Diretto da Gabriele Muccino, Quello che so sull’amore  (qui la recensione) è una commedia drammatica che segna una parentesi particolare nella carriera del regista italiano. Girato interamente negli Stati Uniti e interpretato da Gerard Butler, Jessica Biel, Uma Thurman e Catherine Zeta-Jones, il film racconta la storia di un ex calciatore caduto in disgrazia che cerca di riconquistare la stima del figlio e della ex moglie allenando la squadra di calcio del figlio stesso. Attraverso un tono più leggero rispetto ad altre sue opere, Muccino affronta i temi ricorrenti del suo cinema: la disgregazione familiare, la fragilità delle relazioni e il bisogno di redenzione.

All’interno della filmografia di Muccino, Quello che so sull’amore rappresenta un esperimento di mediazione tra il cinema europeo e quello hollywoodiano. A differenza dei suoi precedenti lavori americani come La ricerca della felicità e Sette anime, il film abbandona l’intensità drammatica per avvicinarsi a una narrazione più convenzionale e a tratti ironica. Questa scelta stilistica ha generato reazioni contrastanti, ma rivela un tentativo interessante di esplorare il tema della paternità da una prospettiva più disincantata e quotidiana, mettendo in scena un protagonista in bilico tra il fallimento personale e il desiderio di ricostruzione.

Nel corso dell’articolo analizzeremo più nel dettaglio il significato del finale del film, che mette in discussione l’idea stessa di successo e realizzazione. Nonostante l’apparente leggerezza, Muccino costruisce un epilogo che parla di priorità emotive e di scelte intime, distanti dai cliché americani della vittoria a ogni costo. Attraverso un percorso di maturazione silenziosa, il personaggio di George scopre che l’amore, più che una conquista, è una responsabilità. Un messaggio che, pur nella cornice commerciale, resta profondamente coerente con l’universo narrativo del regista.

La trama e il cast di Quello che so sull’amore

Il film raccont la storia di George Dryer (Gerard Butler), un ex calciatore professionista che ha dovuto ritirarsi dal mercato a causa di un gravissimo infortunio. George non si da per vinto e decide di dare libero sfogo alla sua ambizione, costruendo una nuova carriera come cronista sportivo, pensando di poter sfruttare i vantaggi del suo passato glorioso. Il successo tanto desiderato, però, tarda ad arrivare. Il lavoro non è l’unica cosa che va male nella vita dell’uomo: sua moglie Stacie (Jessica Biel), infatti, lo ha lasciato da tempo. Anche con suo figlio Lewis (Noah Lomax) non va per niente bene, perché i due si vedono davvero poco e non riescono a costruire un vero rapporto, solido e stabile.

Quando Stacie gli comunica poi che vuole sposare il suo nuovo compagno, George cade nello sconforto. L’ex calciatore vuole però a tutti i costi riconquistare la fiducia della sua famiglia e, per farlo, decide di cogliere al volo una preziosa occasione: diventare l’allenatore della squadra di calcio del figlio. Quando comincia ad allenare i bambini, tuttavia, rapisce l’attenzione soprattutto delle loro mamme, attratte dalla sua prestanza e, ovviamente, dal suo fascino. Prima fra tutte Barb (Judy Greer), divorziata, poi Denise (Catherine Zeta-Jones), ex giornalista sportiva, e infine Patti (Uma Thurman), una bellissima donna ancora sposata. Per lui, la situazione si complicherà non poco.

Il significato del finale del film

Nel corso di Quello che so sull’amore, George George continua a legare con Lewis e gradualmente riaccende la sua intimità con Stacie, creando complicazioni nella relazione di lei con Matt. Le sue prospettive di carriera migliorano poi quando Denise conferma che ESPN gli sta offrendo un lavoro in Connecticut. Tuttavia, George inizia a chiedersi se le sue priorità siano in linea con ciò che conta davvero. La nuova opportunità lavorativa potrebbe rilanciare definitivamente la sua carriera, ma accettarla significherebbe trasferirsi a New York e allontanarsi di nuovo dal figlio Lewis.

Mentre George valuta il da farsi, emergono però una serie di incomprensioni e scontri. Patti appare in alcune foto fuorvianti scattate da un investigatore privato assunto da Carl, e la confusione che ne deriva crea una nuova frattura tra George e Stacie. Tuttavia, George alla fine decide di rifiutare l’offerta della ESPN e di rimanere in Virginia, concentrandosi sull’essere un padre e un compagno migliore. Stacie, invece, rompe il fidanzamento con Matt, capendo di essere ancora innamorata di George. Nel finale, quest’ulitmo diventa un cronista sportivo locale, ritrovando una stabilità personale e professionale e ricostruendo anche la sua vita familiare.

Il significato ultimo del finale risiede dunque nella maturazione personale di George: per tutta la vita ha cercato approvazione nel successo e nelle relazioni superficiali, ma solo quando rinuncia all’ambizione e si assume la responsabilità delle proprie scelte riesce a essere davvero amato. Così facendo riesce a ritrovare un equilibrio nella propria vita, capendo cosa è davvero l’amore e cosa si può essere o meno disposti a fare per esso. Muccino sembra dunque suggerire che la vera vittoria è interiore: amare significa restare, esserci, anche quando nessuno guarda.

L’acrobazia sul Burj Khalifa in Mission: Impossible – Protocollo fantasma (qui la recensione) è un momento fondamentale per la serie, ma il pubblico si chiede se Tom Cruise abbia davvero scalato il Burj Khalifa nella vita reale. Con una lista sempre più lunga di acrobazie estremamente pericolose nel suo curriculum, scalare l’esterno del Burj Khalifa nel quarto capitolo della serie Mission: Impossible è una delle imprese più famose di Cruise. Da allora, Cruise ha continuato a sfidare la morte in diversi film con acrobazie come il salto HALO in Mission: Impossible – Fallout. Tuttavia, l’acrobazia sul Burj Khalifa è diventata un punto di riferimento del cinema.

Il film porta Ethan Hunt, interpretato da Tom Cruise, a Dubai alla ricerca dei codici di lancio nucleare dopo che Kurt Hendricks, alias Cobalt (Michael Nyquist), ruba un’arma devastante. È ormai ovvio che Hunt non sceglie mai la strada più facile. Ethan deve raggiungere il 130° piano del grattacielo alto 828 metri e abbandonare l’ascensore in favore di un paio di discutibili guanti a ventosa. Iniziare la scalata dal 123° piano è la parte facile, perché poi si cala lungo l’edificio e fa un salto nel vuoto. Per quanto la sequenza sia sbalorditiva, anche il dietro le quinte è stato impressionante.

La spiegazione della scena acrobatica di Tom Cruise sul Burj Khalifa

Per la scena acrobatica di Cruise sul Burj Khalifa, l’attore ha dovuto indossare un’imbracatura fissata con cura a punti strategici dell’edificio, il che ha richiesto allo studio di ottenere permessi speciali per forare i pavimenti e le pareti, e la troupe di Mission: Impossible – Protocollo fantasma ha rotto 35 finestre. Il regista Brad Bird si è consultato con diversi professionisti di vari settori, come ingegneri, scalatori professionisti e stuntman, per garantire la sicurezza delle riprese. Ha anche preso in considerazione l’idea di utilizzare uno stuntman dedicato, ma, come ha fatto per la maggior parte della sua carriera, Cruise ha eseguito personalmente l’acrobazia.

Cruise non sapeva che l’imbracatura stretta avrebbe interrotto la circolazione sanguigna, quindi le riprese dovevano essere completate nel modo più efficiente e rapido possibile. Altrimenti, la parte inferiore del suo corpo avrebbe iniziato a diventare insensibile. Anche gli elicotteri che stavano riprendendo avevano un limite di volo di 30 minuti alla volta, quindi la troupe doveva sfruttare al massimo ogni ripresa. La sequenza è stata girata anche in IMAX, il che significava che le telecamere avrebbero esaurito rapidamente la pellicola. Il filmato doveva poi essere riportato a Los Angeles e Bird non poteva verificare se tutto fosse perfetto fino a quando la pellicola non fosse stata sviluppata.

Anche l’allenamento per l’acrobazia sul Burj Khalifa è stato estremamente accurato e calcolato. La troupe ha costruito una parete di vetro per simulare l’esterno dell’edificio reale e ha fatto salire e scendere Cruise più volte affinché familiarizzasse con il disagio dell’imbracatura e lo sforzo fisico della scalata. Sono arrivati al punto di riscaldare la parete con luci artificiali per simulare la temperatura delle finestre del Burj Khalifa. L’acrobazia è stata un incubo logistico, ma la pianificazione ha dato i suoi frutti.

Quella sul Burj Khalifa è la migliore acrobazia di Mission: Impossible

Tom Cruise esegue sempre personalmente le acrobazie di Mission: Impossible, tra cui appendersi a un aereo, trattenere il respiro per sei minuti per compiere una rapina subacquea ed eseguire 109 salti HALO per ottenere la ripresa perfetta. Ma tra tutte queste acrobazie cinematografiche, l’iconica sequenza del Burj Khalifa è la prova migliore della dedizione dell’attore al suo mestiere. Quella in Mission: Impossible – Protocollo fantasma è la sequenza più emozionante, ed è stata estremamente pericolosa, estenuante e probabilmente terrificante per lo stesso Cruise.

Tuttavia, i risultati sono a dir poco impressionanti e il film può vantare una delle migliori scene acrobatiche mai riprese per il cinema. Aver scalato il lato dell’edificio più alto del mondo – per davvero – garantisce alla saga un posto d’onore nella storia del genere d’azione. La scena si svolge inoltre come una scena dal vivo di Incredibles, poiché la sequenza è ricca di commedia d’azione intelligente, come i guanti a ventosa che sembrano avere una mente propria. La scena sul Burj Khalifa offre un equilibrio perfetto tra brividi da cardiopalma e commedia esilarante.

L’acrobazia di Tom Cruise sul Burj Khalifa è stata la più pericolosa?

Dopo l’acrobazia di Tom Cruise al Burj Khalifa, l’attore ha eseguito altre acrobazie altrettanto pericolose. In Mission: Impossible – Rogue Nation, Cruise si è aggrappato al lato di un aereo mentre questo decollava. L’attore ha anche trattenuto il respiro sott’acqua per un tempo record di 6 minuti (fino a quando il record non è stato battuto da Kate Winslet in Avatar – La via dell’acqua). Successivamente, Cruise si è cimentato in un salto HALO per Mission: Impossible – Fallout. Il salto HALO era così pericoloso che Henry Cavill non ha potuto partecipare perché avrebbe messo a rischio la vita di Cruise.

Tuttavia, il salto in moto in Mission: Impossible – Dead Reckoning è ad oggi stata la scena più pericolosa mai girata dall’attore. Era impossibile prevedere dove sarebbe atterrata la moto quando Cruise l’ha lasciata andare, e c’erano molte altre cose che la produzione non poteva pianificare adeguatamente. Condurre una valutazione accurata dei rischi della scena deve essere stata la parte più frustrante dello sviluppo del film. La fisica impossibile da determinare, insieme al controllo di un veicolo a mezz’aria e alla pericolosa vicinanza alle rocce sul bordo di una scogliera, rendono il salto in moto di Cruise la scena più pericolosa della serie Mission: Impossible.

Diretto nel 2023 da Ivano De Matteo, Mia (qui la recensione) è un film che affonda nelle pieghe più oscure della società contemporanea, affrontando con crudo realismo il tema della manipolazione affettiva e della violenza psicologica. Al centro della narrazione c’è la giovane protagonista, Mia, adolescente come tante, catapultata in un vortice emotivo da un amore malato e oppressivo. Il regista costruisce attorno a lei un racconto che non cerca scorciatoie drammatiche o colpi di scena compiacenti, ma si concentra sulla quotidianità della sofferenza, sull’invisibilità del controllo, sulla fragilità delle dinamiche familiari.

Prende così vita un film che parla non solo della vittima, ma anche di un intero ecosistema sociale incapace di riconoscere i segnali d’allarme. Un film che fa seguito a titoli come La belle gente e I nostri ragazzi, precedenti lavori di De Matteo, che da sempre con i suoi lavori si muove tra le pieghe delle tensioni familiari, dell’educazione sentimentale e del degrado morale della società italiana. Dinamiche affrontate anche con il suo più recente Una figlia. Con Mia, dunque, il regista prosegue dunque nel suo intento di portare al cinema storie intime e al contempo universali, spesso ispirate a eventi realmente accaduti.

In questo articolo, sarà interessante esplorare la vicenda reale che ha ispirato il film e che ha spinto De Matteo a raccontare questa storia. Un fatto di cronaca che, seppur lontano nello spazio e nel tempo, ha rivelato inquietanti analogie con dinamiche ancora oggi tristemente attuali. Analizzare il legame tra realtà e finzione, tra narrazione cinematografica e responsabilità civile, permette di cogliere appieno la portata e l’urgenza del messaggio veicolato dal film.

La trama di Mia

La storia di Mia ha per protagonista una famiglia semplice e felice, composta da Sergio (Edoardo Leo) conducente di ambulanze, Valeria (Milena Mancini) e la figlia adolescente, Mia (Greta Gasbarri). Quando però nella vita di Mia entra Marco (Riccardo Mandolini), un possessivo manipolatore che stravolge la vita della quindicenne, l’intera esistenza della famiglia diventa un incubo. Quando poi la ragazza, aiutata dal padre, riesce ad allontanarsi e ricominciare a vivere, il ragazzo decide di distruggerla. A quel punto, al padre rimane solo una cosa: la vendetta.

La storia vera che ha ispirato il film

Nonostante Mia non sia basato su una singola storia reale, Ivano De Matteo ha comunque voluto costruire un racconto che rispecchiasse fedelmente la realtà. Il regista ha infatti confermato di aver tratto ispirazione da una pluralità di esperienze reali, raccolte attraverso testimonianze dirette e osservazioni personali. In un’intervista a Vanity Fair, De Matteo ha poi raccontato che l’idea del film è nata insieme alla sua compagna, Valentina Ferlan, con l’obiettivo di mostrare una realtà che colpisce molti giovani e le loro famiglie. Ha affermato: “È un’opera scritta da genitori, prima che da sceneggiatori”.

De Matteo ha dunque attinto dalle confidenze di amici e conoscenti, in particolare di genitori le cui figlie adolescenti hanno vissuto situazioni di manipolazione emotiva e isolamento sociale. Una di queste storie riguarda una ragazza che, a causa di una relazione tossica, aveva smesso di uscire di casa, di truccarsi e di frequentare le amiche, mostrando segni evidenti di disagio psicologico. Per comprendere meglio le dinamiche adolescenziali, De Matteo e Ferlan hanno coinvolto la loro figlia sedicenne e le sue amiche nella stesura dei dialoghi, cercando di rappresentare fedelmente il linguaggio e le esperienze dei giovani.

Il regista ha inoltre consultato psichiatri infantili per approfondire il fenomeno del gaslighting e della violenza psicologica, elementi centrali nella narrazione del film. Lo stesso Marco non è rappresentato come il classico “cattivo” della narrativa cinematografica: non è un violento fisico né un criminale stereotipato. È invece un manipolatore psicologico, un aspetto che il regista ha voluto enfatizzare per evidenziare una forma di abuso meno visibile ma altrettanto devastante.

Durante la promozione del film, De Matteo ha inoltre organizzato proiezioni nelle scuole, seguite da dibattiti tra studenti, genitori e psicologi. Questi incontri hanno rivelato numerose storie simili a quella raccontata in Mia, confermando la diffusione di relazioni tossiche tra gli adolescenti e l’importanza di affrontare apertamente questi temi. Pur non essendo una ricostruzione diretta di eventi reali, Mia offre quindi una rappresentazione accurata dei fenomeni di manipolazione, revenge porn e del sentimento di impotenza che spesso accompagnano tali situazioni.

Il finale di May December di Todd Haynes rivela quanto siano state efficaci le strane tecniche di recitazione di Elizabeth Berry (Natalie Portman) nello studio di Gracie Atherton (Julianne Moore). Il nuovo dramma Netflix vede le straordinarie interpretazioni di Portman e Moore, che recitano insieme per la prima volta sul grande schermo, affiancate dalla performance rivelazione di Charles Melton nel ruolo di Joe Yoo. Il complesso melodramma affronta temi come la vergogna, la negazione e l’imitazione attraverso varie lenti, maschere e simbolismi riflessivi, dando vita a un prodotto finale meravigliosamente strutturato ma accessibile.

Il cast di May December (la nostra recensione) vede anche la partecipazione di Cory Michael Smith e Piper Curda, che interpretano due dei figli di Gracie, avuti da padri diversi. Sia Georgie di Smith che Honor di Piper offrono prospettive interessanti sul mondo chiuso di Gracie e Joe, trovando divertente l’interesse di Elizabeth per la storia “incasinata” della madre. Elizabeth si presenta con un’aria maestosa mentre osserva silenziosamente e analizza ogni dettaglio del carattere di Gracie, sperando che alla fine della sua visita avrà scoperto la “verità” su Gracie. Elizabeth, che si rivela piuttosto subdola e manipolatrice in May December, scopre che forse ha sottovalutato Gracie fin dall’inizio.

Cosa succede alla fine di May December

Il finale di May December inizia il giorno del diploma di Charlie e Mary Atherton-Yoo. Essendo gli ultimi due figli a lasciare la casa prima che Gracie e Joe diventino una coppia senza figli, ci sono già molte emozioni che turbinano intorno a questo importante evento della vita, intensificate dalla presenza persistente di Elizabeth. Elizabeth si presenta alla cerimonia di diploma, dove non conosce nessuno tranne Gracie e la sua famiglia, sembrando aver imparato alla perfezione l’aspetto di Gracie e averne incarnato la personalità. La vera Gracie, tuttavia, ha un ultimo messaggio per Elizabeth prima che questa torni a Hollywood con la sua immagine in un quaderno.

Gracie chiede a Elizabeth se crede di capirla, e Elizabeth risponde di sì. Gracie ha un ultimo asso nella manica: dice a Elizabeth che il suo eccentrico ma talentuoso figlio Georgie non avrebbe mai dovuto raccontare quella bugia sui suoi fratelli che l’avrebbero molestata da bambina. Elizabeth rimane sbalordita, pensando che Gracie non fosse a conoscenza della sua conversazione privata con Georgie quando lui le ha rivelato quell’informazione. Gracie conferma che Georgie ha inventato quella storia “disgustosa”, il che fa infuriare Elizabeth, che si rende conto di essere stata manipolata e ingannata da entrambi, mettendo in discussione la sua “comprensione” di Gracie.

La spiegazione della scena di Gracie con la volpe nel bosco 

La mattina della laurea di Charlie e Mary, Gracie salta la colazione con la sua famiglia e porta il fucile nel bosco con i suoi cani. Sembra essere a caccia, alla ricerca di predatori indesiderati nella zona, quando si imbatte in una volpe che la fissa direttamente negli occhi. Gracie tiene l’arma senza forza, fissando la volpe con occhi velati e luccicanti che brillano su un’anima vuota. I due predatori si osservano immobili mentre Gracie sembra riconoscere qualcosa di sé stessa e della sua vita. La scena potrebbe anche rappresentare Gracie che capisce che Elizabeth è una predatrice intellettuale e che rappresenta una minaccia per la sua reputazione con il suo film hollywoodiano.

Perché Joe piange da solo alla cerimonia di laurea di Charlie e Mary

Da quando Elizabeth è entrata nella sua vita, Joe ha intrapreso un percorso di riflessione su se stesso e sui suoi desideri per il futuro, fatto di sfumature e valutazioni. La scelta di Joe di non sedersi con Gracie alla cerimonia di diploma di Charlie e Mary indica che potrebbe aver bisogno di più spazio lontano da lei dopo che i ragazzi saranno andati al college. Dovendo crescere così in fretta in May December, Joe si è sicuramente perso molte esperienze tipiche della vita che gli hanno impedito di condurre una vita normale. In questa immagine finale di Joe in May December, sia il bambino che il genitore in Joe piangono per motivi diversi.

Guardare Charlie e Mary diplomarsi al liceo, cosa che il vero Vili Fualaau e presumibilmente Joe non hanno mai fatto, probabilmente fa provare a Joe un’ondata di rimpianto e delusione. Piange per la fine di questo capitolo intimo della paternità, ma anche per la confusione su quale direzione prenderà la sua vita da quel momento in poi. Alcune delle sue lacrime sono probabilmente il risultato della gioia di essersi liberato da una responsabilità enorme. Joe ha finalmente l’opportunità di perseguire i suoi interessi personali ora che i suoi obblighi genitoriali sono finiti, con o senza Gracie.

Georgie ha mentito sui fratelli di Gracie?

È difficile determinare se sia stato Georgie o Gracie a mentire a Elizabeth sui fratelli di Gracie in May December. Da un lato, Georgie aveva chiaramente un secondo fine nel fornire quell’informazione a Elizabeth, chiedendole subito dopo un lavoro come supervisore musicale per il suo film. Georgie potrebbe aver inventato quell’informazione su sua madre per far sembrare che avesse fatto un favore a Elizabeth, sperando che lei ricambiasse con un favore. D’altra parte, Gracie parla spesso dei suoi fratelli in May December e l’informazione di Georgie spiegherebbe molto del vero carattere di Gracie, che è essenzialmente tutto ciò che interessa a Elizabeth nel film.

Elizabeth vuole più riprese per trovare la “verità” di Gracie

La scena finale di May December mostra Elizabeth in costume da Gracie sul set del film hollywoodiano in cui la interpreta. La scena imita la ripresa di una telecamera che gira più take di una scena del “film di Gracie”, mostrando la rappresentazione discontinua del personaggio da parte di Elizabeth. Dopo alcune riprese, il regista è pronto a proseguire, ma Elizabeth chiede un’altra ripresa, sostenendo che sta avvicinandosi alla “verità” di Gracie ad ogni ripresa.

In realtà, Elizabeth sembra completamente persa sul set, segno che le sue bizzarre tecniche di recitazione non l’hanno affatto avvicinata alla vera Gracie. La produzione del film sembra più quella di un film televisivo a basso budget che di una grande produzione hollywoodiana, il che implica che Elizabeth era completamente sopraffatta dal suo approccio “metodico”, che ha finito per sconvolgere in modo permanente la vita sia di Joe che di Gracie.

Il vero significato del finale di May December

Lo sguardo confuso e distante di Elizabeth alla fine di May December indica che, anche dopo il suo studio approfondito di Gracie, non la capisce ancora completamente. I dettagli di Georgie sui fratelli di Gracie le hanno fatto capire che Gracie era vittima di abusi. Tuttavia, alla cerimonia di laurea di Charlie e Mary, Gracie getta un’ultima ombra sull’interpretazione che Elizabeth ha dato di lei, ribaltando completamente la situazione e affermando che Georgie aveva mentito. Elizabeth si sente tradita dal fatto che Gracie e Georgie abbiano parlato in privato della loro conversazione, il che è un segno della sua ingenuità e della sua esagerata presunzione nei confronti del suo film di serie B.

Se Georgie diceva la verità, Gracie sembra negare ciò che è successo con i suoi fratelli, proprio come fa con la sua relazione “sana” con Joe. Gracie aveva già rivelato a Elizabeth di essere ingenua, cosa che è stata uno scudo protettivo e un “dono” nella sua vita dagli orrori della realtà. In questo modo, le cose con cui Gracie non è d’accordo non appartengono alla sua visione del mondo o alla sua autovalutazione, rendendola in qualche modo delirante. Ironia della sorte, l’ultima richiesta di Gracie a Elizabeth è stata quella di assicurarsi che apparisse “stabile” nel suo film. Elizabeth si rende conto di aver attinto da una fonte inaffidabile in Gracie, spiegando la sua difficoltà a trovare la “verità” del suo personaggio nei momenti finali di May December. Elizabeth potrebbe anche essere instabile in qualche modo, il che la costringe a confrontarsi con la verità su se stessa all’interno del suo personaggio di attrice metodica.

Il finale di The Father – Nulla è come sembra è un viaggio contorto ed emozionante che lascia il film con una nota straziante. Il film è stato il debutto alla regia di Florian Zeller ed è improvvisamente apparso sul radar della maggior parte degli spettatori quando Anthony Hopkins ha battuto Chadwick Boseman per il premio come miglior attore alla cerimonia degli Oscar 2021. Controversie a parte, The Father (la nostra recensione) di Zeller è caratterizzato da una performance straordinaria di Hopkins e da una sceneggiatura sapientemente costruita dallo stesso Zeller, la cui regia conferisce al film una prospettiva che ricorda le opere enigmatiche di M.C. Escher. Ma la storia dell’acclamato film del 2020 inizia nel 2012 con la prima di Le Père.

Zeller ha scritto l’opera teatrale Le Père, che gli è valsa un ampio consenso dalla critica teatrale a partire dal 2012. Aveva scritto il ruolo principale di Anthony in The Father appositamente per Hopkins, ritenendolo il “più grande attore vivente” (via Deadline).

La figlia di Anthony, Anne (Olivia Colman), sta cercando una soluzione di assistenza a lungo termine per il padre testardo ma spesso confuso. The Father è raccontato dal punto di vista soggettivo di Anthony, affetto da demenza, che fa sembrare che alcuni fatti cambino nel corso della narrazione. Tali frustrazioni culminano nella scena finale di The Father.

Cosa succede nella scena finale di The Father?

Anthony viene lasciato in una realtà straziante ma inevitabile

Alla fine di The Father, l’appartamento di Anthony ha raggiunto la fine delle sue numerose trasformazioni ed è diventato una struttura di assistenza, dove viene accudito dall’infermiera Catherine (Olivia Williams) e dal suo assistente Bill (Mark Gatiss). The Father ha attori che interpretano più personaggi come rappresentazione tematica della demenza; questi assistenti sono volti che Anthony ha già visto, avendo percepito sua figlia e suo genero come simili a Catherine e Bill in un momento o nell’altro.

La presa di Anthony sulla realtà è scivolata al punto che non riesce più a trovare la forza di determinare quali dei suoi ricordi siano reali

Nella scena finale, è chiaro che la presa di Anthony sulla realtà è scivolata al punto che non riesce più a trovare la forza di determinare quali dei suoi ricordi siano reali e quali siano compositi disgiunti delle sue esperienze.

In una scena emotivamente straziante che costituisce il culmine del film, Anthony ricorda sua madre a Catherine e improvvisamente desidera tornare a casa, sopraffatto dalle lacrime. Confida a Catherine che sente di stare “perdendo tutte le sue foglie” nel crepuscolo della sua vita e di essersi distaccato dalle cose che gli davano valore. Mentre piange tra le braccia di Catherine, lei lo calma e gli dice che presto non ricorderà più questo momento spiacevole, che più tardi andranno a fare una passeggiata e che tutto andrà bene.

Alla fine, la telecamera di The Father – Nulla è come sembra si sporge dalla finestra, osservando gli alberi le cui foglie frusciano al vento. È un momento straziante e personale del film che esalta gli aspetti emotivi della storia del suo personaggio, spesso piena di confusione, ricordi confusi e incertezza su ciò che è reale e ciò che non lo è. Come se il monologo emotivo di Anthony non bastasse a commuovere il pubblico, la canzone finale di The Father – Nulla è come sembra è la gelida “My Journey”, una colonna sonora perfetta per la storia del film.

Cosa era reale e cosa era nella testa di Anthony Hopkins in The Father – Nulla è come sembra

È difficile dire cosa sia successo solo nella sua testa

A causa della natura soggettiva e labirintica di The Father – Nulla è come sembra, è facile chiedersi cosa sia realmente successo ad Anthony e cosa abbia immaginato o erroneamente ricostruito nella sua mente. Il film mette il patriarca in primo piano, invitando il pubblico a empatizzare con lui in un modo che rispecchia la sensazione del personaggio di essere vittima del suo ambiente. Spesso confonde i volti, in particolare Anne con Catherine e Paul con Bill.

In una scena, viene soffocato da Anne mentre dorme. In un’altra scena, Paul lo aggredisce fisicamente. In un’altra ancora, Anthony scopre sua figlia e suo genero che parlano male di lui, ma poi si unisce a loro, se ne va e torna alla stessa situazione in cui si trovava all’inizio. Certamente, come minimo, lo soffocamento è stato immaginato, dato che lui sopravvive fino alla fine di The Father – Nulla è come sembra. Questo enfatizza il senso di vulnerabilità che Anthony prova nei confronti di Paul, che molto probabilmente lo ha schiaffeggiato e ha parlato con lui in modo sfacciato.

The Father – Nulla è come sembra è basato su Le Père, un’opera teatrale francese che ha vinto il Premio Molière per la migliore opera teatrale nel 2014.

Poi c’è la questione della sua visita notturna alla figlia minore, Lucy. Si deduce che abbia avuto un grave incidente e che probabilmente sia morta. Anthony, non riuscendo a ricordarlo, continua a tirare fuori l’argomento, soprattutto per quanto la sua ultima badante le assomigli. In una delle scene finali di The Father – Nulla è come sembra, esplora l’appartamento e lo trova trasformato in un ospedale, dove trova Lucy, insanguinata e ingessata, distesa in un letto circondata da ogni tipo di apparecchiature mediche.

Si sveglia improvvisamente da quello che era un sogno o un ricordo e si ritrova nella struttura di assistenza dove trascorrerà il resto del film.

Il suo trattamento nei confronti della figlia vivente, Anne, è duro, come se fosse arrabbiato con lei per essere sopravvissuta

La morte di Lucy ha senso, considerando quanto Anthony si commuove quando la ricorda. Inoltre, il suo trattamento nei confronti della figlia vivente, Anne, è duro, come se fosse arrabbiato con lei per essere sopravvissuta mentre la figlia che preferiva non c’è più. C’è una certa gravità in questi momenti, anche se ciò che si può dedurre è che anche Anne è allo stremo delle forze nel prendersi cura di suo padre, che spesso è crudele con lei a causa della sua demenza, ma anche per il risentimento che prova nei suoi confronti e per ciò che è successo a Lucy.

Anthony muore alla fine di The Father – Nulla è come sembra?

Il finale suggerisce che la straziante scena finale si è già verificata in passato

Quando viene affidato a una struttura di assistenza, la comprensione del mondo che lo circonda da parte di Anthony in “The Father” è deteriorata al punto da richiedere un monitoraggio costante. Il film si conclude con la promessa che lui e Catherine continueranno una routine che è chiaramente in atto da tempo, anche se il pubblico e Anthony non sarebbero in grado di dirlo.

Nonostante la destinazione ovvia di un film incentrato su un genitore affetto da demenza, l’ultima scena di “The Father” non si conclude con un’immagine di Anthony che se ne va serenamente nell’aldilà, ma con gli alberi fuori dalla sua stanza. Anche se il suo destino è ormai segnato, l’ultima scena di “The Father” dice molto di più sulla sua situazione finale che sul semplice fatto che sia vivo o morto.

Il vero significato del finale di The Father – Nulla è come sembra

Potrebbe non esserci speranza nella straziante scena finale

È difficile trovare un messaggio positivo in una storia il cui tema è così fondamentalmente terminale come quello di The Father, ma Zeller riesce a sostenere il significato di The Father come film con l’aiuto di una metafora visiva. Mentre Catherine consola Anthony, sconvolto e distaccato, identifica il conforto della sua condizione: anche se al momento sta soffrendo sotto il peso della sua fine, fortunatamente la sua demenza gli impedisce di ricordare la sua sofferenza.

Invece di lottare contro la vecchiaia o di trovare un finale ovvio e rassicurante in cui sua figlia rimane con lui fino alla fine, Zeller affronta la demenza momento per momento, con Catherine che incoraggia Anthony a concentrarsi su ciò che è immediato per lui.

Il significato di The Father è profondo per il modo in cui esplora la demenza come un viaggio labirintico attraverso la mente di chi ne è affetto.

Alla fine, le persone invecchiano e i figli devono vivere la loro vita. È interessante anche il modo in cui The Father affronta i ricordi, con Anthony che si perde soprattutto nei momenti che gli hanno causato dolore emotivo: è spesso terrorizzato, affranto, spaventato di essere aggredito a causa della sua confusione o di sentirsi fuori posto. A tal fine, il significato di The Father è profondo per il modo in cui esplora la demenza come un viaggio labirintico nella mente di chi ne è affetto.

Alla fine di The Father, l’albero ha ancora le foglie, e forse questa è l’affermazione più ottimistica sulla condizione di Anthony. Ha vissuto una vita indipendentemente dal fatto che potesse essere considerata buona o cattiva (o entrambe le cose), e le foglie dell’albero indicano la crescita e la fioritura della vita, che continua il suo ciclo indipendentemente da tutto.

Perché Anthony Hopkins ha vinto il premio come miglior attore per The Father

In tutto e per tutto, The Father non avrebbe funzionato senza una performance avvincente come quella di Sir Anthony Hopkins. Se The Father avrebbe dovuto vincere il premio per il miglior film è un altro discorso, ma è innegabile che l’interpretazione irritante, terrificante e straziante di Hopkins di un uomo alle prese con la demenza sia stata il fattore determinante del successo del film. D’altra parte, lo stesso non si può dire dei concorrenti di Hopkins per l’Oscar 2021 come miglior attore. Gli altri candidati nella categoria erano Riz Ahmed per The Sound of Metal, Steven Yeun per Minari, Gary Oldman per Mank e Chadwick Boseman per Ma Rainey’s Black Bottom.

Sebbene questi attori siano stati fenomenali nei rispettivi film, il successo delle loro pellicole non è dipeso principalmente dalle loro interpretazioni, come invece è stato il caso di Hopkins. Nonostante la controversia sul fatto che Chadwick Boseman avrebbe dovuto vincere, Hopkins meritava senza dubbio il premio come miglior attore per la sua potente interpretazione in The Father, in particolare per la commovente scena finale che può far piangere anche gli spettatori più cinici.

La scena finale di The Father spiegata dal regista

Zeller ha parlato anche della memorabile battuta finale di Anthony

Zeller ha collaborato nuovamente con Anthony Hopkins, protagonista di The Father, per il film The Son, che funge da complemento a quest’ultimo. La loro nuova collaborazione non sorprende, vista la riuscita di The Father. Zeller (via: Esquire) ha parlato in particolare del lavoro con Hopkins e Olivia Colman nella scena finale e della sua importanza. Con l’intera storia che ruota attorno a questo finale, Zeller spiega:

“Abbiamo girato quella scena con un po’ di nervosismo, anche perché sapevamo che le emozioni che dovevamo raggiungere erano crude, brutali, vere e difficili da ottenere. È stato un momento molto intenso per noi.”

Zeller ha anche chiesto agli attori di non provare, in modo da poter arrivare alle emozioni giuste davanti alla telecamera. Una volta che Colman esce dal film e Anthony ha il suo crollo finale, la battuta che pronuncia su “perdere tutte le mie foglie” è stata anche una parte fondamentale della scena per Zeller.

Proprio come l’infermiera non capisce cosa intende Anthony con questa battuta, Zeller ammette di averla scritta come una frase che in realtà non significa nulla, ma allo stesso tempo il pubblico capisce esattamente cosa sta cercando di comunicare Anthony. Ha spiegato che la battuta voleva riassumere ciò che l’intera esperienza del film avrebbe dovuto essere per il pubblico:

“Non capisci cosa sta succedendo, ma allo stesso tempo, a un altro livello, emotivamente, capisci tutto.”

Come è stato accolto il finale di The Father – Nulla è come sembra

Sia i fan che i critici hanno elogiato The Father per la sua storia, le interpretazioni degli attori e il finale potente e straziante. Il punteggio dei critici su Rotten Tomatoes è stato del 98%, quasi perfetto. La maggior parte delle recensioni negative ha respinto l’idea che la demenza e la perdita di memoria si manifestino in questo modo nella mente delle persone affette. Tuttavia, il punteggio del pubblico è stato anch’esso molto alto, pari al 92%, uno dei rari casi in cui critici e spettatori paganti concordano sulla qualità del film.

Un thread su Reddit è stato aperto quando il film ha iniziato a fare parlare di sé per gli Oscar, e molti fan hanno sottolineato l’alta qualità del finale. Un utente di Reddit ha scritto: “Il finale ha fatto piangere me e mia moglie. Ho perso mia nonna a causa dell’Alzheimer alcuni anni fa, e questo film mi ha fatto riflettere su come fosse nella sua testa mentre soccombeva alla malattia”. Il tema ricorrente tra i fan era che la performance di Anthony Hopkins era straziante e che il montaggio e i trucchi utilizzati rendevano il finale ancora più d’impatto.

Per i critici, il finale ha legato insieme tutti i fili in The Father, mostrando come la confusione che pervade il film sia simile a quella provata da Anthony durante tutto il film (e nelle ultime fasi della sua vita). Nella sua recensione per il Boston Globe, il critico Ty Burr ha scritto: “È un film che ti fa rimanere seduto al buio a lungo dopo i titoli di coda e ti fa guardare in profondità in cose da cui di solito distogliamo lo sguardo”.

TIME La critica cinematografica Stephanie Zacharek ha elogiato il finale aperto e straziante che non risponde facilmente alle domande:“The Father può solo riflettere su queste domande, non rispondere… In The Father, Anthony ci invita ad accompagnarlo, a capire come si sente, ma possiamo seguirlo solo fino a un certo punto. Lasciarlo indietro è allo stesso tempo un sollievo e una sofferenza”.

Infine, Peter Travers di ABC News sottolinea perché Anthony Hopkins ha meritato l’Oscar e perché The Father ha ricevuto tutti gli elogi che gli sono stati tributati. “Anthony Hopkins offre una lezione magistrale di recitazione nei panni di un uomo un tempo brillante che perde le facoltà mentali a causa della demenza. Il regista esordiente Florian Zeller trasforma la sua moderna versione teatrale del ”Re Lear“ in un film essenziale.”