava una vita di relativa normalità, piuttosto che di immortalità.

Adaline – L’eterna giovinezza, la spiegazione del finale

Adaline – L’eterna giovinezza ha una premessa unica e un finale affascinante. Nel panorama del cinema moderno, dove spesso dominano adattamenti e sequel, Adaline – L’eterna giovinezza del 2015 emerge come una narrazione originale e rinfrescante, intessendo una storia che cattura l’immaginazione con il suo mix di romanticismo, fantasia e dramma. Il film presenta la vita straordinaria di Adaline Bowman (Blake Lively), una donna che smette di invecchiare dopo uno strano incidente. Adaline intraprende un viaggio emotivo che abbraccia diversi decenni, sollevando profonde domande sul tempo, l’identità e l’esperienza umana.

La storia si svolge con Adaline alle prese con le complessità dell’eterna giovinezza, sullo sfondo di epoche e norme sociali in continua evoluzione. Adaline – L’eterna giovinezza si distingue non solo per la sua premessa unica, ma anche per il modo in cui approfondisce le implicazioni emotive e filosofiche della sua anomalia centrale. Sfida gli spettatori a riflettere sulla vera natura dell’immortalità, non come un sogno fantastico, ma come una realtà sfumata con sfide e introspezione. Adaline – L’eterna giovinezza esplora in modo intricato temi come la natura fugace dell’amore, l’essenza dell’identità personale e l’inevitabile scorrere del tempo.

Cosa succede nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza?

Adaline elimina finalmente la sua maledizione e ricomincia a invecchiare

Nel finale di Adaline – L’eterna giovinezza, la narrazione raggiunge un climax toccante, quando Adaline Bowman, che è rimasta ventinovenne per otto decenni, affronta una svolta drammatica. Durante tutto il film, Adaline affronta la vita con cautela, nascondendo il suo aspetto immutabile cambiando regolarmente identità. Tuttavia, il suo mondo viene sconvolto durante una visita alla casa della famiglia del suo attuale fidanzato, Ellis Jones (Michiel Huisman). Qui, Adaline incontra il padre di Ellis, William (Harrison Ford), che, con suo grande shock, è un suo ex amante che conosceva decenni fa. Questo incontro inaspettato porta il suo passato e il suo presente a scontrarsi.

Man mano che la storia si svolge, Adaline si confronta con le complessità dell’amore e dell’identità. Il film raggiunge il suo climax quando Adaline è coinvolta in un incidente, che ricorda quello che le ha causato l’eternità. Sorprendentemente, questo secondo incidente inverte la condizione di Adaline, permettendole di invecchiare normalmente. Il film si conclude con Adaline che accetta questo cambiamento, guardando con ottimismo a una vita di invecchiamento naturale e alla possibilità di costruire un futuro con Ellis. Il finale segna un cambiamento significativo per Adaline, che passa da una vita di eterna giovinezza e solitudine a una di normalità e relazioni.

Adaline – L’eterna giovinezza non è tratto da un romanzo

Blake Lively in Adaline - L'eterna giovinezza (2015)
Foto di Diyah Pera – © 2015 – Lionsgate

Il film è una sceneggiatura originale

Contrariamente a quanto alcuni spettatori potrebbero supporre, Adaline – L’eterna giovinezza non è un adattamento di un romanzo. Questo film romantico e fantasy, diretto da Lee Toland Krieger, è una sceneggiatura originale. La sua narrazione unica, che fonde romanticismo, dramma e un tocco di fantascienza, si distingue come un’opera creativa in un genere spesso popolato da adattamenti di libri. La storia di Adaline Bowman, una donna che smette di invecchiare a seguito di un misterioso incidente, è una creazione degli sceneggiatori, che esplora temi popolari nel genere romantico.

Adaline – L’eterna giovinezza è una sceneggiatura originale di J. Mills Goodloe (The Best of Me) e Salvador Paskowitz.

L’originalità del film è sottolineata dalla sua struttura narrativa e dallo sviluppo dei personaggi, che non sono vincolati dai limiti dell’adattamento di un’opera letteraria esistente. Questa libertà permette ai realizzatori del film di creare una storia che è allo stesso tempo intima e di grande portata, approfondendo le implicazioni emotive e filosofiche della condizione di Adaline. L’assenza di un’opera letteraria di riferimento contribuisce inoltre a rendere la trama del film fresca e ricca di colpi di scena inaspettati, distinguendolo da altre storie romantiche fantasy. Adaline – L’eterna giovinezza è una testimonianza del potere della narrazione originale nel cinema.

Perché Adaline ha smesso di invecchiare?

Adaline - L'eterna giovinezza cast

L’incidente e la pseudoscienza hanno fermato il processo di invecchiamento

Simile a Il curioso caso di Benjamin Button, il mistero centrale di Adaline – L’eterna giovinezza ruota attorno alla cessazione dell’invecchiamento della protagonista. Il film presenta una spiegazione scientifica fittizia per questo fenomeno. Adaline Bowman, dopo un incidente d’auto negli anni ’30, diventa immune ai danni del tempo a causa di una rara combinazione di eventi. Durante l’incidente, l’auto di Adaline viene colpita da un fulmine dopo che lei si è tuffata in un fiume gelido. Questa sequenza straordinaria porta a un fenomeno scientifico fittizio in cui i telomeri di Adaline, la parte del cromosoma responsabile dell’invecchiamento, diventano in qualche modo immuni al degrado.

Adaline – L’eterna giovinezza mescola elementi di fantasia con pseudoscienza per creare una spiegazione plausibile della condizione di Adaline. Questa scelta aggiunge un ulteriore livello di intrigo e mistero alla narrazione, invitando gli spettatori a sospendere l’incredulità e a lasciarsi coinvolgere dalla premessa unica del film. L’aspetto scientifico della storia, sebbene non basato sulla biologia del mondo reale, funge da espediente narrativo per esplorare temi più profondi come il tempo, la perdita e l’esperienza umana. La condizione di Adaline è un punto di partenza per discutere sul significato di vivere veramente, al contrario del semplice esistere, e sull’impatto del tempo sulle relazioni umane e sull’identità.

L’immortalità di Adaline è più una maledizione che una benedizione

Adaline - L'eterna giovinezza

Adaline non può mai mantenere una relazione amorosa

In tutto il film Adaline – L’eterna giovinezza, l’immortalità di Adaline Bowman è descritta come una maledizione piuttosto che come una benedizione. Sebbene l’idea dell’eterna giovinezza possa inizialmente sembrare desiderabile, il film approfondisce la solitudine e il peso emotivo di vivere una vita senza fine. La condizione di Adaline la intrappola in uno stato perpetuo di cautela e segretezza, impedendole di formare relazioni durature o di rivelare il suo vero io. Lei osserva il mondo cambiare intorno a lei mentre lei rimane la stessa, un’esperienza che porta più dolore che piacere.

La sua immortalità diventa un ostacolo al naturale corso della vita, portandola a un profondo senso di isolamento e insoddisfazione.

Il film illustra in modo potente il desiderio umano di connessione e il dolore della perdita perpetua. Adaline è costretta ad assistere all’invecchiamento e alla morte dei suoi cari, compresa la complessità del suo rapporto con la figlia anziana, Flemming (Ellen Burstyn). La sua immortalità diventa un ostacolo al naturale corso della vita, portando a un profondo senso di isolamento e insoddisfazione. Questa rappresentazione sfida la tradizionale narrativa dell’immortalità come fantasia ambita, sottolineando il valore intrinseco dell’invecchiamento e del ciclo di vita umano. Adaline – L’eterna giovinezza utilizza la condizione unica di Adaline come lente per esplorare i temi della mortalità.

Cosa succede a Flemming alla fine di Adaline – L’eterna giovinezza?

Adaline - L'eterna giovinezza

La madre e la figlia trovano la pace grazie alla cura di Adaline

Una delle relazioni più toccanti in Adaline – L’eterna giovinezza è quella tra Adaline e sua figlia Flemming. Man mano che il film procede, Flemming diventa una donna anziana mentre sua madre, Adaline, rimane fisicamente immutata. Questa dinamica insolita aggiunge un ulteriore livello di complessità alla loro relazione, poiché Flemming deve confrontarsi con la realtà dell’invecchiamento mentre sua madre no. Alla fine del film, con il ritorno di Adaline al naturale processo di invecchiamento, il loro rapporto trova un nuovo equilibrio.

Questo cambiamento nella loro dinamica simboleggia un ritorno alla normalità e la guarigione delle ferite emotive causate dall’aspetto innaturale del loro rapporto.

Flemming, che ha vissuto gran parte della sua vita con il segreto della condizione di sua madre, vede finalmente la possibilità di un rapporto madre-figlia più convenzionale. Questo cambiamento porta un senso di chiusura e sollievo a entrambi i personaggi. L’arco narrativo del personaggio di Flemming si conclude con un senso di accettazione e comprensione, mentre assiste alla madre che abbraccia il corso naturale della vita. Questo cambiamento nella loro dinamica simboleggia un ritorno alla normalità e la guarigione delle ferite emotive causate dall’aspetto innaturale del loro rapporto. Il film chiude così la trama di Flemming con un senso di speranza e un rinnovato legame.

Il significato del nome Adaline, spiegato

Adaline

Il nome sta per “nobile” e “eterno”

Il nome “Adaline” in Adaline – L’eterna giovinezza ha un significato importante ed è parte integrante della narrazione del film. Etimologicamente, Adaline deriva dalla parola germanica ‘adal’, che significa “nobile”. Questa connotazione di nobiltà ed eternità è adatta a un personaggio che vive attraverso più generazioni mantenendo la sua grazia e dignità. La scelta di questo nome riflette la natura duratura del personaggio di Adaline, che, nonostante le difficoltà, rimane resiliente e forte. Inoltre, il nome Adaline può essere visto come una metafora dell’esplorazione del tempo e dell’identità nel film.

Proprio come il suo nome porta con sé un senso di storia e di eredità, il personaggio di Adaline incarna l’accumulo di esperienze e saggezza che derivano da una lunga vita. Tuttavia, a differenza del suo nome, che rimane costante, la vita di Adaline è segnata dal cambiamento e dall’adattamento mentre attraversa epoche diverse. Il nome Adaline funge quindi da simbolo sia della permanenza che della transitorietà della vita, racchiudendo i temi centrali del film e la natura paradossale dell’esistenza di Adaline.

Il vero significato del finale di Adaline – L’eterna giovinezza

Adaline può finalmente vivere una vita reale senza pesi

Il finale di Adaline – L’eterna giovinezza è carico di simbolismo e di significati profondi, che trascendono la narrazione superficiale di una donna che ricomincia a invecchiare. La conclusione del film non riguarda solo la fine dell’eterna giovinezza di Adaline, ma è anche un commento sulla natura della vita, dell’amore e del passare del tempo. Permettendo finalmente ad Adaline di invecchiare, il film sottolinea la bellezza e l’importanza del naturale progredire della vita. Celebra l’idea che la vera realizzazione deriva dall’accettare il cambiamento e dal vivere la vita in tutte le sue fasi.

Man mano che inizia a invecchiare, Adaline si libera da questo peso, permettendole di instaurare relazioni autentiche

Inoltre, il finale rappresenta una liberazione per Adaline. Per decenni, è stata oppressa dal segreto della sua eterna giovinezza, che le ha impedito di instaurare relazioni autentiche. Quando inizia a invecchiare, Adaline si libera da questo fardello, permettendole di instaurare relazioni autentiche e vivere senza paura di essere scoperta.

Questa trasformazione simboleggia una rinascita per Adaline, offrendole una seconda possibilità di vita in cui può interagire pienamente con il mondo e con le persone che ama. Adaline – L’eterna giovinezza si conclude con una nota di speranza, suggerendo che non è mai troppo tardi per ricominciare da capo e che accettare la nostra mortalità può portare a un’esistenza più ricca e significativa.

Come è stato accolto il finale di Adaline – L’eterna giovinezza

Il finale ha infastidito molti spettatori

Il finale di Adaline – L’eterna giovinezza ha lasciato molti spettatori frustrati e turbati. Nel complesso, il film ha ricevuto una valutazione appena superiore alla media del 55% su Rotten Tomatoes e un punteggio Tomatometer del 67%. Un recensore del sito ha apprezzato la recitazione e la fotografia, ma il finale lo ha infastidito. Ha scritto: “Non riesco a scrollarmi di dosso il fatto che lei si sia innamorata sia del padre che del figlio e che gli sceneggiatori abbiano pensato che fosse un’idea romantica lasciare che il padre accettasse che la sua ex fiamma stesse con suo figlio.

Anche diversi utenti di Reddit hanno criticato il finale di Adaline – L’eterna giovinezza. In un thread, l’autore del post ha detto che il finale lo ha reso “attivamente arrabbiato”. Per loro, era la cura di lei il problema. Horrifyingthought ha scritto: “L’unica cosa che rendeva interessante questo film era che la protagonista doveva fare scelte difficili, affrontare i problemi reali che derivavano dalla sua immortalità”. Hanno detto che quando ha ottenuto la cura, il film è diventato come tutti gli altri film romantici, perdendo ciò che lo rendeva speciale.

Per quanto riguarda i critici, nella sua recensione per lo più positiva su Variety, Justin Chang scrive: “La voce fuori campo finale, che, insieme ad alcune immagini di comete piuttosto infelici e a un climax prevedibilmente artificioso, porta questo film incantevole e delicatamente inquietante a una conclusione più schietta e letterale di quanto meriti”. Sebbene abbia apprezzato la recitazione ricca di sfumature di Blake Lively, un finale un po’ troppo facile non era ciò che Adaline – L’eterna giovinezza meritava.

Il signore della morte: la spiegazione del finale del film

Il signore della morte, diretto nel 1981 da Rick Rosenthal, rappresenta il secondo capitolo della celebre saga horror di Halloween e riprende le vicende di Michael Myers esattamente un anno dopo gli eventi del film originale di John Carpenter. Pur mantenendo il legame con il primo film, questo sequel amplia l’orrore introducendo nuove dinamiche tra i personaggi sopravvissuti e approfondendo il mito di Myers, mostrando come la paura e la follia possano perseguitare le vittime ben oltre la notte di Halloween. La continuità con il primo film è evidente, ma Il signore della morte porta con sé una tensione più psicologica e metodica.

Rispetto al capostipite della saga, il film esplora nuovi elementi narrativi e stilistici. La presenza di Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) e del dottor Loomis resta centrale, ma si aggiunge una costruzione più articolata della suspense, con inseguimenti più lunghi e sequenze che giocano sulla vulnerabilità dei personaggi all’interno di ambienti quotidiani, come la casa e la scuola. In questo capitolo emergono inoltre dettagli sul passato di Michael Myers e sulla sua natura implacabile, elementi che lo rendono più minaccioso e quasi sovrumano rispetto al film del 1978.

Il film si distingue anche per l’uso innovativo della regia e della fotografia, con piani sequenza e inquadrature che aumentano la tensione senza ricorrere eccessivamente alla violenza esplicita. La colonna sonora riprende il celebre tema di Carpenter, rafforzando il legame con il primo capitolo, mentre le nuove atmosfere più cupe e angoscianti contribuiscono a consolidare il mito di Michael Myers come icona horror. Grazie a questi elementi, Il signore della morte ottiene un notevole successo commerciale e critico, confermando la saga come punto di riferimento nel genere slasher. Nel resto dell’articolo verrà proposta una spiegazione dettagliata del finale, analizzando come il terrore raggiunga la sua conclusione in questo capitolo.

Il signore della morte cast

La trama di Il signore della morte

La vicenda del film si apre nuovamente sulla notte di Halloween del 1978. Il dottor Sam Loomis ha appena sparato a Michael Myers, facendolo precipitare dalla finestra e salvando Laurie Strode da morte certa. Nel momento in cui vanno ad assicurarsi che il mostro sia realmente morto, il suo corpo è già sparito, segno che questi è ancora vivo. La giovane Laurie ha però bisogno di cure mediche, e viene subito condotta in ospedale per essere operata. Loomis, intanto, cerca di convincere le forze dell’ordine che Myers è ancora vivo e in libertà, ma nessuno sembra volergli credere. Ben presto, però, nuovi omicidi si verificheranno in città, e mentre Laurie inizia ad avere visioni rivelatrici sul suo passato, la morte è sempre più vicina.

La spiegazione del finale del film

Il terzo atto de Il signore della morte si concentra sull’assalto finale di Michael Myers all’ospedale di Haddonfield, determinato a uccidere Laurie Strode. Dopo aver tagliato le linee telefoniche e forato le gomme delle auto nel parcheggio, Michael elimina senza pietà infermieri, paramedici e membri dello staff mentre Laurie tenta di sfuggirgli. Jimmy Lloyd e Jill Franco cercano di soccorrerla, ma vengono fermati dagli eventi tragici e dai pericoli che si accumulano. Laurie si nasconde in una macchina, mentre Michael continua la sua caccia inesorabile attraverso i corridoi, evidenziando il senso di vulnerabilità e isolamento dei protagonisti.

Il culmine della tensione vede l’intervento di Loomis, Marion Chambers e del maresciallo Gummell, che arrivano giusto in tempo per affrontare Michael. Loomis spara a Michael facendolo cadere apparentemente morto, ma il killer si rialza immediatamente, mostrando la sua indistruttibilità. Dopo aver eliminato Gummell, Michael ferisce Loomis, mentre Laurie prende in mano il destino della situazione, sparando a entrambi gli occhi di Michael. Utilizzando il gas infiammabile dell’ospedale, Loomis guida Laurie fuori dalla sala operatoria prima di accendere la fiamma, causando un’esplosione che sembra annientare il mostro.

Questo finale sottolinea il tema centrale della saga: Michael Myers come incarnazione del male puro, inarrestabile e quasi sovrannaturale, che si abbatte sulla vita ordinaria senza logica o pietà. La lotta di Laurie rappresenta la resistenza umana, il coraggio e la determinazione contro un nemico apparentemente invincibile. La sopravvivenza della giovane eroina evidenzia la resilienza individuale, mentre il sacrificio di Loomis mette in luce l’impegno morale e la dedizione a proteggere gli innocenti.

Michael Myers in Il signore della morte

Inoltre, il finale porta a compimento la costruzione della mitologia di Michael Myers, rivelando la connessione familiare tra Laurie e il killer e suggerendo un legame quasi predestinato del male all’interno della famiglia Myers. L’escalation di violenza e la sequenza dell’esplosione rafforzano l’idea che il terrore di Michael non può essere completamente eliminato, ma solo temporaneamente contenuto. La violenza ritualistica e la sopravvivenza di Laurie chiudono il cerchio narrativo del capitolo, consolidando i temi di paura, vendetta e resilienza.

Il film lascia come messaggio principale l’ineluttabilità del male e la necessità di coraggio di fronte a esso. Laurie sopravvive grazie alla sua prontezza e alla guida di Loomis, ma rimane traumatizzata, suggerendo che affrontare il male lascia sempre cicatrici profonde. La storia enfatizza anche il sacrificio e l’altruismo, incarnati da Loomis, e sottolinea come la lotta contro la violenza e il male richieda non solo forza fisica, ma anche determinazione morale e astuzia, elementi che rimangono centrali in tutta la saga.

Come Il principe della morte anticipa i sequel

Il finale anticipa eventi dei capitoli successivi, in particolare la persistenza di Michael Myers nonostante sembri distrutto. La sua apparente resurrezione tra le fiamme e la sopravvivenza di Laurie gettano le basi per Halloween III e i seguiti diretti, in cui il male ritorna in modi imprevedibili. La rivelazione del legame familiare tra Laurie e Michael viene ripresa nei capitoli successivi, alimentando la narrativa della vendetta e della maledizione, confermando che la saga continuerà a esplorare la lotta tra l’eroina sopravvissuta e il male inarrestabile incarnato da Myers.

Delitto perfetto: la spiegazione del finale del film

Delitto perfetto (1998), diretto da Andrew Davis, è il remake moderno di un classico del cinema: Dial M for Murder di Alfred Hitchcock. Pur mantenendo l’impianto narrativo del celebre film del 1954, questa versione aggiorna atmosfera, ritmo e dinamiche di coppia, trasformando un elegante giallo teatrale in un thriller più cupo e sensuale, tipico del cinema anni Novanta. Spostando l’azione in ambienti lussuosi, digitalizzati e intrisi di ambiguità morale, Delitto perfetto rilegge la storia dell’omicidio orchestrato con freddezza e calcolo, puntando su tensione psicologica e colpi di scena più aggressivi.

Nella filmografia di Michael Douglas, il film prosegue un percorso coerente con i suoi ruoli dell’epoca, segnati spesso da personaggi doppi, ambigui, dominati dall’ossessione e dalla gelosia. Dopo successi come Basic Instinct, Attrazione fatale e Un giorno di ordinaria follia, Douglas torna a incarnare un uomo di facciata impeccabile ma moralmente marcio, capace di trasformare un matrimonio perfetto in un piano omicida. Delitto perfetto si inserisce quindi nel filone dei thriller psicologici di fine anni Novanta con eleganza commerciale, puntando sul fascino dei protagonisti e su una tensione costruita nei dettagli.

Il film dialoga con altri titoli dello stesso decennio che hanno riportato in auge il thriller domestico e relazionale, come L’amore infedele, Il collezionista o The Game. Ciò che lo distingue è il gioco di ruoli tra vittima, carnefice e manipolatore, più spinto rispetto all’originale hitchcockiano. E proprio perché la storia è costruita attorno a inganni e piani che cambiano di continuo, il finale ha un peso decisivo nel reinterpretare la vicenda. Nel resto dell’articolo approfondiremo la spiegazione del finale del film e il significato del suo finale alternativo, meno noto ma rivelatore delle intenzioni narrative iniziali.

Gwyneth Paltrow, Michael Douglas e Viggo Mortensen in Delitto perfetto
Gwyneth Paltrow, Michael Douglas e Viggo Mortensen in Delitto perfetto

La trama di Delitto perfetto

Steven Taylor (Michael Douglas), magnate della finanza di New York, è scosso dalla scoperta della relazione segreta tra sua moglie Emily (Gwyneth Paltrow) e l’artista squattrinato David Shaw (Viggo Mortensen). L’infedeltà di sua moglie, tuttavia, potrebbe creare una condizione favorevole per Steven, che si trova in una seria crisi economica e vorrebbe appropriarsi dell’immenso patrimonio della donna. Grazie all’ausilio di un detective privato, Steven scopre così che David è in realtà un ex galeotto che finge interesse per le signore d’alta società, al fine di sottrarre loro denaro. L’uomo affronta il rivale e, in cambio del suo silenzio e di molti soldi, lo costringe a prendere parte all’omicidio di Emily.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Delitto perfetto, il piano di Steven crolla sotto il peso dei suoi stessi inganni. L’assassino che irrompe in casa non è David, come previsto, ma un complice sconosciuto. Emily sopravvive, uccidendo l’aggressore, mentre Steven rientra e mette in scena l’apparente tentativo di rapina fallito. Il detective Karaman avvia le indagini, ma Steven sembra fuori pericolo fino a quando David non lo contatta. L’artista è ancora vivo e ha registrato la loro conversazione: un’arma perfetta per ricattarlo. La situazione sfugge di mano e l’uomo che credeva di controllare tutto diventa improvvisamente vittima del suo stesso piano.

Convinto di poter sistemare ogni cosa, Steven uccide David in un vagone privato di un treno, recupera i soldi e la pistola, e torna a casa per distruggere le prove. Tuttavia, non sa che David ha spedito una copia della registrazione direttamente a Emily. Quando Steven rientra, crede di essere finalmente al sicuro: nasconde il denaro e il nastro nella cassaforte, si fa una doccia e si prepara a recuperare il controllo. Ma Emily ha già aperto il pacco, ascoltato l’audio e compreso la verità. La resa dei conti avviene nel loro appartamento: Steven tenta di ucciderla pur di non lasciarla andare, ma Emily prende la pistola dal caveau e gli spara, uccidendolo.

Il finale porta a compimento i temi centrali del film: gelosia, tradimento e illusione del controllo. Steven è il perfetto marito devoto solo in apparenza, un manipolatore che considera il matrimonio un investimento finanziario. Il fallimento del suo piano non è solo una questione di coincidenze sfortunate, ma la conseguenza della sua arroganza: crede di poter prevedere tutto, ma sottovaluta le persone attorno a lui. Emily, invece, da vittima passiva e traditrice colta nella rete degli eventi, diventa la figura che ribalta la situazione, agendo per sopravvivere e liberarsi.

Michael Douglas e Viggo Mortensen in Delitto perfetto
Michael Douglas e Viggo Mortensen in Delitto perfetto

La spiegazione del finale chiarisce che non si tratta solo di un thriller con un colpo di scena, ma di una riflessione sull’avidità e sulla fragilità delle maschere sociali. Tutto ruota attorno al denaro, al potere e all’immagine pubblica: Steven non uccide per amore ferito, ma per paura di perdere il prestigio e la ricchezza. Il suicidio morale di un uomo disposto a distruggere ogni cosa pur di restare in controllo rende la sua fine inevitabile. Emily non esce innocente o immacolata, ma spezza il ciclo di manipolazioni a costo dell’ultimo gesto estremo.

Il messaggio finale del film suggerisce che la perfezione, in amore come nella vita pubblica, è un’illusione. Dietro la facciata elegante del matrimonio di Steven ed Emily si nasconde un rapporto corrotto da menzogne e interessi economici. La violenza non esplode all’improvviso: è già inscritta nel modo in cui i personaggi vivono, amano e ingannano. Il finale mostra che nessun piano è infallibile, e che la verità, anche se nascosta dietro sofisticati inganni, trova un modo per riemergere, costringendo ognuno a fare i conti con le proprie responsabilità.

Il finale alternativo del film

Esiste poi un finale alternativo, presentato con commenti opzionali nell’edizione originale in Blu-ray. In questa versione, Steven torna dopo aver trovato la chiave sostituita nel posto in cui l’aveva nascosta ed Emily lo affronta in cucina anziché nell’atrio. La scena si svolge con lo stesso dialogo, ma Steven non la aggredisce fisicamente. Le dice comunque che l’unico modo per lasciarlo è morire, e lei gli spara. Steven allora dice “Non la passerai liscia” prima di morire ed Emily si ferisce di proposito, facendo sembrare che si tratti di legittima difesa.

The Bourne Identity: la spiegazione del finale del film

The Bourne Identity è il film del 2002 diretto da Doug Liman e tratto dall’omonimo romanzo di Robert Ludlum, un thriller che combina spionaggio, identità spezzate e cospirazioni internazionali. Pur prendendo le mosse dal libro, la pellicola modifica molti elementi, aggiornando il contesto della Guerra Fredda con una trama più attuale e un taglio realistico e moderno. Il risultato è un action spy-movie più intimo e psicologico rispetto ai classici film con agenti segreti, incentrato meno sui gadget e più sul corpo, sulla memoria e sulla fuga.

Il protagonista, interpretato da Matt Damon, è un assassino della CIA con perdita di memoria che cerca di ricostruire la propria identità mentre un’intera organizzazione lo vuole morto. Il film ha segnato una svolta nella carriera dell’attore: fino ad allora conosciuto soprattutto per ruoli drammatici e autoriali, Damon si afferma come nuovo action hero credibile, realistico e umano, lontano dagli stereotipi muscolari dei primi anni Duemila. La regia asciutta, le spettacolari scene di combattimento ravvicinato e gli inseguimenti minimalisti ma ad altissima tensione hanno ridefinito il genere, influenzando anche la saga di James Bond nel successivo rilancio.

Il successo del film ha portato alla nascita di un vero e proprio franchise, con The Bourne Supremacy, The Bourne Ultimatum – Il ritorno dello sciacallo, The Bourne Legacy e Jason Bourne, ampliando il mondo narrativo e approfondendo le origini del programma Treadstone. The Bourne Identity non è solo il primo capitolo: è la base di un universo fatto di complotti, manipolazioni e identità frantumate, in cui ogni film espande i tasselli narrativi lasciati in sospeso. Nel resto dell’articolo proporremo una spiegazione del finale, analizzando come anticipa i capitoli successivi e come getta le fondamenta della trasformazione definitiva di Jason Bourne.

The Bourne Identity cast

La trama di The Bourne Identity

La vicenda del film si apre al largo del mar Mediterraneo, dove un peschereccio italiano recupera un giovane uomo in mare. Questi è privo di sensi e appare gravemente ferito alla schiena. Quando l’uomo si risveglia, afferma di non ricordare nulla della propria identità né del proprio passato. L’unico elemento che può aiutarlo a scoprire qualcosa di più, è un microchip contenente un conto bancario. Ripresosi dalle ferite, l’uomo si dirige allora alla volta di Zurigo, scoprendo piano piano cose inaspettate di sé, come una grandissima capacità nelle arti marziali. Arrivato nella città Svizzera, questi riesce ad individuare una cassetta di sicurezza legata al conto presente sul microchip.

All’interno di questa ritrova una serie di passaporti riportanti nomi diversi ma sempre con la sua foto. Una patente francese, invece, gli indica il suo vero nome: Jason Bourne. Mentre fa queste prime scoperte, l’uomo si ritrova inseguito dalle forze dell’ordine. Costretto a scappare, trova aiuto in Marie, che si offre di farlo arrivare a Parigi in cambio di denaro. Bourne, ammesso che questo sia il suo vero nome, è infatti convinto che nella città francese troverà ulteriori risposte al suo mistero. Il viaggio per arrivarvi sarà tuttavia ricco di ostacoli, rappresentati in particolare da una serie di sicari appartenenti alla misteriosa organizzazione Treadstone.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di The Bourne Identity, la verità sul passato di Jason inizia finalmente a emergere. Dopo gli eventi nella campagna francese, Bourne decide di affrontare direttamente chi lo sta inseguendo. Ingannando Conklin con una telefonata, lo attira a un incontro a Parigi, ma scopre che l’uomo non è solo e capisce che si tratta di una trappola. Grazie a un localizzatore piazzato di nascosto sull’auto di Conklin, Bourne rintraccia il rifugio del programma Treadstone e vi si introduce con grande abilità. Qui tiene Conklin e Nicky Parsons sotto tiro e pretende risposte, determinato a scoprire chi è e perché sia stato trasformato in un assassino.

La verità arriva in un’ondata di flashback che svelano la missione fallita sullo yacht di Wombosi e ciò che l’ha resa un trauma incancellabile. Bourne aveva avuto la possibilità di eliminare il dittatore, ma la presenza dei figli dell’uomo lo aveva bloccato. Per portare a termine l’assassinio avrebbe dovuto uccidere anche loro, e questo lo ha portato a fuggire, venendo colpito durante l’evasione e perdendo la memoria. Capito tutto, Bourne decide di chiudere con Treadstone: annuncia le sue dimissioni e avverte Conklin di non cercarlo più. Ne segue un lungo scontro armato che gli permette di scappare, mentre Conklin, uscendo dal rifugio, viene ucciso da un altro agente su ordine dei suoi superiori.

Franka Potente e Matt Damon in The Bourne Identity

La spiegazione del finale mostra come l’intera vicenda confluisca in un unico tema centrale: la lotta per la propria identità. Jason scopre di essere stato costruito come arma perfetta, condizionato a uccidere senza scrupoli, eppure il suo rifiuto di assassinare Wombosi davanti ai bambini dimostra che dentro di lui resiste un nucleo morale. Il film non si chiude con un trionfo o una resa, ma con la certezza che Bourne non è più l’uomo programmato dal governo: è un individuo che ha scelto di non obbedire, anche a costo della propria vita. Questo finale porta a compimento anche il tema della memoria. L’amnesia non è solo un espediente narrativo, ma il simbolo della cancellazione dell’identità che un’organizzazione può imporre.

Recuperando il ricordo più doloroso, Bourne riconquista finalmente se stesso. La violenza del programma che lo ha creato viene smascherata e la sua fuga non è più quella di un criminale, ma quella di un uomo che vuole tornare umano. Il messaggio che rimane è chiaro: al centro di The Bourne Identity non ci sono solo inseguimenti e spionaggio, ma la domanda su cosa renda una persona davvero tale. Bourne è stato addestrato a uccidere, ma l’istinto di proteggere una famiglia innocente lo salva. L’umanità è ciò che lo distingue da coloro che lo hanno manipolato e permette allo spettatore di empatizzare con lui, trasformandolo da assassino in antieroe.

Come il finale di The Bourne Identity prepara i sequel

Infine, il finale prepara il terreno per The Bourne Supremacy e The Bourne Ultimatum – Il ritorno dello sciacallo. La distruzione di Treadstone non cancella le conseguenze dei suoi segreti: altri programmi sono già in movimento, come l’operazione Blackbriar. Bourne e Marie sembrano al sicuro, ma la CIA non dimentica né perdona. Il ricongiungimento su Mykonos segna una tregua, non una fine. I sequel mostreranno come la sua ribellione scatenerà una caccia ancora più feroce, trasformandolo nel nemico pubblico di un intero sistema di sorveglianza globale.

L’MCU sta ufficialmente “correggendo” WandaVision

WandaVision è stata una grande serie del Marvel Cinematic Universe, ma c’era un elemento da sistemare, e il futuro del franchise sta facendo proprio questo. Il finale di WandaVision ha segnato un nuovo, audace passo per i Marvel Studios nel 2021, inaugurando l’era televisiva dell’MCU. Ancora oggi, a parte Loki, WandaVision è considerata una delle migliori serie TV dell’MCU.

Aveva un grande mistero, una qualità di produzione eccezionale, tutti gli Easter egg dell’MCU di cui si potesse avere bisogno e prometteva un futuro promettente per film e serie TV. Tuttavia, c’era un elemento della serie che è diventato una dura realtà nel corso degli anni. Per fortuna, però, questo elemento è stato sistemato nell’MCU, grazie a uno specifico film Marvel in uscita.

WandaVision ha fatto da esca per il Multiverso

L’elemento in questione era l’esca completa di WandaVision riguardo al multiverso dell’MCU. Dato che WandaVision era il primo capitolo della Saga del Multiverso dell’MCU e che Scarlet Witch, un personaggio in grado di attraversare il multiverso e plasmare la realtà nel materiale originale, ne era al centro, il pubblico dava per scontato che questo sarebbe stato l’inizio del concept.

Questa convinzione si è ulteriormente rafforzata quando Evan Peters, l’attore che interpretava Quicksilver, il fratello di Scarlet Witch nella linea temporale del film X-Men, è apparso nell’episodio 5 di WandaVision. Peters è apparso come il “finto Pietro” della sitcom di Wanda, portato in vita dalle sue abilità magiche. Molti hanno pensato che l’immenso potere di Wanda avesse letteralmente sottratto la versione del personaggio di Peters al franchise degli X-Men.

Tuttavia, non è stato così; Peters interpretava Ralph Bohner, un abitante di Westview che non aveva alcun collegamento con la linea temporale degli X-Men ed era solo uno scherzo di meta-casting dei Marvel Studios. Quando WandaVision si concluse con l’episodio 9, non era presente alcun elemento multiversale nella serie.

Spider-Man: No Way Home è stato il vero inizio della saga del Multiverso

Otto mesi dopo il debutto di WandaVision, Spider-Man: No Way Home dimostrò di essere il vero inizio della saga del Multiverso, nonostante si credesse che lo sarebbe stato il primo. L’intera trama di Spider-Man: No Way Home ruotava attorno al multiverso, con cattivi ed eroi provenienti da altre linee temporali dei film di Spider-Man che venivano trascinati nell’MCU dopo un incantesimo di Doctor Strange andato male.

Per molti versi, questo è esattamente ciò che il pubblico si aspettava da WandaVision, soprattutto dopo l’apparizione di Evan Peters. WandaVision ha dimostrato che queste aspettative erano infondate, consentendo a Spider-Man: No Way Home e, in seguito, a Doctor Strange in the Multiverse of Madness di mettere in ombra la prima serie Disney+ dell’MCU, definendola una vera e propria narrazione multiversale.

Avengers: Doomsday porta finalmente gli X-Men della Fox nel Multiverso dell’MCU

Sebbene WandaVision abbia deluso i fan con le sue promesse multiversali, crudelmente infrante, la storia di Avengers: Doomsday colmerà questo errore. Il cast annunciato per Avengers: Doomsday include attori come Ian McKellen, Patrick Stewart, James Marsden, Rebecca Romijn, Alan Cumming e Kelsey Grammer, che riprenderanno rispettivamente i ruoli di Magneto, Professor X, Ciclope, Mystica, Nightcrawler e Bestia.

Infine, la falsa promessa di WandaVision diventerà realtà nell’MCU, con diversi eroi degli X-Men che faranno parte della Saga del Multiverso. È stato il caso, in una certa misura, di Deadpool e Wolverine, insieme ad alcuni altri cameo degli X-Men in Doctor Strange 2, ma Avengers: Doomsday sarà la prima vera realizzazione di questa teoria dei fan.

Gli X-Men si uniranno ufficialmente agli Avengers e ai Fantastici Quattro per combattere il Dottor Destino. L’inganno della Marvel con Evan Peters prometteva qualcosa di simile, seppur in scala minore. Nel dicembre 2026, oltre cinque anni dopo l’uscita di WandaVision, questa promessa diventerà realtà con Avengers: Doomsday, quando quest’ultimo correggerà il più grande errore del primo nell’MCU.

Netflix invia un messaggio chiaro sul futuro di One Piece con l’ultimo annuncio di casting

I recenti aggiornamenti su One Piece di Netflix hanno dimostrato che il servizio di streaming sta inviando un messaggio molto chiaro sul franchise. Dalla fine della prima stagione di One Piece, il pubblico ha desiderato ardentemente aggiornamenti su un possibile seguito. Il motivo è stata la popolarità della serie, sia tra i fan dell’anime che tra i nuovi arrivati.

Con la trama della seconda stagione di One Piece in onda su Netflix a marzo 2026, gli aggiornamenti sul futuro della serie stanno diventando regolari. Infatti, Netflix ha già rinnovato la terza stagione di One Piece, rivelando alcune novità sul cast prima ancora che la seconda stagione fosse diffusa in piattaforma. Questo, insieme ad altri aggiornamenti riguardanti il ​​franchise più ampio di One Piece, sta inviando un messaggio chiaro e inequivocabile da parte di Netflix.

Il casting di Ace per Xolo Maridueña dimostra quanto Netflix apprezzi One Piece

Questi aggiornamenti, a differenza di molte altre serie del repertorio del gigante dello streaming, dimostrano che Netflix attribuisce grande importanza a One Piece come IP. Nel novembre 2025, quattro mesi prima dell’uscita della seconda stagione di One Piece, Netflix ha confermato che Xolo Meridueña apparirà nella terza stagione nei panni di Portgas D. Ace, il fratello del protagonista della serie, Monkey D. Rufy.

Questo casting è un messaggio chiaro che Netflix attribuisce importanza a One Piece, data la recente popolarità di Meridueña. Meridueña è diventato famoso con Cobra Kai, la serie Netflix, e ha recitato anche in un importante film DC, Blue Beetle. L’attore è una delle stelle nascenti di Hollywood, e la sua fama probabilmente supera il ruolo relativamente minore di Portgas D. Ace.

Questo non significa che Ace sia un personaggio secondario, tuttavia. Ace ha una grande importanza nel viaggio di Rufy, con una storia importante rivelata durante l’anime originale. In termini di tempo sullo schermo, tuttavia, Ace è un personaggio relativamente minore rispetto a personaggi principali come quelli della Ciurma di Cappello di Paglia.

Pertanto, il fatto che Netflix abbia scelto un nome così importante per un ruolo come questo simboleggia la fiducia che sta dando al futuro di One Piece, in particolare nel live-action.

ONE PIECE - Stagione 2Tutto sulle prossime due stagioni di One Piece sembra incredibilmente entusiasmante

Oltre al casting di Meridueña, altri aggiornamenti sulle prossime due stagioni di One Piece sono estremamente entusiasmanti, rafforzando il messaggio chiaro di Netflix. Che si tratti degli elementi mostrati nei trailer della seconda stagione di One Piece che emulano perfettamente il manga e l’anime, da personaggi come Nico Robin e Tony Tony Chopper a location come Loguetown, o della più ampia gamma di personaggi scelti.

Lera Abova è fantastica nei panni di Nico Robin, così come la CGI per un personaggio difficile da interpretare in un live-action come Chopper. Poi ci sono quelli di Baroque Works, un elemento importante di One Piece, che hanno grandi attori; Mr. 0/Crocodile sarà interpretato da Joe Manganiello, Dave Dastmalchian interpreterà Mr. 3, Charithra Chandran è fantastica nei panni di Vivi, e così via.

Naturalmente, Maridueña nei panni di Ace rende la terza stagione di One Piece ancora più emozionante, così come il casting di Cole Escola per il ruolo di Bon Clay. Tutto ciò dimostra che One Piece non ha intenzione di rallentare nella terza stagione.

Netflix ha fatto centro con One Piece

Chiaramente, Netflix ha fatto centro con il franchise di One Piece. Tutti gli elementi sopra menzionati, così come il successo di One Piece nelle classifiche Netflix, sono la prova che l’adattamento live-action è, e continuerà a essere, un successo travolgente. Netflix sta trovando spazio anche per l’anime originale di One Piece.

I nuovi episodi dell’attuale arco narrativo Egghead dell’anime vengono pubblicati su Netflix insieme alle normali piattaforme di streaming anime come Crunchyroll. Netflix non si accontenta di concentrarsi esclusivamente sulla versione live-action di One Piece e sta dando il giusto risalto anche alla serie su cui si basa.

Infine, c’è The One Piece. The One Piece è stato annunciato come un remake dell’anime originale di One Piece da Netflix e WIT Studio. La serie intende essere una rivisitazione moderna dell’anime, con animazioni aggiornate, ritmi più veloci e uno stile unico che si differenzia dall’originale.

The One Piece sarà un’esclusiva Netflix, a ulteriore dimostrazione di quanto il servizio di streaming sia disposto a spingere il franchise. Tutto ciò dimostra che Netflix ha trovato una vera miniera d’oro, che si tratti dell’entusiasmante futuro di One Piece in live-action o dell’espansione dell’universo più ampio.

Chi è Alberto Genovese, la cui caduta è raccontata nella docuserie Terrazza Sentimento?

Balzato in cima alla Top 10 di Netflix, la docu-serie Terrazza Sentimento di Netflix racconta la discesa di Alberto Genovese, elemento raccontato in maniera perfetta dal titolo internazionale della serie: Start Up, Fall Down: From Billionaire to Convict. Ma chi è Alberto Genovese?

Alberto Maria Genovese è uno di quei nomi che, fino a pochi anni fa, evocavano il successo sfavillante dell’imprenditoria digitale italiana. Nato a Napoli nel 1977 e laureato in Economia Aziendale alla Bocconi di Milano, Genovese era considerato un enfant prodige della nuova generazione di imprenditori tech. Dopo aver lavorato per colossi come Goldman Sachs e McKinsey, aveva fiutato per tempo il potenziale del web applicato ai servizi di confronto online.

Nel 2008 fondò Facile.it, il portale che permette di comparare assicurazioni, mutui, prestiti e tariffe. In pochi anni la piattaforma diventò un colosso del settore, contribuendo a trasformare le abitudini dei consumatori italiani. Genovese si guadagnò un posto di rilievo tra gli innovatori più influenti del Paese, e la sua immagine di imprenditore visionario sembrava destinata a consolidarsi. Dopo aver lasciato Facile.it, lanciò Prima Assicurazioni, altra startup di successo, e investì in numerosi progetti digitali, dal fintech al mercato dell’auto usata.

Chi è Alberto Genovese?

Ma dietro la facciata del successo e della ricchezza crescente, si nascondeva un lato oscuro che sarebbe emerso clamorosamente nel 2020. Nel novembre di quell’anno, Genovese fu arrestato a Milano con l’accusa di violenza sessuale aggravata e uso di sostanze stupefacenti ai danni di una ragazza di 18 anni. I fatti, avvenuti nel suo attico di lusso in piazza Santa Maria Beltrade — ribattezzato dai media “Terrazza Sentimento” — segnarono l’inizio di una vicenda giudiziaria che avrebbe scosso l’opinione pubblica.

Le indagini rivelarono un mondo di feste estreme, consumo smodato di droghe e comportamenti abusivi. Le testimonianze e i video trovati sui dispositivi di Genovese delinearono uno scenario inquietante: giovani donne invitate a eventi privati, dove spesso finivano in condizioni di totale incoscienza a causa delle sostanze somministrate. Nel 2023, dopo due anni di processo, Genovese è stato condannato in via definitiva a quasi sette anni di reclusione per violenza sessuale aggravata su due ragazze. La sua richiesta di affidamento terapeutico è stata respinta, e l’ex imprenditore si trova tuttora in carcere.

A completare il quadro, nel 2024 è arrivata anche una condanna per evasione fiscale, con un patteggiamento da 75 mila euro. Una parabola drammatica, che ha trasformato l’ex simbolo del talento digitale italiano in un caso emblematico di eccesso, abuso e autodistruzione.

Cortesia di Netflix

La storia di Genovese è tornata al centro del dibattito pubblico con la docuserie Terrazza Sentimento, uscita su Netflix nel 2025. Il titolo richiama proprio l’appartamento milanese dove si sarebbero svolti i fatti e che è diventato, suo malgrado, il simbolo di un mondo fatto di potere, denaro e perdita di controllo. La serie, con un approccio investigativo e narrativo, ricostruisce gli eventi attraverso le testimonianze delle vittime, dei giornalisti e delle persone vicine all’imprenditore.

Il tono della docuserie è ambivalente: da un lato mostra l’ascesa straordinaria di Genovese nel panorama tech italiano, dall’altro mette in luce il baratro morale e umano in cui è precipitato. Non si limita a raccontare un caso giudiziario, ma esplora le dinamiche di un ambiente in cui il successo può diventare un acceleratore di dipendenze e ossessioni. La “Terrazza Sentimento” diventa così una metafora di un mondo dove tutto è possibile e dove i limiti — morali, legali, personali — vengono progressivamente cancellati.

Guardando oggi la vicenda con il senno di poi, la figura di Alberto Genovese appare quasi tragica. Un uomo che ha avuto tutto — intelligenza, ricchezza, riconoscimento — e che ha distrutto la propria vita (e quella di altre persone) dietro un’apparente ricerca di piacere e libertà assoluta. La sua storia, narrata dai giornali e oggi dal linguaggio cinematografico di Netflix, diventa il ritratto di una generazione di imprenditori travolta dalla velocità del successo e dalla fragilità del potere.

Terrazza Sentimento non è solo la cronaca di un crimine: è anche il racconto di un’epoca, quella delle startup e dell’illusione dell’invincibilità, in cui il confine tra genialità e autodistruzione si è fatto pericolosamente sottile.

Buffy: la serie reboot ha finalmente una data di uscita

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La data di uscita del tanto atteso reboot di Buffy – l’ammazzavampiri è stata finalmente rivelata in un nuovo report. Dopo anni di speculazioni, all’inizio di quest’anno è stato annunciato che Hulu aveva ordinato un episodio pilota per una nuova serie dedicata a Buffy. Il progetto, che fungerà sia da sequel della serie originale che da reboot a sé stante, vedrà Sarah Michelle Gellar riprendere il ruolo che l’ha resa famosa, quello di Buffy Summers.

Gellar tornerà nella nuova serie. Ma i riflettori saranno puntati su una nuova giovane cacciatrice, che secondo quanto riferito si chiamerà Nova, interpretata dalla star di Star Wars: Skeleton Crew e The Lowdown, Ryan Kiera Armstrong. La regista premio Oscar di Nomadland, Chloé Zhao, dirigerà l’episodio pilota, mentre le sceneggiatrici di Poker Face e Agents of S.H.I.E.L.D., Nora e Lilla Zuckerman, scriveranno la sceneggiatura. Tutti e tre saranno anche produttori esecutivi insieme a Gellar.

Sebbene non ci siano notizie sul fatto che il progetto sia stato scelto per diventare una serie, Variety riporta che il reboot di Buffy dovrebbe debuttare su Hulu nel 2026. La rivelazione arriva nel contesto delle recenti tendenze di revival e continuazioni di serie popolari della fine degli anni ’90 e dei primi anni 2000, con altri esempi come Scrubs, Prison Break e Malcolm in the Middle.

La notizia segna la prima volta che il reboot di Buffy viene riportato come in fase di avanzamento su Hulu, anche se lo streamer stesso non ha fatto alcun annuncio. Tuttavia, non si tratta di uno sviluppo sorprendente. Zhao e Gellar hanno parlato in alcune interviste in modo tale da suggerire che il progetto sia in corso, con Gellar che ha menzionato la sua disponibilità a riportare in scena i membri del cast di Buffy.

Un altro segnale incoraggiante è che, rispetto al pilot di Prison Break, anch’esso previsto come Hulu Original, Buffy sta procedendo a un ritmo molto più veloce. Il reboot di Prison Break è stato annunciato per la prima volta nel novembre 2023. I dettagli sul cast e sulla trama hanno poi cominciato a trapelare a partire dal marzo 2025. Il progetto è stato ufficialmente approvato nell’ottobre 2025. Il pilot di Buffy è stato annunciato formalmente a febbraio, girato durante l’estate e ora punta al debutto nel 2026.

Prodotto da 20th Television e Searchlight TV, con il pilot girato a Los Angeles, il reboot di Buffy l’ammazzavampiri vede anche la partecipazione di Faly Rakotohavana, Ava Jean, Sarah Bock, Daniel Di Tomasso e Jack Cutmore-Scott. Kingston Vernes, Merrin Dungey, Audrey Hsieh, Audrey Grace Marshall e Chase Sui Wonders, invece, appaiono in ruoli ricorrenti e come ospiti.

Hunting Season: l’istinto di sopravvivenza di Mel Gibson entra in azione nel primo trailer

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Mel Gibson (Bowdrie) entra in azione nel nuovo trailer del thriller poliziesco di prossima uscita, Hunting Season. Il film d’azione è diretto da Raja Collins e vedrà anche la partecipazione di Shelley Hennig (January), Sofia Hublitz (Tag), A.J. Buckley (Davenport) e Jordi Mollà (Alejandro).

Nell’anteprima di Hunting Season, il duo padre e figlia, Bowdrie e Tag, che vivono una vita appartata nella natura selvaggia, salvano January da un fiume, dopo che è stata colpita da un proiettile ed è in fin di vita. Lei spiega come è stata braccata e Bowdrie giura di proteggerla dai suoi aggressori. Guarda il trailer qui sotto:

Hunting Season segue il viaggio violento e ricco di azione di Bowdrie e Tag, che cercano di proteggere January da un pericoloso signore della droga, Alejandro, determinato a vedere morta la giovane donna. Di conseguenza, i due protagonisti si ritrovano coinvolti nelle attività del criminale e dei suoi scagnozzi, mettendo a rischio le loro stesse vite.

Gibson ha trascorso l’ultimo decennio reinventandosi come antieroe grizzly, interpretando ruoli in film come Blood Father e Dragged Across Concrete. Anche se Hunting Season continua questa tendenza, c’è una differenza. Invece di vivere in una grande città o interpretare un mercenario, il suo personaggio assomiglia più a un eremita nella natura selvaggia, costretto a interagire con gli altri. Ha scambiato la vistosità dei suoi progetti precedenti con un ruolo più essenziale ed emotivo, rivelando un lato più tranquillo e primitivo di sé stesso.

Hunting Season debutterà con un’uscita limitata. Sarà proiettato nelle sale cinematografiche statunitensi partecipanti e sulle piattaforme digitali il 5 dicembre 2025.

Amsterdam Empire – Stagione 2 si farà? ecco tutto quello che sappiamo

Creata da Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, la serie Netflix Amsterdam Empire entra nella vivace scena della cannabis di Amsterdam, con Jack Van Doorn alla guida della più grande catena di coffeeshop nota come The Jackal. Quando la notizia della sua relazione con la famosa conduttrice televisiva Marjolein Hoffman diventa di dominio pubblico, Jack cerca di uscire pulito dal suo matrimonio con Betty Jonkers, ex cantante e icona della moda. Ma Betty si rifiuta di arrendersi senza lottare e chiede in cambio l’unica cosa a cui suo marito non potrà mai rinunciare: il suo impero economico. La prima stagione si conclude con Betty che assume il controllo di The Jackal dopo aver eliminato la banda criminale nota come Tichelaars. Tuttavia, con la guerra fredda tra lei e Jack ancora in corso, la storia ha ancora molto da raccontare. Anche se Netflix non ha ancora dato il via libera a un sequel, nella migliore delle ipotesi, i fan di questa serie poliziesca possono aspettarsi una seconda stagione intorno al 2027.

La seconda stagione di Amsterdam Empire seguirà probabilmente le avventure di Betty come nuova proprietaria di The Jackal

Dato che la prima stagione si conclude con il trionfo di Betty su Jack, è naturale che un potenziale seguito della storia faccia luce su come lei governa le cose come nuova proprietaria di The Jackal. Mentre Jack ha governato l’intero settore della cannabis con pugno di ferro per decenni, Betty porta una ventata di aria fresca e ha dimostrato di essere perfettamente in grado non solo di gestire l’azienda, ma anche di ampliarne gli orizzonti. Tuttavia, è improbabile che il suo ex marito si arrenda così facilmente, e il futuro potrebbe vederli nuovamente ai ferri corti. C’è anche la minaccia persistente dei Tichelaars, poiché, sebbene i membri principali della banda siano tutti morti, non si può escludere la possibilità che alcune fazioni siano sopravvissute. Pertanto, un possibile sequel potrebbe vedere il ritorno della banda malavitosa, desiderosa di vendicare la morte del proprio leader.

Sebbene Jack sopravviva alla ferita da arma da fuoco, alla fine della stagione la sua vita è al minimo storico. Non solo il magnate perde il controllo di The Jackal, ma anche la sua relazione con Marjolein giunge al termine alla luce dei suoi legami con la criminalità. A tal fine, se la seconda stagione venisse approvata, la serie potrebbe concentrarsi sulla fine della relazione, con Jack che potrebbe cercare di ricongiungersi con Marjolein o sviluppare nuove relazioni lungo il percorso. Tuttavia, il fatto che Betty conosca la verità sulla morte di Guido significa che Jack non potrà mai riposare in pace, poiché lei ha sempre la possibilità di fargli pressione affinché faccia ciò che lei vuole. Inoltre, se il caso venisse mai riaperto per una nuova indagine, ci sono buone possibilità che il coinvolgimento di Jack venga alla luce, e questo potrebbe rovinare ogni filo narrativo.

La seconda stagione di Amsterdam Empire vedrà il ritorno di volti familiari

Famke Janssen nella serie Amsterdam Empire

Il finale mozzafiato della prima stagione lascia ampio spazio al proseguimento delle vicende di molti personaggi in un possibile sequel e, nella migliore delle ipotesi, i fan possono aspettarsi che i protagonisti di “Amsterdam Empire” riprendano i loro ruoli. Mentre Famke Janssen e Jacob Derwig molto probabilmente interpreteranno nuovamente i ruoli di Betty Jonkers e Jack Van Doorn, il potenziale ritorno dell’attrice Elise Schaap nella storia rimane incerto, dato che il suo personaggio ha rotto i legami con Jack. Al contrario, c’è una buona possibilità che gli attori Jade Olieberg e Romana Vrede possano avere un ruolo di primo piano nei futuri sviluppi della serie, rispettivamente nei panni di Katya Van Doorn e Shanti. Lo stesso potrebbe valere per Victor Löw, il cui personaggio, Bolle, rimarrà probabilmente una presenza jolly nella storia, in grado di ribaltare le sorti a suo piacimento.

Mentre i personaggi principali sopravvivono alla serie di prove pericolose per la loro vita, lo stesso non si può dire per alcuni dei personaggi secondari, il che rende il loro ritorno nella storia una possibilità remota. Raymond Thirty, un attore di spicco nei Paesi Bassi, molto probabilmente non riprenderà il ruolo di Guido nella storia a causa della tragica morte del personaggio. Tuttavia, dato che l’indagine sulla sua morte ha ancora molto da offrire, Thirty potrebbe tornare sotto forma di flashback. Lo stesso, tuttavia, non vale per gli attori Bart Slegers e Jelle Mensink, i cui personaggi antagonisti, Gijs e Noud Tichelaar, muoiono nel finale di stagione. Invece, un potenziale sequel potrebbe dare spazio a nuovi personaggi della famiglia Tichelaar, con volti nuovi che si uniranno al cast.

La seconda stagione di Amsterdam Empire potrebbe affrontare l’arco narrativo della redenzione di Jack

Famke Janssen in Amsterdam Empire

Alla fine del finale di stagione, Betty, Jack e Marjolein emergono come individui trasformati con un senso più concreto del bene e del male. Questo, a sua volta, li costringe a scegliere da che parte stare, e un potenziale sequel potrebbe seguirli più da vicino nei loro rispettivi viaggi. Per Betty, possedere The Jackal è un modo per liberarsi dal suo stile di vita soffocante e trovare qualcosa che la appassioni veramente. In particolare, data l’enfasi narrativa sul suo stato d’animo ancora legato ai suoi giorni da pop star, la nuova serie di responsabilità potrebbe entrare in conflitto con il suo attuale sistema di credenze. Tuttavia, Jack potrebbe trovarsi su una traiettoria esattamente opposta, dove una serie di fallimenti lo costringe a rivalutare le sue scelte di vita. In uno scenario del genere, una possibile seconda stagione potrebbe vederlo raddoppiare i suoi errori precedenti o ricucire i suoi rapporti e allontanarsi dalle sue affiliazioni criminali, anche se ciò significa dire addio a una vita di esuberanza.

A differenza di Betty e Jack, che escono dalla stagione con una grande conquista, Marjolein si limita a uscire dal gioco e tornare al suo precedente stile di vita. A tal fine, una continuazione della storia potrebbe esplorare le sue difficoltà nell’adattarsi alle mutate circostanze. Il fatto che sia una rinomata personalità televisiva non fa che aumentare i problemi, e la serie potrebbe potenzialmente sollevare il tema dei media e di come le informazioni su una persona possano essere distorte durante la loro diffusione. Allo stesso modo, la figlia di Jack, Katya, è sulla via della guarigione emotiva e psicologica, ma il trauma di aver tolto la vita a qualcuno difficilmente scomparirà così presto. Pertanto, se la serie verrà rinnovata per un’altra stagione, Katya potrebbe scegliere se seguire le orme del padre o uscire dal mondo del sangue e delle cospirazioni per trovare il proprio spazio nella vita.

Jennifer Lawrence conferma di avere un account TikTok segreto per un motivo molto valido

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Jennifer Lawrence rivela di avere un account TikTok segreto per un buon motivo. L’attrice premio Oscar sta riscuotendo un rinnovato interesse da parte del pubblico e della stampa per il suo nuovo film Die My Love, in cui recita al fianco di Robert Pattinson.

Durante una recente intervista con Fandango al fianco di Pattinson per Die My Love, Jennifer Lawrence ha rivelato di avere un account TikTok segreto per scatenare la rabbia. Le due stavano rispondendo alla domanda: “Hai un fandom segreto di cui la maggior parte delle persone non è a conoscenza?”, quando la Lawrence ha ammesso alla sua co-protagonista: “Ho una vita segreta su TikTok”.

“Con i miei fan?” ha chiesto Pattinson. “Beh, non direi fan”, ha risposto la Lawrence. “Mi metto a litigare su TikTok”. Pattinson ha riso e le ha chiesto se intendesse nei commenti, al che la Lawrence ha confessato: “Mi metto a litigare nella sezione commenti”. Ha continuato, ridendo: “E una ragazza mi ha detto: ‘Quanti anni hai? Fatti una vita!'”

Lawrence spiega che tutto è iniziato con “litigi” su argomenti di cultura pop come Real Housewives e le Kardashian. La situazione “si è fatta davvero intensa” quando ha iniziato a partecipare ai dibattiti sulla famiglia reale britannica. “Molte persone semplicemente non sapevano che i Mountbatten, e che la regina Elisabetta II, fosse sposata con il suo cugino di primo grado. È così e basta. È un dato di fatto. Sono cugini.”

In effetti, la defunta regina Elisabetta II e suo marito, il principe Filippo, erano cugini di terzo grado.

Robert Pattinson ha osservato che Jennifer Lawrence sembra essersi ritrovata in una “zona estremamente di nicchia di TikTok”. Dopo aver risposto ai commentatori che sostenevano che stesse “distruggendo” la famiglia reale, Lawrence ha ammesso: “Credo di essere un’esca per la rabbia su TikTok.” Guarda l’intervista completa qui sotto:

Co-scritto e diretto da Lynne Ramsay (You Were Never Really Here), Die My Love vede Jennifer Lawrence nei panni di una giovane madre alle prese con la depressione post-partum che, insieme al suo compagno (interpretato da Robert Pattinson), sprofonda nella psicosi. Il cast di supporto include i candidati all’Oscar LaKeith Stanfield, Nick Nolte e la vincitrice dell’Oscar Sissy Spacek.

Lynne Ramsay ha scritto la sceneggiatura insieme a Enda Walsh e Alice Birch, basata sul romanzo del 2012 di Ariana Harwicz.

Presentato in anteprima al Festival di Cannes del 2025, dove è stato candidato alla Palma d’Oro, Die My Love ha ricevuto recensioni generalmente positive, ottenendo un punteggio del 77% su Rotten Tomatoes, con i critici che lo hanno definito un ritratto crudo e caotico di una realtà spesso trascurata che potrebbe basarsi troppo sullo stile a scapito della connessione emotiva, eppure offre a Jennifer Lawrence una delle sue interpretazioni più sorprendenti fino ad oggi.

Amsterdam Empire, spiegazione del finale: chi ha sparato a Jack?

Co-creata da Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, la serie Netflix Amsterdam Empire segue le prospettive di Jack Van Doorn, il leggendario fondatore della catena di coffeeshop The Jackle, e Betty Jones, un’ex pop star. Mentre i due un tempo conducevano una vita felice insieme, la relazione extraconiugale di Jack porta a una rottura irreparabile, e ciò che segue è una guerra totale che minaccia di distruggere tutto ciò che hanno di più caro. Man mano che la storia procede, l’eredità di Jack inizia a crollare sotto il peso dei suoi segreti, e Betty paga il prezzo per aver giocato con il fuoco. I problemi legati al mantenimento della loro attività nel settore della cannabis passano in secondo piano, lasciando spazio ai dubbi sulla loro stessa sopravvivenza. Il finale di questa serie poliziesca sfrutta i semi di mistero sparsi durante tutta la stagione, dando vita a una serie di colpi di scena che ricontestualizzano l’intera storia.

Cosa succede in Amsterdam Empire

“Amsterdam Empire” inizia con Jack Van Doorn, un gigante dell’industria della cannabis e proprietario della catena di coffeeshop The Jackal, che viene ucciso a colpi di pistola nel quartiere a luci rosse di Amsterdam. Da lì, la storia torna indietro di un mese, quando scopriamo che la sua relazione con la personalità televisiva Marjolein Hoffman è stata appena scoperta da sua moglie, Betty Jonkers. Un tempo popstar iconica, Betty ora conduce una vita tranquilla con suo marito, ma il tradimento di Jack scatena una battaglia senza esclusione di colpi tra i due. Sebbene lui cerchi di risolvere rapidamente la situazione rinunciando alla sua casa e a metà del suo patrimonio, Betty punta più in alto e chiede il controllo di The Jackal, con grande disappunto di lui. La situazione peggiora quando Betty scopre che Marjolein è incinta di Jack e che la coppia ha intenzione di sposarsi al più presto. Infuriata, Betty inizia a mettere in atto una serie di tattiche subdole per distruggere l’attività di Jack e la sua relazione con Marjolein.

Il primo atto di ribellione di Betty si rivela il più terribile, poiché rivela alla polizia l’esatta ubicazione della fattoria illegale di cannabis di Jack. Quando Jack incoraggia il suo socio Guido a fuggire, quest’ultimo rifiuta, provocando una violenta lite che si conclude con la morte di Guido. Jack inscena abilmente la morte come un suicidio e torna alla sua vita normale, con Betty come unica persona sospettosa. Da quel momento, Betty rivolge la sua rabbia verso Marjolein e rende pubblica la notizia della sua relazione e della sua gravidanza. Facendo un ulteriore passo avanti, Betty entra nel telefono di Jack e divulga al pubblico un video intimo di Marjolein. Jack, che sta perdendo uno dopo l’altro tutti i suoi punti di forza, decide di chiedere aiuto a una losca banda di coltivatori di cannabis, conosciuta come i Tichelaars. Sebbene sua figlia Katya gli sconsigli di farlo, Jack non batte ciglio e si addentra liberamente nel mondo del crimine organizzato.

Mentre Betty approfondisce i suoi stratagemmi, i Tichelaars la considerano un problema che deve essere risolto immediatamente. Tuttavia, all’ultimo minuto, lei riesce a convincerli a stare dalla sua parte, promettendo il controllo completo di The Jackal. Nelle battaglie legali che seguono, sia Jack che Betty espongono le loro argomentazioni e alla fine raggiungono un punto morto. Tuttavia, i Tichelaars continuano a diventare impazienti, costringendola a diventare astuta. Dopo una ricerca approfondita, Betty rintraccia alcuni dei maggiori azionisti di The Jackle e li esorta a collaborare con lei in un piano per abbattere Jack. Si avvicina all’obiettivo quando parla con Shanti, ex compagna di Jack e madre di Katya, ma proprio quando le cose sembrano andare per il verso giusto, i Tichelaars rivelano di avere altri piani. Con la polizia e la mafia che conducono un’accusa su due fronti, Jack è intrappolato in un ciclo apparentemente infinito, e lo stesso vale per Betty.

Chi ha sparato a Jack? È vivo o morto?

Famke Janssen nella serie Amsterdam Empire

Verso la fine della prima stagione di “Amsterdam”, scopriamo che Jack è stato ucciso proprio dai suoi ex alleati, i Tichelaars. Nello specifico, è Noud, il braccio destro della banda criminale, a premere il grilletto, mentre Gijs orchestra l’intera scena. Anche se il colpo non uccide immediatamente Jack, questi entra in coma e ha inizio una tensione battaglia tra la vita e la morte. Nel finale, intitolato “Fire”, Jack riprende finalmente conoscenza, ma con la consapevolezza di una fine imminente. Senza perdere un secondo, usa ogni grammo della sua energia per reindirizzare l’attenzione su sua figlia Katya e sui Tichelaars, che probabilmente lo stanno ancora cercando. Con Marjolein al suo fianco, Jack si prepara quindi a un lungo percorso di recupero, in cui ogni minuto è prezioso. In particolare, il tentativo di assassinio mette in prospettiva molti dei filoni narrativi, e sia Betty che Katya sembrano mettere in pausa la loro rivalità con Jack, rendendosi conto che c’è un nemico più grande in gioco.

Mentre i Tichelaars iniziano come soci in affari di Jack, le cose si complicano quando gli stratagemmi di Betty iniziano a ostacolare attivamente la produzione e la vendita di cannabis. Nel tentativo di risolvere il problema sul nascere, Gijs decide di uccidere Betty, ma cambia idea quando sente la sua controfferta. Ribaltando la situazione, Betty rivela un modo attraverso il quale la banda criminale può assumere il controllo completo di The Jackal, e Gijs non ci pensa due volte prima di cambiare schieramento. Tuttavia, quando tutti gli elaborati piani di Betty non riescono a farle vincere la battaglia legale per la proprietà di The Jackal, i Tichelaars diventano impazienti e decidono di prendere in mano la situazione. Il tentativo di assassinio di Jack è il risultato diretto di questa svolta contorta degli eventi, e la presenza di Betty in quel momento diventa la base del suo cambiamento di opinione. Dato che l’attacco di Betty alle piantagioni di cannabis è la ragione per cui i Tichelaars sono stati coinvolti in primo luogo, la sua successiva resistenza nei loro confronti chiude il cerchio della storia.

All’inizio della storia, Katya è la prima a cercare di allontanare Jack dalla sua collaborazione con i Tichelaars, eppure numerose altre scene della serie suggeriscono che Jack sia coinvolto nella malavita da parecchio tempo. La sua spietatezza nel trattare chi gli si oppone è evidente nel modo in cui si sbarazza di Guido, che un tempo era il suo migliore amico nel settore. Pertanto, l’attacco dei Tichelaars alla sua vita ribadisce la tragedia insita nello stile di vita che ha scelto, e il suo processo di guarigione diventa un viaggio tanto psicologico quanto fisico. Anche se il suo rapporto con Marjolein sembra irreparabilmente compromesso, Jack riceve una necessaria lezione di realtà e scopre un nuovo apprezzamento sia per la sua famiglia che per le persone che lo hanno sostenuto in questi tempi difficili. Il fatto che Betty sia una di queste persone complica ulteriormente le cose e riflette l’incapacità di Jack di separare l’orgoglio dal suo processo decisionale.

Chi otterrà il Jackal: Betty o Jack?

Amsterdam Empire The jackal coffeeshop
© Netflix

Con Jack in costante recupero dalla ferita da arma da fuoco, la storia torna al conflitto principale riguardante la proprietà del Jackal. Alla fine, sia Betty che Jack accettano di sedersi a un tavolo e discutere un accordo, ma le cose non vanno proprio come lui si aspettava. La scena che rispecchia le loro trattative nell’episodio 1 è intenzionale, poiché anche qui Betty conferma il suo impegno incrollabile a ottenere il controllo totale sulla catena di caffetterie. Sconvolto, il suo ex marito decide di passare all’offensiva, ma questo si rivela essere il suo errore fatale. Quando Jack minaccia di creare un fiasco in tribunale, Betty rivela la sua carta vincente: l’accendino di Guido, che ha trovato vicino alla baita di Jack. All’inizio della storia, vediamo che Guido ha segnato il suo accendino con il suo nome per evitare che venisse rubato, e quel dettaglio ritorna nel finale per svelare il segreto più oscuro di Jack: che ha ucciso il suo socio in affari.

Alla fine, Betty ottiene il controllo completo di The Jackal minacciando Jack con un’indagine approfondita sulla morte di Guido. Sebbene l’accendino di per sé non incrimini il magnate della cannabis, è sufficiente per attirare l’attenzione della polizia su di lui, il che rende solo una questione di tempo prima che emerga qualche forma di prova. Sapendo questo, Jack si rende conto di essere intrappolato tra l’incudine e il martello e che l’unica via d’uscita è sottomettersi alle richieste di Betty. La sequenza finale dello show assume un aspetto onirico, quando Betty, finalmente vittoriosa, entra nel negozio originale di The Jackal. In particolare, prima di questo momento, l’unica volta che la vediamo entrare nel coffeeshop, o parlarne, è in relazione a Jack, e questa scelta creativa commenta come le sia stata negata la partecipazione per tutto questo tempo, nonostante sia stata una figura fondamentale nel successo di The Jackal. Pertanto, il suo giro d’onore si accompagna a una nuova opportunità nella vita di riconquistare la sua indipendenza dopo uno stile di vita tossico.

Il fatto che Betty abbia rilevato la caffetteria ha anche un significato simbolico legato al nome “The Jackal”. L’ultima scena della stagione riporta alla mente una vecchia intervista che Jack ha rilasciato a Marjolein, in cui ha spiegato il significato del nome e dell’icona della sua azienda. Nonostante gli sciacalli siano animali carnivori tradizionalmente associati all’immagine della caccia, Jack ha una prospettiva diversa e considera lo sciacallo uno degli animali più intelligenti in assoluto. Egli sottolinea il loro processo di caccia, affermando che, a differenza dei canidi più grandi, gli sciacalli preferiscono mimetizzarsi con l’ambiente circostante e attendere pazientemente il momento giusto. In questo modo, l’animale sopravvive ai suoi nemici e sorprende la sua preda nel momento in cui meno se lo aspetta. Sebbene Jack creda di incarnare queste caratteristiche, alla fine è Becky a dimostrarsi una maestra in questo mestiere.

Gijs è morto? Cosa succede ai Tichelaars?

La storia di successo di Betty non è priva di rischi e, oltre a Jack, i Tichelaars sono i suoi avversari più agguerriti. All’inizio, i tentativi di Betty di rilevare la caffetteria nascono come un disperato tentativo di sopravvivenza, poiché Gijs la lascia andare solo a condizione che diventi il proprietario di The Jungle. Tuttavia, quando questo futuro non sembra più probabile, cambia tattica e decide invece di distruggere la famiglia di Jack uno per uno. Alla fine, Betty si allea con Katya e Shanti e escogita un piano elaborato per smantellare definitivamente la banda criminale. Shanti prende l’iniziativa assumendo un assassino, di nome Henry, per rapire Roud e portarlo dentro per interrogarlo. In seguito, Betty lo tortura, sia per recuperare la password del suo telefono che per aver aggredito Jack. Noud cede presto, dando a Betty e alla sua banda pieno accesso alla rete dei Tichelaar, che usano per attirare Gijs nella baita.

Sebbene Henry abbia il compito di eliminare Gijs e il resto dei Tichelaar prima che possano mettere piede nella baita, il piano fallisce e Gijs dimostra di essere il capo della banda criminale massacrando da solo l’intera banda di Henry. Tuttavia, senza più nessuno della sua squadra in vita, Gijs si ritrova in una posizione vulnerabile, e questo dà a Betty, Katya e Shanti il sopravvento nello scontro finale. Dopo aver ucciso accidentalmente Noud, Gijs, infuriato, sta per sconfiggere tutti e tre, ma Betty gli brucia il viso, dando a Katya l’occasione di trafiggerlo con un attizzatoio, che gli toglie rapidamente la vita. Con questo, l’intera banda di Tichelaar viene spazzata via in un colpo solo, e il trio torna con sicurezza all’ospedale, sapendo che ora sono tutti al sicuro dagli occhi dei criminali. Il legame di Gijs con entrambe le parti in causa contribuisce a mettere in evidenza i difetti sia di Betty che di Jack, e a tal fine, il suo ruolo di nemico comune aiuta a colmare le lacune nella narrazione.

The Jackal di Amsterdam Empire è basato su una vera catena di coffeeshop?

Creata da Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, la serie Netflix Amsterdam Empire  racconta la storia di Betty Jonkers, un’ex popstar la cui vita viene sconvolta quando scopre che suo marito ha una relazione extraconiugale. Jack Von Doorn è una delle persone più potenti e influenti dal punto di vista culturale di Amsterdam, ma il vaso di Pandora che nasconde dentro di sé crea più problemi del previsto quando sua moglie diventa la sua nemica numero uno. Ciò che segue in questo crime drama olandese è una crisi di proporzioni epiche, poiché l’impero milionario di Jack rischia di crollare sotto il peso dei suoi stessi errori. Il fulcro della storia è capire se la raffica di attacchi di Betty si fermerà prima di finire per ferire lei stessa. Nel corso della storia, il lavoro di una vita di Jack, una catena di coffee shop chiamata The Jackal, passa dall’essere un semplice sfondo a uno spazio liminale che permette di accedere alle vite e alle menti dei personaggi, dentro e fuori.

The Jackal presenta vaghi parallelismi con una catena di coffee shop reale con sede ad Amsterdam

Sebbene The Jackal sia una caffetteria immaginaria creata dagli scrittori Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, il concetto di locali che vendono cannabis è tratto direttamente dalla realtà. Nei Paesi Bassi, la vendita, l’acquisto e l’uso ricreativo della cannabis sono consentiti nelle caffetterie autorizzate, che nel tempo hanno portato alla creazione di un’intera sottocultura urbana. Sebbene esistano numerose attività commerciali orientate alla cannabis in tutto il paese, e in particolare nella capitale Amsterdam, pochissime eguagliano la popolarità di cui gode The Jackal in “Amsterdam Empire”. Soprannominato il coffeeshop più iconico di tutti, The Jackal funge da emblema narrativo con una presenza più grande della vita, rendendo difficile stabilire collegamenti diretti con la realtà. Sebbene non sia stato confermato che una catena di coffeeshop abbia ispirato il locale immaginario, una società di cannabis reale, nota come The Bulldog, spicca come potenziale base.

Fondata nel 1975, The Bulldog ha iniziato la sua attività come un unico coffeeshop situato nel cuore del quartiere a luci rosse di Amsterdam, il che stabilisce immediatamente un punto in comune con la sua controparte immaginaria. Da lì, The Bulldog si è gradualmente espansa fino a diventare una catena di caffetterie, prima di aprire cannabis café, hotel e club che l’hanno trasformata in una potenza del settore. Oggi l’azienda è sinonimo della stessa cultura dei coffeeshop e ha riscosso un successo internazionale, entrando persino in Canada. Questa traiettoria ricorda molto il percorso di The Jackal nella serie, che ha avuto inizio in modo simile nel quartiere a luci rosse, prima di espandersi in tutto il mondo, compresa la Thailandia. In particolare, il collegamento più evidente tra le due aziende è nel loro nome e nel loro marchio, poiché entrambi fanno riferimento ai cani. In questo senso, sia The Jackal che The Bulldog fanno grande affidamento sulla loro immagine di marca e sul loro patrimonio culturale, rendendo le somiglianze ancora più evidenti.

Sebbene si possa sostenere con forza che The Bulldog sia stata la principale fonte di ispirazione per The Jackal, l’assenza di una conferma ufficiale spinge questa idea nel regno delle speculazioni. Inoltre, a differenza del suo omologo immaginario, The Bulldog non è associato a controversie relative alle sue attività. Nella vita reale, i coffee shop possono vedersi revocare la licenza se le autorità scoprono la vendita di droghe pesanti o alcolici all’interno dei locali. Ancora più importante, la vendita di cannabis, o di qualsiasi forma di droga, è severamente vietata in questi locali, e questo diventa più evidente man mano che la serie procede. Jack Van Doorn, fondatore e proprietario di The Jackal, gioca spesso con i limiti della legge e dell’ordine, e questo finisce per creare una serie di problemi alla sua azienda man mano che gli episodi vanno avanti.

L’eredità di The Jackal al centro della scena in Amsterdam Empire

Famke Janssen nella serie Amsterdam Empire

Secondo quanto riportato, la troupe di “Amsterdam Empire” ha allestito il set in una location in affitto vicino a Zeedijk street, nel quartiere a luci rosse, per dare vita a The Jackal. La vicinanza della location al negozio originale Bulldog, situato in Oudezijds Voorburgwal 90, 1012, rafforza solo la possibilità che gli sceneggiatori abbiano tratto ispirazione da questo gigante dell’industria della cannabis nella vita reale. A tal fine, c’è la possibilità che il personaggio di Jack Van Doorn sia basato su Henk de Vries, fondatore di The Bulldog e magnate delle droghe leggere. Tuttavia, dato che le somiglianze sono in gran parte superficiali, non si può dire con certezza se questi scenari reali costituiscano la base potenziale della serie. È quindi altrettanto probabile che The Jackal sia basato su un insieme di diversi coffee shop iconici che si trovano nelle vivaci strade di Amsterdam, con un’ampia ricerca sulla storia di questi locali che probabilmente ha aiutato il processo di costruzione del mondo.

Man mano che la storia si svolge, scopriamo che il nome della catena di coffee shop, The Jackal, ha un significato narrativo e funge anche da chiave per interpretare e ricontestualizzare diversi dettagli fondamentali. È quindi possibile che il nome e l’identità inventata dell’azienda servano principalmente alla scrittura dei personaggi e alle basi tematiche della serie. I numerosi collegamenti di The Jackal con luoghi reali potrebbero essere ispirati alla storia vera, ma la creatività degli sceneggiatori mantiene le cose fresche. Mentre la storia si concentra inizialmente sulla controversia pubblica che circonda la relazione di Jack, l’attenzione si sposta rapidamente per includere il coffeeshop nell’equazione. La partita a scacchi che ne segue tra Jack e sua moglie Betty mette in evidenza il nucleo umano della storia, dove emozioni tossiche, unite al desiderio di ricchezza e potere, creano colpi di scena drammatici che sono in egual misura realistici e adrenalinici.

Amsterdam Empire di Netflix è basato su una storia vera?

Co-creata da Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, Amsterdam Empire di Netflix è una serie drammatica poliziesca olandese che utilizza il famoso quartiere a luci rosse di Amsterdam come lente per osservare lo spirito del tempo. Jack Van Doorn è un magnate che ha costruito da zero un impero di caffetterie di fama internazionale, ma quando viene scoperto ad avere una relazione extraconiugale, si scatena il finimondo. Tradita, sua moglie Betty cerca vendetta e mette in atto tutti i segreti più oscuri e intimi che ha tenuto nascosti per così tanto tempo. Man mano che ogni pezzo del puzzle viene svelato, entrambe le parti si rendono conto che l’unico modo per uscire da questo pasticcio è ottenere una vittoria schiacciante, ma ciò significa correre rischi che possono fare più male che bene. La serie sfrutta appieno il panorama culturale e urbano di Amsterdam, assicurando che i personaggi e i loro rispettivi percorsi siano intrisi di autenticità.

Amsterdam Empire fa riferimento alla vivace cultura dei coffeeshop dei Paesi Bassi

Sebbene “Amsterdam Empire” sia una storia di fantasia scritta dagli autori Piet Matthys, Nico Moolenaar e Bart Uytdenhouwen, la premessa stessa sembra prendere spunto dai veri coffeeshop dei Paesi Bassi, che molto spesso fungono anche da punti vendita locali di cannabis. Sebbene la vendita, il possesso e l’uso di droghe non medicinali, come la cannabis, siano tecnicamente illegali secondo la legge olandese, l’emergere della gedoogbeleid, ovvero la “politica di tolleranza”, ha visto un aumento della tolleranza generale verso l’uso ricreativo di tali sostanze. A tal fine, la vendita di cannabis in coffeeshop designati e autorizzati è consentita dalle autorità locali, a condizione che non vi sia vendita di droghe pesanti, alcol o qualsiasi forma di droga ai minori. Oltre alla cannabis, questi locali servono tipicamente cibo e bevande, il che nel tempo li trasforma in punti di ritrovo sociali, come si vede nel caso di The Jackal, la catena di coffeeshop di proprietà di Jack nella serie.

Man mano che la storia procede, la legalità dell’impero commerciale di Jack viene messa in discussione numerose volte, con scappatoie relative sia alla produzione che alla vendita di cannabis che vengono scoperte e smantellate in tempo reale. In questo modo, il ritmo serrato della serie offre uno sguardo approfondito sulle ansie della vita reale relative a questi locali, bilanciando le prospettive dei proprietari, dei clienti e delle autorità giudiziarie. Sebbene nessuna catena di coffeeshop nella vita reale possa essere direttamente collegata a The Jackal come fonte di ispirazione, la famosa azienda di cannabis nota come The Bulldog potrebbe essere servita da punto di riferimento. L’azienda, con sede ad Amsterdam, gestisce una catena di coffeeshop e negozi di fama internazionale che presenta una sorprendente somiglianza con il modello di business di The Jackal. Inoltre, entrambe le aziende prendono il nome da cani e danno molta importanza alla loro immagine di marca, rendendo probabile che il gigante dei coffeeshop abbia servito come base parziale per l’azienda fittizia.

I personaggi di Amsterdam Empire sono radicati in emozioni realistiche

Famke Janssen nella serie Amsterdam Empire

Mentre l’impero della cannabis di Jack fa da sfondo a gran parte della stagione, una forza narrativa altrettanto importante è il dramma interpersonale nella sua famiglia, derivante in gran parte da un conflitto tra lui e sua moglie Betty. L’attrice Famke Janssen, che interpreta il ruolo, ha parlato con Variety della narrazione e delle scelte estetiche fatte dal team creativo della serie. Nell’intervista, Janssen ha descritto in dettaglio l’impegno fisico e psicologico che ha profuso per aggiungere un tocco in più alla sua interpretazione, affermando: “Volevo mettermi alla prova, anche girando un video musicale e imparando a ballare e cantare”. Allo stesso modo, ha citato Paula Abdul, famosa cantante, ballerina e personaggio televisivo, come fonte di ispirazione per l’estetica visiva di Betty, aggiungendo: “Abbiamo cercato ispirazione in tutti (…) e in tutte le altre donne che si esibivano in quel periodo. La loro moda, le loro coreografie”.

Se da un lato la creatività di Janssen ha reso Betty un personaggio ancora più credibile, dall’altro ha anche attinto alla sua psiche. L’attrice, che è anche produttrice esecutiva della serie, ha commentato: “Non volevo che fosse solo una persona rabbiosa e turbolenta; l’abbiamo già visto tutte. Volevo che la rabbia fosse radicata in un dolore e una devastazione reali“. A tal fine, la rappresentazione delle circostanze complesse e delle emozioni che ne derivano è radicata in una comprensione approfondita di come le strutture familiari e domestiche interagiscono con l’idea di potere e controllo. Il co-creatore Nico Moolenaar ha descritto la produzione come un’opportunità per creare un universo narrativo completamente nuovo, che ribadisce la natura fittizia di Amsterdam Empire. Sebbene sia possibile che la serie tragga ispirazione da controversie pubbliche reali, sia nel mondo dello spettacolo che nell’industria dei coffee shop di cannabis, tali sovrapposizioni sono probabilmente di natura casuale.

Heweliusz, la spiegazione del finale: Perché è affondato il traghetto Heweliusz?

Diretto da Jan Holoubek, Heweliusz di Netflix segue le vicende di Piotr Binter, un capitano fuori servizio, mentre indaga sul catastrofico disastro marittimo che ha coinvolto il traghetto di cui era comandante. Quando la notizia dell’affondamento dell’Heweliusz raggiunge il pubblico, ha inizio un crudele gioco di accuse reciproche e Binter, insieme ai sopravvissuti alla tragedia, è costretto a districarsi tra varie versioni contraddittorie per arrivare alla verità su quanto accaduto. Questa serie drammatica polacca, basata su un vero disastro che ha causato la morte di 36 persone, affronta la vicenda dal punto di vista non solo dei sopravvissuti e delle vittime, ma anche delle famiglie che hanno perso i propri cari.

 

Cosa succede in Heweliusz

Sebbene la serie sia strutturata attorno a brevi scorci della notte del disastro del traghetto, gran parte della trama consiste nelle conseguenze, compresa l’indagine che segue. A tal fine, “Heweliusz” inizia con il capitano Piotr Binter che si sveglia e viene a sapere che la nave omonima, che un tempo comandava, sta affondando. Entrando immediatamente in azione, elabora un piano di salvataggio, ma viene interrotto da una burocrazia apparentemente infinita, che questa volta coinvolge in modo sospetto anche l’esercito. Nel frattempo, il caos si diffonde sulla nave, che ormai è quasi capovolta. Mentre i sopravvissuti rimasti si stringono insieme in una scialuppa di salvataggio che sta affondando, gli elicotteri arrivano su un mare pieno di cadaveri. Tra le persone salvate c’è Witek Skirmuntt, un ufficiale a bordo, che è sul punto di collassare a causa dell’ipotermia. Con solo nove sopravvissuti su 36 passeggeri e 29 membri dell’equipaggio, il governo entra in azione e viene istituita una Camera Marittima per condurre un’indagine ufficiale.

La notizia della tragedia si diffonde a macchia d’olio e le famiglie di tutte le persone a bordo si precipitano sul posto, chiedendo risposte. Binter viene portato sul posto per aiutare a identificare i corpi, ma le sue domande sull’incidente vengono respinte con fermezza. La Navica Ferries, la compagnia proprietaria della Heweliusz, fa di tutto per evitare di essere incolpata e, di conseguenza, la Camera Marittima è pronta a dare la colpa al capitano della nave, Andrzej Ułasiewicz, per tutto ciò che è accaduto. Tuttavia, Binter rifiuta questa idea e la sua nomina come uno dei giudici popolari della Camera non fa che amplificare il conflitto. Nel frattempo, Witek si risveglia in un ospedale tedesco e, durante il viaggio di ritorno, scopre di essere stato erroneamente identificato come Marek, una persona morta nel disastro. La moglie di Marek è distrutta dal dolore e Witek deve portare questo fardello con sé durante il viaggio di ritorno a casa, dove riadattarsi alla vita familiare si rivela un compito quasi impossibile.

Con l’odio per il capitano Ułasiewicz che continua ad aumentare a causa delle narrazioni dei media, la vita diventa più difficile per sua moglie Jolanta e sua figlia Aga. Nel frattempo, Binter fa tutto il possibile per garantire che il nome del suo equipaggio non venga infangato durante le indagini, ma ben presto diventa evidente che la Camera è disonesta fin dall’inizio e intende chiudere il caso il più rapidamente possibile. Rifiutandosi di lasciare che ciò accada, Binter mette segretamente in contatto Jolanta con Igancy Budzisz, un avvocato risoluto che accetta di occuparsi del caso. Nel corso delle lunghe indagini della Camera Marittima che seguono, Budzisz dimostra costantemente che il caso dell’opposizione si basa su ipotesi fragili, come quella che l’equipaggio fosse ubriaco durante l’incidente.

Mentre Binter fornisce supporto dall’interno, diventa presto evidente che mancano alcuni pezzi del puzzle. Ulteriori indagini rivelano che la nave trasportava circa 30 tonnellate di peso non dichiarato, proveniente in gran parte da carichi approvati dall’esercito. Binter sospetta che i camion trasportassero armi in Polonia, ma senza prove a sostegno delle sue affermazioni, si trova con le spalle al muro. Inoltre, non sembra esserci alcuna spiegazione per la decisione del capitano di virare la nave nel mezzo della tempesta. Tuttavia, con l’aiuto di Witek, Binter arriva a una rivelazione che sembra collegare entrambi i misteri, ma gran parte della battaglia deve ancora essere combattuta.

Finale di Heweliusz: come è affondato davvero il traghetto? Perché il capitano ha virato la nave?

Heweliusz Serie tv

Nel finale di “Heweliusz”, la Camera Marittima attribuisce l’intera responsabilità della tragedia dell’Heweliusz al capitano Andrzej Ułasiewicz, citando i problemi strutturali del traghetto e le condizioni meteorologiche avverse come fattori secondari. Tuttavia, il mistero rimane lontano dall’essere risolto, poiché diversi dettagli svelati durante le indagini indicano una cospirazione più ampia. Al centro del caso c’è l’inspiegabile decisione del capitano di virare il traghetto a metà percorso, durante la tempesta, poiché la perdita di slancio e stabilità è ciò che ha portato al fatale ribaltamento. Tuttavia, con Witek che si rifiuta di fornire risposte chiare, Binter è costretto a prendere in mano la situazione. Ascoltando gli archivi delle trasmissioni radiofoniche tedesche del 14 gennaio, Binter scopre un dettaglio sorprendente che sembra essere stato intenzionalmente omesso dai fascicoli del caso: la presenza di una seconda nave proprio accanto alla Heweliusz in quel fatidico giorno.

La rivelazione contenuta nei nastri audio collega i flashback precedentemente mostrati di una nave, nota come Kempen, che appare proprio accanto alla Heweliusz al culmine della tempesta. Tuttavia, mentre nelle versioni precedenti la vediamo come una nave di soccorso costretta a ritirarsi a causa di circostanze impreviste, le registrazioni la mettono sotto una luce completamente nuova. Con Ułasiewicz profondamente addormentato, Witek assume temporaneamente il comando della nave e, notando la Kempen, commette l’errore di fermare il traghetto. Questo scuote il capitano, che si risveglia e riprende il controllo del timone in pochi minuti, ma ormai è troppo tardi. Con i motori incapaci di superare le correnti, Heweliusz inizia a inclinarsi in una direzione. Peggio ancora, la posizione scomoda della Kempen costringe Heweliusz a una brusca virata, compromettendo ulteriormente il suo equilibrio. Quando i camion sovraccarichi si liberano dalle catene sotto pressione, il loro peso combinato dà il colpo di grazia al traghetto, che si capovolge.

Sebbene alla Camera Marittima siano stati presentati numerosi fatti riguardanti la costruzione difettosa della nave, tra cui l’eccesso di cemento versato sul ponte e la porta di poppa non riparata, la commissione rifiuta di prestare molta attenzione, probabilmente per allontanare la colpa dalla Navica Ferries. Peggio ancora, l’idea che il capitano Ułasiewicz e il suo equipaggio fossero ubriachi durante il viaggio viene forzatamente trasformata nel punto centrale della discussione, e tutto ciò si traduce in un rapporto sbilanciato e inaffidabile. A tal fine, la sentenza ufficiale ribadisce l’idea che il capitano della nave ha l’ultima parola sul destino di una nave. Tuttavia, la struttura narrativa della serie permette di mettere in discussione le insidie di questo concetto e, grazie agli sforzi congiunti di Binter, Budzisz e Witek, la maggior parte degli eventi che hanno portato al disastro vengono almeno portati all’attenzione del pubblico. Sebbene il capitano abbia avuto un ruolo nella tragedia, sono state le decisioni sconsiderate degli armatori, unite ai problemi già esistenti della nave, a causarne il ribaltamento.

Witek si suicida? Perché?

Sebbene il capitano Andrzej Ułasiewicz si assuma postumo la responsabilità del disastro della Heweliusz, apprendiamo che la decisione spontanea di Witek di fermare il traghetto ha un ruolo importante nel suo crollo finale. Anche se questo errore non si traduce necessariamente in colpevolezza, Witek non riesce a liberarsi dal senso di colpa. Nella sequenza finale di “Heweliusz”, Witek sembra saltare da una nave nel tentativo di togliersi la vita. Anche se subito dopo viene lanciato un appello per il soccorso, non sappiamo se viene salvato o se muore proprio lì. Tuttavia, dato lo stato mentale di Witek, il suo tentativo di suicidio ha un carattere definitivo e, di conseguenza, c’è una forte possibilità che alla fine muoia. Il fatto che, prima dell’episodio finale, Witek sembrasse essere sul punto di una guarigione psicologica rende il suo destino ancora più impactante, oltre che stimolante a livello tematico.

Mentre è in ospedale dopo il disastro del traghetto, Witek racconta al suo medico un’esperienza soprannaturale, attraverso la quale prevede con precisione la presenza di un buco nella parte posteriore del suo giubbotto di salvataggio, cosa che non aveva modo di sapere. Dopo aver sentito questo, il medico ricorda un altro paziente, che ha descritto qualcosa al di fuori della sua portata sensoriale pochi istanti prima della morte, e Witek lo collega all’aver avuto un’esperienza extracorporea durante il ribaltamento. Nonostante sia uno scambio breve, questa scena ha un immenso valore simbolico e, alla luce della sua conclusione, l’affermazione di Witek di sentirsi fuori dal proprio corpo può essere interpretata come la sua pulsione di morte. A tal fine, la sua decisione di tentare il suicidio annegandosi richiama implicitamente il modo in cui sono morti la maggior parte dei suoi compagni di equipaggio a bordo dell’Heweliusz, ed è possibile che Witek senta il bisogno di ricongiungersi con loro.

Considerando come Witek viene presentato nel corso della serie, gran parte del suo sviluppo psicologico è di natura implicita, e questo rende la sua decisione di togliersi la vita piuttosto complessa. Sebbene rifiuti categoricamente l’idea di essere stato lui a causare l’incidente, una parte di lui probabilmente porta quel peso. Con il complesso del sopravvissuto, il fatto di non essere riuscito a salvare il capitano dall’essere incolpato rappresenta un altro duro colpo per la sua psiche. A coronamento di tutto ciò, il fatto che al suo arrivo venga scambiato per un’altra persona rappresenta un altro segnale di morte incorporato nel suo arco narrativo fin dall’inizio. Poiché la narrazione indica chiaramente che si è tolto la vita, la domanda ora riguarda anche sua moglie e il loro bambino appena nato. Il fatto che Witek abbia compiuto quel salto nonostante fosse consapevole della loro impotenza la dice lunga sull’intensità del suo tumulto interiore.

La morte di Binter è stata un omicidio o un incidente?

Mentre l’ambiguità del destino di Witek è in gran parte una questione di intenzioni, con Binter entrano in gioco tutte le forze oscure della narrazione. Dopo aver scoperto il contenuto del nastro, comunica immediatamente la notizia a Budzisz e poi sale in macchina per un lungo viaggio di ritorno all’udienza. Tuttavia, in un altro colpo di scena sbalorditivo, il giorno dopo apprendiamo che Binter è morto in un incidente stradale. In particolare, la sua morte sembra aver fatto miracoli per la Camera Marittima, che finalmente ottiene il controllo completo sul processo di costruzione della narrazione e emette una sentenza unanime, dichiarando Ułasiewicz colpevole. Pertanto, la morte di Binter è, com’era prevedibile, avvolta dal sospetto e dalla cospirazione, con una forte possibilità che sia stato assassinato per rendere il caso più facile da gestire. Sebbene non vi siano indicazioni evidenti in tal senso nella narrazione, la tempistica stranamente conveniente e la natura misteriosa del suo incidente avvalorano questa ipotesi.

In un breve flashback dell’incidente, vediamo un camion apparire proprio davanti a Binter, schiacciando la sua auto e scaraventandolo fuori strada. Sebbene Binter sembri essere sopravvissuto all’impatto iniziale, l’incendio che ne è seguito lo uccide. Il fatto che l’autista del camion abbandoni la scena senza tentare in alcun modo di aiutare Binter rende la scena più simile a un omicidio che a un incidente. Inoltre, il fatto che si tratti di un camion è rilevante, poiché sappiamo che in precedenza, all’ultimo minuto, alcuni misteriosi camion erano stati caricati all’interno dell’Heweliusz. A tal fine, è molto probabile che dietro entrambi gli incidenti ci fossero le stesse forze, che hanno agito dietro le quinte per garantire che la verità non venisse mai a galla. La morte di Binter non solo spegne le ultime speranze di un procedimento onesto, ma si aggiunge al motivo generale delle persone associate a Heweliusz che, in un modo o nell’altro, incontrano spiritualmente la loro fine.

Cosa è successo ai nastri? Dov’è la nave Kempen?

Per uno scherzo crudele del destino, durante il viaggio di ritorno, Binter finisce per trasportare la copia originale delle registrazioni tedesche. A causa dell’incendio che divampa nell’auto poco dopo l’incidente, le registrazioni finiscono per bruciare e andare distrutte, e con esse l’unica prova a disposizione di Budzisz. Rifiutandosi di arrendersi, tuttavia, l’avvocato riferisce tutto ciò che Binter gli ha detto durante la loro ultima telefonata. Sebbene le sue parole sembrino convincenti, l’assenza di prove concrete le rende irrilevanti. Anche se la morte di Binter è di per sé sospetta, è improbabile che la Camera Marittima, o qualsiasi autorità superiore, si allarmi così rapidamente per i nastri. Tuttavia, senza una chiara comprensione di ciò che è accaduto, c’è la possibilità che i nastri non siano stati distrutti, ma rubati, con l’incendio che funge da copertura perfetta.

Con le registrazioni apparentemente perdute per sempre, anche la questione dell’esistenza di Kempen, per non parlare della sua riscoperta, rimane senza risposta nei momenti finali di “Heweliusz”. All’inizio dello spettacolo, Binter si chiede perché alcuni dei corpi recuperati sembrino essere stati massacrati e, sebbene per molto tempo non venga fornita una risposta chiara, alcuni scorci del disastro del traghetto e del coinvolgimento di Kempen in esso aiutano a ricostruire una risposta. Data la vicinanza della nave all’Heweliusz, è possibile che alcuni membri dell’equipaggio e passeggeri siano rimasti intrappolati nell’elica del Kempen, riportando ferite. Allarmati dal potenziale rischio di incriminazione, l’equipaggio di Kempen ha deciso di fuggire dalla scena, senza lasciare alcuna traccia della propria esistenza. Tuttavia, i nastri probabilmente non sono l’unica prova della loro esistenza e il fatto che Budzisz conosca il nome della nave fa pensare a una potenziale nuova indagine in futuro.