Familia di Francesco Costabile (qui la nostra recensione) è il film scelto per rappresentare l’Italia nella corsa agli Oscar 2026 per il Miglior Film Internazionale.
Il Comitato di Selezione istituito dall’ANICA su incarico dell’Academy of Motion Picture Arts and Sciences, e composto da Micaela Fusco, Alessandra Magliaro, Gabriele Muccino, Olivia Musini, Simona Paggi, Federico Pontiggia, Micaela Ramazzotti, Stefano Sardo, Vito Sinopoli, ha votato il film di Francesco Costabile affinché rappresenti il nostro Paese alla 98° edizione degli Academy Awards, nella selezione per la categoria International Feature Film Award.
Familiaconcorrerà per la shortlist che includerà i quindici migliori film internazionali selezionati dall’Academy e che sarà resa nota 16 dicembre 2025. L’annuncio delle nomination definitive è previsto per il 22 gennaio 2026, mentre la cerimonia di consegna degli Oscars si terrà a Los Angeles il 15 marzo 2026.
Familia segue Vermiglio (2025, che non era arrivato a nomination) e Io Capitano (2024, giunto in cinquina) nella lunga lista di titoli italiani a cui viene affidato l’onere e onore di rappresentare lo stato del cinema italiano nel mondo occidentale.
The Silent Hour, disponibile su Prime Video, racconta la straziante storia di sopravvivenza in un edificio abbandonato dal punto di vista di un detective di Boston a cui è stata diagnosticata una perdita uditiva degenerativa. Dopo aver subito un infortunio che gli ha cambiato la vita durante una missione, Frank Shaw (Joel Kinnaman) si trova ad affrontare un difficile bivio nella sua vita mentre cerca di convivere con i suoi nuovi problemi uditivi. Tuttavia, la sua vita viene ulteriormente sconvolta quando viene coinvolto in una vasta cospirazione che coinvolge una fotografa sorda di nome Ava, testimone di un omicidio per strada. Di conseguenza, Frank deve proteggerla mentre diversi mercenari cercano di farla tacere per sempre.
Verso la fine del film, la trama thriller ad alta tensione raggiunge il culmine quando i piani di fuga di Frank e Ava vengono ostacolati da una figura familiare che si rivela essere un traditore. Nel frattempo, Frank deve scavare a fondo e trovare il modo di sfruttare i suoi problemi di udito dopo che i suoi ausili meccanici si sono scaricati. A peggiorare le cose, sono circondati da altri uomini che cercano di dar loro la caccia. Tutto va particolarmente male quando i nemici finalmente mettono le mani su Frank e Ava, la quale è la prima ad essere messa a tacere. Tuttavia, Frank non lo vede come la fine, trovando utile la sua intraprendenza interiore per cercare di salvare Ava e organizzare una fuga finale.
La trama di The Silent Hour
Frank Shaw è un detective del dipartimento di polizia di Boston che lavora in coppia con il suo amico di lunga data Doug Slater. Nonostante viva da solo, il protagonista ama stare con sua figlia Sam, aspirante cantante e suo punto di riferimento emotivo. Un giorno, prima di partire per una missione di polizia, Slater avverte Frank di mantenere la calma in determinate situazioni. Quest’ultimo lo ignora mentre insegue un caposquadra colpevole in un cantiere navale. La sua esuberanza lo porta a sbattere contro un’auto vicina, causandogli problemi all’udito, che peggiorano col tempo. Diversi mesi dopo, Frank utilizza degli apparecchi acustici per svolgere normalmente il suo lavoro.
Sandra Mae Frank in The Silent Hour
Tuttavia, fatica ad accettare i suoi nuovi problemi e riflette se sia il caso di andare in pensione. Anche il suo rapporto con la figlia diventa teso. A seguito della diagnosi, Frank impara la lingua dei segni. Quando nel quartiere si verifica un doppio omicidio, Slater chiede a Frank di fare da interprete per una testimone sorda di nome Ava Fremont, che ha chiamato la stazione di polizia dicendo di avere delle prove su quanto accaduto. Sebbene Ava sia riluttante a parlare con un traduttore non professionista, decide di accettare la richiesta di Frank, vedendo che soffre dei suoi stessi problemi. Durante l’interrogatorio, Slater e Frank scoprono che Ava ha una registrazione video di chi ha ucciso gli uomini per strada.
Mentre si aggira furtivamente nel suo appartamento, il protagonista si rende anche conto che in passato lei faceva uso di droghe. Lui e Slater lasciano l’appartamento, leggermente sospettosi nei suoi confronti. A metà strada dalla stazione, Frank si rende conto di aver lasciato il telefono nell’appartamento e torna indietro per riprenderlo. Dopo essere entrato nell’edificio, Frank è immediatamente preoccupato dagli strani uomini che vede fuori dalla porta di Ava. Esce di nascosto dall’uscita di sicurezza e si rende conto che Ava è tenuta prigioniera da un gruppo di uomini che vogliono zittirla per le informazioni che ha sull’omicidio.
Di conseguenza, irrompe nell’appartamento e le salva la vita. I due iniziano quindi un gioco al gatto e al topo con la banda di mercenari. Dopo diverse prove, Frank giunge alla sconvolgente conclusione che le persone che li perseguitano sono proprio degli agenti di polizia. Lui e Ava riescono a mettere le mani sul telefono di uno dei malviventi e lo usano per chiamare Slater e informarlo della loro situazione. Lui li rassicura dicendo che sta arrivando per salvarli. Nel frattempo, l’apparecchio acustico di Frank si scarica e sia lui che Ava sono costretti a difendersi senza poter sentire nulla.
Il finale di The Silent Hour: perché Slater si presenta da solo?
Durante l’atto finale, Frank e Ava si sentono sollevati dopo aver informato Slater della loro precaria situazione. Sono ancora più grati quando lui promette di presentarsi con dei rinforzi, con l’intenzione di catturare i poliziotti corrotti all’interno dell’edificio. Tuttavia, mentre spiano dalle finestre, sono sorpresi dal fatto che Slater si presenti da solo, armato solo della sua pistola. Preoccupato che gli aggressori possano uccidere il suo amico, Frank si precipita giù per il pozzo dell’ascensore con Ava, sperando di intercettarlo prima che gli venga fatto del male.
All’insaputa del protagonista, il suo amico di lunga data non è altro che un traditore e uno dei motivi principali per cui lui e Ava si trovano nella situazione in cui sono. Quindi, si presenta da solo, sapendo che aiuterà i teppisti a catturare Frank e Ava. Poco dopo che i due raggiungono l’atrio al piano terra, scoprono che Slater è stato messo alle strette da Sal, uno degli scagnozzi sul libro paga. La situazione costringe Frank a lasciare la pistola, perché Slater potrebbe farsi male. Purtroppo, appena Sal disarma il protagonista, permette a Slater di prendere la pistola, dimostrando che anche lui fa parte del gruppo.
Il colpo è ancora più duro quando Slater si scusa con Frank per essere arrivati a questo punto. Successivamente, il resto dei teppisti circonda Frank e Ava e inietta a quest’ultima delle droghe. Slater cerca quindi di negoziare con Frank e di convincerlo a unirsi al gruppo come tutti gli altri, poiché non desidera uccidere il protagonista a sangue freddo. Frank accetta l’offerta, ma poi rinnega l’accordo, poiché si tratta solo di uno stratagemma per coglierli di sorpresa.
Mark Strong in The Silent Hour
Cosa succede a Mason e alla sua banda?
Il principale istigatore dei poliziotti corrotti che danno la caccia a Frank e Ava è Mason. Lui e la sua banda cercano di uccidere Ava perché possiede prove incriminanti sull’omicidio. Ma, per la maggior parte della narrazione, si ritrovano secondi nel catturare i due personaggi centrali. Poco dopo essere sfuggito alle grinfie della banda sostenendo di voler far parte del libro paga, Frank li chiude nell’ascensore e va a salvare Ava, che ha assunto una dose eccessiva di droga. Le inietta un farmaco che la aiuta a riprendere conoscenza. Tuttavia, quest’ultima ha solo dieci minuti prima che il farmaco perda il suo effetto.
Frank usa quindi la sua ingegnosità per appiccare un incendio nell’appartamento, che invia un segnale di fumo al resto della città. Di conseguenza, la banda di Mason se ne va, temendo di essere catturata, poiché molti passanti si radunano per le strade. Nel frattempo, Mason costringe Slater ad aiutarlo a dare la caccia a Frank e Ava. I due si precipitano nell’appartamento di Dante, un altro residente che ascolta musica ad alto volume nella sua stanza, udibile anche all’esterno. A questo punto, Mason non riesce a vedere chiaramente perché Frank e Ava lo hanno cosparso di acetone.
Manda Slater nell’appartamento per ucciderli al posto suo, mentre lui si dirige in un’altra parte dell’appartamento. Usando gli altoparlanti della casa, Ava e Frank stordiscono Slater con musica metal, che lo fa inciampare fuori dall’appartamento e viene colpito da Mason. Muore e Frank trova il suo cadavere mentre esce dalla casa. Quando Ava sviene, il protagonista usa il suo corpo come esca per attirare Mason e metterlo fuori combattimento con un colpo inferto con un oggetto inanimato. Successivamente, Frank si precipita fuori dall’appartamento, sperando di salvare Ava.
Joel Kinnaman e Sandra Mae Frank in The Silent Hour
Frank salva Ava nel finale?
Nei momenti finali del film, Frank, sconvolto, consegna il corpo privo di sensi di Ava al personale dell’ambulanza al piano di sotto. Questi iniziano a praticarle le manovre di rianimazione, mentre la telecamera inquadra l’espressione preoccupata del protagonista. Tuttavia, il suo destino rimane un mistero, poiché la storia fa un salto nel futuro. Frank finalmente assiste al saggio di sua figlia, dimostrando di aver ascoltato il consiglio che Ava gli aveva dato in precedenza. Si guarda intorno tra il pubblico e percepisce l’apprezzamento per il canto di Sam, godendosi la sua esibizione attraverso le loro reazioni.
Pochi minuti dopo, Ava entra dalla porta e si siede accanto a Frank, a significare che è sopravvissuta alla sua terribile esperienza con l’overdose. Le prende la mano, mostrando il legame che hanno costruito l’uno con l’altra nel corso della narrazione. Sebbene i due inizino la storia come estranei e su posizioni leggermente diverse, il loro legame si rafforza alla fine. Ava aiuta Frank con il suo problema di udito, poiché è una delle poche persone in grado di comprendere le sue nuove difficoltà. Inoltre, senza l’aiuto di quest’ultimo, Ava non sarebbe sopravvissuta all’assalto all’edificio.
Pertanto, i due riescono a trovare un senso di affinità reciproca che va oltre una normale relazione. Non è chiaro se si tratti di un legame romantico o platonico. Tuttavia, ciò che è importante è come sono riusciti ad aiutarsi a vicenda attraverso diverse sfide. Inoltre, Frank ha accettato la sua perdita dell’udito come parte della sua identità, cosa che non avrebbe mai potuto fare senza il sostegno di Ava. Questo gli permette di riconnettersi con sua figlia, la cosa più importante della sua vita.
Michelle Williams, Katie Holmes, Joshua Jackson, Mary Beth Peil, John Wesley Shipp, Mary-Margaret Humes, Nina Repeta, Kerr Smith, Meredith Monroe e Busy Philipps sono saliti sul palco del Richard Rodgers Theater per leggere l’episodio pilota del 1998. Lin-Manuel Miranda ha sostituito James Van Der Beek, impossibilitato a partecipare per motivi di salute.
La serata, narrata da Renée Elise Goldsberry, aveva lo scopo di raccogliere fondi per F Cancer e Van Der Beek, che sta lottando contro il cancro al colon-retto. Prima e dopo la lettura del copione, Van Der Beek è apparso sullo schermo tramite un videomessaggio, commosso. “Non posso credere di non poter abbracciare i miei compagni di cast”, ha detto nel primo video. “Volevo salire su quel palco e ringraziare ogni singola persona in questo teatro per essere qui stasera.”
Dopo la fine dell’episodio, Van Der Beek è tornato sullo schermo. “Ora, nessuno sano di mente farebbe mai un parallelo tra i due, ma una grande somiglianza tra Dawson e il “Fantasma dell’Opera” è che entrambi si sono trovati di fronte alla realtà che la donna che amavano amava veramente qualcun altro, e le ha detto: ‘Vai da lui. Vai da lui ora prima che cambi idea’. Solo uno ha dato origine a un meme con la faccia che piange”, ha detto Van Der Beek. Ha poi presentato Norm Lewis sul palco per eseguire “The Music of the Night”, dal famoso musical.
Un’altra sorpresa della serata è stata quando Steven Spielberg, l’eroe di Dawson per tutta la serie, è apparso sullo schermo con un messaggio. “Dawson, ce l’hai fatta. Forse un giorno avrò un armadio di Dawson”, ha detto.
Alla fine della serata, Goldsberry ha dato il permesso al pubblico di filmare e ha iniziato a cantare la sigla, “I Don’t Want to Wait” di Paula Cole. È stata poi raggiunta dal resto del cast e dalle figlie di Van Der Beek, che hanno entrambe cantato delle strofe da sole. Sua moglie, Kimberly Van Der Beek, e il resto dei suoi figli sono poi saliti sul palco. (qui il video di Variety)
La reunion è stata un’idea di Michelle Williams, ha detto la creatrice dello show in esclusiva a Variety prima dell’evento. “Ha coinvolto me, [suo marito e regista di “Hamilton”,] Thomas [Kail] e Greg [Berlanti] per aiutarla. Da lì, altri si sono uniti al gruppo di pianificazione. Jason Moore ha accettato di dirigere e siamo partiti. Scegliere una data ha richiesto un po’ di tempo, ma tutta la nostra famiglia di “Dawson’s Creek” era entusiasta di farlo e molto accomodante e generosa con il suo tempo.”
Il settimo figlio è un film che unisce avventura fantasy, azione ed elementi simbolici legati a temi universali come il coraggio, l’amore e la responsabilità. Al centro della vicenda vi è il giovane Thomas Ward, settimo figlio di un settimo figlio, destinato a un compito speciale: diventare apprendista del cacciatore di streghe Gregory. La sua storia si intreccia con la lotta contro la potente strega Mother Malkin e con la scoperta delle proprie origini, portandolo a un percorso di crescita personale e di accettazione del proprio destino.
Dalla missione al conflitto finale di Il settimo figlio
La trama si apre con Gregory, esperto cacciatore di streghe, che dopo la perdita dell’ennesimo apprendista deve trovare un nuovo successore. La scelta ricade su Thomas, un giovane dotato di poteri particolari ereditati dalla madre, che gli dona un amuleto protettivo. Ben presto il ragazzo incontra Alice, una misteriosa ragazza di cui si innamora, senza sapere che è in realtà la nipote di Mother Malkin, tornata in libertà dopo anni di prigionia e decisa a radunare un esercito di creature malvagie. Gregory, Thomas e l’assistente Tusk si mettono in viaggio verso la fortezza della strega, affrontando nemici e rivelazioni: Gregory aveva amato Malkin in passato, Thomas scopre che sua madre era una strega e che Alice, pur divisa tra affetto e dovere, è incaricata di spiarli.
Nel climax della vicenda, Mother Malkin uccide la madre di Thomas e cattura Gregory, mentre Alice, pur innamorata, cede l’amuleto a sua zia sperando di proteggere il giovane. Risvegliato dallo spirito materno, Thomas ritrova la forza e l’amuleto, affrontando con nuova determinazione l’esercito di Malkin. La battaglia culmina con il tradimento interno: la strega elimina perfino la sorella che cercava di salvare Alice. Infine, Thomas riesce a sconfiggerla, ponendo fine alla sua minaccia e segnando il passaggio da ragazzo inesperto a vero cacciatore.
Trasformazioni e spiegazione del finale
Il finale non si limita alla vittoria sul male ma mette in luce le trasformazioni interiori dei protagonisti. Thomas, inizialmente riluttante a uccidere, assume il ruolo di spook dopo la morte della madre, accettando il peso delle sue responsabilità. La frase finale di Malkin, “ti perseguiterò”, simboleggia il fardello morale che il giovane dovrà portare: ogni vita tolta gli lascia un’ombra di rimorso. Anche la sua relazione con Alice subisce un cambiamento: pur desiderando una vita normale insieme, entrambi comprendono che le loro strade si separano, lasciando però la porta aperta a un futuro incontro.
Parallelamente, anche Gregory vive una metamorfosi. Inizialmente rigido e inflessibile, convinto che ogni strega debba essere eliminata senza esitazioni, alla fine ammette che “non ci sono regole”. È un gesto di fiducia verso Thomas, ma anche il segno che ha imparato a vedere oltre i dogmi che lo hanno guidato per tutta la vita. Nel congedarsi, Gregory gli lascia la propria casa, l’assistente Tusk e tutte le responsabilità del mestiere, affidandogli così il suo lascito. L’ultima scena, con il suono della campana che chiama a un nuovo intervento, apre a nuove avventure: Thomas è ormai il nuovo spook, pronto a fronteggiare altre minacce.
James Gunn è stato di recente intervistato da YMH Studios, e in quell’occasione il co-CEO della DC Studios ha fornito un aggiornamento molto promettente sullo stato di The Brave and the Bold. “Nessuna di queste cose è importante per me”, ha detto Gunn quando gli è stato chiesto se Batman avrebbe avuto un costume grigio e blu o gli occhi bianchi sul cappuccio nel film. “Ciò che conta è il personaggio e la storia, e penso che ora abbiamo una storia davvero molto buona per ciò che sta accadendo con Batman”.
Considerando che Gunn ha ripetutamente ribadito di non voler dare il via libera ufficiale a progetti senza una sceneggiatura che gli piaccia, e visti i suoi commenti entusiastici sul film incentrato su Damien Wayne, forse questo sarà il prossimo film in uscita nell’universo cinematografico DC? Ad ogni modo, sembra che i lavori sul progetto stiano proseguendo nella giusta direzione, per cui non resta che attendere annunci ufficiali.
Tutto quello che sappiamo su The Brave and the Bold
Parlando l’anno scorso dei piani dei DC Studios per The Brave and the Bold, James Gunn ha detto: “Questa è l’introduzione del Batman del DCU. È la storia di Damian Wayne, il vero figlio di Batman, di cui non conoscevamo l’esistenza per i primi otto-dieci anni della sua vita. È stato cresciuto come un piccolo assassino e assassina. È un piccolo figlio di puttana. È il mio Robin preferito“. “È basato sulla run di Grant Morrison, che è una delle mie run preferite di Batman, e la stiamo mettendo insieme proprio in questi giorni“.
Il co-CEO dei DC Studios, Peter Safran, ha aggiunto: “Ovviamente si tratta di un lungometraggio che vedrà la presenza di altri membri della ‘Bat-famiglia’ allargata, proprio perché riteniamo che siano stati lasciati fuori dalle storie di Batman al cinema per troppo tempo“. Alla sceneggiatura, oltre a Muschietti, dovrebbe esserci anche Rodo Sayagues, noto per aver firmato le sceneggiature di La casa, Man in the Dark e Alien: Romulus.
Il film diretto da Guy Ritchie, tratto dall’omonima serie televisiva degli anni Sessanta, si chiude con una serie di colpi di scena che ribaltano le aspettative iniziali. Operazione U.N.C.L.E. segue le avventure di Napoleon Solo (Henry Cavill), agente della CIA, e Illya Kuryakin (Armie Hammer), agente del KGB, costretti a collaborare in una missione congiunta in piena Guerra Fredda. L’obiettivo è trovare il dottor Udo Teller e impedire che le sue scoperte vengano sfruttate dai Vinciguerras, una potente famiglia italiana decisa a vendere una testata nucleare a gruppi neo-fascisti.
Nonostante le profonde differenze caratteriali e la diffidenza reciproca, Solo e Illya sono costretti a lavorare insieme, affiancati da Gaby (Alicia Vikander), la figlia di Teller. L’avventura, che parte da Berlino Est per svilupparsi soprattutto a Roma, mette in evidenza quanto sia difficile per i due agenti fidarsi l’uno dell’altro, ma anche quanto le circostanze li costringano a farlo. Alla fine, entrambi cambiano prospettiva: da rivali pronti a eliminarsi pur di servire i rispettivi governi, diventano alleati capaci di salvare le reciproche vite e di compiere scelte inaspettate.
Perché Solo e Illya distruggono il disco
Uno degli snodi cruciali del finale riguarda la decisione di distruggere il disco contenente le ricerche nucleari di Teller. CIA e KGB avevano dato ordini identici ai loro agenti: cooperare fino a recuperare il materiale scientifico, ma essere pronti a eliminarsi a vicenda pur di consegnare il disco ai propri superiori.
Per un attimo, la tensione tra Solo e Illya sembra sfociare in un duello mortale. Entrambi valutano seriamente l’ipotesi di uccidere l’altro. Tuttavia, Solo spezza la tensione restituendo a Illya l’orologio del padre, un cimelio che aveva recuperato durante l’incursione al complesso dei Vinciguerras. Questo gesto simbolico ribalta la dinamica: i due capiscono che il legame costruito sul campo vale più dell’obbedienza cieca ai propri ordini.
Distruggere il disco diventa quindi l’unica soluzione possibile. Non vogliono permettere che una delle due superpotenze ottenga un vantaggio decisivo e, soprattutto, rifiutano di sacrificare la loro nuova alleanza. Il gesto suggella la nascita di una fiducia reciproca che non esisteva all’inizio della missione, trasformando due agenti rivali in compagni di squadra.
La minaccia principale del film è rappresentata da Victoria Vinciguerra (Elizabeth Debicki), elegante e spietata aristocratica che mira a completare la bomba nucleare con l’aiuto del dottor Teller e a venderla a gruppi estremisti. Per contrastarla, Solo, Illya e Gaby devono mettere in campo un piano complesso, che subisce continui aggiustamenti.
Il gruppo riesce a impossessarsi di un ordigno, ma scopre che si tratta solo di un’esca. La vera testata è ancora nelle mani di Victoria, pronta a essere consegnata via mare. Con decine di imbarcazioni a disposizione, diventa impossibile localizzare quella giusta. Proprio qui entra in gioco l’informazione che Gaby aveva raccolto al complesso dei Vinciguerras: grazie a un sistema di sicurezza collegato al congegno nucleare, riescono a reindirizzare il missile verso la stessa Victoria.
Il colpo riesce: Victoria viene eliminata insieme ai suoi piani, la vendita viene impedita e la minaccia atomica neutralizzata.
Perché Gaby doveva tradire Solo e Illya
Un altro momento chiave del film è il presunto tradimento di Gaby. Fin dall’inizio, il piano dell’intelligence britannica prevedeva che lei guadagnasse la fiducia dei Vinciguerras per avvicinarsi a Udo Teller. Tuttavia, la presenza di Illya e Solo rischiava di compromettere tutto: il loro comportamento sospetto a Roma rendeva difficile convincere i nemici che fossero semplici civili.
Per questo Gaby non aveva alternative: doveva rivelare le identità di Solo e Illya per essere accettata da Alexander e Rudi Vinciguerra. Se da un lato questa mossa sembrava mettere in pericolo la missione, dall’altro era l’unico modo per entrare davvero nelle grazie della famiglia e lavorare a stretto contatto con Udo. In realtà, il suo “tradimento” era parte di un piano più grande, e la sua lealtà verso Solo e Illya non viene mai meno.
Come il finale prepara il terreno per un franchise
La parte conclusiva del film sottolinea il cambiamento radicale nei rapporti tra i protagonisti. All’inizio, Solo, Illya e Gaby erano tre individui con obiettivi diversi e caratteri incompatibili; alla fine, sono un trio affiatato che ha dimostrato di poter vincere solo collaborando.
La distruzione del disco e l’appoggio di Waverly, l’uomo che coordina l’operazione, segnano l’inizio di qualcosa di più grande: la nascita dell’organizzazione U.N.C.L.E. (United Network Command for Law and Enforcement). Questo nuovo ente sovranazionale rappresenta la possibilità di missioni congiunte al di là delle rivalità geopolitiche. Il film lascia chiaramente intendere che i tre torneranno a lavorare insieme in nuove avventure internazionali. A distanza di anni, però, il franchise non è stato ancora avviato.
Il futuro di Solo e Illya
Nonostante la loro nuova alleanza, il destino di Solo e Illya resta complesso. Entrambi, infatti, sono ancora legati ai loro governi di origine. Solo è vincolato al CIA da una condanna sospesa: deve obbedire agli ordini dell’agenzia per non finire in prigione. Illya, dal canto suo, è sotto la costante minaccia del KGB, che potrebbe spedirlo in Siberia come accadde al padre.
Queste condizioni rendono i due agenti vulnerabili e creano terreno fertile per eventuali sviluppi futuri. Nei possibili sequel, il conflitto tra i loro doveri nazionali e la lealtà verso la nuova squadra potrebbe diventare il motore principale della trama. Gaby, invece, sembra avere un percorso più lineare: già reclutata da Waverly, il suo futuro come spia appare assicurato.
Il finale di Operazione U.N.C.L.E.
Il finale di Operazione U.N.C.L.E. unisce azione, colpi di scena e simbolismi. La decisione di Solo e Illya di distruggere il disco non è soltanto una mossa tattica, ma rappresenta la scelta di fidarsi l’uno dell’altro e di anteporre l’amicizia agli ordini dei propri governi. Gaby dimostra il suo coraggio, trasformando un tradimento apparente in un gesto indispensabile per il successo della missione.
Con la sconfitta di Victoria Vinciguerra e l’intervento di Waverly, il trio dà vita a una nuova alleanza che supera le divisioni ideologiche della Guerra Fredda. Nasce così il nucleo di U.N.C.L.E., un’organizzazione pronta a nuove missioni globali. Pur restando incerti i rapporti con CIA e KGB, il film lascia intravedere un futuro ricco di possibilità, in cui i protagonisti dovranno bilanciare dovere e amicizia, lealtà nazionale e legami personali.
In vista dell’uscita digitale di I Fantastici Quattro: Gli Inizi (qui la recensione), prevista per domani, la scena post-credits del film è stata pubblicata online in HD. Ambientata quattro anni dopo gli eventi del film, la scena inizia con Sue Storm che legge una storia al suo giovane figlio Franklin. Tuttavia, dopo essersi allontanata per un breve momento, torna e trova il Dottor Destino inginocchiato davanti a lui.
Victor Von Doom si è tolto la maschera (che sembra un po’ più semplice di quella mostrata nella grafica promozionale) e il piccolo Franklin gli tocca il viso sfigurato, che però non ci viene mai mostrato. È possibile che Doom stia tentando di rapire il bambino con il potere di creare realtà per i suoi scopi malvagi? Dovremo aspettare e vedere, ma sappiamo questa scena è stata girata sul set di Avengers: Doomsday dai fratelli Russo.
Ciò indica che si tratta di una parte importante del film, anche se resta da vedere se si svolge prima o durante la storia del film. Il regista di I Fantastici Quattro: Gli Inizi, Matt Shakman e l’attrice Vanessa Kirby, che interpreta la Donna Invisibile, hanno entrambi confermato che Robert Downey Jr. era sul set nei panni di Doom per questa scena, quindi sì, c’è lui dietro quel mantello.
Un altro grande mistero è se Doom abbia viaggiato da un’altra realtà o se la Variante della Terra 828 sarà il nuovo grande cattivo della Saga del Multiverso. La seconda ipotesi è la più plausibile, soprattutto perché il film stesso ha ripetutamente accennato all’esistenza di Latveria. Ad ogni modo, ecco qui di seguito la scena, in attesa di poter conoscere gli esiti di questo delicato momento del franchise.
Da tempo circolano voci sui piani della Marvel Studios per la seconda stagione di Hawkeye. Jeremy Renner ha già confermato che la trama sarà fortemente ispirata a The Raid, mentre abbiamo saputo che Clint Barton e Kate Bishop combatteranno contro Barney Barton, alias Trickshot. Con grande sorpresa dei fan, Renner sembra aver smentito l’idea di una nuova stagione dopo aver rivelato che la Marvel Studios gli ha offerto la metà di quanto ha guadagnato per la prima stagione (per quelle che sarebbero state lunghe riprese di 9 mesi).
Si prevede inoltre che la Marvel Studios darà meno risalto ai personaggi del grande schermo sullo streaming, creando una linea di demarcazione più netta tra ciò che il pubblico può vedere al cinema e ciò che può vedere a casa. Renner ha chiuso con l’MCU? Non è stato annunciato per Avengers: Doomsday e, dopo aver parlato di un’offerta piuttosto deludente da parte della Disney per tornare (attribuendo la colpa alla casa madre piuttosto che alla Marvel Studios), non siamo sicuri di quali siano i piani.
Parlando al Florida Supercon questo fine settimana (tramite Popverse), Renner ha riflettuto su Hawkeye dicendo: “È stato fantastico approfondire un po’ di più il personaggio, in un mondo più realistico. Per me è stato molto più divertente da fare e c’era più da esplorare per il personaggio, il che è bello”. “Ho sempre voluto fare più cose del genere, ma poi c’è stato quell’incidente”, ha continuato, “e devo rimettermi in forma per poter tirare di nuovo con l’arco, tuffarmi e fare tutte quelle cose, ma ce la farò. Sto andando bene”.
“Continuerò sempre a ballare con la Marvel. Continuerò sempre a ballare con loro, quando sarà il momento giusto, quando ci sarà da divertirsi”, ha osservato Renner. “Sono felice di fare la seconda stagione di Hawkeye. Adoro quel personaggio. Penso che ci sia così tanto da fare”. “Abbiamo discusso a lungo sulla forma di quella stagione”, ha confermato. “Devo rimettermi in forma e preparare tutto per quello. Il momento giusto arriverà, e se ci sarà ancora bisogno, voglia e desiderio di farlo, allora sì”.
Quindi, potremmo essere un passo più vicini alla realizzazione della seconda stagione di Hawkeye… se le due parti riusciranno a trovare un compromesso in termini di soldi e tempo. La prima stagione è servita a passare il testimone a Kate, che probabilmente potrebbe cavarsela anche senza di lui nel ruolo principale. Come già detto, la Marvel Studios sta cercando di dare la priorità alle serie TV che possono durare più stagioni. È difficile dire se questo significhi che non ci sia più spazio per storie singole come Hawkeye.
A sette anni dal suo ultimo lavoro come attrice, Emma Watson spiega la sua pausa dalla recitazione in una nuova intervista. L’ultimo ruolo di Watson è stato nell’adattamento cinematografico di Greta Gerwig del 2019 di Piccole donne, le cui riprese si sono concluse nel dicembre 2018. Da allora, le apparizioni più importanti dell’attrice, nota soprattutto per aver interpretato Hermione Granger nei film di Harry Potter, sono state la reunion di Harry Potter e uno speciale televisivo dedicato a un torneo di pickleball di beneficenza.
“Una componente più importante del lavoro stesso è la promozione e la vendita di quell’opera, di quell’opera d’arte”, ha dichiarato Watson a Hollywood Authentic in una recente intervista. “L’equilibrio può essere piuttosto compromesso. Penso che sarò onesta e diretta e dirò: non mi manca vendere cose. L’ho trovato piuttosto distruttivo per l’anima. Ma mi manca molto usare le mie capacità e mi manca molto l’arte”. La Watson ha aggiunto che lavorare su una scena offre “una forma di meditazione molto intensa”, ma ha scoperto che ce n’era davvero poca. Allo stesso tempo, lavorare su questi progetti comportava una certa pressione, che non le manca.
Cosa ha fatto Emma Watson dall’ultima volta che ha recitato?
La Watson dice di essersi tenuta attiva durante la sua pausa dalla recitazione. Oltre al viaggio a Cannes e al perfezionamento del suo gioco di pickleball, rivela di aver lavorato a qualcosa “che non ho mai fatto prima”, ma non specifica di cosa si tratti. L’intervistatore le ha anche chiesto se prenderebbe mai in considerazione l’idea di lavorare dietro la macchina da presa, e la Watson ha risposto: “Sì, penso che prenderei in considerazione qualsiasi cosa”.
Tuttavia, la Watson non ha fornito ulteriori dettagli al riguardo, ma ha invece esposto la sua filosofia di avere una solida base per la propria vita. L’articolo non include alcun indizio sul fatto che la Watson possa porre fine alla sua pausa dalla recitazione, né su quando potrebbe farlo. Al momento, la Watson non ha alcun progetto in programma.
Joachim Rønning ha parlato della possibilità di tornare a dirigere Maleficent 3, attualmente in fase di sviluppo. Angelina Jolie interpreta l’iconica cattiva della Bella Addormentata nella serie Disney, che racconta la storia della Bella Addormentata dal punto di vista di Malefica. Il sequel Maleficent – Signora del male è stato diretto da Rønning, ampliando ulteriormente la storia della classica fiaba.
Quel film ha incassato 491 milioni di dollari al botteghino mondiale e ha ottenuto un punteggio del 95% sul Popcornmeter dal pubblico di Rotten Tomatoes. Nel 2021 è stato annunciato un terzo film della serie, con il ritorno di Jolie e della sceneggiatrice Linda Woolverton, autrice dei primi due film della serie. Tuttavia, non ci sono ancora notizie su chi dirigerà il film.
In un’intervista per il nuovo film di Rønning, Tron: Ares, Liam Crowley di Screen Rant ha colto l’occasione per chiedergli quale fosse la sua posizione riguardo al ritorno per Maleficent 3: “È una buona domanda. Penso di essere sempre interessato a una buona storia. Per me è questo che conta. Quindi vedremo cosa ci riserva il futuro. Adoro Maleficent e adoro Pirati dei Caraibi. Ottenere quel lavoro ha cambiato la mia vita e la mia carriera”.
“Ora che sto lavorando a Tron, mi sento molto fortunato ad aver potuto realizzare questi grandi progetti. E anche a realizzare un film più piccolo come Young Woman and the Sea, dove andiamo con Daisy Ridley e siamo in mezzo all’oceano a girarlo dal vivo. E qui con Tron siamo nel computer. Mi sento molto fortunato”, ha concluso il regista.
Cosa significano i commenti di Joachim Rønning per Maleficent 3
Non dire mai mai è il grande insegnamento che si può trarre dalla risposta di Rønning nell’intervista. Dà sicuramente una risposta diplomatica, senza confermare né smentire il suo potenziale coinvolgimento. Tuttavia, lascia la porta aperta, dicendo che il suo potenziale coinvolgimento dipenderà dalla storia che Woolverton inventerà.
Woolverton ha scritto numerose versioni live action Disney di classici film d’animazione, tra cui Alice nel Paese delle Meraviglie, Alice attraverso lo specchio, La bella e la bestia e Il re leone. Al momento, i dettagli della trama di Maleficent 3 sono tenuti segreti.
Il regista James Gunn sembra aver confermato chi sarà il cattivo principale nel sequel di Superman, Man of Tomorrow, per l’universo DC, condividendo un’immagine della prima pagina della sceneggiatura. Dopo il successo estivo di Superman, con David Corenswet nel ruolo del protagonista nella nuova timeline DC, i fan sono ansiosi di vedere quale sarà il futuro di Superman secondo il regista.
Una volta che Gunn e DC Studios hanno confermato che il sequel intitolato Man of Tomorrow era in fase di sviluppo, le speculazioni si sono concentrate su come sarebbe stata la trama e quali nuove leggende dei fumetti sarebbero state introdotte. Ora, un’immagine che Gunn ha condiviso tramite X (lo si può vedere qui), che mostra la prima pagina della sceneggiatura del film, suggerisce fortemente che Brainiac sarà la minaccia principale del film.
Man of Tomorrow uscirà nelle sale il 9 luglio 2027, con Corenswet confermato nel ruolo di Superman e Nicholas Hoult in quello di Lex Luthor. Gunn ha anche anticipato che il sequel di Superman vedrà una collaborazione tra Superman e Luthor per necessità, quando una “minaccia molto, molto più grande” entrerà in scena.
Cosa significa questo accenno a Brainiac per Man of Tomorrow
Brainiac è un androide extraterrestre che raccoglie quante più conoscenze possibile da tutto il cosmo, distruggendo i luoghi da cui provengono tali conoscenze per renderle più preziose. Una minaccia apocalittica come Brainiac è apparentemente ciò che servirebbe a Superman e Lex Luthor per lavorare insieme e garantire la sopravvivenza dell’umanità. L’inclusione di Brainiac offrirà anche nuovi spunti tematici alla dinamica che Gunn ha già stabilito tra Superman e il suo arcinemico.
Luthor crede infatti che la sua sia la mente superiore tra i due e che “il cervello batte la forza bruta”. Quando anche il personaggio di Brainiac si affida a un’immensa conoscenza esercitata in modo distruttivo, Luthor potrebbe essere costretto a interrogarsi sul significato dell’essere superato in astuzia. Nel finale di Superman, Clark suggerisce anche di credere che Lex potrebbe fare del bene al mondo, ma ci vorrà comunque un intenso processo di riflessione per portare il personaggio a questo punto.
Cosa sappiamo di Man of Tomorrow
Parlando di Man of Tomorrow, James Gunnlo ha descritto come: “Una storia in cui Lex Luthor e Superman devono collaborare in una certa misura contro una minaccia molto, molto più grande”, ha rivelato Gunn parlando per la prima volta del sequel. “È più complicato di così, ma questa è una parte importante. È tanto un film su Lex quanto un film su Superman. Mi è piaciuto molto lavorare con Nicholas Hoult. Purtroppo mi identifico con il personaggio di Lex. Volevo davvero creare qualcosa di straordinario con loro due”.
Gunn annunciato Man of Tomorrow sui social media il 3 settembre. Nel suo annuncio, lo sceneggiatore e regista ha incluso un’immagine tratta dal fumetto in cui Superman è in piedi accanto a Lex Luthor nella sua Warsuit. Nei fumetti DC, Lex crea la tuta per eguagliare la forza e le abilità di Superman. Mentre l’immagine teaser suggeriva che Lex e Superman sarebbero stati di nuovo in contrasto, ora sembra che Lex userà la sua Warsuit per poter essere allo stesso livello di Superman per qualsiasi grande minaccia si presenti loro. Al momento, è confermata la presenza della Lois Lane di Rachel Brosnahan.
Come si vede alla fine di Superman, l’Uomo d’Acciaio interpretato da David Corenswet ha visto che c’era del buono dentro Lex, quindi sarebbe disposto a lavorare con lui. Dopo aver quasi distrutto Metropolis nel tentativo di sconfiggere Superman e aver visto il mondo rivoltarglisi contro, Lex Luthor potrebbe essere più disposto a cambiare posizione se questo significasse riportare le persone dalla sua parte.
L’accenno di Gunn a una minaccia più grande che richiede loro di allearsi potrebbe significare che personaggi come Brainiac, Mongul o forse anche Darkseid potrebbero entrare nel nuovo DC Universe. Tuttavia, dato che quello che sembrava essere il concept art di Brainiac DCU è stato visto nel featurette Adventures in the Making of Superman, il cattivo potrebbe finire per essere la minaccia di Man of Tomorrow.
Il film è stato in precedenza descritto come un secondo capitolo della “Saga di Superman”. Ad oggi, Gunn ha affermato unicamente che “Superman conduce direttamente a Peacemaker; va notato che questo è per adulti, non per bambini, ma Superman conduce a questo show e poi abbiamo l’ambientazione di tutto il resto della DCU nella seconda stagione di Peacemaker, è incredibilmente importante”.
Zach Cregger ha confermato che sta lavorando a un prequel di Weapons. Cregger ha scritto e diretto il film horror di successo del 2025, che ha ottenuto un punteggio del 94% su Rotten Tomatoes e ha incassato 263 milioni di dollari in tutto il mondo. Poco dopo l’uscita del film, sono iniziate le voci su un potenziale prequel incentrato su uno dei suoi personaggi di spicco. Ebbene, il prequel è ufficialmente in fase di sviluppo.
Weapons è ambientato in una piccola città dove tutti i bambini di una classe elementare, tranne uno, scompaiono misteriosamente una notte, lasciando la comunità sconvolta e alla disperata ricerca di risposte. Il film vede protagonisti Julia Garner, Josh Brolin, Alden Ehrenreich, Benedict Wong, Austin Abrams e Amy Madigan, la cui zia Gladys dovrebbe essere al centro del prequel di Weapons.
Parlando con Fangoria dell’uscita digitale del film, Cregger ha confermato che si sta valutando la possibilità di realizzare un prequel incentrato su zia Gladys. Il regista ha dichiarato: “È vero, ne ho parlato con la Warner Bros. C’è una storia e sono piuttosto entusiasta. Non è una bufala”. Cregger ha anche rivelato che questa idea non è nata solo dopo il successo al botteghino di Weapons, ma che “ce l’avevo già in mente prima che il film uscisse”.
La conferma di Cregger che sta lavorando a un prequel di Weapons è una notizia entusiasmante per tutti coloro che hanno visto e apprezzato il film horror. Il personaggio di Gladys interpretato da Madigan è stato uno dei più apprezzati del film e molti ritengono che Madigan meriti una nomination all’Oscar.
Ora, mentre Cregger ha confermato che il progetto è in fase di lavorazione, la Warner Bros. non ha ancora annunciato ufficialmente un prequel di Weapons, quindi non c’è alcuna garanzia ufficiale che il film verrà realizzato. Cregger sta al momento lavorando a un nuovo film di Resident Evil. Se Cregger vuole realizzare questo film, sarebbe sorprendente se non divenisse poi realtà, vista la sua recente serie di successi.
Ho cercato il tuo nome (qui la nostra recensione) è un film del 2012, diretto da Scott Hicks che vede protagonista Zac Efron, attore amatissimo da tutti i fan che sono cresciuti con High School Musical e che lo hanno seguito nella sua carriera più adulta.
La trama di Ho cercato il tuo nome
Logan Thibault, sergente dei Marines reduce dall’Iraq, attribuisce la sua sopravvivenza a una foto trovata durante la missione, raffigurante una donna sconosciuta. Tornato in patria, decide di rintracciarla e arriva a Hamden, Louisiana, dove scopre che si chiama Beth. Per starle vicino lavora nel canile della nonna Ellie. Nonostante l’iniziale diffidenza, tra i due nasce un profondo amore, rafforzato dal legame di Logan con Ben, il figlio di Beth. L’ex marito di lei, Keith Clayton, vicesceriffo arrogante, ostacola la relazione, ma l’unione tra Logan e Beth dimostra la forza dei sentimenti autentici.
10 curiosità su Ho cercato il tuo nome
I cinema delle basi militari hanno proiettato il film in anteprima.
Il ruolo di Logan Thibault è stato scritto pensando a Ryan Gosling.
Ho cercato il tuo nome è stato girato a Madisonville, in Louisiana, e le scene in chiesa sono state girate ad Abita Springs, sempre in Louisiana.
Taylor Schilling ha prevalso su Abbie Cornish e Katie Cassidy per il ruolo femminile principale.
Il regista Scott Hicks ha fatto di tutto per assicurarsi che non ci fossero scene di nudo esplicite nel film, al fine di garantire una classificazione PG-13.
La canzone suonata da Logan e Ben in chiesa è un vecchio inno intitolato “In the Garden”, basato su Giovanni 20:14 e scritto da Charles Austin Miles. Scritta nel 1913, la canzone è di pubblico dominio.
Logan (Zac Efron) dà a Beth una citazione del Dr. Seuss. Zac Efron ha doppiato Ted in Lorax – Il guardiano della foresta del Dr. Seuss.
Frankie Muniz è stato preso in considerazione per il ruolo di Logan.
La casa in cui vive Beth è la stessa in cui vive Tuck in The Best Of Me (2014), anch’esso un romanzo di Nicholas Sparks trasformato in un film.
Quando Beth chiede a Logan come sia arrivato in città, Logan le risponde di averlo fatto a piedi. Considerando la distanza tra il Colorado e la Louisiana, Logan avrebbe impiegato circa 20 giorni di fila per camminare da un punto all’altro.
Il giustiziere della notte – Death Wish con Bruce Willis è un film del 2018 diretto da Eli Roth. Il film è un remake de Il giustiziere della notte del 1974, a sua volta basato sull’omonimo romanzo del 1972 di Brian Garfield. Willis raccoglie il testimone di Charles Bronson e veste i panni di Paul Kersey, un medico che diventa un giustiziere per vendicare la morte della moglie.
La trama di Il giustiziere della notte – Death Wish
Il chirurgo Paul Kersey vive a Chicago con la moglie Lucy e la figlia Jordan. Dopo che tre criminali irrompono in casa, Lucy viene uccisa e Jordan ridotta in coma. Deluso dall’inefficacia della polizia, Paul decide di farsi giustizia da solo: si procura una pistola e inizia a colpire criminali, guadagnandosi dai media il soprannome di “Tristo Mietitore”. La sua guerra personale divide l’opinione pubblica tra chi lo considera un eroe e chi un pericoloso vigilante.
Indagando, Paul scopre l’identità degli aggressori della sua famiglia. Dopo aver eliminato due di loro, riesce a risalire al terzo, Knox, l’uomo che ha ucciso Lucy. I due si affrontano più volte fino allo scontro finale: Knox prepara un’imboscata nella casa dei Kersey, ma Paul riesce a ucciderlo e a salvare la figlia, finalmente ristabilita. La polizia accetta la sua versione dei fatti e Paul finge di chiudere con la violenza, anche se l’ultima scena suggerisce il contrario.
10 curiosità su Il giustiziere della notte – Death Wish
Eli Roth ha trascorso molto tempo con i detective di Chicago per ottenere i dettagli corretti del distretto di polizia. Nel film, nell’angolo di una bacheca di un caso di omicidio aperto, appare un cartello con la scritta “Ci servirà una bacheca più grande”, un riferimento alla famosa frase di Lo squalo (1975) “Ci serve una barca più grande“. Roth l’ha effettivamente vista su una bacheca nell’ufficio del capitano di polizia.
Nel film, il personaggio di Bruce Willis impara a sparare con una Glock guardando un programma su YouTube chiamato “Full Metal Tactics”, condotto dal berretto verde Shawn Vance. Eli Roth ha dato al programma il nome in omaggio al co-protagonista di Willis, Vincent D’Onofrio, che ha recitato in Full Metal Jacket (1987).
Nel film, Paul Kersey e Frank Kersey sono fratelli ed entrambi mancini. Sono interpretati rispettivamente da Bruce WilliseVincent D’Onofrio, che nella vita reale sono mancini.
Sebbene non sia accreditato, Dean Georgaris ha riscritto la sceneggiatura dalla prima pagina con il regista Eli Roth. Alla stesura finale della sceneggiatura c’erano nove sceneggiatori, e la Writer’s Guild ha infine deciso di attribuire il merito esclusivo a Joe Carnahan, nonostante quasi nessun suo dialogo sia rimasto nella versione finale del film.
Eli Roth ha scelto Camila Morrone per il ruolo principale di Jordan Kersey, nonostante non avesse mai recitato in un lungometraggio prima. Roth ha incontrato la Morrone con sua madre Lucila Solá nel 2011 all’Ischia Global Film Festival, e Roth ha pensato che sarebbe stata perfetta per il ruolo. Dopo aver girato il film, la Morrone ha firmato con l’agenzia WME e ha ottenuto altri due film.
Nel romanzo del 1972 “Il giustiziere della notte” di Brian Garfield, il protagonista Paul Kersey è un CPA, ovvero un commercialista certificato. In “Il giustiziere della notte” (1974), Kersey (interpretato da Charles Bronson) è un architetto. In “Il giustiziere della notte” (2018), Kersey (interpretato da Bruce Willis) è un chirurgo d’urgenza.
Bruce Willis è noto per essere mancino. La Beretta 92F che usava in Die Hard è stata modificata per adattarsi meglio alla sua mancineria. In questo film, il fatto che Willis sia mancino è in realtà inserito nella sceneggiatura come spunto narrativo.
Originariamente concepito da Joe Carnahan nel 2012, il film avrebbe dovuto avere come protagonisti Liam Neesone Frank Grillo, protagonisti di The Grey (2011), ma Carnahan si ritirò dalla produzione quando lo studio preferì ingaggiare Bruce Willis per il ruolo di Paul Kersey rispetto a Neeson.
Eli Roth incontrò il musicista di Chicago Chance the Rapper prima delle riprese per discutere della violenza a Chicago e di una possibile collaborazione musicale al film. Sebbene la collaborazione non sia avvenuta, il fratello di Chance, Taylor Benett, appare nel montaggio iniziale delle chiamate radiofoniche, mentre parla con Sway in the Morning della violenza a Chicago.
Eli Roth era un grande fan di Dean Norris di Breaking Bad (2008), e a un certo punto stava per prendere un secondo cane e chiamarlo come il personaggio di Norris, Hank Schraeder. Roth lo aveva confessato a Norris a una festa anni prima, e Norris non se n’era dimenticato. Sebbene Roth abbia un solo cane (Monkey), giura comunque che il suo secondo cane si chiamerà Hank Schraeder.
Unbroken(qui la recensione), uscito nel 2014 e diretto da Angelina Jolie, rappresenta un passo importante nella carriera da regista dell’attrice americana. Dopo l’esordio con In the Land of Blood and Honey, film incentrato sul conflitto in Bosnia, Jolie conferma il suo interesse per storie di resistenza, sopravvivenza e dignità umana. Con Unbroken si misura con un progetto di ampio respiro internazionale, sostenuto da una produzione hollywoodiana di primo piano e capace di coniugare spettacolo e riflessione storica. La regia si distingue per la volontà di dare risalto alla dimensione epica della vicenda, senza perdere di vista l’aspetto intimo e personale del protagonista.
Il film è tratto dal romanzo Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience, and Redemption di Laura Hillenbrand, un bestseller che ha portato alla ribalta la straordinaria storia vera di Louis Zamperini. Ex atleta olimpico, Zamperini si trovò a combattere nella Seconda Guerra Mondiale come aviatore dell’aeronautica statunitense. Dopo un incidente aereo che lo lasciò alla deriva in mare per settimane, venne catturato dai giapponesi e imprigionato in campi di prigionia, dove subì torture e umiliazioni che misero alla prova non solo il suo corpo, ma soprattutto la sua forza interiore. La fedeltà del film al libro e alla vicenda storica accentua la sua dimensione biografica e documentaria.
Dal punto di vista del genere, Unbroken si colloca dunque a metà strada tra il war movie e il biopic, con sfumature drammatiche che ne amplificano la portata emotiva. Il tema centrale è quello della resistenza dell’uomo di fronte all’annientamento fisico e psicologico, accompagnato da riflessioni sul perdono, sulla speranza e sulla capacità di non perdere la propria identità anche nelle condizioni più estreme. Jolie dirige un’opera che non è solo cronaca di sopravvivenza, ma anche racconto universale sulla resilienza dello spirito umano. Nel resto dell’articolo ci soffermeremo in particolare sul finale del film, analizzandone il significato e il modo in cui porta a compimento i temi affrontati.
La trama di Unbroken
Il film della Jolie ripercorre la vita di Zamperini concentrandosi in particolare sulle sue vicende nel corso della guerra. Il tutto viene raccontato nel modo più fedele possibile, dall’incidente aereo ai 47 giorni trascorsi in mare, dal campo di prigionia e alle torture subite fino alla liberazione e al ritorno a casa. Vengono omessi solo alcuni dettagli, tra cui l’incontro con Hitler. Ciò che da tutto ciò emerge in particolare è la forza d’animo del protagonista, il quale diventa un esempio per l’intera umanità. Zamperini nel corso del film imparerà a dedicare la propria vita al bene e al perdono, dimostrando un animo e una forza di volontà impossibili da spezzare.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Unbroken, la vicenda raggiunge il suo apice drammatico con l’ennesima prova di resistenza imposta a Louis Zamperini nel campo di prigionia di Naoetsu. Qui ritrova Watanabe, detto “The Bird”, che torna a tormentarlo con sadismo e ossessione. La sequenza più emblematica è quella del palo di legno: Louie viene costretto a sollevare un pesante trave sopra la testa, con l’ordine per una guardia di sparargli se lo lascia cadere. In quell’atto di forza, Zamperini, allo stremo ma indomito, resiste e fissa il suo aguzzino negli occhi, trasformando la punizione in un momento di sfida silenziosa e vittoria morale.
La risoluzione arriva con la fine del conflitto e la liberazione dei prigionieri da parte degli americani. Louie, debilitato e segnato dalle violenze, rientra in patria dove può finalmente riabbracciare la sua famiglia. Il film si chiude con le immagini reali dell’uomo e con una serie di didascalie che ne raccontano la vita successiva: il matrimonio, la conversione religiosa, l’impegno verso il perdono dei suoi carcerieri, e persino la partecipazione, ormai anziano, alla staffetta della torcia olimpica in Giappone. Il destino di Watanabe, invece, resta sospeso, poiché riuscì a sfuggire ai processi per crimini di guerra, incarnando l’irrisolta ambiguità della giustizia postbellica.
La spiegazione di questo finale risiede nel ribaltamento dei rapporti di potere. Se nei campi Zamperini era fisicamente spezzato, è proprio la sua volontà indomita a emergere come forza superiore a quella delle armi e delle torture. Il palo di legno diventa simbolo della resilienza dell’animo umano: un gesto che trascende la resistenza fisica per farsi atto spirituale di dignità. Il fatto che Louie sopravviva e torni libero non rappresenta soltanto una vittoria personale, ma la prova che la crudeltà non può annientare del tutto l’identità e la speranza di un uomo.
In parallelo, il percorso postbellico rafforza il significato di questa esperienza: la scelta di convertirsi al cristianesimo e di perdonare i suoi aguzzini mostra come la sopravvivenza non sia completa senza la capacità di liberarsi dal rancore. Il rifiuto di Watanabe di incontrarlo, pur essendo stato cercato da Zamperini per un gesto di riconciliazione, sottolinea come non tutti siano pronti a compiere lo stesso passo. Tuttavia, il film celebra l’atto di perdonare come un atto di forza ancora più radicale della resistenza fisica.
Ciò che Unbroken ci lascia, infine, è un messaggio di speranza universale: la capacità dell’essere umano di resistere, rialzarsi e trovare pace interiore anche dopo esperienze disumane. La vita di Louis Zamperini, dal campo di prigionia alla staffetta olimpica, diventa metafora di un percorso di resilienza che trasforma il dolore in occasione di crescita spirituale e di testimonianza. In questo senso, il film non si limita a raccontare una storia di guerra, ma invita a riflettere sul valore eterno della dignità, del perdono e della forza interiore.
Killer Elite (qui la recensione), diretto da Gary McKendry, è un action–thriller che prende spunto dal romanzo The Feather Men di Ranulph Fiennes, un testo controverso che mescola fatti storici, memorie personali e invenzione narrativa. Il film si discosta dal libro in vari aspetti, scegliendo una strada più spettacolare e hollywoodiana, con un ritmo serrato e un intreccio pensato per esaltare l’azione e la tensione. Questo adattamento cinematografico mira più a catturare lo spettatore con inseguimenti, scontri e complotti internazionali piuttosto che restare fedele al materiale originale.
Dal punto di vista del genere, Killer Elite si colloca tra il thriller spionistico e l’action a tinte cupe, con atmosfere che richiamano i classici film di cospirazione degli anni Settanta, ma rilette con lo stile moderno dei primi anni Duemila. Il film si muove tra missioni segrete, vendette personali e complotti politici, mescolando il realismo militare con l’estetica spettacolare del cinema d’azione. La regia di McKendry cerca di dare respiro internazionale alla vicenda, con ambientazioni che spaziano dall’Oman a Londra, fino a scenari urbani e desertici che sottolineano la dimensione globale della storia.
I temi principali del film ruotano attorno alla moralità della violenza e al prezzo della lealtà. I protagonisti sono mercenari e agenti costretti a muoversi in una zona grigia, dove il confine tra giustizia e vendetta si fa sempre più sfumato. L’amicizia, la fedeltà e il dilemma etico legato al mestiere delle armi diventano centrali, riflettendo sul senso stesso dell’onore in un mondo governato da poteri occulti e interessi geopolitici. Nel resto dell’articolo proporremo una spiegazione del finale, analizzando come la conclusione del film chiuda il cerchio narrativo e tematico.
La vicenda si apre nel Regno Unito del 1980, dove Danny Bryce è un killer professionista che, insieme al suo amico e mentore Hunter, uccide persone scomode o pericolose su commissione. Dopo aver visto però troppa morte, violenza e dolore, Danny avverte il bisogno di disintossicarsi da quella vita, allontanandosene e ricercando una tranquillità fino a quel momento sconosciuta. Si trasferisce così a vivere in Australia, occupandosi di una fattoria insieme alla sua vecchia compagna di scuola Anne Frazier. Non passa però molto prima che la vecchia attività di Danny si ripresenti nella sua vita.
A richiamarlo all’azione, infatti, vi è la notizia del rapimento di Hunter. Questi è stato fatto prigioniero da uno sceicco tribale in Oman. Danny è così costretto a tornare in azione. Per liberare l’amico, però, dovrà accettare un compito molto difficile: vendicare la morte dei figli dello sceicco, uccisi per mano di alcuni ex membri del SAS durante la segreta guerra del Dhofar. In caso contrario, Hunter sarà giustiziato. La situazione si complica ulteriormente quando Danny scopre che i suoi bersagli sono protetti da una squadra clandestina di uomini senza pietà: i “Feather Men”, guidati dal crudele Spike.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Killer Elite la tensione narrativa raggiunge il suo apice. Danny, dopo aver scoperto che Amr e i suoi figli sono stati traditi dagli stessi poteri che pretendevano giustizia, si ritrova coinvolto in un intrigo ancora più grande. Le rivelazioni del governo britannico svelano che le morti per cui Danny stava rischiando la vita erano parte di una manipolazione legata al petrolio e agli equilibri geopolitici. Lo scontro finale con Logan diventa quindi inevitabile: una battaglia a tre fronti in cui ciascun personaggio lotta non solo per la sopravvivenza, ma anche per un senso di verità e giustizia personale.
La conclusione si consuma nel deserto, dove Danny e Hunter fermano Logan e si trovano a dover scegliere tra vendetta e sopravvivenza. Invece di uccidere l’avversario, decidono di lasciargli il denaro, costringendolo a confrontarsi con le proprie scelte e con la necessità di costruirsi un nuovo destino. Questo gesto ribalta le logiche brutali che hanno dominato la vicenda, sottolineando come la violenza non porti altro che cicli infiniti di morte e tradimento. Danny, ormai segnato dagli eventi, sceglie la via del distacco e del ritorno alla sua vita privata, ritrovando Anne e un’apparente pace.
Dal punto di vista simbolico, il finale rappresenta la chiusura di un percorso morale tormentato. Danny, inizialmente tornato in azione solo per salvare Hunter, si ritrova progressivamente risucchiato in un mondo dove la lealtà è corrotta dal potere e il concetto di giustizia è manipolato da chi controlla le risorse. Decidere di non uccidere Logan diventa quindi una presa di posizione etica: Danny rifiuta la logica del mercenario e sceglie di non perpetuare quella spirale di sangue. Il personaggio emerge così più umano, consapevole che la vera vittoria non è eliminare il nemico, ma liberarsi dal gioco mortale delle forze occulte.
Anche Logan, a suo modo, incarna il destino dei soldati e mercenari intrappolati in dinamiche più grandi di loro. Lasciargli il denaro significa metterlo di fronte alla propria coscienza, costringerlo a fare i conti con il tradimento verso i Feather Men e con le conseguenze delle sue scelte. L’ultima parte del film evidenzia quindi il contrasto tra chi riesce a uscire dalla spirale della violenza e chi, invece, ne rimane prigioniero. La dicotomia tra Danny e Logan segna la vera chiave di lettura del finale: due uomini simili, ma con destini che divergono in base alle scelte etiche compiute.
Ciò che Killer Elite lascia allo spettatore è un messaggio amaro ma lucido: la guerra segreta fatta di intrighi, mercenari e governi corrotti non conosce vincitori. Anche i sopravvissuti portano addosso il peso delle loro azioni e delle verità scoperte. L’unica via di uscita sta nella capacità di spezzare il ciclo, di scegliere l’umanità invece della vendetta. Danny non diventa un eroe in senso classico, ma rappresenta la possibilità di resistere al cinismo di un mondo dominato dal potere, trovando salvezza non nella violenza, ma nella rinuncia ad essa.
Overdose è un thrillerd’azione francese incentrato su azioni frenetiche e brividi rapidi, visivamente piacevole ma privo di qualsiasi profondità o spessore. Dedicato alla memoria del grande Jean-Paul Belmondo, il film segue due unità separate della polizia francese che si uniscono e collaborano per smantellare una famigerata banda di trafficanti di droga, cercando allo stesso tempo di trovare gli assassini di due bambini. Sebbene la trama abbia dei colpi di scena lineari e i soliti risvolti, Overdose va visto solo come un intrattenimento senza pretese, senza ulteriori aspettative.
Un uomo di nome Igor Reynald viene rilasciato dal carcere e accolto da un suo conoscente, Eduardo Garcia, che lo riporta alla vita criminale. Quest’ultimo porta Igor nel quartier generale del suo capo, un famigerato signore della droga che controlla l’intera zona, Alfonso Castroviejo, e sembra che Igor abbia già lavorato per lui in passato. Nonostante sia stato in prigione per un po’ di tempo, l’uomo non sembra aver cambiato atteggiamento, dato che si mette al passo con il resto della banda. Questa banda criminale, che contrabbanda e distribuisce droga in alcune zone della Spagna e della Francia, comprende anche un giovane di nome Said, attualmente preso dalla sua nuova ragazza, Leila, e un ex pilota automobilistico professionista, Willy de Berg.
Viene presto elaborato un piano per consegnare una nuova partita di droga, e anche Igor ne fa parte, ma poi si scopre che Igor Reynald lavora come agente sotto copertura per la polizia all’interno della banda di Castroviejo. Sara Bellaiche è a capo della squadra narcotici della polizia di Tolosa ed è sotto pressione da parte del commissario capo per non essere riuscita a catturare i principali trafficanti di droga della regione. Sembra che Sara stia elaborando un piano da diversi giorni e che sia vicina a finalizzare i dettagli di un grande progetto per catturare i criminali.
È nell’ambito di questo piano che ha assunto Igor Reynald, che alcuni anni prima era un poliziotto sotto copertura, ma che aveva perso la strada a causa della droga ed era finito in prigione. Seguendo le istruzioni della polizia, Reynald torna nel covo di Castroviejo e collabora con Garcia, ma continua segretamente a informare Sara e la sua squadra su qualsiasi nuovo sviluppo. Nella capitale francese, Parigi, una scena orribile viene lasciata in un ospedale pediatrico quando due ragazzini, Jerome e Ali, vengono uccisi senza pietà nei loro letti d’ospedale, che si trovavano nella stessa stanza. Il capo della polizia di Parigi, Richard Cross, indaga sul caso con la sua squadra e cerca di trovare qualche indizio.
Nel giro di un paio di giorni, anche la madre di Ali viene trovata morta e gettata nella Senna, e le riprese delle telecamere di sicurezza mostrano un uomo e una donna in un furgone nero comune a entrambe le zone del crimine. Ulteriori indagini rivelano che la donna è una cittadina marocchina di nome Leila, e ben presto la sospettata viene trovata morta sulla scena di una sparatoria in autostrada. Nell’ambito delle sue indagini, Richard incontra Sara della squadra narcotici e insieme si preparano a smantellare la banda di Castroviejo e il suo impero della droga.
Sofia Essaïdi in Overdose. Cortesia di Prime Video
Cosa succede alla fine quando la polizia raggiunge la banda di Castroviejo?
Mentre la banda di Castroviejo lascia il proprio quartier generale per attraversare la Spagna e raggiungere la Francia, dove consegnerà la droga in due luoghi diversi, il boss rimane indietro e affida l’intera responsabilità dell’operazione a Eduardo Garcia. Durante il viaggio, però, le cose vanno male per Said e la sua ragazza Leila: lei muore per overdose e lui esce dall’autostrada per soccorrerla. Le auto erano già inseguite e la polizia ha seguito l’auto di Said, provocando una violenta sparatoria, con Said che è fuggito con il resto dei membri della sua banda mentre il corpo di Leila è stato lasciato sul posto. Richard riceve la notizia della morte improvvisa del suo principale sospettato e si reca sul posto, dove si trova anche Sara, dato che lei e la sua squadra stavano tenendo d’occhio il convoglio di droga.
Sebbene Reynald continui a informarli di ogni cambiamento di programma tra i membri della banda, Sara rimane molto preoccupata per la sicurezza del suo informatore. La banda cambia improvvisamente percorso e si dirige verso un villaggio sulle colline, dove trascorre la notte nella casa di un abitante del luogo, forse per evitare l’attenzione della polizia. L’abitante del villaggio cerca di spiare gli uomini e Garcia lo uccide senza pietà, ordinando a Reynald di fare lo stesso con sua moglie e suo figlio. Mentre tutto questo accade, la squadra di Richard incontra una donna in un quartiere pericoloso che fornisce loro importanti dettagli su questo caso importante. Grazie alle sue informazioni, scoprono il luogo della seconda consegna di droga e l’uomo che la acquista.
Il giorno dopo, mentre la banda lascia il villaggio, la squadra antidroga della polizia si prepara sul luogo della prima consegna, che Reynald ha segnalato quella mattina. Quando l’acquirente arriva e la consegna sta per avvenire, un autobus pieno di scolari arriva sul posto per una gita, rendendo impossibile alla polizia rivelarsi e arrestare i colpevoli. Ciononostante, Sara e la sua squadra aspettano pazientemente e, quando i membri della banda stanno per allontanarsi, ne inseguono e arrestano alcuni. Reynald, Said e un paio di altri riescono a sfuggire alla polizia e Said inizia a sospettare che ci sia una talpa all’interno della sua banda. Ma, come da stereotipo del suo personaggio, Said sospetta dell’uomo sbagliato e lo uccide, mentre decide di lasciare in vita Reynald.
Ora contattano il secondo acquirente, preparano un luogo di consegna vicino a Parigi e partono verso la lontana destinazione. Dall’altra parte, la polizia arresta la maggior parte dei membri della banda, compreso Garcia, e li interroga costantemente non solo per far loro confessare i reati di traffico di droga, ma anche per scoprire qualsiasi informazione sugli assassini dei due bambini dell’ospedale. Mentre è ormai chiaro che uno dei responsabili è stata Leila, che nel frattempo è morta, l’ex pilota automobilistico de Berg menziona un uomo di nome Wahid come possibile secondo assassino. Il resto della banda mantiene il silenzio sulle proprie attività illegali, da veri criminali incalliti quali sono, ma alla fine tutti saranno portati in tribunale dalla polizia.
Più o meno nello stesso periodo in cui questi uomini vengono interrogati e indagati, la polizia francese conduce un’operazione congiunta con la polizia spagnola per arrestare Alfonso Castroviejo nella sua casa di famiglia. Le forze dell’ordine eliminano tutti gli uomini che proteggono il signore della droga e Castroviejo, che ha saputo dell’arresto dei suoi uomini e dell’acquirente, si siede, pronto ad essere attaccato dalla polizia in qualsiasi momento. L’uomo cerca di uscire dal complesso uccidendo uno dei poliziotti e indossando la sua uniforme, ma alla fine viene identificato e ucciso dagli altri membri delle forze dell’ordine. Più tardi quel giorno in Francia, tutti i membri della banda arrestati vengono trasportati nella capitale, probabilmente per essere portati in tribunale e messi in prigione, quando un incidente sull’autostrada crea un improvviso capovolgimento della situazione.
Alcuni degli uomini di Garcia e la sua compagna riescono ad attaccare gli agenti di polizia nella loro auto, e ne segue una sparatoria sull’autostrada. Mentre tutti gli altri membri vengono uccisi, Garcia riesce a fuggire dalla scena e si nasconde nella città locale. Sul televisore all’interno di una casa in cui si è introdotto, Garcia vede la moglie e il figlio del contadino che aveva ucciso nel villaggio sulle colline arrivare alla stazione di polizia per testimoniare. Diventa chiaro che Reynald in realtà non li aveva uccisi quando gli era stato ordinato, e Garcia ora capisce anche che era Reynald a fare da talpa nella sua banda. Contatta rapidamente il secondo acquirente, che non ha ancora ricevuto la droga, e insieme preparano un piano per affrontare Reynald e punirlo per il suo tradimento.
Cortesia di Prime Video
La spiegazione del finale di Overdose: cosa succede a Reynald e Garcia alla fine? Perché Wahid e Leila hanno ucciso i bambini?
La polizia riceve informazioni su un improvviso cambio di luogo dell’appuntamento per la seconda consegna della droga, e Sara ora teme più che mai che la vita di Reynald possa essere in pericolo. L’intera squadra di polizia fa del suo meglio per scoprire il nuovo luogo dell’appuntamento e alla fine lo rintraccia in un edificio abbandonato nei pressi di Parigi. Quando arrivano, però, Reynald e Said sono già lì e hanno iniziato la transazione. Ma Garcia si intromette, affrontando Reynald e tenendolo prigioniero nel seminterrato. Garcia aveva ricevuto in precedenza l’ordine da Castroviejo di uccidere Said, che era solo un membro sciocco che li aveva messi nei guai, e ora Garcia esegue questi ordini. Accoltella Said a morte e poi tortura Reynald per ore.
La polizia finalmente arriva e scoppia una rissa tra le due parti, con Garcia e l’acquirente di droga che vengono entrambi arrestati. Sara trova Reynald in condizioni pietose e l’uomo muore poco dopo a causa delle ferite riportate. Sara non riesce più a trattenersi e sta per uccidere Garcia, ma un altro agente di polizia la ferma e poi uccide lui stesso il criminale. Sembra che la polizia sapesse che né Garcia né Castroviejo avrebbero ricevuto la giusta punizione a causa della loro ricchezza e della loro capacità di corrompere, e quindi non si sono preoccupati di uccidere i criminali per porre fine alle loro attività.
Un altro uomo, Wahid, viene arrestato nell’edificio abbandonato, poiché si era nascosto nel seminterrato durante la rissa. Wahid ora confessa tutto alla polizia e racconta loro cosa è successo esattamente nel suo villaggio natale in Marocco, che era anche il luogo di origine di Leila e del giovane Ali, ucciso in ospedale. Dopo essere state nemiche per generazioni, le famiglie di Leila e Wahid avevano deciso di diventare amiche e di lavorare insieme, e i due avrebbero dovuto sposarsi come segno di questa nuova amicizia. Poiché entrambe le famiglie erano essenzialmente trafficanti di droga e contrabbandieri, tenevano d’occhio qualsiasi attività sospetta nel villaggio, e un giorno il padre di Wahid vide il padre di Ali recarsi all’ambasciata francese in Marocco in modo piuttosto sospetto.
L’uomo fu immediatamente arrestato e torturato per giorni prima di essere ucciso, e Wahid ricevette l’ordine da suo padre di trovare Ali e sua madre e porre fine alle loro vite per vendetta. Fu per questo che Wahid e Leila erano venuti in Francia e Said era anche il cugino di Wahid. Con l’aiuto delle conoscenze di Said, rintracciò Ali in un ospedale di Parigi, dove il ragazzo era ricoverato perché molto malato, e andò con Leila per ucciderlo. Ma quando i due assassini arrivarono, per pura coincidenza nella stessa stanza c’era anche un altro ragazzo, Jerome, perché l’infermiera che avrebbe dovuto portarlo a fare degli esami era occupata. Di conseguenza, anche lui fu ucciso da Leila, mentre Wahid uccise Ali e poi rintracciò sua madre e uccise anche lei.
Mentre Wahid viene rinchiuso in prigione dopo la sua confessione, la polizia indaga per scoprire se il padre di Ali fosse davvero un informatore e scopre una realtà ancora più triste. Il padre di Ali si era recato all’ambasciata francese per informarsi su una procedura medica necessaria per la cura di Ali, e non aveva nulla a che fare con la famiglia di Wahid o con il loro traffico di droga. L’intera vicenda che ha dato inizio e portato a questo mega-piano della polizia, che alla fine ha smantellato il traffico di droga e catturato gli assassini, è stata, dopotutto, condotta invano a causa di un terribile malinteso.
Danny Collins è un cantante anziano che vive di vecchi successi, tra eccessi di droga e alcol, e una relazione con una donna molto più giovane. Nonostante la fama e il denaro, si sente vuoto e insoddisfatto. Tutto cambia quando riceve, con quarant’anni di ritardo, una lettera scritta per lui da John Lennon dopo aver letto una sua intervista giovanile. Quelle parole riaccendono in lui la voglia di vivere e di creare. Collins decide così di affrontare il passato, cercando il figlio che aveva abbandonato e che ora è gravemente malato. Rinunciando alla vita agiata, si avvicina alla famiglia e torna a scrivere canzoni.
10 curiosità su Danny Collins – La canzone della vita
Il film è ispirato alla storia del cantante Steve Tilston, che venne a conoscenza dell’esistenza di una lettera che John Lennon gli aveva scritto 34 anni dopo la sua stesura.
Il filmato del concerto “Danny Collins” all’inizio del film è stato girato durante un concerto a Los Angeles dalla band Chicago.
Dan Fogelman aveva in mente Al Pacino per il ruolo di Danny Collins mentre scriveva la sceneggiatura. Pacino accettò, con una sola richiesta, che Bobby Cannavale interpretasse suo figlio.
Il pubblico utilizzato proveniva da un concerto dei Chicago. La band si prese una pausa di 15 minuti mentre Pacino e la troupe si esibivano.
Le foto sul muro della casa di Collins (circa 10 minuti dopo l’inizio del film) sono tutte foto di precedenti ruoli di Pacino: Il Padrino, Serpico ecc.
La canzone chiave del film è scritta da Ryan Adams, e la versione in sottofondo vede Adams cantare.
Julianne Moore eJeremy Renner erano stati inizialmente scelti, ma dopo alcuni problemi finanziari gli attori hanno cambiato idea e sono stati sostituiti da Annette Bening e Bobby Cannavale (che era stato chiesto espressamente da Pacino).
Il progetto era stato originariamente avviato dalla Warner Bros. e avrebbe dovuto avere come protagonista Steve Carell, prima di subire una svolta nel 2011.
Al Pacino e Christopher Plummer hanno fatto coppia in “Insider – Dietro la verità” (1999), con Pacino nel ruolo del produttore, Lowell Bergman, e Plummer in quello del reporter di “60 Minutes”, Mike Wallace. In Danny Collins – La canzone della vita i ruoli sono invertiti, con Pacino nel ruolo dell’attore e Plummer dietro le quinte come suo manager.
Al Pacino e Bobby Cannavale hanno lavorato insieme per la prima volta nel revival di Broadway del 2012 di Glengarry Glen Ross. Bobby ha interpretato Roma, il ruolo interpretato da Al Pacino nel film del 1992.
La sospensione di Jimmy Kimmel dalla ABC continua a fare notizia. Il conduttore di Jimmy Kimmel Live! ha recentemente aperto una puntata del suo programma con un monologo in cui affermava che la “gang MAGA” stava “cercando disperatamente di caratterizzare questo ragazzo che ha ucciso Charlie Kirk come qualcosa di diverso da uno di loro”.
Kimmel ha poi accusato gli esponenti di destra di “fare tutto il possibile per trarne vantaggio politico” e di “lavorare duramente per trarre profitto dall’omicidio“. Ha poi ricordato agli spettatori i rivoltosi che, il 6 gennaio 2021, “volevano impiccare” il vicepresidente del primo mandato di Trump, Mike Pence, per aver certificato la vittoria elettorale di Joe Biden alle elezioni del 2020.
Il giorno dopo, un portavoce della ABC ha dichiarato che Jimmy Kimmel Live! sarebbe stato “sospeso a tempo indeterminato“, e in seguito abbiamo appreso che Brendan Carr, presidente della FCC e accanito sostenitore del presidente Donald Trump, ha minacciato di “prendere provvedimenti” contro Disney e ABC. Anche NexStar, che, come Disney, necessita dell’approvazione della FCC per acquisizioni multimiliardarie, ha fatto pressione sulla Disney affinché ritirasse la serie.
Ora, Mark Ruffalo, star di Hollywood nota per le sue posizioni politiche e il suo impegno nel sociale, è intervenuto oggi sui social media. Rispondendo a un post che rivelava che le azioni Disney sono scese del 7% dalla sospensione di Kimmel, l’attore ha scritto: “Scenderanno molto di più se cancellano la sua serie. La Disney non vuole essere quella che ha distrutto l’America“. Questo messaggio arriva dopo che l’attore ha recentemente partecipato a un evento online di No Kings e ha dichiarato: “Il mio settore non capisce davvero cosa sta succedendo in questo momento, ma quello che capiscono è che la nostra libertà di parola è sotto attacco”.
Kimmel non ha ancora espresso il suo parere sulla sua sospensione, ma si ritiene che siano in corso trattative con la Disney. L’azienda è stata ampiamente condannata per quello che molti ritengono un attacco alla libertà di parola, mentre Trump cerca di mettere a tacere i suoi critici.
Le scene eliminate sono all’ordine del giorno per qualsiasi grande blockbuster, e il regista James Gunn ha lasciato un grande momento con Krypto sul pavimento della sala di montaggio di Superman.
La scorsa estate, foto e filmati dal set del reboot stavano trovando costantemente spazio online. Nonostante fossero presentati fuori contesto, siamo riusciti a ricostruire almeno alcune sequenze, tra cui una in cui Mister Terrific lotta per convincere Krypto a seguirlo (il cagnolino in CG ovviamente non era presente sul set, ma Terrific è stato mostrato fuori da un negozio di animali e con dei biscotti per cani in mano).
Grazie a Collider, ora abbiamo la scena nella sua interezza. Terrific riesce a convincere Krypto a seguirlo, e poi tenta di farsi portare dall’animale domestico di Supergirl nei cieli di Metropolis. Lui invece gli morde il piede dell’eroe.
Alcune di queste riprese con Mister Terrific e Krypto sono state poi riutilizzate per uno spot pubblicitario, anche se senza il momento in cui Krypto attacca il membro della Justice Gang.
È una sequenza divertente, che avrebbe potuto essere facilmente inclusa in Superman. Allo stesso tempo, è abbastanza facile capire perché Gunn abbia deciso di lasciarla in sala di montaggio durante quello che è stato un atto finale piuttosto frenetico.
The Mandalorian & Grogu è stato annunciato per la prima volta a gennaio 2024 come il prossimo film di “Star Wars” in fase di sviluppo, e la sua uscita nelle sale è prevista per il 22 maggio 2026. Oltre al personaggio mascherato di Pascal, il Mandaloriano, e al suo adorabile aiutante Grogu (meglio conosciuto come Baby Yoda), il cast include anche Sigourney Weaver nel ruolo di una pilota da caccia, Jeremy Allen White in quello del figlio di Jabba the Hutt e Jonny Coyne in quello di un signore della guerra imperiale.
La prima breve sinossi del film recita: “Erede della Forza nella galassia e compagno adorabile del Mandaloriano, Grogu ha conquistato il mondo con il suo fascino malizioso e accattivante fin dal suo debutto”, si legge. “Presto saranno disponibili prodotti a tema Grogu per tutti i canali, categorie e fasce d’età: la tempesta Grogu sta per scatenarsi!”
Con il supporto produttivo e il sostegno di grandi nomi del cinema internazionale comeBrad Pitt e Alfonso Cuarón, la regista Ben Hania, già celebrata per il suo Quattro figlie distribuito in Italia sempre da I Wonder Pictures, racconta la sconvolgente storia vera di Hind Rajab, bambina palestinese di sei anni, rimasta intrappolata sotto il fuoco incrociato di una sparatoria a Gaza a Gennaio 2024, e dei tentativi disperati della Mezzaluna Rossa di trarla in salvo. La vicenda è narrata in un film di finzione in cui la realtà irrompe prepotentemente in scena: se quelle tragiche ore negli uffici della Mezzaluna Rossa sono infatti ricostruite con attori professionisti, la voce che sentiamo chiedere aiuto al di là del telefono e che ci accompagna per tutta la durata della pellicola è la registrazione originale della voce di Hind.Intrecciando documentario e finzione, LA VOCE DI HIND RAJAB restituisce tutta la forza della sua voce e denuncia l’impotenza di fronte alla guerra.
In occasione dell’attesa uscita in sala del film inoltre, a partire dal 25 settembre, gli interpreti Motaz Malhees (Speak No Evil – Non parlare con gli sconosciuti, 200 metri) e Saja Kilani (Knockdown, What’s Your Emergency?) prenderanno parte al tour promozionale italiano di LA VOCE DI HIND RAJAB presentandolo e commentandolo con il pubblico in sala. Il tour toccherà le città di Roma, Firenze, Bologna, Padova, Torino e Milano.
«Al centro di questo film c’è qualcosa di molto semplice e molto difficile da tollerare», ha dichiarato la regista. «Non posso accettare un mondo in cui un bambino chiede aiuto e nessuno accorre. Quel dolore, quel fallimento, appartiene a tutti noi. Questa storia non riguarda solo Gaza. Parla di un dolore universale. E credo che la finzione (soprattutto quando attinge a eventi verificati, dolorosi, reali) sia lo strumento più potente del cinema. Più potente del rumore delle ultime notizie o dell’oblio dello scorrimento. Il cinema può conservare una memoria. Il cinema può resistere all’amnesia. Possa la voce di Hind Rajab essere ascoltata”.
LA VOCE DI HIND RAJAB di Kaouther Ben Hania sarà nei cinema dal 25 settembre distribuito da I Wonder Pictures.
Eagle Pictures ha diffuso un dietro le quinte esplosivo di The Running Man, il film diretto da Edgar Wright con Glen Powell, e già adattato nel 1987 con l’iconico Arnold Schwarzenegger nel ruolo del protagonista.
Il film di Edgar Wright uscirà il 6 novembre distribuito da Eagle Pictures e vede nel cast Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Emilia Jones, Michael Cera, Daniel Ezra, Jayme Lawson con Colman Domingo e Josh Brolin.
La trama di The Running Man
The Running Man è il programma televisivo più seguito al mondo: un reality show estremo in cui i concorrenti, chiamati “Runner”, devono rispettare una sola regola per restare vivi: fuggire per 30 giorni, in diretta TV, braccati da killer professionisti, detti “Cacciatori”, mentre il pubblico, incollato agli schermi, esulta a ogni esecuzione. Ben Richards (Glen Powell) non è un eroe. È un uomo qualunque, costretto a una scelta impossibile: entrare nel gioco per salvare la figlia malata. A convincerlo è Dan Killian (Josh Brolin), il carismatico e spietato produttore dello spettacolo, maestro nel trasformare la sofferenza in spettacolo, la paura in share, la morte in intrattenimento. Ma Ben non segue il copione. Corre, lotta, resiste. E contro ogni previsione diventa un idolo: il pubblico lo acclama, gli ascolti volano. Più il successo cresce, più il gioco si fa mortale. Ora Ben non deve affrontare solo i suoi inseguitori… ma un’intera nazione che vuole vederlo cadere.
Diretto da Ngo The Chau e Buket Alakuş, She Said Maybe di Netflixè una commedia romantica che racconta la storia di una donna di nome Mavi. Nata e cresciuta in Germania, ha origini turche ma non ha mai esplorato quel lato della sua discendenza. Ha una relazione con Can, che è ansioso di chiederle di sposarlo. Dopo un tentativo fallito, lui la porta in vacanza a Istanbul, dove il suo intento di chiederle di sposarlo viene interrotto dalla rivelazione del legame di Mavi con i Bilgin, una delle famiglie più ricche della Turchia.
Si susseguono una serie di rivelazioni sul lato paterno di Mavi, mentre lei si gode la sua nuova ricchezza e influenza, influenzando la sua relazione con Can. Gli aspetti fiabeschi del film sono radicati nel realismo, con temi quali l’amore, la famiglia, le responsabilità e la libertà personale, che rendono il personaggio di Mavi simile a una vera ereditiera turca la cui vita è cambiata drasticamente.
La famiglia Bilgin, personaggi immaginari di She Said Maybe, sottolineano l’importanza dei legami familiari
She Said Maybe è una storia immaginaria scritta da Ipek Zübert. La trama si concentra sul caos che si scatena nella vita di Mavi dopo che le viene presentata sua nonna, la matriarca della famiglia Bilgin. Nel creare le dinamiche insidiose dei Bilgin, alle quali Mavi deve imparare ad adattarsi piuttosto rapidamente, l’autrice non ha preso spunto da nessuna famiglia turca in particolare. Detto questo, è possibile che abbia preso in prestito alcuni aspetti delle lotte per la successione familiare, dello stile di vita e delle ideologie da famiglie come i Koç, una delle più ricche della Turchia.
Sono i proprietari della Koç Holding, che si occupa di ogni tipo di attività commerciale per mantenere il suo status di una delle famiglie più ricche del paese. Nel film Netflix, la famiglia Bilgin possiede una società chiamata Bilgin Holding, che ha anche messo piede in tutti i tipi di attività commerciali, ma non c’è alcun collegamento diretto tra le due famiglie. La trama di “She Said Maybe” ruota attorno a una situazione fiabesca in cui una donna di umili origini scopre di appartenere alla famiglia reale turca e di essere l’erede perduta della fortuna dei Bilgin.
Mentre il film si sofferma sul viaggio di Mavi alla scoperta della Turchia e della fama e ricchezza della sua famiglia, rimane con i piedi per terra grazie ai dettagli sottili che rendono la protagonista profondamente realistica. Sfruttando la differenza culturale tra l’educazione tedesca di Mavi e le sue radici turche, il film esplora la cultura della Turchia, mettendo in mostra il suo mix di storia e modernità, che permea ogni aspetto, dall’architettura al cibo. L’esplorazione della sua altra metà da parte di Mavi permette al pubblico di vedere il Paese da una prospettiva diversa.
Per rafforzare questo punto di vista, il film si affida a location reali come il Palazzo Ciragan a Istanbul e la regione della Cappadocia. Questo non solo conferisce un tocco cinematografico alla storia, ma trasporta anche il pubblico in Turchia, insieme a Mavi, dando loro un’idea di ciò che sta vivendo. Questo approccio conferisce al film, simile a “The Princess Diaries”, un tocco di realismo che fa tifare il pubblico per i personaggi in modo ancora più intenso.
Diretto da Ngo The Chau e Buket Alakuş, She Said Maybe di Netflixè una commedia romantica che racconta la storia di Mavi, un’architetta tedesca che scopre di appartenere alla nobiltà turca. Non ancora pronta a lasciarsi il passato alle spalle, Mavi si ritrova in una situazione difficile, divisa tra le strutture tradizionali e familiari di sua nonna, Yadigar Bilgin, e la relazione sentimentale che ha con Can, uno stagista presso uno studio legale. Da quel momento in poi, il conflitto di classe definisce la loro storia d’amore.
Nel mentre la protagonista arriva lentamente a riconoscere la mancanza di chiarezza nella sua vita. Anche se Can cerca di chiedere alla sua compagna di sposarlo all’inizio della storia, le cose non vanno proprio come previsto, lasciandolo alla disperata ricerca di un’altra possibilità. Le complicazioni che si accumulano nel frattempo aggiungono pepe a questo dramma familiare, rendendo la scelta finale di Mavi ancora più imprevedibile.
Can e Mavi si sposano alla fine di She Said Maybe
Sebbene la relazione tra Can e Mavi abbia un percorso accidentato nel corso del film, gli ingredienti per realizzare i loro sentimenti sono sparsi ovunque. In realtà, lei si rende conto di non poter lasciare andare Can, e questo la spinge a tornare da lui. Nel frattempo, Can, sentendosi altrettanto abbattuto, decide di lasciare il suo tirocinio e di dedicarsi a un viaggio; tuttavia, questo tentativo di ricerca interiore nasconde solo la vera origine delle sue emozioni.
Quando Mavi lo raggiunge pochi istanti prima della sua partenza, la coppia vive finalmente il suo momento decisivo e confessa la vera profondità del proprio amore. Mavi si scusa per aver lasciato che il loro legame si affievolisse nel trambusto del suo nuovo stile di vita, ma è proprio quel cambiamento di prospettiva che le serviva per capire ciò che desidera. A tal fine, Mavi ribalta la premessa centrale del film e diventa lei a chiedere a Can di sposarla, che accetta felicemente.
Le fratture nella relazione tra Can e Mavi nascono da una serie di incomprensioni che alimentano il loro divario comunicativo. Sebbene la coppia sia abbastanza sicura di ciò che vuole a livello personale e professionale, la rivelazione sulle origini di Mavi cambia le carte in tavola. All’improvviso, la protagonista si ritrova coinvolta nelle dinamiche dei ricchi, compresa la pressione esercitata silenziosamente da sua nonna. La carta vincente di Yadigar, Kent, alla fine dà i suoi frutti quando a Can viene mostrata una foto di lui e Mavi che stanno per baciarsi.
Pochi istanti prima, la giovane architetta viene a sapere che il suo partner ha accettato una somma considerevole di denaro per porre fine alla loro relazione, e questo cementa la loro separazione. Tuttavia, in entrambi i casi, vediamo solo metà del quadro, e proprio qui sta il punto chiave della narrazione. L’alienazione tra i due amanti finisce per limitare la sensibilità emotiva di entrambi, creando una frattura.
I momenti finali del film servono come momento di riflessione sia per Can che per Mavi, che lentamente arrivano a comprendere il punto di vista dell’altro. Questo porta a un’altra epifania condivisa, ovvero che i due non possono essere felici finché sono lontani l’uno dall’altra. Non solo si riconciliano, ma compiono anche il coraggioso passo successivo nella loro relazione, sotto forma di matrimonio. Sebbene Mavi fosse precedentemente timorosa di impegnarsi in tal modo, il suo cambiamento di posizione rappresenta una pietra miliare nel suo percorso di trasformazione.
Il matrimonio della coppia riunisce tutti i personaggi della storia in un momento caratterizzato dall’amore e dalla gioia, invece che da spietate politiche familiari. Una sequenza splendidamente resa raffigura Mavi e Can che si tengono per mano mentre corrono accanto a tutte le persone a loro care, a significare come la loro storia d’amore si propaghi verso l’esterno creando una reazione a catena positiva.
La storia d’amore di Can e Mavi spinge Yadigar a cambiare i suoi vecchi modi di fare
Il più grande ostacolo nella relazione tra Can e Mavi è senza dubbio Yadigar, che arriva al punto di dare al primo un assegno in bianco come ricompensa per aver lasciato sua nipote. Questa mossa tocca il cuore della complicata situazione familiare di Can e sembra quasi troppo allettante per essere ignorata dal giovane avvocato. Tuttavia, i pezzi mancanti di quello scambio vengono rivelati alla fine, in una lettera che Yadigar invia personalmente a Mavi.
Scopriamo che Can non ha lasciato un importo su quell’assegno, ma ha invece espresso che nessuna somma di denaro avrebbe mai potuto comprare il suo amore per la protagonista. Questo attacca direttamente il nucleo materiale di Yadigar e le offre un momento di riflessione, che alla fine la porta ad accettare la loro relazione. A tal fine, la lettera è accompagnata anche da una nota di scuse e dai suoi auguri per qualsiasi direzione prenderà la storia d’amore.
Con il cambiamento di opinione di Yadigar, il matrimonio di Can e Mavi vede un ospite in più, e questo rappresenta un cambiamento visibile nelle dinamiche familiari e nei sistemi di valori. Sebbene Yadigar sia descritta come una figura autorevole, fredda e pragmatica per gran parte della serie, la sua apparizione finale è di felicità sfrenata, mentre balla con sua nipote e sua nuora. Questo ricorda un momento precedente della storia, quando il lato più rilassato e malizioso della nonna è emerso mentre cucinava con Mavi.
Questa essenza viene estrapolata nella sequenza finale, suggerendo che la matriarca ha finalmente abbandonato le strutture soffocanti a cui si è attenuta per tutto questo tempo. In questo modo, la cerimonia di matrimonio diventa anche un’occasione per ricucire i rapporti all’interno della famiglia, da tempo incrinati, dimostrando così nel finale di She Said Maybe che l’amore può davvero conquistare qualsiasi cosa.
La prima stagione di Chief of War (qui la nostra recensione) si è conclusa, offrendo un finale ricco di spunti. Il progetto storico di Jason Momoa ha rispettato le aspettative, con costumi d’epoca accurati, scenografie spettacolari e scene d’azione epiche, degne di una serie intitolata “Chief of War”. Momoa guida il cast interpretando il guerriero Ka‘iana.
Nei primi nove episodi, vediamo Ka‘iana lottare con la sua lealtà verso diversi capi, per poi tornare dopo un periodo trascorso all’estero ad aiutare il re Kamehameha (Kaina Makua) nella guerra contro Keōua (Cliff Curtis) per il controllo dell’isola di Hawai‘i. Le forze di Keōua erano sostenute dal re Kahekili (Temuera Morrison) dell’isola di Maui.
Il conflitto tra Ka‘iana e Kamehameha
Gli episodi finali della serie si concentrano sul conflitto tra Kamehameha e Ka‘iana riguardo all’uso delle armi da fuoco nella battaglia contro Keōua. Nell’episodio penultimo, inoltre, l’attività del vulcano Kīlauea viene interpretata da molti distretti come un segno divino a favore di Keōua, spingendoli ad allearsi con lui.
La battaglia che segue è sanguinosa e violenta, combattuta all’ombra del vulcano. Ka‘iana provoca le forze di Keōua, spingendole a caricare con le lance, mentre gli uomini di Kamehameha rivelano i fucili nascosti e ottengono un vantaggio decisivo.
Ka‘iana affronta direttamente Keōua, ma quest’ultimo viene ucciso dalla natura stessa, smentendo la sua convinzione che l’eruzione fosse un segno divino del suo diritto a governare. Con la morte di Keōua, Kamehameha ottiene il dominio su Hawai‘i, aprendo la strada alla conquista delle altre isole hawaiane.
Tutte le morti principali nel finale di Chief of War
Keōua: come detto, viene ucciso nello scontro. Ka‘iana lo cercava in battaglia per vendicare la morte del fratello Nāhi, avvenuta nell’episodio precedente. Essendo l’antagonista principale della stagione, la sua fine non è una sorpresa.
Opunui: rappresentante di Maui, mandato a guidare le forze di Kahekili contro Kamehameha, si dimostra un uomo violento e spietato dopo l’uccisione di Nāhi. Nella battaglia finale attacca Heke, rischiando di ucciderla, ma viene colpito da Ka‘ahumanu e poi finito da Heke, che vendica così il suo amante.
Te Ao o Hinepehinga in “Chief of War,” now streaming on Apple TV+.
In che modo il finale prepara la stagione 2
Kahekili è stato l’antagonista centrale della serie fin dall’inizio, ed è il motivo per cui Ka‘iana era così determinato a tornare nelle isole hawaiane. Si sentiva ingannato dal re di Maui, che lo aveva spinto a commettere crimini di guerra in nome di una presunta profezia.
È quindi sorprendente che Kahekili non compaia nella battaglia finale, anche se alcuni suoi uomini vi partecipano. Nella scena conclusiva, scioccante e provocatoria, vediamo Kahekili ricevere notizia della sconfitta di Keōua e giurare di portare la sua potente flotta a conquistare Hawai‘i.
La serie non è ancora stata rinnovata per una seconda stagione, ma il finale suggerisce che altra violenza è all’orizzonte. L’alleanza tra Ka‘iana e Kamehameha, nata per contrastare Keōua, potrebbe incrinarsi con l’arrivo di Kahekili o con il ritorno dei marinai britannici.
I temi spirituali di Chief of War
Riflettendo sulla battaglia, Ka‘iana trafigge con una lancia uno dei sacerdoti di Keōua. Questo gesto si lega al tema ricorrente della serie: Ka‘iana ha sempre cercato la guida degli dèi, temendo di andare contro la loro volontà combattendo contro Keōua.
Come mostrano le visioni del veggente Tala, gli dèi sono in collera, ma non per l’esito della guerra tra Keōua e Kamehameha. Ciò che li turba è l’uso di strumenti stranieri e l’arrivo imminente dei coloni. Ka‘iana ha sconfitto Keōua, ma lo ha fatto abbandonando la tradizione.
Te Kohe Tuhaka, Jason Momoa and Siua Ikale‘o in “Chief of War,” premiering August 1, 2025 on Apple TV+
L’uso delle armi da fuoco appare come un patto faustiano: non importa chi unifichi le isole hawaiane, la vera minaccia è l’influenza esterna. Le stesse armi che hanno dato la vittoria a Ka‘iana e Kamehameha porteranno in futuro alla caduta di Hawai‘i come nazione indipendente e alla sofferenza della sua antica cultura.
L’accuratezza storica della stagione 1
Dal punto di vista storico, la serie è poco accurata. Chief of War utilizza figure realmente esistite, ma modifica la cronologia per esigenze narrative. La battaglia più vicina a quella rappresentata è la Battaglia di Mokuʻōhai del 1782. Tuttavia, Keōua morì solo nel 1791, e il suo esercito fu effettivamente distrutto dal vulcano Kīlauea nel 1790, ma non durante una battaglia.
In realtà, Keōua è un personaggio composito: fu Kīwalaʻō a ereditare l’isola dopo la morte di Kalaniʻōpuʻu, entrando in conflitto con Kamehameha per la divinità della guerra. La storia è stata dunque condensata e modificata in più punti, pur mantenendo una linea narrativa coerente.
Negli ultimi anni, l’idea di sopravvivere a una catastrofe globale è diventata sinonimo di privilegio estremo. I media riportano con sempre maggiore frequenza notizie sui super-ricchi che costruiscono bunker sotterranei per prepararsi a un evento di estinzione. Questa ossessione ha ispirato numerose opere di finzione, dalle serie televisive ai film, che immaginano miliardari isolati in rifugi mentre il mondo esterno crolla.
La premessa di Il rifugio atomico
La nuova serie spagnola di Netflix, Il rifugio atomico (El refugio atómico), creata dagli autori de La casa di carta, Álex Pina ed Esther Martínez Lobato, riprende questo filone narrativo ma lo ribalta. All’inizio, mentre le tensioni geopolitiche crescono, i clienti del progetto Kimera Underground Park si rifugiano in bunker a 300 metri di profondità, convinti di restarci solo temporaneamente. Ma quando sembra scoppiare una guerra nucleare, scopriamo subito il colpo di scena: l’apocalisse non è reale. È tutto un inganno orchestrato da Kimera, i cui scopi verranno svelati poco a poco.
Cortesia di Netflix
Una satira del potere e della ricchezza
La serie diventa così una metafora della vita artificiale dei super-ricchi, protetti da un guscio di finzioni. Pur contenendo elementi di critica sociale, lo show non rinuncia al ritmo serrato e alla drammaticità che hanno reso celebre La casa di carta: colpi di scena, tensioni familiari e passioni proibite si intrecciano con la truffa messa in scena da Kimera, guidata dalla manipolatrice Minerva.
La storia di Max
Uno dei protagonisti centrali è Max Varela, un giovane segnato da un passato tragico: uccide accidentalmente la fidanzata Ane in un incidente stradale e finisce in carcere, dove scopre la durezza della vita senza privilegi. Questa esperienza lo trasforma, rendendolo capace di affrontare la verità meglio dei ricchi che lo circondano. Dopo la scarcerazione, viene portato nel bunker dal padre Rafa, dove ritrova la famiglia di Ane e deve convivere con rancori, sospetti e segreti.
Realtà artificiali a confronto
La trama alterna momenti avvincenti a parti più lente e prolisse, con dialoghi che spiegano eccessivamente motivazioni e complotti. Oltre all’inganno di Kimera, assistiamo a una vera e propria soap opera familiare: vecchi tradimenti emergono, matrimoni infelici crollano, passioni represse vengono alla luce. Le bugie dei genitori di Max e di Ane, intrecciate da decenni, si sgretolano man mano che la vita sotterranea diventa insostenibile.
Cortesia di Netflix
Il meccanismo dell’inganno
I flashback mostrano come Minerva e il suo team abbiano architettato la finta apocalisse con messinscene spettacolari, degne di un blockbuster. Nonostante alcune incongruenze logiche, la serie sottolinea come i miliardari siano talmente abituati a vivere di illusioni da accettare senza dubbi le bugie di Kimera. Il parallelo con la scrittura televisiva stessa è evidente: anche i truffatori, come gli sceneggiatori, costruiscono storie per manipolare emozioni e comportamenti.
La rinascita di Max
Max, grazie alla sua esperienza in carcere, è più difficile da ingannare. Le rivelazioni sul passato della madre Frida, da anni amante del padre di Ane, e l’ammissione che lei non lo aveva mai visitato in prigione, lo spingono a confrontarsi con la falsità della sua famiglia. Parallelamente, Asia, sorella di Ane, scopre di essersi sempre mentita a sé stessa e di amare Max nonostante tutto. I due stringono un legame fondato sulla ricerca della verità.
Cortesia di Netflix
L’uscita verso la realtà
Nel finale, Max decide di affrontare il mondo esterno, convinto che ci sia più speranza fuori che dentro al bunker, anche se gli è stato fatto credere che la superficie sia contaminata. Dopo aver promesso ad Asia che tornerà per lei, emerge alla luce del sole, in una scena che simboleggia la sua rinascita e la scelta di vivere nella realtà, non nelle illusioni.
Gioco e riflessione
Il rifugio atomico mescola intrattenimento e critica sociale. Pur presentando eccessi narrativi e toni a volte ironici, come dimostra il finale con Oswaldo che canta “American Idiot” in una discoteca fittizia, la serie offre una riflessione profonda: per pensare di meritarsi un rifugio privato dalla fine del mondo, bisogna essere estremamente egoisti e capaci di autoinganno.
Il film di Mad Max che i fan chiedono a gran voce da anni è Mad Max: The Wasteland, un prequel ambientato un anno prima di Mad Max: Fury Road con Tom Hardy nel ruolo principale. Nel 2017, Miller avrebbe avviato la pre-produzione del progetto e avrebbe persino ottenuto l’impegno di Hardy, ma i lavori si sono interrotti quando il regista ha citato in giudizio la Warner Bros. per non avergli pagato un bonus garantito dal contratto.
Dopo il fallimento commerciale di Furiosa: A Mad Max Saga, la realizzazione del nuovo film è però divenuta particolarmente improbabile. Un recente rapporto di Deadline ha inoltre affermato che Furiosa, nonostante le ottime recensioni, ha fatto perdere alla Warner Bros. 120 milioni di dollari. Un insuccesso che comprensibilmente potrebbe portare alla cancellazione di tutti i piani futuri per la saga.
Inoltre, Miller ha recentemente dichiarato che il suo prossimo film non sarà un film di Mad Max. Ha poi citato il suo desiderio di realizzare The Wasteland, ma ha ammesso che il progetto è in pausa. Eppure, è ora arrivato un aggiornamento piuttosto interessante sul progetto. Il podcast Mad Max Bible, riporta che Mad Max: The Wasteland di Miller è attualmente in fase di rielaborazione per diventare una serie televisiva.
Shaun Grant sarebbe stato chiamato a scrivere la sceneggiatura. Ciò avrebbe perfettamente senso: la Warner Bros. sta cercando disperatamente di competere nella guerra dello streaming e HBO Max sta aumentando i progetti approvati indipendentemente dai costi. Al momento non ci sono conferme ufficiali né maggiori dettagli sul progetto. Non è inoltre scontato che, in caso di conferma della serie, Tom Hardyriprenda il ruolo di Mad Max. Già in passato aveva offerto una deludente risposta in merito.
Se così non fosse, Miller probabilmente dovrà considerare l’idea di attuare un recasting. D’altronde, è proprio quello che ha fatto in Furiosa, ingaggiandoAnya Taylor-Joy per interpretare il ruolo ricoperto da Charlize Theron in Mad Max: Fury Road. Ad ogni modo, al momento non resta che attendere di avere conferme ufficiali sul progetto, che qualora dovesse essere realizzato diventerebbe subito una delle serie più attese tra quelle previste per il futuro.
La stagione 2 diGen V (qui la recensione) ha introdotto il misterioso Progetto Odessa nei primi episodi della seconda stagione, spingendo gli spettatori a formulare diverse teorie sul suo possibile significato. Poiché il progetto sembra essere collegato alla trama principale della serie, questa nuova stagione impiegherà del tempo per rivelarne il vero significato e scopo.
Tuttavia, già nei primi momenti, la seconda stagione di Gen V ha fornito indizi sufficientemente sottili da lasciare spazio a speculazioni e teorie. Gli spettatori più attenti hanno anche notato che il Progetto Odessa era stato menzionato in precedenza nella quarta stagione di The Boys e nella prima stagione di Gen V, aprendo la strada a teorie ancora più avvincenti.
Alcuni spettatori credono addirittura che il progetto possa essere un riferimento a un’operazione reale avvenuta dopo la seconda guerra mondiale, il che lo rende ancora più interessante. Indipendentemente da ciò che sarà il Progetto Odessa, è divertente speculare sul suo significato e sul suo scopo prima che la seconda stagione di Gen V sveli la verità.
Il Progetto Odessa ha qualcosa a che fare con un piano di fuga nazista realmente esistito
ODESSA era infatti anche il nome di una presunta organizzazione nata dopo la Seconda Guerra Mondiale, che includeva ex membri delle SS. Si ritiene che lo scopo dell’organizzazione fosse quello di pianificare e facilitare le vie di fuga per gli ufficiali delle SS, in modo da garantire loro di evitare il processo dopo la Seconda Guerra Mondiale. Sebbene molti esperti neghino l’esistenza di un Progetto ODESSA ufficiale, Gen V potrebbe trarre ispirazione da questa operazione ipotetica.
Nei primi episodi della seconda stagione, Emma e Polarity trovano una stanza nascosta nella biblioteca Godolkin che contiene cimeli nazisti. Pochi istanti dopo, nella stessa stanza, Emma scopre un fascicolo sul Progetto Odessa, che suggerisce un collegamento con Marie. Il fatto che abbiano trovato il fascicolo in una “stanza nazista” suggerisce il collegamento del progetto con la vera ODESSA.
Odessa ha più a che fare con Annabeth e meno con Marie
Quando Marie cerca ulteriori indizi sul suo legame con il Progetto Odessa nella seconda stagione di Gen V, scopre che i suoi genitori avevano difficoltà a concepire. Tuttavia, dopo aver chiesto aiuto a Cipher e al suo trattamento di fecondazione in vitro, che all’epoca era conosciuto con il nome di Dr. Gold, sono riusciti a metterla al mondo.
Non solo scopre che Cipher era presente durante la sua nascita, ma viene anche a sapere che sua sorella minore, Annabeth, era considerata una bambina miracolosa perché i suoi genitori non avevano avuto bisogno della fecondazione in vitro prima del suo concepimento. Questo fa sorgere il sospetto che il trattamento di fecondazione in vitro di Cipher possa essere stato utilizzato per manipolare selettivamente i tratti genetici o persino per creare determinate abilità nei bambini.
Se Marie fosse stata il soggetto principale del Progetto Odessa, Cipher l’avrebbe cercata molto tempo fa e non avrebbe aspettato che scoprisse i suoi poteri e si iscrivesse alla Godolkin University. Il fatto che Annabeth sia stata portata via prima di poter vivere la sua vita come una normale supereroina suggerisce che potrebbe essere lei il soggetto principale del progetto.
Gen V Stagione 2 – Cortesia Prime Video
Lo scopo del progetto è trasformare i supereroi in divinità
La citazione sotto la statua di Thomas Godolkin alla Godolkin University recita: “Il percorso inizierà qui, dove i mortali diventeranno divinità”. Questa frase potrebbe essere un indizio sul vero scopo del Progetto Odessa, suggerendo che il suo obiettivo è trasformare i supereroi in esseri divini. Nonostante abbiano poteri soprannaturali, i supereroi hanno ancora dei difetti e possono essere uccisi dagli umani.
Anche Cipher continua a ricordare ai suoi studenti che gli esseri umani privi di poteri potrebbero facilmente sconfiggerli semplicemente superandoli in numero in uno scontro finale. Attraverso Odessa, Cipher potrebbe dunque voler rendere alcuni superpotenti selezionati così incredibilmente potenti e forti che gli esseri umani normali sarebbero costretti a incoronarli come divinità.
Il progetto Odessa mira a creare superumani più “stabili”
La violenta scena iniziale della seconda stagione di Gen V mostra come un gruppo di scienziati abbia utilizzato uno strano siero per acquisire abilità superumane. Tuttavia, il loro esperimento ha portato a conseguenze disastrose, causando la morte di tutte le persone coinvolte. Questa scena sembra sottolineare come il Composto V raramente funzioni sugli adulti. Cipher probabilmente spera che Marie sfrutti il vero potenziale delle sue abilità di manipolazione del sangue.
Ciò le permetterebbe di raggiungere un punto in cui possa aiutare a stabilizzare il Composto V in tutti gli individui. Una volta raggiunto questo obiettivo, Cipher sarebbe in grado di creare una razza umana superiore, dando accesso al Composto V al maggior numero possibile di esseri umani. L’idea di creare una razza superiore sarebbe anche in linea con il collegamento nazista di Cipher accennato in Gen V. Tuttavia, c’è anche la possibilità che Cipher non sia in realtà cattivo e che i suoi scopi siano invece positivi.
Mike Colter, protagonista di Luke Cage, ha accennato alla sua potenziale partecipazione al MCU in vista della seconda stagione di Daredevil: Rinascita. Quando i diritti delle serie Marvel’s Defenders sono passati da Netflix a Disney, si è subito riaccesa la speranza di vedere Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage e Iron Fist riunirsi di nuovo, e magari diventare parte del più ampio Marvel Cinematic Universe.
Naturalmente, questo desiderio è diventato presto realtà, con il Matt Murdock di Charlie Cox, Wilson Fisk di Vincent D’Onofrio e Frank Castle di Jon Bernthal in testa al gruppo in varie apparizioni canoniche dell’MCU, culminate nella serie reboot Daredevil: Rinascita. È poi stato presto confermato che Jessica Jones, interpretata da Krysten Ritter, avrebbe unito nuovamente le forze con Daredevil nella seconda stagione, ma non si è ancora saputo nulla degli altri Defenders.
Ora, però, il 20 settembre all’Edmonton Expo, Mike Colter, interprete di Luke Cage, ha accennato timidamente che il suo personaggio a prova di proiettile potrebbe ancora apparire a sua volta nella seconda stagione o in un altro progetto ambientato nelle strade di New York. Alla domanda su quando Luke Cage potrebbe fare il suo grande ritorno nell’MCU, l’attore ha risposto:
“Non so perché la gente continui a chiedermelo. Non ci sono segnali. Non è che abbiano appena ripreso una delle serie Marvel Netflix”. Ovviamente questa non è una conferma, ma dato il ritorno di Jessica Jones interpretata da Ritter, non è così assurdo credere che anche Luke interpretato da Mike Colter e persino Danny Rand/Iron Fist interpretato da Finn Jones potrebbero presto tornare a combattere.
Cosa significa questo per Luke Cage, Daredevil: Rinascita e l’MCU
Recentemente è stato rivelato che Marvel Studios e Disney+ stanno cambiando la loro strategia per le serie Marvel in streaming. Piuttosto che introdurre nuovi personaggi in miniserie autonome o creare serie che abbiano un effetto importante sulla trama cinematografica, come WandaVision o Loki, Marvel vuole produrre serie con un potenziale pluriennale che possano essere rilasciate ogni anno.
Daredevil: Rinascita ha dato il via a questa nuova era della Marvel Television e potrebbe rivelarsi un solido punto di partenza per altre storie di supereroi di strada su Disney+. Riportare tutti i Defenders, e non solo Jessica Jones, sarebbe un vero colpo grosso per la piattaforma di streaming. All’inizio di quest’anno, sono dunque iniziate a circolare voci sul coinvolgimento di Colter e Finn Jones nella seconda stagione in arrivo nel 2026, poiché entrambi gli attori hanno pubblicato sui social media di trovarsi a New York mentre la seconda stagione era già in produzione.
All’epoca, Colter ha persino commentato il post di Jones su Instagram, scrivendo semplicemente: “Amica mia”. Naturalmente, potrebbe trattarsi solo di una battuta amichevole, ma data la relazione semi-intima tra i loro personaggi nelle precedenti serie dei Defenders, potrebbe anche essere un indizio di qualcosa di più. Dopotutto, prima che Cox, D’Onofrio, Bernthal e Ritter confermassero di riprendere i loro ruoli, anche loro avevano alimentato le voci sul loro ritorno.
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