“Siamo entusiasti di accogliere Paul Dano nel cast,” ha dichiarato Zeller. “Da Little Miss Sunshine a Il petroliere, Paul mi ha sempre impressionato come attore. Possiede un’eccezionale singolarità, qualcosa di veramente unico, e in questo senso è davvero insostituibile.”
Le riprese di Bunker sono iniziate la scorsa settimana. Il film segue un architetto incaricato di progettare un bunker di sopravvivenza per un magnate della tecnologia; nel corso del progetto, sua moglie comincia però a riconsiderare il loro matrimonio di 17 anni. Il film si propone come un’intensa esplorazione delle tensioni personali ed etiche che una coppia deve affrontare in un mondo sempre più instabile, mettendo in luce il tumulto interiore e le decisioni complesse della vita contemporanea.
Zeller ha affermato di aver scritto il film pensando specificamente a Bardem e Cruz, ispirandosi alla loro relazione reale per esplorare le dinamiche di una coppia e il confine tra realtà e finzione. Il regista ha infatti attraverso i due attori e il loro reale legame, l’obiettivo di esplorare le complessità di una relazione fondendo l’autenticità emotiva con una “sfocatura tra realtà e finzione”.
Per quanto riguarda Paul Dano, l’improvviso aumento di attenzione – scatenato da Tarantino che lo ha definito sopravvalutato a “il peggior attore del sindacato attori” – ha suscitato un’ondata di sostegno da parte dei suoi colleghi. Evidentemente nessuno la pensa come Tarantino in questo caso e Dano può continuare la sua brillante carriera sapendo di avere il sostegno dell’intera industria.
La Warner Bros. esaminerà la nuova offerta della Paramount e annuncerà la sua decisione entro 10 giorni lavorativi. Poiché Netflix vuole ancora portare a termine l’accordo, i suoi co-amministratori delegati Ted Sarandos e Greg Peters hanno rilasciato alcune dichiarazioni per placare una delle principali preoccupazioni relative all’acquisizione dello storico studio hollywoodiano da parte del gigante dello streaming, riguardante i piani di distribuzione nelle sale cinematografiche.
Deadline riporta infatti che i dirigenti di Netflix hanno partecipato oggi a una conferenza telefonica con Wall Street, durante la quale Sarandos ha assicurato che Netflix continuerà a distribuire nei cinema i film della Warner Bros. “Con questa transazione, acquisiamo tre attività in cui attualmente non siamo presenti”, ha affermato Sarandos. “Una di queste è uno studio cinematografico con un sistema di distribuzione nelle sale”.
“Siamo profondamente impegnati a distribuire quei film esattamente come verrebbero distribuiti oggi”, ha affermato Sarandos. “Vogliamo continuare a gestire tutte e tre queste nuove attività [distribuzione cinematografica, produzione televisiva e HBO] sostanzialmente come sono ora. […] Quando l’accordo sarà concluso, entreremo in quel settore [distribuzione cinematografica]. E lo faremo”.
Sarandos sta facendo una dichiarazione significativa, poiché Netflix ha storicamente fatto solo il minimo indispensabile in termini di distribuzione cinematografica, distribuendo in genere i suoi film più importanti nelle sale per circa due settimane prima che arrivino sulla piattaforma di streaming. In primo luogo, questo rende titoli come Frankenstein, Jay Kelly e A House of Dynamite idonei per la candidatura ai premi.
In un contesto di difficoltà generale al botteghino negli ultimi anni, i progetti della Warner Bros. sono stati di grande aiuto per l’industria cinematografica, poiché lo studio ha registrato una serie storica di successi al botteghino quest’estate. Due dei suoi film, I Peccatori e Weapons, sono stati inseriti ieri nella lista dei candidati ai Golden Globe per i risultati cinematografici e al botteghino. In totale, la WB ha incassato più di 4 miliardi di dollari in tutto il mondo nel 2025.
Sarandos ha anche affrontato questo fattore, affermando: “Se avessimo concluso questo accordo 24 mesi fa, tutti quei film che abbiamo visto quest’anno avere così tanto successo per la Warner Bros sarebbero stati distribuiti allo stesso modo nelle sale cinematografiche. Sto parlando di Minecraft, sto parlando di Superman, sto parlando di Weapons, sto parlando di Sinners”.
Sarandos ha concluso dicendo: “Questi film saranno distribuiti su Netflix attraverso le sale cinematografiche come faceva prima la Warner Bros, ma con l’entità operativa della Warner Bros. Il modo in cui creano e generano valore è davvero importante. Non abbiamo acquistato questa società per distruggere quel valore”. Non resta ora che attendere il verdetto della Warner Bros. per avere l’esito di questa “guerra commerciale” che ridisegnerà il volto di Hollywood.
Dwayne Johnson ha avuto l’opportunità di ringraziare Brendan Fraser per avergli “cambiato” la vita con La mummia – Il ritorno. Fraser ha recitato in La mummia nel 1999 con Rachel Weisz. Dopo il successo del primo film, è stato dato il via libera a un sequel, con Johnson che si è unito al cast nel ruolo di Mathayus, il Re Scorpione, dopo essersi fatto un nome come wrestler.
Durante l’ultima puntata della serie Actors on Actors di Variety e CNN, le due celebrità hanno parlato delle loro carriere, incluso il lavoro insieme ne La mummia – Il ritorno. Johnson ha elogiato enormemente Fraser per non averlo respinto quando ha cercato di iniziare a lavorare nell’industria dello spettacolo come attore.
Quando Johnson espresse per la prima volta il suo interesse per La mummia – Il ritorno, sentì dire che Fraser “adorava l’idea” che il wrestler interpretasse un ruolo nel film e “lo aveva accolto a braccia aperte”.
Secondo Dwayne Johnson, sceglierlo per La mummia – Il ritorno era un grosso rischio perché non aveva mai recitato prima, e si trattava di un franchise di enorme successo, quindi per lui significava molto che Fraser e il team di produzione fossero d’accordo con la decisione del casting.
“Mi piacerebbe iniziare la nostra conversazione regalandoti dei fiori. OK? Ti consegnerò subito un sacco di fiori a domicilio. Tu ed io abbiamo iniziato a conoscerci per La Mummia – Il Ritorno. Era uno dei franchise più importanti al mondo all’epoca. Ero pronto a fare il mio ingresso a Hollywood. E c’è stato un momento in cui avresti potuto dire: ‘Questo tizio, Dwayne Johnson, non ha mai recitato prima; è nel wrestling professionistico’. La risposta che ho ricevuto è stata: “Brendan adora l’idea. Ti ha accolto a braccia aperte”. Ha significato molto per me, perché hai corso un rischio con me e, anni dopo, tu ed io siamo qui seduti. Voglio ringraziarti per avermi davvero cambiato la vita.”
Il debutto cinematografico di Johnson in La mummia – Il ritorno ha finito per “cambiarmi davvero la vita”. La sua transizione da wrestler ad attore è stata fluida e inizialmente è rimasto all’interno del franchise de La mummia recitando in uno spin-off intitolato Il Re Scorpione, che ha dato il via a quattro sequel, e poi a una carriera di successo a Hollywood.
Dopo che Johnson ha consegnato a Fraser i suoi fiori, l’attore ha riconosciuto che l’ex wrestler era “la persona giusta per il ruolo”. Sebbene Fraser non conoscesse Johnson in precedenza, ha visto alcune riprese della futura star dei film d’azione e l’ha trovato una scelta “ispirata”.
Quando si è trattato di scegliere il ruolo del Re Scorpione, i produttori avevano bisogno di qualcuno che il pubblico potesse “amare odiare”, qualcuno con “molta sicurezza e convinzione” e “grande energia”, e Johnson era decisamente perfetto.
“Sei troppo gentile, Dwayne. Sei sempre stato la persona giusta per il ruolo. Quando mi è stato detto che eri una possibilità, perdonami, ma non ti conoscevo dal mondo del wrestling. E quando me l’hanno mostrato, ho detto: ‘Questo è un casting ispirato. Saremmo fortunati ad avere lui'”. Per interpretare un cattivo che ami odiare, ti serve un personaggio da stadio. Ci vorranno molta sicurezza e convinzione. Nel mondo del wrestling, dipingevi con un pennello da 25 cm: devi avere una grande energia.
Il resto, come si dice, è storia perché La Mummia – Il ritorno ha incassato 435 milioni di dollari a fronte di un budget di 98 milioni, diventando il film di maggior successo della saga. Tuttavia, la critica non è stata altrettanto gentile. Mentre il primo film ha ottenuto un punteggio del 63% su Rotten Tomatoes (e un punteggio del pubblico del 75%), il sequel è stato classificato come film Rotten con il 46%.
Sebbene non si sappia se Fraser e Johnson lavoreranno mai più insieme, La mummia – Il ritorno è stata un’esperienza indimenticabile per entrambi gli attori e ha lanciato la carriera di attore di Johnson.
Dai fumetti alla TV live-action fino all’animazione, l’universo satirico dei supereroi di The Boys ha conquistato molteplici media e ora sta per sconfinare in un territorio inesplorato: il suo videogioco.
Basata sull’omonima serie a fumetti, la serie TV The Boys di Amazon verrà adattata in un gioco VR stealth-action dallo studio brasiliano Arvore e pubblicato da Sony Pictures Virtual Reality. Intitolato “The Boys: Trigger Warning“, il gioco sarà lanciato nel 2026 ed è ora disponibile per il preordine al prezzo promozionale di 23,99 dollari sullo store Meta Quest e per essere aggiunto alla lista dei desideri sul PlayStation Store.
Secondo la descrizione del gioco, “The Boys: Trigger Warning” “introduce un personaggio originale che scopre accidentalmente un grottesco segreto della Vought, trasformando una gita in famiglia in una carneficina. Costretto a diventare un Superman, il giocatore si unisce ai Boys per infiltrarsi nella Vought e vendicarsi nel modo più caotico possibile. Unendo stealth e combattimento con l’umorismo nero tipico del franchise, il titolo VR offre una nuova storia radicata nel mondo amato dai fan”.
“Trigger Warning” è stato creato in collaborazione con il creatore e showrunner della serie TV The BoysEric Kripke e vedrà alcuni membri del cast riprendere i loro ruoli, tra cui Laz Alonso nei panni di Mother’s Milk, Colby Minifie nei panni di Ashley Barrett e P.J. Byrne nei panni di Adam Bourke, oltre a Jensen Ackles che appare come una “interpretazione distorta di Soldier Boy, creata esclusivamente per il gioco“, secondo gli sviluppatori.
Sebbene “The Boys” sia stato incorporato in altri videogiochi (il personaggio di Homelander, interpretato da Antony Starr, è apparso in “Mortal Kombat 1”), questo sarà il primo gioco in assoluto costruito interamente attorno all’universo di “The Boys”.
“Ci siamo concentrati su tutto ciò che i fan si aspettano da ‘The Boys’ e abbiamo lavorato a stretto contatto con i produttori della serie per portare quel tono nel gioco”, ha dichiarato a Variety Ricardo Justus, CEO e fondatore di Arvore. “La violenza caratteristica della serie appare ancora più assurda e fisica qui perché la realtà virtuale vi catapulta proprio nel mezzo. E oltre alle interazioni superficiali, il gioco ha una forte componente narrativa che vi mette nei panni di qualcuno che subisce realmente le conseguenze delle azioni di Vought. Abbiamo anche integrato una narrazione ambientale nell’esperienza. Esplorando, si incontrano strati di umorismo, commenti sociali e easter egg visivi che riecheggiano la voce satirica della serie. Quel mondo prende vita ancora di più con molti degli attori originali che riprendono i loro ruoli, il che conferisce alle scene un’autenticità e un’energia che i fan riconosceranno immediatamente. Il mix di caos, tensione morale, umorismo nero e spettacolo è ciò che rende “The Boys” unico, ed è esattamente ciò che lo rende così divertente da tradurre in realtà virtuale.”
Il direttore creativo Ricardo Laganaro ha affermato che il processo collaborativo su “The Boys: Trigger Warning” “è diventato molto più profondo di quanto inizialmente previsto”, in gran parte grazie al fatto che il creatore e showrunner della serie “The Boys” Eric Kripke e il suo team di sceneggiatori “hanno abbracciato una vera e propria partnership creativa” con lo studio di sviluppo.
“Fin dalle prime discussioni sulla storia, abbiamo costruito un rapporto di fiducia che ci ha permesso di andare ben oltre il tipico processo di approvazione nei giochi su licenza”, ha affermato Laganaro. “Non si sono limitati a rivedere le idee; ci hanno aiutato a dare forma a personaggi e scene, e hanno persino scritto i dialoghi, il che ha fatto sì che la storia sembrasse davvero appartenere all’universo di ‘The Boys’. Questa fiducia ci ha anche dato la possibilità di introdurre nuovi personaggi e antagonisti originali in modi che rimanessero fedeli al mondo di ‘The Boys’, e ci ha permesso di creare interazioni significative con i personaggi iconici della serie, sempre con la guida degli sceneggiatori per mantenere ogni momento autentico. E, soprattutto, hanno condiviso ampi materiali di scenografia tratti dalla serie, che ci hanno aiutato a dare vita a location come la sala conferenze dei Sette e Voughtland con grande precisione, pur dando ai fan la libertà di esplorarle in modi che solo un’esperienza VR può rivelare.”
L’annuncio di “The Boys: Trigger Warning” arriva subito dopo la rivelazione da parte di Amazon della data di uscita della quinta e ultima stagione di The Boys, l’8 aprile. Prodotto da Sony Pictures Television e Amazon MGM Studios, il franchise televisivo The Boys comprende la serie principale, gli spin-off “Gen V”, “The Boys Presents: Diabolical”, il prequel di prossima uscita “Vought Rising” e una serie ancora in fase di sviluppo ambientata in Messico.
“Siamo entusiasti di collaborare con Arvore per dare vita a ‘The Boys: Trigger Warning’ in VR”, ha dichiarato Lance Sloane, vicepresidente senior di Sony Pictures Entertainment. “Avere i creatori della serie coinvolti nella definizione dell’esperienza ci permette di ampliare i confini della narrazione immersiva e siamo grati di collaborare con i nostri amici di Meta e PlayStation per offrirla ai fan.”
La trama di Avengers: Doomsday rimane un segreto gelosamente custodito e, sebbene Secret Wars del 2015 sia destinato a essere una fonte d’ispirazione fondamentale per i fratelli Russo, è probabile che i registi stiano prendendo spunto da altri fumetti.
L’attrice di Shuri, Letitia Wright, ha appena condiviso una foto della copertina di Doomsday. Il fumetto del 2010, scritto da Jonathan Maberry e disegnato da Will Conrad, Scot George Eaton e John Romita Jr., non è stato esattamente acclamato dalla critica. Tuttavia, potrebbe servire come base per almeno parte di ciò che vedremo in Avengers: Doomsday.
All’inizio della storia, il Wakanda è stato conquistato e le sue riserve di Vibranio saccheggiate. Tempesta rischia l’esecuzione nelle successive 48 ore. E il Dottor Destino trionfa dopo aver guidato una forza d’invasione latveriana nel paese.
Ci vorranno le forze combinate degli X-Men, dei Fantastici Quattro e delle due Pantere Nere per opporsi a lui. Con questo, è iniziata una guerra che metterà il supercriminale più implacabile del mondo contro una schiera dei supereroi più potenti del mondo, una guerra che si estenderà in tutto il mondo, offrendo colpi di scena e sorprese che nessuna delle due parti prevede.
Avengers: Infinity Warha già esplorato il concetto di un’invasione del Wakanda, quindi non pensiamo che Avengers: Doomsday seguirà quella strada. Tuttavia, gli eroi del mondo che si radunano per combattere Doom e la dinamica tra gli Shuri e/o T’Challa e Victor sono qualcosa su cui contiamo sicuramente come un fattore del film.
Vedremo, ma se il trailer di Avengers: Doomsday verrà pubblicato questa settimana come previsto, potrebbe non passare molto tempo prima che avremo un’idea molto più precisa di cosa aspettarci dal film.
Man of Tomorrow ha finalmente una data ufficiale per l’inizio delle riprese, mentre la star dell’universo DC Nicholas Hoult anticipa cosa succederà a Lex Luthor nel sequel di Superman. Dopo il film di quest’anno, il pubblico della DCU non ha infatti ancora visto l’ultima apparizione del nemico giurato di Clark Kent, che tornerà ancora nel futuro del franchise.
In una conversazione con Variety al Red Sea Film Festival, a Hoult è dunque stato chiesto se fosse vero che avrebbe iniziato le riprese del film Man of Tomorrow nell’aprile 2026, e la star britannica ha confermato che è così. L’attore ha anche accennato brevemente alla sceneggiatura, dicendo: “L’ho vista. Non posso dire molto al riguardo, ma è fantastica”.
Ha aggiunto che “ci sono cose davvero divertenti” per Lex nel film Man of Tomorrow, che lo riunirà con Gunn per la terza volta, dato che Hoult ha interpretato l’iconico nemico di Superman anche per un cameo nella seconda stagione di Peacemaker dopo il suo debutto cinematografico nella DCU. Tuttavia, questa volta le cose saranno diverse quando Lex e l’Uomo d’Acciaio si ritroveranno sul grande schermo.
Tutto quello che sappiamo su Man of Tomorrow
Le riprese principali di Man of Tomorrow dovrebbero iniziare nella primavera del 2026, con una data di uscita fissata per il 9 luglio 2027. David Corenswet riprenderà il ruolo nel sequel al fianco di Lex Luthor, interpretato da Nicholas Hoult, poiché i due si alleeranno contro questo nuovo nemico, come ha dichiarato il regista.
James Gunn ha infatti affermato: “È una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande. È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due. Adoro la sceneggiatura”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro.
Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan. Il co-CEO della DC Studios ha risposto a un fan su Threads all’inizio di settembre 2025 che Lois avrà un “ruolo importante”. Il villain del film sarà Brainiac, secondo quando sostenuto da più fonti.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
La quinta stagione di Stranger Things è finalmente arrivata con il rilascio di Volume 1, ricco di rivelazioni, cliffhanger e nuovi misteri in vista del gran finale. Con il debutto di Volume 2 il giorno di Natale, i fan stanno formulando ogni possibile teoria su come si concluderà l’intera saga. Ecco le sette teorie più discusse e affascinanti su Stranger Things 5 prima degli ultimi episodi.
Stranger Things 5 sta preparando un “tiro critico” alla Dungeons & Dragons
Fin dalla prima stagione, Stranger Things intreccia la sua mitologia con il mondo di Dungeons & Dragons. Ora, sembra che quella simbologia sia tornata con un nuovo significato: Eleven (Undici) + Eight (Otto) = 19. A questo si aggiunge Will, che sembra canalizzare parte dei poteri di Vecna (Uno).
Il totale? 20, cioè il celebre natural 20 di D&D, il tiro perfetto. Secondo questa teoria, l’unione dei loro poteri potrebbe rappresentare l’unica combinazione possibile per sconfiggere definitivamente Vecna.
Vecna sta costruendo un wormhole per viaggiare nel tempo
Le lezioni di Mr. Clarke sono sempre state piene di foreshadowing, e quella sui ponti Einstein-Rosen non fa eccezione. Il suo diagramma di un wormhole è identico al disegno del nuovo covo di Vecna realizzato da Will.
Se Vecna sta tentando di manipolare lo spazio-tempo, lo scopo potrebbe essere devastante:
impedire a Eleven di ottenere i poteri,
annullare gli esperimenti di Brenner,
o addirittura evitare la propria trasformazione in Vecna.
Una svolta temporale potrebbe essere la chiave del finale.
Vecna ha ancora un piano importante per Will Byers
Will è sempre stato il personaggio più legato mentalmente a Vecna, fin da stagione 1. La loro connessione psichica è unica e in Stranger Things 5 sembra addirittura rafforzarsi, con Will che manifesta poteri simili a quelli dell’antagonista.
Il timore è che Vecna abbia sempre considerato Will come il suo vero “asso nella manica”. Potrebbe essere manipolato per tradire il gruppo? L’idea è dolorosa, ma non priva di indizi inquietanti.
La stagione 4 aveva già accennato al “Culto di Vecna” attraverso la campagna del Club Hellfire. Ora questa visione potrebbe diventare realtà: i bambini rapiti negli episodi di stagione 5 potrebbero essere destinati a diventare i suoi fedeli — o vere e proprie “batterie” psichiche.
Volume 2 potrebbe quindi mostrare una vera setta al servizio di Vecna, pronta ad amplificarne i poteri oltre ogni limite.
Il Mind Flayer è il vero villain finale di Stranger Things
Vecna ha tirato i fili della stagione 4… ma chi sta tirando i suoi ora? Il Mind Flayer è stranamente assente in questa stagione, e questo silenzio potrebbe essere intenzionale.
Secondo molti, Vecna è solo il “Darth Vader” della serie: potente, ma comunque subordinato a una forza superiore. Il Mind Flayer potrebbe tornare in scena come boss finale assoluto del franchise, rivelando che Vecna non è mai stato il vero mastermind.
Max potrebbe sacrificarsi per salvare i bambini
Il primo episodio di Volume 2 si intitola “Escape From Camazotz”, un riferimento al mondo oscuro descritto in Nelle pieghe del tempo (A Wrinkle in Time), amatissimo da Holly.
Max è ancora imprigionata nel mindscape di Vecna dal finale della stagione 4. Considerando il suo legame con i bambini rapiti, una teoria sempre più diffusa è questa: Max potrebbe sacrificarsi per liberare tutti gli altri.
Sarebbe una chiusura tragica ma coerente con il suo arco narrativo.
Hopper sopravvive… e torna capo della polizia
Stranger Things Stagione 5 Foto Credits Netflix
Le foto dal set hanno già svelato che Hopper indosserà di nuovo la divisa da capo della polizia in qualche momento della stagione. L’uomo non era più tornato al suo ruolo ufficiale da prima della sua prigionia in Russia, nella stagione 3.
In una scena è anche stato visto parlare con Mike davanti al cinema di Hawkins, che proietta Indiana Jones e l’Ultima Crociata (1989). Questo suggerisce un epilogo ambientato dopo gli eventi principali, confermando la sopravvivenza di Hopper e la sorte di altri personaggi chiave.
Stranger Things 5 – Volume 2 debutta su Netflix il giorno di Natale, mentre il gran finale della serie arriverà il 31 dicembre.
Mancano solo poche settimane alla prossima tornata di episodi di Stranger Things – Stagione 5, in uscita su Netflix. I riflettori sono puntati su nove dei giovani protagonisti della serie, mentre si preparano per lo scontro finale contro Vecna.
Il Volume 1 di questa stagione finale non ha visto vittime importanti, ma non sappiamo se tutti quelli che vedrete nei poster qui sotto, condivisi per la prima volta su SFFGazette.com, ne usciranno vivi. I fan della serie lo sperano sicuramente, ma la posta in gioco sarà alta.
L’ultima volta che abbiamo visitato il mondo di Stranger Things, Vecna (Jamie Campbell Bower) tende un’imboscata agli eroi, spingendo Will Byers (Noah Schnapp) a prendere il controllo dei Demogorgoni e della mente di Vecna e a liberare i suoi amici dalla morsa omicida del mostro.
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“Abbiamo sempre saputo che Will ha un legame con Vecna e il Sottosopra”, ha dichiarato di recente Ross Duffer. “Nella seconda stagione, abbiamo iniziato ad approfondire l’argomento, ma una delle prime idee della nuova stagione è stata: ‘E se Will fosse in grado di sfruttare questo legame e usarlo contro i nostri cattivi?'”
“Abbiamo anche ritenuto naturale concentrare la storia su Will. Era il ragazzo rapito nella prima stagione, quindi ci è sembrato giusto che la storia chiudesse il cerchio. Se c’era qualcuno che doveva essere la chiave per porre fine a Vecna, quello doveva essere Will”, ha aggiunto.
Matt Duffer ha osservato: “Eravamo più interessati a esplorare come sviluppa questi poteri e come si collegano al suo personaggio. E ci sono molte cose con cui Will ha dovuto fare i conti nel corso delle quattro stagioni precedenti a questa: tante emozioni e conflitti interiori che rimangono irrisolti.”
“Volevamo che crescesse come essere umano e diventasse una versione completa di se stesso, che accettasse veramente se stesso. E una volta che sarà in grado di farlo, sarà in grado di sfruttare questi incredibili poteri.”
Molti fan di Stranger Things hanno ritenuto che l’emergere dei poteri di Will sia stato un momento “da spacco di internet”. Altri, nel frattempo, hanno sentimenti contrastanti, ma qualunque cosa accada, la speranza è che i Duffer abbiano ideato una conclusione degna di un’epica e degna di questa longeva serie.
Quale di questi poster della quinta stagione di Stranger Things è il tuo preferito?
Marvel ha appena anticipato la premessa perfetta per il prossimo film dedicato a Black Panther, suggerendo un progetto potenzialmente in grado di replicare uno dei pochi pattern da 1 miliardo di dollari che lo studio abbia mai realizzato. Ad oggi, infatti, solo due personaggi del MCU hanno superato il miliardo con il loro film d’esordio solista: Black Panther e Captain Marvel. L’opera di Ryan Coogler del 2018, interpretata dall’indimenticabile Chadwick Boseman, è diventata un fenomeno culturale senza precedenti, in grado di competere persino con l’impatto mediatico di Avengers: Infinity War.
Con l’avvicinarsi del sessantesimo anniversario dalla prima apparizione fumettistica di Black Panther nel 2026, Boseman continua a essere una presenza impossibile da sostituire. Tuttavia, dopo il tributo emotivo di Black Panther: Wakanda Forever, Marvel Studios proseguirà il percorso del personaggio nel MCU — che si tratti di mantenere Shuri (Letitia Wright) nel ruolo o di recastare T’Challa. Black Panther 3 è già in fase di sviluppo, e oltre questo capitolo il personaggio appare destinato a rimanere centrale nel futuro della saga.
I variant cover per il 60° anniversario rivelano il potenziale del prossimo film
Per celebrare l’anniversario, Marvel Comics ha rivelato una serie di variant cover dedicate a Black Panther, in cui T’Challa appare al fianco di Wolverine, Captain America, Doctor Strange, Spider-Man e dei Fantastici Quattro. Sebbene queste collaborazioni non siano necessariamente parte delle trame fumettistiche in arrivo, offrono idee eccezionali per futuri film MCU.
Tra le possibilità più discusse:
Black Panther & Doctor Strange Un film che colmerebbe il vuoto lasciato dall’assenza dell’Illuminati nella timeline principale.
Black Panther & Captain America (Sam Wilson) Un team-up che darebbe impulso al Cap di Anthony Mackie, soprattutto in vista di un eventuale Captain America 5.
Black Panther nei Fantastici Quattro Un omaggio perfetto alle origini fumettistiche di T’Challa, introdotto proprio in Fantastic Four #52.
Black Panther & Wolverine Il concept più esplosivo: un’erede naturale al successo planetario di Deadpool & Wolverine.
Perché Black Panther & Wolverine sarebbe un nuovo successo assicurato
Sebbene non siano soliti collaborare fuori dal contesto degli Avengers, Black Panther e Wolverine condividono molto più di quanto appaia. Entrambi sono combattenti feroci dotati di artigli indistruttibili (vibranio vs adamantio) e sono leader che apprendono gradualmente a lavorare in squadra.
A differenza della dinamica “caotica” tra Deadpool e Wolverine, qui Wolverine affiancherebbe un partner serio, disciplinato e intransigente — una combinazione capace di conquistare sia i fan più adulti sia il pubblico generalista.
È esattamente il tipo di team-up in grado di generare un nuovo fenomeno da 1 miliardo di dollari, replicando la formula della rivelazione puntata su due icone amatissime.
Il MCU ha bisogno di mantenere Black Panther centrale dopo Secret Wars
Con Avengers: Doomsday e Secret Wars in arrivo, Shuri dovrebbe assumere un ruolo chiave nella nuova configurazione degli eroi Marvel. Tuttavia, l’ingresso imminente dei Fantastici Quattro, dei New Avengers e di nuovi protagonisti rischia di oscurarne la presenza.
Black Panther — sia come Shuri che come eventuale T’Challa recastato — deve tornare a essere una figura trainante, paragonabile all’importanza che Iron Man ebbe durante la Infinity Saga.
Team-up cinematografici di alto profilo, apparizioni strategiche in film come Spider-Man 4 o un crossover con Captain America o Wolverine potrebbero riportare il personaggio al centro della scena, consolidando un nuovo filone narrativo destinato a dominare il box office.
Paramount Skydance è entrata in una guerra di offerte e nella giornata di ieri ha annunciato un’offerta pubblica di acquisto ostile nel tentativo di acquistare tutte le azioni rimanenti di Warner Bros. Discovery. Netflix e i suoi co-amministratori delegati, Ted Sarandos e Greg Peters, non sono però rimasti a guardare e hanno annunciato ufficialmente la loro posizione sulla situazione attuale.
Alla conferenza UBS Global Media and Communications, i CEO di Netflix hanno dichiarato di essere fiduciosi riguardo all’accordo con WBD, annunciato la scorsa settimana. I due hanno affrontato le preoccupazioni relative all’acquisizione di Warner Bros. e HBO Max da parte di Netflix, affermando che avrebbero garantito la “creazione e la tutela dei posti di lavoro nell’industria dell’intrattenimento”. Sarandos ha risposto all’offerta ostile di Paramount dicendo:
“La mossa di oggi era del tutto prevedibile. Abbiamo concluso un accordo e ne siamo incredibilmente soddisfatti. Riteniamo che sia ottimo per i nostri azionisti. È ottimo per i consumatori. Riteniamo che sia un ottimo modo per creare e proteggere posti di lavoro nell’industria dell’intrattenimento. Siamo estremamente fiduciosi che riusciremo a portare a termine l’operazione“.
Anche il consiglio di amministrazione di Warner Bros. Discovery ha risposto alla proposta della Paramount e ha dichiarato che avrebbe comunicato la propria decisione entro 10 giorni lavorativi (19 dicembre). L’accordo di Netflix con WBD per l’acquisto delle attività dello studio Warner Bros., HBO e HBO Max per un valore aziendale di 82,7 miliardi di dollari è stato annunciato la scorsa settimana, ma la Paramount non ha nascosto il proprio disappunto per le attuali trattative.
L’offerta interamente in contanti di Paramount equivale a un valore aziendale di 108,4 miliardi di dollari, che rappresenta un aumento sostanziale rispetto alla proposta di Netflix. La proposta di Netflix ha un valore di 27,75 dollari in contanti (23,25 dollari) e azioni (4,50 dollari), soggetta a un collar e alle prestazioni future di Netflix. Paramount ha rilasciato una dichiarazione in merito all’offerta:
“L’offerta strategicamente e finanziariamente interessante di Paramount agli azionisti di WBD rappresenta un’alternativa superiore alla transazione di Netflix, che offre un valore inferiore e incerto ed espone gli azionisti di WBD a un lungo processo di autorizzazione normativa multigiurisdizionale dall’esito incerto, oltre che a un mix complesso e volatile di azioni e contanti”.
Netflix ha assicurato che le uscite nelle sale cinematografiche proseguiranno anche in caso di acquisizione, ma con lo streaming che sta diventando il modo principale con cui le persone consumano i film… è un momento preoccupante per i cinefili di tutto il mondo. Paramount ha dichiarato che, nonostante le promesse di Netflix, aumenterà i prezzi e distruggerà posti di lavoro, ma solo il tempo dirà chi aveva ragione.
Skeet Ulrich, che ha interpretato metà del duo originale di Ghostface insieme a Stu Macher (Matthew Lillard) nel primo film di Scream, è tornato per il revival del 2022 come una sorta di guida spirituale contorta per Sam Carpenter (Melissa Barrera), che si è rivelata essere la figlia del suo personaggio, Billy Loomis.
Nel corso di Scream 5e del suo seguito del 2023, Sam ha iniziato a cedere alle pulsioni omicide ereditate dal padre. Carpenter è riuscita a indirizzare la sua sete di sangue verso i cattivi per proteggere sua sorella (Jenna Ortega) e i suoi amici, ma le scene finali del film più recente lasciano intendere che il suo lato oscuro potrebbe alla fine prendere il sopravvento.
Parlando con EW, Skeet Ulrich ha confermato che il piano originale prevedeva effettivamente che Sam Carpenter seguisse le orme sanguinarie del padre e indossasse un costume da Ghostface. “Ne ho parlato apertamente. Non ci farò”, ha detto l’attore quando gli è stato chiesto se i fan possono aspettarsi di vederlo in Scream 7 (qui il trailer) del prossimo anno. “Quando abbiamo parlato di tornare per Scream 5, si trattava di un arco narrativo di tre film in cui Billy Loomis avrebbe lentamente trasformato sua figlia nell’assassina. Ovviamente, queste cose non hanno funzionato, visti alcuni eventi accaduti. Ma no, non so nulla del settimo”.
Ulrich ha spiegato in dettaglio durante un’intervista separata con il NY Post. Tra queste “certe cose” menzionate da Ulrich c’erano ovviamente il licenziamento di Barrera per i post sui social media relativi al conflitto tra Israele e Gaza, e la separazione di Ortega e del regista Christopher Landon dal progetto poco dopo.
“Credo che questo sia il momento migliore per annunciare la mia uscita ufficiale da Scream, avvenuta sette settimane fa”, scrisse Landon sui social media all’epoca. “Questo deluderà alcuni e delizierà altri. Era un lavoro da sogno che si è trasformato in un incubo. E il mio cuore si è spezzato per tutti i soggetti coinvolti. Tutti. Ma è ora di andare avanti”.
Landon aveva già parlato del licenziamento di Barrera (molti fan erano giunti alla conclusione che lui avesse qualcosa a che fare con la cosa), ma più di recente ha parlato della sua decisione di abbandonare il progetto.
Si dava per scontato che Landon avesse abbandonato il progetto a causa dell’abbandono dei due attori principali, e il regista di Auguri per la tua morte ha confermato che il licenziamento di Barrera era stato direttamente responsabile della sua decisione di affidare il film a qualcun altro.
“Ho preso la decisione di andarmene circa una settimana dopo che l’avevano licenziata”, racconta Landon in un nuovo libro intitolato Your Favorite Scary Movie di Ashley Cullins. “Non esisteva più nessun film. L’intera sceneggiatura parlava di lei. Non ho firmato per fare ‘un film di Scream’. Ho firmato per fare quel film. Quando quel film non esisteva più, ho cambiato idea.”
Dopo mesi di attesa, è stato confermato che Scream 7 è ufficialmente in fase di sviluppo. Nel 2022, il franchise slasher preferito dai fan è stato ripreso sotto la guida del duo di registi Tyler Gillett e Matt Bettinelli-Olpin, che fanno parte del collettivo di cineasti noto come Radio Silence. I due hanno diretto sia Scream del 2022 che Scream VI di quest’anno, che è diventato il capitolo di maggior incasso del franchise a livello nazionale. Christopher Landon, il regista di successi horror come i film Auguri per la tua morte, era stato chiamato ad occuparsi della regia, ma ha in seguito abbandonato il ruolo, ora passato a Kevin Williamson.
Oltre alle due attrici, il cast vanta anche David Arquette che riprende il ruolo di Dewey Riley, nonostante il suo personaggio fosse già morto nel film precedente. A questi si aggiungono anche Mason Gooding (Chad Meeks-Martin) e Jasmin Savoy Brown (Mindy Meeks-Martin), già comparsi nelle ultime uscite, nonché volti nuovi come Isabel May — figlia di Sidney nel film — e Joel McHale che interpreta il marito di Sidney. Anche Matthew Lillard, interprete di Stu Macher, farà parte del film.
I creatori di fumetti hanno da tempo difficoltà a ricevere royalties per i media e il merchandising basati sui personaggi che hanno creato. Di recente, sembrava che fosse emerso un nuovo caso quando è circolata un’intervista realizzata dall’outlet brasiliano Jamesons con Sara Pichelli — co-creatrice di Miles Morales insieme a Brian Michael Bendis — durante il CCXP. L’artista aveva dichiarato di non aver ricevuto alcun compenso per il successo cinematografico e videoludico di Miles.
Ora, però, la creatrice è intervenuta sui social media per chiarire le sue dichiarazioni. Secondo Pichelli, la sua conversazione con Jamesons era stata “rilassata” e “ironica”, e non intendeva essere percepita come un lamento o come un suo essere “arrabbiata”. La dichiarazione completa dell’artista è la seguente:
«È giunta alla mia attenzione una notizia con un titolo su di me che diceva qualcosa riguardo alle royalties di Miles, scritta dopo un’intervista qui al CCXP. Volevo lasciar perdere, ma visto che molti di voi mi stanno scrivendo, voglio chiarire le cose. Quel titolo è un imbarazzante titolo acchiappaclick. Chi l’ha scritto ha completamente distorto il tono della nostra conversazione, che era rilassata e ironica, e inoltre quella era una piccolissima parte della nostra conversazione, in cui non stavo né lamentandomi né arrabbiandomi, stavo solo dicendo poche righe sull’industria del settore.
So che royalties e copyright sono un tema caldo, ma per favore non usate me o il mio lavoro per prendere posizione o dire str—ate. Non ve lo permetto. Inoltre, quando un creatore rilascia un’intervista durante una fiera (e il CCXP era incredibilmente impegnativo), è generoso e gentile: per favore non approfittate di questo per creare contenuti discutibili solo per ottenere più follower. Si può fare meglio, siate migliori.»
L’outlet ha risposto al chiarimento di Pichelli con una dichiarazione su X. Jamesons ha affermato che non era sua intenzione rendere sensazionalistica la copertura dell’intervista, e ha pubblicato un video dell’incontro con Pichelli — che sembra sia stato condiviso dopo la dichiarazione dell’artista.
«IL RUOLO DEL GIORNALISTA
Questo weekend al CCXP, il nostro caro @nogabeverso ci ha rappresentato nella copertura dell’evento e nelle interviste esclusive. Una di queste interviste è diventata virale ieri su varie pagine e portali in Brasile e all’estero. Sara Pichelli, l’artista co-creatrice di Miles Morales, ha fatto una chiacchierata super informale con Gabe su temi come il processo creativo di Miles, gli attacchi che il personaggio ha dovuto affrontare, le origini rom della Scarlet Witch, e i suoi futuri progetti in Marvel. Abbiamo postato tutte quelle clip qui sul profilo. […]
Tuttavia, ciò che è diventato virale in mezzo a tutto questo è stata la clip in cui Gabe chiede a Sara se riceva qualche compenso per aver creato un personaggio così popolare e importante, già adattato in vari media multimilionari come i videogiochi Sony e i film dello Spider-Verse. La risposta di Sara è stata negativa. Ha scherzato: “Magari! […] Sarei miliardaria. […] Non ricevo nulla. Ed è la parte più triste della mia vita.”
Abbiamo pubblicato quella clip completa qui, con il titolo “(LA MANCANZA DI) DIRITTI DEI CREATIVI!”, proprio come abbiamo fatto con le altre parti della conversazione. Sebbene il tema dei ‘diritti degli autori’ generi spesso polemiche su questo social, non ci aspettavamo la risonanza che ha avuto, con grandi testate come [Bleeding Cool] che hanno pubblicato la storia. Sappiamo che quando un’intervista viene trascritta, intonazioni e contesti possono perdersi. È comprensibile che frasi come “è la parte più triste della mia vita” suonino molto più drammatiche nel testo di quanto non fossero in quel momento, tra le risate. È importante dire che Jamesons non ha mai cercato di distorcere quella dichiarazione.
Non troverete alcun post in cui abbiamo usato quella frase fuori contesto o al di fuori dell’intervista completa. Il nostro portale ha due anime chiare. Siamo un media composto da giornalisti professionisti e al CCXP eravamo accreditati come stampa. […] Il ruolo del giornalismo non è solo intrattenere o celebrare le opere. È anche quello di fare domande scomode. Sarebbe più comodo mantenere la conversazione soltanto nel campo dell’ammirazione, ma mettere in discussione le strutture dell’industria, soprattutto quando coinvolgono cifre miliardarie e creatori senza royalties, è nostro dovere come stampa.
Se la risposta a una domanda legittima porta alla luce una realtà negativa o controversa, questo non è sensazionalismo; è l’esposizione di un fatto che deve essere discusso. Ecco perché, anche se il nostro obiettivo iniziale era solo quello di riportare la chiacchierata informale con la creatrice, abbiamo anche fatto un sincero appello affinché gli artisti vengano riconosciuti (e compensati) per i loro lavori. Dopotutto, le aziende miliardarie traggono profitto dal loro lavoro. Confermiamo quella opinione e quella battaglia. Infine, vogliamo ringraziare ancora Sara per aver concesso l’intervista, che è stata divertente e illuminante. Potete vederla qui sotto, senza alcuna “distorsione”.»
Prima della dichiarazione di Pichelli, Jamesons aveva anche pubblicato il seguente messaggio su X:
«PAGATE I CREATIVI! Ieri abbiamo postato un estratto dell’intervista con Sara Pichelli, l’artista co-creatrice di Miles Morales, in cui rivelava di non ricevere nulla per l’enorme successo dell’eroe. E le abbiamo detto: è ora di trasformare questa indignazione in campagna politica, in un vero movimento online. I creatori hanno bisogno di un giusto riconoscimento economico per le loro opere. Ore dopo, l’intervista è esplosa in tutto il mondo. Le più grandi pagine di cultura pop a livello globale l’hanno rilanciata. Artisti di fumetti hanno parlato in suo supporto. Portali nazionali e internazionali hanno amplificato la sua dichiarazione.
Milioni di persone sono state raggiunte, e la stragrande maggioranza, giustamente, si è indignata. La campagna è lanciata. Sta già funzionando. Abbiamo diffuso il messaggio. Ora dobbiamo andare avanti. Ma prima è essenziale capire: Sara non è un caso isolato. È solo una in mezzo a tanti artisti sfruttati. Questo non è un problema limitato alla Marvel. È un problema strutturale e diffuso. Nel caso di Sara Pichelli, è un problema più con Sony, che ha realizzato il film dello Spider-Verse e il gioco di Miles. Ma Marvel e DC hanno molti casi di artisti non compensati come dovrebbero. La famiglia di Jack Kirby, che ha creato l’Universo Marvel come lo conosciamo insieme a Stan Lee, ha dovuto lottare in tribunale per ottenere un risarcimento multimilionario per il suo lavoro, arrivato solo dopo la sua morte.
Sul fronte DC, è accaduta la stessa cosa con la famiglia del creatore di Superman. E non possiamo dimenticare Peter David, che ci ha lasciato nel 2025 dopo anni a letto, costretto a organizzare raccolte fondi online per pagare le spese mediche, mentre le sue storie hanno ispirato franchise da miliardi come Hulk e Aquaman. Questo mostra chiaramente la situazione in cui viviamo: non esiste un’azienda benevola. Sono tutte macchine che stritolano gli artisti, ingranaggi di un capitalismo che trasforma la creatività in profitto senza un equo ritorno per chi crea. Per questo dobbiamo: Valorizzare gli artisti.
Pretendere dalle megacorporazioni. Esigere giustizia. Marvel, DC, Sony e tutti gli studios devono riconoscere economicamente coloro che hanno dato vita alle opere che oggi generano miliardi. Il ciclo attuale è il seguente: l’artista crea in condizioni precarie da freelancer, riceve un pagamento comune, e anni dopo vede il proprio lavoro trasformarsi in un impero multimilionario, mentre gli esecutivi si arricchiscono senza una goccia di sudore. Nulla, o quasi nulla, una miseria, torna agli artisti creatori. Questo non è giusto.»
IT: Welcome to Derry continua a espandere il suo universo narrativo, e il co-creatore Jason Fuchs ha spiegato come il coinvolgimento diretto di Stephen King abbia profondamente influenzato l’approccio della serie alla nuova esplorazione delle origini di Pennywise. L’episodio 7 introduce infatti i flashback dedicati a Bob Gray, l’uomo che interpretava Pennywise il Clown Ballerino, svelando come e perché IT abbia scelto proprio quella forma.
In una conversazione con ScreenRant, Fuchs ha raccontato come lui e i co-creatori Andy e Barbara Muschietti abbiano affrontato il rischio di dare risposte a misteri che, nei romanzi di King, sono sempre rimasti volutamente celati. Proprio per questo, l’autore è stato coinvolto attivamente nelle decisioni creative più delicate, dando pareri, feedback e approvazioni dirette su ogni passaggio chiave del passato di Gray, sulla sua connessione con Mrs. Kersh, e sulle ragioni che hanno portato IT a scegliere l’identità del clown.
Fuchs sottolinea come la presenza di King sia stata una sorta di “rete di sicurezza”:
“Se stai affrontando i misteri amati dai lettori, devi essere certo che le risposte siano davvero soddisfacenti. Con King come partner, abbiamo potuto chiedergli direttamente: ‘E se la storia fosse questa?’ Sapere che ci approvava ci ha dato il coraggio di osare.”
Bob Gray tra mito e realtà
Uno dei temi più complessi è sempre stato stabilire quanto del passato di Bob Gray fosse reale. Nei film, IT racconta a Beverly Marsh una versione distorta della sua storia attraverso la figura di Mrs. Kersh, lasciando aperto il dubbio:
È mai esistito davvero un Bob Gray? O era tutto un inganno di IT?
La serie sceglie di indagare questo confine, mostrando come Gray venisse adorato dai bambini durante le sue performance da clown. È proprio grazie a questa attrazione – non alla paura – che IT nota in lui la forma perfetta per avvicinarsi alle sue future vittime. I flashback mostrano anche il momento in cui l’entità aliena trascina Gray nei boschi, dove l’uomo sembra incontrare una sanguinosa fine.
Accanto a questo, l’episodio approfondisce la relazione fra Gray e sua figlia, Periwinkle, che in età adulta diventerà la misteriosa Mrs. Kersh. Convinta per anni che IT fosse suo padre, arriverà perfino a condurre nuove vittime verso la creatura, fino al tragico epilogo nell’episodio 7.
Il supporto pubblico di Stephen King
Oltre a collaborare attivamente alla costruzione della storia, King ha espresso più volte il suo entusiasmo per la serie. Welcome to Derry è stata inclusa tra le sue cinque raccomandazioni per Halloween e, alla vigilia dell’episodio 7, l’autore ha scritto su Threads:
“Gli ultimi due episodi sono dinamite.”
Un appoggio significativo, soprattutto considerando che King in passato non sempre ha approvato gli adattamenti delle sue opere, come accadde con Shining di Stanley Kubrick.
Il futuro della serie: stagioni 2 e 3 già pianificate
Se rinnovata, IT: Welcome to Derry approfondirà ulteriormente la mitologia del personaggio. La produzione ha già ipotizzato un percorso narrativo che porterebbe:
Stagione 2: ambientata nel 1935, durante un precedente ciclo di attività di IT.
Stagione 3: ambientata nel 1908, anno in cui si svolgono i flashback di Gray, permettendo così di esplorare più a fondo la sua storia e il suo incontro con l’entità nei boschi.
Il rinnovato coinvolgimento di King suggerisce che la serie potrebbe espandere l’universo di Pennywise come mai prima d’ora, sempre con il rispetto e la supervisione del suo creatore.
Guillermo del Toro è tornato a parlare del suo Justice League Dark, il progetto DC che avrebbe dovuto segnare il suo debutto ufficiale nel cinema supereroistico, poi cancellato durante le fasi di sviluppo. Ospite del podcast Happy, Sad, Confused, il regista ha condiviso nuovi dettagli sul casting, sulla trama e sul perché il film non è mai andato avanti — e se oggi, nell’era del DCU di James Gunn, esisterebbero possibilità di una resurrezione.
Del Toro ha chiarito innanzitutto che non era mai iniziato un casting formale, ma aveva idee molto precise per almeno un personaggio: “Volevo Doug Jones come Deadman, perché fisicamente era perfetto per il costume e conoscevo a fondo le sue espressioni e i suoi movimenti.” Il regista ha inoltre spiegato di essere profondamente legato alla sceneggiatura: “Amavo quel copione. Funzionava alla perfezione, e il modo in cui i personaggi si intrecciavano era davvero naturale.”
Il leader della squadra sarebbe stato John Constantine, figura centrale nella trama sviluppata da del Toro. Tra i principali antagonisti ci sarebbe stato anche il Floronic Man, mentre Swamp Thing era già stato esplorato in modo approfondito nella storia. Non mancavano inoltre cameo di personaggi iconici: “A un certo punto entrava Batman. I protagonisti avevano bisogno di un aereo e qualcuno diceva: ‘Conosco un amico che ne ha uno.’ E ci si ritrovava nell’ufficio di Bruce Wayne.” Del Toro non ha confermato se si trattasse del Batman di Ben Affleck, ma ha ammesso: “Mi sarebbe piaciuto farlo, ma oggi non lo farei.”
Interrogato su eventuali contatti recenti con James Gunn o DC Studios, il regista ha risposto: “No, no. Ogni tanto gli scrivo per dirgli cosa apprezzo del suo lavoro. Lo ritengo incredibilmente intelligente. Ho adorato Superman e mi piace molto il modo in cui sta immaginando il nuovo universo.”
Pur non essendo più coinvolto, del Toro ha rivelato che la sceneggiatura esiste ancora e sarebbe tecnicamente disponibile qualora DC Studios volesse recuperare il progetto: “Abbiamo lavorato per un paio d’anni. Non siamo mai arrivati alla concept art, ma c’erano set piece fantastici. Il mio preferito era un inseguimento con Deadman che saltava da un corpo all’altro.”
Justice League Dark è stato più volte vicino a diventare realtà: prima con del Toro, poi con l’ambizioso piano di J.J. Abrams, che prevedeva film e serie su Constantine, Zatanna e altri personaggi, tutti destinati a confluire in un grande universo condiviso per HBO Max. Ma nulla è mai stato concretizzato, e nel 2023 la serie è stata ufficialmente cancellata.
Oggi il nuovo DCU guidato da James Gunn riparte dal Capitolo 1: Gods and Monsters. L’unico personaggio legato a Justice League Dark già confermato è Swamp Thing, al centro di un film diretto da James Mangold. Un tassello che potrebbe, in futuro, riaprire la strada alla squadra occulta più amata dai fan DC.
Il settore dell’intrattenimento sta vivendo giorni di tensione senza precedenti: dopo l’offerta avanzata da Netflix per acquisire gli asset principali di Warner Bros. Discovery — inclusi Warner Bros. Studios, HBO e HBO Max — arriva ora la controffensiva di Paramount Skydance, che ha presentato una proposta ostile valutata complessivamente 108,4 miliardi di dollari.
L’offerta di Paramount, pari a 30 dollari per azione, supera di gran lunga la valutazione del deal con Netflix, stimato in 82,7 miliardi di dollari. Per questo il Consiglio di Amministrazione di WBD ha annunciato di aver avviato la fase di analisi formale della proposta, riservandosi di comunicare una decisione entro 10 giorni lavorativi — ossia entro il 19 dicembre.
In una nota ufficiale, il board di Warner Bros. Discovery ha dichiarato:
“Il Consiglio di Amministrazione esaminerà attentamente l’offerta di Paramount Skydance in conformità agli accordi già in essere con Netflix. Raccomandiamo agli azionisti di non intraprendere alcuna azione fino alla comunicazione della nostra decisione.”
A rendere la situazione ancora più complessa è il supporto finanziario dietro la proposta di Paramount: secondo Variety, il gruppo sarebbe sostenuto da tre fondi sovrani arabi e da Affinity Partners di Jared Kushner, evidenziando una strategia aggressiva e un forte interesse nel controllo diretto del conglomerato WBD.
Il CEO di Skydance, David Ellison, ha rilasciato una dichiarazione molto esplicita sulle intenzioni della compagnia e sull’inadeguatezza del deal con Netflix:
“Gli azionisti meritano di considerare la nostra offerta in contanti, più redditizia e rapida da finalizzare. Crediamo che il board stia perseguendo una proposta inferiore, che espone gli investitori a rischi regolatori e all’incertezza del mercato. Siamo convinti che la nostra operazione crei un’Hollywood più forte, con maggiore concorrenza, più contenuti e più film in sala.”
Mentre Paramount insiste nel definire la propria offerta “superiore”, Netflix resta in attesa che WBD confermi la volontà di cedere l’intera divisione studio. Il finale di questa battaglia corporate è tutt’altro che scontato: nel giro di pochi giorni potremmo assistere a uno dei ribaltoni più drammatici della storia dell’industria cinematografica moderna.
Quel che è certo è che uno dei pilastri di Hollywood è ufficialmente sul mercato, e l’esito di questa contesa potrebbe ridefinire equilibri, concorrenza e modelli produttivi dell’intero settore.
Diretto da Taylor Hackford, Parker (qui la recensione) è un thrillerd’azionebasato sul romanzo di Donald Westlake, Flashfire. Westlake ha scritto diversi libri basati sul personaggio di Parker, un ladro professionista che opera secondo un proprio codice morale. Le avventure ricche di azione di questo personaggio vengono qui portate sul grande schermo con notevole stile.
Il film segue dunque Parker, che viene tradito dalla sua banda, il che lo spinge sulla via della vendetta. L’estetica antieroica del personaggio di Parker lo rende più facile da identificarsi, e le sequenze d’azione mozzafiato ci tengono incollati allo schermo. In sostanza, Parker è un lupo solitario che deve sconfiggere un gruppo di criminali con un pericoloso assassino alle calcagna. Approfondiamo i dettagli.
La trama di Parker
Parker (Jason Statham) è un ladro professionista che segue un codice morale specifico: le sue azioni non devono danneggiare le persone povere e innocenti. Gli viene assegnato un lavoro con una banda di cui non sa molto. Parker e la sua banda rubano dei soldi dalla Fiera dello Stato dell’Ohio, ma una situazione costringe uno dei membri a uccidere una persona innocente. Infastidito dagli sviluppi, Parker rifiuta di continuare a collaborare con la banda. Melander, il leader de facto della banda, decide di uccidere Parker per impossessarsi della sua parte di denaro.
Parker sopravvive all’attacco di Melander e alla fine viene salvato da una famiglia di coltivatori di pomodori, che lo portano in ospedale. Tuttavia, Parker fugge dall’ospedale e va alla ricerca di Melander. Scopre che il suo avversario si trova a Palm Beach, in Florida, dove sta pianificando un’altra rapina. La banda viene a sapere che Parker è vivo e manda un killer, Kroll, per eliminarlo. Parker è deciso a vendicarsi e raggiunge la Florida sotto le spoglie di un ricco uomo d’affari, Daniel Parmitt. Incontra un’agente immobiliare, Leslie (Jennifer Lopez), che ha i suoi problemi finanziari. Parker scopre che Melander sta pianificando una rapina in una gioielleria.
Leslie scopre la vera identità di Parker e alla fine entrambi decidono di rubare i gioielli a Melander e alla sua banda. Procedono con cautela mentre Parker neutralizza le armi di Melander sabotandole. Tuttavia, Kroll individua Parker e lo attacca ferocemente, ma alla fine viene ucciso da Parker. Mentre Parker e Leslie decidono le loro prossime mosse, Melander porta avanti i suoi piani. Parker decide di tendergli un’imboscata, ma loro catturano Leslie. Nel confronto che ne segue, Parker elimina le minacce e si avventura per riparare i danni causati da Melander e dalla sua banda.
Il finale di Parker: l’antieroe affabile
Alla fine, il protagonista uccide tutti i membri della banda di Melander e si impossessa del loro bottino. Il suo carattere e la sua condotta morale sono evidenti quando spedisce la parte di Leslie per posta. Anche se gli ci vuole un anno per organizzare la consegna, riconosce l’aiuto di Leslie mentre lottava per vendicarsi di Melander. Inoltre, anche i coltivatori di pomodori che lo hanno salvato ricevono una somma considerevole per il loro aiuto. Riconoscono che lo sconosciuto che hanno salvato è come un angelo, un salvatore che ha alleviato il loro disagio.
Il finale mette in luce l’aspetto affabile dell’antieroe interpretato da Parker. La sua professione è moralmente discutibile, ma il suo cuore è al posto giusto. Forse è la natura del lavoro che ha reso Parker un tipo duro, ma in sostanza lui tiene alle persone che lo circondano. Tuttavia, lui è risoluto nella sua ricerca di vendetta. Il tradimento di Melander non gli va giù e, nonostante sia ferito a morte, li rintraccia. Spinto da una grande determinazione, Parker crede nella giustizia inflitta con la stessa gravità del crimine commesso.
L’attacco di Kroll forse lo colpisce più di tutti. In una delle scene, Kroll cerca di rapire la sua ragazza, Claire, che è anche la figlia del suo mentore, Hurley. È molto più personale dell’azione di Melander. Pertanto, rintraccia il boss mafioso che ha assunto Kroll per ucciderlo. Questo diventa anche uno degli esempi della grinta e della determinazione di Parker. Parker combatte eroicamente nonostante le ferite e ottiene la sua vendetta. In altre parole, Parker è l’antieroe che ha la capacità di combattere contro ogni previsione e mantenere intatta la sua bussola morale.
In che modo il rapporto di Leslie con Parker lo influenza?
Parker chiarisce che l’eroe protagonista, pur essendo un lupo solitario, ha bisogno di aiuto per portare a termine la sua missione. In questo caso, Leslie diventa il personaggio che umanizza le abilità di lui. Nei film d’azione, il più delle volte, gli eroi sono infallibili senza alcun segno di vulnerabilità. Parker pianifica attentamente il suo stratagemma e, inizialmente, accetta l’aiuto di Leslie per rintracciare Melander.
Leslie è chiaramente attratta da Parker, ma lui mantiene un atteggiamento stoico di fronte a lei. Non vuole mostrare alcun segno di vulnerabilità, ma sfortunatamente le circostanze lo spingono ad accettare il suo aiuto. In una scena particolare, Leslie assiste alla morte orribile di Kroll, che è stata registrata dai presenti. Pur conoscendo la verità su di lui, lei collude con lui al punto da mettere in pericolo la propria vita. Inizialmente, Leslie vede Parker (sotto le spoglie di Daniel Parmitt) come una persona che potrebbe aiutarla ad alleviare la sua situazione finanziaria.
Entrambi hanno bisogno l’uno dell’altra per sopravvivere alle circostanze oscure. La narrazione intreccia efficacemente la relazione tra questi due personaggi e fonda il film d’azione su un terreno emotivo. Inoltre, quando Leslie se ne va dopo la fine del calvario, c’è un accenno di riluttanza negli occhi di Parker. Forse anche lui ha sviluppato un affetto per Leslie, ma non può agire in base ai suoi sentimenti a causa della sua relazione con Claire.
Leslie capisce questo fatto quando Parker le chiede di chiamare Claire quando lui è gravemente ferito. Sia Parker che Leslie accettano il fatto che la loro relazione dipende dalla situazione. Tuttavia, alla fine, Parker mantiene la parola data, dimostrando di ricordare ancora l’aiuto di Leslie. In sostanza, il lavoro di squadra di Parker e Leslie allevia la condizione di entrambi, suggerendo una relazione simbiotica.
Lion – La strada verso casa (qui la recensione) è un film del 2016 diretto da Garth Davis e tratto dalla straordinaria storia vera di Saroo Brierley, un bambino indiano che, dopo essersi perso a cinque anni, viene adottato da una famiglia australiana e, da adulto, tenta di ritrovare le proprie origini grazie alle nuove tecnologie. Il film si colloca nel solco del biopic drammatico contemporaneo, ma lo fa con una sensibilità particolare: invece di concentrarsi solo sull’evento eccezionale, esplora con delicatezza il viaggio emotivo e identitario del protagonista, trasformando il racconto di una ricerca geografica in un percorso interiore di riscoperta personale.
Attraverso uno stile visivo intimo e un approccio narrativo che unisce realismo e poesia, Lion – La strada verso casa affronta temi universali come l’abbandono, il legame familiare, la memoria e il bisogno di appartenere a un luogo. La prima parte, profondamente radicata nella realtà sociale dell’India più povera, si contrappone alla seconda, ambientata in Australia, dove il protagonista cresce circondato da affetto ma tormentato da una mancanza che non riesce a colmare. Questo equilibrio tra dimensione emotiva e ricostruzione storica contribuisce a dare al film una forte risonanza umana.
Il cast sostiene pienamente la potenza narrativa del racconto: Dev Patel interpreta Saroo adulto con intensità e misura, mentre Nicole Kidman offre una delle sue prove più toccanti nel ruolo della madre adottiva. Il giovane Sunny Pawar, sorprendente nella parte del piccolo Saroo, regge l’intero primo segmento del film con una naturalezza rara. Nel resto dell’articolo si approfondirà la storia vera che ha ispirato Lion – La strada verso casa, ricostruendone i passaggi fondamentali e confrontandoli con la versione cinematografica.
Il film racconta la storia di Saroo, un bambino di cinque anni che vive con la sua povera famiglia a Khandwa, un piccolo villaggio dell’India centrale. Insieme a suo fratello più grande trascorre le giornate a raccogliere metalli per poi rivenderli e guadagnare qualche soldo. Una notte i due devono lavorare in una stazione, ma il piccolo Saroo è talmente stanco che si addormenta sulla panchina di fronte ai vagoni. Quando si risveglia è solo e spaventato, non trova più il fratello e, non sapendo cosa fare, decide di salire su un treno vuoto. Questo, però, non fa alcuna fermata e lo porta direttamente a Calcutta, a quasi duemila chilometri da casa.
Il bambino cerca di sopravvivere, nonostante non parli la lingua del posto. Inizialmente viene avvicinato da brutte persone che vogliono venderlo, poi riesce a scappare e finisce in commissariato, dove lo fotografano per diffondere la sua immagine sperando che qualcuno chieda di lui. Passano i giorni e il piccolo viene trasferito in un orfanotrofio, dove un’assistente sociale riesce a trovargli una nuova famiglia: una coppia di australiani benestanti. Quando diventa grande Saroo (Dev Patel), però, la voglia di cercare la sua vera madre lo porterà ad affrontare il viaggio più importante della sua vita.
La storia vera dietro il film
Saroo nasce nel 1981 a Ganesh Talai, un sobborgo di Khandwa, nel Madhya Pradesh, India; la sua famiglia vive in povertà, dopo che il padre abbandona moglie e figli. Nel 1986, all’età di cinque anni, suo fratello maggiore parte per lavoro in un’altra città e Saroo, seguendolo, si addormenta su una panchina in stazione: al risveglio, non trova più il fratello e, per disperazione, sale su un treno fermo, che partirà portandolo lontano, fino a Calcutta, a migliaia di chilometri di distanza dalla sua casa.
Dev Patel in Lion – La strada verso casa
Rimasto solo, disorientato, incapace di spiegare da dove provenga, perché parla hindi, non bengalese, vive per strada, sopravvive grazie a espedienti, poi finisce in un orfanotrofio. Nel 1987, viene adottato da una coppia australiana e cresce in Tasmania con un nuovo nome, famiglia e prospettive. Pur avendo una vita stabile e affettuosa in Australia, Saroo non dimentica le sue origini: per molti anni mantiene dentro di sé il dolore dell’abbandono e il ricordo vago di quella notte che lo separò dalla famiglia.
Da adulto, dopo aver scoperto i moderni strumenti di mappatura satellitare, decide di tentare una ricerca della sua terra d’origine usando Google Earth. Calcola la distanza che il treno avrebbe percorso, disegna un cerchio intorno a Calcutta e, tra migliaia di stazioni, inizia a selezionare quelle che potrebbero corrispondere al punto di partenza. Dopo anni di ricerche e incroci di dati, nel 2012 individua di nuovo Khandwa, con la speranza di ritrovare la madre e la famiglia che aveva perso. Si reca in India e, con l’aiuto di abitanti locali e fotografie, riesce a risvegliare la memoria collettiva del villaggio: sua madre biologica è viva e, dopo 25 anni, finalmente lo rincontra.
Il film riflette piuttosto fedelmente i momenti essenziali di questa storia, la perdita, l’adozione, la vita lontano, la ricerca ossessiva con Google Earth e infine il ritorno. Alcune compressioni narrative e licenze artistiche riguardano dettagli minori, ma Saroo stesso, autore del memoir da cui il film è tratto, ha dichiarato che molte scene, come certe flashback, nascono da ricordi reali. In sintesi: la pellicola mantiene l’essenza della vicenda, rispettando la verità dei fatti principali e rendendola accessibile con grande intensità emotiva.
Paramount ha annunciato oggi di aver avviato un’offerta pubblica di acquisto interamente in contanti per acquisire tutte le azioni in circolazione di Warner Bros. Discovery per 30 dollari ad azione, un accordo che, a suo dire, equivale a un valore aziendale di 108,4 miliardi di dollari. La mossa aggressiva, seppur non del tutto inaspettata, è un tentativo di strappare Warner Bros. dalle braccia di Netflix.
“L’offerta di Paramount per l’intera WBD offre agli azionisti 18 miliardi di dollari in contanti in più rispetto al corrispettivo di Netflix. La raccomandazione del Consiglio di Amministrazione di WBD a favore dell’operazione Netflix rispetto all’offerta di Paramount si basa su una valutazione prospettica illusoria di Global Networks, non supportata dai fondamentali aziendali”, ha affermato la società.
L’offerta ostile, che si rivolge direttamente e pubblicamente agli azionisti di WBD, fa seguito a un’asta controversa che ha visto il gigante dei media guidato dal CEO David Zaslav respingere le successive offerte della società di David Ellison e, venerdì scorso, annunciare un accordo da 72 miliardi di dollari per la vendita degli asset di Warner Bros. a Netflix per 27,75 dollari ad azione in contanti e azioni. I potenziali partner hanno dichiarato che, in attesa dell’approvazione normativa, la transazione sarebbe avvenuta dopo che WBD avrebbe scorporato la sua attività di televisione lineare in una società pubblica separata; la chiusura avrebbe richiesto dai 12 ai 18 mesi.
La transazione proposta da Paramount riguarda l’intera WBD, incluso il segmento Global Networks.
“L’offerta strategicamente e finanziariamente interessante di Paramount agli azionisti di WBD offre un’alternativa superiore alla transazione Netflix, che offre un valore inferiore e incerto ed espone gli azionisti di WBD a un lungo processo di autorizzazione normativa multigiurisdizionale con un esito incerto, oltre a un mix complesso e volatile di capitale e liquidità”, ha affermato Par.
“Gli azionisti di WBD meritano l’opportunità di valutare la nostra offerta interamente in contanti, superiore, per le loro azioni nell’intera società. La nostra offerta pubblica, che si basa sulle stesse condizioni che abbiamo presentato al Consiglio di Amministrazione di Warner Bros. Discovery in privato, offre un valore superiore e un percorso più certo e rapido per il completamento. Riteniamo che il Consiglio di Amministrazione di WBD stia perseguendo una proposta inferiore, che espone gli azionisti a un mix di liquidità e azioni, a un valore di mercato futuro incerto del business dei cavi lineari di Global Networks e a un difficile processo di approvazione normativa”, ha affermato David Ellison.
“Stiamo presentando la nostra offerta direttamente agli azionisti per dare loro l’opportunità di agire nel loro migliore interesse e massimizzare il valore delle loro azioni”.
L’offerta sarebbe sostenuta dalla famiglia Ellison – guidata dal co-fondatore di Oracle e miliardario di più riprese Larry Ellison – e da RedBird Capital, oltre al debito interamente impegnato da Bank of America, Citi e Apollo, ha affermato Paramount.
L’azienda ha dichiarato di essere molto fiduciosa “di ottenere rapidamente l’autorizzazione normativa per la sua offerta proposta, poiché rafforza la concorrenza ed è a favore dei consumatori, creando al contempo un solido promotore del talento creativo e della scelta dei consumatori. Al contrario, l’operazione Netflix si basa sull’irrealistica ipotesi che la sua combinazione anticoncorrenziale con WBD, che consoliderebbe il suo monopolio con una quota del 43% degli abbonati globali al servizio Subscription Video on Demand (SVOD), possa resistere a molteplici e prolungate sfide normative in tutto il mondo. In molti paesi dell’Unione Europea, l’operazione Netflix combinerebbe l’operatore SVOD dominante con il secondo o il terzo concorrente più forte.
“L’operazione Netflix crea un chiaro rischio di prezzi più elevati per i consumatori, di retribuzioni inferiori per i creatori di contenuti e i talenti e di distruzione degli esercenti cinematografici americani e internazionali. Netflix non ha mai intrapreso acquisizioni su larga scala, con conseguente aumento del rischio di esecuzione che gli azionisti di WBD avrebbero dovuto sopportare”, ha affermato.
Paramount ha affermato di aver presentato sei proposte nell’arco di 12 settimane, ma “WBD non si è mai confrontata in modo significativo con queste proposte… Paramount ha ora presentato la sua offerta direttamente agli azionisti di WBD e al suo Consiglio di Amministrazione per garantire loro l’opportunità di perseguire questa alternativa chiaramente superiore“, ha affermato Ellison.
“Riteniamo che la nostra offerta creerà una Hollywood più forte. È nel migliore interesse della comunità creativa, dei consumatori e dell’industria cinematografica. Riteniamo che trarranno beneficio dalla maggiore concorrenza, dalla maggiore spesa per i contenuti e dalla maggiore produzione di film nelle sale cinematografiche, nonché da un maggior numero di film nelle sale, come risultato della transazione da noi proposta. Non vediamo l’ora di lavorare per offrire rapidamente questa opportunità, in modo che tutti gli stakeholder possano iniziare a capitalizzare i vantaggi della società combinata”.
Sia gli Ellison che Netflix hanno corteggiato Donald Trump, che ieri sera ha elogiato il co-CEO di Netflix Ted Sarandos, ma ha affermato che il peso dello streaming, se abbinato a HBO Max, potrebbe rappresentare un problema.
La stagione dei premi è ufficialmente iniziata a Hollywood e dopo i Critics Choice Awards, arriva ora l’annuncio delle nomination ai Golden Globes 2026. Marlon Wayans e Skye P. Marshall hanno letto i nomi del candidati in un live streaming sul canale della CBS, che trasmetterà anche questa edizione del premio, in onda l’11 gennaio.
Il film della Warner Bros. Una battaglia dopo l’altra ha ottenuto il maggior numero di nomination con un totale di nove, tra cui quella per il miglior regista a Paul Thomas Anderson, quella per il miglior attore protagonista a Leonardo DiCaprio, quella per la miglior attrice protagonista a Chase Infiniti e quelle per i migliori attori non protagonisti a Benicio Del Toro, Sean Penn e Teyana Taylor.
Ha ottenuto anche nomination per la sceneggiatura di Anderson e la colonna sonora di Jonny Greenwood. Sentimental Value segue a ruota con otto nomination, seguito da I Peccatori con sette. Altri film con molteplici nomination sono Frankenstein, Hamnet e Un semplice incidente.
Per quanto riguarda la TV, The White Lotus della HBO ha ricevuto sei nomination, tra cui quella per la migliore serie drammatica e quelle per Carrie Coon, Parker Posey, Aimee Lou Wood, Walton Goggins e Jason Isaacs. La miniserie di NetflixAdolescence ha ottenuto cinque nomination, mentre Only Murders in the Building eScissione ne hanno ottenute quattro ciascuna.
Ecco di seguito tutte le nomination ai Golden Globes 2026
Miglior serie limitata, antologica o film per la tv
Adolescence
All Her Fault
The Beast in Me
Black Mirror
Dying for Sex
The Girlfriend
Miglior attore in una serie limitata, antologica o film per la tv
Jacob Elordi – The Narrow Road to the Deep North Paul Giamatti – Black Mirror
Stephen Graham – Adolescence Charlie Hunnam – Monster: La storia di Ed Gein Jude Law – Black Rabbit
Matthew Rhys – The Beast in Me
Miglior attrice in una serie limitata, antologica o film per la tv
Claire Danes – The Beast in Me
Rashida Jones – Black Mirror
Amanda Seyfried – Long Bright River
Sarah Snook – All Her Fault
Michelle Williams – Dying for Sex Robin Wright – The Girlfriend
Arco
Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba Infinity Castle Elio
KPop Demon Hunters
La piccola Amélie Zootropolis 2
Best Performance in Stand-Up Comedy or Television
Bill Maher – Is Anyone Else Seeing This?
Brett Goldstein – The Second Best Night Of Your Life
Kevin Hart – Acting My Age
Kumail Nanjiani – Night Thoughts
Ricky Gervais – Mortality
Sarah Silverman – Postmortem
Dall’inquietudine brillante della Settimana Internazionale della Critica di Venezia al debutto italiano su IWONDERFULL – Prime Video Channels dal 9 dicembre, Peacock – Un uomo (quasi) perfetto arriva come un piccolo terremoto emotivo travestito da commedia caustica. L’opera prima di Bernhard Wenger, scelta dall’Austria come Candidato Ufficiale agli Academy Awards® 2026 per la categoria “Miglior Film Internazionale”, si struttura come un racconto che allarga progressivamente la sua cornice: parte da un’idea che sfiora l’assurdo — un uomo che affitta sé stesso come amico, fidanzato, figlio perfetto — per farsi poi specchio spietato di una società imprigionata nell’apparenza.
Wenger prende spunto dal fenomeno reale delle agenzie giapponesi “Rent-A-Friend” per mettere in scena un personaggio che vive in uno stato di finzione costante. Matthias, interpretato da un Albrecht Schuch sorprendentemente misurato e magnetico, è un uomo che ha perso il contatto con la propria essenza, prosciugato da un mestiere che lo obbliga a essere tutto per tutti, tranne che per sé stesso. Sin dalle prime sequenze — un misterioso golf cart in fiamme, un intervento eroico privo di contesto — il film mostra con chiarezza la sua natura duplice: realistico e surreale, tenero e ironicamente crudele, come se una vena alla Östlund e influssi di black comedy nordica si mescolassero a una riflessione più calda e malinconica sull’identità.
Satira sociale e dolcezza nascosta: l’equilibrio di un racconto tragicomico
A colpire, nella scrittura di Wenger, è la capacità di trattenere la risata e la commozione nella stessa inquadratura. Proprio come nel cinema scandinavo a cui si ispira, la commedia non è mai semplice superficie: ogni ironia spalanca una fenditura emotiva. L’universo in cui Matthias si muove — dalle case minimalistico-patinatissime ai clienti che desiderano più che un accompagnatore, un tassello mancante della propria immagine pubblica — assomiglia a una distorsione lieve ma palpabile della realtà.
Il regista si diverte a decostruire i codici di questa società iper-performativa, dove ogni gesto è un’auto-narrazione, ogni appuntamento un micro-progetto di autopromozione. È la stessa logica che guida i clienti di Matthias: c’è chi ha bisogno di un fidanzato colto da esibire agli amici, chi necessita di un figlio ideale per conquistare un potenziale investitore, chi vuole semplicemente un sostegno emotivo pronto all’uso.
E tuttavia, come spesso accade in opere che oscillano tra il sarcasmo e la delicatezza, Peacock evita la derisione dei suoi personaggi. Wenger non giudica, osserva. E in questo approccio c’è una vibrazione profondamente umana: le persone che affittano Matthias non cercano solo un ruolo, ma una tregua dal giudizio altrui, dal peso sociale dell’inadeguatezza. È in quei piccoli dettagli — una battuta trattenuta, uno sguardo sfuggente, una pausa troppo lunga — che il film rivela la sua anima: una commedia che ride dell’assurdità collettiva, ma non delle fragilità individuali.
NGF Geyrhalterfilm-CALA Film-Albin Wildner
Albrecht Schuch e l’arte di interpretare il vuoto: un protagonista che evolve nel caos
L’interpretazione di Albrecht Schuch è il cuore, il motore e il controsenso vivente di Peacock. L’attore, che ha dichiarato di essersi ispirato al protagonista di Lazzaro Felice di Alice Rohrwacher, incarna un Matthias che sembra evaporare mentre lavora. Ogni suo gesto è calibrato, ogni smorfia pare studiata per far sentire l’altro visto e ascoltato. Ma è proprio questa perfezione che diventa, progressivamente, la sua condanna.
Schuch eccelle quando la maschera comincia a incrinarsi: gli occhi si riempiono di micro-esitazioni, la postura non è più impeccabile, i movimenti assumono una tensione quasi fisica, come se il personaggio si sgretolasse in diretta. L’ansia crescente, la confusione identitaria, l’incapacità di distinguere il lavoro dalla vita reale si manifestano con un realismo doloroso, amplificati da una messa in scena che predilige simmetrie ordinate e atmosfere levigate — una perfezione visiva che rende ancora più evidente il disordine interiore del protagonista.
Quando la sua fidanzata Sophia lo lascia dicendogli che “non sembra più reale”, Matthias precipita in un tentativo disperato di ritrovare il proprio centro. Dalle sessioni di yoga ai nuovi incontri, fino alla gestione paradossale di una casa che non percepisce davvero come sua, tutto contribuisce a disorientarlo. È un percorso che Schuch restituisce con un’intensità mai eccessiva: non cerca la caricatura dell’uomo in crisi, ma la sua vulnerabilità più elementare, e così facendo regala al film la sua nota più commovente.
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Identità, alienazione e speranza: perché Peacock parla del nostro tempo
Alla fine, la forza di Peacock – Un uomo (quasi) perfetto sta nella sua capacità di essere una satira riconoscibile, ma anche un racconto intimo sul bisogno di autenticità in un’epoca che normalizza la performance continua. Matthias diventa il simbolo di un’intera generazione di individui che costruiscono versioni ottimizzate di sé stessi — sui social, sul lavoro, nelle relazioni — fino a perdere il filo del proprio io.
Eppure Wenger non rinuncia mai alla tenerezza: il suo film non è una condanna, ma un invito a riprendersi lo spazio per sbagliare, per essere imperfetti, per essere semplicemente reali. L’arco narrativo, pur attraversato da momenti grotteschi e da un umorismo affilato, si apre infine a un’idea di rinascita. Un ritorno alla spontaneità che, per Matthias, significa rischiare di deludere, ma anche imparare a scegliere sé stesso.
È questa ambivalenza, questo miscuglio di malinconia e speranza, che rende Peacock un film sorprendentemente caldo nonostante l’apparente freddezza formale. Un’opera che parla del nostro presente con lucidità, ma che mantiene uno sguardo affettuoso sui suoi personaggi. Un piccolo gioiello che, grazie a IWONDERFULL, arriva finalmente al pubblico italiano con la forza di un racconto necessario: perché ci ricorda che non basta “sembrare” perfetti per esserlo.
L’avanzata di Una Battaglia dopo l’altra non accenna a rallentare. Anzi, sta accelerando. L’adattamento di Paul Thomas Anderson del romanzo di Thomas Pynchon “Vineland” è stato il beniamino della Los Angeles Film Critics Association, portando a casa tre premi per miglior film, miglior regia e miglior interpretazione non protagonista per Teyana Taylor.
In occasione del 51° incontro annuale per determinare i migliori successi cinematografici dell’anno, Una Battaglia dopo l’altra si unisce a una serie di successi da Oscar come “The Hurt Locker” (2009), “Il caso Spotlight” (2015), “Moonlight” (2016) e “Parasite” (2019) e “Anora” dell’anno scorso, tutti vincitori dell’Oscar come miglior film.
L’elenco completo dei vincitori dei Los Angeles Film Critics Association è disponibile di seguito:
Film non in lingua inglese: “The Secret Agent” (Neon)
Documentario/Film non-fiction: “My Undesirable Friends: Part 1 — Last Air in Moscow” (Autodistribuito)
Premio Nuova Generazione: Eva Victor, “Sorry, Baby” (A24)
Premio Douglas Edwards per il cinema sperimentale: Albert Serra, “Afternoons of Solititude” (Grasshopper Films)
Premio Speciale Douglas Edwards: Thom Andersen per il suo Opere
Premio alla carriera: Philip Kaufman
Menzione speciale: Judy Kim del Gardena Cinema, uno storico cinema monosala da 800 posti, che opera come cinema indipendente e punto di riferimento per la comunità da quando la famiglia Kim ne ha assunto la proprietà nel 1976.
Chi ha familiarità con l’It originale di King, alle parole “La Macchia Nera”, si commuoverà sicuramente. Nel romanzo del 1986, “La Macchia Nera” era un rifugio sicuro per soldati e cittadini neri negli anni ’30 (It: Welcome to Derry è ambientato nel 1962). Una notte, un gruppo suprematista bianco, la Legione Principale della Decency Bianca, decise di cospargere di benzina il club e di dargli fuoco, assicurandosi che nessuno all’interno dell’edificio ne uscisse vivo.
Sebbene Pennywise non abbia istigato l’attacco, se ne è nutrito. Ha assunto la forma di un grosso uccello e si è nutrito dell’immensa paura e sofferenza causate dall’evento inquietante. Inoltre, l’odio che ha scatenato l’attacco ha creato un ambiente in cui l’entità ha potuto prosperare, rendendola ancora più forte.
Questo evento terrificante ha trovato spazio sugli schermi questa settimana durante l’episodio 7 della prima stagione di It: Welcome to Derry, opportunamente intitolato “La Macchia Nera“. I creatori della serie, Andy e Barbara Muschietti, hanno rivelato a TV Insider cosa significasse offrire un evento così traumatico a una nuova generazione di fan e l’immensa pressione che hanno sentito per farlo bene, data la natura delicata della tragedia.
Andy ha spiegato come “La Macchia Nera” sia stato uno degli elementi più importanti della prima stagione della serie horror di successo. La trama rappresentava il loro “traguardo”, perché era l’evento che essenzialmente ha dato inizio a tutto. Ha inoltre spiegato che l’intera prima stagione della serie si stava sviluppando verso quel momento, e che le storie delle restanti due stagioni si diramano dall’attacco.
Ha aggiunto che era anche fondamentale rendere giustizia al romanzo di King. Voleva chiarire forte e chiaro che la gente di Derry potrebbe essere cattiva quanto Pennywise, se non peggio, il che è una delle “grandi verità del libro“.
Beh, La Macchia Nera è stata anche uno dei grandi pilastri portanti quando abbiamo deciso di creare la storia. Questa storia ha un momento conclusivo, anche se c’è un terzo atto, come direte voi, di cose che accadono dopo la Macchia Nera, ma è uno dei grandi eventi catastrofici attorno a cui si costruisce la storia, che era l’idea della serie in termini generali, ovvero fare tre stagioni e farne una in cui c’è un grande momento culminante basato su uno dei grandi eventi catastrofici degli intermezzi. Quindi la Macchia Nera è stata molto importante per noi. È stata una sorta di traguardo per noi, e quindi sostanzialmente tutto ciò che vedete, si sviluppa verso questo. È un crescendo verso la Macchia Nera. Tutte le storie convergono lì. Ed è per questo che era molto importante.
E anche perché dobbiamo rendere giustizia all’impatto della Macchia Nera nel libro. Un evento così tragico. Un’atrocità così grande commessa, non da Lui, ma dalla gente di Derry. Ed è un altro strato, un altro frammento di informazione che ci dice fondamentalmente una delle grandi verità del libro, ovvero: gli esseri umani sono capaci di fare cose altrettanto cattive o peggiori di questo mostro.
Il finale di It: Welcome to Derry arriverà lunedì 15 dicembre su Sky e in streaming su NOW.
IT: Welcome to Derry episodio 7 presenta uno degli sviluppi più tragici della serie, prima di rivelare la verità sul piano del Generale Shaw.
Negli ultimi momenti dell’episodio 6 di It: Welcome to Derry, molte persone di Derry si presentano al Black Spot dopo aver scoperto che il padre di Ronnie si stava nascondendo lì dopo essere fuggito da Shawshank Prison. L’episodio 7 rivela che non desiderano creare problemi e sperano solo di catturare il detenuto evaso e andarsene. Tuttavia, quando Hallorann resiste, decidono di incendiare il Black Spot.
Molti personaggi muoiono nel rogo e, purtroppo, anche Rich perde la vita tentando di salvare Marge. Prima che partano i titoli di coda, Shaw e i suoi uomini trovano uno dei frammenti che tiene Pennywise intrappolato nei boschi, e il Generale rivela la verità del suo piano a Leroy Hanlon.
Cosa fa Pennywise a Will e alla signora Kersh in It: Welcome to Derry episodio 7
Pennywise espone sia la signora Kersh che Will alla sua vera forma dei Deadlights. Secondo la lore del romanzo originale di Stephen King, anche un solo sguardo ai Deadlights è sufficiente a far crollare la mente di una persona. Come mostrato nella scena della signora Kersh, essi paralizzano il corpo della vittima e la rendono completamente soggiogata al controllo di Pennywise.
Negli ultimi momenti dell’episodio 7, anche Will viene esposto ai Deadlights, suggerendo che potrebbe subire la stessa sorte della signora Kersh. Per ora, però, entrambi sembrano ancora vivi. Considerando che il futuro di Will Hanlon nel franchise è noto, in qualche modo riuscirà a salvarsi dallo scivolare completamente nella morsa di Pennywise, rompendo la trance dei Deadlights da solo o venendo tratto in salvo da qualcun altro (probabilmente sua madre).
Il vero piano del Generale Shaw spiegato: perché vuole liberare Pennywise
Dopo aver scoperto l’ubicazione di uno dei frammenti che tiene Pennywise confinato nei boschi, gli uomini del Generale Shaw lo portano alla base militare e tentano di distruggerlo. Questo porta Hanlon a chiedersi cosa stiano realmente cercando di fare. Quando lo affronta, il Generale rivela che la minaccia nucleare proveniente da altre nazioni non è mai stata la sua principale preoccupazione.
Il suo timore più grande è sempre stato la situazione interna della nazione, dove la criminalità è aumentata drasticamente. Liberando Pennywise e permettendogli di nutrirsi liberamente durante i suoi cicli, Shaw spera di instillare paura nelle persone del Paese. Secondo lui, la minaccia di una forza cosmica come Pennywise disciplinerebbe la popolazione spingendola a essere più obbediente. In altre parole, Shaw vuole usare Pennywise come un’arma per imporre un regime autoritario in America.
Lo spirito che guida Dick Hallorann al primo frammento della stella
Dick Hallorann sembra vedere lo spirito di un’antenata di Rose, probabilmente Necani o sua madre. Come rivelato nella linea temporale passata della serie, la madre di Necani, la Sesqui, fu uccisa da Pennywise prima che Necani trovasse la stella caduta che portò Pennywise sulla Terra. Lei e il suo popolo usarono i frammenti della stella per assicurare che Pennywise rimanesse intrappolato nei boschi.
Tuttavia, poiché il principale obiettivo di Necani e sua madre era impedire a Pennywise di nuocere agli esseri umani, è lecito chiedersi perché la donna aiuti Hallorann a trovare il frammento. È possibile che la figura sia una proiezione creata da Pennywise nella mente di Hallorann. Oppure, la madre di Necani potrebbe desiderare vendetta contro invasori come il Generale Shaw, che furono anch’essi responsabili della liberazione di Pennywise quando lei era viva.
Come la morte di Rich influenza gli altri bambini in It: Welcome to Derry
Tutti i giovani protagonisti soffrono per la morte di Rich, e Marge, ovviamente, è quella più colpita. Sebbene la sua scomparsa sia straziante, IT: Welcome to Derry sembrava averla preannunciata da tempo. Probabilmente la sua morte fungerà da catalizzatore per spingere gli altri ragazzi a combattere con ancora più determinazione contro Pennywise.
Darà loro il coraggio di affrontare la minaccia cosmica e non mostrare paura quando si troveranno faccia a faccia con essa. Allo stesso tempo, però, la morte di Rich ricorda come It: Welcome to Derry non sia un sostituto di Stranger Things. Mette in evidenza come la serie sia una brutale adattazione di Stephen King, dove nessun personaggio è davvero al sicuro dal male di Pennywise.
Derry è davvero al sicuro quando Pennywise dorme?
Il Generale Shaw e i suoi militari presumono che, poiché Pennywise ha completato un altro ciclo di nutrimento ed è tornato a dormire, Derry sia al sicuro fino all’inizio del ciclo successivo. Per questo motivo, non esitano a bruciare uno dei frammenti che lo tiene imprigionato. Tuttavia, come mostra l’episodio, Pennywise si risveglia dopo aver percepito l’apertura nei boschi e attacca Will.
Questo suggerisce che, avendo visto l’opportunità di uscire dalla sua prigionia, Pennywise si sia risvegliato e sia pronto a diffondere ulteriore caos a Derry. Spetterà ora a Hanlon, Hallorann e ai giovani protagonisti del finale di It: Welcome to Derry trovare un modo per intrappolarlo di nuovo prima che sia troppo tardi.
L’industria cinematografica è complessa, e fare film è difficile, il che rende i film sul cinema spesso esperienze intense. Il primo film mostrato al pubblico risale al 1895, e questa nuova tecnologia catturò immediatamente l’immaginazione collettiva. I registi divennero maghi, gli attori celebrità e i film eventi culturali centrali.
Tuttavia, osservando i film che parlano di cinema attraverso gli anni, è spesso il lato oscuro a essere illuminato. Alcune opere continuano a trasmettere meraviglia mentre la magia prende forma sul grande schermo, ma quando il cinema mostra ciò che si nasconde dietro le quinte, difficilmente appare così glamour come si vorrebbe credere.
Jay Kelly è un nuovo film sull’industria cinematografica diretto da Noah Baumbach. Come spesso accade nel suo cinema, anche questa è un’opera fortemente dialogata, in cui le insicurezze dei personaggi guidano la narrazione. George Clooney interpreta il protagonista, un attore famoso che cerca di fare i conti con la propria vita.
Adam Sandler interpreta Ron Sukenick, l’agente di Jay, e la storia segue i due in viaggio attraverso l’Europa, mentre entrambi affrontano le proprie scelte e la loro eredità personale. Jay Kelly offre a Sandler un ruolo drammatico non comico, territorio in cui l’attore eccelle da oltre un decennio.
Clooney è perfetto nel ruolo di una star hollywoodiana e offre la performance attesa dai fan. Sandler regge benissimo il confronto e la critica alla celebrità, tipica di Baumbach, è qui più attenuata, permettendo agli spettatori di concentrarsi sulla storia dei personaggi.
8½ (1963)
8½ è forse il capolavoro di Federico Fellini, un film del 1963 che mescola commedia e dramma in chiave avanguardistica. La trama segue Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), un famoso regista italiano afflitto dal blocco dello scrittore mentre tenta di dirigere un grande film di fantascienza. Il racconto esplora anche le sue molteplici relazioni con le donne della sua vita.
Il film è anche una meta-riflessione sul blocco creativo: sarebbe dovuto essere il nono film di Fellini, da cui il titolo. La visione non è semplice: i personaggi si muovono quasi come in un flusso onirico da un quadro all’altro, come se fosse lo stesso Fellini a cercare di capire quale storia stesse raccontando.
La critica lodò la messa in scena e il personaggio di Guido, un uomo che crede profondamente nel proprio mito personale. Il film ottenne varie nomination agli Oscar e vinse per i costumi e come miglior film straniero.
Babylon fu un film polarizzante alla sua uscita. Mostra senza filtri la decadenza e l’orrore dell’Età d’Oro di Hollywood, comprese le vite spezzate, i suicidi e le carriere distrutte anche delle più grandi star. Tuttavia, Damien Chazelle tenta anche di mostrare l’importanza culturale del cinema.
Ambientato nel passaggio dal muto al sonoro, il film segue una giovane attrice emergente (Margot Robbie), una star in declino (Brad Pitt) e un giovane idealista che crede nel potere del cinema. Pur considerato da molti un potenziale candidato agli Oscar, il film fu penalizzato dalla sua critica a Hollywood e ottenne solo tre nomination tecniche, senza vincere.
Come esplorazione del modo in cui Hollywood può distruggere vite, pochi film risultano altrettanto incisivi.
The Disaster Artist (2017)
The Disaster Artist offre una prospettiva diversa sull’industria cinematografica perché racconta una produzione indipendente al di fuori del sistema degli studios. Diretto da James Franco, il film narra la storia di Tommy Wiseau e del suo leggendario The Room, considerato uno dei peggiori film mai realizzati, al punto da diventare un cult.
Franco interpreta Wiseau, ricreando con cura molte scene iconiche del film originale. La sua interpretazione gli valse un Golden Globe. Il film mostra quanto sia difficile realizzare un film, ma anche come la determinazione possa permettere di inseguire i propri sogni. Che The Room sia ancora oggi conosciuto è di per sé una testimonianza del mito di Wiseau.
Hitchcock (2012)
Nel 2012 Anthony Hopkins interpreta Alfred Hitchcock nel biopic diretto da Sacha Gervasi. Il film è ambientato durante la produzione di Psycho nel 1959 e segue non solo il lavoro del regista, ma anche la sua relazione con la moglie Alma Reville (Helen Mirren).
Il cast include Scarlett Johansson nel ruolo di Janet Leigh, Jessica Biel in quello di Vera Miles e James D’Arcy come Anthony Perkins. Michael Wincott appare nei panni di Ed Gein, l’assassino reale che ispirò Norman Bates.
Il film racconta molto del dietro le quinte di Psycho, ma il vero cuore della storia è il rapporto tra Hitchcock e Alma, entrambi interpretati magistralmente.
Mank (2020)
Diretto da David Fincher, Mank è un film in bianco e nero del 2020 che racconta la storia dietro la sceneggiatura di Quarto Potere (Citizen Kane). Gary Oldman interpreta Herman J. Mankiewicz, lo sceneggiatore che lavorò con Orson Welles per dare forma al capolavoro.
Distribuito principalmente su Netflix, il film perse parte del suo impatto visivo pensato per il grande schermo. Tuttavia, la storia del conflitto con William Randolph Hearst (Charles Dance), che tentò di sabotare la produzione, rende il film una potente denuncia degli aspetti più oscuri di Hollywood.
Nonostante la ricezione mista, Mank ottenne 10 nomination agli Oscar e vinse per fotografia e scenografia.
Baadasssss! (2003)
Baadasssss! è un progetto profondamente personale per Mario Van Peebles, che racconta le difficoltà affrontate dal padre Melvin nella realizzazione di Sweet Sweetback’s Baadasssss Song negli anni ’70. Quel film dimostrò l’esistenza di un vasto pubblico per il cinema afroamericano.
Van Peebles dirige e interpreta suo padre, mostrando la lotta per convincere Hollywood dell’importanza della sua visione. Il film ebbe un impatto determinante sulla nascita del genere blaxploitation.
Critica e pubblico accolsero molto bene il film, che ottenne vari riconoscimenti.
Il bruto e la bella (1952)
Questo film del 1952 esplora il dramma dietro le quinte dell’industria hollywoodiana. Kirk Douglas interpreta Jonathan Shields, un produttore senza scrupoli che scala i vertici del cinema sfruttando e poi abbandonando chiunque lo aiuti.
Il cast di supporto comprende Lana Turner, Barry Sullivan e Dick Powell. Quando Shields prova a riunirli per un nuovo progetto, il film rivela perché alcune ferite sono troppo profonde per rimarginarsi.
La storia rispecchia le vite di reali produttori come David O. Selznick e Orson Welles. Il film vinse cinque Oscar.
Ed Wood (1994)
Tim Burton racconta la storia del “peggior regista della storia”, Ed Wood, presentandolo però come un sognatore tenace. Johnny Depp offre una performance vibrante, mentre Martin Landau vince l’Oscar per il ruolo di Bela Lugosi.
Il film celebra il lato appassionato e visionario di Wood, che continuò a creare nonostante fallimenti e mancanza di riconoscimento. Oggi il suo nome è più noto di molti registi più affermati della sua epoca.
Nouvelle Vague (2025)
Guillaume Marbeck in Nouvelle Vague
Nouvelle Vague è una commedia-drammatica di Richard Linklater del 2025. A differenza del suo collega Baumbach, Linklater realizza un biopic su Jean-Luc Godard e sulla creazione del capolavoro À bout de souffle.
Girato in Francia con un cast prevalentemente francese e in bianco e nero, il film ricrea il clima della Nouvelle Vague e racconta le difficoltà e i trionfi della produzione. Uscito in distribuzione limitata, fu poi rilasciato su Netflix, dove venne accolto molto bene dalla critica.
In vista dell’uscita di Avatar: Fuoco e Cenere, Zoe Saldaña rivela che Neytiri è diventata “una razzista convinta”. Il figlio di Jake Sully (Sam Worthington) e Neytiri, Neteyam (Jamie Flatters), è tragicamente morto durante il finale di Avatar – La via dell’acqua. All’inizio del terzo capitolo della saga, Neytiri sta ancora lottando profondamente con questa perdita. Durante un’intervista con MovieWeb, Saldaña ha dunque parlato di come il suo dolore si sia trasformato in odio verso l’umano Spider (Jack Champion), che le ricorda la morte di Neteyam per mano degli umani.
Ora odia tutti gli esseri umani ed è consumata dalla rabbia al punto che “Jake non la riconosce più”. “Spider è un ricordo fisico di tutto ciò che è stato portato via a Neytiri, e lei è così accecata dalla sua furia e dal suo odio. Voglio dire, in Fuoco e Cenere è una razzista conclamata, al punto che Jake non la riconosce più, ed è estranea a se stessa, e ha abbandonato la volontà di Eywa nel senso che è come se fosse un bambino. Non importa da dove venga questo bambino, devi amarlo. Devi accettarlo. Questo bambino non ha una casa, ma ogni volta che lo guarda, le viene in mente quanto lo trovi irritante”.
Zoe Saldaña ha poi aggiunto: “Adoro l’arco narrativo che Jim ha saputo dare a Neytiri perché la sua rabbia verso il popolo del cielo è così grande, ma se non riesce a conquistare la rabbia all’interno della sua famiglia, come potrà mai conquistare il popolo del cielo? È stato davvero bello e interessante. Jack Champion ha interpretato il ruolo di Spider in modo splendido perché c’è questa curiosità e questa spavalderia che ha imparato da Sully. È così coraggioso e spericolato, eppure è così umanamente umile, empatico e comprensivo nei confronti dei modi di Eywa e del suo popolo. È stato davvero bellissimo”.
Questi commenti si basano su ciò che è stato mostrato nei trailer di Avatar: Fuoco e Cenere, in particolare Jake che dice a Neytiri: “Non puoi vivere così, con quest’odio”. Con Saldaña che definisce Neytiri “una razzista conclamata”, il suo odio sembra essere ancora più totalizzante e dannoso di quanto suggerissero i trailer. Mentre gran parte della trama del sequel ruoterà attorno al conflitto con gli umani, insieme a Varang (Oona Chaplin) e al Popolo della Cenere, le osservazioni di Saldaña sottolineano che anche il conflitto all’interno della famiglia Sully sarà parte integrante del sequel, compreso il posto di Spider nella famiglia.
Dato che Miles Quaritch (Stephen Lang) è il padre biologico di Spider, si è ipotizzato che possa averlo portato sulla cattiva strada. Questo però non corrisponde a quanto affermato da Saldaña. Al contrario, sembra che Neytiri abbia perso i propri valori più di Spider, che rimane “empatico” nonostante l’ingiusta rabbia di Neytiri nei suoi confronti. Dato che James Cameron ha descritto Avatar: Fuoco e Cenere come “il culmine di una saga”, si è anche ipotizzato che questo potrebbe essere la fine delle storie di Neytiri e Jake.
I prossimi film di Avatar potrebbero spostare l’attenzione su Spider, Lo’ak (Britain Dalton), Kiri (Sigourney Weaver) e altri membri della generazione più giovane. Questo potrebbe rendere l’arco narrativo di Neytiri e il suo rapporto con Spider ancora più emozionante. Sono passati solo tre anni tra Avatar – La via dell’acqua e Avatar: Fuoco e Cenere, una diminuzione notevole rispetto alla pausa di 13 anni tra il primo e il secondo film. Nonostante l’attesa più breve, c’è stata una grande anticipazione su dove andrà a parare la storia di Neytiri e del franchise, che ora troverà una risposta completa dopo il debutto nelle sale il 17 dicembre.
L’Uomo d’Acciaio è finalmente tornato al cinema grazie al film Superman diretto da James Gunn, facente parte del Capitolo 1 dell’Universo DC: “Dei e Mostri”. Il rapporto tra il regista e l’interprete di Superman, David Corenswet è stato ottimo, tranne che per un’unica divergenza. Ora, nella loro conversazione su Variety’s Actors on Actors, Corenswet ha dunque raccontato al collega Jonathan Bailey di quel preciso disaccordo, avvenuto durante le riprese del momento in cui Superman e Lois Lane si baciano mentre volano in aria.
“In quella scena, quando ho fatto quella risatina mentre lei diceva “Ti amo anch’io”, James è venuto da me e mi ha detto: “Non funziona. Deve essere solenne”. E io ho pensato: “No! Il punto è proprio questo, ‘So che mi ami, c***o’”. Onore a James. Aveva ragione sul 90% delle cose, ma in quel caso ha capito che quella risatina era una cosa molto sincera”, ha spiegato Corenswet, che ha alla fine avuto il via libera del regista per lasciarsi andare a quella risatina.
Il finale del film Superman è stata l’ultima volta che il pubblico vedrà l’icona DC nel 2025, ma la DC Studios sta già lavorando al prossimo capitolo dell’eroe interpretato da Corenswet. La star riprenderà il ruolo nel film Man of Tomorrow del 2027, insieme a Nicholas Hoult nei panni di Lex Luthor e Rachel Brosnahan in quelli di Lois Lane.
Secondo quanto riferito, le riprese principali inizieranno nell’aprile 2026, con i due rivali che si alleeranno contro Brainiac della DC, che sempre secondo quanto riferito sarà l’antagonista principale della storia. Anche Frank Grillo tornerà nei panni di Rick Flag Sr., mentre si prevede il ritorno anche di altri personaggi della DCU.
Spider-Man: Brand New Day avrebbe ufficialmente terminato le riprese principali, segnando un passo decisivo verso il grande ritorno di Tom Holland nel Marvel Cinematic Universe. Assente dal franchise dal 2021, l’attore tornerà nei panni dell’arrampicamuri nel 2026 con uno dei film più attesi della Fase 6.
La notizia arriva da un post — poi eliminato — pubblicato su Instagram da Ziyi Cao, assistente del regista Destin Daniel Cretton, che ha condiviso l’emozione dell’ultimo giorno di produzione. “Il wrap è sempre così emozionante. Come qualcuno che fa fatica a dire addio, questa volta sono rimasta più a lungo ad abbracciare molte persone… È stato un passo avanti,” ha scritto. “È una troupe fantastica. Amo quanto… neurodivergente sia risultata. Mi sono divertita moltissimo. Mi mancherete (ma solo per poco). Che i nostri percorsi si incrocino ancora.”
Le riprese principali erano iniziate nell’agosto 2025, quando Sony Pictures e Marvel Studios avevano annunciato ufficialmente l’avvio della produzione, svelando anche il nuovo costume di Holland per il film. Concluse ora le riprese di Spider-Man: Brand New Day, il solo titolo della Multiverse Saga che deve ancora entrare in produzione resta Avengers: Secret Wars.
Il cast del nuovo capitolo dedicato a Peter Parker accoglierà numerose new entry, tra cui Sadie Sink, Liza Colón-Zayas e Tramell Tillman, tutti in ruoli ancora tenuti nel massimo riserbo. Confermato anche Marvin Jones III, voce di Tombstone in Spider-Man: Into the Spider-Verse, che debutterà finalmente in live-action come villain del film.
La trama di Brand New Day rimane completamente avvolta nel mistero, ma si sa che sarà l’ultimo film del MCU prima degli attesissimi eventi di Avengers: Doomsday e Avengers: Secret Wars. Secondo alcuni rumor, Sadie Sink potrebbe comparire nel finale della Fase 6, anche se Marvel Studios non ha ancora ufficializzato nulla. Resta invece da capire se e come Tom Holland sarà coinvolto nei futuri team-up degli Avengers: Doomsday ha terminato le riprese a settembre 2025, mentre Secret Wars entrerà in produzione la prossima estate.
Spider-Man: Brand New Day arriverà nei cinema il 31 luglio 2026.
Grey’s Anatomy si prepara a un ritorno molto atteso dai fan storici: Kate Walsh riprenderà il ruolo dell’iconica OB/GYN e chirurga neonatale Addison Montgomery in un nuovo episodio della stagione 22, in onda il 29 gennaio 2026. A riportarlo è Variety, confermando che l’attrice apparirà come guest star nell’episodio intitolato “Strip That Down”. I dettagli sulla trama del suo ritorno restano al momento top secret.
Il medical drama creato da Shonda Rhimes continua ad attraversare una fase di forte rinnovamento del cast. Negli anni, Grey’s Anatomy ha visto l’uscita di scena di numerosi volti storici come Sandra Oh, Justin Chambers, T. R. Knight, Patrick Dempsey, Sara Ramirez, Eric Dane, Chyler Leigh e Jessica Capshaw. Oggi, gli unici membri originali presenti a tempo pieno sono Chandra Wilson e James Pickens Jr., mentre Ellen Pompeo compare saltuariamente e mantiene la voce narrante delle puntate.
Walsh, arrivata inizialmente come guest nel finale della prima stagione, ha rapidamente conquistato il pubblico grazie alla storyline che la vedeva nei panni della moglie di Derek Shepherd, introducendo uno dei triangoli amorosi più celebri della storia della TV. Il successo del personaggio ha portato allo spin-off Private Practice, incentrato sulla nuova vita di Addison in California. Dopo la chiusura della serie nel 2013, l’attrice ha proseguito una carriera ricca di ruoli in film e serie come Fargo, 13 Reasons Why, The Umbrella Academy ed Emily in Paris.
La sua ultima apparizione in Grey’s Anatomy risale alle stagioni 18 e 19, dove aveva avuto una presenza ricorrente. Il fatto che torni nuovamente, anche se per un solo episodio, alimenta la possibilità — già discussa dai fan — di un coinvolgimento più ampio nei prossimi archi narrativi.
In una serie in cui nessun personaggio è mai davvero “fuori scena” (persino Derek è tornato in una delle sequenze oniriche più emotive dello show), il ritorno di Kate Walsh non poteva che essere accolto con entusiasmo dalla community.
Grey’s Anatomy tornerà sugli schermi americani l’8 gennaio 2026 alle 22:00 su ABC, prima del debutto dell’episodio con il grande ritorno di Addison.
Chicago Fire continua ad ampliare il proprio universo narrativo con un nuovo ingresso direttamente da Bosch: Legacy. Mentre le serie dell’universo One Chicago sono in pausa invernale, la produzione prosegue a ritmo serrato, e dal set arrivano aggiornamenti che anticipano importanti cambiamenti per la Caserma 51.
La stagione 14 si era aperta con diverse modifiche di squadra: Sam Carver e Daniel Ritter hanno lasciato Chicago, mentre il misterioso Sal Vasquez ha fatto il suo debutto nella squadra, catturando subito l’attenzione della trama. Nel finale autunnale, nuove difficoltà si sono abbattute sul team di Mouch, minacciato dai pesanti tagli di bilancio che potrebbero compromettere il futuro dell’intera Engine 51.
A movimentare ulteriormente le cose è il primo sguardo esclusivo – condiviso da Dermot Mulroney e rilanciato da One Chicago Center – su Max Martini, che entrerà nella serie interpretando un Deputy District Chief. L’attore indossa l’uniforme ufficiale dei vigili del fuoco di Chicago, confermando così la sua posizione nella gerarchia, anche se il nome del personaggio resta al momento sconosciuto. Martini è noto per titoli come Level 9, The Great Raid, The Unit e, più recentemente, per il ruolo del detective Don Ellis nello spin-off Bosch: Legacy.
In passato, il ruolo di Deputy District Chief era ricoperto da Chief Boden, ora promosso a Deputy Fire Commissioner. Il nuovo personaggio potrebbe quindi colmare un vuoto rimasto finora poco esplorato nella serie, introducendo una dinamica inedita nei rapporti di potere della caserma.
Resta da capire se l’arrivo del personaggio di Martini si tradurrà in un alleato o in un ostacolo per la squadra. Con una posizione superiore a quella di Dom Pascal, il nuovo Deputy District Chief potrebbe avere un ruolo decisivo nel destino della Engine 51, attualmente a rischio chiusura. Un suo intervento potrebbe salvare la squadra… o aggravare ulteriormente la situazione.
Per scoprirlo, i fan dovranno attendere il ritorno di Chicago Fire 14 dopo la pausa delle festività: la serie tornerà nel suo slot abituale nella prima settimana di gennaio.
James Gunn ha condiviso sui suoi canali social un brevissimo video che annuncia che “l’attesa è quasi terminata” e che il trailer di Supergirl arriverà questa settimana!
Oltre a Milly Alcock nei panni della protagonista, Supergirl vedrà anche la partecipazione di Eve Ridley (Il problema dei 3 corpi) nel ruolo di Ruthye Mary Knolle e Matthias Schoenaerts (The Old Guard) nel ruolo del malvagio Krem delle Colline Gialle. Più recentemente, la star di Aquaman, Jason Momoa si è unita al cast nel ruolo di Lobo. Anche Krypto il Supercane dovrebbe avere un ruolo importante nella storia. Le ultime aggiunte al cast sono state David Krumholtz ed Emily Beecham nei ruoli dei genitori di Kara, Zor-El e Alura.
Questa interpretazione di Kara Zor-El si dice sia una “versione meno seria e più provocatoria dell’iconica supereroina”, poiché Gunn cerca di allontanarsi dalle “precedenti rappresentazioni della Ragazza d’Acciaio, in particolare dalla longeva serie CBS/CW interpretata da Melissa Benoist”.
Secondo una breve sinossi, questa storia seguirà Kara mentre “viaggia attraverso la galassia per festeggiare il suo 21° compleanno con Krypto il Supercane. Lungo la strada, incontra una giovane donna di nome Ruthye e finisce per intraprendere una ricerca omicida di vendetta”. L’attrice e drammaturga Ana Nogueira sta attualmente lavorando alla sceneggiatura di Supergirl. La regia verrà firmata da Craig Gillespie.
La Warner Bros. ha annunciato che la nostra nuova Ragazza d’Acciaio prenderà il volo nelle sale il 26 giugno 2026.