Cold Skin – La creatura di Atlantide è un film del 2017 diretto da Xavier Gens che mescola elementi di horror, fantascienza e thriller psicologico in un contesto atmosferico e desolato (similmente a quanto poi fatto, con le ovvie differenze, da The Lighthouse). Ambientato su un’isola remota e spazzata dai venti nell’Atlantico del Sud, il film si inserisce nel solco della tradizione del “survival horror”, con una narrazione claustrofobica in cui il protagonista deve affrontare non solo mostruose creature anfibie ma anche i propri limiti psicologici e morali. Il film si ispira all’omonimo romanzo di Albert Sánchez Piñol, noto per la sua capacità di fondere introspezione umana e horror lovecraftiano.

Una delle particolarità più evidenti dell’opera è l’equilibrio tra introspezione esistenziale e tensione fisica. Cold Skin – La creatura di Atlantide non si limita infatti a proporre lo scontro tra uomo e mostro, ma riflette anche sulla solitudine, sull’alienazione e sul bisogno di connessione. La creatura anfibia, interpretata con grande sensibilità fisica da Aura Garrido, è al centro di un rapporto ambiguo e disturbante che sfida le categorie classiche del bene e del male. Il paesaggio selvaggio dell’isola, con il suo faro inospitale e il mare in tempesta, contribuisce infine a creare un’atmosfera rarefatta e inquieta che avvolge l’intera vicenda.

Dietro le suggestioni visive e i momenti di puro terrore, Cold Skin – La creatura di Atlantide si nutre anche di antiche leggende legate agli abissi marini e agli incontri con specie sconosciute. Temi cari alla narrativa fantastica e al mito di Atlantide si intrecciano con una riflessione sulla brutalità coloniale, la paura del diverso e la capacità (o l’incapacità) dell’essere umano di accettare ciò che non comprende. Nei prossimi paragrafi, analizzeremo nel dettaglio il significato del finale del film, cercando di capire cosa accade realmente sull’isola e come il protagonista evolve nel suo rapporto con le creature e con se stesso.

La trama di Cold Skin – La creatura di Atlantide

Il racconto prende il via nell’anno 1914, poco dopo l’assassinio di Francesco Ferdinando e il conseguente scoppio della Prima guerra mondiale. In una remota isola del Circolo Artico fa il suo arrivo Friend (David Oakes), ex combattente dell’IRA incaricato di risiedere lì per un anno, con il compito di registrare e misurare gli eventi atmosferici. Costretto a vivere in solitudine in una terra remota fino all’arrivo del successivo osservatore meteorologico, il giovane irlandese si ritrova bloccato su un’isola abitata da ostili creature anfibie provenienti dal mare.

Per dodici mesi l’uomo trascorre così le giornate all’interno della cabina di un faro, dove si trova il vecchio guardiano Gruner (Ray Stevenson), un folle e solitario ufficiale accompagnato da una misteriosa creatura di nome Aneris (Aura Garrido), trattata come animale da compagnia. Forse è proprio quest’ultima il motivo del conflitto nato tra le strane creature e gli esseri umani. Più Friend cercherà di andare alla scoperta dietro la natura di queste misteriose creature, più porterà alla luce un antico segreto che si rivelerà estremamente pericoloso.

La spiegazione del finale del film

Nelle sequenze finali di Cold Skin – La creatura di Atlantide, il protagonista decide di restare sull’isola dopo che la sua missione di un anno giunge al termine. La nave che dovrebbe portarlo via attracca brevemente, ma lui rifiuta l’opportunità di lasciare quel luogo ostile, preferendo restare accanto alla creatura anfibia Aneris. Questa scelta rappresenta un netto distacco dalla sua condizione iniziale di studioso razionale e isolato, segnando una trasformazione profonda nel suo modo di percepire il mondo, il diverso e se stesso. Parallelamente, Gruner, il vecchio guardiano del faro, muore durante un attacco delle creature marine, lasciando definitivamente al protagonista il compito di decidere cosa fare del proprio futuro.

Il momento culminante arriva quando l’osservatore decide di non combattere più le creature, ma di convivere pacificamente con esse. L’ultima scena lo mostra seduto nel faro, ora guardiano a sua volta, mentre osserva Aneris allontanarsi nel mare. I ruoli si sono ribaltati: dove un tempo c’era paura, ora c’è accettazione; dove regnava la guerra, ora c’è una fragile tregua. La decisione del protagonista non è dettata da rassegnazione, ma da una rinnovata consapevolezza, frutto della convivenza con ciò che inizialmente percepiva come mostruoso. Non viene fornita una chiusura netta o rassicurante, ma piuttosto una nuova condizione di equilibrio tra umani e creature anfibie, lasciando al pubblico il compito di interpretarne la tenuta nel tempo.

Il significato del finale è strettamente legato ai temi centrali del film: la paura dell’ignoto, il confine tra civiltà e barbarie, la natura mutevole dell’umanità. Il protagonista attraversa un processo di trasformazione che lo porta a mettere in discussione le convenzioni sociali, morali e persino biologiche. Rifiuta la violenza cieca rappresentata da Gruner e abbraccia un’esistenza fatta di comprensione e rispetto, anche verso chi è radicalmente diverso da lui. L’amicizia, l’empatia e la convivenza diventano le nuove armi contro l’orrore, suggerendo che la vera salvezza non è nella fuga o nella distruzione del nemico, ma nell’accettazione della complessità dell’altro.

In questo senso, Cold Skin – La creatura di Atlantide si rivela un racconto allegorico sul colonialismo, sull’identità e sull’umanizzazione del “diverso”. Il protagonista sceglie di non tornare nel mondo civilizzato perché ha scoperto una nuova verità sull’umanità: ciò che temiamo e attacchiamo spesso è solo il riflesso della nostra ignoranza. Il suo gesto finale – restare sull’isola – non è un atto di rinuncia, ma una forma di resistenza silenziosa a una civiltà che preferisce distruggere ciò che non capisce. Un finale malinconico e potente, che lascia spazio alla riflessione sulla natura dell’uomo e sulla possibilità di evolvere verso una convivenza più profonda e sincera.

Femme Fatale, diretto da Brian De Palma e uscito nel 2002, rappresenta uno dei capitoli più audaci e sperimentali nella filmografia del regista. Celebre per il suo stile visivo inconfondibile e per l’omaggio costante al cinema di Alfred Hitchcock, De Palma costruisce con questo film un thriller erotico e ingannevole, denso di rimandi cinefili, giochi di specchi e ribaltamenti narrativi. Con Rebecca Romijn (celebre Mystica nei primi film degli X-Men) nei panni di una misteriosa truffatrice e Antonio Banderas in quelli di un fotografo coinvolto suo malgrado in un intrigo internazionale, Femme Fatale si presenta come un’opera ambiziosa e seduttiva, in cui nulla è come sembra.

Il film si muove all’interno del genere noir, ma lo rilegge con uno sguardo metacinematografico, alternando scene ad alto tasso di tensione a momenti più onirici e surreali. L’intreccio si dipana attraverso colpi di scena e sequenze visivamente virtuosistiche – come l’incredibile furto al Festival di Cannes nei minuti iniziali – rivelando ben presto il gusto di De Palma per la manipolazione narrativa e la disorientante fluidità dei punti di vista. La protagonista femminile, seducente e ambigua, incarna alla perfezione l’archetipo della “femme fatale”, ma si fa anche simbolo di un’identità in continuo mutamento, capace di sfuggire a ogni definizione.

Uno degli elementi più affascinanti del film è proprio il suo finale, che spiazza lo spettatore e rimescola completamente le carte narrative, costringendo a tornare indietro alla ricerca di indizi che anticipino questa conclusione. Nei paragrafi successivi di questo articolo analizzeremo nel dettaglio proprio le ultime scene di Femme Fatale, offrendo una spiegazione che ne chiarisca la struttura, il significato simbolico e la rilettura del genere noir da parte di De Palma. Perché il film, dietro il suo velo di mistero e sensualità, cela un complesso gioco tra illusione e realtà, destino e libero arbitrio, che merita di essere decifrato con attenzione.

La trama di Femme Fatale

Il film segue le vicende di Laure Ash (Rebecca Romijn), abile, esperta ed affascinante ladra. La storia prende il via nel 2001 in Francia: al Festival di Cannes sfilano sul red carpet le star del cinema, tra cui la modella Veronica (Rie Rasmussen), vestita unicamente da un preziosissimo gioiello a forma di serpente, fatto di oro e diamanti. Fingendosi una fotoreporter, Laure riesce a entrare e a sedurre la vip a cui ha intenzione di rubare il prezioso abito. Tuttavia qualcosa va storto e la ladra si trova costretta a scappare con la refurtiva, lasciando i complici Black Tie (Eriq Ebouaney) e Racine in balia della polizia.

Passano sette anni, durante i quali Laure ha assunto l’identità di Lily – una parigina a lei perfettamente identica, suicidatasi dopo la morte del marito e del figlio – e si è trasferita negli Stati Uniti, dove si è sposata con il ricco diplomatico Bruce Watts (Peter Coyote). Durante un viaggio col marito a Parigi, la donna viene fotografata dal paparazzo Nicolas Bardo (Antonio Banderas): l’immagine arriva all’attenzione di Black Tie, da poco uscito di prigione per la rapina di sette anni prima. Per Laure è dunque arrivato finalmente il momento di fare i conti col passato.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Femme Fatale, la narrazione prende una svolta vertiginosa che rimescola l’intero impianto del film. Dopo una lunga fuga e una serie di rivelazioni ingannevoli, Laure si ritrova dunque coinvolta in un pericoloso intrigo che la mette di fronte ai suoi vecchi complici, decisi a vendicarsi per il doppio gioco da lei orchestrato anni prima. Nel crescendo finale, Laure è catturata proprio dai suoi ex complici che la torturano per sapere dove ha nascosto i gioielli. Il paparazzo Nicolas tenta invano di salvarla, e in un momento di estrema tensione, la situazione precipita in tragedia: Laure viene uccisa. È a questo punto che il film sorprende lo spettatore con un colpo di scena destabilizzante.

Laure si sveglia improvvisamente nella vasca da bagno dell’hotel, rendendosi conto che tutto quanto accaduto dopo il furto – dall’incontro con Nicolas alla sua stessa morte – non è altro che un sogno o una visione premonitrice. Ha ricevuto una sorta di secondo sguardo sul futuro che la attende se sceglierà di tradire i suoi complici. Laure, a questo punto, decide di cambiare il corso degli eventi. Si reca sul luogo del crimine e, armata di questa nuova consapevolezza, riorganizza il furto in modo che vada diversamente. Tradisce comunque i suoi complici, ma in modo meno crudele, riuscendo a eludere ogni vendetta futura. Rinuncia alla vita da fuggitiva e lascia la Francia con una nuova identità.

Nel finale definitivo, Nicolas la rivede casualmente in strada, ma lei scompare tra la folla lasciandogli soltanto un sorriso enigmatico. La scena conclusiva suggerisce che Laure sia riuscita a riscrivere il suo destino, ma anche che il confine tra realtà e illusione resti sottilissimo. Il finale di Femme Fatale si colloca dunque nel solco della poetica di Brian De Palma, maestro del doppio fondo narrativo, dell’ambiguità e del cinema che riflette su se stesso. Il sogno premonitore che salva la protagonista non è solo un escamotage per ribaltare la trama, ma un dispositivo che interroga la possibilità stessa di riscrivere la realtà attraverso la finzione.

Laure, che ha vissuto la morte nel sogno, sceglie di agire diversamente, rifiutando l’autodistruzione tipica della classica femme fatale e trovando una propria via d’uscita. Il finale, quindi, non solo destabilizza lo spettatore, ma ne riformula le attese. Tematicamente, dunque, il film affronta il libero arbitrio, la colpa e la possibilità di redenzione attraverso una narrazione circolare e metafilmica. Femme Fatale non è solo un omaggio al noir classico, ma anche una riflessione postmoderna sulla costruzione dell’identità e sull’illusione cinematografica. Come spesso accade nei film di De Palma, l’immagine domina, la verità è soggetta a manipolazione e ogni certezza può dissolversi in un riflesso.

Dopo aver conquistato il pubblico con la sua miscela di romanticismo e comicità amara, Non mi scaricare (Forgetting Sarah Marshall) è finalmente tornato disponibile su Netflix, riscuotendo nuova attenzione anche tra le generazioni più giovani. Il film del 2008, scritto e interpretato da Jason Segel e diretto da Nicholas Stoller, è diventato nel tempo un piccolo cult della commedia sentimentale, grazie anche a un cast d’eccezione che include Kristen Bell, Mila Kunis, Russell Brand e Jonah Hill. Ma oltre alle risate e alle situazioni surreali, la pellicola offre uno sguardo sorprendentemente autentico sul dolore, la rinascita e il bisogno di lasciar andare.

Cosa succede in Non mi scaricare

Peter Bretter (Jason Segel) è un compositore musicale di Los Angeles, devastato dalla rottura con la celebre attrice televisiva Sarah Marshall (Kristen Bell), sua compagna da cinque anni. Nel tentativo di superare il dolore, decide di partire per le Hawaii, ma scopre che Sarah è lì… insieme al suo nuovo fidanzato, la rockstar egocentrica Aldous Snow (Russell Brand).

Lontano dall’essere un rifugio di pace, la vacanza si trasforma in una serie di imbarazzanti incontri e dolorosi ricordi. Tuttavia, nel resort Peter fa la conoscenza di Rachel (Mila Kunis), un’impiegata del luogo gentile e piena di spirito, che lo aiuta gradualmente a ritrovare sé stesso. Mentre cerca di dimenticare Sarah, Peter scopre la possibilità di un nuovo amore e una ritrovata autostima.

Spiegazione del finale di Non mi scaricare

Nel finale del film, Peter riesce finalmente a rompere il legame emotivo con Sarah, rifiutando il suo tentativo di riconciliazione. La scena è significativa perché mostra quanto Peter sia cresciuto: non è più l’uomo disperato che mendica attenzioni, ma qualcuno che ha imparato a vivere da solo e a riconoscere ciò che merita davvero.

Dopo essere tornato a Los Angeles e aver messo in scena il suo musical comico sui Dracula (sì, con marionette!), Peter riceve la visita inaspettata di Rachel, che decide di dargli una seconda possibilità. Il loro ricongiungimento non è solo romantico, ma rappresenta anche il coronamento del viaggio interiore di Peter: dalla dipendenza emotiva alla consapevolezza di sé.

Considerazioni finali

Non mi scaricare non è solo una commedia brillante, ma anche un racconto sincero sul superare una rottura, sul lasciarsi guarire dal tempo e dall’incontro con nuove persone. Il ritorno su Netflix è l’occasione perfetta per (ri)scoprirlo e riflettere su quanto, a volte, dimenticare qualcuno sia solo il primo passo per ritrovare sé stessi.