Le assaggiatrici, tratto liberamente dal romanzo di Rosella Postorino e ispirato a testimonianze storiche reali, si chiude con un finale sospeso tra trauma, colpa e desiderio di sopravvivenza. Il film segue un gruppo di donne costrette a diventare assaggiatrici di Adolf Hitler negli ultimi anni della guerra: un servizio quotidiano che le espone a un pericolo costante — la possibilità di essere avvelenate — ma che allo stesso tempo offre loro un paradossale privilegio di sopravvivenza rispetto al resto della popolazione. La protagonista, come nel romanzo, attraversa una trasformazione interiore profonda: dalla paura paralizzante al risveglio dei sensi, dalla solitudine più assoluta a un complicato senso di appartenenza al gruppo. Il finale del film rilegge questa metamorfosi con un tono amaro, mostrando come la sopravvivenza non coincida mai davvero con la libertà.

Il significato del finale de Le assaggiatrici: tra senso di colpa, desiderio e impossibilità di tornare alla “normalità”

Il finale si concentra sul destino della protagonista dopo la distruzione definitiva della Casa del Führer e lo smantellamento del programma delle assaggiatrici. Le donne vengono disperse, alcune muoiono, altre fuggono, altre ancora rimangono intrappolate nella propria condizione psicologica. La protagonista, sopravvissuta nonostante tutto, tenta di ricostruire una parvenza di normalità, ma la sua mente resta ancorata a ciò che è accaduto nella caserma: la paura del veleno, l’adrenalina, il desiderio proibito verso un uomo (sovente un ufficiale o un soldato nel film, più simile al colonnello del romanzo), e soprattutto la relazione ambigua con le altre assaggiatrici.

Il punto centrale del finale è questo: la sopravvivenza non libera la protagonista, ma la condanna a convivere con una colpa irrimediabile. Non ha fatto nulla di male, eppure ha “collaborato” con il regime, anche se forzatamente. Ha desiderato durante la guerra, ha provato piacere mentre altri morivano, ha mangiato mentre il mondo intorno a lei aveva fame. La sua vita è salva, ma la pace interiore è definitivamente compromessa.

L’elemento emotivo più forte è l’assenza di una vera chiusura delle relazioni nate tra le assaggiatrici: donne che, pur essendo state amiche, complici e rivali, spariscono senza un addio. Il film mostra che il legame tra loro era reale, ma impossibile da portare nel mondo del dopo-guerra: erano unite da una condizione estrema che fuori da quella stanza non può essere replicata né ricordata senza dolore.

Il finale — spesso una scena silenziosa, uno sguardo perso nel vuoto o un gesto quotidiano che tuttavia tradisce un trauma mai risolto — suggerisce che la protagonista vivrà per sempre in un equilibrio fragile tra memoria e rimozione. Non cerca redenzione, perché non crede di meritarla; non cerca vendetta, perché non ha più una forza narrativa in cui incanalarla. Cerca solo di continuare a vivere, e il film restituisce proprio questa verità: sopravvivere è una vittoria, ma anche una condanna.

Perché il finale è volutamente “incompleto”?

Il film evita ogni forma di chiusura didascalica perché il trauma non offre conclusioni nette. Il finale non risponde a tutto: lascia spazio al non detto, all’ambiguità, all’incompletezza delle vite spezzate dalla guerra senza ferite visibili. Le assaggiatrici non è un film sulla Resistenza né un film di denuncia “classica”: è un film sui margini della guerra, su quelle vite sospese che non rientrano nel mito né nella cronaca, ma continuano a pulsare nel silenzio.

Il racconto si chiude così: con una donna che guarda avanti, ma resta prigioniera del passato. È un finale che parla di noi, degli spettri individuali che non muoiono con la storia, e che ci accompagna anche dopo che lo schermo è diventato nero.

Il film Le assaggiatrici di Silvio Soldini, tratto dal romanzo di Rosella Postorino Le assaggiatrici (At the Wolf’s Table), riprende una delle vicende più affascinanti e controverse della memoria del Novecento: l’esistenza di un gruppo di giovani donne costrette ad assaggiare il cibo destinato ad Adolf Hitler alla Tana del Lupo. Una storia che per anni è stata considerata un fatto storico, ma che oggi viene riletta con maggiore cautela dagli studiosi, perché basata quasi esclusivamente su un’unica testimonianza: quella di Margot Wölk, resa pubblica nel 2012, a 95 anni.

L’opera cinematografica e il romanzo non si limitano a restituire il contesto storico, ma trasformano quella testimonianza in un racconto corale sulle donne durante il nazismo, sul trauma e sulla difficoltà di sopravvivere a una storia che non lascia scampo. Tuttavia, proprio grazie alle ricerche più recenti, è necessario distinguere ciò che appartiene alla verità documentata da ciò che rimane nel territorio della memoria individuale e della rielaborazione narrativa.

Quanto c’è di vero nella storia delle assaggiatrici? E cosa non è mai stato confermato?

Margot Wölk raccontò che, trasferitasi in Prussia Orientale durante la guerra, venne prelevata da casa sua e condotta in una caserma vicino alla Wolfsschanze, dove insieme ad altre 14 donne fu costretta a mangiare tre volte al giorno i piatti destinati al Führer, per verificarne la salubrità. Descrisse menù vegetariani raffinati — Hitler era noto per la sua dieta priva di carne — preparati da cuochi professionisti. Narrò inoltre la nascita di un legame di sorellanza con le altre donne e la paura costante che ogni boccone potesse essere l’ultimo.

Questa versione dei fatti, potentissima dal punto di vista emotivo, è rimasta incontestata per anni. Ma lo storico Felix Bohr, autore del saggio Vor dem Untergang: Hitlers Jahre in der Wolfsschanze, dopo tre anni di ricerche negli archivi tedeschi ha affermato che:

• non esiste alcuna prova documentale dell’esistenza di un gruppo organizzato di assaggiatrici nella Tana del Lupo;

• nessun segretario, cuoco, ufficiale o membro dello staff di Hitler menziona in alcun resoconto ufficiale la presenza di donne selezionate per assaggiare i pasti;

• le fonti archivistiche descrivono invece un sistema di controllo del cibo basato su ispettori, regole severe di conservazione e due cuoche ufficiali che assaggiavano ogni piatto.

Lui stesso, però, non accusa Wölk di aver mentito. Al contrario, ammette che la memoria traumatica può distorcere eventi reali, e che alcune parti del suo racconto potrebbero basarsi su episodi veri ma reinterpretati o ampliati negli anni.

Anche il giornalista storico Sven Felix Kellerhoff aveva già avanzato dubbi nel 2014, notando incongruenze sulla dieta realmente servita al quartier generale di Hitler e sulle procedure di sicurezza.

Questo significa che la vicenda è falsa? Non necessariamente. Significa, però, che non può essere verificata al di fuori delle parole di Wölk, e che la storiografia, pur non escludendola del tutto, invita a considerarla come una testimonianza individuale, non un fatto storico confermato.

Cosa racconta davvero la testimonianza di Margot Wölk

Le parole di Wölk, raccolte tra il 2012 e il 2014, hanno comunque un valore straordinario. Anche se non verificabili, offrono uno sguardo intimo sulla vita di una donna nel Terzo Reich: la fame, la paura, la solitudine, la complicità femminile, la violenza maschile. Il dettaglio più drammatico riguarda il presunto destino delle altre assaggiatrici, che — secondo lei — furono giustiziate dall’Armata Rossa quando questa raggiunse il quartier generale nazista. Anche questo episodio, però, non ha riscontri negli archivi storici.

La sua fuga rocambolesca verso Berlino, grazie all’aiuto di un ufficiale nazista, rientra invece perfettamente nella tipologia dei racconti traumatici della fine della guerra: migrazioni improvvise, violenze, distruzioni e sparizioni di interi gruppi civili non documentati.

Il film e il romanzo: fedeli allo spirito, non ai fatti

Soldini e Postorino compiono una scelta narrativa chiara: aderire allo spirito della testimonianza di Wölk, pur trasformandola in una storia collettiva, simbolica e drammatica. Per questo motivo:

• i personaggi sono inventati;

• le dinamiche tra donne sono romanzate;

• la storia d’amore con un ufficiale è un’aggiunta narrativa;

• la struttura del gruppo viene semplificata e ridotta;

• il contesto alimentare è arricchito da elementi che non rispecchiano in pieno i documenti storici.

Ma la finzione non toglie valore all’opera: la arricchisce di significati legati al corpo, al potere e al ruolo delle donne durante il nazismo. Come afferma Soldini stesso: “Anche se la storia non fosse vera in ogni dettaglio, il film parla del potere, della violenza e dell’impatto che queste forze hanno sulle donne.” L’operazione è quindi dichiaratamente narrativa, pur radicata in una testimonianza reale.

Perché la storia delle assaggiatrici continua a colpire oggi

La forza del racconto non risiede nella sua verificabilità, ma nella sua potenza simbolica:
donne obbligate a nutrirsi mentre il mondo muore di fame, trasformate in strumenti di un potere maschile che le usa e le cancella allo stesso tempo.

È una storia che parla di:

• violenza strutturale sul corpo femminile;

• sopravvivenza come colpa e liberazione;

• identità spezzate dalla guerra;

• memoria che resiste nonostante l’assenza di documenti.

E soprattutto parla di un’epoca — la nostra — in cui i revisionismi tornano a diffondersi, e in cui raccontare il trauma femminile nel nazismo diventa un atto politico oltre che storico.

Conclusione: tra verità, memoria e finzione

La storia delle assaggiatrici non può essere accolta come un fatto storico verificato.
Può però essere letta come una potente testimonianza individuale, che ha generato un romanzo e un film capaci di dare voce a un trauma collettivo a lungo ignorato.

Il film di Soldini non ricostruisce la verità storica in senso archivistico: ricostruisce la verità emotiva di una donna che, per tutta la vita, ha creduto di essere sopravvissuta a qualcosa che nessuno avrebbe potuto comprendere. Ed è esattamente qui che risiede il suo valore.

Presence, il thriller soprannaturale di Steven Soderbergh, è uno dei film più audaci e sperimentali del regista: un racconto di fantasmi osservato dalla prospettiva dello spirito stesso, in cui la casa infestata diventa un prisma emotivo attraverso cui leggere le fratture di una famiglia già sul punto di esplodere. Il finale, che unisce rivelazioni shock, paradossi temporali e un forte substrato psicologico, ridefinisce l’intero film e costringe lo spettatore a riconsiderare ogni indizio seminato lungo la narrazione. Per capire davvero cosa accade negli ultimi minuti, e cosa significa, bisogna ripartire da Chloe, dal suo dolore e da quella presenza invisibile che sembra protetta da un motivo molto più personale di quanto appaia.

Il significato del finale di Presence: chi è davvero il fantasma, perché è lì e cosa rivela sulla famiglia

Il colpo di scena finale di Presence arriva quando Rebekah (Lucy Liu), rimasta sola in casa dopo la morte di Ryan e il trasferimento della famiglia, percepisce finalmente l’entità che ha infestato la casa fin dall’inizio. La segue fino allo specchio antico del salotto, e lì la verità emerge in tutta la sua devastazione: il fantasma è Tyler, suo figlio, morto dopo aver salvato Chloe spingendo Ryan fuori dalla finestra. L’urlo di Rebekah — «È tornato per salvarla!» — è il momento in cui il film chiarisce che la presenza non è mai stata malevola: era un’entità nata dalla colpa, dall’amore e dalla necessità di proteggere.

Il film disseminava indizi sottili: l’aggressività del fantasma verso Tyler stesso, la sua protezione costante verso Chloe, la furia con cui distrugge la stanza del ragazzo quando racconta il suo crudele scherzo alla compagna Simone. L’entità non è altro che una versione futura e colpevole di Tyler, un riflesso della sua coscienza che emerge prima ancora della sua morte, richiamato indietro nel tempo per impedire che Chloe subisse la stessa sorte delle sue amiche.

La medium Lisa aveva anticipato questa possibilità: gli spiriti non sanno chi sono, quando sono, o perché si manifestano. Possono essere provenienti dal passato, dal presente o dal futuro, e spesso sono legati a un evento che deve ancora accadere. Presence usa questa logica non per costruire una mitologia complessa, ma per un gesto poetico: Tyler diventa il proprio fantasma, incarnazione del rimorso e del bisogno di redenzione.

Il paradosso — un fantasma che esiste prima della propria morte per innescare gli eventi della sua stessa nascita — non è da intendere in chiave scientifica, ma simbolica. È l’immagine di un figlio che cerca disperatamente di proteggere sua sorella da un male che lui stesso non ha saputo vedere in vita, ma che ora, liberato dalla sua forma mortale, riconosce con chiarezza assoluta. E quando, dopo aver compiuto il suo scopo, Tyler “si solleva” verso l’alto, è la visualizzazione della sua pace: ha espirato il debito emotivo della sua vita terrena.

Il vero male di Presence: Ryan, il serial killer nascosto dietro l’illusione della normalità

Il film costruisce un crescendo di tensione intorno alla figura di Ryan, amico di Tyler e fidanzato segreto di Chloe. Sembra inizialmente un ragazzo popolare, con un comportamento ambiguo ma non apertamente minaccioso. Poi, la verità esplode in tutta la sua brutalità: Ryan è un assassino seriale, responsabile della morte delle due amiche di Chloe. Le aveva drogate e soffocate mentre erano incoscienti, spacciando le loro morti per overdose accidentali.

Quando tenta di fare lo stesso con Chloe — dopo aver drogato anche Tyler per neutralizzarlo — il film raggiunge il suo culmine. È qui che Tyler fantasma diventa definitivamente sé stesso: si manifesta abbastanza da scuotere il Tyler vivo, risvegliarlo e spingerlo a intervenire. Lo scontro fisico, la caduta dalla finestra e il sacrificio finale sono una risposta diretta alla colpa del ragazzo, alle sue superficialità, ai suoi errori. È come se il film suggerisse che Tyler, pur avendo sbagliato, non fosse mai stato un mostro: al contrario di Ryan, è capace di riconoscere il male e sacrificare sé stesso per impedirlo.

Ryan, invece, incarna l’orrore più realistico e disturbante del film: non il soprannaturale, ma la banalità del male nascosto nella normalità quotidiana. Presence non è un film di jump scare, è un film sulla violenza che cresce silenziosa nelle crepe invisibili della vita familiare.

La famiglia in frantumi: ansia, segreti e il ruolo del trauma

Una delle intuizioni più sottili di Soderbergh è mostrare come ogni membro della famiglia arrivi nella casa già “infestato” dai propri demoni: Rebekah è coinvolta in questioni illegali sul lavoro; Chris valuta il divorzio; Tyler è ossessionato dal proprio status sociale; Chloe è schiacciata dal lutto. La casa non crea la tensione, la amplifica. Il fantasma non introduce il dolore, lo rende visibile. Presence è un film sulla possibilità — o impossibilità — di vedere chi si ha accanto.

Il fatto che Rebekah veda Tyler solo dopo la sua morte non è un dettaglio casuale: è la visualizzazione cinematografica di un amore tardivo, di una consapevolezza che arriva quando è troppo tardi. Come dice Lisa, gli spiriti si manifestano quando qualcuno è pronto — o costretto — a vederli. Rebekah passa tutto il film assente, disattenta, focalizzata su sé stessa e sulle proprie colpe. È solo quando perde Tyler che la sua percezione si apre. È un atto finale di dolore, non di guarigione.

Il significato più profondo del finale: colpa, amore e fantasmi come metafore del rimorso

Il finale di Presence non va interpretato in termini di logica spettrale o di regole soprannaturali. Non è una storia sull’aldilà, ma sull’incapacità del mondo dei vivi di dirsi ciò che conta finché è troppo tardi. Tyler fantasma è la manifestazione del suo senso di colpa: il ragazzo che non ha protetto sua sorella quando era vivo, che ha sbagliato, che ha ferito gli altri, ma che nel suo ultimo gesto trova redenzione.

Chloe ottiene una forma di pace: sa la verità sui suoi amici, sa che Ryan non potrà più far male a nessuno, e sa che suo fratello, pur sbagliando, ha fatto l’unica cosa giusta quando contava davvero. Rebekah, invece, riceve una condanna emotiva: vedere Tyler significa renderlo reale, ma anche affrontare la responsabilità della sua assenza come madre.

Soderbergh lo ha chiarito: Presence non è un horror nel senso classico. È un dramma familiare travestito da storia di fantasmi, un film sull’amore mal gestito, sul trauma, sulla colpa che sopravvive alla morte. I fantasmi di Presence non sono spiriti: sono le parti di noi che non abbiamo mai affrontato.

IF – Gli Amici Immaginari, il film scritto e diretto da John Krasinski, si presenta come una storia dolce e piena di fantasia, ma sotto la superficie nasconde un discorso molto più profondo sul lutto, sulla crescita e sul valore dell’immaginazione come strumento di sopravvivenza emotiva. Il finale del film, apparentemente semplice e luminoso, racchiude invece il vero cuore tematico dell’opera: il legame invisibile che unisce adulti e bambini ai propri amici immaginari e la possibilità di ritrovare quella parte di sé che pensavamo perduta. Per comprenderlo davvero, è necessario tornare a Bea, la sua crisi interiore e la rivelazione che trasforma il personaggio di Cal in qualcosa di molto più significativo.

Il significato del finale di IF: la vera identità di Cal, il potere della memoria e il ritorno dell’immaginazione

Il finale di IF ruota attorno alla scoperta più importante del film: Cal, l’uomo che accompagna Bea nel suo viaggio e che sembra l’unico adulto in grado di vedere gli IFs, è in realtà l’amico immaginario dell’infanzia di Bea, Calvin. La rivelazione arriva quando, mentre sta lasciando New York dopo la riuscita dell’operazione del padre, un vecchio disegno scivola fuori dalle scatole durante il trasloco. In quel foglio, Bea aveva rappresentato sé stessa, i suoi genitori e un IF di nome Calvin — che ha l’aspetto esatto di Cal. È un momento semplice, ma potentissimo: Bea ricorda, riconnette e finalmente vede Cal per ciò che è.

La scena conclusiva, in cui Bea corre di nuovo da lui, lo abbraccia e lo ritrova in versione più colorata e giocosa, chiude l’arco emotivo del personaggio. Calle regala un fiore di palloncini, un gesto piccolo ma pieno di significato: è un segno che lui è sempre stato lì per lei, pur senza essere visto, e che continuerà a esserci. IF suggerisce infatti che gli amici immaginari non scompaiono mai del tutto. Potrebbero diventare invisibili, potrebbero allontanarsi, ma restano disponibili ogni volta che la persona che li ha creati ha bisogno di loro.

In questo senso, il finale ribalta il presupposto narrativo iniziale: non era Cal a dover aiutare altri IF a trovare nuovi bambini. Era Bea che doveva ritrovare la sua immaginazione, la parte vulnerabile e creativa che aveva represso dopo la morte della madre e la paura per il padre. Quando finalmente riesce a “rivedere” Calvin, significa che la barriera emotiva si è sciolta. Per Bea, comprendere che Cal è sempre stato accanto a lei è una forma di guarigione. Per Cal, essere riconosciuto significa rivivere.

Bea e Cal: si rivedranno? Il finale lascia spazio a un ritorno

Il film separa Bea e Cal, ma non chiude affatto la porta a un loro futuro incontro. Le regole degli IF, come il film mostra più volte, non sono rigide: possono tornare nei momenti di bisogno, riapparire in età adulta o restare accanto a una persona invisibili ma presenti. Bea lascia New York, ma sua nonna – che vede di nuovo Blossom, il suo IF d’infanzia – continua a vivere lì. Le visite future potrebbero facilmente riportarla all’appartamento di Calvin, in quel microcosmo dove il confine tra immaginazione e realtà è più sottile.

Anche la serenità ritrovata da Bea nell’ultima parte del film suggerisce che la sua relazione con Cal non è conclusa, bensì trasformata. È un legame che può riemergere, non solo per nostalgia, ma come risorsa emotiva nei momenti difficili. IF sottolinea infatti che il rapporto tra una persona e il suo amico immaginario non svanisce: cambia forma, cresce con chi lo ha creato, e può ritornare quando serve. Cal, da parte sua, appare rinvigorito: ora che Bea lo vede di nuovo, anche lui può continuare a esistere come IF “attivo”, non più relegato all’invisibilità.

Il destino degli altri IF: il senso del loro viaggio e il ritorno ai “loro” bambini

L’ultima parte del film mostra un montaggio in cui gli IF trovano pace nel modo più naturale: non venendo assegnati a nuovi bambini, ma ritrovando quelli originali. Il film svela che molti adulti, col tempo, avevano dimenticato i propri IF per necessità, dolore o semplice crescita; ma una scintilla – come la gioia di rincontrare Blossom o la commozione di ritrovare Unicorn – è sufficiente a riattivare quel legame. L’idea che ogni IF abbia già una casa, una persona a cui appartiene, ribalta completamente la missione iniziale di Cal e degli altri: non sono “da ricollocare”, non sono “orfani immaginari”, ma custodi di memorie che attendono solo di essere risvegliate.

La scena in cui Blue dona a Jeremy un momento di fiducia ritrovata è il simbolo più puro di questa filosofia. Gli IF non servono solo ai bambini, ma anche agli adulti. Non si tratta di un retaggio dell’infanzia: sono figure affettive capaci di ricucire pezzi di identità e di instillare coraggio, leggerezza e speranza. L’implicazione più interessante è che, anche quando non sono più visibili, gli IF continuano a vivere nella memoria emotiva di chi li ha creati. La loro “esistenza” non dipende dallo sguardo, ma dal bisogno.

L’immaginazione come cura: come il finale cambia il senso dell’intero film

La grande sorpresa di IF è che il film non parla davvero di “trovare nuove case agli IF”, come sembrerebbe nei primi atti. Parla di ritrovare sé stessi attraverso l’immaginazione. Bea, segnata dal trauma della perdita e dalla paura di perderne un’altra, ha protetto sé stessa rinunciando alla fantasia. Cal e gli altri IF la riportano verso quella parte di sé che aveva seppellito. Questo è il messaggio che il film affida a tutti i personaggi: adulti e bambini possono perdere la capacità di sognare, ma non devono smettere di cercarla.

La scena finale mostra come la relazione con gli IF non sia una “fuga infantile”, ma una forma di resilienza emotiva e creativa. Il film afferma che la fantasia non deve essere abbandonata con l’età adulta, ma protetta e accolta come un linguaggio emotivo essenziale. Krasinski costruisce così una storia che, pur con un tono gentile e leggero, parla della fragilità umana e del bisogno di tornare, ogni tanto, al luogo dove siamo stati felici per la prima volta.

IF e la possibilità di un sequel: il mondo degli IF è appena iniziato

Il finale lascia aperte diverse strade narrative. Ci sono domande non risposte: gli IF possono “invecchiare”? Possono scomparire se dimenticati? Cosa succede ai più anziani, come Lewis? Se Bea crescerà, come cambierà il suo rapporto con Cal e gli altri IF? Il film suggerisce un potenziale espansivo molto ampio, ideale per un sequel o per un universo narrativo più grande. IF costruisce infatti un mondo dove l’immaginazione ha regole proprie, un ecosistema emotivo e fantastico ancora tutto da esplorare. Ed è proprio questa apertura, tra magia e nostalgia, che rende il finale del film così efficace: non chiude, ma invita a continuare a immaginare.

Il significato più profondo di IF: non dimenticare chi ci ha insegnato a immaginare

Alla fine, IF non è solo una storia sugli amici immaginari. È un film sulla cura – quella che si dà, quella che si riceve, quella che si dimentica di chiedere. Il finale è un invito a non perdere il legame con la parte più fragile e creativa di noi. Gli IF non sono semplici compagni di fantasia: sono frammenti di identità, manifestazioni di paure, speranze, desideri che ci hanno accompagnato durante la crescita. Il messaggio finale è chiaro: non smettere mai di immaginare, perché la fantasia non ci abbandona quando diventiamo adulti. Siamo noi, semmai, ad abbandonare lei.

Il finale di Cry Macho (qui la recensione) lo consacra come un viaggio molto diverso per Clint Eastwood. Dopo Il corriere – The Mule del 2018, Cry Macho è solo l’ultimo di una lunga serie di film che vedono Eastwood come regista e protagonista. Il regista e attore acclamato dalla critica è infatti tornato alle sue radici western con una storia su un cowboy anziano e un giovane selvaggio in Messico. Il genere western è ciò che lo ha reso un’icona cinematografica, con la trilogia del dollaro di Sergio Leone e una serie di altri successi ben noti di quell’epoca. L’ultima volta che ha recitato e diretto un western è però stato nel 1992 con Gli spietati.

Quasi 30 anni dopo, Eastwood ha dunque dimostra di poter ancora essere il protagonista di un film western, anche se già negli anni ’80 e ’90 interpretava cowboy anziani in film come il citato Gli spietati e Il cavaliere pallido. Un film che stava per essere incluso in questa categoria era Cry Macho, ma Eastwood rinunciò all’opportunità di realizzarlo nel 1988. Di conseguenza, altri attori furono scritturati per la parte, ma i numerosi tentativi di portare la storia sul grande schermo non diedero mai alcun risultato. Alla fine, il film è tornato nelle mani di Eastwood.

Il racconto è ambientato nel 1979 ed ha per protagonista Mike Milo, interpretato da Eastwood, che deve intraprendere un lungo viaggio attraverso il Messico per portare il tredicenne Rafo (Eduardo Minett) lontano dalla madre violenta e amante delle feste e riportarlo dal padre ricco e proprietario di un ranch, Howard Polk (Dwight Yoakam). Naturalmente, molti ostacoli li rallentano, tra cui ladri d’auto, il guasto al loro secondo veicolo e il sicario assunto dalla madre di Rafo. Ecco allora come sono andate a finire le cose per Mike e Rafo e come il finale ha rafforzato l’idea principale alla base del film.

Perché Rafo decide di vivere con suo padre

La storia di Rafo in Cry Macho ha comportato molti cambiamenti, poiché ha cambiato idea più di una volta su dove voleva vivere. Molto tempo dopo aver deciso di accompagnare Mike al ranch di suo padre, Rafo ha affrontato il suo più grande dilemma in Cry Macho quando Mike gli ha detto perché Howard lo voleva. Scoprire che Howard intendeva usarlo come leva nei suoi rapporti con Leta (Fernanda Urrejola) ha comprensibilmente fatto arrabbiare Rafo, che ha dichiarato che non sarebbe andato con Mike. Mike ha cercato senza successo di convincerlo ad andare comunque, ma Rafo non ha ceduto fino a quando gli agenti non li hanno avvicinati.

Rafo alla fine ha messo da parte la sua rabbia, probabilmente dopo aver avuto qualche momento per elaborare ciò che aveva appreso. Inoltre, Mike sembra essere riuscito a convincerlo che, nonostante i difetti di suo padre, questi è una brava persona che desidera davvero riavere suo figlio. Il fatto di pensare che Howard non fosse sincero è stato in gran parte ciò che lo ha trattenuto dall’andare. Il fatto che Rafo conoscesse la verità su Howard ma fosse comunque convinto da Mike, interpretato da Clint Eastwood, a completare il viaggio in Texas la dice lunga sul legame che i due hanno sviluppato nel corso del film. Rafo non sapeva molto di suo padre, ma si fidava profondamente di Mike.

Perché Rafo regala il gallo Macho a Mike (e cosa significa)

Con una mossa sorprendente, Rafo ha regalato il gallo Macho a Mike, interpretato da Clint Eastwood, durante il loro ultimo incontro al confine. Il fatto che Rafo lo abbia ceduto nonostante il forte attaccamento che aveva per il gallo è stato un momento ricco di significato. Le ragioni che lo hanno spinto a separarsi da Macho possono essere ricondotte al tema sotteso del film, che riguarda la mascolinità. Durante la scena del falò è stato spiegato che Rafo ha chiamato il suo gallo “Macho” per via della sua forza e del suo coraggio, che sono esattamente le caratteristiche con cui Rafo vede se stesso. Nel corso del film, è stato chiarito che il gallo rappresentava le idee di Rafo sull’importanza che un uomo sia forte e “macho”.

Al contrario, Mike riteneva che queste convinzioni fossero obsolete e fuorvianti. Mike ha avuto un’ultima conversazione con Rafo su questo argomento in macchina, dove ha detto che essere macho è “sopravvalutato”. Secondo Mike, mostrare forza e grinta non porta davvero le persone da nessuna parte. Per illustrare questo punto, ha usato l’esempio di un cowboy calpestato da un toro e disarcionato da un cavallo. Quindi, il fatto che Rafo abbia consegnato il gallo a Mike simboleggiava la maturità del personaggio e la sua accettazione del fatto che Mike avesse ragione riguardo ai suoi punti di vista “macho”. Ciò significa che Rafo seguirà un percorso migliore e meno avventato in futuro.

Il finale di Cry Macho prepara il terreno per la storia d’amore tra Mike e Marta

Cry Macho non rivela se tutto sia andato per il meglio per Rafo al ranch di Howard, ma accenna al futuro di Mike dopo gli eventi del film. Alla fine del film, durante la scena finale, il personaggio viene visto ballare un lento con Marta (Natalia Traven), con cui ha avuto una breve storia d’amore quando soggiornavano nel villaggio. Questo spiega perché Mike è rimasto in Messico quando ha incontrato Howard al confine invece di tornare negli Stati Uniti. Non diversamente da Rafo, Mike ha apprezzato la vita tranquilla che hanno vissuto nel villaggio con Marta e i suoi nipoti.

La decisione di Mike di tornare lì suggerisce che ha sostanzialmente seguito il proprio consiglio. Parlando con Rafo in macchina, ha detto che le persone non si rendono conto fino a quando non sono più grandi che non hanno tutte le risposte su ciò che è meglio per loro nella vita, e a volte non arrivano a questa consapevolezza fino a quando non è troppo tardi. Sembra che Mike, interpretato da Clint Eastwood, abbia capito che ciò che voleva era stabilirsi nel villaggio messicano con Marta.

In che modo il finale di Cry Macho è diverso dai classici western di Clint Eastwood

Ciò che accade a Mike Milo, il personaggio interpretato da Eastwood, alla fine di Cry Macho non è del tutto inaspettato nel contesto del film, ma vale la pena notare che spicca se confrontato con altri film western interpretati da Eastwood. I western di Clint Eastwood seguono tipicamente una tendenza comune in cui il personaggio principale è un vagabondo forte e capace che tende a rappresentare tutte le convinzioni di Rafo in Cry Macho. Eastwood era un “duro” di Hollywood che incarnava la forza in quei giorni. I personaggi di Eastwood sono sempre forti, pistoleri apparentemente imbattibili che possono sparare più velocemente di chiunque altro e sconfiggere tutti quelli che osano sfidarli.

Era così quando L’uomo senza nome vinse il duello con Angel Eyes di Lee Van Cliff in Il buono, il brutto e il cattivo, ed era vero per tutte le altre sparatorie dei suoi western. Questo vale anche per i suoi film successivi, come Il cavaliere pallido e Gli spietati. In quei film, l’età avanzata non impedisce a Eastwood di sconfiggere i cattivi. Quindi, in un certo senso, Cry Macho sembra un’evoluzione della carriera di Eastwood nel genere western. Ciò si riflette anche nel finale, che offre qualcosa di fondamentalmente diverso per il suo personaggio.

Come già detto, i personaggi di Eastwood sono generalmente solitari e vagabondi misteriosi, e questo non è qualcosa che di solito cambia alla fine del film. Dopo aver salvato la situazione, Eastwood viene solitamente visto allontanarsi a cavallo, pronto per passare alla prossima avventura. Non capita spesso che si sistemi per amore. Il finale di Cry Macho è in netto contrasto con film come Il cavaliere pallido, che si concludeva con l’eroe invecchiato di Eastwood che lasciava le sue amate per parti sconosciute. Ma questa volta, il cowboy ha ricevuto un meritato lieto fine alla sua storia.

Il film horror Nightmare – Dal profondo della notte (1984) si colloca in un momento centrale della filmografia di Wes Craven, segnando un passaggio decisivo dopo opere come L’ultima casa a sinistra e Le colline hanno gli occhi. Con questo film il regista introduce una nuova figura di antagonista e un modo diverso di concepire l’orrore, portandolo dal mondo fisico a quello onirico. Craven utilizza l’idea del sogno come spazio narrativo per esplorare paure intimamente radicate, dando vita a un linguaggio visivo e tematico che diventerà uno dei tratti distintivi della sua carriera.

Il film contribuisce inoltre a cambiare il genere horror degli anni Ottanta, dominato fino ad allora dagli slasher tradizionali, inserendo elementi sovrannaturali che si intrecciano con il subconscio dei personaggi. La scelta di far agire il villain Freddy Krueger in un territorio che sfugge alle regole della realtà rende il meccanismo della paura più imprevedibile, aprendo la strada a nuove sperimentazioni nel cinema dell’orrore. Allo stesso tempo, il film affronta temi come il senso di colpa collettivo, la rottura del rapporto di fiducia tra genitori e figli e la fragilità del confine tra realtà e immaginazione.

L’impatto culturale di Nightmare – Dal profondo della notte è stato tale da generare una lunga saga composta da sequel, crossover e un remake, trasformando Freddy Krueger in una delle icone più riconoscibili del genere horror. Il primo capitolo rimane però quello più legato alla visione originale di Craven, capace di combinare allegoria e tensione in un racconto che utilizza il sogno come arma narrativa. Nel resto dell’articolo verrà proposta una spiegazione dettagliata del finale, analizzando il suo significato e il modo in cui dialoga con i temi principali del film.

La trama di Nightmare – Dal profondo della notte

La storia di Nightmare – Dal profondo della notte segue un gruppo di adolescenti di Springwood che inizia a essere tormentato da incubi inquietanti, tutti accomunati dalla presenza di un misterioso uomo sfigurato, armato di un guanto con lame affilate al posto delle dita. Questi sogni non sono semplici manifestazioni dell’inconscio: hanno un’intensità così reale da lasciare i ragazzi spaventati e incapaci di comprendere cosa stia accadendo, mentre la linea tra sonno e veglia sembra assottigliarsi pericolosamente.

Al centro della vicenda c’è Nancy Thompson, una ragazza intelligente e determinata che inizia a collegare gli incubi dei suoi amici e a sospettare che qualcosa di più oscuro stia influenzando le loro vite. Mentre gli adulti appaiono incapaci – o poco disposti – ad aiutarla, Nancy decide di affrontare il mistero di persona, cercando di capire chi sia la figura che li perseguita nei sogni e come fermarla prima che diventi impossibile sfuggirle.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto, Nancy decide di affrontare direttamente Freddy Krueger dopo l’omicidio di Glen e l’isolamento crescente in cui si ritrova. Conscia del fatto che nessun adulto può aiutarla, prepara una serie di trappole nella sua casa e costringe Krueger a seguirla dal mondo dei sogni a quello reale. Il suo piano riesce: riesce a trascinarlo fuori dal sogno, colpirlo con gli ordigni improvvisati e incendiarlo, attirando l’attenzione del padre e della polizia, che stanno indagando sulla morte di Glen. Sembra che il confronto finale sia finalmente giunto.

Quando i poliziotti entrano in casa, però, Krueger non è dove Nancy lo aveva imprigionato. Nancy e suo padre lo trovano invece nella camera di Marge, ancora avvolto dalle fiamme, mentre tenta di soffocarla. Don spegne il fuoco, ma Krueger e Marge scompaiono misteriosamente all’interno del letto. Poco dopo, Krueger riemerge alle spalle di Nancy, rivelando che la barriera tra sogno e realtà è ormai del tutto compromessa. A quel punto Nancy comprende che l’unico modo per fermarlo non è lo scontro fisico, ma eliminare la paura che gli dà forza.

La scelta di negare potere a Krueger voltandogli le spalle segna il momento chiave del finale. Nancy capisce che Freddy non può esistere senza la paura delle sue vittime: è un’entità che si nutre del terrore dei ragazzi di Elm Street, proiezione della violenza e del senso di colpa generati dagli adulti. Rifiutandosi di provare paura, Nancy lo priva della sua fonte primaria di energia, costringendolo a dissolversi. Questa soluzione conclude simbolicamente il percorso della protagonista, che passa dalla passività al controllo sul proprio incubo.

Ciò che segue, tuttavia, introduce un’ambiguità che mette in discussione la vittoria della protagonista. L’apparente ritorno alla normalità — la madre viva, gli amici illesi, il mattino luminoso — è incrinato dalla comparsa dell’auto con i colori di Freddy e dal rapimento finale della madre. Questo epilogo suggerisce che la minaccia non è davvero eliminata: Krueger potrebbe essere ancora vivo, oppure Nancy è ancora intrappolata in un sogno da cui non è riuscita a svegliarsi. Il film lascia volutamente irrisolto il confine tra ciò che è reale e ciò che è immaginato.

Il messaggio finale del film riguarda l’impossibilità di rimuovere completamente traumi e paure collettive. Freddy nasce dalle azioni dei genitori e si perpetua nei sogni dei figli, diventando una figura che rappresenta il passato che ritorna e non può essere cancellato con facilità. Nightmare – Dal profondo della notte mostra come ignorare un trauma o tentare di seppellirlo non lo faccia svanire, ma anzi gli permetta di tornare con maggiore forza. Il film invita a considerare che il vero confronto con l’orrore richiede consapevolezza, responsabilità e la capacità di non lasciarsi guidare dalla paura.

Il finale di Cry Macho lo consacra come un viaggio molto diverso per Clint Eastwood. Dopo The Mule del 2018, Cry Macho è solo l’ultimo di una lunga serie di film che vedono Eastwood come regista e protagonista. Il regista e attore acclamato dalla critica è tornato alle sue radici western con una storia su un cowboy anziano e un giovane selvaggio in Messico.

Il genere western è ciò che lo ha reso un’icona cinematografica, con la trilogia I dollari di Sergio Leone e una serie di altri successi ben noti di quell’epoca. L’ultima volta che ha recitato e diretto un western è stato nel 1992 con Gli spietati. Ora, quasi 30 anni dopo, Eastwood dimostra di poter ancora recitare in un film western, anche se già negli anni ’80 e ’90 interpretava cowboy anziani in film come Unforgiven e Pale Rider. Un film che è stato quasi incluso in quella categoria è stato Cry Macho, ma Eastwood ha rinunciato all’opportunità di realizzarlo nel 1988. Di conseguenza, altri attori furono scelti per la parte, ma i numerosi tentativi di portare la storia sul grande schermo non portarono a nulla.

Anche se poteva sembrare che la nave fosse ormai salpata per Eastwood protagonista di Cry Macho, l’adattamento cinematografico del romanzo del 1975 è finalmente diventato realtà. Nel western, ambientato nel 1979, Mike Milo, interpretato da Eastwood, deve intraprendere un lungo viaggio attraverso il Messico per allontanare il tredicenne Rafo (Eduardo Minett) dalla madre violenta e amante delle feste e riportarlo dal padre ricco e proprietario di un ranch, Howard Polk (Dwight Yoakam). Naturalmente, molti ostacoli li hanno rallentati, tra cui ladri d’auto, il guasto al loro secondo veicolo e il sicario assunto dalla madre di Rafo. Ecco come sono andate a finire le cose per Mike e Rafo e come il finale ha rafforzato l’idea principale alla base del film.

Perché Rafo decide di vivere con suo padre

La storia di Rafo in Cry Macho ha comportato molti cambiamenti, poiché ha cambiato idea più di una volta su dove voleva vivere. Molto tempo dopo aver deciso di accompagnare Mike al ranch di suo padre, Rafo ha affrontato il suo più grande dilemma in Cry Macho quando Mike gli ha detto perché Howard lo voleva. Scoprire che Howard intendeva usarlo come leva nei suoi rapporti con Leta (Fernanda Urrejola) ha comprensibilmente fatto arrabbiare Rafo, che ha dichiarato che non sarebbe andato con Mike. Mike ha cercato senza successo di convincerlo ad andare comunque, ma Rafo non ha ceduto fino a quando gli agenti non li hanno avvicinati. Rafo alla fine ha messo da parte la sua rabbia, probabilmente dopo aver avuto qualche momento per elaborare ciò che aveva appreso.

Inoltre, Mike sembra essere riuscito a convincerlo che, nonostante i difetti di suo padre, è una brava persona che desidera davvero riavere suo figlio. Il fatto di pensare che Howard fosse insincero è stato in gran parte ciò che lo ha trattenuto dall’andare. Il fatto che Rafo conoscesse la verità su Howard ma fosse comunque influenzato da Mike, interpretato da Clint Eastwood, nel completare il viaggio in Texas la dice lunga sul legame che i due hanno sviluppato nel corso del film. Rafo non sapeva molto di suo padre, ma si fidava profondamente di Mike.

Perché Rafo regala il gallo Macho a Mike (e cosa significa)

Con una mossa sorprendente, Rafo ha regalato il gallo Macho a Mike, interpretato da Clint Eastwood, durante il loro ultimo incontro al confine. Il fatto che Rafo lo abbia ceduto nonostante il forte attaccamento che aveva per il gallo è stato un momento ricco di significato. Le ragioni per cui si è separato da Macho possono essere attribuite al tema sotteso del film, che riguarda la mascolinità. Durante la scena del falò è stato spiegato che Rafo ha chiamato il suo gallo “Macho” per la sua forza e il suo coraggio, che sono esattamente le caratteristiche con cui Rafo vede se stesso. Nel corso del film, è stato chiarito che il gallo rappresentava le idee di Rafo sull’importanza per un uomo di essere forte e “macho”.

Al contrario, Mike riteneva che queste convinzioni fossero obsolete e fuorvianti. Mike ha avuto un’ultima conversazione con Rafo su questo argomento in macchina, dove ha detto che essere macho è “sopravvalutato”. Secondo Mike, mostrare forza e grinta non porta davvero le persone da nessuna parte. Per illustrare questo punto, ha usato l’esempio di un cowboy calpestato da un toro e disarcionato da un cavallo. Quindi, il fatto che Rafo abbia consegnato il gallo a Mike simboleggiava la maturità del personaggio e la sua accettazione del fatto che Mike avesse ragione riguardo alle sue opinioni “macho”. Ciò significa che Rafo seguirà un percorso migliore e meno avventato in futuro.

Il finale di Cry Macho prepara il terreno per la storia d’amore tra Mike e Marta

Cry Macho non rivela se tutto sia andato per il meglio per Rafo al ranch di Howard, ma accenna al futuro di Mike dopo gli eventi del film. Alla fine di Cry Macho, durante la scena finale, il personaggio balla un lento con Marta (Natalia Traven), con cui ha avuto una breve storia d’amore quando soggiornavano nel villaggio.

Questo spiega perché Mike è rimasto in Messico quando ha incontrato Howard al confine invece di tornare negli Stati Uniti. Non diversamente da Rafo, Mike ha apprezzato la vita tranquilla che hanno vissuto nel villaggio con Marta e i suoi nipoti. La decisione di Mike di tornare lì suggerisce che ha sostanzialmente seguito il proprio consiglio. Parlando con Rafo in macchina, ha detto che le persone non si rendono conto fino a quando non sono più grandi che non hanno tutte le risposte su ciò che è meglio per loro nella vita, e a volte non arrivano a questa consapevolezza fino a quando non è troppo tardi. Sembra che il Mike di Clint Eastwood abbia capito che ciò che voleva era stabilirsi nel villaggio messicano con Marta.

In che modo il finale di Cry Macho è diverso dai classici western di Clint Eastwood

Ciò che accade a Mike Milo, il personaggio interpretato da Eastwood, alla fine di Cry Macho non è del tutto inaspettato nel contesto del film, ma vale la pena notare che spicca rispetto ad altri film western interpretati da Eastwood. I western di Clint Eastwood seguono tipicamente una tendenza comune in cui il protagonista è un vagabondo forte e capace che tende a rappresentare tutte le convinzioni di Rafo in Cry Macho. Eastwood era un “duro” di Hollywood che incarnava la forza in quei giorni. I personaggi di Eastwood sono sempre forti, pistoleri apparentemente imbattibili che possono sparare più velocemente di chiunque altro e sconfiggere tutti quelli che osano sfidarli. Era così quando L’uomo senza nome vinse il suo scontro con Angel Eyes di Lee Van Cliff in Il buono, il brutto e il cattivo, ed era vero per tutte le altre sue sparatorie western. Questo vale anche per i suoi film successivi, come Il cavaliere solitario e Gli spietati. In quei film, l’età avanzata non impedisce a Eastwood di sconfiggere i cattivi. Quindi, in un certo senso, Cry Macho sembra un’evoluzione della carriera di Eastwood nel genere western.

Questo si riflette anche nel finale, che offre qualcosa di fondamentalmente diverso per il suo personaggio. Come già detto, i personaggi di Eastwood sono generalmente solitari e vagabondi misteriosi, e questo non è qualcosa che di solito cambia alla fine del film. Dopo aver salvato la situazione, Eastwood viene solitamente visto allontanarsi a cavallo, pronto per passare alla prossima avventura. Non capita spesso che si sistemi per amore. Il finale di Cry Macho è in netto contrasto con film come Pale Rider, che si concludeva con l’eroe invecchiato di Eastwood che lasciava le sue amate per parti sconosciute. Ma questa volta, il cowboy ha ricevuto un meritato lieto fine alla sua storia.

Perché la mancanza di nomination agli Oscar per Cry Macho non è stata uno snobbamento

Molti si sono chiesti perché Cry Macho sia stato apparentemente snobbato agli Oscar 2022, non vincendo alcun premio, tanto meno quello per il miglior film, ma sebbene sia un buon film di Clint Eastwood, non è il migliore film di Clint Eastwood. Avrebbe fatto storia, rendendo Clint Eastwood il più anziano vincitore di un Oscar di tutti i tempi. Tuttavia, Cry Macho si attesta al 58% su Rotten Tomatoes. Il film presenta alcuni evidenti problemi. La critica principale è che il film è poco interessante. La narrazione discontinua ha creato un grosso problema per il ritmo di Cry Macho, e il pubblico non ha perdonato i dialoghi piatti. Quando si compete con film come Don’t Look Up o Dune, un film deve intrigare gli spettatori, e Cry Macho non è riuscito a centrare l’obiettivo.

Un altro problema di Cry Macho è stata la mancanza di sottotesti, con il passaggio del gallo probabilmente l’unico tocco sottile e significativo. Questo ha influito sui dialoghi e ha reso dolorosamente evidente la natura stereotipata del film. Sebbene Cry Macho tenti di sovvertire i tropi della mascolinità nel western, non viene fatto nulla in termini di sottotesti per trasmettere questo messaggio. Il film si è affidato troppo all’esposizione per trasmettere il messaggio. L’ultima critica clamorosa al film è che è troppo datato. Sebbene sia ambientato nel 1979, sembra anche un film realizzato nel 1979, il che significa che film più urgenti e rilevanti come King Richard e West Side Story lo hanno battuto. Non è che Cry Macho fosse un brutto film. È stato semplicemente eliminato dalla corsa al premio per il miglior film.

La battaglia di Mike, Abby e Vanessa contro Charlotte/The Marionette si conclude con un grande colpo di scena nel finale di Five Nights at Freddy’s 2, con il film che compie molti passi per preparare il terreno per un sequel. La maggior parte della storia segue i percorsi del trio che si intrecciano con la sede originale della Freddy Fazbear’s Pizzeria, dove The Marionette e gli animatronici Toy sono rimasti bloccati per decenni.

Il confronto finale tra Charlotte, gli animatronici Toy e il fratello segreto di Vanessa (la guardia di sicurezza Michael Afton) e Mike, Abby e Vanessa viene interrotto dagli animatronici originali che arrivano alla casa degli Schmidt per salvarli. Five Nights at Freddy’s 2 si conclude con alcuni momenti importanti, anche nei titoli di coda, che preparano il terreno per il futuro della serie.

Vanessa è posseduta dalla Marionetta/Charlotte in Five Nights at Freddy’s 2 Cliffhanger

L’ultima scena di Five Nights at Freddy’s 2 mostra Vanessa in piedi da sola sulla soglia della casa degli Schmidt. Mike le ha appena detto di lasciare in pace lui e Abby perché non può fidarsi di lei. Abbandonata alla sua tristezza/rabbia, viene improvvisamente posseduta da Charlotte, con il suo viso che inizia a trasformarsi per assomigliare alla Marionetta.

Charlotte viene mostrata mentre possiede diverse persone nel corso del film, a partire dalla cacciatrice di attività paranormali Lisa per poi passare ad Abby. Tuttavia, è costretta ad abbandonare il corpo di quest’ultima quando Mike inizia a suonare un carillon realizzato dal padre di Charlotte, Henry. La vediamo strisciare in un’altra stanza della casa mentre Mike e Vanessa si prendono cura di Abby prima che arrivino gli animatronici e Michael.

Una volta che Vanessa rimane sola in uno stato emotivo vulnerabile, Charlotte coglie l’occasione per renderla la nuova ospite di The Marionette. Vanessa era amica di Charlotte quando erano bambine, prima che quest’ultima morisse, e ha continuato a vederla in uno stato di rabbia anche dopo la sua morte. Anche se Charlotte sostiene di non odiare Vanessa, ha comunque bisogno di un ospite umano con cui legarsi, e la sua vecchia amica è facile da controllare dopo essere stata abbandonata.

Il motivo per cui è sola è colpa di Mike. Lui crede di non potersi più fidare di Vanessa dopo che lei gli ha nascosto così tante cose. Anche se sembrava averla perdonata per aver tenuto segreta la morte di Charlotte e la sua posizione originale, la verità su suo fratello sembra essere stata la goccia che ha fatto traboccare il vaso.

Il fatto che Vanessa sia posseduta dalla Marionetta, conosciuta come The Puppet nei giochi Five Nights at Freddy’s, è una nuova svolta nella trama. Sebbene il giocattolo contenesse l’anima di Charlotte nel gioco, non ha mai posseduto la figlia di Afton. Sua figlia possedeva l’animatronico Circus Baby nei giochi, quindi il fatto che sia legata a una delle creazioni di suo padre in questo modo non è una novità.

La scena dei titoli di coda

Dopo l’inizio dei titoli di coda del sequel, questi vengono interrotti da una scena a metà titoli di coda. Essa mostra tre giovani che saccheggiano la pizzeria Freddy Fazbear’s del primo film, nella speranza di trovare oggetti nostalgici autentici per il Freddy Fest. Uno di loro trova un’altra stanza mai vista prima, nella quale trovano il costume animatronico Yellow Rabbit in cui William Afton è morto durante nel finale di Five Nights at Freddy’s.

I ragazzi lo coprono con della pellicola trasparente per proteggerlo dalla pioggia e, dopo essere usciti dalla stanza, uno degli occhi si accende. È in questo momento che lo spirito di Afton ritorna, prendendo possesso del costume del Coniglio Giallo, noto anche come Spring Bonnie o Springtrap.

Il ritorno di Afton come Spring Bonnie, sebbene prevedibile in base alla trama del gioco, era stato direttamente preannunciato in precedenza nel film. Mike vede lo spirito di un bambino che possedeva uno degli animatronici originali mentre si preparano ad andare avanti, e il bambino avverte Mike che qualcuno uscirà e sarà più forte di prima. Mike non sa di chi stia parlando il bambino, ma si trattava di Afton, che ora ha preso il pieno controllo del costume del Coniglio Giallo.

Il messaggio di Henry a Mike nei titoli di coda di Five Nights at Freddy’s 2

Come se la scena dei titoli di coda non bastasse, il sequel continua una tradizione del film originale inserendo un messaggio audio alla fine dei titoli di coda. I titoli di coda di Five Nights at Freddy’s 2 contengono un messaggio di avvertimento di Henry a Mike che si rivela molto importante.

Per cominciare, Henry conferma di essere stato il ex socio di Afton. Proprio come nei giochi, Henry Emily era responsabile di aiutare Afton a creare gli animatronici, essendo lui in particolare la mente dietro i springlock. Dice a Mike che ha ancora alcune parti animatroniche in giro e che, sebbene siano vecchie, potrebbero essere utilizzate per contrattaccare.

Il messaggio di Henry è anche un’occasione per avvertire Mike che The Marionette rimane una minaccia molto reale. Il messaggio si conclude con Henry che dice: “Sta venendo a prenderti”. I rumori che si sentono durante il messaggio potrebbero significare che il burattino ha dato la caccia anche a Henry.

L’elemento audio dei titoli di coda di Five Nights at Freddy’s 2 conferma quanto Henry Emily sia simile alla versione del gioco. È anche un divertente richiamo al suo ruolo nei giochi, dato che non si vede mai e si sente solo attraverso le registrazioni su cassetta utilizzate per guidare le persone. Qui ricopre lo stesso ruolo con una registrazione destinata a guidare Mike verso la salvezza.

Cosa è successo a Michael Afton?

La sorpresa più grande di Five Nights at Freddy’s 2 è la rivelazione che la guardia di sicurezza Michael è in realtà il figlio di William e il fratello di Vanessa. I giocatori potrebbero essere riusciti a ricostruire questo collegamento basandosi sul suo nome e sul suo lavoro, ma il film aspetta comunque fino alla fine per confermare la sua discendenza. Tuttavia, è ciò che gli succede dopo che ora diventa un mistero.

Dopo che i giocattoli animatronici sono stati sconfitti, Michael scappa dalla casa di Mike e Jeremiah lo mette fuori combattimento. Ma quando Mike, Abby e Jeremiah lasciano la casa pochi minuti dopo, Michael non è più a terra. È scomparso e, sebbene nessuno di loro sembri preoccuparsi della sua scomparsa, il destino di Michael diventa un filo sciolto.

Michael aveva precedentemente dichiarato di voler usare gli animatronici Toy per uccidere metà della città durante il Freddy Fest. Ciò è meno possibile ora che i suoi amici animatronici sono stati distrutti, ma con lo spirito di William che ora controlla Spring Bonnie, è logico pensare che sia in programma una riunione padre-figlio.

Come FNAF 2 prepara Five Nights at Freddy’s 3

Con tutti questi elementi inseriti nel finale di Five Nights at Freddy’s 2, il terreno è pronto per Five Nights at Freddy’s 3 in diversi modi.

La trama principale apparentemente metterà la famiglia Afton contro i sopravvissuti dei precedenti orrori, Mike, Abby e Henry. William, Vanessa e Michael dovrebbero essere tutti uniti in qualche modo, ora che i primi due sono Spring Bonnie e The Marionette, e il terzo vuole portare avanti i piani di suo padre.

Il messaggio di Henry a Mike implica che il loro tempo insieme continuerà, con loro e Abby pronti a concentrarsi sulla liberazione di Vanessa dal possesso di Charlotte. Questo potrebbe permetterle di ricongiungersi al gruppo principale per combattere William e Michael alla fine.

Questo dovrebbe anche aprire la strada a Five Nights at Freddy’s 3 per approfondire la storia di Henry e William. Il film probabilmente entrerà nei dettagli su come hanno creato gli animatronici, cosa li ha separati e includerà nuove rivelazioni su come tutto questo è realmente iniziato.

È anche degno di nota il fatto che Five Nights at Freddy’s 3 sia posizionato per essere un adattamento piuttosto fedele del terzo gioco. Il gioco Five Nights at Freddy’s 3 era ambientato in una casa stregata dove Springtrap era l’unico animatronico, ed entrambi questi elementi sono presenti nella scena a metà dei titoli di coda.

Tutto sommato, Five Nights at Freddy’s 2 dedica gran parte del suo finale a preparare il terreno per il capitolo successivo. Five Nights at Freddy’s 3 diventa una necessità per la storia dopo la conclusione di questo capitolo.